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ÍNDICE
BLOQUE I:…………………………………………………....... 5
1. EL ARTE EN LA PREHISTORIA……………………….. 5
1.1 Introducción……………………………………….….. 6
1.2 Pintura Franco-cantábrica…..…………..………….. 7
1.3 Pintura Levantina…………………………………….. 10
1.4 Primeras construcciones. Monumentos
Megalíticos………………………………………… 13
1.5 Otras manifestaciones artísticas…………………… 20
2. EL ARTE EN LA PENÍNSULA DURANTE EL PRIMER
MILENIO …………………………………………………… 23
2.1 Introducción…………………….…………………….. 24
2.2 Manifestaciones culturales en la península durante 24
el primer milenio………………………………………
2.3 Los Íberos……………………………………………... 29
2.4 Los celtas………………………….…………………. 36
3. EL ARTE EN LA HISPANIA ROMANA……………….… 38
3.1 La historia…………………….……………………….. 39
3.2 El arte…………………………………………………. 41
ÍNDICE
1.1 INTRODUCCIÓN ................................................................ 6
ETAPAS DE LA PREHISTORIA
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UA 1: El arte de la Prehistoria.
Características generales:
Las figuras que aparecen en estas pinturas no forman escenas, están aisladas unas de
otras, y a veces, yuxtaponiéndose en el mismo espacio.
La ejecución de las figuras comienza con el trazado del contorno, que se marca con un
trazo grueso y oscuro, el interior se rellena con uno o varios colores. La paleta utilizada es
reducida. Los colores básicos se obtienen de la naturaleza como el manganeso y el
carbón para el negro o el óxido de hierro para los tonos rojos y ocres. Se mezclan con
grasa animal o resinas vegetales, de forma que consiguen una gama cromática que va
desde el terroso hasta el marrón. Este procedimiento permite una adherencia perfecta
sobre las rocas de las cuevas. Las condiciones de humedad, temperatura y ausencia de
luz, han permitido su conservación.
Los instrumentos realizados para extender los colores eran los dedos o pinceles
elaborados con pelos de animal. También se servían de un buril de sílex para contornear
las figuras.
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El ejemplo más representativo de la pintura franco-cantábrica en la Península Ibérica
son las Cuevas de Altamira en Santander, fueron descubiertas en 1875 por Marcelino Sanz
de Santuola, pero pasaron varios años antes de que fueran reconocidas por la comunidad
científica, pues en un principio, dada su alta calidad se consideraron falsificaciones.
Otras representaciones:
A las representaciones de la fauna propia del Paleolítico superior, hay que añadir otras
como las manos humanas, generalmente la izquierda, que parecen tener carácter mágico.
También son frecuentes los signos de formas alargadas, oval o rectangular, no se conoce
claramente su significado, pero algunos autores hablan de que pudieran tener simbolismo
sexual o representar trampas de caza.
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UA 1: El arte de la Prehistoria.
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El realismo y la perfección de las pinturas rupestres
http://museodealtamira.mcu.es/
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UA 1: El arte de la Prehistoria.
Las figuras son esquemáticas, reduciendo sus rasgos anatómicos a los necesarios para
su identificación. A pesar de ello, en estas pinturas es posible la identificación de hombre
y mujer, por las ropas y por los atributos sexuales. El jefe se identifica por su mayor
tamaño respecto al resto del grupo.
Aunque no hay paisaje, las figuras parecen situarse en un espacio que nos recuerda al real
y que permite la composición de una escena.
La técnica se asimila a la franco-cantábrica por el uso de los colores obtenidos del óxido
de hierro y de manganeso, pero ahora son pinturas monocromas, con una reducida gama
de colores.
Los ejemplos de pintura Levantina son numerosos, por este motivo vamos a señalar
algunos de ellos que destacan por su buen estado de conservación y su belleza, además de
poner de manifiesto las características propias de esta pintura. En Cogull (Lérida), en el abrigo
de la Roca dels Mors, encontramos una escena formada por un grupo de mujeres alrededor
de un hombre. El artista ha utilizado un color plano, son escenas monocromas, de pequeño
tamaño y esquemáticas. La escena que narra se ha interpretado como una danza ritual
relacionada con la fertilidad y con la reproducción.
La mayor parte de las pinturas levantinas del periodo, que por lo general poseen
un tamaño reducido, no se encuentran en cuevas, sino en abrigos, lo que prueba la
relativa benignidad del clima (y que posiblemente ha determinado la desaparición de
abundantes muestras). Entre los ejemplos más sobresalientes destacan: Cogul (Lérida);
Barranco de los Gascones (Teruel) donde se conserva una de las más interesantes figuras
de arquero, Cueva del Civil (Castellón de la Plana)…”
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Pintura rupestre, Cueva Morella, Castellón.
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UA 1: El arte de la Prehistoria.
La función de estos primeros monumentos era religiosa, relacionada con los cultos
solares y funerarios. En su entorno se han encontrado enterramientos y ajuares con ofrendas y
objetos pertenecientes al difunto. Los modelos que vamos a estudiar se difundieron por
Europa entre el IV y III milenio a.C. y encontramos ejemplos en Francia, Portugal, España e
Islas Británicas.
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El Menhir.
Menhir.
Menhires alineados
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UA 1: El arte de la Prehistoria.
El Dolmen.
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En la Península ibérica, se dan unas formas evolutivas del dolmen, son las
denominadas Cuevas o Tumbas de corredor, se trata de construcciones megalíticas
cubiertas por tierra; se cree que esta tierra era colocada para realizar rampas para la
superposición de cubiertas. Estas construcciones constaban de un corredor cubierto con
dintel a modo de dolmen. El corredor conducía a una o varias cámaras sepulcrales cubiertas
por falsa bóveda por aproximación de hiladas.
Esta falsa bóveda estaba compuesta por piedras en capas sucesivas que sobresalen
hasta cerrar la cubierta por un megalito.
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UA 1: El arte de la Prehistoria.
http://iris.cnice.mec.es/megaliticos/
En las Islas Baleares, sobre todo en Mallorca y Menorca, surgió durante la Edad del
Bronce (1500 a.C.), la Cultura Talayótica. Se conservan asentamientos de poblados
fortificados cuya actividad fundamental era la ganadería. Esta cultura presenta una
arquitectura megalítica peculiar:
• Los Talayots.
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• Las Taulas.
• Las Navetas.
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UA 1: El arte de la Prehistoria.
Se trata de una naveta funeraria que presenta doble cámara, una superpuesta a la
otra. Construida con sillares de buen tamaño dispuestos en hiladas. Albergó más de un
centenar de muertos.
Sabías que….
El utillaje de esta cultura es fundamentalmente de metal, tanto las hachas como los
puñales y la espada. Los adornos proceden generalmente de los enterramientos. Son anillos
de mármol, cuantas de collar de arcilla cocida, conchas perforadas. En metal hay brazaletes
de cobre y plata, pendientes y anillos de cobre, oro, plata y bronce. Los objetos más
característicos para el adorno, son las diademas de oro y de plata en forma de lámina, suelen
carecer de decoración.
Sabías que….
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Cultura de El Argar, Almería. Armas, cerámica y enterramiento.
Las armas son de forma triangular con el extremo redondeado y en la base clavos para
sujetar la empuñadura. La cerámica tiene formas muy variadas, está fabricada a mano y salvo
excepciones no aparece decorados. La mayoría de los adornos proceden de los
enterramientos, son características las diademas de oro y plata. En los enterramientos el
cadáver estaba en posición encogida, en grandes urnas ovoides, en las que se depositaba el
ajuar, compuesto de cerámica, puñales, diademas…
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UA 1: El arte de la Prehistoria.
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Ejemplos de Cerámica Campaniforme.
Figura 3. Esta cerámica pertenece al grupo portugués, las formas son achatadas como
las que aparecen en Andalucía. En su decoración aparecen muchas combinaciones,
predominando el puntillado. Figura 4 Este vaso campaniforme presenta una decoración a
base de líneas lisas sin puntillados, se corresponde con un medio cultural del noreste de la
Península, con utillaje en donde no aparece el metal.
Para reconocer las algunas de las piezas y culturas que se citan en la unidad,
puedes visitar la página http://man.mcu.es/
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Unidad de Aprendizaje 9
Unidad de Aprendizaje 2
EFECTOS DE TRANSICIÓN Y
EL ARTE EN LA
ANIMACIÓN
PENÍNSULA DURANTE EL
PRIMER MILENIO
ÍNDICE
2.1 INTRODUCCIÓN .............................................................. 24
Las fuentes más importantes para el conocimiento de esta cultura están en las
necrópolis de Cádiz e Ibiza. De la necrópolis gaditana destacan los enterramientos
independientes. En ocasiones el cadáver yacía en un sarcófago con la figura humana
esculpida en la tapa. Entre otros objetos que se han encontrado, destacan las joyas y piezas
de bronce.
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UA 2: El arte en la península durante el primer milenio.
De los restos encontrados, destaca la cerámica de pasta roja y hecha a torno. Las
formas son vasos de cuerpo globular, vasos de cuello largo y boca en forma de seta,
lucernas, ungüentarios, algunos de tradición oriental.
Muy interesantes son los jarros de bronce que tienen el asa decorada con cabezas de
ciervos, caballos, leones,etc.
Entre los objetos de uso personal se han encontrado navajas, piezas de marfil como
peines, espejos, pinzas y anillos.
http://man.mcu.es/
2.2.2 GRIEGOS
Desde los últimos años del siglo VIII, establecen lazos comerciales con la Península y
sobre todo a partir de la fundación de Ampurias. Ciudad amurallada ciclópea, con trazado
regular de sus calles (trazado hipodámico) y casas con planta rectangular. De Ampurias
procede la escultura encontrada más importante, como la cabeza de Afrodita en mármol que
se conserva en el Museo Arqueológico de Barcelona.
http://www.mac.cat/
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Ruinas del pueblo greco-romano de Ampurias, Girona. La ciudad de Ampurias,
conserva uno de los yacimientos griegos más importantes de España. Fue
fundada como ciudad comercial en el Mediterráneo occidental. Posteriormente
fue ocupada por los romanos, pero la ciudad fue abandonada en la Alta Edad
Media.
Los hallazgos del arte griego en la Península, se han encontrado a lo largo de toda la
costa y también en el interior, desde el siglo VII al siglo III, hasta que comienza el periodo de la
romanización.
Entre los objetos más destacados se encuentra la cerámica de figuras negras sobre
rojo, destacando sobre todo los vasos funerarios.
http://man.mcu.es/
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UA 2: El arte en la península durante el primer milenio.
2.2.3 TARTESSOS
Cultura de la segunda mitad del primer milenio, aludida en la Biblia y en los textos
grecolatinos. Su riqueza estaba basada en la minería, la agricultura y la ganadería. Pudo tener
contactos con los fenicios y los griegos que influyeron probablemente en su desarrollo
http://www.museosdeandalucia.es/cultura/museos/MASE/index.jsp?redirect=
S2_3_1_1.jsp&idpieza=341&pagina=1
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UA 2: El arte en la península durante el primer milenio.
Noticias algo posteriores, el Libro de Isaías, indican las amistosas relaciones entre
Tiro y Tartessos, que derivaron en un enfrentamiento armado: se afirma el establecimiento
de que un tributo sobre el reino peninsular, y su liberación en la caída de Tiro en poder de
los persas. También Estrabón dice que Tartessos fue sometido por los beneficios, y que
éstos en tiempo de Homero, aproximadamente el siglo IX a. de C. controlaban totalmente
el comercio.
Los poblados estaban situados en lugares altos, con defensas naturales y murallas
construidas con piedra unidas sin argamasa y procurando que estén lo más lisas posibles para
evitar ser escaladas, tienen torreones de vigilancia situadas entre los mismos poblados y
también situadas en zonas altas y un solo recinto defensivo. Los accesos al poblado también
están protegidos y en ocasiones excavados en la roca. Las casas no se adosan a la muralla,
están hechas de cimientos de piedra, muros de adobe y cubierta de ramas y troncos.
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2.3.2 EL ARTE
“La cultura ibérica se muestra con una gran riqueza en el capítulo de las
creaciones artísticas, que, muy importantes en sí misma, en su estricta dimensión artística,
multiplican su interés como medio privilegiado del que valerse para penetrar en el
conocimiento de una cultura avanzada y compleja, pero huérfana de tradición literaria
conservada y conocida. Se hace, por ejemplo, inmediata la evidencia de un arte
heterogéneo que denuncia la diversidad de los pueblos ibéricos, aunque tal designación
globalizadota, aplicada en función de lo que dicen los autores antiguos que tratan de
Iberia, puede mantenerse tras contemplar un arte al que conviene también la designación
única y sintética de “ibérico”, con todas las matizaciones que para cada sector o cada
pueblo haya que hacer.
…entre otros pueblos hay que mencionar a los turdetanos, descendientes de los
tartesios, los celtici de los que habla Plinio, los bastetanos, en Cataluña vivían los ilergetes..
y por el interior los celtíberos, designación genérica de pueblos, a su vez diversos.
a las numerosas estatuillas fundidas en santuarios como ofrendas o exvotos. Entre las
esculturas realizadas en piedra, las más importantes son las Damas, que pudieran ser
representaciones de diosas o de divinidades relacionadas con la muerte
La dama de Elche (primera mitad del siglo V) fue encontrada casualmente en 1897,
adosada a la muralla al este de la ciudad. Es una escultura en la que destaca la idealización
del rostro que contrasta con los numerosos adornos que tiene: los tres grandes collares, dos
con colgantes en forma de ánforas y los rodetes labrados, que también se encuentran en otras
esculturas ibéricas. Aunque ha perdido su primitiva policromía, todavía es perceptible como en
la escultura de La dama de Baza (hacia la primera mitad del siglo IV a C.). Esta pieza tan
singular, formó parte de un hallazgo arqueológico excepcional en la necrópolis de Galera. Se
encontró adosada en el centro de una de las paredes de una tumba junto con piezas
cerámicas y armas. Esculpida en una sola pieza de piedra caliza y policromada, está
entronizada, sentada en posición hierática, con collares y colgantes similares a los adornos de
la dama de Elche. Tiene como rasgo singular, la forma realista de las facciones de un rostro
que parece un retrato. Quizá sea la representación de una diosa como la Perséfone griega, la
divinidad fenicia Astarté o la púnica Tanit.
Tanto la Dama de Elche, como la de Baza, tienen en la espalda unos huecos abiertos,
que pudieron servir de urnas cinerarias.
Otras figuras como la Dama oferente del Cerro de los Santos (Albacete) (entre los
siglos IV-II a C.) aparecen erguidas, de composición frontal y con cierta inexpresividad en el
rostro. Esta escultura tiene influencia de la escultura griega arcaica, aparece cubierta con un
largo manto con sus bordes en zig-zag como en el estilo arcaico griego y sosteniendo un vaso
para ofrendas.
Entre los relieves, los más importantes son los que se encontraron en Osuna (Sevilla).
El relieve de La aulista, que formaba parte de un zócalo esquinado, es uno de los más
significativos del arte ibérico. La figura femenina de este relieve, toca unos aulos que es la
doble flauta de origen griego, aparece con adornos en pendientes y el cinturón con decoración
en espiral que recuerda las formas de la orfebrería ibérica.
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Para reconocer las piezas más importante del arte de los iberos, citadas
anteriormente, puedes visitar la página:
http://man.mcu.es/
Dama de Elche (primera mitad del siglo XV). Museo Arqueológico de Madrid
Dama de Baza. Primera mitad del siglo IV. Museo Arqueológico de Madrid
Dama oferente del Cerro de los Santos (Albacete) siglo IV-II a C .Museo
Arqueológico. Madrid
Su forma parece provenir de la influencia fenicia. Este tipo de pieza era muy utilizado
para contener las cenizas de los difuntos. La decoración es muy sencilla: bícroma a base de
bandas anchas de color castaño, separadas por franjas más oscuras y estrechas.
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UA 2: El arte en la península durante el primer milenio.
Kalatos, Huesca.
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Tinaja S. II a C. Museo Arqueológico de la Alcudia
Es una copa de pie bajo en donde se representa en su parte superior una escena de
lucha. En el pie de la copa hay semicircunferencias concéntricas.
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UA 2: El arte en la península durante el primer milenio.
http://www.museuprehistoriavalencia.es/ficha_fondos.html?cnt_id=13
Sabías que…
La Falcata
La falcata es una espada muy utilizada entre los iberos de gran calidad y ejecución en
el acero. Su empuñadura estaba desplazada normalmente hacia un lado respecto al eje de
simetría que marcaba la espada. Solía estar decorada con forma de caballo o grifo, donde no
faltaban materiales nobles como la plata.
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2.4 LOS CELTAS
Paralelamente al arte ibérico se desarrolla un estilo más pobre, pero con unas
características propias que le confieren cierta singularidad en su hábitat (vivían en castros) y
en algunos ejemplos aislados de esculturas que forman grupos, como los Toros de guisando
con una finalidad tal vez funeraria, simbólica o mágica.
La cultura celta era más primitiva que la de los íberos, proviene de grupos autóctonos
de la edad del Bronce. Estos evolucionaron al recibir la influencia de la cultura ibérica,
llegando a desarrollar una importante técnica como metalúrgicos del hierro. Su territorio se
repartía en diferentes ciudades-estado, en donde la sociedad estaba regida por élites
aristocráticas. Los poblados castros, estaban construidos en lugares altos, defendidos por
recintos amurallados y con casas de forma circular o elíptica con vestíbulo o sin él. Solían
construirse con pizarra y se cubrían con tejado de forma cónica, cubierto de paja y ramas y
sujeto por un pilar central hincado en el suelo. Los más importantes son los de Santa Tecla en
la desembocadura del Miño y Coaña en Asturias.
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UA 2: El arte en la península durante el primer milenio.
Sabías que…
Para reconocer las imágenes y ampliar los datos de las culturas que se estudian
en la unidad, puedes visitar la página http://man.mcu.es/
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Unidad de Aprendizaje 9
Unidad de Aprendizaje 3
EFECTOS DE TRANSICIÓN Y
EL ARTE EN LA A
HISPANIA
NIMACIÓN
ROMANA
ÍNDICE
3.1 LA HISTORIA .................................................................... 39
3.1 LA HISTORIA
La conquista militar de la Península Ibérica por los romanos se desarrolló teniendo en
cuenta las siguientes fases:
Sabías que…
39
2. Una vez consolidada la conquista del Mediterráneo en la segunda mitad del siglo II a
C, se inicia la penetración en la Meseta. Llevando a los romanos a enfrentamientos
cada vez más enconados con los pueblos que habitaban esta zona, con los lusitanos
obligados por su pobreza a realizar continuas incursiones para buscar botín y con los
arévacos que demostraron cierta capacidad de control frente al asedio que padeció de
los romanos, resueltos mediante la firma de pactos en el año 133 a C.
3.2 EL ARTE
En el arte de la Hispania romana podemos destacar:
• Cuenta con unas características propias e independientes de la influencia que tuvo del
arte griego.
• En las formas del arte romano, se complementan la belleza con el sentido utilitario de
sus creaciones.
• Sus aportaciones artísticas tendrán un carácter universal con obras que pueden
considerarse en la cumbre del arte romano, como el puente de Alcántara en Cáceres,
el acueducto de Segovia o la estatua del emperador Trajano procedente de Itálica, sin
olvidar la calidad técnica y el colorido de los mosaicos.
3.2.1 ARQUITECTURA
• Opus latericium.
• Opus quadratum
(paramento
isódomo y
pseudoisódomo).
• Opus sectile.
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3.2.1.1 Sistemas de construcción
Arquitrabada
Abovedada
La forma arqueada cubre el espacio entre los muros, pilares o columnas. Se construía
generalmente de sillares labrados, valiéndose de la cimbra para montarla.
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UA 3: El arte en la Hispania romana.
Opus incertum
Opus caementicium
El opus caementicium está formado por una mezcla de cal y arena con trozos de tufo
volcánico, puzolana y piedras pequeñas. Cuando el material estaba blando se vertía en una
armadura de madera que al endurecerse el cemento se retiraba (cimbra). Su utilización va a
ser constante a partir del sigo II a. d.C. en todo el imperio romano.
Opus testaceum
Opus reticulatum
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Opus reticulatum mixtum
Opus latericium
Opus quadratum
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UA 3: El arte en la Hispania romana.
Paramento isódomo.
Paramento pseudoisódomo.
El acabado de los muros para esconder materiales más pobres se generaliza en Roma
con el opus sectile, los muros o pavimentos se decoraban a base de combinar mármoles de
colores para formar dibujos geométricos o figurativos .Otras decoraciones se hacían con
trozos de piedras, mármoles o teselas para cubrir pavimentos y paredes.
Orden
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Ejemplos de órdenes romanos
Toscano
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UA 3: El arte en la Hispania romana.
ARQUITECTURA
OBRAS PÚBLICAS CIUDADES
RELIGIOSA
• Puentes • Murallas
• Faros • Termas
• Acueductos
• Circo
• Anfiteatro
Obras públicas
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La vía más importante en la Península, fue la vía Hercúlea o Augusta que bordeaba la
costa desde Ampurias hasta Cartago, para prolongarse desde aquí hasta Cádiz.
Eran auténticas obras de ingeniería civil. Las vías primitivas, se hacían a base de
grandes bloques de piedra que se mantenían en su sitio, gracias a su propio peso. Su longitud
la medían por medio del “odómetro”.
• Posteriormente se delimitaba la anchura que debía tener la calzada con dos zanjas
paralelas.
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Calzada romana de Valencia de Alcántara en Cáceres.
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UA 3: El arte en la Hispania romana.
Este puente construido para perdurar siempre, tantos siglos como el universo,
¿quién lo ha construido? Es la Lácer, célebre por su habilidad divina, el mismo que levantó
este templo a las divinidades romúleas y al César vivió: en ambos casos los actos de culto
consiguen los favores divinos.
C. Inscriptorum Latinarum.
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Puente romano de Mérida en Badajoz.
No menos importantes son los acueductos que se construían sin que la orografía
impidiese conducir las aguas desde los manantiales hasta las ciudades, como el acueducto de
Les Ferreres en Tarragona o el acueducto de los Milagros en Mérida, que abasteció de agua a
la ciudad, hasta bien entrado el siglo XX.
52
UA 3: El arte en la Hispania romana.
El tramo principal del acueducto, el piso inferior de los arcos, se adapta a las
variaciones del terreno, aumentando los pilares su grosor de manera escalonada de arriba
abajo. Su origen parte de la idea del puente, tomando la repetición de los arcos y muro,
aunque en el acueducto al agua circula siempre por un canal que permanece oculto en el
ático, elemento que marcaría la horizontalidad de la obra a no ser por los pilares que
acentúan su verticalidad y monumentalidad.
Acueducto de Segovia.
Por las características del terreno, está construido con arcos superpuestos y con una
ligera pendiente para facilitar el recorrido del agua.
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Detalle, Acueducto de Segovia.
Acueducto de Segovia.
54
UA 3: El arte en la Hispania romana.
Las ciudades
• Circo.
• Anfiteatro.
• Teatro.
• Arco de trajano.
• Foro.
55
Sabías que…
Los romanos cuidaban con mucho esmero la salud pública de todo el pueblo.
Tenían inspectores de agua, cuyo trabajo era asegurar que la ciudad estuviera siempre
abastecida de agua limpia, llevada a través de los acueductos y de que las alcantarillas
funcionaran perfectamente.
Las murallas
Las murallas rodeaban la ciudad romana para defender sus puntos estratégicos. Por lo
general se construían con dos muros paralelos de sillería de tamaño variable con relleno de
mortero. Estas paredes exteriores podían estar separadas por cuatro metros. En Hispania se
conservan algunos ejemplos, casi todos construidos entre los años II y I a C, entre ellos
destacan la murallas de Lugo, Tarragona o la muralla de Zaragoza que parece fue reforzada
en el siglo III.
Las viviendas
56
UA 3: El arte en la Hispania romana.
Restos de una casa romana, Ruinas de Munigua, Villanueva del Río y Minas, Sevilla.
La domus romana
Las termas
Los baños públicos en Roma tuvieron un notable desarrollo, dada la gran popularidad
de que gozaban. Eran construcciones habituales para la higiene y como lugares de reunión.
Fueron fundadas por particulares con carácter gratuito, favoreciendo la concurrencia de
numeroso público. En la Hispania romana hubo ejemplos notables de los que se conservan
pocos restos, aunque éstos no se pueden comparar a las termas de Roma. En Itálica hubo
dos termas públicas con la correspondiente ordenación espacial de las cuatro salas, el
tradicional apodyterium, que era el vestuario, el caldarium, la sala con baños calientes, el
tepidarium sala de baños templados y el frigidarium con la piscina para el baño frío de
inmersión.
Se consideraba como uno de los lugares de preferidos para el ocio. Solían estar
reservados para los hombres por las tardes y las mujeres por la mañana. Su decoración se
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cuidaba en las paredes recubiertas de mármol y estucos y en los frondosos jardines que solían
rodear los baños.
