HISTORIA DEL DIBUJO

EDAD PRIMITIVA
Por lo menos hace 35.000 años, cuando todavía Vivian los hombres prehistóricos
dejaban rastros de su vivencia con dibujos tallados en las cuevas, representando o
tratando de expresarse por medio de los dibujos
Aún antes de convertirse en Homo Sapiens, el hombre demostró talento para pintar.
Las denominadas pinturas rupestres encontradas en las paredes de algunas cavernas
son testimonios de ese talento. El hombre primitivo solía pintar figuras de animales o
de personas con extraños atuendos o a grupos de hombres cazando a algún animal,
porque tenían la creencia de que la representación gráfica de la acción le daría suerte
en la cacería. Las pinturas prehistóricas constituyen documentos De incalculable valor,
porque de ese modo narró su historia el hombre que no conocía la escritura.
Desde sus orígenes, el hombre ha tratado de comunicarse mediante grafismos o
dibujos. Las primeras representaciones que conocemos son las pinturas rupestres, en
ellas no solo se intentaba representar la realidad que le rodeaba, tales como animales,
astros, ser humano, etc., sino también sensaciones, como la alegría, la tristeza, o
momentos cotidianos. Sin duda la mejor forma de hacer una representación es
mediante la Escultura, pero al principio el hombre no
conocía materiales fácilmente moldeables y estables
con el tiempo.
A lo largo de la historia, este ansia de comunicarse
mediante dibujos, ha evolucionado, dando lugar por un
lado al dibujo artístico y por otro al dibujo técnico.
Mientras el primero intenta comunicar ideas y
sensaciones, basándose en la sugerencia y estimulando la imaginación del
espectador, el dibujo técnico, tiene como fin, la representación de los objetos lo más
exactamente posible, en forma y dimensiones, en cuya concepción está siempre
presente la utilidad, y que son fundamentalmente creativos, pues están basados en la
imaginación y en la razón, y no en los sentidos.
Había pasado miles de años y el dibujo había evolucionado substancialmente. Se
había pasado de la composición montonal y estática de la prehistoria al equilibrio,
minuciosidad y colorido de las representaciones teológicas en templos y santuarios.
Ahora hacía falta detallar la figura de los dioses para agradecerles la esplendor del
imperio egipcio.

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EDAD ANTIGUA
La historia del arte antiguo es la división de la historia del arte que se centra en su
estudio e interpretación formal, técnica, estructural, e ideológica (iconográfica,
iconológica) y en su explicación histórica; aunque la arqueología es la ciencia histórica
cuyo objeto es la cultura material de la que las obras de arte son la manifestación más
valiosa, y es la encargada de su descubrimiento y análisis contextual.
Su delimitación cronológica va desde el
comienzo de la Historia
(aproximadamente el IV milenio a. C. en
Próximo Oriente y Egipto) hasta la caída
del Imperio romano de Occidente (siglo
V). La extensión geográfica del desarrollo
de las primeras civilizaciones –definidas
por la aparición de la escritura y el poder
político y religioso– impone dónde
pueden localizarse (civilizaciones mediterráneas, de la India, de Extremo Oriente, de
América Precolombina y del resto de Europa y de África) y cuándo puede hablarse en
cada una de un periodo histórico (Historia) o de un periodo prehistórico (Prehistoria),
que determinaría que su producción artística fuese objeto de la historia del arte
prehistórico; aunque realmente la metodología para su estudio es en gran parte
común, hay una diferencia fundamental, y es la posibilidad de utilizar las fuentes
escritas para los periodos históricos. Este recurso es insustituible, puesto que no sólo
permite la identificación en su caso de los autores o patrocinadores de la obra artística
y reconstruir el contexto en el que se produjo, sino que posibilita la interpretación del
Arte en su relación con la producción intelectual en otros ámbitos del pensamiento,
sobre todo la religión y la filosofía. De esta manera se puede efectuar una lectura del
arte que lo entienda a través la visión del mundo (Weltanschauung) o ideología
dominante en épocas y lugares tan lejanos a nosotros como las civilizaciones de la
Edad Antigua, y del que el Arte es la plasmación material y visual.
Con el tiempo, se desarrollaron otros tipos de escritura, tal es el caso de los
jeroglíficos egipcios (3000 - años a.C.), el alfabeto fenicio (1000 años a.C.), la escritura
jeroglífica de los mayas (353 años a.C.), la escritura cuneiforme de los números (500
años a.C.), la escritura romana (300 años a.C.), la escritura nórdica de runas (200
años d.C.) y la escritura china.

