Tema 2: introducción al concepto historia del arte

*[FOTO 1]* Venus de *[FOTO 2]* Rueda de *[FOTO 3]* Virgen

Milo, Museo del Louvre bicicleta sobre taburete, con niño, Jean
130 a.c Marcel Duchamp, Museo Fouquet, 1420
del MOMA

Arte: es difícil establecer una definición y sus límites, pero según la RAE:

1.m Virtud, disposición e industria

para hacer una cosa.
2.m Acto o facultad mediante los
cuales, valiéndose de la materia, de la
imagen o del sonido, imita o expresa
el hombre lo material o inmaterial y
crea copiando o falseando: mediante
la simbología expresamos cosas,
ejemplo: una paloma representando
al Espíritu Santo.
3.m Conjunto de preceptos y reglas necesarias para hacer una cosa, ejemplo: el
arte de cocinar.

*[FOTO 4]* Paralelismo el grito de Edvard Munch y Matt Groening

Bellas Artes: cualquiera de las artes que tienen por objeto expresar la belleza.
Ordinariamente denominado a la pintura, escultura, arquitectura y música, la
estética en filosofía estudia este concepto de belleza.

*[FOTO 5] Palacio de Don Juan

de Goyeneche: primera academia
de arte, se formaban pintores,
escultores. etc, en Bellas Artes.
Uno de los principales edificios del
barroco madrileño, los profesores
enseñaban qué es el arte y cómo
crearlo para que sea bello.

Sin embargo, en el siglo XX hay una crisis de valores por las numerosas guerras,
y empieza a dejarse de usar la “razón” para hacer arte, en este momento, es
cuando nacen las vanguardias.

*[FOTO 6]* Ready Made, Marcel Duchamp, 1917

¿Quién es quién convierte arte?
El artista que pone su firma, en este caso, es un
simple inodoro, sin embargo lleva una
modificación, que si alguien meara dentro, su
propio pis saldría del retrete, meandose en sus
pies. Todo esto recoge una paradoja dadaísta
(literalmente significa nada).

Los movimientos de vanguardia del siglo XX rompieron con la afirmación de que

el arte busca la belleza sin que haya nacido una alternativa conceptual, salvando
la posición posmoderna que defendió Arthur Dano en 1964 a través de su libro
“The art world”, donde afirma que el arte es aquello que consensuadamente
aceptamos que es arte.
 *[FOTO 7]* La Gioconda, Leonardo Da Vinci:
repintado varias veces por el propio Leonardo, usa la
técnica de las veladuras (óleo disuelto en aceite de
lianza), su sonrisa es el símbolo de la captación de la
vitalidad: se dice que para que el modelo real no
dejase de sonreír y Leonardo pudiese captar su gesto,
se le entretenía con trucos y chistes.
La técnica de óleo permite conseguir veladuras, a
través de esta técnica Leonardo materializó sus ideas
sobre la perspectiva aérea. Entre los objetos
contemplados y el ojo que los observa, se interpone el
aire que al tener materia difumina los contornos.

*[FOTO 8]* La Gioconda de Duchamp: las iniciales

LHOOQ esconden el mensaje en francés: “ella tiene
el culo caliente”.

George Dickie en “El círculo del arte” dice: las obras de arte son aquellos
artefactos que han adquirido un cierto estatus dentro de criterios estéticos no
eurocéntricos. El concepto artefacto ha puesto en valor objetos que no eran
antes apreciados artísticamente, que las culturas no occidentales creaban con
criterios estéticos no eurocéntricos.

¿Es el museo un cementerio de artefactos?

