Breve recorrido por la historia del arte.
Cultura Audiovisual I
Desde siempre, el individuo ha querido reproducir imágenes mentales o
reales con dibujos, pinturas, grabados y, según han ido evolucionando las
tecnologías, fotografía, cine y todo aquello que llamamos y consideramos
como comunicación audiovisual.
Lo que hoy conocemos como una IMAGEN ha hecho un largo viaje hasta
llegar a nuestros días. Este viaje empezó en la Prehistoria.
1_PREHISTORIA
El hecho de dejar huella y guardar recuerdos es una necesidad innata del
ser humano, pero lo que hoy vemos como una cosa normal por el hecho
de vivir en una sociedad de imágenes, antiguamente era un
acontecimiento excepcional, relacionado casi siempre con rituales
religiosos y políticos.
El lenguaje visual consigue su hueco en la historia ya en las primeras
representaciones de figuras humanas y animales en las cuevas, las
pinturas rupestres. Otro de los ejemplos de esta función de la imagen, lo
encontramos en las Venus Esteatopígicas del paleolítico, pequeñas
esculturas a modo de representación simbólica y exagerada de los
atributos biológicos de la mujer. El tema de la fertilidad tenía un papel
protagonista, así como la representación de la diosa madre en relación
con la agricultura. También podemos hablar del desarrollo del concepto
ritmo y marco, poniendo como ejemplo la cerámica ornamentada. Y hay
más, ya en la prehistoria se levantan las primeras obras arquitectónicas
(MENHIR, DOLMEN, CROMLECH), con fines funerarios, de culto y
astronómicos.
2_ANTIGUO EGIPTO
A lo largo de los siglos siguientes el arte se desarrolla junto con las
primeras civilizaciones, cada una con su propio estilo. En el caso del
imperio egipcio todo queda envuelto en una especie de misterio. La
función ritual o mágica de la imagen pervivirá en esta civilización, ya que
para los egipcios la propia imagen es el DOBLE de la persona
representada. Cualquier mal ocasionado a la imagen será transmitido a la
persona real. Además, la escultura tiene los mismos afanes que la
persona real. Por este motivo, en tumbas, pinturas o murales
encontramos representaciones de los difuntos en escenas de la vida
cotidiana.
En este momento se desarrolla el concepto de marco, es decir, el espacio
donde se sitúa la imagen de manera acotada, limitada. También se fija la
idea de ortogonalidad (perpendicular a la tierra, formando un ángulo
recto). Dentro del marco se distribuyen ordenadamente las figuras, hecho
que da lugar a la primera idea de composición.
La profundidad en las escenas y en general el tratamiento de la
perspectiva en las manifestaciones artísticas de este periodo es
prácticamente inexistente, pues todo sigue la ley de frontalidad, tanto en
la representación de las figuras como en lo referente al espacio. Las
figuras se distribuyen normalmente yuxtapuestas (unas al lado de otras)
en lugar de superpuestas y encontramos figuras o escenas imposibles
con miembros girados. Más adelante, este multifacetismo será
característico de algunos movimientos de vanguardia, como por ejemplo
el cubismo.
La solemnidad se consigue mediante el hieratismo, que consiste en la
ausencia de expresión y severidad de los retratos, casi siempre frontales
o de perfil. Además, el rango y la importancia social son muy relevantes
en esta época, por eso se representa la jerarquía mediante cambios en
la medida de las figuras.
3_GRECIA Y ROMA CLÁSICA
Los griegos eran politeístas, pensaban que el cielo estaba gobernado por
un linaje divino muy semejante a cualquier familia humana, pero inmortal y
todopoderosa. A esta religión también se suma su cultura
antropocéntrica.
Antigua Grecia y la cima de la perfección artística. El término arte surgió
en el mundo griego y se refería a la habilidad o destreza, tanto manual
Breve recorrido por la historia del arte.
Cultura Audiovisual I
como mental, que requieren o demuestran ciertas actividades basadas en
un conjunto de reglas o normas.