Junto a las termas se levantaban edificios que surgen al lado de manantiales termales
y medicinales como las cámaras cubiertas con cúpula de Alanje (Castrum Colubri), cerca de
Mérida y la sala romana de los Baños de Alhama en Granada.
Las termas Caldas de Malavella en Gerona conservan la piscina del frigidarium con
gradas para sentarse y restos de otras galerías. En Alange (Badajoz), las termas que están en
uso, tienen las cámaras circulares cubiertas por una cúpula con lucernario, elementos estos
últimos que evocan la monumentalidad del espacio de las termas de Caracalla.
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UA 3: El arte en la Hispania romana.
Sala principal de las Termas de Munigua, Villanueva del Río y Minas, Sevilla.
Sala principal de las Termas de Munigua, Villanueva del Río y Minas, Sevilla.
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Los baños públicos gozaron de gran popularidad, pues además del baño las termas
tenían una importante función social como lugar de reunión.
Arquitectura religiosa
Arquitectura funeraria
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UA 3: El arte en la Hispania romana.
Tumba del Elefante en la necrópolis romana de Carmona en Sevilla (hacia el siglo I dC).
Su nombre se debe a una pequeña estatua con forma de elefante, que se recuperó en
su interior. Su originalidad se asocia a las dependencias.
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Tumbas en Barcelona, entre los siglos II y III dC.
Eran tumbas (cupae) que se construían de forma bastante habitual. Presentan una
base cuadrangular y un cuerpo semicilíndrico.
El teatro
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UA 3: El arte en la Hispania romana.
El Teatro de Mérida es uno de los mejores conservados del mundo, construido hacia el
año 18 a C, tiene un diámetro de 86 metros y capacidad para 5.500 espectadores.
Sabías que…
63
Más datos sobre el Teatro de Mérida
“Se considera de época de Augusto, pero con el frons scenae reconstruido por
Trajano y Adriano. Presenta semejanzas con los teatros de Dugga (Túnez), Orange (Francia)
y Pompeya. Su cavea, en gran parte excavada en el terreno, está dividida en las
consabidas zonas cima, media y suma, que podían acomodar más de cinco mil
espectadores. Lo más interesante de la obra antigua del teatro son los anditas maximus,
qu esalen a la orchestra. Estas galerías están abovedadas en cañón, con arcos fajones de
refuerzo, como luego se hará en la arquitectura románica. En una de las puertas de salida a
la orchestra se halla la inscripción del cónsul Marco Agrippa, que ha servido para fechar la
obra dieciocho años antes de Jesucristo.
El anfiteatro
Si los teatros y los circos romanos toman como modelo las edificaciones griegas, los
anfiteatros son construcciones nuevas, como consecuencia de una afición propiamente
romana: los combates de gladiadores. En un principio estos combates tuvieron lugar en las
plazas públicas, luego fueron construcciones de madera utilizadas de forma provisional y más
tarde se construyen de piedra como el desaparecido Statilius Taurus construido en época de
Augusto en el Campo de Marte.
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UA 3: El arte en la Hispania romana.
Sabías que …
“La lucha de gladiadores tuvo tal demanda, que el Senado incluyó estos combates
en los espectáculos públicos.
Los anfiteatros se erigieron en caso todas las ciudades importantes (Itálica, Mérida,
Tarragona). Además de la lucha de los gladiadores, se celebraban las venationes o lucha
de fieras. Como el espectáculo duraba todo el día, el anfiteatro se cubría con un gran toldo
para tamizar la luz y evitar el calor del sol a los espectadores”.
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El circo
El circo también conocido como hipódromo era una construcción más sencilla que el
anfiteatro. Constaba de una pista rectangular dividida por una spina decorada con obeliscos y
en torno a la que giraban las cuádrigas o los caballos un número determinado de veces. Estos
eventos gozaban de gran popularidad, hasta el punto de durar varios días las celebraciones. Al
final de cada extremo estaba la meta que fijaba el número de vueltas. La cavea debía contar
con estructuras arquitectónicas similares a las del anfiteatro para poder acoger a un número
elevado de espectadores. En la mayoría de los casos solo es visible la forma de la planta, tal
y como se puede apreciar en el circo de Mérida, que fue construido hacia el siglo I para un
aforo de 30.000 espectadores.
Un auriga hispano
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UA 3: El arte en la Hispania romana.
Sabías que…
“El Circo Máximo de Roma en un principio fue una simple pista de carreras
alrededor de un seto o espina central; carecía de gradas y los espectadores presenciaban
las carreras de pie. Más tarde, los emperadores Augusto y Nerón lo ampliaron, llegando a
tener cabida para 200.000 personas. Augusto hizo traer un obelisco de Egipto para decorar
la espina. En el siglo III murieron 13.000 espectadores al derrumbarse las gradas, que eran
de madera.
El erario público subvencionaba pare de estos juegos, pero como los magistrados
querían dar la mayor grandiosidad y atracción, ponían de su propia fortuna el resto, ya que
el pueblo juzgaba el valor de la persona según el dinero que derrochaba. Los dignatarios
solían ocupar los palcos con asientos de mármol y adornos de bronce.
Las carreras que se celebran con aurigas eran casi todos esclavos, portaban
yelmos metálicos; con una mano sujetaban las riendas y con la otra la fusta. Tenían que
recorrer siete circuitos en torno a la pista elíptica tomando las curvas muy cerradas… Llegó
a ser normal que se corrieran veinticuatro carreras al día. El auriga ganador recibía una
recompensa y era coronado con laurel”
El arco de triunfo
El arco de Bará en Tarragona, fue mandado erigir por Lucio Licinio Sura general de
Trajano, es de una sola arcada entre pilares y con un frente de pilastras corintias, su sencillez
contrasta con la solidez de sus materiales. Mientras que el arco de Medinaceli en Soria
aunque de factura más tosca, imita con sus tres arcos a la monumentalidad del arco de
Septimio Severo en Roma.
67
Arco de triunfo en Alcántara, Cáceres. Se encuentra en el centro del
puente que fue construido entre los años 105 y 106 dC con el objetivo
de facilitar la comunicación entre Cáceres y Conímbriga.
68
UA 3: El arte en la Hispania romana.
Sabías que…
El arco de Medinaceli en Soria por el parecido con los arcos triunfales de Septimio
Severo y Constantino en Roma, es obra de la época imperial.
3.2.2 ESCULTURA
El retrato
69
Cabeza velada de Augusto. (s. I.d.C)
http://museoarteromano.mcu.es/
Sabías que…
70
UA 3: El arte en la Hispania romana.
“Marco Ulpio Trajano(53-117 dC) emperador desde el año 98, nació en Itálica
(Sevilla) en el seno de una familia de la aristocracia provincial. Su padre sirvió al Estado
romano en la administración y en el ejército hasta llegar a ser gobernador de Siria en
tiempos de Vespasiano. Con él colaboraba su hijo como tribuno militar. Reinando
Domiciano llegó a ser cónsul y más tarde gobernador de la Alta Germania.Pronto el
emperador Nerva lo asoció al trono y designó sucesor como el hombre más apto para e la
suprema magistratura. Tras reforzar las líneas defensivas de la frontera germánica, donde
fundó las colonias de Xanthen y Nimega, desencadenó dos guerras contra los dacios que
incorporó al Imperio. También anexionó las provincias de Mesopotamia y Armenia. En
correspondencia con esta acción exterior coronada de éxitos, gobernó con prudencia el
interior del Imperio. Las obras públicas, las vías de comunicación, los monumentos
destinados a proclamar el poder y la grandeza de Roma, proliferaron por doquier…. Su
correspondencia con Plinio el Joven revela lo minucioso de su administración y la
generosidad de su ánimo. Se cuidó tanto de la beneficencia como de las obras de
embellecimiento de Roma. El más grande de los foros , dotado de l Basílica Ulpia y de las
dos bibliotecas griega y latina; la columna de su nombre y las termas dan testimonio de su
obra”.
71
El retrato romano
Mientras el pueblo rodea el ataúd, el hijo del difunto, si tiene un hijo primogénito, y
si está presente – o en su defecto alguno de su familia- sube a la tribuna y conmemora las
virtudes del difunto todos se conmueven de forma que esta pérdida no se limita sólo a los
que están de luto, sino que se extiende a todo el pueblo.
Esta imagen es una máscara de cera, que representa con notoria fidelidad la
fisonomía y el color del difunto. Cuando se celebran sacrificios públicos se exponen estas
imágenes y se las honra con grandes atenciones; y cuando muera algún pariente ilustre, se
las lleva en procesión a los funerales, por personas que por su estatura y aspecto exterior
son las más parecidas a los originales, quienes además las aplican a su propio rostro.
Éstas si el muerto ha sido cónsul o pretor, visten la toga pretexta (es decir, orlada
de púrpura); si ha sido censor, togas de púrpura, y bordados en oro si ha obtenido el
triunfo o ha recibido alguna distinción de este género.
Cuando ha terminado de hablar del muerto el orador encargado del elogio fúnebre
conmemora los éxitos y las hazañas de sus antepasados, cuyas imágenes presenta
comenzando por el más antiguo…
Cuando las imágenes de cera fueron remplazadas por los bustos esculpidos, se
debieron ejecutar numerosas reproducciones, unas inmediatamente, otras en épocas
posteriores. La conclusión sería que sólo un número restringido de los llamados retratos
del estilo republicano han sido realizados en época de la República. La mayoría son
reproducciones tardías, de época imperial con mezclas de la época en que se ejecutó la
copia. Esto hace incierta la atribución cronológica por el análisis del estilo”
72
UA 3: El arte en la Hispania romana.
Sabías que…
La mayoría de los retratos romanos que han llegado firmados por sus autores lo
han sido por artistas griegos, y están en lengua griega. Cuando alguno lleva el nombre
latino, es del dueño del que era esclavo, o del patrono del que era liberto.
Las representaciones relacionadas con las religiones orientales son muy numerosas lo
que confirma el grado de influencia que tuvieron en la Península, por ejemplo el culto a Mitra
que se vincula a la ciudad de Mérida, donde existió un templo dedicado a la diosa, o el culto a
Isis diosa egipcia, relacionada con la medicina, el matrimonio o el cultivo del trigo. Adorada
por los romanos, su culto fue el más extendido en Hispania, como así lo demuestra las
esculturas que se conservan en el Museo de Burgos.
Entre los héroes, Hércules, es una de las imágenes más representadas en pequeñas
estatuillas de bronce. Ya desde el mundo griego era una de las imágenes más atrayentes para
escritores y artistas. Los distintos episodios de su historia, (los trabajos que realiza bajo las
órdenes de Euristeo) se divulgaron más que ningún otro tema de la mitología clásica.
http://museoarteromano.mcu.es/
73
Sabías que…
El relieve
Junto con el retrato, otro género creado por los romanos, es el relieve de carácter
narrativo que conmemora los triunfos de las conquistas y de las batallas, en un deseo de
eternizar en piedra el éxito conseguido y que dará lugar al relieve histórico.
http://museoarteromano.mcu.es/
El mosaico fue heredado por los romanos como muchas otras manifestaciones
artísticas de la época helenística griega. Fue un elemento decorativo utilizado con gran
perfección en la decoración de los pavimentos y muros de las casas de los grupos sociales
más favorecidos económicamente. Son muy numerosos los ejemplos que se conservan en
España, casi todos con temas mitológicos, figuras y formas geométricas con orlas vegetales y
otros motivos decorativos.
74
UA 3: El arte en la Hispania romana.
Desde tiempos de la República llegó a adquirir tal importancia que los talleres se
constituyeron como una industria muy organizada. En Hispania se conservan notables
ejemplos, pero los más significativos se encuentran en Ampurias como el Sacrificio de
Ifigenia, las escenas circenses del Museo de Barcelona o el Triunfo de Baco y los trabajos
de Hércules del Museo Arqueológico Nacional de Madrid.
Los romanos aportaron al mosaico una nueva técnica el opus sectile que estaba
formado por piezas de mármol de diversos colores, aunque lo más corriente es aplicar la
técnica del opus tessselatum de pequeñas piezas de piedra o vidrio. El efecto pictórico que se
llega a conseguir es de gran belleza, por lo que no resulta extraño que a partir del siglo I fuera
un arte con gran difusión de leyendas, narraciones y formas decorativas.
75
Más datos sobre los mosaicos
• Baco
Es conocido principalmente como dios del vino, difusor del cultivo de la vid y fundador
de las fiestas llamadas bacanales para desinhibir los instintos. También se le relaciona
como un dios civilizador que comparte con Ceres la misión de de enseñar a los
hombres el cultivo de las tierras. Se le representa con la iconografía clásica, con los
pámpanos y racimos que lleva como tocado.
• Hércules
Es un héroe griego que en Roma tendría culto privado, pasando a ser público en el
siglo IV a C. Fue divinizado y considerado por encima de los héroes tradicionales.
Entre sus características se resaltan: su extraordinaria fuerza física y su fuerza moral.
Su representación se hace generalmente como hombre maduro de gran musculatura y
con sus atributos, la piel de león, colocada como coraza y yelmo, la maza, el arco y las
flechas y en ocasiones la espada. Estos elementos tomados de sus hazañas, serán
una constante en su iconografía.
• Hipno y Thanatos
76
UA 3: El arte en la Hispania romana.
• Ifigenia
• Mercurio
• Plutón
Proserpina es la bella hija de Ceres que deseada por su tío Plutón mientras cogía
flores fue raptada por él y conducida al infierno. Su madre la busca sin éxito, hasta que
una ninfa le da noticias del rapto. Mientras tanto, la tierra ha dejado de producir frutos
por el abandono de Ceres. Júpiter será quien medie para que la joven, al parecer
amada por Plutón, pase parte del año en la tierra con su madre y parte en el infierno
con Plutón.
• Venus
Para reconocer las obras de arte de la cultura romana, puede visitar las páginas:
http://www.spanisharts.com
http://man.mcu.es/
http://museoarteromano.mcu.es/
77
Unidad de Aprendizaje 9
Unidad de Aprendizaje 4
EFECTOS DE TRANSICIÓN Y
ARTEAHISPANO
NIMACIÓN
MUSULMÁN
ÍNDICE
4.1 LA HISTORIA .................................................................... 79
4.1 LA HISTORIA
En el año 711, las tropas de Tárik cruzan el estrecho de Gibraltar, para ayudar a los
witizanos, enemigos del rey visigodo Rodrigo. Tárik vence a los visigodos en la batalla de
Guadalete, iniciándose de esta manera un dominio musulmán que transforma la estructura
social, cultural, económica y política de la mayor parte de la Península. La Hispania romana y
visigoda pasó a ser un emirato, pero es durante el reinado de Abderramán III, cuando Al-
Andalus alcanzó el máximo apogeo al instaurarse el califato independiente de Bagdad.
Gobernada la península en el siglo XII por los bereberes originarios de las montañas
del Atlas de Marruecos, Sevilla se convertirá en capital de un nuevo orden político, que
empezó a desmoronarse en nuevos reinos de Taifas, tras la derrota en la batalla de las Navas
de Tolosa en 1212, cuando Alfonso VIII de Castilla triunfó sobre los almohades.
Entre estos reinos, prosperó el último reducto del Islam en la Península Ibérica, la
Dinastía Nazarí en Granada (1238-1492), reinado que sucumbió después de las capitulaciones
de su rey Boabdil a la conquista de los Reyes Católicos.
79
4.2 EL ARTE
Córdoba era una ciudad muy rica y populosa, contaba con 21 barrios con sus
respectivas mezquitas, baños públicos, comercios, bibliotecas, escuelas y hospitales. La
ciudad se extendía a partir de la medina que era el núcleo principal de la ciudad, donde se
encontraba la mezquita mayor y el alcázar del gobernador y un zoco con las principales calles
comerciales.
80
UA 4: Arte Hispano musulmán.
Aquella Casa de Correos era una de las edificaciones levantadas por el emir Abd
al-Rahman I (Omeya).
…El sábado día 8 de este mes dio órdenes el califa Al-Hakam al prefecto de policía
y jefe del mercado de que se ensanchara la calle principal del zoco de Córdoba, por ser
incapaz para el paso de las gentes y para las aglomeraciones que se producían en ella,
mediante el derribo de las tiendas que la rodeaban y estrechaban con objeto de dar
holgura a la calzada y de que no se obstruyera con los que por ella iban y venían; todo ello
mirando por el bien común de los musulmanes y velando por sus intereses. El comisionado
lo hizo tal y como le fue prescrito”
Sabías que…
El edificio, según señala Grabar en La formación del arte islámico “no era concebido
como una entidad material compleja. La mezquita de los primitivos tiempos islámicos tendía a
se definida en términos de determinadas necesidades sociales, y no como un reflejo más o
menos perfecto de una composición ideal. Esto lo confirma el hecho de que , hasta mucho
más tarde, no apareció en la mezquita una fachada organizada, ni puertas exteriores muy
elaboradas. En realidad el número y emplazamientos de las puertas estaban en función de la
81
ciudad que rodeaba la mezquita, no de una concepción arquitectónica o estética de la
naturaleza del edificio”.
En Córdoba había muchas mezquitas, pero la mayor era la más importante, lo que
para una ciudad cristiana era la catedral. En ella tenían lugar además de las oraciones, otros
rituales como la bendición de estandartes, la lectura de documentos oficiales o
comunicaciones de interés para toda la comunidad, como el nombramiento de gobernantes.
La primera mezquita fue levantada sobre los restos de la iglesia visigoda de San
Vicente, constaba de un haram cuadrado destinado a la oración, con 11 naves situadas
perpendicularmente al muro de la quibla que estaba orientado hacia la Meca .
En su interior destacan las arquerías con superposición de arcos como los de los
acueductos romanos. Es característico el arco de herradura con alternancia de dovelas en
piedra y ladrillo y el sistema de soporte con columnas en la parte inferior y pilares encima,
apoyadas sobre modillones de rollo.
Bóvedas de la Maqsura
82
UA 4: Arte Hispano musulmán.
El patio o shan de la mezquita fue ampliado en la primera mitad del siglo X, consta de
una fuente para las abluciones y de una torre, el alminar, de planta cuadrada desde donde se
llamaba a la oración a los fieles. Era según Torres Balbás una creación arquitectónica
excepcional, sin paralelo en el Occidente islámico “con sus muros calados por múltiples
ventanas simétricamente dispuestas, de dobles y triples arcos, sus arquillos ciegos
terminando el cuerpo inferior, rematado el alto en la brillantes bolas, erguidas sobre su cúpula
calada y la policromía destacando las formas decorativas.
La ampliación de Al.Hakam II
Los enviados del califa trajeron al mosaísta y 320 quintales de cubitos de mosaicos
que el rey de los rumíes le enviaba de regalo.
La cátedra que hizo hacer Al-Hakam estaba incrustada de madera de sándalo rojo,
de ébano, de marfil y de áloe. Costó 35.705 dinares y se tardaron cinco años en
terminarla”
Ibn Idhari.
83
Planta de la Mezquita de Córdoba con las sucesivas ampliaciones
1. Mezquita de Abderramán I
2. Ampliación de Abderramán II
4. Ampliación de Al-Hakam II
5. Ampliación de Almanzor
Se logra una composición perfecta entre los arcos de herradura con alternancia de
colores rojo y blanco y los arcos de medio punto superpuestos. Los arcos lobulados y la
cúpula crean la dignidad de un espacio para el califa.
84
UA 4: Arte Hispano musulmán.
85
Arcos polilobulados y entrelazados de la Mezquita de Córdoba.
86
UA 4: Arte Hispano musulmán.
Puerta de Al-Hakam II. Es una puerta típica del siglo X. Sobre el alfiz
descansa un segundo cuertpo con arcos cruzados. En los laterales, las
celosías se coronan con un arco de lóbulos.
87
El muro exterior de la Mezquita está hecho de sillares de piedra con contrafuertes y
coronado con almenas. La decoración se sitúa en las puertas de acceso.
88
UA 4: Arte Hispano musulmán.
“Al-Maqqari cuenta que se edificó también en el Alcázar el salón, cuyo techo era
de oro y mármol de grueso espesor, color puro, y cuyos géneros eran de distintos colores;
las paredes del salón eran como el techo. En su centro se colocó una perla sin igual, con
la que León, emperador de Constantinopla, obsequió a Abderramán III. La tejas de este
alcázar eran de oro y plata. El salón tenía en su centro un gran estanque lleno de mercurio.
Había en los costados ocho puertas, que estaban enlazadas por arcos de marfil y ébano
incrustados con oro y diferentes clases de piedras preciosas, que elevaban sobre
columnas de mármol coloreado y de berilo puro. El sol entraba por aquellas puertas y sus
rayos daban en el techo del salón y en sus paredes, produciendo una luz que se apoderaba
de la mirada. Cuando Abderramán III quería atemorizar a alguien en su corte, hacía una
señal a uno de sus esclavos para que agitase el mercurio, y aparecía un resplandor como
de relámpagos que sobrecogía totalmente los corazones, hasta el punto que aparecía a
todos los que se hallaban en él que el local había volcado con ellos mientras que
continuaba moviéndose el azogue”
Sabías que…
89
4.2.1.1 Elementos arquitectónicos de la arquitectura califal
Capiteles
90
UA 4: Arte Hispano musulmán.
Arcos
• De herradura.
• De herradura apuntado.
Mezquita de Córdoba.
Bóveda
Decoración de atauriques
http://www.mezquitadecordoba.es/
91
Un ejemplo singular de arte del periodo Califal: La Mezquita de Bab al-Mardún (hoy Cristo de la Luz).
92
UA 4: Arte Hispano musulmán.
93
Desaparecen las grandes construcciones, pero aumenta la decoración para ocultar la
pobreza de los materiales. La Aljafería de Zaragoza palacio y también lugar defensivo, cuenta
con un recinto amurallado, defendido por torres cilíndricas y una torre del homenaje de planta
rectangular. La complicación de los arcos mixtilíneos con sectores curvos, rectos y
lobulados dan una mayor apariencia decorativa que desborda la fantasía de la arquitectura.
Arcos del patio de entrada al Salón Dorado del Palacio de la Aljafería. Zaragoza.
94
UA 4: Arte Hispano musulmán.
de los Naranjos. La mezquita fue respetada por Fernando III convertida en iglesia, en los
últimos años del siglo XIV, fue derribada para construir la catedral gótica.
La Torre del Oro es otro ejemplo del arte almohade que formaba parte del conjunto
defensivo del Alcázar a orillas del Río Guadalquivir. Estas torres llamadas “albarranas”, eran
independientes del recinto amurallado y se unían a él a través de una coracha o muro saliente.
Torre del oro. La Torre del Oro, formada por dos cuerpos el primero de piedra y el
segundo de ladrillo conservó este nombre al estar cubierta de azulejos que le daban con
los rayos del sol, un brillo de gran belleza.
El reino nazarí o de Granada, se desarrolló durante los tres últimos siglos de la Edad
Media, después del proceso de fragmentación política del imperio almohade. El reino nazarí
nace después de proclamarse sultán Muhamad I en el año 1232 en Arjona (Jaén), estaba
95
situado en una zona montañosa de la Andalucía Penibética. La situación geográfica
condiciona su inestabilidad política, pues los sultanes estaban atrapados entre el vasallaje y
alianzas de los reinos cristianos y de los emiratos norteafricanos. Esto no impide iniciar la
construcción de la ciudad palatina de la Alhambra en el año 1238, iniciándose así uno de los
periodos de mayor auge del arte andalusí.
“Esta ciudadela bajo la cual se ha construido este palacio insigne, lo mismo que
esta grandiosa fortaleza, está provista de torres estupendas y de una muralla maravillosa.
También vimos una cantidad de edificios admirables y de modos de construcción extraña y
agradable, y decorados de yeso esculpidos tales, que no seríamos capaces de describirlos
ni de representarlos. En suma: Granada con la Alambra, está entre las más grandiosas y
bellas ciudades del Islam. Sino que los infieles están en la proximidad de aquella región y
han tomado la mayor parte de aquella tierra de Al-Andalus y muchas ciudades del Islam
que eran famosas, especialmente cuando allí reinaban los Omeyas, como Murcia, Valencia,
Córdoba, Toledo, Zaragoza, Jaén y castillos fortificados como Játiva, y del mismo modo
otros países que pertenecían al Islam y ahora han pasado a los francos”
“El peculiar encanto de este viejo palacio es su poder de evocar vagos ensueños y
representaciones del pasado, vistiendo así la descarnada realidad con las ilusiones de la
memoria y de la imaginación”
96
UA 4: Arte Hispano musulmán.
Planta de la Alambra
1. Ruinas de Mezquita.
2. Mexuar.
5. Sala de Comares.
6. Baño Real.
7. Habitaciones de Carlos V.
8. Jardín de Daraxa.
13. Aljibe.
15. Foso.
97
El recinto exterior está fortificado con murallas extraordinariamente gruesas con
adarves y torres que destacan en altura. El grupo de las construcciones que ocupan el interior
del recinto amurallado se diferencian en la zona administrativa (mexuar) donde se reunía el
consejo de visires o ministros, la zona palaciega en torno al Patio de los Arrayanes y la zona
privada del sultán, en torno al Patio de los Leones, aunque también pudo estar reservada
para recepciones oficiales.
