Rafael Cruz Juárez Historia de las artes

13001-0194 24 de septiembre de 2018

Tema 1. Los orígenes del arte

Una obra de arte es el resultado de

múltiples factores que reflejan la visión del
mundo de su respectivo autor, constituye
un tesoro incalculable para entender la
cultura donde fue creada.
María del Rosario Farga Mullor

De acuerdo con Ernst Gombrich “No existe, realmente, el Arte. Tan sólo hay
artistas”. De esta manera, entre aquellos que tomaban tierra coloreada y dibujaban
con trazos bruscos formas de animales en paredes de una cueva y los que ahora
compran sus aerosoles para decorar muros en las ciudades, aunque han pasado
millones de años, y de cosas, todas las expresiones son susceptibles de ser
llamadas arte, “mientras tengamos en cuenta que tal pala puede significar muchas
cosas distintas, en épocas y lugares diversos”. (Gombrich, 1999; 15)

[Sesión 05] 1.1 Pinturas Rupestres

Se conoce como arte rupestre a los rastros de actividad humana o imágenes que
han sido grabadas o pintadas sobre superficies rocosas. En su paso por el mundo,
el hombre ha dejado plasmadas en cuevas, piedras y paredes rocosas,
innumerables representaciones de animales, plantas u objetos; escenas de la vida
cotidiana, signos y figuraciones geométricas, etc., obras consideradas entre las
más antiguas manifestaciones de su destreza y pensamiento. Antes del desarrollo
de la escritura, las sociedades humanas posiblemente registraban ya, mediante la
pintura y el grabado en piedras, una gran parte de sus vivencias, pensamientos y
creencias.
Las obras rupestres no se encontraron hasta mitad del siglo XIX en Europa, donde
en varias cuevas se hallaron diversos objetos creados con hueso o piedra que
estaban tallados con una imagen de algún animal. Hasta el año 1879 se
descubrió las primeras pinturas, importante hallazgo fue las pinturas rupestres en
el techo de la cueva en Altamira. Animales como el bisonte, caballos,
ciervos, osos, dibujándolos aislados o en grupo. Se han encontrado la
representación de signos abstractos y de manos, descubierta por Marcelino Sanz
de Sautuola. Pero cuando se empezaron a encontrar más descubrimientos de
estas representaciones en Francia y España. También se realizó pintura sobre
cantos rodados, escultura, cerámicas decoradas, objetos ornamentales.
Es de admirarse los primeros pigmentos utilizados, y el porqué de estas
representaciones, algunas de carácter natural o principios de un pensamiento
mágico.

1.2 Las Venus

La llamada Venus de Willendorf fue descubierta en 1908, en un valle del Danubio,
por el arqueólogo Josef Szombathy. Representa una figura femenina desnuda muy
utilizada durante el Paleolítico Superior 22.000-24.000 a.c. cuyo significado está
relacionado con el culto a la fertilidad de la Madre Tierra, como se han encontrado
en muchas culturas. Este tipo de representaciones se denominan “Venus”
prehistóricas y se ha encontrado multitud de modelos en gran parte de Europa.
Los investigadores no se ponen de acuerdo en su función, pudiendo ser utilizada
por su pequeño tamaño como una figura votiva o como un amuleto.
La manufactura de las primeras representaciones del hombre, con una estética
definida responde ya a un pensamiento y transformación de cómo entender el
mundo

[Sesión 06] 1.3 Monumentos Megalíticos

Los monumentos megalíticos son construcciones compuestas por uno o varios

bloques de piedra tallada de gran tamaño. Su construcción y emplazamiento
corresponden al periodo Neolítico y la Edad de Bronce entre el 4500 y el 1000 a.C.
Esta forma de arte pétreo fue usada en estructuras ceremoniales, tumbas,
santuarios y otros tipos de arquitectura monumental.
La construcción y ajuste de estas estructuras prehistóricas puede ser bastante
sofisticada. Rocas de formas específicas era talladas para cumplir con ciertos
requerimientos específicos, mientras que los edificios en sí mismos eran
posicionadas en relación con las estrellas o el solsticio.

1.4 Sociedades Matriarcales

Son numerosas las culturas ya desaparecidas en muchos lugares de la tierra, o
sociedades primitivas que aún milagrosamente permanecen, con concepción
social y familiar exactamente opuesta a la patriarcal: son las sociedades
matriarcales.
“Diría que una cultura matrifocal es aquella en la que la mujer tiene un lugar de
honor y respeto, lo que no implica dominio. Los hombres y la mujeres enterraban
casi del mismo modo en las culturas de la Europa antigua. Las mujeres tenían
algo más de ajuar, pero no encontramos nada similar a lo que será el sistema de
jefaturas patriarcales posterior, donde un hombre poseía mujeres y otros hombres,
así como caballos y objetos. Es decir, se trataba de una sociedad bastante
igualitaria. No es que se gravara la situación de los hombres para favoreces la de
las mujeres. Era solo la natural reverencia de los poderes ligados a la Madre Tierra
y las mujeres ” (Read, 1988 en Conkey y Tringham, 1999; 300)

1.4.1 Arte en Grecia: periodo pelásgico

Las más antiguas construcciones se atribuyen a los pelasgos, (pueblo que en los
tiempos prehistórico se supone que ocupó Grecia). En la arquitectura pelásgica o
“primitiva” (3,000 a 700 a.C.) usan la piedra natural en grandes bloques; los
adobes de gran tamaño y la madera como elemento de trabazón, formando
entramados, sirviendo de jambas ( piezas verticales que sostienen el dintel) y
dinteles y como primitiva columna.
La arcilla hace el oficio de mortero. La cal para asentar los enormes sillares
toscamente labrados. La arquitectura pelásgica o arcaica presenta varios períodos
según evoluciona su manera de construir:
 Enormes piedras de (3,000 a 4,000 Kgs.) superpuestos en seco sin ningún
material de unión. (Fortificaciones de Argos; muros de Micenas y Tirinto, de
17m. de espesor).
 Los bloques se presentan labrados; para asentarlos emplean piedras
menudas. (Murallas de Mantinea).
 No se necesitan cascotes (ripios), pues los las piedras están labradas a
escuadras. (Muros de Micenas).
 Los sillares están labrados en forma rectangular. “La puerta de los Leones”
(Micenas) es la primera manifestación arquitectónica griega. (1,200 a.C.)
Algunas de sus características: Generalmente, en los templos, usan plantas
rectangulares. Los teatros al aire libre la tienen circular. Los muros son de sillares
de piedra o mármol; no llevan argamasa en las juntas; de ahí, la precisión de su
labrado. A veces, la superficie rugosa de las piedras calizas, la revestían con una
fina capa de estuco. Su material preferido es el mármol que pulimentaban
cuidadosamente. Las fachadas carecen de aberturas o ventanas. No emplearon ni
el arco ni la bóveda. Los techos (a dos aguas) eran de finos losas de mármol
sostenidas por vigas de madera que se apoyaban en las paredes y en la
columnata (peristilo) circundante. Las columnas son el elemento esencial de la
arquitectura griega. Como género ornamental usan molduras de perfil muy
delicado. Las hojas de acanto, las volutas y la madreselva son elementos de
primer orden en la ornamentación. En resumen: Toda la perfección y magia del
arte griego radica en su misma sencillez.