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EDAD CLASICA
Grecia es considerada la cuna del pensamiento occidental. De ésta nacieron diversas
manifestaciones que intentaron enaltecer al hombre en todos sus planos. Surgieron
así, la filosofía, la lógica, la ética, la estética, entre otras tantas doctrinas más, que
incentivaron el crecimiento del hombre en lo bueno y lo bello.
El empleo del dibujo tuvo su mayor aplicación en la arquitectura, ya que fue la base
para la construcción de magnas obras de carácter civil: templos, teatros, palestras,
gimnasios, etc. Sin duda, un ejemplo viviente, producto del razonamiento y armonía,
entre otras virtudes, es la construcción del Partenón.
Casi todos los murales griegos del siglo IV
a.C., han desaparecido. Sin embargo, su
influencia puede observarse en los
paisajes arquitectónicos pintados sobre los
muros de las casas romanas de Pompeya
y Herculano en el siglo I d.C.
Los romanos supieron aprovechar la
cultura griega, la transformaron y
adaptaron de acuerdo con sus necesidades, destacando en la técnica de la ingeniería.
Después de la victoria griega sobre los persas, la necesidad de reparar la devastación
de la guerra generó una gran actividad artística, tanto en arquitectura como en
escultura.
Al alcanzar la civilización las imágenes y dibujos se transformaban en símbolos
abstractos así del arte de la imagen, nació el arte de la escritura. Los dibujos siguen
siendo unos de los principales apoyos pues ya no se construyen pirámides sino
palacios, coliseos y templos calculando desniveles y cimentaciones, como Hipodamo
de Mileto, en Grecia introduce el trazado en cuadricula, así como los Romanos el
Trazo del Arco.
La mirada de los griegos es definitivamente antropocéntrica: sus dioses están hechos
a imagen del hombre, y la armonía de su arte es generada a partir de la contemplación
del ser humano.

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EDAD MEDIA
El arte de la Edad Media es esencialmente religioso, aunque haya producido obras
maestras de carácter profano; la época medieval podemos dividirla en cuatro, ya que
fue un largo período en las que se produjeron distintos estilos de arte.
Se desarrolla principalmente en las catacumbas en donde se decoraban los nichos en
donde se depositaban a los difuntos. Todas las pinturas eran de tono cristiano y
representaban personas en oración o en diálogo (se entiende que discutían las
verdades bíblicas).
Presenta dos modalidades muy interesantes: la mural,
destinada a la decoración del interior del templo; y la de
caballete, que produce pequeñas piezas sobre tablas
de madera, llamadas Iconos, es decir, imágenes. La
primera se pintaba al óleo o al temple, y eran grandes
composiciones de tema religioso, con un carácter
simbólico que agradaba mucho a la mentalidad
abstracta del oriental.
En los grandes espacios formados por bóvedas y
cúpulas se representaban escenas alegóricas
RELIGIOSAS en las que entraban la Virgen o el Cristo:
la Resurrección, el Juicio Final, la Gloria, etc
El Románico, denominado así por la semejanza con el
vocablo "romance" se encargó de decorar el interior de muchas basílicas e iglesias.
Sobresalen las bóvedas
Fue la primera corriente artística que se internacionalizó por las peregrinaciones que
se daban de pueblo en pueblo realizando el intercambio comercial y cultural. También
influyeron las cruzadas. Los principales artistas fueron los monjes ilustrando libros a
mano (libros miniados).
La pintura mural fue perdiendo importancia, sustituida por las vidrieras, y aparece la
pintura sobre tabla. Tratan temas religiosos, con gran finura de detalles en la figura
humana fina y alargada, pero sin profundidad. Lo más hermoso de estas tablas góticas
es el colorido, que brilla con intensidad de esmalte.

