Regina Pérez, Daisy De La Paz, Ana Sofía Martínez, Dante Rosas

DISEÑO EN LA ANTIGÜEDAD
GRECIA

Si bien, el ideal estético de la antigua Grecia puede resultar evidente para las personas
contemporáneas, no existe una tendencia a la cual se le hubiera de llamar propiamente “griega”.
Para efectos del diseño, se puede aludir al techné: una serie de técnicas que involucran a las
artesanías y que cumplen con una función (Canal Historia del Diseño Anáhuac Querétaro, 2019).
Los simposios que tuvieron lugar entre los siglos V-IV a.C. dieron pie a la generación de múltiples
objetos artesanales que adornaron las casas de la élite griega (Murcia, s.f.).

Duris y los filósofos

Sócrates propone tres categorías estéticas distintas: la

belleza ideal, la espiritual y la útil o funcional (Eco, 2004). Es
la última la que sobresale en este objeto de estudio. Los
pensadores griegos son, en general, algunos de los mayores
exponentes en el ramo estético de su cultura.

Duris, pintor y alfarero de la época clásica en Grecia, es

conocido por sus múltiples trabajos sobre vasijas cerámicas
(Crespo, 2020). Aunque se desconoce su vida personal, le son
atribuidas repetidas obras de carácter mitológico y divino. Se
cree que su trabajo influyó a numerosos artistas de su
tiempo. El trazo fino y la atención a los detalles son dos cosas que marcaron al trabajo de este
personaje.

Crítica del diseño

La vasija o psykter (480 a.C.) que ocupa la presente “tendencia” proyecta claramente los
principales aspectos ya descritos. En principio, se le puede catalogar como un objeto artesanal:
no es una obra artística como tal; sin embargo, cuenta con elementos decorativos muy
particulares (p. ej. El material y los colores) que cumplen con una función estética. Proyecta una
escena relativa a las prácticas donde sería utilizada (los simposios) y a la vez, tiene como primer
objetivo cumplir con una función práctica: enfriar el vino servido en las reuniones (Murcia, s.f.).
Se logra observar el sincretismo práctico-ritual y de acuerdo con las lecturas, era un elemento
clave en las congregaciones griegas.
ROMA

Nuevamente, no se puede hablar de la tendencia “romana”; no obstante, los cánones de belleza

y el diseño de los romanos jugaron un rol importante en la historia del diseño. La arquitectura y
el ramo bélico son dos vertientes dignas de recalcarse. Un ejemplo de ello, la Villa Romana del
Casale, un complejo del siglo cuarto, valioso por los murales y mosaicos que resguarda (Sewell,
2018).

En buena medida, este grupo (los romanos) se vio fuertemente influenciado por los griegos, y
en consecuencia, tienen diversas similitudes (Canal Historia del Diseño Anáhuac Querétaro,
2019). La transformación de la cultura material en el Imperio romano también se vio afectada
por la fuerte tradición de conquista y la multiplicidad de prácticas sociales en las distintas
provincias que lo conformaban (Swift, 2017).

El poder de la toga

Claro ejemplo y emblema de esta cultura,

es la toga. Esta prenda otorgaba prestigio
al portador y se ha convertido en un ícono
de la identidad romana. Entre sus virtudes,
se destaca que al usarla se exponía el
estatus jurídico del ciudadano; la toga
tenía impregnada en sí misma los valores
que identificaban a aquella sociedad. En
suma, las personas que utilizaban dicha
prenda podrían crearse a sí mismas
múltiples subidentidades, y a su vez, proyectaban la identidad de un imperio completo (Rothe,
2020).

Representaba a los privilegiados y fue símbolo de su clase. Hoy en día, esta prenda se relaciona
con el arte romano (Véase por ejemplo, la imagen de arriba. Uno de los murales de la Villa del
Casale) y en consecuencia, se le puede considerar como un objeto con definiciones propias como
la edad, el género, las ideologías y lo político (Rothe, 2020).

