Arte del Renacimiento.

1. Introducción.

Los escritores y artistas del siglo XV llamaron Renacimiento a la recuperación de los valores espirituales y formales de
la Antigüedad clásica. Entre los valores espirituales destacaron el estudio de las Humanidades, la gramática, la retórica,
la historia, la poesía y la filosofía. Entre los valores formales, exaltaron el arte grecorromano.
Supone un regreso a la primitiva moral evangélica, que se encontraba muy relajada por los vicios del clero y la
recuperación de la ética cristiana. Se inicia en Florencia. Filósofos y artistas la convirtieron en la capital del
Renacimiento. Resucitan el antropocentrismo, la teoría de las proporciones del cuerpo humano y las leyes de la
perspectiva. Surge una nueva concepción del mundo en la que, sin negar la existencia de Dios, el hombre ocupa el
centro del universo. Un optimismo en el libre albedrío del individuo que generará un arte humanista que otorga
prioridad absoluta a la figura humana.
2. El Quattrocento italiano.
Durante el siglo XV, el mapa italiano aparece fragmentado en pequeñas ciudades-estado gobernadas por príncipes.
Los más significativos fueron los Montefeltro en Urbino, Malatesta en Rímini, Sforza en Milán, Alfonso de Aragón en
Nápoles y los Médici en Florencia.
LA ARQUITECTURA, BRUNELLESCHI Y ALBERTI.
El Florentino, Brunelleschi comenzó siendo escultor. Participó en el concurso de las puertas del Baptisterio de
Florencia, que el jurado adjudicó a Ghiberti. Decepcionado, se marchó a Roma, donde cambió su vocación hacia la
arquitectura.
Vuelve a participar con Ghiberti en otro célebre certamen florentino, la construcción de la cúpula de la Catedral y se
alza vencedor. La solución que le da el triunfo consiste en cubrir con dos cúpulas superpuestas, encofrando una dentro
de la otra y dejando una cámara de aire entre ambas. De este modo, el peso de los materiales disminuía y su altura
podía crecer.
Brunelleschi trató de conjugar en sus proyectos los elementos y las proporciones de la tradición romana con la
perspectiva renacentista que él inventó. Entre los elementos clásicos se decanta por las columnas de fuste liso y
capiteles corintios, la proporción vendrá marcada por la distancia de separación entre soportes. Esta medida arroja un
módulo con el que se relacionan matemáticamente todas las partes del edificio. Como creador de la perspectiva
armonizó visualmente las masas en el espacio graduándolas según las leyes ópticas. Así, por ejemplo aparece en el
Hospital de los Inocentes y en las Basílicas del Espíritu Santo y San Lorenzo. En este último edificio levantó la Sacristía
Vieja. Donde plasmó la idea que se tenía en la época de lo que debía ser una obra comparable a las de la Antigüedad.
También diseñó la Capilla Pazzi para uso funerario de esta familia de banqueros florentinos.
El genovés Alberti es un teórico que representa el saber universal del genio renacentista, anticipando en medio siglo a
Leonardo. Sobresalió en todas las artes: en la escultura, la pintura, la arquitectura. Sobre esta última escribió 10 libros.
Su misión será la de concebir mentalmente el edificio, confiando su ejecución material a los maestros de obra.
El comerciante Rucellai le encargó un Palacio en Florencia, que se convertirá en prototipo de la mansión ciudadana del
Renacimiento, con fachada de tres pisos superpuestos, cobijados por una amplia cornisa.
Sus primeros trabajos consisten en remodelar edificios medievales con portadas renacentistas. Así, por ejemplo, a la
Basílica gótica de Santa María Novella de Florencia le añadió una fachada de proporciones perfectas y el convento de
San Francisco de Rímini, que Alberti tapizó con un arco de triunfo romano. Malatesta quería reunir en este edificio las
cenizas de sus antepasados, las suyas, las de su amante y las de artistas y poetas.