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RENACIMIENTO
Se denomina Renacimiento al movimiento cultural que muestra como característica
esencial su admiración por la antigüedad grecorromana. Este renacer considera las
culturas clásicas como la realización suprema de un ideal de perfección.
Se considera a Italia la cuna de la pintura renacentista al confluir allí las nuevas
técnicas (como el descubrimiento de la perspectiva) con una nueva ideología
humanista. Allí se conservaban a la vista los monumentos de la Antigüedad a la que
se quería hacer renacer, buscando modelos de armonía y belleza.1
Se fue perfeccionando a lo largo del siglo XV en las ciudades estado italianas,
comenzando por Florencia, bajo el mecenazgo de los Médici. El papel de defensores
de las artes que rivalizaban entre sí por dar más brillo
a sus estados, fue desempeñado por los Montefeltro
en Urbino, los Sforza y los Visconti en Milán, los
Gonzaga en Mantua y los Este en Ferrara. En Roma
fueron los papas quienes llamaron a los distintos
artistas de la época para trabajar en los palacios
papales.
En un primer momento, en el quattrocento (siglo XV)
se investigaron distintos aspectos técnicos. Así, Piero
della Francesca estudió la luz. Masaccio destacó por la
figura humana. En Fray Angélico adquieren
importancia el color y una cierta sensibilidad, si bien su temática sigue siendo
religiosa, con composiciones que enlazan directamente con los modelos medievales
precedentes. La perspectiva y la composición son el punto de atención de Mantegna y
Paolo Ucello.
Los grandes maestros de la pintura renacentista aparecerán a finales de siglo,
principios del XVI, el cinquecento: Leonardo da Vinci, Rafael y Miguel Ángel. En el
siglo XVI, al clasicismo del Alto Renacimiento le seguirán, en la segunda mitad del
siglo, el manierismo de autores como Parmigianino o El Greco quienes, sin dejar de
ser renacentistas, adoptan unas formas alargadas con cierta exageración que preludia
el Barroco. Fue sustituida por la sensibilidad barroca en diferentes momentos, según
los países, observándose que en lugares como Inglaterra se recibe más tardíamente y
perdura cuando ya el resto del Continente está en pleno Barroco.

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EPOCA ACTUAL
El aprecio del dibujo como gesto, preparación y proceso surgía nuevamente cuando la
materialidad del objeto de arte atravesaba un reajuste en la década de los Sesenta y
Setenta. El dibujo se liberó de los confines de la página expandiéndose a las paredes
de la habitación, y alcanzaba a revelar la acción del dibujante en performances.
Además, continuó utilizándose el lápiz y el papel como medio convencional para
transcribir ideas en las obras de arte conceptual. El dibujo prosiguió con los pos
conceptualistas de los Ochenta como medio preferido para convertir acciones
artísticas en objetos concretos. Pero en los Noventa la situación cambió. El dibujo se
alejó del concepto de proceso y adquirió un valor predominante como obra completa y
autónoma.
El dibujo no puede caracterizarse ahora con los viejos criterios de forma y soporte. Se
ha emancipado de tal forma, como Laura Hoptman curadora de la exposición sugiere,
que pasa, de ser un verbo, el registro de su propio
hacer, a ser un nombre "una imagen reconocible
consciente de su propia historia y complejidad
comprometida con el mundo a su alrededor" tal y
como se aprecia en las 250 obras de la muestra
del Museo de Arte Moderno de 26 artistas jóvenes
procedentes de Asia, Europa y América. Había
diversidad de formato, tamaño, escala y técnica
predominando cierta tendencia a la imagen
figurativa, alejándose de la abstracción. Abunda la representación hábil y la realización
cuidadosa con uso de los medios tradicionales como tinta, grafito, carbón, lápiz de
color, pastel, acuarela, en combinación y varios tipos de collage. Es destacable la
inclinación narrativa y descriptiva en la temática de las obras. Fueron agrupadas bajo
ocho lemas: "Arquitectura visionaria" "Ciencia y arte, naturaleza y artificio"
"Ornamentación" "Comic y animación" "Mapas mentales" "Moda y parecido" e
"Ilustración popular". Conceptos que en muchos casos se encabalgan y se comunican
en las obras. Se ha enseñado el dibujo erróneamente como la construcción de la línea
sirviendo de base al trabajo de la construcción de la imagen pictórica. Se ha enseñado
el dibujo erróneamente como la construcción de la línea sirviendo de base al trabajo
de la construcción de la imagen pictórica.

