Diplomado en Diseño Editorial

Modulo 1:
Fundamentos del Diseño Gráfico
(Historia del Diseño Gráfico)
 Índice
1 Historia del Diseño Gráfico

2 Bauhaus

Vanguardias
3 Diseño Gráfico en Venezuela

4 Referencias

5
1.- Historia del Diseño Gráfico
Desde los comienzos de la historia, el diseño
gráfico se ha desarrollado por la necesidad de trans-
mitir algo. Ya sea historia, rebeldía, o para captar se-
guidores. Es por esto que podemos decir con toda
certeza que sin dar muchos rodeos, y a pesar de que
existen muchas opiniones sobre para qué sirve el di-
seño gráfico.
Desde tiempos prehistóricos, el ser humano ha
buscado formas de expresar visualmente ideas y
conceptos, de almacenar conocimientos de forma
gráfica y de ordenar y aclarar información. Diversas
personas (como escribas, impresores e ilustradores)
han satisfecho estas necesidades.
El diseño gráfico contemporáneo tiene unos
antepasados distinguidos. Los escribas sumerios que
inventaron la escritura, los artesanos egipcios que
combinaban palabras e imágenes en los manuscritos
sobre papiro, los xilógrafos chinos, los iluminadores
medievales y los impresores y cajistas del siglo XV
que diseñaron los primeros libros impresos europeos
forman parte del rico patrimonio y de la historia del
diseño gráfico. En general se trata de una tradición
anónima porque el valor social y los logros estéticos
de los diseñadores gráficos, no han recibido suficiente
reconocimiento.
Por esto los historiadores han tenido durante mucho
tiempo la tarea de indagar más a fondo sobre los
hechos que pasaron, mas esto no nos da una clara
imagen de cómo sucedieron las cosas pero si nos
llevan a entender que las artes en general
(considerando el diseño gráfico como un arte más),
siempre están vinculadas a los acontecimiento de
cada época.
El concepto del arte por el arte, de un
objeto hermoso que existe exclusivamente por su valor
estético, no apareció hasta el siglo XIX. Antes de la
revolución industrial, la belleza de las formas y las
imágenes que creaba el hombre estaba vinculada a
su función en la sociedad humana. Las característi-
cas estéticas de la cerámica griega, los jeroglíficos
egipcios y los manuscritos medievales estaban
totalmente integradas con su utilidad y el arte y la vida
formaban un todo.
Gracias a la revolución industrial las cosas cambiaron
en la sociedad de una manera abrupta sacudiendo a
las artes y los oficios y sacarlos de su papel econó-
mico social, la era de la mecanización creo abismo
entre vida material y las necesidades sensoriales y
espirituales.
Por esto podemos comenzar hablando de la historia a
partir de la escritura, una de las principales manifes-
taciones del diseño, esta manifestación surge por la
necesidad de plasmar los acontecimientos de aque-
llas épocas, de las cavernas. Una piedra de casi tres
millones de años de antigüedad hallada cerca del lago
Turkana, en Kenia, que había sido pulida hasta con-
vertirla en un utensilio demuestra el desarrollo delibe-
rado de una tecnología: un instrumento. Es posible
que las primeras piedras a las que se dio forma se uti-
lizaran para escarbar en busca de raíces o para arran-
car la carne de los animales muertos para comerla. Si
bien sólo podemos especular acerca del uso de las
primeras herramientas, sabemos que constituyen un
paso fundamental en el viaje inmenso de la especie
humana desde los orígenes primitivos hacia un esta-
do civilizado.
 La escritura es el equivalente visual del ha-
bla. Las marcas, los símbolos, los dibujos o las letras
trazados o escritos sobre una superficie o un soporte se
convirtieron en el equivalente gráfico de la
palabra hablada o el pensamiento tácito. El
desarrollo de la escritura y el lenguaje visible tuvo sus
orígenes más primitivos en ilustraciones sencillas, ya
que existe una relación estrecha entre el dibujo y las
marcas de la escritura: los dos son formas naturales de
comunicar ideas y los pueblos primitivos utilizaron las
ilustraciones como una manera elemental de registrar
y transmitir información, tal como lo hace el diseño
gráfico. Cueva de Altamira, España