La construcción religiosa más importante de Alberti fue San Andrés de Mantua. Con elementos de la Antigüedad en su
fachada, como un arco de triunfo como en los templos romanos.
LA ESCULTURA GHIBERTI Y DONATELLO.
El florentino Ghiberti fue un orfebre medieval que ganó el concurso público para construir las Segundas Puertas del
Baptisterio de Florencia, superando a Brunelleschi. Se ajustó a un modelo gótico realizando 28 tréboles de cuatro
hojas. con escenas del Nuevo Testamento y de los evangelistas. Las autoridades florentinas también le confiaron las
Terceras Puertas. Optó por 10 espacios cuadrados con escenas del Antiguo Testamento. En los marcos,
reproducciones de esculturas griegas, frutas y animales donde muestra el respeto que el nuevo arte tenía por la
antigüedad y la naturaleza. Miguel Ángel consideró estas puertas dignas de figurar a la entrada del paraíso.
Ghiberti cinceló también también estatuas con imágenes como la de San Juan Bautista y San Mateo.
Otro florentino llamado Donatello fue el escultor más influyente del siglo XV. Sus cualidades son el dominio que ejerció
sobre todas las técnicas y materiales, y la profundidad psicológica con que expresa los sentimientos humanos.
Aprendió los secretos de la fundición del cobre en el taller de Ghiberti. Hoy sus primeros trabajos fueron para decorar
los principales edificios góticos de la ciudad como la imagen del Evangelista San Marcos o la figura en mármol de San
Jorge, en esta imagen, Donatello utiliza por primera vez la técnica del aplastado (schiacciato).
Después se asoció con el arquitecto Michelozzo, componiendo un equipo artístico que dará forma a la tumba y al
púlpito. La serie de sepulturas humanistas alcanzan su plenitud con la del Cardenal Brancacci. También realizaron
juntos. El púlpito del cinturón de la Virgen, en la Catedral de Prato. Dos son las novedades que presenta la plataforma:
está colgada en la pared en vez de apoyarse sobre una columna y se decora con relieves de niños danzantes.
Donatello volverá a utilizar también la arquitectura suspendida en su obra más dinámica, la cantoría (la tribuna para los
niños cantores de la Catedral de Florencia).
Su siguiente obra se centra en el altar de piedra o bronce, que va a sustituir en el arte italiano al retablo de madera
policromada. Así realizó el tabernáculo de la Iglesia de Santa Croce de Florencia, con el tema de la Anunciación.
Su David del Palacio de los Médici, constituye el primer desnudo masculino del arte europeo.
Cuando Donatello llega a Padua es el escultor más aclamado de Italia. Allí labró un monumento que propagó su fama
por toda Europa: la estatua ecuestre del condotiero Erasmo de Narni, el Gattamelata.
Los últimos años de Donatello transcurren en Florencia, donde sufre una crisis religiosa. De esta época es la
Magdalena Penitente que parece la negación de la belleza renacentista.
La pintura: el Beato Angélico, Masaccio, Piero della Francesca y Botticelli
La pintura italiana del siglo XV se mueve en dos direcciones. Los artistas interesados por la línea y los preocupados por
el volumen. La primera tendencia está representada por el beato Angélico y Botticelli, y la segunda por Masaccio y
Piero della Francesca.
Beato Angélico es un título que concedieron sus contemporáneos al fraile Giovanni, del que proclamaban que su obra
pictórica estaba ungida por la inspiración divina.
Obras son herederas del gótico internacional. Utiliza colores vivos y fondos dorados, y la luz invade por igual toda la
composición. Es la luz divina como nos muestra en el Retablo de la Anunciación.
Del convento de San Marcos en Florencia, recibe de sus superiores el encargo de pintar la sala capitular, el claustro y
las celdas. Con 50 frescos imparte un mensaje de espiritualidad a sus hermanos de religión.