Sí, porque ha perdido su función inicial, es la base del museo de ciencia, salvo
los artistas contemporáneos, que lo han creado pensando en el museo.
Igual de difícil es consensuar historia del arte, el profesor José María Azcárate
Riston lo definió como: aquella ciencia que trata de describir, comprender y
valorar las obras artísticas espaciales desde el punto de vista de sus relaciones
con las épocas anteriores y sucesivas y de la consideración de sus propiedades
típicas. Hay muchas más definiciones:
➔ Umberto Eco: el arte es una actividad por la cual las experiencias del
mundo sensible percibidas por el artista según las modalidades del plano
estético se incorporan a la materia y son llamadas a constituirse en el
plano estético.
➔ Alois Riegl:

*[FOTO 9]* Copa Laconia: servía para *[FOTO 10]* Escudo de la muerte:
beber, está en un museo porque es un representa el amor cortés.
objeto único y representante de la época,
y por lo tanto muere, porque ya no se usa.

Obra de arte: es la máxima expresión de una determinada cultura en una

determinada época.

Tiene funciones múltiples como sus interpretaciones:

- la lectura de la obra de arte depende de quién la haga y cuándo se haga,
siendo el papel del historiador fundamental
- algunos lo ven como algo inútil que sólo tiene función ornamental (visión
marxista)
- muchos historiadores ven el arte como un elemento de prestigio y
manifestación de lujo (visión positivista)
 - otras veces se resalta la función didáctica (historiografía tradicional,
conservadora y religiosa católica que defiende la tesis)
- los formalistas-estructuralistas
- el arte es un lenguaje, una forma de comunicación no verbal, por lo que
es necesario reconocer la iconografía

*[FOTO 11]* Bisonte de Altamira:

pintado en el Paleolítico Superior,
está pintado en modo ritual, para
propiciar la caza. Mediante su
realización se pensaba que podían
atraer a los animales para que la
caza fuera más fructífera. En
algunas ocasiones también se
ha dado una interpretación
religiosa o un sentido ritual
relacionado con la fertilidad.

*[FOTO 12]* Matrimonio de Giovanni

Arnolfini y Giovanna Cenami: en este cuadro
destacan la conciencia de la autoría única
(firma y fecha) y el problema espacial de la
cuarta pared: el espejo, donde está el pintor
Jan van Eyck con la firma “ego fuit hic”,
representa que el matrimonio ha sido
concertado. Su motivo fue por conveniencia,
se hizo en ámbito doméstico, es decir, en la
intimidad, con unos testigos (lo que hoy en día
sería una boda privada). Giovanna se lleva la
mano al vientre, para asegurar la fertilidad en
su matrimonio, que es algo nada más alejado
de la realidad, ya que el matrimonio fracasó y
no llegaron a tener hijos. Por otro lado, el perro y los zapatos representan la
comodidad de la casa, siendo costumbre quitarse los zapatos como primera
cosa que hacer después de llegar de la calle.
*[FOTO 13]* La familia de Felipe IV: también es importante porque representa
la cuarta pared, es la preparación de Margarita para una recepción, en la época
las doncellas tomaban búcaro, esto, les permitían ponerse pálidas y seguir los
estándares de belleza de la época, pues estaba mal visto ser negra porque eso
significaba que habías trabajado en el campo y por lo tanto eras de la plebe.
Velázquez cuando publicó este cuadro estaba en la plenitud de su carrera,
gracias a Palomino podemos identificar los personajes, teniendo como punto de
vista la de el Rey desde su trono: mientras el pintor de cámara y aposentador de
palacio está pintando un retrato de los reyes Felipe IV y Mariana de Austria
(reflejados en el espejo), se produce la visita en la estancia de la hija de Felipe.