1.4.2 Arte Indoeuropeo

El origen de lo que hoy conocemos como Europa lo constituyen los llamados
pueblos indoeuropeos. Su lengua se transformó en la mayor parte de las lenguas
que actualmente se habla en nuestro continente. El pueblo indoeuropeo se calcula
que vivió en comunidad entre el 5º y 4º milenio a. de C. por Europa Central y las
estepas de Siberia. Por su léxico se deduce que desconocían el arte de navegar, y
conocían el caballo, el carro, el buey y la vaca. La base de su economía eran la
agricultura y la ganadería. Se organizaban en tribus y el padre era el jefe dentro de
la familia. El concepto de autoridad no lo conocían y se mostraban partidarios de
la democracia.
Las migraciones de las tribus indoeuropeas -por razones económicas
probablemente- comenzaron en el 2º milenio (en la historia se conocen con el
nombre de "invasiones arias") y terminaron sobre el primer milenio a. de C. A
Grecia debieron llegar antes del 1500 a.deC.; a Roma, sobre el año 1000 a. de C.
Se diseminaron por Europa y Asia, difundiendo su lengua y sus costumbres.
Al ir pasando el tiempo y al alejarse geográficamente las distintas razas
migratorias, nacieron grandes diferencias entre los respectivos dialectos de las
tribus y la lengua madre, que al principio fue común, se descompuso en una
multitud de lenguas derivadas. Ya hacia el año 1000 a.deC. se habían producido
tales diferencias que los habitantes de los distintos pueblos disgregados no se
entendían entre sí.

[Sesión 07] 2. Arte en Mesopotamia

Mesopotamia. Significa: tierra entre ríos Entre el 3500 y el 3200 a.C. Las primeras
ciudades y las más importantes fueron Ur y Uruk. En la ciudad de Ur fue
encontrada el arpa más antigua en la tumba de Puabi (reina de Ur).
En el interior de las ciudades amuralladas se encuentran el palacio, los edificios
administrativos y el templo central en cada ciudad ziggurat. En los ríos
mesopotámicos (Eufrates y Tigris), crea la necesidad de construir canales de
irrigación y de drenaje, con la finalidad de regar las zonas áridas y de controlar las
inundaciones. En este período, y en esta región, inventan la escritura: cuneiforme,
este acontecimiento marca la transición entre la Prehistoria y la historia. También
surge el sistema numérico que permite realizar cómputos del tiempo, y resulta
particularmente útil para la observación y registro de los movimientos celestes.
Otro invento sumerio de enorme importancia fue la rueda y arado que implemento
que permitió incorporar fundamentales innovaciones tecnológicas en las áreas
agrícola y militar. Mesopotamia cuna de la civilización muestra una estética ya
definida y reconocida, por sus relieves y escritura.

3. Arte en Egipto
El noreste de África nació una de las más grandes culturas de la antigüedad el
Egipto faraónico. Se hacían llamar los habitantes de Kemet “La tierra negra”. En
valle de Río Nilo surgió una civilización que va a durar casi tres mil años.
El aumento de la producción agrícola hace que no todas las personas se dediquen
a la agricultura, las personas que quedan “liberadas” se dedicarán a otros fines:
artesanos, sacerdotes y guerreros; surgiendo por primera vez una diferenciación
social. Desarrollaron muy pronto su propio lenguaje formal en arquitectura,
escultura y pintura. La más antigua pirámide del rey Zoser Saqqara, 2750 a.c.
hecha por el arquitecto Imhotep. Los faraones hicieron sus tumbas y templos.
No hay suficientes palabras para una de las grandes culturas que fascino a los
anticuarios y vio nacer la arqueología moderna, con sus grandes misterios y
hermosa arquitectura.

[Sesión 08] 4. Arte en el lejano Oriente

Su situación geográfica, la enorme península índica, fue en la antigüedad, campo

propicio para la expansión de Asia central llegando desde el Ganges con fuertes
influencias de la religión Védica.
Las obras maestras de este grupo de arte llamado Sarnath, configuras de leones,
caballos a galope y elefantes marcados con un vigor asirio-persa de gran
naturalismo por otra parte la arquitectura en las ciudades chinas predomina un
único tipo constructivo adoptado desde los años 400 a.c. el tipo general de sus
construcciones es llamado T´ing que consiste en columnas de madera y techo
curvado.
Existen grandes obras como el templo de cielo en Pekín.
En Japón la arquitectura y la escultura tienen un gran significado religioso y
filosófico, la pintura parte de la escuela tradicional Takorema y la escuela Casuga
completamente japonesa en principio de la nueva escuela Ukiyoe la pintura de la
vida y destaca también Hiroshigue, gran cultivador de paisaje.
Mucho de este enigmático mundo estuvo lejos del mundo occidental, es una forma
de pensamiento y una filosofía distinta que logro una gran aportación.

5.Arte Griego

El antiguo estilo corresponde a la tribu Dórica a está que pertenecieran los

espartanos cuya características es nada necesario en esos edificios cuya finalidad
no podemos ver 600 A.C. imitan en piedra sencillas estructuras, los puntales de
madera se convierte en columnas para sostener los travesaños de piedra. Los
egipcios basaron su arte en el conocimiento. Los escultores obtuvieron en sus
talleres nuevas ideas nuevos modos de representar de la figura humana,
añadieran a ella sus propios descubrimientos:
Los pies no están afirmados excesivamente en el suelo, dotar de vida un rostro
con la sonrisa. En la pintura unos de los descubrimientos fue el escorzo que es
pintar e pie visto de frente, otras características son los perfiles sólidos y el dibujo
equilibrado.
Basta decir la cuna de una estética y pensamiento que revoluciono todo occidente
y su influencia y motivos aún perduran a través del tiempo, orden y equilibrio.