Si bien en sus inicios aceptaban el sistema de proporción egipcia, la
rigidez y el hieratismo en las esculturas pronto dejarán paso a otras
consideraciones vinculadas a la concepción humanista del cuerpo. El arte
quiere reflejar la belleza ideal basada en el cumplimiento de normas,
reglas y proporciones, concepto clásico que se repetirá en el
Renacimiento y en el Neoclasicismo.
El material por excelencia era el mármol blanco, policromado con estucos
de colores vivos, aunque también se utilizaba el bronce.
Posteriormente Roma, uno de los imperios más poderosos, conquista
Grecia y asume su cultura y, por tanto, también su arte. Sin embargo
buscan un arte mucho más útil y práctico (como en el caso de la
arquitectura, en la que ya no dan tanta importancia a las medidas).
También empiezan a dar peso al realismo, evitando la idealización.
4_EDAD MEDIA. ROMÁNICO Y GÓTICO
Es en la Edad Media cuando se institucionaliza la distinción entre artes
liberales y artes mecánicas, siendo el arte una actividad de rango inferior,
aún así es la manera de servir a Dios y despertar devoción. En esta etapa
se desarrolla el arte paleocristiano, bizantino, prerrománico, románico,
gótico, renacentista y barroco.
Con la aparición del cristianismo y el románico el arte está al servicio de
la iglesia, por ello tanto las esculturas como las pinturas se utilizaban
para decorar interiores y exteriores y de las que podemos destacar:
Simbología: Jesús pantocrátor y María, figuras hieráticas, inexpresivas y
esquematizadas. Con esta simplificación es más fácil enseñar al pueblo,
que es analfabeto, el mensaje de la biblia y Dios.
Antinaturalismo: se sustituye la visión racional y corpórea del mundo por
una imagen espiritual y mística. Las figuras ya no cumplen el cánon
clásico, se representan de forma poco realista, deformadas y estilizadas.
Composición: las figuras forman composiciones sin relación entre ellas y
predomina la yuxtaposición.
Ausencia de perspectiva: ausencia de paisaje, los fondos son lisos y con
bandas de colores planos, los elementos de la realidad son representados
de manera esquemática distribuidos de manera paralela al plano y
siguiendo la ley de frontalidad.
Color: pintura colorista, de colores puros sin mezclar y de fuertes
contrastes cromáticos producidos por efecto de las bandas de colores
planos del fondo. Las figuras se separan del fondo mediante trazos
gruesos de color negro.
En el s. XII se desarrollan nuevas técnicas constructivas que abren
camino a un nuevo estilo: el Gótico. Las iglesias quedan mucho más
iluminadas con los rosetones, aportando una atmósfera más mística. Las
esculturas son mucho más naturales, humanizadas y con mayor
movimiento. En la pintura se inicia una revolución con Giotto, considerado
el primer pintor moderno, y se empieza a utilizar la profundidad, la luz
como nunca antes se había hecho, se crean composiciones nuevas y se
incluye el dorado. Esta forma de pintar influye a toda Europa hasta que en
el s. XV, con el Gótico Flamenco, se llega a un mayor nivel de detalle y
realismo.
5_RENACIMIENTO
Movimiento en el que se define el concepto Bellas Artes y la pintura, la
escultura y la arquitectura se incluyen en el grupo de artes privilegiadas,
junto a la música, la danza y la poesía. Es el renacer de la antigüedad,
momento de recuperar los ideales estéticos y los elementos artísticos de
los clásicos para mejorarlos.
En el Renacimiento (s. XV-XVI) las imágenes empezaron a representar
retales de la vida cotidiana. Los pintores describen la realidad y la imagen
se convierte en testimonio, en documento. Durante esta etapa también se
desarrolló la perspectiva (aparición del escorzo) en las prácticas artísticas
gracias a la evolución de inventos anteriores, como es el caso de la
Breve recorrido por la historia del arte.
Cultura Audiovisual I
cámara oscura, utilizada para profundizar en el funcionamiento de la
visión, el comportamiento de la luz y las leyes de la perspectiva
geométrica. Este fenómeno ya fue observado por Aristóteles 300 años
a.c, conocimientos que utilizó Al-Hazem para crear la primera cámara
oscura en el s. XI y que Leonardo da Vinci perfeccionó en el s. XV para
estudiar la relación con la perspectiva pictórica. Este invento es el primer
antecedente tanto de la cámara fotográfica como del proyector de vídeo,
las dispositivas y el cine.