Las primeras huellas humanas halladas en

África tienen más de doscientos mil años de antigüe-
dad. Desde el Paleolítico inferior hasta el Neolítico
(del 35 000 al 4000 a. de C.), los primitivos africanos
y europeos dejaron pinturas en cuevas, como la de
Lascaux, en el sur de Francia (figura 1-1), y la de
Altamira, en España. Se fabricaban un negro a
partir del carbón y una gama de tonos cálidos, desde
amarillos claros hasta castaños rojizos, a partir de
óxidos de hierro rojos y amarillos. Esta paleta de
pigmentos se combinaba con grasa como
aglutinante. Se dibujaban y pintaban imágenes de
animales sobre las paredes de aquellos antiguos
canales de agua subterráneos que los hombres y las Cueva de Lascaux, Francia
mujeres prehistóricos usaban como refugio.
En muchas pinturas rupestres, los símbolos
Puede que se embadurnara el pigmento en geométricos abstractos, como puntos, cuadrados y
las paredes con el dedo o que se fabricara un pincel otras formas, alternan con los animales. No se sabe
con cerdas o juncos. Más que el principio del arte que ni nunca se sabrá si representan objetos creados
conocemos, aquellos fueron los albores de la comu- por el hombre o son una forma de protoescritura,
nicación visual, porque las ilustraciones primitivas se porque fueron hechos antes de que comenzara el
hacían para sobrevivir y con fines utilitarios y rituales. registro histórico, es decir, el período de cinco mil años
La presencia de lo que parecen marcas de lanzas en durante los cuales el hombre ha registrado por escrito
el costado de algunas de estas imágenes de animales una crónica de los hechos y los acontecimientos que
indica que se utilizaban en ritos mágicos destinados a conoce. Los animales pintados en las cavernas son
dominar a los animales y a tener una buena caza. pictogramas: ilustraciones elementales o bocetos que
representan los objetos ilustrados.
 Podemos indagar a profundidad en los fondos
históricos del arte y el diseño gráfico, tendríamos que
hablar de los diferentes alfabetos, como el arameo y
sus descendientes, la identidad visual de los egipcios,
el alfabeto griego, mesopotámicos y sumarios, luego
hablaríamos a fondo sobre el aporte asiático del papel
y la tinta, y hablar sobre la llegada de la impresión el
diseño gráfico renacentista y la época de genio tipo-
gráfico nos tomaría mucho más tiempo en desarrollar,
pero lo cierto es que pueden indagar sobre estos te-
mas siempre que quieran en cualquier fuente de inter-
net, siempre es bueno conocer la historia para lograr
mejores objetivos.
La Piedra Rosetta. 197-196 a. de C. Jeroglífico
Detalle del Código de Hammurabi, 1800 a. de C. Por escribas
mesopotámicos
Lo que si haremos a continuación será
hablar de la “modernidad”, la importancia que tuvo la
revolución industrial para el desarrollo de las artes
llevo a la creación de nuevas expresiones graficas
como el Art Nouveau este como uno de los más
relevantes puentes hacia el diseño del siglo XX
donde comenzó realmente el reconocimiento del
diseño gráfico.
El art nouveau (arte nuevo) es un movimiento
artístico internacional que surge a fines del siglo
XIX y se proyecta hasta las primeras décadas del
siglo XX (1890-1910). Comprende todas las artes del
diseño, arquitectura, diseño de mobiliario y productos,
moda y gráficas, y, por consiguiente, abarcó todos los
aspectos del entorno hechos por el hombre: carte-
les, empaques y anuncios; teteras, platos y cucharas;
sillas, marcos de puertas y escaleras; fábricas, entra-
das del subterráneo y casas.
La calidad visual que identifica al Art Nouveau es
una línea orgánica en forma de planta. Liberada
de raíces y gravedad, p uede ondular con energía
cambiante o fluir con gracia elegante a medida que define,
modula y decora un cierto espacio. Las ramas de las
enredaderas, las flores (como las rosas y lirios), las
aves (particularmente pavos reales) y la forma de la
mujer fueron motivos frecuentes desde los cuales fue
adaptada esta línea fluida.
Jules Cheret, Les
Pays des Fées, 1889.
Ramón Casas, Théatre de l’Opéra, 1900.

Alphonse Mucha, Calendario de Jabonería, 1898

Eugéne Grasset, 1894

2.- Bauhaus
Seguido del Art Nouveau apareció el EXTERIOR E INTERIORES DE LA BAUHAUS
estudio de las artes para unificarlas nuevamente
y aparece la llamada escuela de la post guerra, la
BAUHAUS, sus antecedentes se remontan al siglo XIX.
Comienzan con las devastadoras consecuencias que la
creciente industrialización, primero en Inglate-
rra y más tarde también en Alemania, tuvo en las
condiciones de vida y en la producción de los
artesanos la clase obrera.