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DIBUJO ARTISTICO
El dibujo artístico es una técnica de representación gráfica bidimensional de aquello
que el ojo humano percibe de forma tridimensional. Esta técnica permite representar,
mediante la línea, tanto la forma como el volumen de los objetos.
El dibujo artístico se realiza a partir de diferentes técnicas gráficas
sobre un soporte bidimensional. Cada una de las técnicas que se
emplean en el dibujo artístico busca representar los conceptos y la
realidad de manera tanto objetiva como subjetiva. Es decir que
podemos definirlo como un lenguaje, porque permite la
comunicación y la expresión del ser humano, sus ideas y
sentimientos.
Resumiendo, el dibujo artístico es el lenguaje de las formas, supera las barreras
idiomáticas y sirve para expresar de manera visual las ideas.
Para realizar un dibujo artístico es importante profundizar en el concepto y la
representación de las formas complejas. A su vez, requiere dominar con soltura ciertos
materiales y técnicas a fin de lograr la interpretación adecuada de las formas.
La práctica del dibujo artístico requiere no sólo tener conocimientos técnicos como los
principios básicos del signo visual y de la forma, sino también la capacidad de análisis,
observación e intelectualización de los objetos.

NATURAL
Es el dibujo que se realiza copiando directamente el modelo, que puede ser una
persona, un objeto o el paisaje.
Por ejemplo, el pintor académico o el realista observa modelos, y
realiza por lo tanto dibujos del natural, los que son la guía para la
pintura que aplica después; mientras que los artistas del arte naïf o
el futurismo, no copian nada del exterior, pues se remiten a las
imágenes que pueblan su mente, buscando más que la perfección, la expresión.
En cualquier caso, el dibujo del natural no debe faltar en el aprendizaje y en el
desarrollo de la obra artística. El escritor alemán Goethe decía "Aquello que no he
dibujado no lo he visto." El dibujar, más allá del acto de ver, requiere la acción de la
inteligencia y es una forma de conocimiento, algo que Miguel Ángel Buonarroti
expresó con la frase: " Se dibuja con el cerebro, no con las manos."
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CULTURAL
Desde las pinturas de Altamira, el dibujo ha sido concebido tanto para ser
representado como escenificado, ha formado parte de un ritual, de una forma de
entender el mundo a lo largo de nuestra historia. En muchas manifestaciones y rituales
de distintas culturas los dibujos han sido la base de mándalas, tatuajes, máscaras y
otros abalorios decorados con han formado una parte importante de sus creencias,
mitos, leyendas, relatos y costumbres.
Muchos rituales toman forma artística mediante dibujos
como representación de mitos, cuentos y leyendas. El
dibujo siempre era obra del "artista chaman". Podemos
encontrar aún estos rituales en las pinturas de arena de
los descendientes del pueblo navajo (fotografía izquieda),
en los complejos y geométricos mándalas tibetanos o en
los dibujos esquemáticos de los pueblos aborígenes
australianos.

DIBUJO TECNICO
El dibujo técnico es un sistema de representación gráfica de diversos tipos de objetos,
con el propósito de proporcionar información suficiente para facilitar su análisis, ayudar
a elaborar su diseño y posibilitar su futura construcción y
mantenimiento. Suele realizarse con el auxilio de medios
informatizados o, directamente, sobre el papel u otros
soportes planos.
La representación gráfica se basa en la geometría descriptiva
y utiliza las proyecciones ortogonales para dibujar las distintas
vistas de un objeto.
Los objetos, piezas, máquinas, edificios, planos urbanos, entre otros , se suelen
representar en planta (vista superior, vista de techo, planta de piso, cubierta, entre
otros ), alzado (vista frontal o anterior) y lateral (acotaciones); son necesarias un
mínimo de dos proyecciones (vistas del objeto) para aportar información útil del objeto,
dependiendo esto de la complejidad del mismo. Las vistas mencionadas de acuerdo al
sistema ortogonal se llaman fundamentales por pertenecer al triedro fundamental, este
triedro lo conforman el plano anterior, superior y lateral.

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