Masaccio. Pese a su corta carrera, murió con 27 años, es el fundador de la pintura moderna. Técnicamente es el
primer artista que construye con el color, preocupándose del volumen y los efectos tridimensionales.
Los frescos de la capilla Brancacci son ya una obra maestra. La historia más famosa pintada por Masaccio, será El
tributo de la moneda: Cristo es requerido por el recaudador de impuestos para que pague el derecho de portazgo antes
de entrar en la ciudad. El Señor encarga a Pedro que pesque un pez, en cuyas entrañas hallará la moneda solicitada.
Masaccio manifiesta también el conocimiento de la perspectiva. El fresco de La Trinidad, pintado para la iglesia de
Santa María Novella de Florencia, constituye el primer documento de la perspectiva matemática aplicada a la pintura
renacentista.
La herencia de Masaccio va a ser superada por Piero della Francesca al combinar la luz y el color en la construcción
del volumen.
Decoró con La historia de la Veracruz la capilla familiar de los Bacci de la Basílica de San Francisco de Arezzo. La serie
consta de 10 episodios extraídos de la leyenda dorada. Tras haber descubierto Santa Elena las tres cruces del calvario,
y no sabiendo distinguir la perteneciente a Cristo de la de los ladrones, las puso en medio de la ciudad donde se detuvo
un féretro en la tercera Cruz y al momento resucitó el joven.
Las características de su arte son modelar al hombre a los objetos y al paisaje mediante la fusión de luz y color, reducir
la naturaleza a figuras geométricas y usar la perspectiva con rigor matemático. En el siglo XX fue considerado como el
primero de los pintores cubistas.
Además de pintor sacro, Piero es también retratista cortesano. Piero retrata a Malatesta, a Sforza, a los duques de
Montefeltro…
De los pintores flamencos, copiará la técnica de las veladuras al óleo en su Virgen de Senigallia y en su famosísima
Pala Brera de Milán. Poco después quedaba ciego y moría en 1492.
Sandro Botticelli, este pintor Florentino fue el favorito de los Médici. La pintura que desarrolla es mitológica y tiene un
contenido moralizante.
Para la Villa de Castello, propiedad de los Médici, realizó dos cuadros singulares, La primavera y El nacimiento de
Venus, que simbolizan respectivamente el amor y la belleza. Hola primavera, es un horóscopo destinado a celebrar las
bodas de su propietario. Ante un bosquecillo de naranjos, Venus libera a las Gracias, que bailan junto a Mercurio y
Flora, que es producto de la unión entre el viento, Céfiro y la ninfa Cloris.
El viento de Céfiro, la ninfa Cloris y la unión de ambos. En flora vuelven a aparecer en el nacimiento de Venus, símbolo
de la belleza.
El modelo femenino se repite en Palas domando al Centauro. Palas, la diosa Atenea, representa la sabiduría y los
anillos que decoran su vestido son el emblema de Lorenzo el Magnífico.. La obra se convierte así en una alegoría del
buen gobierno de los Médici sobre la ciudad de Florencia.
En 1492 tras la muerte de Lorenzo de Médicis, el dominico Savonarola dirige sus predicaciones contra los
coleccionistas de cuadros mitológicos y contra los pintores. “ Mostráis a la Virgen María vestida como una alcahueta. Y
el culto divino está así corrompido”. Savonarola convierte el carnaval Florentino en una fiesta penitencial. Botticelli,
convertido en un ferviente seguidor del fraile, destierra el espíritu profano de su producción. Sus últimas obras están
empapadas de un fuerte sentimiento religioso.
El cinquecento y la crisis del manierismo en Italia.