Tema 2. Surgimiento de las concepciones del arte occidental

La historia del arte occidental se reduce en gran parte a la historia del arte
europeo desde la Edad Media y al arte clásico greco-romano; así como al inicio
del arte junto con la historia en las civilizaciones que se consideran sus
precedentes (Egipto y Próximo Oriente). Las manifestaciones artísticas de épocas
anteriores en el continente europeo y la cuenca del Mediterráneo son muy
diversas, pues aunque algunas están muy lejanas en el tiempo y presentan una
gran distancia cultural (arte prehistórico); otras no (megalitismo, arte
protohistórico).
La causa de esa limitación tiene que ver, como es lógico, con que el estudio de la
historia del arte nace como disciplina en el Renacimiento italiano; y con que
Europa (sobre todo Francia e Inglaterra, y muy especialmente los países de
lengua alemana) continuó acogiendo los núcleos principales de los historiadores y
estudiosos del arte hasta mediados del siglo XX, momento en el que, tras la
Segunda Guerra Mundial, también los Estados Unidos pasan a ser un centro de
producción artística y de crítica e historia del arte de primer orden. Menos atención
han recibido las producciones artísticas de otras civilizaciones, e incluso las de
zonas periféricas de la misma civilización occidental (como la América colonial),
independientemente de la consideración que pueda hacerse de su importancia
comparada con la de las zonas centrales de la civilización occidental. Tal
orientación suele ser acusada de eurocentrismo por parte de los partidarios de una
perspectiva global.

[Sesión 09 y 10] 1. Arte en la antigua Roma: apropiación e innovación del

arte griego

Roma fue fundada en el 753 a.C. por un pueblo del Lacio llamados después
romanos. Del 753 - 510 la ciudad de Roma es gobernada por siete reyes, el
primero es Rómulo y es romano pero después los reyes son etruscos ya que
Roma cayó bajo la dominación etrusca hasta el 510, cuando los romanos
consiguieron expulsar a Tarquinio Severo, último rey etrusco y entonces, cansados
de reyes, los romanos fundan la República romana y comienzan su expansión.
Los romanos fueron grandes arquitectos, más que artistas, son ingenieros; y la
belleza de los edificios que alzaran es una belleza de carácter abstracto y que
tiene un fin utilitario. A los órdenes griegos dórico, jónico y corintio añadieron los
romanos el orden llamado toscanon. Los romanos, en el campo del arte
escultórico, más que creadores fueron conocedores y coleccionistas, en las
pinturas que se han conservado son en su mayor parte, decorados murales que se
han hallado en Pompeya, en Herculano y en Roma que pertenecen a los llamados
estilos “de las incrustaciones”, “arquitectónico”, “estilo ornado” y “estilo intrincado”.
El arte romano es un producto de la sociedad que lo creó, condicionado por una
estructura socio-económica diferente a la griega y por otras necesidades que
debía satisfacer.
El gran carácter de un gran imperio, transformo el mundo a su paso su forma de
ver el mundo y la capacidad de reconocer la otredad a través si del vasallaje y la
dominación, roma aún vive en Italia, a hora como un imperio de la religión católica.

[Sesión 11] 2. Arte Paleocristiano

En sus principios conquisto más rápidamente las regiones orientales y helenísticas

del mundo antiguo que las latinas y occidentales. Al empezar el siglo IV la nueva
doctrina era profesada por más de la mitad de los pobladores del Asia Menor, de
Armenia y de Chipre; podía compararse el número de sus adeptos con el de las
otras religiones en Siria, en Antioquia, en Egipto y en la Tebaida. Seguían con
menor número de fieles Roma, la Italia inferior, algunas partes de la Italia central,
África y España, mientras que en la Italia superior y la Galia, la fe y el arte estaba
menos divulgado.
La costumbre de decorar con pinturas las tumbas, aun siendo subterráneas, y por
lo tanto siempre oscuras, es antiquísima y difundida en todas partes; los cristianos
la siguieron desde el primer siglo, decorando las catacumbas con frescos de
motivos decorativos y figuras que resaltan vivamente sobre los fondos blancos o
muy claros, realizados apresuradamente, ajenos a todo minucioso modelaje de las
formas. Dice Toesca que los artífices adoptaron un estilo impresionistas por
sentimiento sincero.
Los temas de las pinturas de los cementerios romanos al triunfo del cristianismo, y
también los de una gran parte de las pinturas del siglo IV, se pueden dividir en dos
grandes grupos, distinguiéndose los que no tienen un carácter específicamente
cristiano, aunque pudieron sugerir a los creyentes, simbolismos recónditos de
aquellos otros de completa concepción cristiana.
Así como la manifestación más divulgada de la pintura paleocristiana fue el
mosaico, los escultores de aquella época sobresalieron en la eboraria que es el
arte específico de tallar el marfil que junto con los esmaltes y el trabajo de
orfebrería en plata, oro y lo bronce.
Se gesta a partir desde una marginalidad cultural por la creencia de una nueva
religión que ira poco a poco mezclándose.

3.Arte Bizantino
El término bizantino hace referencia al arte del imperio romano cristiano de oriente
y otras áreas de influencia. A partir del año 300 a.c. aproximadamente con la
expansión del cristianismo, se fue abandonado el realismo de arte grecorromano.
La representación de la divinidad mediante personas normales se consideró
idolatría. Tras legalizar el cristianismo en el año 313, el emperador romano
Constantino llevo la capital de su imperio a Bizancio, ciudad que bautizo como
Constantinopla. Fue allí donde h.330 y 1453, se desarrolló el arte bizantino.
Este, derivado de ciertos elementos del arte romano y egipcio, trasmite una
intensa sensación de orden. Dado que surgió para hablar sobre dios, los santos y
las sagradas escrituras, no contienen desnudos e imágenes narrativas.
El arte bizantino se extendió de la mano del cristianismo por otros lugares, como
Rávena, Venecia, Sicilia, Grecia, y Rusia. La gran mayoría de las obras que nos
quedan son frescos y mosaicos que adornaban las enormes cúpulas de las
iglesias construidas para trasmitir la omnipresencia de dios, aunque también hay
pinturas encáusticas en tablas de madera, pequeños relieves y manuscritos
iluminados. Predominaban los iconos ornamentales, planos y estilizados de figuras
santas de autoría anónima. Lo que importaba era la veneración abierta, no a los
seres humanos.
Este centrado sobre todo en la representación de la divinidad, no busco el
naturalismo, sino trasmitir las ideas de poder y misterio. Incluso con el declive del
imperio Romano, el arte bizantino siguió siendo preponderante en, por ejemplo,
Venecia y la Sicilia Normanda.
Ya el cristianismo como religión de estado, empezara sus inicios lo que será una
gran producción temática a lo largo de su historia.
[Sesión 12] 4. Arte árabe