En el lado izquierdo se observa parte de un gran lienzo, y detrás de este el

propio Velázquez se autorretrata trabajando en él. El artista resolvió con gran
habilidad todos los problemas de composición del espacio, Los golpes de luz y
sombra generados por las ventanas laterales contribuyen a generar la sensación
de espacialidad creíble, además, gracias al dominio que tenía del color y a la
gran facilidad para caracterizar a los personajes se las arregla para solucionar el
problema. El punto de fuga de la composición se encuentra cerca del personaje
que aparece al fondo abriendo una puerta, donde la colocación de un foco de
luz demuestra, de nuevo, la maestría del pintor, que consigue hacer recorrer la
vista de los espectadores por toda su representación. Las figuras de primer
término están resueltas mediante pinceladas sueltas y largas con pequeños
toques de luz (menos la del perro que está totalmente detallada).
La falta de definición aumenta hacia el fondo, siendo la ejecución más somera
hasta dejar las figuras en penumbra. Esta misma técnica se emplea para crear la
atmósfera nebulosa de la parte alta del cuadro, que habitualmente ha sido
destacada como la parte más lograda de la composición. Foucault señala que las
miradas sobretodo de la infanta se dirige al espectador, ocupando el punto focal
dónde se situarían los reyes, lo consigue por medio de la perspectiva y un
método llamado alla prima.

Julian Gallego, Charles de Tolnay y Pérez Sánchez afirman que la pose de

Velázquez y su vestido en el autorretrato sugieren la idea de entender la pintura
como una actividad intelectual y no mecánica. Esta vez, fue la primera vez que se
autorretrató junto a sus señores, incluso se dice que el mismo rey Felipe IV, que
ya tenía dotes artísticas, le dibujó la cruz roja en el atuendo.

*[FOTO 14]* Las meninas, Pablo Picasso

¿Dónde está el límite entre la copia e
intuición?
Madrid está repleta de estatuas, Picasso
pintó unas meninas cubistas en 1957,
conservadas en el Museo Picasso de
Barcelona.

*[FOTO 15]* Biblioteca del Museo del Prado (Casón del Buen Retiro): sin
contar con la tradición, no es posible la creación artística, hay que guardarse del
plagio (comprar obras ajenas y hacerla pasar por propias).
 Es un problema importante y difícil de definir: ¿original,
copia, réplica, reinterpretación, resignificación o plagio?

*[FOTO 16]* Ares de Alcamenes: Ares era el dios más

odiado, esta es una copia de la obra romana porque se
perdió el original. En la obra romana difiriendo de la griega,
lleva un casco romano.

El arte es una de las funciones esenciales del hombre:

- no se conoce ninguna cultura que carezca de arte
- el hombre y el arte son conceptos indisociables
- el hombre es capaz de crear, generalmente expresando sentimientos
abstractos
- según la teoría marxista: el hombre debe de analizar el arte desde su
materialidad

*[FOTO 17]* Cámara de ámbar del

Palacio de Tsarkoye: fue un regalo
al zar ruso de la época de Lenin, este
patrimonio tuvo que ser
reconstruido ya que sufrió graves
daños durante los bombardeos de la
Segunda Guerra Mundial.

Factores que influyen en el arte:

➔ históricos
➔ religiosos y doctrinales
➔ económicos
➔ construcción de sistemas de lenguaje iconográfico e iconológico:
comprensión e incomprensión del léxico y sintaxis del arte
Los componentes de la obra de arte son infinitos:
➔ realidad visible: iconografía, lo que se representa con la forma plástica de
la obra, que con su evolución, condiciona la evolución de los estilos
➔ realidad invisible: iconología, lo que una obra significa y simboliza a través
de lo representado, busca la lectura de la obra como testimonio pasado

*[FOTO 18]* Partenón griego: templo

de la doncella, significa virgen y alude al
privilegio de la doncellez de la diosa
Atenea, construido entre el 447 a.c y
432 a.c por los arquitectos Ictino,
Calícrates y Fidias.

* [FOTO 19]* Cerámica de figuras

negras con el nacimiento de Atenea,
Museo Louvre: se representa el
famoso mito griego en el que Zeus,
embarazado de Atenea es cortado por
la cabeza para sacar a la diosa de la
sabiduría, ya armada y adulta, porque
esa sabiduría es lo que la defienden
como si fueran unas armas.