La muerte de Lorenzo, el Magnífico en 1492 marca el fin de Florencia como capital italiana del arte renacentista. Roma
le sucede durante el primer tercio del siglo XVI, dando origen al Renacimiento clásico. Es la época de los grandes
genios. Miguel Ángel, Rafael y Leonardo. Pero también la aparición del capitalismo económico, el fortalecimiento
político del Estado moderno, las reformas religiosas y los descubrimientos geográficos. La ciudad eterna va a vivir bajo
los pontificados de Julio II y de León X una Edad de Oro de las artes.
Julio II fue un papá militar, amante de la guerra y de la expansión de los Estados pontificios. Pero también fue un
mecenas de las artes. Inicia la construcción de la Basílica del Vaticano, ordena la decoración de la Capilla Sixtina y las
estancias y fomenta las excavaciones arqueológicas comprando las estatuas que se iban descubriendo.
León X patrocina otro tipo de hallazgos, se han encontrado en el Palacio Dorado de Nerón, numerosas galerías
enterradas, cuyos pasillos reciben el nombre de grutas y grutescos sus pinturas.
Con el saqueo de Roma por los españoles y los avances del Protestantismo, los artistas caen en la exagerada
imitación de Leonardo, Rafael y Miguel Ángel. La copia de la maniera personal de las grandes maestros pero
deformándola, es lo que se ha llamado Manierismo.
La arquitectura: Bramante. Miguel Ángel y Palladio.
Bramante representa la severidad arquitectónica. Su primer trabajo importante en Roma fue para la corona española,
los Reyes Católicos, en agradecimiento por la toma de Granada, deciden consagrar en Roma una iglesia a San Pedro.
Y encargar a Bramante, un templete en el patio.
Con Julio II Bramante, recibe el título de arquitecto e ingeniero general de todos los edificios pontificios. Realizará tres
grandes encargos, la ampliación del Palacio Vaticano, la construcción del nuevo templo de San Pedro y el trazado de
las avenidas que bordean el Tíber.
JulioII bendijo la primera piedra de la que iba a ser la construcción más importante del siglo XV, la Basílica de San
Pedro. Bramante diseñó un edificio de planta central con forma de cruz griega inscrita en un cuadrado de ábsides
salientes. Las cubiertas serían cúpulas. Pero a su muerte solo se habían erigido los gigantescos pilares maestros y en
los años sucesivos, varias innovaciones rompieron el plan previsto. Hoy el encargado de culminar la cúpula de San
Pedro va a ser Miguel Ángel.
El estilo arquitectónico de Miguel Ángel en Roma quedó reflejado en la porta Pía y en la reforma de la Plaza del
Capitolio. León X también le encargó la construcción de la Sacristía Nueva en la Basílica de San Lorenzo para que
sirviera de capilla funeraria a los miembros de la familia Médici. En la Sacristía Miguel Ángel. Utiliza frontones curvos y
ventanas ciegas que iban a ser característico de su producción arquitectónica. Realiza también la Biblioteca
Laurenciana. Consta de la sala de lectura y el vestíbulo, las columnas se disimulan y la escalera de acceso unifica sus
tres tramos en uno.
Andrea Di Pietro Della Góndola recibió el nombre de Palladio en alusión a la sabiduría y armonía grecorromana de sus
obras. En Vicenza. Ganó el concurso para revestir con una envoltura pétrea la Basílica o Palacio de la razón. Su
intervención fue magistral. Con una fachada de dos plantas, el piso bajo de orden dórico y el alto jónico, a partir de la
repetición seriada de un módulo. Lo que en historia del arte se conoce con el título de tramo rítmico palladiano. Sus
realizaciones más características son las bellas y cómodas villas, campestres, diseminadas entre Vicenza, Verona y
Venecia. Construyó 30 y su diseño responde a dos necesidades, ser lugares de ocio p centros productivos. La más
célebre fue la Rotonda.
Sus obras religiosas se concentran en Venecia. Los templos de San Francisco, el Redentore y el complejo Monástico
de San Giorgio Maggiore. También publicó cuatro libros de arquitectura dedicados que tendrán una enorme repercusión
en toda Europa.