Las formas estructurales que anteriormente se han señalado, se enmascaran con una
profusa decoración muy característica del arte nazarí, con elementos estilizados, geométricos,
caligráficos o con decoraciones vegetales en forma de atauriques.
El color forma también parte de la decoración de muchas de las salas del conjunto de
la Alhambra, en los alicatados de formas geométricas que revisten las paredes, como
pequeñas piezas vidriadas de un rompecabezas.
98
UA 4: Arte Hispano musulmán.
Patio de los Arrayanes. Fachada con la Torre de Comares. En una de las espléndidas
fachadas que da al estanque se observa la Torre de Comares de más de cuarenta metros, obra de
Yúsuf I.
Patio de los Leones. El patio está rodeado por pórticos o galerías, con arcos
peraltados sobre columnas de mármol. En los lados más cortos hay dos pabellones
de planta cuadrada.
“Es un palacio en el cual el esplendor está repartido/ entre su techo, su suelo y sus
cuatro paredes; / en el estuco y en los azulejos hay maravillas, pero / las labradas maderas
de sus techos son aún más extraordinarias”
99
jardines y huertas con pabellones como el Patio de la Acequia. La vegetación, el frescor y el
sonido del agua que se precipita por los pasamanos de las escaleras, adornan el jardín más
efectista que funcional.
Aunque este jardín ha sufrido notables cambios, conserva todos los elementos que le
hacen parecer “el paraíso en la tierra”.
100
UA 4: Arte Hispano musulmán.
De las artes suntuarias en el periodo nazarí una de las mejores realizaciones es la loza
de reflejo metálico, que se presenta como dorada o azul y dorada en grandes y elegantes
jarrones.
Columna
• Se destacará la columna en un dibujo con la basa, fuste liso y capitel (cuerpo cilíndrico
y encima otro de forma paralelepípeda).
Arcos
• De herradura apuntada.
• Peraltado de lóbulos.
1 y 2 Arcos mixtilíneos.
3. Arco lobulado.
101
Bóvedas
• De arista.
• Gallonada.
• Falsa de mocárabes.
Temas decorativos
• Mocárebes.
• Red de rombos.
• Ataurique.
• Zócalos cerámicos.
1. Atauriques.
2. Lacería.
3. Mosaico de aliceres de
cintas.
4. Sebka.
102
UA 4: Arte Hispano musulmán.
Los ejemplos más importantes se encuentran en Toledo, Ávila, León, siendo en Teruel
donde el mudéjar hispano alcanza su esplendor en la Torres del Salvador y de San Martín. Son
torres que recuerdan a los alminares musulmanes que formaban parte del recinto amurallado
de la ciudad. Están elevadas sobre un basamento de piedra y con ladrillo la construcción de la
torre.
103
4.2.4.1 Motivos decorativos del arte mudéjar
El rasgo más importante del arte mudéjar es el empleo de materiales pobres, ladrillo y
mampostería principalmente, junto al yeso y la madera. La abundante decoración mural,
escondía la pobreza de los materiales. El ladrillo en resalte es una de las características más
típicas del mudéjar, arquerías ciegas, redes de rombos (sebka), ajedrezados, frisos de
espinillas, espinas de pez, arcos mixtilíneos, arcos de herradura entrecruzado, etc.
Edificio del románico mudéjar, construido en el siglo XII. El ábside central fue
inicialmente construido en piedra. Las hiladas superiores son de ladrillo, con decoración de
arcos ciegos de medio punto, como los ábsides laterales.
104
UA 4: Arte Hispano musulmán.
Alicatado cerámico del siglo XIV. En la mayor parte de los edificios mudéjares se
observan rasgos comunes y la influencia del arte musulmán en el empleo de la cerámica
vidriada en los zócalos de las paredes.
http://www.alhambra-patronato.es/
105
Unidad de Aprendizaje 9
Unidad de Aprendizaje 5
EFECTOS DE TRANSICIÓN Y
EL ARTE PRERROMÁNICO
ANIMACIÓN
ÍNDICE
5.1 INTRODUCCIÓN ............................................................ 107
5.1 INTRODUCCIÓN
En términos generales, el arte prerrománico engloba todos los estilos artísticos que
aportan los pueblos asentados en occidente desde el siglo V hasta finales del siglo X. En la
Península Ibérica se manifiesta en el arte asturiano y en el arte mozárabe.
La arquitectura prerrománica
Arte mozárabe
107
Planta de San Juan de Baños (Palencia). Siglo VII.
108
UA 5: El arte prerrománico.
Con la invasión de la Península Ibérica por los Árabes en el año 711, que ya se
comentó en la unidad anterior, surge en Asturias un foco de resistencia cristiana, un pequeño
reino que se consideró sucesor del visigodo en lo político y lo cultural y desde el que se inicia
la Reconquista, es decir la expansión de los reinos cristianos hacia el sur, llevada a cabo a
partir del siglo XI.
Este reino desarrolló un arte cuyos promotores fueron los monarcas Alfonso II (791-
842), Ramiro I (842-850) y Alfonso III (866-910), siendo el periodo ramirense el de mayor
desarrollo y plenitud del arte asturiano.
Fuente histórica
109
Más datos sobre el arte asturiano
5.2.2 ARQUITECTURA
Con la invasión de la Península ibérica por los Árabes en el año 711, que ya se
comentó en la unidad anterior, surge en Asturias un foco de resistencia cristiana, un pequeño
reino que se consideró sucesro del visigodo en lo político y lo cultural y desde el que se inicia
la reconquista, es decir, la expansión de los reinos cristianos hacia el sur, llevada a cabo a
partir del siglo XI.
Este reino desarrolló un arte cuyos promotores fueron los monarcas Alfonso II (791-
842), Ramiro I (842-850) y Alfonso III (866-910), siendo el periodo ramirense el de mayor
desarrollo y plenitud del arte asturiano.
• Arco peraltado. Equivalente al de medio punto más el peralte rectilíneo sobre el que
se apoya.
• Arcos fajones. Son los que cortan la bóveda en sentido trasversal a su eje.
• Pilastras. Pilar adosado al muro, que puede desempeñar una función de soporte o
decorativa, o ambas a la vez.
110
UA 5: El arte prerrománico.
• Celosía. Enrejado que se puede realizar en diversos materiales, que cierra un espacio,
generalmente ventanas, de manera que se pueda ver a través de él sin ser visto.
111
Santa Cristina de Lena del s. IX. Es muy peculiar su única nave, y la iconostasis de
tres arcos con decoración geométrica que separa el presbiterio.
Exterior de Santa Cristina desde la fachada norte. La planta es de cruz griega, con
contrafuertes que refuerzan al exterior el paso de los arcos fajones, sobre los que descansa
la bóveda de cañón. El nártex saliente, relaciona la obra con las soluciones emprendidas en
San Julián de los Prados.
112
UA 5: El arte prerrománico.
La iglesia de San Julián de los Prados es de planta basilical de tres naves, separadas
por pilares que sostienen arcos de medio punto. La nave central es más alta y ancha que las
laterales. Presenta un transepto en planta y el nártex o vestíbulo.
Fachada de San Julián de los Prados, Oviedo, Asturias. Exterior de San Julián de los Prados.
Fachada Oeste. Los muros se construyen con hiladas de piedras, siendo reforzadas las esquinas. El
nártex, sobresale alineado con la nave central. Los contrafuertes de la fachada, están poco
desarrollados en altura.
113
El momento de mayor esplendor del arte asturiano coincide con el reinado de Ramiro I
cuando se construyen los edificios del monte Naranco. De entre todos ellos destaca el de
Santa María, que se construye en el siglo IX como residencia de verano del rey, con su sala
para las fiestas, baño y capilla, pero con el tiempo se convirtió en iglesia.
El edificio tiene planta rectangular dividida en dos alturas. El primer piso se divide en
tres estancias con una cámara mayor en el centro y otras dos laterales. El segundo piso repite
la misma distribución, con una gran sala central y dos miradores con ventanales formados por
tres arcos de medio punto peraltados soportados por columnas corintias, que dejan pasar la
luz y rompen el aspecto macizo del conjunto de la fachada.
Las naves de los dos pisos están cubiertas por una bóveda de cañón soportada por
arcos fajones que descansan sobre molduras de las que penden escudos decorativos. En el
exterior, todos los tramos de la bóveda se corresponden con contrafuertes.
En el interior, las columnas son pareadas y decoradas con espirales, y los capiteles se
combina la decoración animal y humana con el sogueado característico asturiano. En el
exterior se repiten los medallones entre las arcos, decorados con la cruz de Asturias o con
representaciones humanas que la acompaña.
Sabías que…
114
UA 5: El arte prerrománico.
Exterior de Santa María del Naranco (Oviedo). Siglo IX. El palacio está construido con
sillares pequeños, dispuestos en hiladas horizontales, con dos naves superpuestas. La
fachada oriental, tiene en la franja inferior tres ventanas de arcos de medio punto. Sobre ellas
se abre un mirador con tres arcos de medio punto peraltados, mayor el central que los
laterales, apoyados sobre columnas con fuste sogueado, y capitel de tipo “corintio”. Las
enjutas de los arcos, están decoradas con medallones con representación de animales. Sobre
el balcón tres arcos de menor tamaño coronan la fachada.
Exterior de uno de los lados mayores de Santa María. Los contrafuertes que
acentúan la verticalidad del edificio, se corresponden con los arcos fajones del
interior.
115
Interior de Santa María. Detalle de medallón en la enjuta del arco. El borde exterior del
medallón tiene decoración de cuerda. El interior generalmente está decorado con animales
enfrentados de inspiración oriental. Los medallones se encuentran tanto en el exterior del
edificio.
116
UA 5: El arte prerrománico.
Santa María del Naranco. Planta superior con una gran sala rectangular, cubierta por
bóveda de cañón peraltada reforzada por seis arcos fajones que terminan en
ménsulas.
Detalle de Capitel Santa María del Naranco.Detalle del capitel decorado con
animales, posiblemente de influencia oriental y el característico fuste sogueado.
117
San Miguel de Lillo. Años centrales del siglo IX
Fue edificada en época del rey Ramiro I. Podría formar parte como iglesia del palacio
de Santa María del Naranco. Hoy se conserva lo que correspondería al vestíbulo y a parte de
las naves. La verticalidad de la edificación se relaciona con el periodo ramirense como Santa
María del Naranjo. Se utilizan: sistemas abovedados, arcos peraltados y decoración sogueada,
en donde destacan los relieves de las jambas de la puerta con una escena circense, insólita
para el espacio que ocupa.
118
UA 5: El arte prerrománico.
Exterior de San Miguel de Lillo. Planta basilical de tres naves de la que solo se
conserva una tercera parte. Monumentalidad que se consigue por las dimensiones, ya que su
altura es el triple de la anchura de las naves. Los contrafuertes refuerzan el peso de la bóveda
interior.
119
Acceso a la tribuna de la iglesia de San Miguel de Lillo, Oviedo, Asturias.Detalle del
interior de la iglesia de San Miguel de Lillo. Espacio abovedado. Arco sobre columna
que se apoya en una pronunciada basa.
En el reinado de Alfonso III (866-910), se construye una de las últimas obras del arte
asturiano, la iglesia de San Salvador de Valdediós. La nave central aparece destacada en el
exterior, junto con el transepto, en un juego de volúmenes muy característico.
120
UA 5: El arte prerrománico.
121
Interior de San Salvador de Valdediós.
Interior de la iglesia de San Salvador de Valdediós; de tres naves, más ancha la central
con cuatro tramos de arcos de medio punto, rematados en sus cabeceras por capillas
absidales rectangulares.
Interior de San Salvador de Valdediós. Detalle de la capilla mayor con ventana de triple
arco en el ábside central.
122
UA 5: El arte prerrománico.
5.2.3 ESCULTURA
Las formas decorativas que se interpretan con una talla a bisel poco pronunciada,
parecen provenir de un mismo taller por la similitud de factura que vemos en los relieves de
San Miguel de Lillo y Santa María del Naranco. Sogueados en los fustes y en los extremos de
los arcos, ruedas y soles que recuerdan el arte visigodo, formas vegetales o escenas con
figuras humanas … evocan los relieves de tipo bizantino, visigodo u oriental.
123
Relieves de San Miguel de Lillo.
Las escenas con figuras humanas son las de mayor interés en los relieves, ya que
aparecen por primera vez en el arte asturiano. Son relieves de talla a bisel muy plana que
contienen escenas enmarcadas en motivos geométricos. En esta imagen, un personaje
principal, aparece sentado entre otros dos que forman su séquito.
124
UA 5: El arte prerrománico.
125
Decoración vegetal en la iglesia de San Miguel de Lillo.
Capitel en la planta noble de Santa María del Naranco. Sogueado en el fuste de las
columnas y capitel con relieve muy planos de gran esquematismo y geometrización.
126
UA 5: El arte prerrománico.
Banda historiada y clípeo en la planta noble de Santa María del Naranco. Los arcos
fajones de la cubierta, se prolongan en pequeñas bandas que se rematan en relieves
rectangulares y medallones con decoración escultórica, influenciados por la decoración celta,
bizantina y oriental.
5.2.4 PINTURA
Los elementos arquitectónicos son muy esquemáticos, dispuestos en dos frisos y con
efectos de perspectiva. En el registro superior aparece una cruz entre las arquitecturas. La
parte inferior, que engloba hasta los arcos, tiene una decoración exclusivamente ornamental.
Todos los autores coinciden en señalar que se trata de una representación de la Jerusalén
Celeste.
127
Más datos sobre las pinturas de San Julián de los Prados
128
UA 5: El arte prerrománico.
129
Detalle de la pintura del transepto de San Julián de los Prados, Oviedo, Asturias.
Pintura de la bóveda del ábside de San Julián de los Prados, Oviedo, Asturias.
130
UA 5: El arte prerrománico.
Fragmento de la pintura del transepto de San Julián de los Prados, Oviedo, Asturias.
Pintura de la arquería mural del ábside de San Julián de los Prados, Oviedo, Asturias.
131
5.2.5 OTRAS MANIFESTACIONES ARTÍSTICAS
Entre las obras maestras de la orfebrería asturiana de los siglos IX al X, destacan las
cruz de los Ángeles, la cruz de la Victoria y las arquetas de San Genadio y Ágatas.
Tiene forma de cruz griega, cubierta con láminas de oro y decoradas con filigrana y
piedras preciosas.
La cruz de la Victoria, símbolo de Asturias, fue realizada en el año 908 y donada por
Alfonso III a la catedral de San Salvador.
Las influencias que recibe son variadas: La tradición visigoda, la influencia asturiana y
el arte musulmán.
Para Gómez Moreno el mozarabismo abarca dos fases: los cristianos sometidos a
los musulmanes y conviviendo con ellos y los mozárabes emancipados. Los ejemplos de su
arquitectura son variados, no hay uniformidad, no hay repeticiones, como si cada artífice
pugnase por acertar en cada obra. La composición de edificios huye de la sencillez
basilical, buscando estructuras más complicadas.
5.3.1 ARQUITECTURA
• Las plantas son variadas, desde la basilical a la centralizada (cruz griega) de tradición
asturiana o califal.
132
UA 5: El arte prerrománico.
• Al exterior los aleros son sustentados por modillones de rollo típicos del arte califal;
otros aspectos ornamentales son las esvásticas, los roleos visigodos y el sogueado
asturiano.
133
Exterior de la iglesia de San Miguel de la Escalada (León). Destaca el pórtico con 12 arcos de herradura.
134
UA 5: El arte prerrománico.
Interior del Monasterio de San Miguel, San Miguel de Escalada, León. Interior de San Miguel de la
Escalada. La iglesia es de planta basilical con tres naves, separadas por arquerías sobre columnas
(algunas reaprovechadas)sobre las que descansan arcos de herradura. La nave central está separada
del crucero, por un original iconostasio formado por tres arcos de herradura, similares a los del resto
de las naves.
La falta de unidad artística que tienen los edificios mozárabes, contrasta con los
elementos comunes como el arco de herradura de la iglesia de San Cebrián de Mazote.
135
5.3.2 OTRAS MANIFESTACIONES ARTÍSTICAS
La miniatura mozárabe que ilustraba los textos, alcanza un gran desarrollo a lo largo
del siglo X. Con ella se decoraban las bíblias y comentarios al Apocalipsis de San Juan escrito
por el monje Beato de Liébana en el siglo VIII. Estos comentarios se hacían para que se
entendiera mejor el mensaje del Apocalipsis y se ilustraba para comprender mejor el texto.
Beato de Liébana.
136
Unidad de Aprendizaje 9
Unidad de Aprendizaje 6
EFECTOS DE TRANSICIÓN Y
EL ARTE ROMÁNICO EN
ANIMACIÓN
ESPAÑA
ÍNDICE
6.1 LA HISTORIA .................................................................. 138
La derrota en la batalla de las Navas de Tolosa (siglo XIII), cuando los cristianos
arrebatan a los musulmanes gran parte de los territorios de Al-Ándalus.
El clero era otro grupo privilegiado cuyos bienes temporales experimentaron un fuerte
crecimiento, porque acaparaban gran parte de la riqueza territorial a través del diezmo y de los
señoríos jurisdiccionales.
138
UA 6: El arte románico en España.
6.2 EL ARTE
6.2.1 LA ARQUITECTURA
La cronología del arte románico, se desarrolla entre los siglos X y XIII, prolongándose
en las zonas rurales durante más tiempo. Es un arte con muchos elementos comunes en
Europa occidental y parte de Europa Central, aunque hay ciertas derivaciones y diferencias
locales a consecuencia de las características sociales, económicas y políticas de la época.
139
Esta importancia que toma la arquitectura religiosa se ve favorecida en parte por el
temor a las manifestaciones fantásticas y apocalípticas del primer milenio, como sequías,
pestes, hambres, etc. La oración y el recogimiento espiritual en espacios sagrados se
consideraba como la mejor respuesta a un siglo que parecía anticipar inseguridades y
temores.
• Planta
• Alzado
Muros muy gruesos con contrafuertes y ausencia de vanos, tribuna en la parte alta de
la nave central.
Los arcos fajones permiten aumentar la altura y longitud de las iglesias. Se sostienen
con pilares o columnas que al exterior tienen el refuerzo de los contrafuertes.
• Arcos
140
UA 6: El arte románico en España.
Claustro románico del Monasterio de San Juan de la Peña en Santa Cruz de la Serós, Huesca.
• Soportes
141
• Cubierta
Bóveda de cañón reforzada por arcos fajones. Bóveda de arista y bóveda de cañón
apuntado.
142
UA 6: El arte románico en España.
• Torres
• Portadas
143
Monasterio de Armenteira en Pontevedra.
1. Bóveda de cañón
2. Arco fajón
3. Cúpula
4. Trompas
6. Ábside
La orden más importante que se difundió por Europa Occidental fue la de los
Benedictinos, después de la reforma iniciada en Cluny (monasterio de Borgoña fundado en el
año 910). Esta reforma dio mayor independencia a la orden, al no depender del poder civil y
contar con una relación más estrecha con las decisiones del papado. Su influencia se extiende
por todo occidente, y en España se propaga junto con las formas constructivas propiamente
románicas a través del Camino de Santiago.
145
Simbolismo sobre el claustro según Honorius Augustodunensis
El autor del texto vivió entre los años 1095 y 1135 y dedicó parte de su obra De
Gemma animae a valorar el significado de los espacios del románico
“El Claustro prefigura el paraíso, de igual modo que el monasterio es el Edén, lugar
más seguro del paraíso. En aquel lugar se halla la fuente del placer, en el monasterio la
fuente bautismal; en el paraíso está el árbo de la vida y en el monasterio el Cuerpo del
Señor. Lo cerrado del claustro nos evoca la imagen del cielo, el que los justos son
separados de los pecadores, así los que profesan la vida religiosa son alejados de los
seglares en el claustro. El monasterio prefigura el paraíso celestial.”
“Creemos que para la refección cotidiana, tanto a sexta como a nona, bastan en
todas las mesas dos manjares cocidos, habida cuenta de las diversas necesidades; a fin
del que acaso no pudiere tomar del uno, coma del otro.
Baste una libra de pan larga al día, bien sea sólo una la refección o bien para
comida y cena.
Para el aderezo de las camas baste una estera, una colcha, una manta y una
almohada.
Estos lechos deben ser inspeccionados con frecuencia por el abad, para que no se
halle ningún objeto en propiedad.
146
UA 6: El arte románico en España.
147
Monasterio de Carracedo. León.
El románico catalán aparece muy ligado al románico francés y al del norte de Italia.
Estas aportaciones las vamos a ver reflejadas en el Monasterio de Ripoll, fundado en al año
879 por el conde Wifredo el Belloso. Fue un importante centro cultural como escuela
monástica y biblioteca. Esta llegó a tener en los primeros años del siglo XI 246 manuscritos. La
mayoría de ellos, se copiaban y reproducían en el scriptorium, siendo uno de los ejemplares
mas valiosos La Biblia de Ripoll por las bellas ilustraciones que adornaban sus páginas.
148
UA 6: El arte románico en España.
149
Portada de Santa María de Ripoll, Girona.
De la primitiva iglesia del monasterio, no quedan más que restos bajo la actual iglesia
de estilo neoclásico, pero el claustro del siglo XI, se mantiene como una de las obras más
importantes de la arquitectura.
Románica de Europa.
Durante el siglo XI el abad Santo Domingo fue una figura central en la historia de Silos,
restaura el monasterio, reúne a una comunidad y le da un auge que permanecerá a lo largo del
siglo XII y primeros años del siglo XIII, emprendiéndose las construcciones del claustro y
agrandándose el monasterio y la iglesia. Como parte fundamental del monasterio, la biblioteca
tuvo como en Ripoll, una gran relevancia, por los trabajos de los copistas y miniaturistas y
como escuela monástica, fue un importante centro del saber y transmisor de cultura.
El claustro probable obra de los últimos años del siglo XI, fue una de las estancias
básicas de la organización de la vida monástica, sobre el que se ordenan el resto de las salas.
Es cuadrangular con patio central y doble arquería de medio punto algo excepcional en el
románico.
150
UA 6: El arte románico en España.
Capitel doble de la Galería este del Monasterio de Santo Domingo de Silos, Burgos.
Los relieves del claustro son una de las obras más bellas del románico por las escenas
y formas ornamentales que se representan en los capiteles y en los machones de las esquinas
del claustro.
Capitel doble del claustro inferior del Monasterio de Santo Domingo de Silos, Burgos.
151
España, junto con las nuevas formas constructivas del románico, que tendrán una tipología
común en la iglesia de peregrinación.
El camino de Santiago
152
UA 6: El arte románico en España.
La catedral de Jaca
Jaca era desde el año 1058 sede episcopal del condado de Aragón. En el año 1063
ante el desarrollo del comercio y el paso de peregrinos por el lugar, se fundó una ciudad con
estatuto jurídico propio. La catedral se construyó hacia el año 1080, tiene planta basilical de
tres naves y tres ábsides en la cabecera, la cubierta estuvo originalmente construída con
bóvedas de cañón que se sustituyeron por ojivales en el siglo XV. Las naves se separan por
pilares alternativamente redondos y cruciformes. El crucero conserva la cúpula románica de
nervios muy gruesos. En el exterior, los ábsides tienen canecillos, columnas adosadas y el
taqueado jaqués o ajedrezado que aparece en otras iglesias a lo largo del Camino de
Santiago.
153
Es muy relevante la decoración de los ábsides –sólo queda uno primitivo- y de las
portadas, donde aparece el taqueado jaqués y las columnas adosadas.
154
UA 6: El arte románico en España.
Es una iglesia de gran armonía de estilo tanto en el interior como en el exterior, a pesar
de las reformas que se han ido acometiendo desde su construcción: en el siglo XV se levanta
la torre sobre el crucero y en el XIX se reconstruyen entre otros elementos las dos torres a los
pies de la iglesia.
En el exterior:
• canecillos que recorren todo el alero de los tejados: tiene formas muy variadas,
vegetales y figurativos tanto humanos como animales.
En el interior:
• capiteles: los del interior de la iglesia están decorados con formas vegetales, animales
o escenas del Antiguo y Nuevo Testamento.
156
UA 6: El arte románico en España.
San Martín es una iglesia con gran perfección en el conjunto. Las torres cilíndricas le
dan cierto aire de fortaleza, cuya forma original no afectó la restauración ni reconstrucción de
la iglesia.
157
Iglesia de peregrinación: Catedral de Santiago de Compostela
Los fieles podían recorrer la iglesia sin entrar en la nave central y rodeando la capilla
mayor a través de la girola, de esta manera no impedían la celebración de los actos litúrgicos y
asistir a los oficios de las capillas de la cabecera, dedicada a diferentes santos.
158
UA 6: El arte románico en España.
159
Interior de la catedral de Santiago de Compostela, A Coruña.
160
UA 6: El arte románico en España.