Crítica del diseño

Los romanos tenían como prioridad lo funcional y lo práctico (Canal Historia del Diseño Anáhuac
Querétaro, 2019). Por este motivo, la toga cumple satisfactoriamente con esta tendencia, pues
era una prenda elaborada con una sola pieza rectangular de lana finamente hilada que se
adaptaba a las necesidades cotidianas, políticas y militares de los usuarios. Los pliegues
estilizados que se formaban al utilizarla añadido a los colores con que se tenían, alcanzaron un
reconocimiento tal, que se impregnaron en todo lo relativo a “Roma”. Pese a que los griegos
también ocuparon esta prenda, en la actualidad, toga y roma son casi homónimos (Vout, 1996).
MEDIEVO

Aunque a la época medieval se le ha llamado oscurantismo, las representaciones pictóricas,

poéticas, artesanales, etc. de aquel tiempo fueron muy luminosas. Los colores, la ornamentación,
la simbología y la teología adquirieron una trascendencia significativa. Pese a que la matemática
de las proporciones y la valoración del cuerpo humano, elementos fundamentales de las
“tendencias” anteriores, se dejaron de aplicar, la belleza espiritual y el misticismo hicieron notarse
a través de los objetos fabricados durante este periodo (Eco, 2004).

Los artesanos (orfebres y joyeros)

“La obra supera a la materia”. Aun cuando el material

con el que se fabricaban los ornamentos era de suma
importancia, eran los artistas quienes añadían o
incrementaban el valor de la pieza (Mitchel et al.,
2001). Manufactureros de multitud de cosas,
dominaban las tecnologías y podían atribuir ricos
significados a las piezas que fabricaban.

Reyes, nobles y clérigos eran los principales

consumidores de las elaboradas joyas; empero, el
intercambio de estas era una práctica común en todos los estratos.

Crítica del diseño

Esta fíbula data del siglo XIII. Está elaborada con oro (uno de los materiales más preciosos de la
época), zafiros y rubíes (piedras preciosas con profundas virtudes simbólicas, por ejemplo, la
superioridad, la delicadeza y la fineza). Contiene una inscripción amorosa al reverso y se cree
que fue un artículo de intercambio entre una pareja de amantes (The British Museum, n.d.). Con
base en el contexto y la corriente, cumple de manera positiva su función: desde el marco estético,
los colores, las formas y el material son precisos del medievo. En cuanto al uso, está vinculado
con el estilo de moda de la Temprana Edad Media donde las joyas eran más funcionales y menos
pomposas. Como broche, servía para sujetar y no se ornamentaba en demasía (Mitchel et al.,
2001).

BIBLIOGRAFÍA

Canal Historia del Diseño Anáhuac Querétaro. (9 de julio de 2019). Diseño en la antigüedad
[Archivo de Video]. YouTube. https://www.youtube.com/watch?v=4sC6qIBCjIA

Crespo, E. (2020). Personificación e iconografía de la muerte en la Grecia antigua. Revista

 Pensamiento Actual, 151. https://doi.org/10.15517

Eco, U. (2004). Historia de la belleza (décima). Lumen.

Mitchel, R., Baranov, V., Kovacs, A., Sallay, D., Lemeneva, E., & Farkas, K. (2001). Atuendos,
Joyas, Armas y Blasones: Cultura Material y Auto-Representación en la Tardía Edad Media.
https://anahuac.brightspace.com/d2l/le/lessons/504628/topics/4579087

Murcia, J. (n.d.). Wine, Women, and Wisdom: The Symposia of Ancient Greece. National
Geographic. https://www.nationalgeographic.com/history/history-
magazine/article/ancient-greece-symposium-dinner-party

Rothe, U. (2020). The Toga and Roman Identity. Revista de Historia Antigua, 367.
https://www.proquest.com/openview/5ee885e3482f4fa0bd97ee3902f997dd/1?pq-
origsite=gscholar&cbl=55433

Sewell, A. (2018). See One of the Finest Collections of Roman Mosaics in the World. National
Geographic. https://www.nationalgeographic.com/travel/article/siciliy-romana-del-casale-
unesco-world-heritage-site

Swift, E. (2017). Roman Artefacts and Society: Design, Behaviour, and Experience (primera).
Oxford University press. https://doi.org/10.1093/oso/9780198785262.001.0001

The British Museum. (n.d.). annular brooch.

Vout, C. (1996). THE MYTH OF THE TOGA: UNDERSTANDING THE HISTORY OF ROMAN DRESS.
https://www.cambridge.org/core/journals/greece-and-rome/article/myth-of-the-toga-
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