La escultura Miguel Ángel.
La fascinación que ejerció Miguel Ángel sobre sus contemporáneos llega a la veneración absoluta alcanza el grado de
“divinísimo”. Fue arquitecto, ingeniero, poeta y pintor, sobresaliendo en todos los campos, pero el artista se
consideraba fundamentalmente escultor.
En Florencia, estudia las obras antiguas coleccionadas por Lorenzo el Magnífico. A esta época corresponde el relieve la
Virgen de la escalera, influido por la técnica del aplastado de Donatello.
A la muerte de Lorenzo el Magnífico abandona Florencia estableciéndose en Roma. El cardenal embajador del Rey de
Francia ante la Santa Sede, desea una Piedad para su tumba, convirtiéndose desde entonces en prototipo de imagen
devota para el arte cristiano. Fue la única ocasión en que el artista firmó un trabajo suyo.
Hoy la fama de su talento se propaga por Italia y sus paisanos florentinos lo reclaman para confiarle la ejecución de
David. En un bloque gigantesco de mármol de Carrara que permanecía arrumbado en la Catedral, el tamaño de la
piedra era tan grande que ningún artista se había atrevido. “El Gigante”, como llamaron popularmente los florentinos a
la estatua, se colocaba junto a la puerta del Palacio Vecchio en la Plaza de la Señoría. Representa al joven pastor
hebreo con la onda sobre el hombro. Así como David había defendido a su pueblo, debía hacerlo el gobernante de
Florencia. Está inspirado en la estatuaria clásica y testimonia los profundos conocimientos anatómicos que poseía el
artista.
Miguel Ángel también proyectó El sepulcro para Julio II: constaba de tres pisos: la base se adornaba con Victorias
flanqueadas por esclavos, la planta intermedia contenía relieves, representando los hechos del Pontífice y cuatro
grandes imágenes en las esquinas. Moisés, San Pablo, la Vida Activa y la Vida Contemplativa. En la parte superior,
Julio II aparecía sentado con dos ángeles, uno sonriendo y el otro llorando. El panteón contemplará seis reformas
debido a las disputas entre las partes con Julio II y sus herederos.
De las 47 esculturas proyectadas, solo se realizaron ocho. En cualquier caso, el Moisés y los Esclavos sirven para
mostrar dos aspectos del arte de Miguel Ángel: la potencia dramática o terribilitá y el inacabado o non finito. Estas
características vuelven a aparecer en los sepulcros de los Médici en Florencia. Cada mausoleo presenta tres figuras el
difunto, sentado dentro de un nicho y dos desnudos, recostados a sus pies. Ambos duques simbolizan la vida activa y
la vida contemplativa.
Posteriormente Miguel Ángel ya solo realiza variaciones sobre un tema, la Piedad de María de la Catedral de Florencia.
A esta obra le siguen la Piedad Palestrina y la Piedad Rondanini.
La pintura Leonardo Rafael y Miguel Ángel.
Leonardo es un científico que aporta la pintura, el espíritu de la investigación. Su principal contribución será la técnica
del esfumado o difuminado que consiste en sombrear las figuras y diluirlas mediante el claroscuro en el espacio.
Cursa su aprendizaje en el taller del pintor y escultor Florentino Verrocchio. Leonardo abandona Florencia y acude a
Milán, al servicio de Sforza como Ingeniero militar, arquitecto, escultor y pintor. De esta época es la Virgen de las
Rocas, una composición piramidal con la técnica del sfumato.
Problemas técnicos menguan hoy día, la grandeza de su obra maestra milanesa, La Sagrada Cena. El procedimiento
del fresco no le interesaba a Leonardo por su rápido secado y el artista necesitaba más tiempo para estudiar cada
detalle, por lo que utilizó pintura al temple sobre la pared. Actualmente está desvanecida. Leonardo siguiendo las leyes
de la perspectiva lineal, converge las líneas de fuga hacia las tres ventanas abiertas a la espalda de Cristo. La posición
de los apóstoles detrás de la mesa y agrupados en tríos, es nueva. Hasta entonces solía situarse a Judas aislado.