LA CASA DE LA CONSTRUCCIÓN

BAUHAUS, etimológicamente significa, Casa

de Construcción, fue fundada en 1919, en Weimar
(Alemania), por Walter Gropius, trasladada en 1925
a Dessau y disuelta en 1933 en Berlin. El espíritu y
las enseñanzas de esta institución puede decirse se
extendieron por todo el mundo. En la Bauhaus se uni-
ficaron la arquitectura las artes plásticas y la artesa-
nía, que ejerció enorme influencia en la arquitectura
contemporánea, acaparando un gran abanico de po-
sibilidades de expresión como en las artes gráficas e
industriales y el diseño de escenografías y vestuario
teatrales. Con tan solo catorce años de existencia lo-
gro gozar de muy buena fama llevándolo al calificativo
que aún se manifiesta de “estilo bauhaus”.La forma
en la que se enseñan las artes hoy en día provienen
de esta escuela, ya que ellos fueron los primeros en
implementar los talleres de diseño, donde los estu-
diantes se reunían y realizaban sus trabajos en frente
de los profesores y bajo sus asistencia, lo cual era re-
sultado de increíbles productos, gráficos arquitectóni-
cos como otros aplicando la geometría y el color para
alcanzan un mayor grado de simplicidad y un mayor
grado de abstracción.

Para que puedan conseguir más
visuales interesantes sobre los trabajos realizado en la
Bauhaus pueden buscar sus mayores representantes
como lo son: Walter Gropius, Kandinsky, Mondrian,
Malevich. Y para conseguir muchas más inspiracio-
nes deberán conocer movimientos artísticos como el
Expresionismo Abstracto, cubismo y otros.