Iglesias parroquiales
La iglesia de San Clemente fue consagrada en el año 1123, tiene planta basilical con
pórtico muy amplio a los pies y tres naves separadas por columnas. El alzado es muy simple,
sólo destaca la torre campanario de planta cuadrada, que rompe la visión horizontal del
conjunto. En el exterior la sencillez y austeridad, contrasta con la decoración en la torre y
cabecera absidal de bandas lombardas y arquillos ciegos que también se reconocen en otras
iglesias de la región pirenaica.
Iglesia de San Clemente de Tahull (Lleida). La iglesia tiene planta basilical con triple
ábside. El más grande se corresponde con la nave central y una torre exenta situada
en la fachada meridional, como las torres italianas que se edificaron en el siglo XII. Los
ábsides, tienen decoración lombarda.
161
San Esteban, Segovia. La iglesia del siglo XIII de tres naves con tres ábsides. Fue
muy reformada en el siglo XVIII. Se conserva el campanario de seis cuerpos
superpuestos con arquerías ciegas y decoración escultórica del bestiario románico.
El pórtico se sitúa an la fachada meridional y occidental de la iglesia.
Catedrales castellano-leonesas
En la segunda mitad del siglo XII, se construyen templos como la catedral de Zamora,
la catedral de Salamanca y la Colegiata de Toro, con arcos apuntados, bóvedas de crucería y
cimborrios sobre el crucero. La habilidad técnica del arquitecto está en la utilización de las
pechinas para pasar de un espacio cuadrado a octogonal.
162
UA 6: El arte románico en España.
163
Cúpula del Cimborrio, Catedral de Zamora. Una de las partes más interesantes
de su construcción.
Puerta del Obispo, Catedral de Zamora. Es un ejemplo característico del románico, ya que
la decoración arquitectónica, apenas tiene escultura. La fachada se ordena en tres calles y dos pisos
con arquillos y arquería ciega.
164
UA 6: El arte románico en España.
Fue construida en las décadas centrales del siglo XII. Originariamente fue construcción
de tres naves, crucero y ábsides. De las torres previstas, solo se levantó la torre septentrional.
Fue iniciada en la primera mitad del siglo XII y finalizada en el siglo XIII. Estuvo a punto
de ser demolida, cuando se construyó la catedral nueva en el siglo XVI. No se llegó a respetar
el brazo norte del crucero y parte de la nave septentrional. Es característico el remate del
crucero con el cimborrio gallonado.
165
Interior de la catedral de Salamanca. Tiene amplias naves
separadas por bóvedas de crucería que se apoyan en pilares cruciformes.
En los siglos IX y X los condes catalanes para hacer frente a los carolingios y a los
musulmanes levantaron fortalezas como en Castilla, que estuvo durante muchos años
expuesta a la presión que ejercían los musulmanes sobre zonas conquistadas, esto les lleva a
levantar castillos que servían para defender una zona llana a medida que la frontera avanzaba
hacia el sur.
La entrada solía tener un acceso con arco de medio punto y con escasos o ningún
detalle ornamental, dada la funcionalidad de este tipo de construcciones.
En el interior la torre del homenaje era la construcción más significativa del castillo con
los aposentos del noble, así como la cocina y bodega. En muchos castillos y dada la
166
UA 6: El arte románico en España.
167
Arco del paso entre las torres, Huesca.
168
UA 6: El arte románico en España.
Exterior del castillo de Loarre. Una muralla rodea al núcleo central del castillo, donde destaca la torre
del Homenaje.
6.2.2 LA ESCULTURA
A través del camino de Santiago se transmiten las formas y la iconografía por el norte de la
Península y a medida que la Reconquista avanza, por las nuevas zonas de Castilla y León.
En las fachadas de los templos, en los tímpanos, capiteles y arquivoltas, se desarrollan los
programas decorativos o iconográficos que la iglesia utilizaba para hacer llegar a los fieles
los mensajes del Antiguo y Nuevo Testamento. La iglesia adquiere de esta manera un
nuevo significado, al trasladar a la piedra la iconografía que representa las verdades de la
fe.
El material en que se trabaja la escultura es la piedra, madera y marfil, este último reducido
a objetos suntuarios como crucifijos (crucifijo de San Isidoro de León) por lo costoso del
material y por la dificultad de trabajarlo.
169
6.1.1.1 La escultura románica de los siglos XI y XII
San Isidoro de León finales del siglo XI primeros años del siglo XII
170
UA 6: El arte románico en España.
171
Puerta de Platerías.
Los temas de los capiteles de mejor factura están en el piso inferior, son muy ricos y
variados: animales fantásticos, gacelas, arpías, formas vegetales…. Este repertorio goza de
gran riqueza en el románico gracias a la influencia que los artistas reciben de los Bestiarios,
siendo la fuente de inspiración de las figuras de animales reales e imaginarias, representadas
afrontados y entrelazados, con un modelado muy cuidadoso que en algunos de los capiteles
recuerda la talla a trépano de la época califal.
172
UA 6: El arte románico en España.
Interior de la galería este del claustro del Monasterio de Silos con la escena del relieve angular El
entierro de Cristo. Los relieves de los capiteles son muy distintos, pero en todos se distingue el
trabajo del escultor realizado en dos planos, neutro el fondo y el relieve poco acusado que cubre
toda la superficie con una factura muy detallista y delicada.
Las arpías eran seres híbridos con rostro femenino, cuerpo de ave y garras poderosas.
173
Capitel románico del Monasterio de Santo Domingo de Silos, Burgos.
En los ocho grandes paneles de los relieves angulares del claustro inferior, los temas
historiados y con cierto carácter narrativo se relacionan con la vida de Cristo en una
escenificación de los dramas litúrgicos de la Pasión (Descendimiento, Resurrección, aparición
a los discípulos de Emaús, la Duda de Santo Tomás y la Venida del Espíritu Santo). Son
relieves en los que el escultor pretende enseñar al fiel, no emocionarle. El sentido realista no
existe, el artista recurre a detalles convencionales como unas ondulaciones que representan
un monte, los ojos cerrados como reflejo de la muerte o los ángeles como manifestación de la
gloria que salen de las nubes.
En el ángulo suroeste del claustro, hay otros dos relieves de diferente factura , más
cerca del gótico que del románico. La hierática solemnidad de los relieves anteriores
174
UA 6: El arte románico en España.
relacionados con los misterios de la Redención, desaparece en las escenas de *“El árbol de
Jesé” y “La Anunciación y Coronación de la Virgen”.Las figuras se despegan del fondo y
tienen un tratamiento más humanizado en un gesto que anima los rostros. Hay un ilusionismo
espacial y un modelado más abultado que los relieves de los machones más antiguos del
claustro.
Encima de los arcos unos personajes tocan instrumentos musicales entre torrecillas
con decoración de escamas.
175
Muerte en cruz, monasterio Santo Domingo de Silos, Burgos.
176
UA 6: El arte románico en España.
La Anunciación, monasterio Santo Domingo de Silos, Burgos. La obra es de los últimos años del siglo
XII. La Virgen está bajo un arco de medio punto, son de el ángel arrodillado le anuncia a María que va
a ser Madre del Hijo de Dios, mientras dos ángeles que descienden del cielo le colocan la corona.
Arpías: cabeza de mujer y cuerpo de ave. Se les suele relacionar con el árbol de la
vida.
Esfinges: cabeza de mujer, cuerpo de león y alas de águila. Son vigilantes de los
lugares sagrados.
Grifos: cabeza de león y cuerpo de águila. Son vigilantes de los lugares sagrados.
De las figuras representadas, las más significativas son las esculturas de los apóstoles
en las jambas. El hieratismo ha dado paso al movimiento, al naturalismo de la expresión de
unos rostros que anticipan las formas del gótico.
178
UA 6: El arte románico en España.
180
UA 6: El arte románico en España.
6.2.3 LA PINTURA
Los mosaicos bizantinos que decoraron las iglesias y las miniaturas de los códices
mozárabes son los precedentes de la pintura románica.
La línea negra delimita las figuras y los objetos con un trazo enérgico y bien definido.
Las figuras son frontales, planas y rígidas, sin ningún realismo en su anatomía.
181
6.2.3.2 Pinturas murales: San Isidoro de León y San Clemente de Tahull
Las pinturas murales del Panteón Real de San Isidoro de León (últimos años del siglo
XII) y de San Clemente de Tahull en Lérida (últimos años del siglo XI y años centrales del siglo
XII), son los ejemplos más importantes de la pintura románica, tanto por el tema, como por la
expresividad de las formas, adaptadas con gran perfección al marco arquitectónico.
La técnica utilizada del temple, está tratada con una gran riqueza cromática,
predominando el almagre el ocre, el negro, el azul, verde, luminosos amarillos y oscuros
carmines, en figuras expresivas y de un realismo ingenuo. Este estilo se asemeja al
decorativismo de las miniaturas característica que lleva a reconocer al autor como conocedor
de una nueva tendencia que se desarrollaba en Francia, donde el realismo sustituía al
hieratismo, anticipando la expresividad y el sentimiento de la pintura gótica.
182
UA 6: El arte románico en España.
183
La Anunciación a los pastores. Panteón de San Isidoro. Siglo XII
Las figuras están perfiladas con trazo en negro, con colores llenos de vigor que
contribuyen como todo el conjunto a la intensa luminosidad pictórica de la cripta.
En el Panteón los doce meses del año se representan con figuras que representan
las tareas agrícolas dentro de doce círculos situados en el intradós del arco que separa las
bóvedas del Anuncio a los pastores y el Pantocrátor.
Las pinturas del románico que decoran los muros de las iglesias, siguen una
jerarquización temática que preside la composición del ábside de San Clemente. La cabecera
de la iglesia convierte al ábside en el lugar clave de las representaciones iconográficas.
Normalmente se distinguen tres zonas:
• en la franja inferior que suele ser más estrecha la Tierra con diferentes símbolos.
En Tahull se conservan las dos primeras zonas que se completan con medallones en la
clave de la bóveda y en el arco de acceso al espacio absidal.
de escrituras, en el que se lee el texto “Ego sum lux mundi” (“Yo soy la luz del
mundo”). A ambos lados de los hombros están escritas la primera y última letra del
alfabeto griego, alfa y omega, que son el principio y el fin de todas las cosas y del ser
humano. A ambos lados del Pantocrátor los serafines y más abajo el Tetramorfos, los
animales que rodean a Cristo, interpretados con símbolos de los evangelios: el león se
asocia con San Marcos, a San Lucas con el toro, el águila con San Juan y el hombre
se identifica con San Mateo. “En medio del trono y en rededor de él cuatro vivientes….
El primer viviente era semejante a un león, el segundo viviente semejante a un toro, el
tercero tenía semblante como de un hombre y el cuarto era semejante a un águila
voladora” (Apocalipsis, 4,6-7).
A los pies del Pantocrátor en el muro del ábside, unos arcos sirven de marco a los
Apóstoles y en medio de ellos la Virgen que parece sujetar el santo grial.
185
Más datos sobre las pinturas de San Clemente de Tahull
“El ábside como imagen del espacio divino, aúna el principio y el fin de la
humanidad; su concavidad es el núcleo de densificación de todas las líneas de fuerza de
la iglesia, tanto estructurales como simbólica; es el centro de atracción donde convergen
las miradas de los fieles y en el que el ministro de Dios vuelve a vivir la pasión de Cristo.
Su orientación hacia el Este, característica de los templos cristiano, hace el el inicio del
día esté bañado por el sol de levante, símbolo del Sol y de la Salud y en el final de los
tiempos reciba en su cuenca el sol del atardecer, el Sol de la Justicia, que habrá de juzgar
a todos los hombres… En el cuarto de esfera se manifiesta la divinidad rodeada de las
visiones apocalípticas y de su corte celestial; a sus pies todo el universo representado
por los personajes copartícipes de su gloria”.
Agnus Dei, cordero apocalíptico. Clave de bóveda (medallón central). Segundo arco
triunfal.
186
UA 6: El arte románico en España.
El pobre Lázaro en la puerta de la casa del hombre rico con el perro que a sus
pies lame las heridas, es la representación de la pintura convencional que caracteriza al
románico, lo que le interesa al pintor es que el espectador se fije en la escena que sigue
con fidelidad el texto evangélico.
La madera es el soporte de los frontales de altar, para pintar se tenía que preparar
previamente la superficie de la madera, con varias capas de encolado y de yeso y a
continuación se procedía a aplicar la pintura. Los frontales de altar se situaban donde todos
los fieles podían verlo sin ninguna dificultad. Su tamaño condicionaba al pintor para realizar la
obra, que se desarrollaba siguiendo el mismo esquema: un motivo central de mayor tamaño
como en los ábsides de las iglesias con la representación del Pantocrátor o la Virgen con el
niño y escenas de mayor realismo en el resto de la superficie.
La copia e iluminación de libros era una de las actividades que se desarrollaba en los
monasterios por parte de los copistas, que además de reproducir los textos, se dibujaban las
detalladas escenas alusivas al texto que adornan los códices (pergaminos hechos con piel de
ternera), con unos rasgos estilísticos propios que las diferencian de las pinturas murales y de
los frontales de altar. Las escenas que ilustran los textos de los códices son narrativas, las
figuras pierden hieratismo en aras de un mayor dinamismo y libertad de composición en los
gestos y expresiones de los personajes.
187
Beato de Fernando I. Siglo XI. Madrid Biblioteca Nacional
188
Unidad de Aprendizaje 9
Unidad de Aprendizaje 7
EFECTOS DE TRANSICIÓN Y
EL ARTE GÓTICO
ANIMACIÓN
ÍNDICE
7.1 LA HISTORIA .................................................................. 190
190
UA 7: El arte gótico.
El Gótico es un arte que nace en Francia, concretamente en la Île- de- France, desde
donde se difunde a toda Europa, a partir de los últimos años del siglo XII.
La arquitectura presenta novedades técnicas que están en función del nuevo concepto
de espacio religioso que busca la luminosidad y la altura.
191
Detalle de vidriera en Sainte-Chapelle, París, Francia.
192
UA 7: El arte gótico.
193
Exterior del monasterio de Santa María de Veruela, Zaragoza. Fue fundado en el año 1146. Es
uno de los monasterios más importantes de la orda del Císter.
194
UA 7: El arte gótico.
2. El siglo XIII es el periodo clásico del estilo gótico que queda plenamente definido
formalmente
5. La arquitectura gótica perdura en países como España en el siglo XVI, pero las formas
del Renacimiento se incorporan de forma progresiva.
195
Evolución de los arcos y tracerías
196
UA 7: El arte gótico.
• El arco apuntado u ojival. Tiene la ventaja técnica de ejercer unos empujes laterales
menores que el de medio punto, a la vez que resulta más ligero y dinámico que este.
En las ventanas estos arcos recibieron una decoración calada llamada tracería, que se
fue complicando decorativamente a lo largo del gótico.
197
Bóveda de la girola, Catedral de Ávila.
198
UA 7: El arte gótico.
• Bóveda de crucería. Formada por el cruce diagonal de dos arcos de medio punto,
transmite el empuje de la bóveda a los cuatro puntos. Está formada por el esqueleto,
que son los arcos cruzados diagonalmente, junto a los formeros y los fajones. Los
plementos son los paños que cierran los espacios entre los nervios. La más sencilla
es la bóveda de crucería cuatripartita (con cuatro plementos), aunque con el tiempo
se irá enriqueciendo al añadir nervios; así surgirá la estrellada, la de terceletes, etc.
Catedral de León.
• Soporte. Los pilares se complican. A medida que se multiplican los nervios, también
aumentan las columnas adosadas al muro o baquetones que recogen los empujes que
ejercen los nervios de la bóveda.
• Los arbotantes. Son un elemento exterior en forma de arco que recogen los empujes
laterales de los arranques de la bóveda y que a su vez permiten la canalización de las
aguas del tejado.
• Los contrafuertes. Se separan del muro y se rematan con pináculos que ejerce un
empuje vertical sobre el contrafuerte para contrarrestar el empuje oblicuo de los
arbotantes. Además de esta finalidad constructiva, también tienen un carácter
decorativo.
199
1. Pináculos.
2. Gárgolas.
3. Contrafuerte exterior.
4. Arbotante.
• Las torres. Tienden a la altura y suelen estar rematadas por un cuerpo piramidal
llamado chapitel
200
UA 7: El arte gótico.
201
Planta de la catedral de Oviedo
8. Crucero sur
202
UA 7: El arte gótico.
• La fachada deriva del Románico. Está flanqueada por las torres y hay una puerta por
cada una de las naves, tímpano y parteluz. El arco es apuntado, al igual que las
ventanas que se abren en los muros. Sobre la puerta se sitúa el rosetón, una ventana
circular que suele estar decorada con vidrieras y que inunda de luz el interior.
Simboliza la eternidad y la perfección de Dios. Con el tiempo, la decoración interior se
irá recargando y se añadirán motivos ornamentales como gárgolas y doseletes, estos
últimos, cubren las estatuas de las fachadas y suelen estar muy ornamentados.
La arquitectura gótica castellana, está influenciada por la francesa. Los monjes del
Cister la introducen en España a través del Camino de Santiago. A partir del siglo XIII hay una
gran actividad constructiva amparada por la fortaleza de la monarquía española que impulsa
muchas fundaciones, espacialmente bajo el reinado de Fernando III.
Se empieza a construir en 1221, gracias a la iniciativa del obispo Mauricio y del rey
Fernando III. Se conoce el nombre de los dos maestros que intervienen en la construcción: el
maestro Enrique y Juan Pérez, ambos trabajarían más tarde en la catedral de Toledo.
La planta presenta tres naves y un transepto de una sola nave, destacado en planta.
Posee girola y capillas pentagonales que rodean el ábside. Las bóvedas son de crucería
simple.
En el interior del edificio, destaca el triforio de la nave central decorado con tracería
calada. Al exterior, la fachada principal presenta tres cuerpos y tres calles, triple portada y
rosetón recordando a las francesas de Reims y Amiens. Hay que destacar el repertorio
decorativo que se incorpora al edificio a partir del siglo XV, especialmente destacable en el
cimborrio y en las agujas.
203
Catedral de Burgos.
204
UA 7: El arte gótico.
Una vez terminada la obra el efecto que produjo en la ciudad fue impresionante,
por la altura y la belleza de la construcción, adaptada a ciudades cada vez más grandes y
con mayor población. Su piedra blanca se consiguió en Hontoria de la Cantera, en el
camino de Burgos a Salas. Era una piedra calcárea con unas características óptimas, ya
que su blandura facilitaba el trabajo.
Se construye a partir de 1255 con el apoyo del obispo Martín Fernández y del rey
Alfonso X el Sabio. Las obras están dirigidas por el maestro Enrique y Juan Pérez, que como
dijimos, ya habían trabajado en Burgos.
205
Es la más francesa de las catedrales góticas españolas. Sigue el modelo de la catedral
de Reims, aunque su tamaño es más reducido.
La planta presenta tres naves que se repiten en el transepto que, aunque corto, está
destacado en planta. La cabecera presenta capillas radiales.
El interior está más cerca de la Catedral de Amiens. El muro se aligera y hay sensación
de altura porque el claristorio y el triforio son más amplios y se cubren con vidrieras. Al
exterior presenta torres exentas, lo que resta esbeltez al conjunto.
Catedral de León.
206
UA 7: El arte gótico.
207
Vidrieras de la Catedral de León.
208
UA 7: El arte gótico.
Catedral de Toledo.
209
Fachada principal de la catedral de Toledo.
210
UA 7: El arte gótico.
211
7.2.3 LAS CATEDRALES DE LA CORONA DE ARAGÓN
Su construcción se inicia en el año 1298 pero se prolongará durante todo el siglo XIV.
El arquitecto es Jaime Fabre.
La planta es de salón, esto supone que la nave central y las laterales se aproximan en
altura formando un espacio unitario que contribuye a dar sensación de amplitud más que de
altura. El transepto no está destacado en planta, sólo se aprecia en altura y anchura. En cada
extremo del mismo se sitúa una torre. Como es propio de los templos catalanes, carece de
linterna en el crucero, pero un gran cimborrio situado a los pies ilumina la nave central.
Se comenzó a construir en el año 1229 por iniciativa de Jaime I de Aragón, que había
conquistado Mallorca.
La planta presenta tres naves y capillas entre contrafuertes que abren a las naves
laterales. No tiene transepto y la cabecera es plana y detrás de ella hay una capilla real. Las
bóvedas son de crucería sencilla.
212
UA 7: El arte gótico.
“Las columnas que separan las tres naves son altas y ligeras; hoy, que se ha
quitado el coro que ocupaba el centro de la iglesia, se las puede ver cómo se lanzan
atrevidamente a gran altura. Las capillas son bajas y carecen de galerías altas, que
permiten en la de Barcelona establecer los contrafuertes interiores, debiendo, por tanto en
la de Palma aparecer el exterior. La mayor novedad que presenta la catedral de Palma es el
ábside, que cierra en línea recta y del que avanza sólo una espaciosa capilla rectangular,
de todo el ancho de la nave mayor. Esta capilla, sin embargo, no tiene toda la altura de la
nave; es más baja y deja espacio encima para un rosetón colosal que ilumina la iglesia por
la cabecera”
213
Portada de la catedral de Palma de Mallorca.
El siglo XV marca la madurez del arte gótico en España. Con el reinado de los Reyes
Católicos, Castilla se recupera económicamente a la vez que se consolida la monarquía
autoritaria. Esta situación va a permitir un auge constructivo.
En este estilo participan muchos maestros extranjeros que trabajan en los tres focos
principales:
214
UA 7: El arte gótico.
Burgos
215
Toledo
En esta ciudad el arquitecto Juan Guas construye el monasterio de San Juan de los
Reyes en 1476. Fundado por los Reyes Católicos, es un edificio de estructura sencilla y
rica decoración.
Claustro del convento de San Juan de los Reyes (Toledo). Observamos cómo cada piso tiene
diferente tipo de arco. En el superior los arcos son mixtilíneos
Sevilla
La obra más destacada fue la catedral, que se comienza a construir en 1402 sobre la
antigua mezquita aunque no se concluyó hasta1515. Entre los arquitectos que intervienen
están Hanequin de Bruselas y Juan Gil de Hontañón.
La planta presenta cinco naves, la central más alta que las laterales. Carece de ábside
visible al exterior. Las bóvedas son estrelladas en los tramos cercanos al crucero y se
hicieron en el XVI porque se derrumbaron las originales.
216
UA 7: El arte gótico.
217
Exterior de la catedral de Sevilla.
El gótico perdura hasta el primer cuarto del siglo XVI en arquitectos como Juan Gil de
Hontañón, aunque en sus construcciones como la catedral de Segovia, se anuncia un nuevo
lenguaje renacentista en lo espacial y en lo decorativo.
Catedral de Segovia.
218
UA 7: El arte gótico.
Catedral de Segovia.
219
7.2.5 LA ARQUITECTURA CIVIL
El exterior del edificio presenta una torre cuadrada que divide la fachada en dos
partes: la izquierda corresponde a la fachada del consulado del mar. A la derecha la fachada
de la lonja, que presenta ventanales góticos con tracerías y pequeñas figuras de hombres y de
animales. A media altura aparecen dos grupos de ángeles que sostienen los escudos del reino
de Aragón.
220
UA 7: El arte gótico.
7.2.5.2 Castillos
221
peculiaridad estriba en el patio de planta circular con doble galería de arcos, de medio punto
en el tramo inferior y apuntados en la galería superior.
222
UA 7: El arte gótico.
Castillo de Bellver en Palma de Mallorca. Patio circular con doble galería de arcos, de medio
punto y apuntados.
Los primeros retablos, eran unas tablas agrupadas en donde se pintaban diferentes
temas, siendo en el siglo XIV, cuando adquieren unas características que se van a mantener a
lo largo del tiempo.
223
Sobre los retablos
“En el siglo XIV, el retablo sigue una ordenación de base arquitectónica y de una
distribución iconográfica bastante uniformes. Los distintos cuerpos se hallan separados
por contrafuertes góticos terminados en pináculos con cardinas. Entre ellos se sitúan las
tablas, efigiando episodios de la vida de Cristo y de la Virgen o de los santos titulares. El
cuerpo central tiene la imagen de su dedicación y se corona casi sin excepción con un
Calvario. Estos recuadros se decoran con un marco gótico polilobulado. En la predela hay
bustos de santos y en el centro es frecuente la Sagrada Cena. Todo el retablo se protege
por unas tablas inclinadas llamadas guardapolvo, generalmente decoradas con pinturas
heráldicas y ángeles. Este sistema de composición del retablo puede provenir de la
imitación de las vidriesra que ya a fines del siglo XIII se historiaban con recuerdos
ordenados por elementos arquitectónicos”
Partes de un retablo
224
UA 7: El arte gótico.
Esquema de un retablo
225
En la predela o banco la escena central, el Entierro de Cristo se supeditaba a las
dimensiones de la tabla. El retablo lo cierra el guardapolvo o un marco saliente que parte de la
predela.
A pesar de las diferencias entre estilos y países podemos señalar unas características
generales de la pintura gótica:
• El dibujo es importante. Delimita las formas a menudo con curvas sinuosas, marca el
modelado y la composición.