También llamado el arte islámico se dividió en dos grandes partes el arte árabe en
Oriente y el arte árabe en España; si bien también tuvo un movimiento literario, no
se distinguió en las artes plásticas por el culto a Mahoma, por su parte, sintió
aversión por la escultura, que se consideró como un arte propio de los idólatras.
A causa de la diversidad de estos países, cuyos habitantes difieren en origen y
tradiciones y a causa también de que en cada uno de ellos existía un tipo
arquitectónico determinado, puede decirse que durante mucho tiempo no hubo
arquitectura puramente musulmana y sí más bien una sumisión artística a los
gustos de los conquistadores, manifiesta muy especialmente en las mezquitas y
en los suntuosos palacios.
Cuando los musulmanes invadieron en el año 711 el suelo hispánico, más que
levantar obras nuevas aprovechó basílicas antiguas, y se puede decir que el arte
musulmán no comenzó a desarrollarse plenamente hasta la edificación de la
mezquita de Córdova.
En la época de los taifas prosigue la evolución del arte, con estructuras y
elementos de ladrillos de una riqueza decorativa como en Toledo y Zaragoza,
arcos, desmesurada arquitectura ornamental, tallados en placas de alabastro
forman el carácter de este arte.
Un arte arquitectónico que nos permite ver lo hermoso de las matemáticas en una
geometría casi divina en sus construcciones sumamente reconocida y difícil de
confundir

5.Arte Griego

El antiguo estilo corresponde a la tribu Dórica a está que pertenecieran los

espartanos cuya características es nada necesario en esos edificios cuya finalidad
no podemos ver 600 A.C. imitan en piedra sencillas estructuras, los puntales de
madera se convierte en columnas para sostener los travesaños de piedra. Los
egipcios basaron su arte en el conocimiento. Los escultores obtuvieron en sus
talleres nuevas ideas nuevos modos de representar de la figura humana,
añadieran a ella sus propios descubrimientos: Los pies no están afirmados
excesivamente en el suelo, dotar de vida un rostro con la sonrisa. En la pintura
unos de los descubrimientos fue el escorzo que es pintar e pie visto de frente,
otras características son los perfiles sólidos y el dibujo equilibrado.
Basta mencionar ese panteón de dioses y hermosas esculturas con una
naturalidad y fuerza únicas.

[Sesión 13] Estilo románico

El arte románico fue un estilo de arte que predominó en Europa durante los siglos
X y XI. Con un estilo cristiano, fue un estilo que surgió a raíz de la gran
prosperidad material de la época y la renovación de la iglesia lo que provocó que
se elaboraran diferentes edificios dedicados a la vida religiosa.
Entre las características de la arquitectura románica las más destacadas
corresponden al modo de construir. Los arquitectos se propusieron resolver un
problema de carácter utilitario, un problema motivado por incendios y
derrumbamientos que muchas veces habían destruido iglesias. Fue para impedir o
aminorar este peligro por lo que sustituyeron el maderamen que en ellas constituía
la techumbre de la nave central de la bóveda.
Los arquitectos románicos desenvolvieron tales modificaciones, sacaron partido de
las obras de los constructores precedentes de manera que su arte se enlazó en
muchos aspectos al pasado, con influencias en el oriente, renovaciones que les
permitieron la construcción de las grandes basílicas cubiertas de bóvedas, como la
Colegiata de Toro.
Arquitectura que nace con un propósito funcional, que va cobrando importancia y
va engarzando avances con el pasado.

Tema 3. Estilos en el arte

Comunidad estable, históricamente formada, del sistema de imágenes, de los
medios y procedimientos de expresión artística, comunidad condicionada por una
unidad de contenido estético-ideológico e históricosocial. Semejante unidad se
alcanza sobre la base de un determinado método de creación. En el estilo se
reflejan tanto las condiciones económico-sociales de la vida de la sociedad como
las peculiaridades y las tradiciones de tal o cual pueblo. Así tenemos, por ejemplo,
el estilo arcaico, el helenístico, el románico y el gótico, el estilo Renacimiento, el
barroco, el rococó, el estilo Imperio, el moderno, &c. Cada estilo se manifiesta con
plenitud máxima en determinadas artes. Surge un nuevo estilo, expresión de
profundos cambios sociales, cuando se establece una relación, por principio
nueva, entre forma artística y contenido ideológico. La estética formalista burguesa
o bien concibe demasiado ampliamente la idea de estilo, identificándolo con el
método artístico (lo cual lleva a reducir el realismo a uno de los estilos) o bien lo
circunscribe a los límites de la manera creadora de tal o cual artista. Tampoco son
acertadas las afirmaciones relativas a cierto “estilo de la época”,
independientemente tanto de la concepción del mundo como del método artístico.
En cada época existen distintos métodos artísticos, y dentro de los límites de
dichos métodos se desarrollan diferentes estilos, los cuales, a su vez, son
cultivados por artistas que poseen maneras creadoras y trazo distintos. La
diversidad de estilos y maneras constituye un rasgo característico del realismo
socialista.

2.Estilo Gótico

El estilo Gótico nació en el norte de Francia, se desarrollará en Plena Edad Media

(siglos XI, XII y XIII), en el contexto de una Nueva Europa donde se desarrolla el
comercio, la artesanía y las ciudades. Una nueva idea estableció el principio del
estilo gótico las grandes catedrales sus elementos constructivos son:
La Catedral gótica simboliza perfectamente la Iglesia espiritual, como un espacio
luminoso, se crea la sensación de un espacio diáfano y translúcido, las ventanas
inferiores suelen ser cuadradas y simbolizando a los doctores o santos de la
Iglesia.
Las principales catedrales góticas europeas son: En Inglaterra: Catedral de
Gloucester, Wells en Italia. Catedral de Milán, Santa María de las flores de
Florencia y en Alemania: Catedral de Colonia.
El misticismo y universo de la edad media representado en una atmosfera a través
de la arquitectura.

[SESION 14] 3. Renacimiento

El Renacimiento fue un movimiento cultural que se dio a conocer en Europa

Occidental en los siglos XV Y XVI. Se avanzó mucho a nivel artístico y científico.
Italia fue el país en el cuál se desarrolló el movimiento del Renacimiento. Este
movimiento nació fundamentalmente de la expresión de las ideas del humanismo,
las cuales determinaron una nueva forma de pensar acerca del hombre y del
mundo. Resurgieron tanto las formas de la arquitectura como el orden clásico, se
retoman los temas mitológicos, de historia, así como antiguos electos simbólicos.
Aparece una nueva relación con la naturaleza, que va unida a la concepción ideal
y realista de la ciencia. El renacimiento hace al hombre medida de todas las
cosas.
Basta recordar la imagen de Leonardo Da Vinci, como emblema de esta época un
hombre universal en distintas disciplinas que retrato el ímpetu de esta.