Muchos pintores de la época utilizaron la cámara oscura para llegar a la
perfección en sus detalles, decididos a dibujar exactamente aquello que
veían. A ello también se le sumó la oportunidad de conseguir la
multiplicación de imágenes idénticas con la llegada de la imprenta y las
técnicas de grabado.
6_BARROCO, ROCOCÓ Y NEOCLASICISMO
Se desarrollan entre los siglos XVII y XVIII, en épocas de grandes
disputas políticas y religiosas entre católicos, donde se afianzó el
absolutismo y protestantes, de signo más parlamentario. El arte se volvió
más ornamentado, con gusto por lo sorprendente y efectista, con ilusiones
ópticas, fuertes contrastes de luces y sombras, un arte en definitiva en
consonancia con la época.
El estilo barroco pone énfasis en la vida mundana, lo cotidiano, y a la vez
en manifestaciones nacionales de poder de la realeza junto a la iglesia,
como arte propagandístico. La palabra viene del portugués “barru” que
significa irregular y recargado, rompiendo con todo lo establecido
anteriormente. Ahora lo que se busca es representar el drama, el
momento en el que la emoción está en el instante más álgido.
La creación pictórica tiene un desarrollo particular en cada país: En Italia
destacamos a Caravaggio como el creador del tenebrismo, con contrastes
marcados de luz y sombras y con un foco de luz muy fuerte, y Artemisa
Gentileschi, mientras que en España a Velázquez y en Holanda Rubens y
Rembrandt.
A partir del s. XVIII, aparece el Rococó un estilo de tendencia barroca
pero con un sentido más enfatizado en la decoración y el gusto
ornamental (horror vacui). Se abandonan los temas religiosos a favor de
temáticas mundanas y de lujo como factor de prestigio social en la
burguesía.
El auge de la burguesía tras la Revolución Francesa favorece las formas
clásicas y más austeras, en contraposición del Barroco y Rococó. Surge
así la Ilustración y con ello, el Neoclasicismo. Las obras artísticas
vuelven a llenarse de serenidad y orden, el arte se aleja de la religión y
de la representación del poder, centrándose más en las cualidades
sensibles de la obra que no en su significado, donde la estética viene de
los sentimientos y no de la razón. Junto con el Neoclasicismo aparecen
nuevos movimientos que conviven: en primer lugar, el Romanticismo, en
el que se huye de la norma y el orden y se pintan obras que buscan la
emoción, la imaginación, y luego el Realismo, centrado en temas
sociales, buscando plasmar la realidad desde la objetividad.
7_EL SIGLO XIX
Ahora llegamos a un momento decisivo, en el que en la segunda mitad del
s. XIX en París pintores y pintoras salen de sus estudios para pintar al
exterior (plein air), buscando captar el efecto de luz y color en un
momento particular con una pintura rápida y de pinceladas cortas y
empastadas. El Impresionismo (1874) fue un movimiento criticado ya
que se consideraba que los cuadros estaban incompletos. Esto supondrá
toda una revolución para la pintura y el arte en general.
Cuatro artistas (Van Gogh, Gauguin, Seurat y Cézanne) que habían
evolucionado y traspasado los límites del impresionismo fueron los
protagonistas de una exposición celebrada en Londres en 1910, tiempo
después de sus muertes. Fueron los conocidos postimpresionistas.
Breve recorrido por la historia del arte.
Cultura Audiovisual I
8_VANGUARDIAS
Durante el s. XX aparecen nuevos movimientos revolucionarios que
absorben la dimensión reformadora del arte: el arte refleja la realidad
social de su tiempo y es necesario que este actúe en la transformación de
la propia experiencia.