• La composición, tiene en cuenta el eje de simetría y todas las figuras se orientan hacia
el centro del cuadro.
• Las técnicas empleadas varían según el soporte: en la pintura sobre tabla el temple y,
a partir del siglo XV, el óleo. El fresco en las pinturas murales y la aguada en la
iluminación de libros.
226
UA 7: El arte gótico.
Alfonso X se miniaron en Sevilla y Toledo por artistas españoles formados bajo influencia
francesa.
227
Alfonso X, el sabio.
El estilo ítalo-gótico
Este estilo tiene gran desarrollo el España, sobre todo en la Corona de Aragón. Luis
Borrasá es uno de sus principales representantes.
228
UA 7: El arte gótico.
El estilo hispano-flamenco.
La principal aportación de esta escuela es la técnica al óleo que permite una mayor
riqueza cromática, tratar los temas con extraordinaria minuciosidad y por tanto, reflejar
fielmente la realidad. Este estilo se vincula con una sociedad burguesa que se ha enriquecido
gracias al comercio.
• El color es más apagado que en Flandes por el predominio del temple, pues aunque
en España se usó el óleo se siguió usando el temple para retoques.
Retablo de los Santos Abdón y Senen(santa María de Tarrasa). Jaime Huguet. 1460.
Estos santos son patronos de los agricultores y de los toneleros y muy venerados
en Cataluña.)
En el retablo de los dos santos podemos observar una alta calidad de dibujo y un
modelado lleno de plasticidad. Los colores son fríos y el fondo dorado presenta a su vez
una decoración vegetal de gran relieve. Los dos personajes de canon alargado, elegantes y
melancólicos, están vestidos como burgueses y sus cabezas están rodeadas con nimbos
concéntricos de gran plasticidad.
La tabla principal es de Huguet y las laterales de discípulos a los que sólo dirigió.
En las calles secundarias aparecen escenas de la vida y martirio de los santos.
229
La Piedad. Fernando Gallego. (Museo del Prado)
230
UA 7: El arte gótico.
La portada de las catedrales cambia. La figura del Pantocrátor como juez desaparece y
deja paso a la imagen de un Cristo más humano, comprensivo y cuya madre, María,
intercede por los hombres ante su hijo. En las arquivoltas aparecen figuras que siguen la
dirección de los arcos y las jambas se reservan a los apóstoles. El parteluz o mainel se
reserva para la Virgen o santos locales.
231
Puerta principal de la catedral de Burgo de Osma.
232
UA 7: El arte gótico.
Fue tallado entre los años de 1434 y 1480 por Pere Johan, Francisco Gomar y
Hans de Suabia
233
Retablo Mayor de la Seo de Zaragoza.
234
UA 7: El arte gótico.
Los grandes centros de la escultura de este siglo fueron las catedrales de Burgos y de
León, que tienen su precedente en el pórtico de la Gloria de la Catedral de Santiago.
Esta puerta se encuentra situada en uno de los brazos del transepto y parece la
realizaron maestros franceses, al menos trabajaron tres distintos: uno realizaría en tímpano,
otro el dintel y un tercero las arquivoltas. A pesar de ello, la obra no carece de unidad.
En el centro del tímpano, aparece Cristo en majestad rodeado del tetramorfos (los
evangelistas representados según sus símbolos tradicionales: león, águila, buey y ángel) y
además unos copistas medievales. En las arquivoltas están representados los veinticuatro
ancianos del Apocalipsis, junto a ángeles y serafines y en el parteluz la figura del obispo
Mauricio.
Técnicamente, esta portada aun carece de la expresividad que veremos a medida que
avanza el siglo ya que resulta demasiado majestuosa.
235
La puerta del Sarmental de la Catedral de Burgos.
2. Los evangelistas son simétricos a la figura del Pantocrátor, representados ante dos
pupitres escribiendo y también coronando el tímpano
5. En las jambas se representan las figuras de santos como San Pedro y San Pablo,
aunque alguno fue añadido posteriormente
237
Puerta del Sarmental de la catedral de Burgos.
En Burgos sobresale la obra de Gil de Siloé, escultor que se aparta de los cánones
tradicionales. Su obras está dotada de una gran fantasía creativa y de un alarde técnico
difícilmente igualable en creaciones como el retablo de la Cartuja de Miraflores realizada entre
1486 y 1499.
En el tímpano está la imagen de Cristo mostrando las llagas, rodeado de ángeles que
muestran los símbolos de la pasión. La Virgen y San Juan aparecen arrodillados. En el dintel
los bienaventurados se encaminan a las puertas del paraíso al son del órgano y los
condenados son conducidos a la caldera hirviendo. En el centro y separando ambas escenas
se representa el peso de las almas. En el parteluz aparece la Virgen llamada Blanca o de las
Nieves, de rostro dulce y sonriente, sujeta al niño en brazos. Se cree que pudo ser obra del
Maestro Enrique. Esta iconografía de la Virgen se difundió con éxito a lo largo del siglo XIV.
238
UA 7: El arte gótico.
Estas esculturas de León presentan una factura similar a la obra de Reims por su
naturalismo y elegancia.
Una atención especial merecen las imágenes exentas. El tipo más común lo constituye
la Virgen con niño, ambos sonrientes. Un ejemplo es
239
En el siglo XIV hay que destacar la escultura funeraria, los conjuntos más
importantes se encuentran en Cataluña donde abundan los sepulcros de influencia
italianizante. En el siglo XV evoluciona hacia actitudes que huyen de la muerte representando
a los difuntos en actitudes que han tenido en vida: leyendo, orando, etc.
Sepulcro exento en el que los reyes aparecen yacentes sobre una tumba de forma
estrellada. El rey sostiene el cetro y la reina lleva un devocionario. Las paredes de la
estrella tienen multitud de figuras que representan personajes de la historia sagrada y
figuras alegóricas de las virtudes.
Sepulcro de Don Martín Vázquez de Arce. Se cree que su autor pudo ser Juan
Guas. Es un sepulcro de pared. El Doncel está tumbado de forma natural, vestido con
ropas militares y leyendo . Es el ideal de caballero renacentista del siglo XV, hombre de
armas y de letras. El león hace referencia a su bravura y a la resurrección. El heno bajo su
brazo recuerda lo efímero de la vida.
240
Unidad de Aprendizaje 9
Unidad de Aprendizaje 8
EFECTOS DE TRANSICIÓN Y
EL ARTE RENACENTISTA
ANIMACIÓN
ÍNDICE
8.1 LA HISTORIA .................................................................. 242
8.1.1 CONCEPTOS CLAVES DEL RENACIMIENTO ......... 243
La unión de las coronas de Castilla y de Aragón en 1479 tras el matrimonio de los Reyes
Católicos, y la conquista del reino musulmán de Granada en 1492, supusieron la
consolidación del Estado moderno y de la monarquía autoritaria desmantelando la vieja
estructura feudal.
Un hecho importante en el siglo XVI fue la división entre católicos, fieles seguidores de la
autoridad papal, y protestantes, que pretenden una revolución religiosa profunda. Desde
este momento Europa se divide en dos: la de los imperios católicos, con la monarquía
hispana a la cabeza, y la de los países protestantes del norte de Europa. Su
enfrentamiento dará lugar a las guerras de religión para frenar los avances del
protestantismo. La iglesia Católica por su parte, propondrá en el Concilio de Trento
(1545-1563) una reforma o Contrarreforma, apoyada por la Compañía de Jesús y que
dictará normas para la unidad religiosa.
242
UA 8: El arte renacentista.
La política matrimonial de los Reyes Católicos, hizo posible el gran imperio de Carlos I.
La herencia materna incluye la Corona de Castilla y de Aragón y las posesiones de América.
Por vía paterna hereda la corona de Borgoña( Países Bajos y Franco condado) y el título de
Emperador alemán.
La reforma o protestantismo
La contrarreforma
El humanismo
España se convirtió en uno de los países europeos de mayor difusión de las ideas del
humanismo, que considera al hombre como centro del universo. Los propios monarcas
favorecieron la creación de universidades y la implantación de imprentas que permitiesen la
difusión de las obras clásicas. El pensamiento humanista penetró con rapidez en la literatura y
en la educación. Los hijos de la aristocracia española comenzaron a acudir a las universidades.
En estos siglos la universidad de Salamanca aumentó considerablemente el número de
alumnos.
243
8.2 LA ARQUITECTURA
8.2.1 EL PRIMER RENACIMIENTO O PLATERESCO
En los últimos años del siglo XV y primer tercio del siglo XVI, conviven manifestaciones
artísticas fieles al gótico y al mudéjar, (sobre todo en la construcción de las iglesias) con
edificios de lenguaje italiano, asociados a algunas familias nobles.
Columnas abalaustradas, formadas a base de perfil curvo y recto, con capiteles corintios o
compuestos decorados con formas fantásticas.
Arcos de medio punto que se completan con medallones en las enjutas y arcos
carpaneles que siguen la tradición gótica.
Las bóvedas son en general de crucería y las claves se decoran con rosetas clásicas o
medallones. También se usan las bóvedas de cañón con casetones. El artesonado
clásico con labores de lacería recuerdan la tradición mudéjar.
244
UA 8: El arte renacentista.
Salamanca
Según algunos autores, en la fachada se contraponen el vicio y la virtud, de ahí las dos
puertas de la fachada. Los medallones de Hércules, que encarna lo virtuoso, y de Venus, que
representa lo pasional, hacen referencia a estas dos actitudes y la universidad sería la que
ayudaría a distinguir entre la virtud y el vicio. Por otro lado, también hay una exaltación de la
monarquía de los Reyes Católicos a través de los escudos y medallones.
245
Detalle de la fachada de la Universidad de Salamanca.
246
UA 8: El arte renacentista.
247
Convento de San Esteban, Salamanca. Fachada retablo de la iglesia conventual de
San Esteban, con abundante decoración de estilo plateresco. En el centro se
representa el martirio de San Esteban y encima el Calvario.
248
UA 8: El arte renacentista.
Su construcción comienza en los últimos años del siglo XV. Es de estilo gótico tardío y
tiene elementos platerescos. Destaca la fachada decorada con conchas, blasones y escudos.
249
Patio interior de la Casa de las Conchas con doble galeria de arcos mixtilíneos. Los
antepechos de los balcones aparecen decorados con motivos de panales y cestería de
influencia mudéjar. El tejado está rematado con decoración vegetal.
Toledo
Burgos
Fue construida en el año 1519 y hecha en tramos para salvar el desnivel entra la puerta
y la entrada. Está esculpida con gran riqueza iconográfica, a base de motivos vegetales y
animales fantáticos, que se distribuyen a lo largo de los muros y arcos de la escalera.
250
UA 8: El arte renacentista.
A partir de esta fecha las bóvedas góticas serán sustituidas por las ovaladas, vaídas
y las de cañón con casetones. El arco más utilizado será el de medio punto y el aspecto
general de los edificios es de monumentalidad y equilibrio. La decoración escultórica aumenta
de volumen, pero se centra en los encuadres de los vanos y en los elementos arquitectónicos
en lugar de abarcar toda la superficie del muro. Los elementos decorativos son de origen
arquitectónico: frontones curvos y triangulares, balaustres y columnillas.
251
Fachada de la Universidad de Alcalá de Henares.
252
UA 8: El arte renacentista.
En Granada destaca también como obra más clasicista la catedral de Diego de Siloé,
coronando la Capilla Mayor con una cúpula, en lugar de situarla en el crucero.
Catedral de Málaga.
253
La catedral de Málaga fue iniciada en el siglo VXI, ultimándose las obras en el siglo
XVIII, a base de grandes pilares con columnas y sobre ellos nuevos pilares que soportan un
entramado de cúpulas semiesféricas.
Vitrubio
Su obra, los diez libros “de Arquitectura” tuvo gran relevancia durante el
Renacimiento, convirtiéndose en libro de consulta obligada para arquitectos e ingenieros y
sigue siendo un hito en la historia de la literatura científica.
254
UA 8: El arte renacentista.
En el último tercio del siglo XVI, coincidiendo con el reinado de Felipe II (1558-1598),
se desarrolla en España un estilo personal y diferente a los de la primera mitad del siglo.
Coincide con el Manierismo europeo y es contemporáneo de Vignola y de los discípulos de
Miguel Ángel.
El proyecto inicial de la obra fue encargado a Juan Bautista de Toledo, que se había
formado en Italia junto a Miguel Ángel en las obras de la Basílica de San Pedro. El arquitecto
muere al poco tiempo de iniciarse la obra y es sustituido por Juan de Herrera que aporta al
proyecto inicial su estilo personal. Este se basa en la desnudez decorativa y el rigor
geométrico, el gusto por las relaciones matemáticas entre los elementos, volúmenes netos,
aristas vivas , cubiertas de madera revestidas al exterior de pizarra, ( al modo de los Países
Bajos), adornos de bolas y pirámides de remate.
La planta del monasterio es un gran rectángulo del que sólo sobresale al fondo el
edificio dedicado a palacio. Esto configura una planta con forma de parrilla que simboliza el
instrumento de martirio de San Lorenzo, a quien está dedicado el edificio.
255
1. Palacio. 9. Coro Bajo.
256
UA 8: El arte renacentista.
Al exterior destaca el aire sobrio y austero del conjunto, con el muro desnudo de
granito y la serie de ventanas adinteladas y sin decoración. El edificio adquiere elegancia
gracias a los remates superiores: Las cuatro torres de los ángulos, las dos que flanquean la
iglesia y los tejados de pizarra a doble vertiente con buhardillas y chapiteles rematando las
torres. Las pirámides con bolas también coronan los elementos altos de la construcción.
La fachada de acceso a todo el conjunto está formada por un pórtico de dos cuerpos.
El inferior presenta ocho columnas dóricas, y el superior, cuatro jónicas. Un nicho en el centro
guarda la imagen de San Lorenzo y la zona superior se remata con frontón triangular y el
escudo real.
Patio de Reyes del Monasterio de El Escorial, San Lorenzo de El Escorial, Comunidad de Madrid.
257
Exterior del Monasterio de El Escorial.
258
UA 8: El arte renacentista.
El proyecto inicial de la obra, lo lleva a cabo Juan Bautista de Toledo (+1567), basado
en cinco espacios inscritos en un cuadrado. Desde el año 1572, se encarga de la
dirección de las obras Juan de Herrera (1530-1597), valorando la perfección
geométrica y su obsesión por el cubo. Luca Cambiasso (1527-1586) representa en la
pintura mural de la bóveda de la iglesia a La Trinidad que se apoya sobre un cubo
El Panteón Real tiene un gran valor simbólico por su situación y por los materiales
nobles de su construcción.
La comunidad de los Jerónimos está situada en la zona sur. Destaca el patio de los
evangelistas con un templete que recuerda la arquitectura de Bramante. La traza es de
Juan de Herrera y parece que también participó Felipe II. La escultura es de Juan
Bautista Monegro (1621).
259
En el claustro alto el friso y la bóveda están pintados por Lucas Jordán pintor del
pleno barroco.
Las esculturas del Patio de los Reyes son de Juan Bautista Monegro. Este espacio
separa y une al mismo tiempo el elemento divino (la iglesia) y humano (la biblioteca).
Había comenzado su propagación desde los primeros años del siglo XVI bajo el
lenguaje formal del plateresco y el purismo con estructuras todavía góticas y conoció una
época de gran actividad en el último tercio del siglo XVI, momento en el que se comenzó la
construcción de las principales catedrales, en las que se aplicó la arquitectura renacentista de
la Península en cuanto a planta y alzado.
La Catedral de Méjico, fue iniciada en 1563 por Claudio de Arciniega, pero no fue
concluida hasta comienzos del siglo XIX. El arquitecto proyectó una gran planta basilical,
capilla mayor poligonal, con tres naves más dos de capillas, y gran amplitud espacial en el
interior, que se cubre con bóvedas de medio cañón en el centro y vaídas en los laterales.
Vignola arquitecto italiano formado con Miguel Ángel. Su obra más famosa es la
iglesia de los Jesuitas en Roma (“Il Gesú”), que ha de ser modelo para iglesias posteriores
en toda Europa.
260
UA 8: El arte renacentista.
8.3 LA PINTURA
• El segundo tercio del XVI recibe la influencia italiana del clasicismo de Rafael y del
primer manierismo.
8.3.2.1 Valencia
Fernando Yánez de la Almedina (primer tercio del s. XVI). En su obra muestra que ha
asimilado el arte italiano de comienzos del siglo XVI, sobre todo de Leonardo da Vinci, de
quien sigue los tipos humanos, las actitudes, los paisajes y el gusto por la caricatura en los
personajes secundarios.
Destaca la forma difuminada y sonriente del rostro de la santa. Los colores son
vibrantes y anuncian cierto conocimiento de la escuela veneciana. Su dibujo es firme y la
figura destaca por su monumentalidad.
http://www.museodelprado.es/
261
Juan de Juanes (segundo tercio del s. XVI) Posee un estilo influenciado por Rafael,
pero evolucionará hacia formas más suaves y blandas, cercanas al manierismo italiano.
Impuso ciertos modelos iconográficos y creó temas religiosos que alcanzarían gran devoción
popular, como la Última Cena, El Salvador o el Ecce Homo.
La Última Cena
Museo del Prado. Sigue de cerca los modelos de Leonardo, pero elige el momento
de la consagración de la Hostia. En esta obra se percibe la dulzura de las formas y el uso
de las medias tintas que caracterizan su estilo.
http://www.spanisharts.com/
8.3.2.2 Castilla
Pedro Berruguete. (primer tercio del s. XVI) Se forma en el gótico flamenco propio de
la escuela castellana. Asimila del renacimiento italiano su sentido del espacio, el modelado de
las formas, el estudio de la perspectiva y el uso de la luz renacentista. Es muy detallista y
emplea el oro en sus pinturas. En los fondos incorpora con frecuencia arquitecturas
renacentistas y presenta paredes con brocados y sedas orientales. Da referencias espaciales
por medio de figuras de espaldas y con el uso de techos mudéjares con decoración de lazo.
La Virgen está orando y es sorprendida por la llegada del ángel. Al fondo, un foco
de luz centra la mirada del espectador. Se observa un uso de la perspectiva en la ventana
del fondo. La alfombra, el enlosado y el jarrón contribuyen a acentuar esta sensación. El
detallismo de la representación es de procedencia flamenca.
262
UA 8: El arte renacentista.
8.3.2.3 Andalucía
Alejo Fernández (primer tercio del s. XVI) representa la fusión del gusto italiano por la
perspectiva y los espacios ordenados, con detalle y el acento caricaturesco en los rostros del
arte flamenco.
Esta obra de más valor histórico que artístico, representa a los viajeros de América,
acogidos bajo el manto de la Virgen, sobre un fondo marítimo con barcos. Entre los
viajeros se reconoce a Cristóbal Colón, Fernando el Católico y Cortés.
Pedro Machuca (segundo tercio del s. XVI) Su obra se caracteriza por los efectos
lumínicos y la expresividad manierista. Utiliza composiciones complejas y posturas retorcidas
y complicadas, como se demuestra en El Descendimiento. Su pintura tiene influencia de
Correggio y de Miguel Ángel.
263
El Descendimiento. Pedro Machuca. (Museo del Prado)
Aunque recoge muchas influencias es uno de los maestros más originales del siglo
XVI español. El modelo de figura femenina es de rostro delicado, de forma oval, con
barbilla puntiaguda y ojos abultados.
El centro pictórico más importante de esta etapa es El Escorial, con pintores como
Federico Zúccaro y Pellegrino Tibaldi. Ambos intervienen en el Retablo Mayor del Escorial,
264
UA 8: El arte renacentista.
en el que destacan figuras inspiradas en Miguel Ángel con los contrastes cromáticos propios
del manierismo.
Tibaldi, el más dotado de los italianos que trabajan en el Escorial, también realiza la
decoración de la biblioteca, que es el mejor conjunto manierista del Escorial, sobre todo por
las alegóricas composiciones que decoran la bóveda y los testeros.
Otro capítulo importante de la pintura española de las últimas décadas de este siglo es
el retrato cortesano que se realiza por encargo de Felipe II. Aunque son retratos realistas, no
evitan el distanciamiento que emanan los representados, siguiendo el modelo del retrato
manierista de otras cortes europeas. Funden la minuciosidad de lo flamenco con la riqueza de
color veneciana.
Alonso Sánchez Coello, fue seguidor del retratista flamenco Antonio Moro en cuanto
a la austeridad y el hieratismo cortesano, aunque intenta la penetración psicológica y cierta
vitalidad personal. Destaca las figuras colocándolas sobre un fondo oscuro y dándoles un tono
dorado a la manera veneciana. El preciosismo sólo se aplica al vestuario y las joyas.
El estilo de Sánchez Coello fue seguido por Juan Pantoja de la Cruz. Sus retratos son
menos finos técnicamente, más preocupado por la vestimenta y adornos que lucen los
personajes, convirtiéndolos en soportes del los rostros.
265
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8.3.3 EL GRECO
El Greco está considerado como uno de los genios del arte universal. Es una
personalidad que marca la diferencia dentro la pintura española del siglo XVI. Nació en la isla
de Creta en 1541, se llamaba en realidad Doménicos Theotocópulos. Pasó a Venecia en torno
a 1566 y se formó frente a Tiziano y Tintoretto, viajó a Roma en 1570 y llegó a España
aproximadamente en 1575, quizás con la idea de trabajar en la decoración del Escorial. Se
instaló en Toledo hasta su muerte en 1614.
Su peculiar estilo es la suma de todas las influencias que recibió a su paso por Grecia
e Italia, a las que se suman la religiosidad y misticismo de España en aquella época. Su
formación bizantina como pintor de iconos aparece de vez en cuando en sus composiciones
por el simbolismo que imprimió a muchas de sus figuras y por la iconografía que, con
frecuencia, empleó (Cristo bendiciendo con los dedos cruzados, los nimbos romboidales, el
alma en forma humana, etc). A ello se sumó el rico colorido aprendido en Venecia, sobre todo
en el empleo de los azules, carmines, verdes y amarillos, siempre dentro de la gama fría, sin
olvidar las luces coloreadas, los contrastes lumínicos y los atrevidos escorzos al estilo de
Tintoretto. Incluso las concesiones a lo anecdótico y la aparición de los instrumentos
musicales son propias de lo veneciano.
El Expolio corresponde a esta etapa. En esta obra retoma las formas iconográficas
Bizantinas, pero con el color aprendido de Tiziano. La figura de Cristo en el centro, con una
túnica carmesí, actúa como una gran mancha que atrae todas las miradas. Esta iluminación
contrasta con los grises fríos del fondo del cuadro y las caras sombrías , creando claroscuro.
El cuadro le supuso un pleito con el Cabildo de Toledo por lo novedoso del tema, ya que en
los textos canónicos no aparecen las tres Marías, y por hecho de haber situado cabezas por
encima de la cabeza de Cristo. Sin embargo, si analizamos la obra , estos dos elementos
contribuyen a su excelencia. Las mujeres no están vistas desde un punto de vista frontal,
266
UA 8: El arte renacentista.
como el resto, sino desde arriba, además aparecen cortadas, constituyendo un recurso propio
del manierismo.
El gusto por el escorzo se pone de manifiesto en la figura que se agacha sobre el madero
y en el brazo del hombre que avanza hacia nosotros desde el fondo para reclamar nuestra
mirada.
Para el Monasterio del Escorial realizó la obra del Martirio de San Mauricio. El Greco
resalta los momentos anteriores al martirio, cuando San Mauricio y sus compañeros, deciden
anunciar al emperador que no iban a tomar parte en cultos paganos. El martirio aparece en un
ángulo y en tamaño más pequeño.
El cuadro puede ser leído con la misma secuencia cronológica que aparece en la
historiaescrita: la decisión, el martirio y los ángeles que esperan a los mártires en el cielo.
267
A partir de este momento, el estilo del Greco aumentó su progresiva espiritualización,
moviéndose en una órbita de irrealidad y de simbolismo. A esta etapa pertenece el Entierro
del señor de Orgaz, en el que la composición aparece dividida en dos grandes zonas, pero
unidas entre sí de modo perfecto. Compone una mezcla de lo humano y de lo divino, de lo
cotidiano y de lo religioso. El tema hace referencia al entierro del conde, en el que, según
cuenta la leyenda, acudieron san Agustín y san Esteban para depositar su cuerpo en la tumba.
El cuadro está lleno de símbolos para acompañar a la ascensión mística: san Pedro con las
llaves, el ángel que lleva el alma del difunto y la resurrección de Cristo que supone la salvación
del difunto.
En el lugar donde ocurre el milagro hay una ausencia total de perspectiva. El color y la
luz venecianos consiguen plasmar la apariencia real de las cosas, con sus brillos y texturas.
Las figuras se alargan para acercarse a la idea de misticismo. En la tierra pinta una galería de
retratados de la sociedad toledana, tomando rostros concretos que contemplan el entierro.
El entierro del Conde de Orgaz. (1586-1588). El Greco. Iglesia de Santo Tomé, Toledo.
268
UA 8: El arte renacentista.