3.1Trecento

El Trecento (siglo XIV): comienza a gestarse el movimiento renacentista en Italia.

Los principales centros artísticos son las ciudades de Pisa, Florencia y Siena.

El retorno a las formas arquitectónicas romanas se inició en Florencia por obra de

Filippo Brunelleschi (1377-1446). El arte se inspiró en admirar los monumentos
antiguos, se obsesiono por la renovación de las viejas formas paganas, así como
por la construcción de bóvedas de reminiscencias medievales y una garbosa
yuxtaposición de elementos.
Se presta a pensar lo que formarían la belleza de esta Pisa, Florencia y Siena,
arquitectura que destaca única como identidad de estas ciudades.

[Sesión 15] 3.2 Quattrocento

La perspectiva del Quattrocento es la perspectiva geométrica, una visión

matemática de la realidad en la que las figuras y objetos. A comienzos
precisamente del S. XV se produce en Florencia una transformación de los
aspectos formales y temáticos, y de la función del arte y el artista, profundamente
radical. El fenómeno además tiene nombres propios: un arquitecto, Filippo
Bruñelleschi; estuvo encargado de terminar la Catedral de Florencia, no sólo fue el
iniciador de la arquitectura del Renacimiento. A él se le debe otro importante
descubrimiento la perspectiva.
Sin estar ausente la matemática, es aquí donde se coloca en el centro como un
lente por el cual trasmina toda la creación.

3.3 Cinquecento

Inicio del siglo XVI, el Cinquecento es el período más famoso del arte italiano y
uno de lo más famoso del arte italiano los grandes genios como Rafael, Leonardo
y Miguel Ángel, que elevarán la categoría de la pintura a niveles insospechados.
En escultura, Miguel Ángel es el gran escultor de esta época, conocido
principalmente por sus obras religiosas como “La Piedad”, también cabe destacar
otros escultores como Cellini. En arquitectura, destacan las obras de Bramante,
Miguel Ángel o Vignola. Cabe destacar, que la figura de Miguel Ángel está
presente en todos los campos, siendo éste el modelo de artista renacentista, el
cual cultiva todas las artes.
Es aquí donde el gran legado tiene ya un rostro en las figuras de grandes artistas,
donde la rivalidad y el genio creativo se abre paso a dejar una leyenda de cada
uno.
Tema 4. Últimos estilos: barroco y neoclásico

[Sesión 20] 1. El Barroco

El Barraco fue un movimiento artístico y cultural desarrollado en Europa en los

siglos XVII y parte del XVIII, que abarcaba no solo pintura, escultura y
arquitectura, sino también música, literatura y todas las artes de la época. El
término Barroco, aplicado a este estilo, no tiene un origen muy seguro. Barocco o
barroco era una palabra portuguesa que designaba las perlas de forma irregular.
Por extensión, se dio despectivamente este nombre a las cosas defectuosas o de
poco valor. En general, barroco sirvió para calificar todo lo que era desordenado y
confuso.

Este estilo se desenvuelve en un ambiente de conflictos religiosos, con la división

del cristianismo, la crisis del clasicismo y la evolución del manierismo; era una
sociedad donde el gusto por lo extravagante, lo elegante y lo refinado
(ornamentación excesiva) es característico; además de una nueva actitud
espiritual e interés por los problemas religiosos y artísticos.Las características
artísticas generales del barroco son el predomino de lo decorativo sobre lo
estructural, búsqueda de sensaciones de movimiento y tensión, de la emoción
antes que la belleza, predomino de lo sensual sobre lo racional, producción de
sensación de espacio aéreo y profundidad, e inclinación a lo espectacular y
monumental.

[Sesión 22 ] 2. Neoclásico

El estilo neoclásico, o neoclasicismo, fue un movimiento cultural que se desarrolló

entre mediados del siglo XVIII y las primeras décadas del XIX, haciéndose notar
en diferentes esferas sociales, políticas y artísticas. Su punto de partida se sitúa
en una reacción contra los excesos cometidos durante el barroco, especialmente
durante su última época: el rococó.
El neoclásico supuso una vuelta a los estándares de la antigua Grecia y Roma,
buscando el equilibrio, la proporción y la armonía en el arte, y el triunfo de las
ideas liberales en lucha contra la intolerancia en el mundo de la política. La
principal característica de esta época es la imitación de las antiguas obras griegas
y romanas. La arquitectura y escultura neoclásica recogen esta tradición
plasmándola en obras muy similares a las de aquella época.

Por el contrario, en la pintura, al no existir modelos clásicos que imitar, se toma

como única referencia los antiguos relieves que en aquellos momentos ya habían
perdido la práctica totalidad de su cromatismo, haciendo que su mayor influencia
fuese en la línea temática a representar, sin aportar ninguna novedad en los
referente a técnica o sistemas de representación.

Tema 5: Vanguardias

Es común que muchas personas, en dicho afán, se sientan seducidas, atraídas

por disciplinas o movimientos artísticos muy en específico. Los más sonados o
recurrentes en la opinión general son aquellos que pertenecieron a lo que
conocemos como vanguardias, formas de pensamiento que se instauraron a
principios del siglo XX, completamente validadas por una superación del ayer y de
"lo otro". Estas llamadas "vanguardias" fueron reflexiones y experimentaciones
sensibles e intelectuales que fueron rebasadas una por otra a lo largo de cierto
tiempo en ambientes muy puntuales de política, sociedad y discusión, convirtiendo
la mirada del mundo en algo más dinámico, mutable y crítico que lo alguna vez
pensado. Es de esta manera que, en un intento por descubrir nuestros procesos e
interiores, aprovechando la aceptación de la cual gozan las vanguardias –si le
comparamos con el arte contemporáneo o rafaelista, por mencionar algunos–,
podemos mencionar algunos pasos para que el mencionado diálogo con el todo,
con la vida, no parta desde cero.
[Sesión 23] 1.El romanticismo

El romanticismo fue un movimiento artístico, literario e intelectual centrado en las

emociones y que se desarrolló en Europa a comienzos del siglo XIX; surgido a
raíz y orden de la ilustración tras la Revolución francesa de 1789, enfatizó la
imaginación y las emociones. Aunque suele considerarse antítesis del
neoclasicismo, entre ambos movimientos existió cierto solapamiento estilístico, y a
muchos artistas románticos les apasionó el clasicismo. Con todo, el romanticismo,
cuyo auge se dio entre 1800 y 1850, aproximadamente, surgió en parte como
reacción contra el neoclasicismo y se caracterizó por el énfasis en las pasiones,
los sentimientos y la individualidad por encima del desapego y la racionalidad. Se
manifestó sobre todo en las artes visuales, la música y la literatura, y, en función
de los distintos artistas compositores y escritores, tuvo interpretaciones, dispares.
Se puso el acento en la apreciación del poder de la naturaleza, tanto en lo relativo
a su belleza como a su predictibilidad, en la glorificación de las emociones por
encima de la lógica y en la intuición sobre el intelecto. Como rechazo del
racionalismo, los pintores románticos emplearon pinceladas vigorosas e intensos
colores, mientras que los escultores crearon piezas imaginativas y vivaces.
La naturaleza, incluido su potencia para los desastres, fue uno de los principales
temas románticos, así como la descripción de intensos sentimientos que
suscitaban la empatía entre los espectadores. Por lo general, los artistas
concedieron más importancia al color que al trazo y a las composiciones
dinámicas que a las estáticas, y expresaron sus instintos e individualidad en lugar
de crear representaciones idealizadas del pasado clásico.
En la música y el arte da un gran salto al motivo del sentimiento, de la expresió, de
la empatía del color y las formas.