Destaca el dramatismo de los discípulos y su incertidumbre ante el anuncio de la traición de Judas.
Cuando regresa a Florencia, Leonardo expone el cartón de Santa Ana, la Virgen y el Niño. La República de Florencia le
encarga el fresco de La Batalla de Anghiari, donde el artista representa una carga de caballería. Pero este trabajo
nunca se llegó a inaugurar.
El retrato más célebre de su carrera y de la pintura universal es el busto de Monna Lisa, una florentina que al casarse
con Giocondo, pasará a llamarse la Gioconda. Sobre un paisaje de atmósfera vaporosa, siluetea, una figura que luego
difumina, otorgándole una expresión enigmática. El propio Leonardo se sintió tan seducido por su imagen que se la
llevó a Francia, donde moriría trabajando en la fortificación de los castillos del Rey Francisco I.
Rafael Sanzio. Cuatro etapas se advierten en su vida que se desarrollan en Perugia, Urbino, Florencia y Roma.
En Perugia adquiere las tonalidades claras. En contacto con el maestro Perugino. En Urbino, profundiza en los estudios
de perspectiva. La etapa florentina se caracteriza por asimilar la composición piramidal y el sfumato de Leonardo. Una
de las obras más famosas de esta época será la Virgen del Jilguero.
Posteriormente Julio II lo convoca en Roma para confiarle la decoración de cuatro habitaciones que han pasado a la
historia con el nombre de estancias vaticanas. De este impresionante programa ornamental, Rafael solo realizó
personalmente, la primera estancia donde representó en sus cuatro frentes un programa humanístico, con alusiones a
la justicia, a la poesía, a la teología y a la filosofía. Las dos últimas alegorías son sus frescos, más logrados. La Disputa
del Sacramento, dedicado a la teología y La Escuela de Atenas, sobre el triunfo de la filosofía antigua. En esta obra, en
el Templo de la Ciencia aparecen los filósofos, Platón y Aristóteles.
Hoy fuera del Vaticano, decoró con pinturas mitológicas la residencia romana del banquero Chigi. El tema central es el
Triunfo de Galatea, donde retrató a su amante, la Fornarina.
Antes de morir entregó los cartones para 10 tapices con los Hechos de los Apóstoles, que fueron tejidos en Bruselas.
Miguel Ángel.
Miguel Ángel se inició en el arte a través de la pintura. Sus primeras obras, el Tondo Doni, donde la Virgen arrodillada
en primer término tiende el niño a San José. Los desnudos del fondo vuelven a reproducirse en el cartón La batalla de
Cascina, en la que los florentinos habían vencido a los pisanos. Lo llenó de hombres desnudos que, mientras se bañan
en el río Arno, oyen dar la alarma en el campo porque los enemigos se asaltan.
La más célebre se encuentra en la bóveda de la Capilla Sixtina. Para levantar ópticamente el techo, imaginó un
conjunto articulado por grandiosas pilastras fingidas y entre ellas fue acomodando las monumentales figuras de los
Profetas y Sibilas. En el centro aparecen 9 tramos donde se narra la Creación y la Caída del hombre, tal como figura el
Génesis.
Concluía la decoración de esta Capilla con otra obra grandiosa en el muro del fondo. Las trompetas del Apocalipsis
están sonando, los muertos resucitan y el Juicio Final ha llegado. En el centro un Cristo joven en actitud de justo juez
divide la composición en dos mitades. A la derecha, los elegidos suben al cielo sostenidos por los ángeles y a la
izquierda los pecadores se precipitan en el infierno.
El papa Paulo III le apremia para que decore la Capilla Paolina. Será la última obra pictórica de Miguel Ángel.