ARTES REALIZADOS EN LA ESCUELA BAUHAUS
3.- Vanguardias
Para este punto es importante conocer un poco sobre
las vanguardias artísticas que surgieron a partir de
nuevas ideas y pensamientos diferentes, así cuales
mencionaremos a continuación:
Dadaísmo: Esta vanguardia se extendió por Europa y
llegó hasta Estados Unidos. Estaba en contra del arte,
los códigos y valores de su época, la Primera Guerra
Mundial y los sistemas establecidos. Influyó en el arte
gráfico, en la música, en la poesía. Se presentó como
una ideología o una forma de vivir.
Surrealismo: Derivó del Dadaísmo y su fundador
fue el poeta André Breton. Esta tendencia buscaba
plasmar el mundo de los sueños y del subconscien-
te. Una de las bases para la creación artística fue el
psicoanálisis de Freud.
El Surrealismo creía en la existencia de otra
realidad y en el pensamiento libre. Plasmó un mundo
absurdo, ilógico, donde la razón no puede dominar al
subconsciente. Tomó del Dadaísmo, la importancia del
azar y la rebeldía, pero rechazó su carácter negativo
y destructivo. Posteriormente buscó inspiración en el
inconsciente, la imaginación, el método de la escritura
automática y el estudio de las teorías del psicoanálisis
de Freud.
Constructivismo: En las áreas del arte y el diseño,
el Constructivismo fue una vanguardia artística que
nació en Rusia, originada por las esculturas de
influencia cubista de Vladimir Tatlin. Duró un breve
período pero produjo un gran impacto en el diseño
gráfico.
El Constructivismo se destacó por su carácter
utilitario y al servicio de la revolución. Los artistas
buscaron producir cosas útiles, en las áreas de diseño
industrial, comunicación visual y artes aplicadas al
servicio de la nueva sociedad comunista. La imagen
más representativa del movimiento fue el Monumento
a la III Internacional de Tlalín.
Así mismo existieron muchas otras vanguardias
como el Arte Merz, el suprematismo, entre otras que
también valdría la pena mencionar mas no
extenderse en explicaciones ya que fueron estas 3
antes descritas una de las mayores influencias en las
artes gráficas.
4.- Diseño Gráfico en Venezuela
En Venezuela, el diseño gráfico contemporáneo nace en
los años sesenta, primero como parte de la carrera de
Artes Aplicadas dentro de la Escuela de Artes Plásticas
Cristóbal Rojas, y luego, de manera más especializada, en
el Instituto de Diseño Neumann, pionero en la enseñanza
del diseño gráfico en el país. Le debemos al industrial Hans
Neumann, el haber tenido la visión de crear un espacio
para la formación profesional de la gran mayoría que es hoy
referencia en el campo local. Allí impartieron clases: Manuel
Espinoza, John Lange, Argenis Madriz, Gego, Humberto
Jaimes Sánchez, Cornelius Zitman, Luisa Richter, Ludovico
Silva, y Alirio Palacios, entre otros.
Antes de los acontecimientos antes mencionados, donde
se buscó implementar nuevos conocimientos a los futuros
artistas y diseñadores del país, realmente no existía un
buen criterio sobre las cosas que se realizaban. Revistas
publicidades, entre otras publicaciones y muestras graficas
estaban cargadas de una cantidad exagerada de elementos,
no cuidados ni pensados, por esto es que se insiste tanto
en que el diseño gráfico no es solamente saber cómo usar
programas o cortar y pegar. Es por esto, que cuando llegaron
estos precursores a Venezuela cambiaron por completo el
estándar grafico en todas las artes.
Nedo M.F. integra, con Larry June y Gerd Leufert, una
tríada de diseñadores excepcionales de origen extranjero
que a partir de la década del cincuenta instauraron las bases
profesionales del diseño gráfico contemporáneo en
Venezuela al influir, con concepto y profesionalismo, en
tres de los factores que más resonancia tendrían en la
comunidad gráfica de este país: las imprentas, la educación y la
imagen de instituciones culturales y corporaciones a
través de revistas, catálogos, emblemas y logotipos. (…)
Entre Nedo y June, y entre ambos y Leufert, se estableció
una simbiosis de amistad y consenso gráfico que concluye
sólo con la muerte de Larry en 1974.
Desde las revistas Shell y El Farol habían
comenzado a sentirse nuevos aires con el aporte
estético y experimental de Carlos Cruz-Diez,
June, Nedo y Leufert. Luego, con la llegada de la
revista CAL (Crítica, Arte y Literatura), bajo la dirección
artística de Nedo M.F. (Mion Ferrario) y la dirección
de Guillermo Meneses, se creó un precedente en
el diseño de publicaciones periódicas, a través del
gesto experimental de Nedo, cuyo impacto repercutió
definitivamente en el campo editorial en el país y
sirvió de inspiración a revistas posteriores, como es el
caso de Actual, diseñada por su discípula Aixa Díaz.
Otro visionario a quien debemos el impulso del
diseño en el país, y sobre todo a otorgarle un lugar
en el campo de las artes plásticas, es Miguel Arroyo,
quien desde la dirección del Museo de Bellas Artes
lo convierte, en palabras de Felipe Márquez, en “un
centro de ensayos gráficos, representado tanto por la
originalidad de sus catálogos (Leufert y Sotillo) como
por los nuevos planteamientos gráficos desde el
punto de vista museográfico. En esta institución se
organizaron las primeras exposiciones de diseño
gráfico realizadas en el país”. Esta labor de impulso
que comenzara Arroyo en el MBA, la continuaron otros
diseñadores desde el Museo de Arte Contemporáneo
y desde la Galería de Arte Nacional, espacios donde
se procuró la excelencia en publicaciones.
La importancia del aporte de estos precurso-
res en la nueva estética que estaba experimentando
el país, es la que logro que se conocieran nuevas
tendencias y mejores resultados con la transmi-
sión de los mensajes. Y hoy en día, aun se siguen
valorando y reconociendo los trabajos de estos pre-
cursores e inspiraciones para nuevas tendencias.
Aquí tendrán una lista amplia de estos precursores
para que puedan observar más a fondo sus trabajos y
así poder explorar cuales fueron sus aportes.
ARTES REALIZADOS ANTES DE LA INFLUENCIA ARTES REALIZADOS ANTES DE LA INFLUENCIA
DE LOS PRECURSORES DE LOS PRECURSORES