2. El realismo
Occidente comenzó a desarrollarse a gran velocidad a mediados del siglo XIX.
Sobre todo en la Francia posterior a la revolución de 1848, varios jóvenes artistas
intentaron pintar el mundo tal y como lo veían, incorporando elementos del
progreso y la desigualdad sociales, a la vez que retrataban el cuerpo con una
novedosa sinceridad. El término realismo lo acuñó el novelista francés
Champfleury (1821-1889) para describir la obra de su amigo Gustave Courbet
(1819- 1877). Influidos por el realismo de los artistas neerlandeses del siglo XVII,
las pinturas de la naturaleza de los paisajistas neerlandeses y británicos, y las
nuevas técnicas de la fotografía y los óleos portátiles, los realistas reaccionaron
contra la excesiva auto indulgencia neoclásica y romántica y la artificiosidad del
arte académico que primaba en las academias de arte europeas.
Los realistas pintaron la vida que les rodeaba, incluyendo estampas con
campesinos y trabajadores, calles de ciudades, cafeterías y entretenimientos
populares. Tanto la libertad de sus pinceladas como los temas tratados impactaron
al público de la clase alta y media.
El realismo permitió una aportación sumamente especial la estampa histórica de la
vida para ser preservada a través de la visión del artista meticuloso y detallista.

[Sesión 24] 3. El naturalismo

El naturalismo es un movimiento artístico y principalmente literario, que surgió en

el siglo XIX como una suerte de continuación y profundización del realismo,
opuesto por lo tanto al idealismo romántico.
Este movimiento se caracterizó por una visión artística más apegada a la realidad,
objetiva y sobre todo comprometida con el retrato de las clases sociales más
desfavorecidas, cuyos problemas pretendía explicar mediante una visión racional,
cientificista y desprovista de moral. El Naturalismo es una corriente fijada por el
francés Émile Zola y supone la ampliación del Realismo con los siguientes
elementos: Materialismo, Determinismo y Método experimental.
En España hubo muy poca presencia del materialismo en cambio en Francia el
determinismo que sí hubo en el Naturalismo francés influyó en:
- Las técnicas narrativas y descriptivas.
- La presencia de ciertas realidades, como el reflejo de la miseria moral y material.
Una estampa histórica de la realidad, de los marginados convertidos en arte, en
narrativas pictóricas.

4. El impresionismo
El impresionismo fue un movimiento artístico (artes plásticas y música) que surgió
en Francia a finales del siglo XIX. Este movimiento es considerado el hito inicial
del arte moderno. El nombre impresionismo deriva de una obra de Monet llamado
impresión. Las Características del impresionismo en las artes visuales son énfasis
en los temas de la naturaleza, especialmente de paisajes; Uso de técnicas de
pintura que mejoran la acción de la luz natural; Valorización de la descomposición
de colores; Pinceladas sueltas buscan los movimientos de la escena
representada; Uso de luz de color y efectos de sombra; Características del
impresionismo en la música; Composiciones que buscan retratan imágenes; títulos
de las piezas que se asemejan a los paisajes naturales; Melodías sensuales y
etéreas; Principales artistas impresionistas y sus obras. Queda como testimonio
de su legado el hecho de que toda una generación logró concretar la primera gran
revolución del color y de ver el mundo, un parte aguas de la forma de abstraer y
crear.

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[Sesión. 25] 5. El dadaísmo

Iniciado en la neutral Zúrich,Suiza, como reacción a los horrores de la primera

guerra mundial, se desarrolló a modo de movimiento antiartístico. Influido por
diversos movimientos, entre el cubismo, el futurismo, el constructivismo y el
expresionismo, el dadaísmo abarcó las artes visuales, la literatura, la poesía, el
teatro, la música y el diseño gráfico. Además de ser antibelicista, también fue
antiburgués y guardó afinidad política con la izquierda radical. El arte que
produjeron los dadaístas rechazaba las convenciones sociales y era caprichoso,
colorido y absurdo. Movidos por el afán de impresionar, encolerizar y ofender,
todos los dadaístas procuraron mostrar irreverencia e insolencia. El movimiento
comenzó por varios artistas y escritores. Un claro ejemplo del carácter social del
arte y los artistas con un propósito nacido de los horrores de una gran guerra.

6.El cubismo
Este movimiento artístico moderno, tal vez el más importante y, sin duda, el más
influyente, fue creado por Pablo Picasso y Georges Braque, entre 1907 y 1908. Al
desarrollar una nueva dimensión para la pintura, los cubistas abandonaron la
perspectiva, que se usaba para plasmar el espacio desde el Renacimiento;
además, dieron la espalda a la representación realista de figuras. En su lugar,
retrataban los objetos desde distintos ángulos. Inspirándose en Cézanne, cuya
obra habían conocido gracias a una exposición retrospectiva de 1906, Picasso y
Braque al principio trabajaron juntos y abandonaron de manera consciente las
tradiciones artísticas europeas con respecto a la creación de la ilusión de espacio
desde puntos de vista fijos. Comenzó con la pintura que creó Picasso en 1907 con
el título Las señoritas de Avignon, la cual dejaba ver la influencia de Cézanne, así
como la de las máscaras africanas y las esculturas íberas. La primera fase,
llamada cubismo analítico, duró hasta 1912 y la segunda, se denominó cubismo
sintético por incluir el uso de materiales no artísticos, como periódicos, para los
collages y el empleo de colores más vividos. Esta última fase se prolongó hasta
1914. Otros artistas comenzaron a experimentar con interpretaciones individuales
de las ideas, y, en última instancia, el cubismo inspiró a varios artistas y
movimientos posteriores.
Con las representaciones de los objetos desde distintos ángulos a la vez, los
cubistas dejaban ver más que las imágenes convencionales de una sola
perspectiva. Para lograr esto sobre una superficie plana, sus representaciones
desde distintos ángulos parecen planos geométricos; de hecho, uno de los
primeros críticos de estas obras, Louis Vauxcelles, las describió como “pequeños
cubos”, lo que dio lugar al término cubismo.
Una visión desafiante que tuvo un gran éxito, a través de la descomposición y
reconstrucción de las formas imaginadas a formas simétricas con naturalidad
propia sin emular a la realidad sino creando una realidad.