Literalmente, el término de vanguardia implica la idea de lucha, de
combate, de grupo de presión que avanza y se sitúa delante de la
mayoría. Y, en efecto, la vanguardia artística se manifestó como una
acción de grupo en búsqueda de una fuerte ruptura con lo establecido,
con los convencionalismos. En sus inicios, no se trataba de un grupo o
tendencia artística particular, sino que el arte era presentado en general
como una avanzadilla de la sociedad, como la vanguardia de los dos
sectores fundamentales que trataban de transformarla, la ciencia y la
industria.
Gracias a un grupo minoritario –en sus inicios– durante la primera mitad
del s. XX será en París, y en general en Europa, donde se gestaron los
primeros movimientos vanguardistas que, marcados por un contexto
histórico anterior (Revolución Industrial, Manifiesto Comunista y las
revueltas francesas), fueron desplazándose durante el periodo de
entreguerras hasta llegar a EEUU después de la Segunda Guerra
Mundial.
FAUVISMO (1905-1907). Movimiento inconformista que busca mostrar las
cualidades emocionales del color y romper con todo lo anterior, incluida la
importancia de la forma.
EXPRESIONISMO (1905-1925). Forma, color y textura están al servicio
de la transmisión del estado anímico del autor (desesperación, la
angustia, el miedo y la locura): la subjetividad se impone sobre la
objetividad. Se recurre a la temática de lo morboso y prohibido, insistiendo
en lo demoníaco, lo sexual, lo fantástico y lo pervertido.
CUBISMO (1907-1914). No trata de captar la realidad presente del artista,
sino que crea, a partir de la realidad, una imagen propia totalmente nueva.
Bajo esta premisa y los procedimientos técnicos y estilísticos empleados
se da la ruptura con las bases tradicionales: una ruptura con el espacio
tridimensional del Renacimiento y de la sensación volumétrica; una
ruptura con la representación de la naturaleza, la obra tiene sus propias
leyes; y una ruptura con la visión estática y el punto de vista único, con
una visión simultánea del objeto.
FUTURISMO (1909-1919). Destaca la negación de temas antiguos (como
el retrato o los desnudos) con la exaltación de la novedad mediante
formas originales, aunque sean temerarias y violentas; el desarrollo de los
valores de la velocidad y el dinamismo de la vida moderna y el empleo del
análisis del color de la pintura postimpresionista al servicio del principio de
simultaneidad cubista (colores muy brillantes en cuadros muy luminosos).
SUPREMATISMO (1915-1925). Es el camino hacia lo puro, hacia lo
supremo (es todo porque no es nada, es nada porque es todo). Se busca
eliminar todo indicio visual del mundo conocido para que el espectador
disfrute únicamente de la sensación. Para ello, se elimina el desorden, se
simplifica la silueta y se reduce la paleta de color.
NEOPLASTICISMO (1917-1931). Se basa en la simplicidad geométrica
de proporciones elementales en las que las formas quedan reducidas a
líneas horizontales y verticales y a los colores primarios (rojo, amarillo y
azul) y no-colores (blanco, negro y gris).
DADAÍSMO (1916-1923). Este movimiento no era exclusivamente
artístico, musical, filosófico o literario. Era eso y todo lo contrario ya que
rechazaba toda representación esteticista. El absurdo, el sinsentido o la
provocación eran algunas de las herramientas con las que buscaban
impactar al espectador, hacerle replantearse las convenciones estéticas
Breve recorrido por la historia del arte.
Cultura Audiovisual I

tradicionales burguesas. Defendía el antiarte y la acción frente a la razón

y la lógica.

SURREALISMO (1924-1945). Se funda en la creencia en la realidad

superior de ciertas formas de asociación, en la omnipotencia de los
sueños y el juego desinteresado del pensamiento.

9_SEGUNDAS VANGUARDIAS
La Segunda Guerra Mundial conlleva un cambio de escenario. Europa
entra en una crisis social, cultural, económica y política que favorece la
emergencia de un nuevo panorama artístico y permite que la capital
mundial del arte pase de París a Nueva York. Aparecen así nuevos
movimientos artísticos de vanguardia como: Expresionismo Abstracto,
Informalismo, Pop Art, Op Art, Conceptualismo, Minimalismo,
Hiperrealismo, Arte Povera, Land Art, Happenings o, más adelante,
la Performance.