Logos Realizados Por Leufert


Revista Cal, principal precursora del diseño.
Resumen
El diseño gráfico en pocas palabras es un medio de
comunicación visual. Es una clase de lenguaje que
sirve para comunicar. Se emplea para hablar a al-
guien sobre algo que quiere, o que tú crees que quie-
re, o que otra persona piensa que quiere, pero no es
tan sencillo como parece. El mayor impulso a utilizar
el diseño gráfico siempre ha surgido por la necesidad
de comunicar algo.
El diseño gráfico sirve para vender cosas e ideas,
producir dinero o para reforzar objetivos políticos; pero
entonces se hará evidente que también es útil para criticar tales
comportamientos. Ayuda a las personas a encontrar su
camino y a comprender datos, pero también les lleva a
perderse en nuevas ideas, fantásticas narrativas o paisajes, y a
poner en cuestión toda información que se presente. El diseño
gráfico se inmiscuye en todos los aspectos de la vida social.
Desde las señales que indican a los conductores que tienen que
parar en los cruces o la etiqueta con información nutricional que
indica claramente a su consumidor cuanto colesterol contiene un
artículo alimentario, hasta la secuencia de créditos que
captura de forma gráfica el ambiente y los temas de una película, y
favorece la credulidad de los espectadores. Es por esta lista de
tanta cosas que enumerar para lo que sirve el diseño gráfico se
convierte en un complejo sistema de análisis.
En las primeras décadas del siglo XX, muchos
diseñadores por toda Europa, y más tarde en Estados
Unidos, asumieron los principios de la modernidad. Creyeron
que era su deber, poner la energía del diseño al servicio de
los impulsos de cambio político y social. Crearon sistemas de
comunicación como los alfabetos de caja baja y de palo seco, con la
esperanza de que llegasen a ser comprendidos universalmente
y, por lo tanto, mejorasen las relaciones internacionales.
Se expresaron mediante un lenguaje grafico
orientado hacia el futuro que incluía el fotomontaje, los
“tipofotos” y la composición y la composición asimétrica, y no
por el atractivo estético de estos elementos; esta elección partía
directamente de su convencimiento de que tenían una misión que
cumplir. Todo esto estuvo vinculado a las revoluciones políticas
de las primeras décadas del siglo XX y como herramienta cuyo
propósito era el avance social.
Es por todo esto que podemos notar que durante el
periodo de la segunda guerra mundial y la postguerra, el
diseño gráfico, al menos en Europa y Estados Unidos,
participó activamente en los movimientos sociales que
ocurrieran al proporcionar propaganda, camuflaje y diseño de
información a las fuerzas armadas y a los civiles en nombre de
los gobiernos. En el Reino Unido, muchos diseñadores tuvieron
que ver con los diversos esfuerzos realizados por el país para
reconstruir los servicios públicos y mejorar la calidad de vida.
Por ejemplo, Tom Eckersley, un diseñador de carteles británico
que dibujo mapas para la Royal Air Force durante la segunda
guerra mundial, realizo numerosos carteles durante los años
cuarenta y cincuenta en los que se promovían el bienestar y
la seguridad de los obreros, así como muchos diseñadores
famosos que se dedicaron a ayudar a los gobiernos a trasmitir
sus mensajes de unión social.
 Es por esto que se dice que los diseñadores
expresan los valores de sus tiempos, y los valores de hoy en día,
debido a la cantidad de información que se encuentra en internet
y otros medios de comunicación, que los valores ya no tienen
que ver con responsabilidad social. Usualmente hoy en día, los
diseñadores vinculados a las responsabilidades sociales,
trabajan con ONG y no se hacen propaganda a sí mismos.

En la actualidad los diseñadores están más vinculados a

representar y generar sus propias ideas, ya sea de crítica
social o fenómenos cotidianos en los que encuentren
inspiración, es así como podemos decir que hoy en día, el
diseñador es reconocido como autor, divulgador o generador de
mensajes y el público como receptor o consumidor pasivo de
tales mensajes.

El nivel en el que el diseñador se relaciona con la audiencia

a la que va a transmitir su mensaje influye directamente en la
calidad del diseño. Algunos no prestan atención al público y
diseñan para sí mismo. Otros diseñan para otros diseñadores y
están los que diseñan para el concepto que tiene del público en
cuestión.

Pueden obtener más información consultando las fuentes 5.- Referencias

utilizadas o haciendo búsquedas particulares en otras fuentes.
¿Qué es el diseño gráfico? 2 Manual de diseño, Editorial Gusta-
bo Gili, Alice Twemlow, 2007.

http://editorialrm.com/img/pressbook/pressbook_84_1_2.pdf

http://ritmocreativo.venezuela-foro.com/t3-historia-del-dise-
no-grafico-y-algunos-tips

https://sites.google.com/site/historiadeldisenografico1/el-siglo-
xix/estilos-del-siglo-xix/artnouveau

http://www.todacultura.com/movimientosartisticos/artnouveau.
htm

http://www.sitographics.com/conceptos/temas/estilos/bauhaus.
html

https://bauhausinformalismo.wordpress.com/que-fue-la-bau-
haus/

https://historialdedisenio.wordpress.com/category/movimien-
tos-y-vanguardias/

http://www.lanubeartistica.es/dibujo_artistico_2/Unidad2/DA2_
U2_T1_Contenidos_v01/22_tras_los_pasos_de_los_postimpre-
sionistas.html

http://www.monografias.com/trabajos13/disegraf/disegraf.shtml