[Sesión 26] 7. El surrealismo

Surgido de Dadaísmo, el surrealismo se originó a comienzos de la década de

1920 como movimiento literario de artístico con afán de expresar los pensamientos
y sentimientos inconscientes.
Presentado oficialmente en Paris durante 1924 con la publicación del Manifiesto
de surrealismo, escrito por André Breton (1896-1966), el surrealismo comenzó
como un movimiento intelectual y político de carácter internacional. Breton estuvo
influido por el dadaísmo, las teorías y los estudios de los sueños del psicoanalista
Sigmund Freud (1856-1939) y las ideas políticas de Karl Marx (1818-1883). Los
poetas surrealistas, a comienzos reticentes a relacionarse con las artes plásticas,
creían que la creación artística de liberada entraba en conflicto por su propia
espontaneidad y su expresión desinhibida. Con todo, respetaban con todos
aciertos artistas y no tardaron en percatarse de que ambas expresiones
funcionaba bien al unísono. Max Ernst (1891-1976) fue uno de los primeros de
explorar el surrealismo como movimiento artístico. Varios surrealistas practicaron
el automatismo psíquico centrándose en el inconsciente mediante los métodos
Freudianos de la libre asociación, de los estados de trance y los sueños. Esto dio
a lugar a dibujo y la escritura automáticos, en los que el consiente deja de operar y
surge el flujo de imágenes y palabras directamente de inocente. A desatar de este
modo el inconsciente, el surrealismo dio a lugar a expresiones individuales, ya que
no hubo dos artistas que trabajasen del mismo modo.
Entre los grandes representantes se encuentra René Magritte, Joan Miró, Max
Ernst, André Masson y Salvador Dalí.
Es el nacimiento de un mundo de sueños de símbolos y significados de una
intensa creación de formas inexistentes, con volumen y forma realista pero no real.
8.El expresionismo
Aunque internacional, el expresionismo apareció por primera vez y de forma
simultánea en varias ciudades Alemanas e ilustro la ansiedad provocada por la
modernidad.
La sensación de desasosiego ante el comportamiento humano y el mundo
contemporáneo, junto de la idea de la perdida de la espiritualidad, se incrementó a
comienzos de siglo XX. Inspirándose, en parte, en el simbolismo, los
expresionistas distorsionaba las formas y empleaba colores intensos para
transmitir su malestar ante la forma que estaba adoptando la sociedad moderna.
En 1905, un grupo de 4 artistas alemanas formaron en Dresde el grupo Die Brücke
(el puente ) que fue el percusión de movimiento unos cuantos años después en
1911 se formó en Múnich el grupo artístico Der Blaue Reiter ( el jinete azul). En
líneas generales el expresionismo duro desde 1905 a 1930 aproximadamente y se
extendió por el Europa. En su crítica a la civilización y sobre todo a lo que
consideraba los efectos negativos a capitalismo, fue esta la primera vez en las que
los artistas, el lugar de representan el mundo exterior, expresaron sus propios
sentimientos, a menudo con trazos exagerados y agitados, colores intensos y
discordantes. La atmosfera de antes, durante y primera de la Guerra Mundial
inspiro muchos de sus expresiones de ira, violencia y frustración, y sus
representaciones figuraban individuos marginados, como prostitutas, así como
rostros enmascarados o como aspecto de máscara.
La armonía y el equilibro fueron relevantes, puesto que los artistas querían
expresar intensos sentimientos e imponer la fuerza de sus ideas aunque empezó
en el Alemania sus mejores representantes no fueron alemanes, (Edvard Munch,
Paul Klee, Georges Rouault, Oskar Kokoschka, Egom Schiele y Franz Marc).

[Sesión. 27] 9. El Fauvismo

Inspirándose al comienzo en postimpresionistas, el grupo de pintores al que
dominaron Les Fauves (las bestias salvajes) empleaba vividos colores y
pinceladas libres. Varios de los Fauvistas, entre ellos Henri Matisse (1869-1954),
Albert Marquet ( 1875-1947) Georges Rouault (1871-1958), habían sido alumnos
del artista simbolista Gustave Moreau (1826-1998), y la mayoría se inspiró en la
exploración de la solidez por Paul Cézanne (1839-1906) las expresivas
pinceladas de Vincent Van Goht (1853-1890) y el uso de colores puros
yuxtapuestos de George Seurat. Se suele tener por líder del Fauvismo a Matisse,
al cual los demás artistas siguieron en el uso de colores intensos para describir la
luz y el espacio y transmitir emociones edificantes. Muy influido por las
enseñanzas de Moreau en cuanto a que la expresión personal era un aspecto
importante en los grandes pintores, Matisse también se inspiró particularmente en
el puntillismo de Seurat. Tras de abandonar los intentos de crear imágenes
realistas de los artistas anteriores, los fauvistas emplearon el color de una forma
nueva para proyectar sensaciones positivas y establecer estructuras sin limitarse a
copiar la naturaleza directamente. Sus formas simplificadas y colores saturados
también resaltaban también la bidimensionalidad de las pinturas, además, se
consideraba que su intuición y sus respuestas emocionales eran más importantes
que la teoría académica y que los temas elevados.
Gracias a las innovaciones en el uso del color y la expresión, y al énfasis de la
bidimensionalidad de los cuadros el Fauvismo fue precursor del cubismo,
impresionismo y la abstracción.
El color toma un carácter muy importante el proyectar las sensaciones únicas de
un lenguaje a través de este prisma de estructuras y texturas.