“El célebre lienzo mediopuntado, puntado aparece dividido en dos partes por una
línea horizontal de cabezas de caballeros y clérigo, contemporáneos, no del señor de
Orgaz, sino del Greco: arriba, el Cielo; abajo, la Tierra. Pero cada uno de esos espacios
trasciende y penetra en el contrario; en la parte baja, los hidalgos toledanos, asisten, sin
asombro y con devota veneración, a la milagrosa aparición de dos Santos; en la parte alta,
los coros de los bienaventurados contemplan, con una seriedad semejante, la presentación
ante Cristo juez (al que acompañan como mediadores la Virgen y San Juan) del alma del
señor de Orgaz, en forma de niño traslúcido, llevada por un ángel, cuyo faldellín cae por
encima de las cabezas de los caballeros.
269
En los primeros años del siglo XVII, mantiene las características anteriores: abundan
las disimetrías, las formas diluidas y la libre utilización del color en manchas, tanto en la
representación de santos y apóstoles, que pintó en momentos de febril misticismo, como en
los temas marianos y evangélicos.
En La adoración de los pastores, que corresponde a esta etapa, las formas tienden a
la extrema espiritualización, son más alargadas y dispuestas en escorzos. El colorido cálido,
brillante, con azules, amarillos dorados, contrastes de rojo, anaranjado y verde, se vivifica o
acentúa por la luz que irradia del Niño, que centra la composición. Las luces se han
oscurecido y hacen vibrar las formas, convirtiendo esta obra en una de las de mayor
intensidad dramática en la producción del Greco, quizá por ser la que hizo para acompañarle
en su muerte.
En la zona terrenal, las figuras forman un círculo en torno al Niño, cuya luz
convierte a los personajes en casi en irreales. Todo sucede dentro del cuadro de una
manera intensa, los personajes están ensimismados y sus gestos nos invitan a sentir el
milagro de la escena.
Es una de las obras más inolvidables del Greco, el cielo tormentoso sobre la
ciudad, crea cierto desasosiego. El gusto del pintor por el escorzo y el estudio anatómico
es explotado hasta sus últimas consecuencias.
270
UA 8: El arte renacentista.
271
La influencia de otros artistas.
La Sagrada familia con Santa Ana Toledo. Hospital de San Juan 1590-95
Bautista
La Virgen con el Niño y las Santas Washington. National Gallery of Art 1597-99
Inés y Martina
272
UA 8: El arte renacentista.
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8.4 LA ESCULTURA
Hasta el siglo XVI la escultura española era gótica, siguiendo la influencia española y
francesa. Las técnicas y formas de la escuela italiana, llegan a España gracias a la presencia
de artistas italianos. Surge así, una fusión entre la tradición gótica y las novedades italianas.
• Predominio del tema religioso frente a la temática profana, que es poco frecuente. En
el ámbito cortesano se advierte la presencia de la mitología a cargo de italianos o de
escultores formados en Italia.
• Gusto por lo expresivo, directo y realista, que en contadas ocasiones dará paso a la
belleza ideal propia del Renacimiento italiano.
• El mármol escasea y el alabastro casi nunca se utiliza para imágenes de culto (salvo en
Aragón), pero es el material elegido para los monumentos funerarios.
273
arquitectónica de los retablos que enmarcan las esculturas, reproducen las modas del
momento y evolucionan desde la concentración de motivos decorativos propia del
plateresco, hacia la simplicidad ornamental. El retablo ha venido a sustituir a la portada
de los templos. Algunos componen un vasto programa iconográfico. En general, la
ordenación de escenas es cronológica efectuándose en sentido horizontal, de
izquierda a derecha y de abajo arriba. Además destaca la escultura funeraria y la
imaginería (escultura religiosa).La tumba corresponde al modelo de variedad exenta
o de pared. El muerto aparece yacente, suavemente dormido, u orante. La muerte sólo
se alude mediante símbolos
• Los temas preferidos son la Virgen, pues la Contrarreforma defendía frente a la iglesia
protestante, el papel intermediario de María ante su hijo, y los santos, que con sus
virtudes y sus martirios por la iglesia, son intermediarios ante Dios.
• En el último tercio del siglo, el Renacimiento español prefiere las formas ideales y
bellas.
274
UA 8: El arte renacentista.
A este mismo esquema pertenece el sepulcro del hijo de los Reyes, el príncipe Don
Juan.
Este y otros modelos italianos son seguidos por los escultores españoles
contribuyendo a la expansión de las formas renacentistas, tampoco hay que olvidar la
influencia de algunos escultores franceses o flamencos. A las formas italianas les añaden el
contenido religioso propio del Renacimiento Español. Domina el expresionismo, con figuras en
las que se agitan telas, barbas y cabellos, policromadas con abundante oro.
Diego de Siloé , trabaja sobre todo en Burgos. Allí talló el relieve de San Juan
Bautista, costeado por el monasterio benedictino burgalés y que se incorporó a la sillería del
Monasterio de San Benito de Valladolid. Es una obra de gran calidad escultórica y llena de
sensibilidad y a la vez trepidante que muestra la exquisitez y el sentido dramático del escultor.
Sillería del Monasterio de San Benito de Valladolid. Relieve de San Juan Bautista.
Diego de Siloé.
275
de Don Felipe y Doña Juana , situado frente al de los Reyes Católicos, en el que siguió el tipo
que hizo Fancelli, pero con las paredes del túmulo verticales. Las paredes están decoradas
con las virtudes en hornacinas y medallones en el centro con representaciones diversas.
Sobre la urna se disponen escudos con ángeles y en las esquinas figuras de bulto. Los
difuntos aparecen idealizados y modelados con delicadeza.
Retablo mayor de la basílica del Pilar de Zaragoza. Damián Forment. Está integrado
sobre un gran basamento sobre el que se desarrollan tres grandes escenas cobijadas por
doseletes de tradición gótica. En el banco aparecen los retratos del artista y de su mujer.
276
UA 8: El arte renacentista.
277
Juan de Juni Santo Entierro. (Museo de Escultura de Valladolid)
Gaspar Becerra. Estudió en Italia en contacto directo con Miguel Ángel. De él recoge
el gusto por el desnudo musculoso y el repertorio de actitudes y modelos que emplea sin
demasiada movilidad, careciendo de la energía de su maestro.
Gaspar Becerra. Retablo de la Catedral de Astorga (León). Se trata de un retablo de tres cuerpos y
cinco calles poblado de figuras y relieves de gran tamaño Es un ejemplo de su estilo grandioso en
la arquitectura, porque introduce innovaciones inspiradas en Miguel Ángel como la alternancia de
frontones triangulares y curvos y la importancia dada a los elementos arquitectónicos, que
destacan por estar desprovistos de decoración.
278
UA 8: El arte renacentista.
Los escultores más significativos en la Corte fueron León Leoni y su hijo Pompeyo
Leoni, que realizaron retratos en bronce y mármol de Carlos I y de Felipe II, así como diversos
monumentos alegóricos de ambos monarcas. Los Leoni fueron ejemplo de preciosismo
técnico y de idealización de los personajes, pero respetando el parecido físico. La sobriedad y
la grandilocuencia de las figuras, distantes y frías, están en consonancia con el espíritu del
Escorial convertido en centro artístico. Utilizan materiales nobles como el bronce y el mármol
para conseguir efectos de riqueza y duración eterna.
279
León y Pompeyo Leoni. Grupos funerarios de Carlos I y Felipe II. Monasterio del
Escorial.
Desde 1546 realizan en el altar mayor de la basílica del monasterio los grupos
funerarios de Carlos I y Felipe II con sus respectivas familias. Estos están concebidos
como un grupo de orantes con severa dignidad y sentido escénico. Están realizados en
bronce dorado y con aplicaciones de esmalte de piedras preciosas en los mantos.
Para reconocer las imágenes y esculturas que se citan puedes visitar las páginas:
http://museoescultura.mcu.es/
http://www.museodelprado.es/
http://www.mnac.es
280
Unidad de Aprendizaje 9
Unidad de Aprendizaje 9
EFECTOS DE TRANSICIÓN Y
EL ARTE BARROCO
ANIMACIÓN
ÍNDICE
9.1 LA HISTORIA .................................................................. 282
Una iglesia reforzada por la Contrarreforma que busca en el arte el medio de propagar la
fe.
Una monarquía (Felipe III, Felipe IV y Carlos II) que consolida el absolutismo para reafirmar
su poder.
Una economía en crisis, agravada por las continuas guerras y la pérdida de los beneficios
que suponían la llegada de los metales nobles desde América.
282
UA 9: El arte barroco.
9.2 ARQUITECTURA
9.2.1 CARACTERÍSTICAS GENERALES
A causa de la crisis económica que vive el país en el siglo XVII, las construcciones son
menos monumentales que en el Renacimiento, se usan materiales menos costosos como
el ladrillo, el yeso y la madera.
El uso de la piedra es muy limitado y se reserva para decorar las esquinas y los zócalos,
también en la fachada para dar más sensación de monumentalidad al edificio.
283
9.2.2 ETAPAS
• Características:
• Obras:
284
UA 9: El arte barroco.
285
En 1617, trabaja en Salamanca en el colegio de la Compañía de Jesús
conocido como la Clerecía. Consta de templo, con su sacristía; y dos grandes
espacios, uno destinado a alojamiento de jesuitas, con patio de pequeñas
proporciones, y otra destinada a las escuelas con proporciones colosales. En la
fachada la sobriedad de etapas anteriores desaparece al incorporar dos pisos de
columnas corintias adosadas, sujetando entablamentos que rompen con la superficie
del muro, así como los frontones partidos y los escudos.
286
UA 9: El arte barroco.
• Características:
• Obras:
Alfonso de Carbonell
• Características:
• Obras:
Palacio del Buen Retiro como lugar de esparcimiento de Felipe IV. Tenía
amplios Jardines que todavía hoy existen (El Retiro). Se trata de un edificio
programado como “villa Suburbana” a la italiana, destinada a usos festivos y responde
al interés del Rey de disponer de un marco para mostrar el esplendor de la corte. El
palacio presenta planta cuadrangular siguiendo el modelo Austria y está realizado en
mampostería y ladrillo. El exterior se caracteriza por la sobriedad y la sencillez.
Casón del Buen Retiro Del palacio de Felipe IV, se conservan dos pabellones El salón de Reinos
(actual Museo del Ejército) y el Salón de baile (hoy Casón del Buen Retiro) cuya fachada es de
principios del siglo XIX.
288
UA 9: El arte barroco.
Casas Novoa
• Características:
• Obras:
289
El Obradoiro. Catedral de Santiago de Compostela.
El origen del Palacio y el Parque del Buen Retiro está en la fundación Real de
los Jerónimos por los Reyes Católicos. Parece ser que los Reyes tenían junto al
Monasterio unos aposentos que en época de recogimiento, utilizaban para su retiro.
Felipe IV amplió y engrandeció estos aposentos hasta ser un Palacio Real.
290
UA 9: El arte barroco.
Alonso Cano
• Características:
• Obras:
La fachada está concebida como un gran arco de triunfo, con tres calles
cubiertas con arcos de medio punto. El sentido decorativo se manifiesta las placas
adosadas al muro, que crean ricos contrastes lumínicos. La claraboya central tiene una
decoración en zigzag, forma que tendrá mucha difusión en América.
291
Vista de la Catedral de Granada.
• Características:
• Obras:
292
UA 9: El arte barroco.
Fue construida entre los años 1729 y 1755, enmarcada por cuatro fachadas de
tres pisos, todas ellas de diferente longitud. El Ayuntamiento se encuentra en medio de
ellas, sobre cinco arcos mayores. El diseño de Alberto Churriguera, fue continuado por
otros arquitectos, con pocos cambios respecto al proyecto inicial.
293
Narciso Tomé
• Características:
• Obras:
9.2.3.3 Otras arquitecturas del siglo XVII y comienzos del siglo XVIII: las fachadas
retablo y la arquitectura palaciega
La portada tiene dos cuerpos con un esquema típico de los retablos barrocos. Los
temas del tímpano y la hornacina superior, hacen alusión a la alegoría de la fe y de la
Eucaristía.
295
Palacio Real de Madrid
296
UA 9: El arte barroco.
El Palacio real de Madrid, se construyó entre los años de 1738 y 1755, después de que
en la Nochebuena del año 1734 un incendio acabara con el Antiguo Alcázar. La construcción
se hizo abovedada, en piedra y ladrillo sin madera. Carlos III, fijó su residencia en él en 1764.
Las obras del Palacio Real de Aranjuez se iniciaron con Felipe II siendo los mismos
arquitectos de El Monasterio de El Escorial los que trabajaron en las obras, Juan Bautista de
Toledo y Juan de Herrera. La construcción se terminó en el reinado de Fernando VI, Carlos III
incorporó al palacio dos nuevas alas. El palacio está rodeado por el Jardín de la Isla, adornado
por fuentes de los siglos XVI y XVII.
Santiago Bonavía dispuso el palacio en torno a un patio central, con una fachada
principal d dos pisos, enmarcados con dos torres laterales. El cuerpo central se levanta con un
pórtico con arquerías.
298
UA 9: El arte barroco.
299
Otros ejemplos de arquitectura barroca del siglo XVIII
Los espacios de las plantas barrocas del siglo XVIII son sumamente originales. La
concepción geométrica del diseño son modelos romboides, ovalados o en forma de elipse. La
curvatura de las fachadas es cóncavo-convexa, lo que da un ritmo discontinuo y con
movimiento.
300
UA 9: El arte barroco.
9.3 PINTURA
Características
• La pintura del siglo XVII en España representa uno de los periodos más importantes de
la historia del arte que contrasta con el retroceso económico que padece el país.
• Los clientes son los conventos, órdenes religiosas, nobles y monarcas que en
ocasiones hacen una labor de mecenazgo.
• Los temas son fundamentalmente religiosos, aunque hay otras obras importantes de
retratos de la realeza y de los nobles, de bodegones y de tema mitológico, que tendrá
una significativa presencia e la obra de pintores flamencos e italianos al decorar los
palacios de nobles y reyes.
• Etapas y pintores:
Francisco Ribalta
José de Ribera
PRIMERA MITAD DEL S. XVII Francisco de Zurbarán
301
San Francisco confortado por el ángel músico. Hacia 1620. Museo del Prado.
Es una de las obras más importantes de Francisco Ribalta, que fue pintada para el
convento de los Capuchinos de Valencia. Se representa el pasaje según el cual estando
San Francisco postrado por la enfermedad, se le apareció un ángel tocando el laúd para
reconfortarle. El santo muestra los estigmas en pies y manos. Yace sobre una cama de
madera con una manta de lana, en una celda muy humilde de paredes oscuras y en la que
destaca una cruz y un lucernario y libro de oraciones sobre una mesita. En la penumbra
aparece el ángel, ante la sorpresa del santo que no repara en la presencia del cordero,
símbolo de Cristo. Al fondo un fraile cuyo rostro se ilumina con la luz de un candil que lleva
en la mano, es ajeno a la visión celestial que percibe el santo.
En el año 1616, Ribera deja Roma en donde había entrado en contacto con la pintura
de los grandes maestros del barroco italiano, que influirán en la determinación de su estilo, en
especial Caravaggio, para instalarse definitivamente en Nápoles. Es en el año 1626, cuando
firma una serie de obras para el duque de Osuna, conservados en la colegiata de Osuna en
Sevilla, como El Calvario. De esta misma fecha son alguna de sus obras capitales, Sileno
ebrio de Capodimonte o San Jerónimo y el ángel también en Capodimonte.
302
UA 9: El arte barroco.
En los primeros años de la década de los treinta, Ribera pintó una serie de apóstoles
de los que se hicieron muchas copias y réplicas. De estas composiciones, hay que destacar la
nobleza de unos rostros que parecen tipos de la época a los que el pintor dota de una
solemne dignidad.
Es una de las obras más bellas de la serie del Apostolado. La cabeza erguida y el
manto destacan sobre el fondo. La pasta espesa de la paleta consigue una veracidad
impresionante en la expresión de las arrugas marcadas en el rostro y en las manos
avejentadas. La mano derecha sujeta un cuchillo símbolo de su martirio con el que el santo
fue desollado vivo.
Hacia 1635 el estilo de Ribera, sufre una evolución al incorporar en sus fondos una
luminosidad y un colorido influenciado por los maestros venecianos (Tiziano, Veronés y
Tintoretto). La belleza de las obras de este momento El martirio de San Bartolomé, La
Inmaculada Concepción y El sueño de Jacob, captan una atmósfera casi inmaterial que
recuerda a Velázquez.
303
Inmaculada Concepción. Salamanca. Iglesia del Convento de las Agustinas
Recoletas de Monterrey. 1635
“El tema ha sido interpretado múltiples veces a través de los siglos, dotándolo de
intenciones simbólicas o metafóricas, viendo en él un símbolo de la “Escalera de la virtud”,
que conduce hacia Dios, a través del continuado perfeccionamiento espiritual, tal como
hace San Juan Clímacos, o de la Escala Humilitas de San Benito. En el mundo barroco son
frecuentes las representaciones en las que la escala se representa con toda su
corporeidad, convirtiéndola en el elemento plástico más importante de la composición.
Ribera, sin embargo, prefiere insistir en el aspecto, humano y naturalista, del cuerpo del
pastor sumido en profundo sueño , derribado físicamente sobre una roca, y la escala
queda apenas sugerida dentro de un bellísimo trazo luminoso fundido en el celaje dorado,
en el que se disuelven unas delicadas figuras de ángeles, casi sin materia, resueltas con
unos ligeros trazos de pincel casi del mismo color que el fondo”.
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304
UA 9: El arte barroco.
Francisco de Zurbarán (1598-1664) fue el pintor barroco que mejor supo expresar la
religiosidad y los ambientes monásticos para los que realizó gran parte de su obra (Monasterio
de San Pablo en Sevilla, las pinturas para el Convento de la Merced (1628) en la misma
ciudad, donde narra la vida de San Pedro Nolasco, las series de la Cartuja de Jerez y las del
Monasterio de Nuestra Señora de Guadalupe). Estos grandes cuadros que decoran los
monasterios se disponen en el claustro, en la sala capitular o en la sacristía. En ellos Zurbarán
interpreta siguiendo las ideas de la Contrarreforma, la sencillez y el misticismo con un estilo
realista y a veces torpe en la composición. Las escenas siempre se desarrollan en espacios
interiores, con figuras de gran plasticidad y volumen que irradian una luz característica del
tenebrismo. Los colores luminosos y la precisión del dibujo acentúan un aspecto
geometrizante, al mismo tiempo que favorecen la expresividad de las composiciones llenas de
dulzura y espiritualidad.
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305
9.3.1.3 Velázquez
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UA 9: El arte barroco.
abatiendo el generoso Arte a conceptos humildes, como se ven hoy, de tantos cuadros de
bodegones con bajos y vilísimos pensamientos. Pacheco defiende a su yerno Velázquez
añadiendo, se deben pintar como Velázquez los pinta… y merecen estimación grandísima;
pues con estos principios halló la verdadera imitación del natural” (Catálogo. Museo del
Prado, 1990).
307
El rey está vestido de negro, con golilla almidonada y capa negra corta. En la mano
derecha sujeta un papel relacionado con sus funciones burocráticas y la izquierda se apoya en
el mango de una espada que apenas se ve. Es un retrato en donde la sencillez refleja la
maestría de la aplicación de los colores grises y negro.
308
UA 9: El arte barroco.
Aconsejado por Rubens, Velázquez solicita en 1629 licencia al rey para viajar a Italia,
en donde copiará la obra de los grandes pintores, entre otros a Rafael, Miguel Ángel y
Tintoretto. Este viaje representa la última etapa de su periodo formativo, ya que a partir de
ahora fundirá el equilibrio de la composición con el colorido de la pintura veneciana, tal como
se puede apreciar en las obras que pinta en Roma La fragua de Vulcano y La túnica de José.
309
Velázquez se afianza en la Corte (1631-1649)
La década de 1630 será una de las más fructíferas en la obra de Velázquez. Para la
decoración del palacio del Buen Retiro construido a instancias del Conde Duque de Olivares
Velázquez realiza retratos de los reyes como una exaltación de la monarquía y el lienzo de La
rendición de Breda.
Para la Torre de la Parada pinta una serie de obras basadas en personajes mitológicos
como Marte, Esopo y Menipo y retratos como Felipe IV cazador.
La iconografía del Cristo sigue el modelo del mismo tema que pintó su maestro
Francisco Pacheco, con cuatro clavos, los pies apoyados y la cabeza inclinada. La
composición es distinta, la luz que irradia del cuerpo acentúa las formas de sus miembros
suavemente modelados. El drama de la escena está contenida por la serenidad de la
imagen que “parece sumida en un dulce sueño”.
310
UA 9: El arte barroco.
El lienzo lo pintó Velázquez para el Salón de Reinos del Palacio del Buen Retiro. Es
una pintura que narra la insurrección de las provincias del norte de los Países Bajos frente
a la monarquía española. Este episodio terminaría con la independencia de Holanda
durante la guerra de los Treinta Años. La rendición de Breda tuvo lugar el 2 de junio de
1625 y la entrega de las llaves de la ciudad por el gobernador holandés Justino de Nassau
a Ambrosio de Spínola, general jefe de los Tercios de Flandes.
311
Pablo de Valladolid. Museo del Prado. Madrid. 1633
Pablo o Pablillos de Valladolid, era uno de los personajes que formaba parte de la
corte para su divertimento. Su postura y actitud declamatoria lo relacionan como cómico.
La figura está silueteada sobre un fondo que no existe, sólo la profundidad queda
manifiestamente clara por la sombra de la figura.
En el año 1649 Velázquez regresa a Italia para adquirir obras de arte que dignifiquen
aún más la colección real. En Roma retratará al pontífice Inocencio X uno de los retratos más
portentosos y admirables de la historia de la pintura. Otro retrato que realiza en esta época es
el de Juan Pareja su criado, la fuerza y altanería de su rostro, contrasta con la sencillez del
ropaje que le sitúa en la condición servil que tiene.
Vista del jardín de la “Villa Medicis” en Roma. Museo del Prado. Madrid. 1649
La imagen que recoge en este pequeño paisaje está realizado con una pincelada
inmaterial, casi impresionista. Capta la atmósfera y la apariencia transitoria de la naturaleza
y de un paisaje que novedosamente parece estar pintado al aire libre.
312
UA 9: El arte barroco.
La técnica en este último periodo es fluida y libre, diluye los contornos dando a las
formas una apariencia ligera. Logra un perfecto dominio de la perspectiva aérea, en donde
representa la profundidad en función de la relación espacio-luz, captando la atmósfera que
existe entre los cuerpos.
Las Meninas o la Familia de Felipe IV. Museo del Prado. Madrid. 1656
La escena del cuadro de Las Meninas, sin duda el más famoso del pintor se desarrolla
en un aposento del Alcázar de Madrid, donde Velázquez tenía su taller. Es una escena
cotidiana que se desarrolla en una habitación amplia adornada con lienzos en las paredes de
Rubens y Jordaens entre otros. Los personajes están dispuestos formando una línea
ondulada, de izquierda a derecha: Velázquez, Isabel de Velasco, la infanta Margarita que
ocupa el centro del escenario , Agustina Sarmiento que ofrece a la infanta un búcaro de barro
con agua, la enana Maribarbola y Nicolás Pertusato que apoya el pie sobre el mastín. En
segundo término doña Marcela de Ulloa y un mayordomo. Al fondo Nosé Nieto Velázquez
aposentador de palacio y reflejados en el espejo Felipe IV y la reina Mariana.
313
Los reyes son los protagonistas de la composición ya que parece ser están siendo
pintados por Velázquez En penumbra su autorretrato con un gran lienzo y pincel en mano,
dignifica la labor de pintor y nos muestra su elevado rango como miembro de la Orden de
Santiago.
La composición tiene varios planos acentuados por diversos focos de luz que iluminan
con distinta intensidad la escena, consiguiendo sorprendentes efectos desdibujando los
contornos y los detalles y modificando los colores de las figuras según la profundidad del
plano.
Sabías que…
314
UA 9: El arte barroco.
Las Hilanderas o la Fábula de Aracne es una obra en la que se funde una escena de
apariencia cotidiana con un tema mitológico. La fuente literaria es la fábula narrada por Ovidio
en sus Metamorfosis, en la que cuenta que Palas-Atenea (Minerva )se molestó al saber que
Aracne presumiendo de ser la mejor tejedora, no solo la reta sino que representa a Júpiter
(padre de Minerva) con apariencia de toro para raptar a la doncella Europa. En castigo por su
soberbia Aracne es convertida en araña.
La escena del primer plano está planteada con gran realismo y es la que enlaza con la
escena mitológica del fondo. Las dos figuras del primer plano representan a Aracne y Palas.
En el tapiz del fondo se materializa el castigo de Aracne.
El lienzo alcanza el máximo desarrollo con los juegos de luces y gradación cromática.
El último plano desdibujado produce una sensación de alejamiento característico de la
perspectiva aérea.
315
Retrato de Felipe IV 1652.53.
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Bartolomé Esteban Murillo (1.617- 1.682) y Valdés Leal (1.622-1.690) son dos
pintores sevillanos coetáneos con una temática y personalidad artística muy diferente.
316
UA 9: El arte barroco.
La Sagrada Familia del pajarito. B. Esteban Murillo.1650. Museo del Prado. Madrid.
317
Niños jugando a los dados. B. Esteban Murillo 1665-75 La escena similar en el tema a los
Niños comiendo fruta, tiene un estilo naturalista, con preciosos detalles y gestos de los
niños en una atmósfera de luces cálidas y armonía cromática de pardos, grises, blancos y
ocres.
318
UA 9: El arte barroco.
Según el evangelio de San Juan (Cap. V,2) Jesús cura en Jerusalén a un paralítico
para que pueda sumergirse en las aguas de la piscina de Betzata. El tema representado se
identifica con la obra de misericordia de atención a los enfermos, siguiendo la” Regla de la
muy humilde Hermandad de la Santa Caridad”, en la que se detallaban instrucciones para
el ejercicio de las actividades de dicha Hermandad.
En la composición Cristo con San Pedro, San Juan y otro apóstol, aparecen
agrupados a la izquierda del lienzo, atendiendo al enfermo cuya figura esquinada forma un
* escorzo. La arquitectura ordena la perspectiva acentuada por la gradación de diferentes
planos de las figuras y los efectos de luces y sombras
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319
9.3.3 LA PINTURA DE LA PRIMERA MITAD DEL SIGLO XVIII
La pintura al fresco es la que obra con sólo el agua y los colores, con la virtud y
valiente de todas las maneras de pintar, así por el gran magisterio con que pide ser obrada,
como por no rendirse a las inclemencias del tiempo.
• Capítulo importante de la policromía barroca son los elementos postizos para hacer
más reales a las imágenes como ojos, pestañas o cabellos, coronas de espinas,
cuchillos que representan el dolor de la Virgen o sogas de martirio, imágenes de vestir
o de bastidor, donde sólo se tallan las partes visibles, cabeza, manos y pies.
• Etapas y escultores:
Gregorio Fernández
Alonso Cano
SEGUNDA MITAD DEL S. XVII
Pedro de Mena
Francisco Salzillo
S. XVIII
En el siglo XVI Valladolid fue uno de los centros escultóricos de primer orden con
figuras como Juni y Berruguete, manteniendo su importancia en la primera mitad del siglo XVII
gracias a la actividad de Gregorio Fernández.
El traslado de la corte a Valladolid desde 1601 a 1606, favorece los encargos de una
clientela adinerada que demanda a los artistas obras para conventos e iglesias. Gregorio
Fernández (1576-1636) encontró en este ambiente la situación idónea para desarrollar su obra.
Su estilo evoluciona desde un manierismo influenciado por Juan de Juni, hacia un naturalismo
extremo, profundamente religioso, transmitiendo el dolor y la crueldad, que permite al fiel
identificarse con el sufrimiento de la pasión de Cristo o de la Dolorosa. Trabajó en pasos
procesionales y, en retablos, aunque su producción más interesante son las imágenes
aisladas, como Cristo de la Flagelación, Ecce Homo, el Crucificado donde extrema la nota
321
dramática y el Cristo yacente desligado de la escena del entierro, la Inmaculada, la Piedad y la
Dolorosa como temas marianos y San Francisco de Asís, San Ignacio de Loyola y Santa
Teresa destacan en el tema hagiográfico.
Sus figuras talladas en un solo bloque son muy proporcionadas, con un modelado
muy estudiado tratado con gran realismo. No ocurre lo mismo con el modelado de los ropajes,
con pliegues angulosos heredados del estilo hispanoflamenco de la segunda mitad del siglo
XV, resultando sus esculturas un tanto convencionales y sin movimiento.
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322
UA 9: El arte barroco.
La escultura andaluza está más ligada al renacimiento italiano, no hay que olvidar que
Sevilla fue en el siglo XVI uno de los grandes centros del Renacimiento español. El iniciador de
la escuela sevillana fue Juan Martínez Montañés (1568-1649), formado en el manierismo de
la última etapa renacentista, captará en sus obras la serenidad y el equilibrio tan alejados de la
exageración y el dramatismo de la escultura castellana.
Las imágenes que realizó para los retablos como la de Santo Domingo del retablo de
Portacoeli o San Jerónimo del retablo del convento de San Isidoro del Campo en Santiponce
(Sevilla), transmiten realismo sin el dramatismo desgarrado de la escuela vallisoletana. Dentro
de su repertorio, destaca la Inmaculada y las imágenes exentas de las que creó una nueva
iconografía con las representaciones de Jesús Niño, que alcanzaron una gran popularidad a lo
largo del siglo XVII.
El santo ocupaba la hornacina central del retablo, es de bulto redondo para poder
sacarla en procesión. La talla tiene un tratamiento esmerado del cuerpo desnudo del santo
cuyo realismo se acentúa por la policromía. El misticismo del santo asceta, se transmite en
la expresión del rostro.
323
Inmaculada Concepción. Alonso Cano. Catedral de Granada.1655
Pedro de Mena fue discípulo de Alonso Cano, no se interesó por las imágenes
equilibradas y serenas de su maestro, por el contrario, concibe sus figuras con un gran
realismo, representando estados ascéticos y místicos que conectan perfectamente con la
sensibilidad de la época, razón que explica el éxito que tuvo su producción. Sus imágenes son
aisladas con unas características iconográficas propias en las representaciones de místicos y
santos penitentes como María Magdalena o San Francisco, y figuras más amables como la
Concepción y San Pedro de Alcántara.
Mena realiza esta figura para la Casa Profesa de los Jesuitas de Madrid. La imagen
que representa de pie, sujeta con mano firme el crucifijo, mientras que con la mano
derecha se oprime el corazón. El cuerpo se oculta por el cabello que resbala sobre los
hombros y el sayal de hoja de palma que la cubre. El virtuosismo de la talla es magistral en
el modelado de las manos y en el rostro doliente y sentido de la imagen.
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324
UA 9: El arte barroco.
Las figuras de los pasos procesionales como La Caída, La oración del Huerto forman
un cuidado marco escénico, en donde la armonía del grupo se consigue por un perfecto
tratamiento plástico, convirtiendo los pasos de Salcillo en las creaciones más bellas del
barroco.
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Entre los escultores que trabajaron en la ciudad, destaca la obra del portugués
Manuel Pereira (1588-1683). Su obra es fundamentalmente de tema religioso esculpida en
madera, piedra o alabastro, la realizó para los templos y conventos madrileños. Sus figuras en
las que deja constancia del gran dominio de la técnica, tienen una expresión dulce y serena,
sin el dramatismo de la escuela castellana, como se puede apreciar en la imagen de San
Bruno una de sus mejores y más logradas obras.
325
Felipe IV. Plaza de Oriente de Madrid
La escultura ecuestre de Felipe IV, es una de las obras maestras de este tipo de
modalidad escultórica. Fue diseñada por Velázquez y fundida en Florencia por Pietro
Tacca, al no haber en España una buena escuela de fundidores .La dificultad técnica está
en su sujeción, al contar con un solo apoyo en las patas traseras del caballo.
9.5.1 ARQUITECTURA
Los edificios más emblemáticos catedrales, iglesias, palacios y casas señoriales, están
influenciados por la arquitectura española.
En la primera mitad del siglo XVI, se construyen las más importantes iglesias conventuales.
Entre los siglos XVI y XVII, se comienzan a erigir las grandes catedrales, y es en la
siguiente centuria, cuando se desarrolla el barroco propiamente iberoamericano de gran
profusión decorativa con dibujos dorados en arcos y muros y uso del estípite y de la
columna salomónica.
9.5.1.2 Iglesias
326
UA 9: El arte barroco.
Es de una sola nave, muy amplia como la iglesia de Il Gêsu de Roma con capillas laterales
y cúpula en el crucero y con ábside poligonal como San Gabriel de Cholula para albergar a
un gran número de fieles.
9.5.1.3 Catedrales
Las catedrales del siglo XVII, cuentan con unos rasgos propios, en relación con el arte
europeo y en concreto del español. Son edificios emblemáticos que se construyen en las
sedes episcopales más relevantes.
La fachada retablo es una constante del barroco iberoamericano, como un reclamo para
atraer al fiel, En algún caso la portada se anticipa a la iconografía del retablo interior como
en la iglesia de la Compañía del convento de Tepotzotlán (1760-1762) en México.
Durante el siglo XVII se emplea la estípite, elemento característico del barroco mexicano,
ya que cumple una función ornamental y sustentante, pero será en el siglo XVIII, cuando el
barroco alcance su ornamentación más llamativa con las columnas salomónicas, el arco
mixtilíneo y las claraboyas estrelladas.
327
Se utilizan elementos de diferentes estilos como las bóvedas de crucería góticas, el
empleo de cubiertas mudéjares, adaptadas a diferentes necesidades arquitectónicas y los
revestimientos de los muros y techos decorados con diferentes materiales y con una
combinación de motivos vegetales, animales o antropomorfos.
Signo de ascenso social son los palacios y viviendas señoriales, que junto con los edificios
institucionales se situaban en los lugares más emblemáticos de la ciudad. La vivienda de
los nobles se organizaba en torno a un patio principal y otro secundario más al fondo.
Los palacios urbanos siguen la tipología de los modelos peninsulares con torres, balcones
en esquina, dobles galerías en la fachada principal, estos en rica madera tallada.
9.5.2 PINTURA
La influencia de las tendencias europeas es desde el siglo XVI muy significativa, ya que en
los últimos años de este siglo se establecen en América pintores procedentes de España
como Alonso López de Herrera, flamencos como Simon Perenys o italianos como
Angelino Medoro.
Los temas que se desarrollan en retablos y pinturas murales cumplen una función de
adoctrinamiento en las primeras pinturas influenciadas por el manierismo tardío europeo
como la obra de Andrés de la Concha o el pintor de procedencia italiana Bernardo Bitti.
En los años centrales del siglo XVII, es notoria la influencia del tenebrismo sevillano de
influencia zurbaranesca, gracias a la llegada de obra desde su taller. La influencia del
pintor sevillano, se refleja en la obra de Sebastián López de Arteaga, con obras
propiamente barrocas, mientras que en el Cuzco los modelos sevillanos presentan cierto
arcaísmo por la utilización de los dorados. Las formas más blandas y no exentas de cierto
sentimentalismo se desarrollan entre los años de 1650 y 1750, uno de los periodos más
importantes, por la influencia de los modelos de Murillo.
La pintura de tema profano decora los palacios o casas señoriales, en el interior y en los
exteriores utilizando como soporte el esmalte cerámico. De los programas decorativos el
más importante se conserva en la Casa del Escribano de Tunja en Colombia, con
representaciones de escenas de la caza de elefantes.
328
UA 9: El arte barroco.
La Sagrada Familia bendiciendo la mesa. Escuela cuzqueña del siglo XVIII. Museo
Pedro de Osna, Lima. Perú
9.5.3 ESCULTURA
Durante el primer cuarto del siglo XVII la influencia de Martínez Montañés, Cano y Mena
impone una estética realista y llena de sentimiento.
329
Unidad de Aprendizaje 9
Unidad de Aprendizaje 10
EFECTOS DE TRANSICIÓN Y
DEL NEOCLÁSICO AL
ANIMACIÓN
ARTE DE LOS PRIMEROS
AÑOS DEL SIGLO XX
ÍNDICE
10.1 LA HISTORIA .................................................................. 331
10.1 LA HISTORIA
En el siglo XIX, se producen una serie de transformaciones trascendentales en la
historia de España: el cambio del Antiguo al Nuevo Régimen, con unas características
diferentes al resto de Europa, por la situación socioeconómica y política que se vivió en la
centuria anterior.
Los cambios se suceden con avances y retrocesos en el terreno político, dando lugar
a periodos de inestabilidad que también se ven reflejados en el ámbito social y económico.
Los cambios de gobierno, pronunciamientos militares y luchas civiles, protagonizan un periodo
convulso, que continúa con la restauración de la monarquía de Alfonso XII, como una
continuación de la etapa anterior: el sistema de turno de partidos comenzaba a fallar, los
intentos de reforma agraria no habían dado resultado y la clase obrera que exigía el
reconocimiento de sus derechos sociales.
Grecia y Roma son los modelos a imitar, porque representan el equilibrio, la medida y el
orden.
Hay una preocupación por el urbanismo, que busca mayor fluidez en las comunicaciones y
dotar a los ciudadanos de espacios verdes para el paseo.
332
UA 10: Del Neoclásico al arte de los primeros años del siglo XX.
El arte neoclásico se sirve, sin ningún prejuicio, de todos los medios que la técnica
pone a su disposición. En la arquitectura, el principio de la correspondencia de la forma
con la función estática lleva al cálculo escrupuloso de los pesos y las tensiones, al estudio
de la resistencia intrínseca de los materiales”
333
Se trata de una catedral gótica con una fachada neoclásica. Es un pórtico con cuatro
columnas corintias y frontón con sencillos relieves
Puerta de Alcalá de Madrid. Francisco Sabatini. Mandada edificar por Carlos III, es un arco de
triunfo romano de cinco vanos inspirado en el ideal clásico de embellecimiento urbano.
El museo del Prado fue encargado por Carlos III, y estaba destinado a ser museo y
academia de las ciencias. Sólo a partir de1 1819 se convirtió en un museo de pintura. Se
localiza en el paseo del Prado. Esta zona de Madrid se estaba urbanizando y en ella se
334
UA 10: Del Neoclásico al arte de los primeros años del siglo XX.
Museo del Prado. Juan de Villanueva. Madrid.1785. La proyección de las luces y las sombras
sobre unos cuerpos y otros dan una gran fuerza a la composición.
335
Museo del Prado. Juan de Villanueva. Madrid.1785.
336
UA 10: Del Neoclásico al arte de los primeros años del siglo XX.
Planta del Museo del Prado. La finalidad inicial de la construcción como museo de las Ciencias,
implica que la luz interior no sea la más adecuada para un museo de pintura.
El lenguaje es muy sobrio. Predomina el dibujo frente al color y las composiciones, son
muy reposadas.
337
Los pescadores . Salvador Maella. Museo del Prado. Madrid.
La abundante producción de este pintor abarca todos los géneros, entre ellos el
paisaje, uno de cuyos ejemplos es este cuadro.
Este pintor destaca por el gusto popular y la gracia de sus pinturas. En sus
composiciones, tiende a destacar una figura por encima de las restantes.
La pintura de historia fue la más apoyada por la Escuela de Bellas Artes. José
Madrazo (1781-1859) es el pintor que mejor representa este género. Fue discípulo del francés
David. Su concepto de la pintura está presente en la Muerte de Viriato: Se trata de una obra
teatral pero sin emoción en la que desarrolla el programa neoclásico de mensajes morales e
ideales nobles como el heroísmo, la abnegación y el patriotismo.
Los personajes mantienen excesiva compostura. Los dos soldados que se van por
la derecha empuñan la espada, el uno con la izquierda y el otro con la derecha, para
guardar la simetría del cuerpo.
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338
UA 10: Del Neoclásico al arte de los primeros años del siglo XX.
Se imita el ideal de belleza de los modelos clásicos, a los que a veces se copia
directamente.
Los temas que predominan son los clásicos, junto con las estatuas conmemorativas, los
monumentos sepulcrales y los retratos.
Los materiales más utilizados son el mármol y el bronce. Se destierra de esta forma el
color.
Un ejemplo es:
340
UA 10: Del Neoclásico al arte de los primeros años del siglo XX.
Durante el siglo XIX las esculturas civiles sustituyen a las religiosas. Una de las figuras
más importantes durante este periodo es José Álvarez Cubero. Estudió en Roma junto a
Canova. Su obra más importante es La Defensa de Zaragoza. En ella se rinde homenaje al
pueblo de Zaragoza por su sufrimiento heroico durante la Guerra de la Independencia. Es
realidad y mito a la vez, porque cuenta la defensa de un padre anciano por su hijo.
341
10.3 LA EVOLUCIÓN DEL ARTE DEL SIGLO XIX.
El edifico destaca por la gran torre con flecha calada, uno de los elementos
más apreciados del gótico por los historicistas.
Estilo Neomudéjar: el eclecticismo español recurre a este estilo nacional para levantar
plazas de toros, conventos, hospitales y otras obras que atienden a necesidades sociales
y que necesitan materiales poco costosos.
Estilo clasicista: el neoclasicismo evoluciona a lo largo del siglo XIX, con formas menos
rigurosas. Permanecen las columnas y entablamentos adaptados a los nuevos materiales,
en bancos, museos e instituciones culturales.
342
UA 10: Del Neoclásico al arte de los primeros años del siglo XX.
Real Academia Española. Miguel Aguado. Madrid. El clasicismo de este edificio se puede
considerar historicista, ya que aporta solemnidad a un edificio oficial.
Esta arquitectura es el resultado del estudio de los ingenieros que buscan materiales
renovadores, eliminando de la construcción los elementos decorativos. El hierro, el hormigón y
cristal permiten eliminar paredes, mayor libertad para distribuir los espacios y reducir tiempo y
costes.
343
Las exposiciones universales que se celebran en distintas ciudades europeas a partir
de la segunda mitad del siglo XIX, permiten la experimentación, realizando construcciones
efímeras que se caracterizan por ser novedades arquitectónicas.
Esta renovación de medios técnicos también causó impacto en España. La llegada del
ferrocarril llevó a levantar estaciones en las que las marquesinas que cubren a los viajeros es
el elemento más novedoso.
Un ejemplo es:
344
UA 10: Del Neoclásico al arte de los primeros años del siglo XX.
Palacio de Cristal. Ricardo Velázquez Bosco. Parque del Retiro. Madrid. Se trata de un edificio con
planta de tres cuerpos en el que destaca la enorme cúpula central que permite el paso de la luz.
Fue construido para albergar la exposición de Filipinas.
345
Palacio de Cristal. Ricardo Velázquez Bosco. Parque del Retiro. Madrid.
Aunque cada artista desarrolla su propio lenguaje expresivo, hay unas características
comunes que definen al modernismo como estilo:
Trata de imitar las formas de la naturaleza, por este motivo abunda la línea curva.
Cataluña fue el foco más importante del modernismo español gracias a una burguesía
industrial culta y nacionalista que pretende recuperar la época de mayor esplendor. Por este
motivo, se introducen elementos historicistas relacionados con el gótico al que se considera
estilo de tradición nacional.
346
UA 10: Del Neoclásico al arte de los primeros años del siglo XX.
Casa Milá. (1906-12) Antonio Gaudí. Barcelona. Este edificio combina la piedra con el hierro. Las
líneas son curvas y los techos abombados. La planta libre permite jugar con la distribución de los
espacios.
347
Ángeles en el Paraíso, Sagrada Familia, Barcelona
348
UA 10: Del Neoclásico al arte de los primeros años del siglo XX.
349
Gaudí, el arquitecto que integra las formas artísticas y las forma naturales
“Gaudí no sólo reúne en su obra la tarea del constructor, que define las
estructuras, la del escultor, que modela las masas, y la del pintor, que califica las
superficies mediante el color, sino que hace confluir en sus obras, además, muchas
especialidades de la artesanía: mosaico, cerámica, hierro colado, etc. Reconstruye así el
tipo de las construcciones medievales en las que el artista era el fefe de las cuadrilla y no
actuaba como proyectista sino como director de orquesta… El arte, para Gaudí , es volver
a un pasado remoto; no ya porque imita formas históricas, sino porque deliberadamente
invierte el movimiento y hace girar a la inversa la rueda del progreso tecnológico
encaminándolo a realizar valores ideológicos opuestos a los que debería tender en teoría”
Por otra parte, el siglo XIX en España, está marcado por iniciativas urbanísticas
siguiendo los modelos de otros países occidentales. Las grandes ciudades crecen y se hacen
necesarios planes de ensanche y mejoras de las condiciones higiénicas. Las remodelaciones
urbanísticas son el fruto de la nueva clase social emergente con la revolución social: la
burguesía.
En 1857, se encarga el proyecto del ensanche para Madrid al ingeniero Carlos María
de Castro. En el proyecto que toma como núcleo el barrio de Salamanca, las calles se cruzan
en cuadrícula, en ellas se proyectan numerosos jardines privados y zonas públicas. Aunque
sufrió modificaciones, la zona del plan Castro es una de las mejor urbanizadas de la ciudad.
350
UA 10: Del Neoclásico al arte de los primeros años del siglo XX.
10.1.1.2 El Romanticismo
o El color es un elemento clave que predomina sobre el dibujo. Predominan los colores
brillantes y fuertes.
351
La pintura romántica y el paisaje
El retrato
La figura tiene un porte distinguido y romántico. Sabe resaltar las calidades de los
objetos, como se observa en el color achalorado del vestido.
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El Paisaje
352
UA 10: Del Neoclásico al arte de los primeros años del siglo XX.
Esta obra pertenece a una serie de cuadros orientalizantes fruto de sus viajes.
Destaca la brillantes de colorido y la libertad técnica
Temas costumbristas
Estos temas son los preferidos porque hacen referencia a la España más popular. Son
pinturas con una gran fuerza expresiva y de técnica muy abocetada.
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10.1.1.1 El Realismo
El resultado será una pintura influida por la fotografía, ya que su función es representar
la realidad tal y como es. Los protagonistas de los cuadros serán personas corrientes.
353
La pintura de historia.
354
UA 10: Del Neoclásico al arte de los primeros años del siglo XX.
Esta obra se incluye dentro del realismo preciosista por su amor al detalle. Fortuny
está representando su boda. La técnica es minuciosa y se basa en la pincelada pequeña y
luminosa. Existen juegos de luz que son propios del Impresionismo. Merece destacarse la
riqueza de las telas y el brillo del dorado.
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El paisaje realista.
El paisaje realista es introducido por el belga Carlos Haes (1826-1898) que despliega
una importante actividad docente induciendo a jóvenes artistas españoles a reproducir la
naturaleza tal y como es, sin tintes románticos o folklóricos.
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10.1.1.2 El Impresionismo
Nueva valoración de la luz y del color. La luz envuelve las formas y las disuelve, el color es
el vehículo de la luz.
Los temas son nuevos. Se representan: marinas, vistas urbanas, interiores con luz artificial,
etc. El tema pierde importancia a favor de la luz y del color.
355
La técnica es suelta y ligera, con pinceladas vigorosas y cortas. Este modo de trabajar es
el resultado de la inmediatez.
A pesar de su interés por la luz, la estructura de sus cuadros está claramente definida.
Se preocupa por el color y la composición, lo que hace discutible su adscripción al
movimiento impresionista.
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10.3.3.1 El Romanticismo
Entre los escultores más relevantes de este periodo, cabe destacar la obra de José
Piquer (1806-1871), su estilo evolucionó desde el clasicismo al romanticismo. Fue director de
escultura en la Academia de San Fernando. Realizó entre otras obras, varias esculturas de
Isabel II y para el palacio de San Telmo en Sevilla.
356
UA 10: Del Neoclásico al arte de los primeros años del siglo XX.
357
Leones del Congreso de los Diputados.
10.3.3.2 El Realismo
Entre los escultores más importantes hay que nombrar a Ricardo Bellver (1845-1924),
autor del Ángel Caído en el parque del Retiro de Madrid.
Monumento al ángel caído. Ricardo Bellver (1845-1924). Parque del Retiro. Madrid.
358
UA 10: Del Neoclásico al arte de los primeros años del siglo XX.
359
Estatua de Francisco de Goya. Madrid. Mariano Benlliure.
10.1.1.1 El Modernismo
Los escultores modernistas más representativo son Venancio Vallmitjana, José Llimona,
Eusebi Arnau y José Clará
360
UA 10: Del Neoclásico al arte de los primeros años del siglo XX.
Es el artista que mejor refleja las contradicciones de la historia de finales del XVIII y
principios del XIX. En su evolución pictórica se muestra como un innovador e investigador,
cultivando diferentes técnicas y géneros.
Velázquez
INFLUENCIAS
Rembrandt
La Lechera
Obras de Burdeos
361
10.4.1 LA OBRA DE GOYA. ETAPAS
Los cartones son obras decorativas para las distintas estancias de los palacios reales.
Los temas son populares y costumbristas. En estas obras se nota la evolución de la pintura de
Goya. Su técnica va adquiriendo cada vez más soltura en la composición y desarrolla escenas
con un colorido rico y brillante, llenas de elegancia y de delicadeza. El éxito de sus cartones le
facilita el acceso a palacio, donde podrá contemplar directamente la obra de Velázquez.
El pelele. Cartón para tapiz.1791. Museo del Prado. Madrid. Goya realiza el cartón
para ser utilizado en los telares de la Fábrica de Tapices del rey Carlos IV con el fin
de adornar los palacios y casas de la realeza y de los nobles. Los colores que
componen la escena no están tan contrastados como los cartones que hizo en la
década de los años 70.
362
UA 10: Del Neoclásico al arte de los primeros años del siglo XX.
En 1789 es nombrado pintor de Cámara. Por Carlos IV y diez años después ascendió a
primer pintor de cámara, disfrutando de una posición privilegiada en la corte, que se manifestó
en los numerosos encargos que recibe y en los preciosos retratos que realiza durante estos
años.