10.El Futurismo
Lo que comenzó como un movimiento literario en 1909 se convirtió en el primer
movimiento artístico moderno surgido en Italia como celebración de las maquinas,
la modernidad, la velocidad y la violencia.
Declaramos que la majestuosidad del mundo se ha visto enriquecida por una
nueva belleza: la belleza de la velocidad, escribió el poeta Fillippo Tommaso
Marinetti (1876-1944) en el Manifiesto futurista, publicado en el periódico francés
Le Figaro en 1909. El Futurismo quiso romper con el pasado por medio de la
destrucción de las tradiciones italianas y la creación de un nuevo arte que
acogiese la tecnología, la mecanización, la potencia y la energía. Como quería
alejarse de forma decisiva de lo que percibían como la carga de la historia, los
artistas implicados juraron destruir las galerías de arte y los museos a fin de liberar
al país de su propio pasado. Primero expusieron en Milán, en 1911, y, después
pasaron a otras ciudades europeas. Optaron por tema de la vida cotidiana y
proyectaron de velocidad y movimiento para lo que a menudo usaron varias
exposiciones fotográficas como referencia. Los Futuristas, en su afán por hacer
avanzar la sociedad y liberarse de peso de lo clásico, se valieron de la pintura, la
escultura, la música, la literatura, la arquitectura y el diseño. Este movimiento tuvo
varios elementos comunes con el Cubismo, como el uso de formas con varias
caras. Con todo, el cubismo fue estático y tenue, mientras el futurismo fue vivido y
dinámico.
El futurismo tiene formas únicas de un nuevo lenguaje artístico que se tradujo en
un arte que abordaron la expansión de los objetos en el espacio y los estados
mentales. Sus principales exponentes fueron Umberto Boccioni, Carlo Carrá, Luigi
Russolo, Gino Severini y Giacomo Ballá.
Nuevos materiales dan el soporte de esta nueva corriente, junto con nuevas
formas que transformaron el paisaje.

[Sesión. 30] 3. El realismo fotografía o hiperrealismo

4.La década rebelde: Los años sesenta y setenta.

El realismo fotográfico y fotorrealismo, es un movimiento pictórico surgido en la

década de los ´60, cuyas técnicas aspiran a una precisión casi fotográfica.

El hiperrealismo es una tendencia radical de la pintura y escultura que nace en

Estados Unidos a finales de los años 1960 tras el pop art y luego se extiende por
toda Europa; los hiperrealistas rechazan cualquier interpretación de la realidad de
la que proponen una reproducción mecánica. El propósito del Hiperrealismo es
acercarse a una supuesta objetividad visual en la representación de retratos,
naturalezas muertas, interiores y paisajes, a través de un singular método de
trabajo que compagina técnica y disciplina.

Cuándo apreciamos una buena obra hiperrealista, asistimos al más notable triunfo
de la representación, debido a la máxima eficacia del oficio como modo de
producción y método de apropiación de la realidad visible.

El punto de partida de los hiperrealistas es casi siempre, en el caso de la pintura,

un original fotográfico muy ampliado como los que utiliza Chuck Close, Richard
Estes, Ralph Goings. Pintor hiperrealista o fotorrealista, Richard Estes (Keewane,
Illinois 1936), había utilizado la fotografía en su trabajo como ilustrador, pintando a
partir de fotografías de vistas de barrios desheredados de Nueva York.

Simple método de trabajo que compagina técnica y disciplina como se nos dice
acercándose a una objetividad visual de lo contemporáneo desacralizado quizás
de una esperanza de apropiarse la realidad.

[Sesión 32] 5. El arte masivo

Algunas de estas tendencias se consideran como un arte elevado, preocupado

con los temas universales de la condición humana, especialmente la angustia, el
desencanto, el pesimismo y el sentido de culpabilidad. La otra, la de los
exponentes de un hedonismo sin cohibiciones y a menudo sensacionalista que
celebra el culto del individualismo con el alcance masivo de sus obras como la
transvanguardia italiana, las obras del pintor alemán Anselm Keiffer y los artistas
americanos del grafiti.
Su conceptualismo internacional con su proclama de la cultura de masas, la
cultura del espectáculo, el lenguaje, la identidad, el género, la diferencia y la
etnicidad, mezclan el arte por el arte con la crítica cultural, pretenden hacer un arte
anti elitista y anti estético.
Su temática abraza desde los retratos y paisajes hasta escenas con personajes
mitológicos o elementos extraídos de la iconografía del arte primitivo, su lenguaje
figurativo y abstracto se mezclan de forma indiscriminada.

6.El arte conceptual

Se desarrolló cincuenta años después de que Duchamp despreciase las
tradiciones artísticas, demostró que el criterio estético no siempre es válido para
juzgar el arte. El arte conceptual nunca fue un movimiento congruente, sino un
amplio término que hoy en día se refiere a varios tipos de arte que surgieron más
o menos a la vez en Norteamérica y Europa. Los artistas conceptuales
promovieron el arte de ideas, o conceptos, sugiriendo que estos pueden ser más
válidos en la actualidad que las destrezas técnicas o los valores estéticos.
Desechando la idea habitual de que las bellas artes son inestimables y veneradas,
los artistas conceptuales trabajan muchos medios distintos, entre ellos el
performance y la land art, el videoarte y el arte povera, abandonando los
materiales y enfoques convencionales con objeto de eliminar la idea de los objetos
artísticos coleccionables. Todo esto refuerza la teoría de que el aspecto visual
tiene una importancia mínima.
Los artistas conceptuales, autores de monumentales instalaciones temporales u
otras creaciones no convencionales, dicen que están extendiendo las limitaciones
artísticas y haciendo que el arte sea más accesible. Manejan muchos conceptos,
desde los graves e impactantes hasta los triviales y desenfadados.

[[Sesión 34] 10. La cultura marginal

El arte marginal fue un movimiento artístico que surgió a través de un crítico del
arte llamado Roger Cardinal en el año 1972. Sin embargo, el concepto de arte
marginal es el producido por aquellos que están fuera de los circuitos oficiales de
educación, difusión y valoración del arte. Especialmente enfermos mentales e
individuos marginales pero con sensibilidad y producción artística. Surgió a través
de un artista francés Jean Dubuffet cuando denominó a este arte Art Brut que
hacía referencia a un tipo de arte que se había creado sin ningún tipo de límite
cultural.
Una propuesta arriesgada nacida fuera de las grandes academias e interesada a
devolver el arte a esas primeras cuevas de la mente del hombre.

Bibliografía

Kaminski, M. (2000) Venecia : Arte y Arquitectura. KÖNEMANN . Alemania

ARGAN, Giulio Carlo; Arte moderna; São Paulo: Companhia das Letras, 1992
ISBN 85-7164-251-6

GOMBRICH; E. H.; História da Arte; São Paulo: LTC Editora. ISBN 85-216-1185-4

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https://arte.laguia2000.com/escultura/venus-de-willendorf

http://revistamito.com/arte-y-literatura-en-el-trecento-italiano-dante-pretarca-y-
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https://laotracaradelpasado.blogspot.mx/2013/12/la-civilizacion-matriarcal.html

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https://desarrollodelarte.blogspot.com/2010/07/arquitectura-griega.html

http://www.santiagoapostol.net/latin/geografia.html

http://www.filosofia.org/enc/ros/estil.htm

https://conceptodefinicion.de/barroco/

https://definicion.mx/neoclasico/