Sus retratos
Sus retratos reflejan la realidad y captan la psicología del personaje. Se preocupa más
por los rostros que por los vestidos, en los que la pincelada es una simple mancha de color,
consiguiendo deslumbrantes calidades.
Durante estos años pinta La maja desnuda (1790-1800) y La maja vestida (1802-1805).
En 1800 realiza el retrato de la Condesa de Chinchón, uno de los más hermosos de la época.
Carlos III. 1787-88. Aparece vestido de cazador –una de sus actividades favoritas-, en un paisaje que
recuerda a las obras de los cartones para tapices. Viste una larga casaca, gorguera blanca de encaje
y chupa amarilla ajustada al cinturón con las bandas de las órdenes de Carlos III y del Toisón de Oro
en el pecho.
363
La condesa de Chinchón. 1800. Museo del Prado. Madrid.
La Reina María Luisa con mantilla.1799-80: Museo del Prado. Madrid. La reina aparece de pie,
vistiendo traje negro de maja con mantilla, con un porte que el pintor destaca para reflejar su genio y
altivez.
364
UA 10: Del Neoclásico al arte de los primeros años del siglo XX.
La familia de Carlos IV. 1801. Museo del Prado. Madrid. La familia real aparece en traje de corte, con
lujosos vestidos, como preparados para una ceremonia. Las figuras se disponen alineadas, como en
un friso, ante una pared que cierra el fondo, evitando una perspectiva profunda. La luz crea el
espacio, resaltando los personajes principales y dejando algunas áreas del cuadro en penumbra, el la
que está el pintor ante el lienzo. Centra la atención en la expresión de los rostros y en el fondo
psicológico de los personajes. En cuanto a la técnica, Goya trabaja con la luz y el color; las
pinceladas sueltas resaltan las texturas y los brillos.
Algunos han visto en este cuadro una caricatura de la familia real. El Rey, bondadoso y
dominado por la reina aparece con la expresión ausente. La Reina, tiene un aire desafiante y
orgulloso.
En 1792 Goya contrae una grave enfermedad que le dejará sordo. De este momento
crítico surge un pintor nuevo, escéptico, sarcástico, atormentado. Su pintura excava ahora
más profundamente en el espíritu humano.
Los Caprichos (1797-99) son una serie de 80 aguafuertes, en la que cada grabado
incluye una leyenda que explica el contenido de forma irónica. Son observaciones sobre la
365
realidad de la vida pública. Se censuran los vicios y los errores humanos, aludiendo a las
extravagancias de la sociedad de la época: brujas, monstruos, locura, desgracias etc.
“Como la mayor parte de los objetos que en esta obra se representan son ideales,
no será temeridad creer que sus defectos hallarán, tal vez, mucha disculpa entre los
inteligentes: considerando que el autor, ni ha seguido los ejemplos de otro, ni ha podido
copiar tampoco de la naturaleza. Y si el imitarla es tan difícil, como admirable cuando se
logra; no dejará de merecer alguna estimación el que apartándose enteramente de ella, ha
tenido que exponer a los ojos formas y actitudes que sólo han existido hasta ahora en la
mente humana, oscurecida y confusa por la falta de ilustración o acalorada con el
desenfreno de las pasiones”.
366
UA 10: Del Neoclásico al arte de los primeros años del siglo XX.
“Era una obra excepcional, sin precedentes en la tradición del arte español, aunque
ligada a una vocación de nuestro pueblo y nuestra literatura por la versión cruda y
desenfadada de realidades humanas y sociales que mostrasen el trasfondo de la vida,
abordando sus asperezas con el oblicuo sesgo de la sátira. El carácter del pueblo español,
al que se nos pinta en la historia ….es el grabado el vehículo más apto para representarlo.
Y la pobreza del grabado del arte español es una de las lagunas más señaladas de nuestra
producción artística. Con su obra, y muy singularmente con Los Caprichos, Goya viene
también a llenar genialmente esta laguna. El artista aragonés es un pintor convertido al
grabado en época ya madura de su vida. Los primeros grabados suyos, seguros de fecha
son de 1778, pero sólo en Los Caprichos Goya alcanza el rango de un creador que se
levantó a la altura de los más grandes del arte gráfico. En grabado Goya fue autodidacta
que comenzó con ensayos, más bien torpes, y sólo en Los Caprichos se alza a una
creatividad genial, atrevida e inédita. No buscaba el provecho, porque Los Caprichos más
le proporcionaron disgustos y temores que dinero…
Nadie se conoce.
Las máscaras de carnaval es el tema del “Capricho”, la sociedad se rige por las
apariencias, otorgando la visión pesimista del mundo que Goya refleja en lo que se quiere
aparentar sin serlo.
Goya fue testigo de los horrores de la era napoleónica. Desde 1808 comienza a
trabajar en una serie de 82 aguafuertes. Son imágenes de la guerra sobre la matanza de
civiles, las mutilaciones y saqueos, con fondos nocturnos y punto de vista bajo. Los contrastes
entre el blanco y el negro aumentan el dramatismo.
367
Carretas de cementerio. Museo del Prado. Madrid.
Los desastres de la guerra son una mirada lúcida sobre el horror. No hay heroísmo
ni piedad, sólo pesadilla. Esta sensación se acentúa con recursos como la desaparición del
paisaje y los contrastes lumínicos.
La pintura religiosa.
La pintura histórica.
En 1814 realiza dos cuadros que reflejan el enfrentamiento del pueblo español con los
franceses. Dos obras históricas donde no hay héroes: El 2 de mayo de 1808 (la carga de los
Mamelucos) y los fusilamientos del 3 de mayo de 1808.
La carga de los mamelucos. 1914 . Museo del Prado. Madrid. La escena representa el levantamiento
el 2 de mayo contra los franceses, que fue el comienzo de la Guerra de la Independencia contra
Napoleón. Los españoles armados con cuchillos y hoces atacan a los mamelucos, que eran los
mercenarios que combatían con el ejército francés.
368
UA 10: Del Neoclásico al arte de los primeros años del siglo XX.
Los fusilamientos del 3 de mayo de 1808. Museo del Prado. Madrid. La escena, llena de dramatismo,
narra los fusilamientos de los protagonistas del levantamiento contra el ejército francés que había
tenido lugar el día anterior en la Puerta del Sol de Madrid.
La composición y la luz fijan la atención sobre las figuras de los que van a ser
fusilados, especialmente sobre el hombre de la camisa blanca. Los condenados presentan
diferentes actitudes ante la muerte. El farol situado en el suelo ilumina la escena. El pelotón de
los soldados franceses no tiene rostro, es una máquina de matar que contrasta con el dolor de
los condenados. Tras el grupo aparece un paisaje simplificado, característico de Goya. El cielo
negro crea con el espacio iluminado un fuerte contraste.
Entre 1815 y1824 realiza una colección de 28 grabados con una serie de imágenes en
las que representa lo monstruoso, las pesadillas y las obsesiones cargadas de surrealismo. Lo
siniestro y lo grotesco dominan estas obras llenas de fantasía en las que la luz y el espacio son
elementos expresivos esenciales.
369
Tauromaquia
Estos grabados son fruto de la gran afición de Goya a los toros. En ellos representa
toros, toreros y todo tipo de suertes.
370
UA 10: Del Neoclásico al arte de los primeros años del siglo XX.
Entre 1820 y 1822 Goya realiza 14 pinturas para la decoración de la casa que se
compra cerca de la ribera del Manzanares: “La Quinta del Sordo”. El nombre de estas pinturas
procede del predominio siniestro de lo oscuro, en tonos y en temas.
Goya está más encerrado que nunca en sí mismo y cae en cierto pesimismo. El dolor,
la desesperación y la muerte son los temas representados. La técnica se basa en la mancha,
371
la pincelada es larga y suelta. Los colores que emplea son el negro, el marrón, los verdes muy
oscuros y algunos rojos.
Esta obra constituye la interpretación más violenta que puede imaginarse del mundo
clásico
372
UA 10: Del Neoclásico al arte de los primeros años del siglo XX.
Asmodeo o la visión fantástica Museo del Prado. Asmodeo era en la mitología un demonio asesino de
hombres. Goya lo representa como una figura, aparentemente una mujer, mientras flota por el aire
llevando consigo el cuerpo de un hombre.
Burdeos
En 1826 pide permiso al rey para trasladarse a esta ciudad. Se aleja así del ambiente
de la España de Fernando VII, recuperando la luz, el color y la esperanza. En uno de sus
últimos cuadros escribe: “aún aprendo”.
http://www.museodelprado.es/
http://www.spanisharts.com/
Goya es maestro de casi todos los pintores del siglo XIX: los románticos admiran su
imaginación y su colorido; los realistas, su preocupación por las clases populares; los
impresionistas su pincelada libre y suelta.
ÍNDICE
11.1 LA HISTORIA .................................................................. 375
11.1 LA HISTORIA
Los primeros años del siglo XX en España, están marcados por el “desastre de 1898”
que creó un ambiente pesimista tras la pérdida de Cuba, Puerto Rico, Filipinas y la isla de
Guam: era el fin del imperio colonial español. Sobre estas bases surge un sentimiento
regeneracionista, que intenta resolver los problemas del país, llevando a cabo una
recuperación económica y cultural.
“Las vanguardias históricas” de los primeros años del siglo XX, son movimientos
artísticos que reaccionan ante la obra de arte predominantemente figurativa, con una nueva
interpretación de las formas estéticas que se manifestarán lo largo de esta centuria.
375
11.2.1.1 El Cubismo
376
UA 11: El arte del S XX y las últimas tendencias.
Pablo Ruiz Picasso (1881-1973) la máxima figura de la pintura del siglo XX, es junto
con Georges Braque (1882-1963) el fundador del Cubismo. Su personalidad y capacidad
creativa son incuestionables, participa en todas las tendencias estéticas de la época desde el
grabado, la pintura, la escultura y también la cerámica, y siempre con una gran capacidad
investigadora a los nuevos planteamientos artísticos.
1936 El Guernica.
377
• De la obra de Picasso, destacamos los periodos más relevantes:
El guitarrista
En el periodo azul, Picasso trata a seres marginales y desvalidos. Es una pintura
melancólica, de tonalidades azules y con formas angulosas…
378
UA 11: El arte del S XX y las últimas tendencias.
Georges Braque (1882-1863), creador junto con Picasso del Cubismo, inician
una estrecha colaboración entre los años 1908 a 1914, llegando incluso a dejar de
firmar las obras que realizan, al considerar esta labor impersonal, fruto de un proceso
de investigación y renovación de la pintura.
Aunque el bombardeo se hizo a la luz del día, la escena se hace más trágica al
representarla el pintor por la noche
Las mujeres y los niños son las víctimas más vulnerables de la guerra
La expresión violenta de muchos detalles: las lenguas son pinchos, las bocas
abiertas gritando el horror, la mano del guerrero aferrada a la espada rota
379
Guernica y la historia
Las Meninas
En la última etapa de su obra, Picasso pinta reflexiones muy personales
sobre pinturas del pasado.
“Lo que más me sorprende es que tanta gente tenga la pretensión de comprender el
arte. Me pregunto: ¿tiene sentido intentar comprender el canto de los ruiseñores?,
¿tiene sentido querer penetrar el misterio de la noche, de las flores, de las cosas bellas
que nos rodean y que amamos? Sin embargo, cuando le toca al arte la gente
pretende comprenderlo. ¿Por qué?
Yo creo que la única cosa que la gente debe comprender es que el artista crea porque
debe crear, porque posee su arte. El artista es solamente una pequeña, pequeñísima
parte del universo, y no merece más atención que los otros elementos que componen
el universo, y que, como la obra de arte, proporcionan alegría, consuelo, emoción,
paz…”
Juan Gris (1887-1927) Es uno de los grandes pintores cubistas, cuya producción se
mantiene fiel a este estilo, haciendo a veces una pintura colorista y otras simplificando y
reduciendo los objetos a sus formas geométricas más elementales.
380
UA 11: El arte del S XX y las últimas tendencias.
La escultura cubista
• convirtieron el hierro en obras en las que se unían las formas reales con las formas
imaginadas, soldando las piezas en las que se puede permitir la presencia de huecos.
11.2.1.2 El Expresionismo
José Gutiérrez Solana. La visita del Obispo. 1926. Museo Español de Arte
Contemporáneo. Madrid
381
11.2.1.3 El Surrealismo
El surrealismo es uno de los movimientos más importantes del siglo XX, que se
manifiesta no solamente en la pintura y en la escultura, sino también en la poesía y el cine. Fue
el escritor parisino André Breton quien desde el dadaísmo, definió un movimiento literario que
pretendía expresar verbalmente o por escrito, el pensamiento inmediato sin ningún tipo de
razonamiento. Hacia 1924 estas manifestaciones fueron llevadas a las artes plásticas con unos
procedimientos basados en:
En España el surrealismo está representado por dos figuras de primer orden, Joan
Miró (1893-1983) y Salvador Dalí (1904-1989), con universos personales muy distintos Miró
llevará al Surrealismo hacia la abstracción y Dalí a la figuración.
EL SUBREALISMO FIGURATIVO DE
EL SUBREALISMO ABSTRACTO DE MIRÓ
DALÍ
382
UA 11: El arte del S XX y las últimas tendencias.
Miró decía de su obra: “Yo pinto como si paisajes, las figuras y personas.
fuera andando por la calle. Recojo una Cuando se asocian en los espacios
perla o un mendrugo de pan; y eso es lo solitarios e inmensos, el resultado es
que doy, lo que recojo; cuando me desconcertante e insólito.
coloco delante de un lienzo no sé nunca
lo que voy a hacer; y yo soy el primer
sorprendido de lo que sale”
Hacia 1940, el lenguaje de Miró se hace más abstracto, pinta en superficies cada vez más
grandes formas y colores sin renunciar a su mundo personal, como el pájaro bajo una
bóveda celeste de color morado, la luna roja, la estrella y un nubarrón de color marrón.
383
Palacio de Congresos de Madrid.
384
UA 11: El arte del S XX y las últimas tendencias.
Para reconocer la obra de Joan Miró, puedes visitar las páginas que se indican al
final de la unidad y http://fundaciomiro-bcn.org/
Es una de las obras más características del periodo surrealista de Dalí. Los relojes
blandos y formas de apariencia equívoca, contrastan con las formas geométricas en un
paisaje que produce desconcierto.
Para reconocer la obra de Salvador Dalí, puedes visitar las páginas que se
indican al final de la unidad y http://www.salvador-dali.org/
En la segunda mitad del siglo XX, las vanguardias se pueden dar por concluidas, se
han realizado todas las rupturas del arte tradicional. Los cuarenta años de dictadura del
franquismo, cerraron muchas posibilidades a nuevas tendencias artísticas. A pesar de ello, se
sucedieron movimientos interesantes, aunque de influencia menor en los artistas españoles.
Sólo durante los años del 60 al 75, puede considerarse la repercusión que el arte español tuvo
con la representación de nuevas tendencias.
385
MANIFESTACIONES ARTÍSTICAS EN
REPRESENTANTES
LA SEGUNDA MITAD DEL SIGLO XX
Grupo catalán “Dau al Set” abstracto, J.J. Tharrats, Antoni Tápies, Modest Cuixart.
informalismo
Grupo madrileño “El Paso” abstracto Antonio Saura, Rafael Canogar, Manuel
informalismo Millares.
11.2.2.1 El Informalismo
386
UA 11: El arte del S XX y las últimas tendencias.
Para reconocer la obra de Antoni Tápies, puedes visitar las páginas que se
indican al final de la unidad y http://www.fundaciotapies.org
A partir de la década de los 50, surgen en España otros grupos que renuevan el
panorama artístico con un nuevo lenguaje abstracto como el grupo “El Paso” y un arte
experimental representado por “El Equipo 57”.
Entre los artistas que componen el grupo destacan los pintores, Antonio Saura, Rafael
Canogar, Luis Feito y Manuel Millares. Aunque con trayectorias personales diferentes tienen en
común:
Técnicamente, aplican en el soporte una pincelada violenta y con mucha materia pictórica,
arañan el lienzo, utilizan elementos como arena, arpillera, tela metálica y el dripping
387
Antonio Saura Retrato imaginario de Felipe II, 1967
Su pintura se caracteriza por utilizar una base figurativa, como si fueran caricaturas,
para añadir los colores negro y en ocasiones rojo y colores terrosos, sobre un fondo
blanco.
En el año 2000, se inaugura el museo Chillida-Leku, cerca de San Sebastián con las
obras más representativas del escultor, situadas en diferentes espacios, la mayoría de ellas al
aire libre, en el marco de un precioso paisaje.
Su pintura se caracteriza por utilizar una base figurativa, como si fueran caricaturas,
para añadir los colores negro y en ocasiones rojo y colores terrosos, sobre un fondo
blanco.
388
UA 11: El arte del S XX y las últimas tendencias.
En el año 1977, Eduardo Chillida instala en uno de los extremos de la bahía de San
Sebastián y a los pies del Monte Igueldo, una de sus obras más emblemáticas. Son tres
formas abstractas de acero, unidas a las rocas y en plena naturaleza
389
Eduardo Chillida .Elogio del horizonte.
Frente al Informalismo, en el año 1957, aparece una tendencia más racional del arte,
“Equipo 57” formado por un grupo de artistas, (José Cuenca, José Duarte, Ángel Duarte,
Agustín Ibarrola) con planteamientos individuales distintos, pero con un objetivo común: la
abstracción se determina tanto en pintura como en la escultura en formas geométricas simples
y combinaciones de colores planos.
Agustín Ibarrola.
Agustín Ibarrola. Cubos de la memoria. Puerto de Llanes. Los cubos formados por bloques de
hormigón se reducen a su mínima expresión geométrica, considerándolos como el “principio del
arte contemporáneo”.
390
UA 11: El arte del S XX y las últimas tendencias.
La obra es estática, pero con el movimiento del espectador, se permite más de una lectura
La obra no tiene movimiento real, pero mediante algún efecto óptico, parece tenerlo. Es
una derivación de la abstracción geométrica y se conoce con el nombre de “op art”.
Uno de los artistas más importantes del “op art”, es Eusebio Sempere (1923-). Su
obra se caracteriza por la búsqueda de la relación entre el arte y la ciencia, sin dejar el espíritu
racional de la obra.
391
11.2.2.3 Tendencias hacia la figuración
En los años 60, surge también un movimiento, El Realismo crítico que pretenden
denunciar con sus pinturas fácilmente comprensibles la violencia y la opresión. En España la
figura más destacada es Juan Genovés (1930). Sus pinturas están a veces próximas al pop
art, con un lenguaje casi fotográfico.
392
UA 11: El arte del S XX y las últimas tendencias.
Estas figuras de casi dos metros, las inicia el artista en el año 1966, sin un modelo
concreto, obedeciendo los cambios a lo largo de los años, a la propia inspiración del
escultor. Esculturas casi académicas que buscan la proporción perfecta de un hombre y
una mujer genéricos.
José María Sicilia y Miquel Barceló, son los pintores más importantes dentro del
panorama español y mundial desde la década de los 80.
393
José María Sicilia (Madrid, 1955).
MIQUEL BARCELÓ
Influencias: Antoni Miró, Jackson Pollock, Antoni Tàpies, arte conceptual y art
brut
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UA 11: El arte del S XX y las últimas tendencias.
Obra realizada con pigmentos depositados sobre superficies de cera. El paso del
tiempo, ha ido modificando, generando diferentes texturas y matizando el color.
En el retablo de la capilla la técnica que utiliza, evoca las primeras obras a las que
aplicaba materia pictórica logrando efectos de relieve .
Jorge Oteiza
395
La nueva escultura española
11.3 LA ARQUITECTURA
396
UA 11: El arte del S XX y las últimas tendencias.
397
Sert como su mejor arquitecto. El GATEPAC (Grupo de Artistas y Técnicos españoles para
el progreso de la Arquitectura Contemporánea), fue fundado dos años después como otra
asociación vanguardista. El análisis de la situación y la puesta al día de los logros y
avances de la arquitectura, lleva en el caso del GATEPAC a partir de elementos,
programas, materiales, espacio, luz…desarrollándose racionalmente del interior (función)
al exterior (fachada).
La arquitectura del país sufre notables cambios a partir de la década de los años 60,
favorecidos por los cambios económicos y sociales que vive el país. Destaca Francisco J.
Sáenz de Oiza una de las figuras más importantes de la arquitectura contemporánea.
Entre sus obras destaca el edificio Torres Blancas que supone el cambio y la
transformación hacia una modernidad de las nuevas formas arquitectónicas. La propuesta
de Sáenz de Oiza era sin duda innovadora, al combinar las formas curvas y rectas, con
una superposición de los cilindros de hormigón. Otra de las obras más significativas del
momento es el Gimnasio del colegio Maravillas en Madrid de Alejandro de la Sota.
398
UA 11: El arte del S XX y las últimas tendencias.
también fuera de las fronteras de nuestro país. Entre otros nombres destacan los de Ricardo
Bofill, Rafael Moneo y Santiago Calatrava.
Rafael Moneo
Características de su obra:
o La obra tiene que tener su propia identidad, marcada por la función y el lugar
o Los materiales por los que tiene preferencia son el ladrillo y la piedra
o El diseño del interior de los edificios forma parte del proyecto arquitectónico
• Obras:
399
Exterior del Museo Romano de Mérida, Badajoz.
Vista nocturna del Palacio de Congresos-Auditorio Kursaal, Donostia, San Sebastián, Guipúzcoa.
400
UA 11: El arte del S XX y las últimas tendencias.
Auditorio Palacio de Congresos Kursaal, Donostia, San Sebastián, Guipúzcoa. El edificio fue
proyectado por Rafael Moneo. La construcción está ordenada en dos grandes volúmenes
prismáticos, con parees formadas por vidrios translúcidos, que se sujetan a una estructura metálica.
Santiago Calatrava
Características de su obra:
o En la arquitectura de Santiago Calatrava, todas las partes están relacionadas entre sí.
• Obras:
o Aeropuerto de Bilbao
o Torre de Montjuit
Facilita el acceso al puerto. Adopta forma de de tirante de acero con una altura
máxima de 13 metros. El arco tiene una sección triangular, que separa la zona peatonal y la
zona de circulación de vehículos.
402
UA 11: El arte del S XX y las últimas tendencias.
Edificio emblemático de los últimos años del siglo XX. Las referencias constructivas
deberían ser la sede del Museo Guggenheim de Nueva Cork, de Frank Lloyd Wright, y la Ópera
de Sydney de Jörn Utzon. Obra que se caracteriza por su fuerza expresiva y su originalidad en
un espacio en donde se había situado una antigua fábrica abandonada a orillas del Nervión. El
403
diseño parte de una inmensa sala, a modo de plaza central, en la que convergen tres enormes
galerías. El espacio exterior está formado por grandes bloques cúbicos inclinados de gran
fuerza escultórica, cubiertos de titanio que provoca preciosos efectos visuales
“El museo ha de ser, en principio, un lugar para todos. Por ello, los museos, como
todas las instituciones que programan actividades relacionadas con las artes, deben tener
en consideración la confortabilidad que pueden ofrecer a sus visitantes. Justamente el
analfabetismo que muchos de ellos experimentan ante algunas obras de arte, a pesar de
haber decidido voluntariamente ir al museo dado el prestigio reconocido de las obres
expuestas, tiene mucho que ver con la falta de familiaridad con el lenguaje de las artes que
frecuentemente no ha formado parte de sus planes de formación intelectual. Así como
querer leer y no saber hacerlo no puede ser nunca considerado negativamente, los museos
han de permitir a los visitantes un encuentro feliz con las obras de arte,
Para reconocer la obra de ampliación del Museo del Prado del arquitecto Rafael
Moneo, puedes visitar la página http://www.museoprado.es/
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UA 11: El arte del S XX y las últimas tendencias.
“El arte siempre ha sido lo mismo, siempre ha sido una forma casi imposible de
comunicarse. Detrás de ese intento de comunicación se pueden colocar las diferentes
finalidades que el arte ha tenido históricamente, desde la simple ornamentación, hasta el
halago al poder establecido, la representación simbólica de lo divino, la recreación
histórica, la revolución social… Ha cambiado el tiempo; ha cambiado el hombre y han
cambiado las formas artísticas, pero la esencia del arte, los problemas que le hacen al
hombre seguir haciendo arte, siguen siendo los mismos. El arte siempre ha sido un
problema de conceptos y de formas con que vestir estos conceptos. Mucho más que la
belleza, la pasión o el placer son ahora el concepto, la idea, el argumento, los que se abren
camino en el arte actual. Y aunque actualmente vivamos momentos de confusión y
desbordamiento de los cauces artísticos, la pervivencia de los géneros y de los temas,
igual que en literatura o en cine, de muestran que se cambia mucho más lentamente de lo
que pueda parecer”
Para reconocer las obras de los artistas del siglo XX y de las últimas tendencias
del arte español, puedes visitar las páginas
http://www.museothyssen.org/thyssen/
http://www.museoreinasofia.es/
405