*[FOTO 20]* Políptico de San Bavón

de Gante (abierto): obra de
Humbert y Jan Van Eyck, se pintó
para una capilla funeraria por medio
de encargo de Joos Vyd y su esposa,
Elisabeth Borluut. Los autores
utilizan pintura al óleo (puede ser
putritivo o secativo), estos son con
linaza o nuez, fueron unos maestros
con la miniatura, que les permitían ser más detallistas. Por ello, la pintura
flamenca (la mezcla del pigmento con aceites secativos) representó una
revolución.
En medio, el rey está pintado como dios (típico de las monarquías absolutistas
de la época), a los extremos, pidiéndole por la salvación del mundo, la virgen y
Juan Bautista, al lado de estos, está el coro, más a los lados a Adán y Eva, y
debajo los profetas.

*[FOTO 20]* Políptico de San Bavón de Gante

(cerrado): cuando se cierra, nos encontramos a
varios santos acompañados de los ángeles.

La capacidad narrativa del arte ha sido de gran importancia en las etapas en que
la sociedad ha sido casi totalmente analfabeta. En el romanticismo, se relataba
en imágenes las verdades de la fé católica.

*[FOTO 21]* El Guernica, Pablo Picasso, 1937, Madrid, Museo Reina Sofía:
permite estudiar la capacidad del arte para denunciar los aspectos más terribles
de la psique humana.
El Guernica, ante todo, es un icono que da testimonio de un hecho histórico y
alegato contra la guerra, con independencia de haberse originado en el contexto
ideológico concreto de la Guerra Civil Española. Picasso llegó a pintarse así
mismo como caballero, igual que Velazquez.

El 26 de abril de 1937, 43 bombardeos, el ejército alemán de Hitler, entre otros

factores, dirigidos por la armada franquista, destruyeron la ciudad vasca de
Guernica. Fue un hecho de guerra de mucha repercusión:
- fue el primer bombardeo de saturación de la Historia.
- la ciudad fue totalmente arrasada (quedaron totalmente destruidos el
90% de los edificios)
- la ciudad no tenía ningún objeto militar relevante ni defensas antiaéreas.
- se bombardeó a pleno día y en día de mercado, estaba perfectamente
estudiado, ya que multiplicaría el número de civiles muertos.
- el bombardeo comenzó a las 16.30 y concluyó a las 19.45
- se usaron bombas de explosión y bombas incendiarias, lo que producía
que explotaran nada más aterrizar en tierra o bien se tardaban 10
minutos, aproximadamente, en explotar
- a pesar de las pruebas, el bando nacional acusó al bando independentista
vasco (PNV) de los bombardeos
- los alemanes procesados en el Juicio de Nuremberg, celebrado entre el 20
de noviembre de 1945 y el 1 de octubre de 1946, reconocieron su
participación en los bombardeos
- el 31 de marzo de 1937, se fecha un precedente, el bombardeo de
Durango, con la misma técnica, sin embargo con la diferencia de que no
hubo corresponsales de guerra que pudiesen documentar lo que estaba
pasando ese día
- el bombardeo se produjo mientras la población estaba en misa, el
domingo
- Picasso se había comprometido con la causa republicana desde el
principio de la guerra. Su compromiso era doble: ser el director del Museo
del Prado, y en segundo lugar, autor de una obra gráfica vendida para
reunir fondos con el propósito de financiar y promocionar, con estampas,
la causa republicana
 *[FOTO 22]* Exposición
Internacional de París, 1937:
Picasso no regaló el cuadro la
República, como indican
muchas personas, sino que
cobró el encargo según un
recibo del 31 de mayo. Por
ello, al ser una adquisición del
Estado, el cuadro pudo ser
recuperado en 1981, tras estar durante décadas en el MOMA de Nueva York.

El Guernica es un testimonio importante para el estudio de la Historia. Picasso

deseaba que este cuadro estuviera en el Museo del Prado colgado junto a la
Carga de los mamelucos y los Fusilamientos del 3 de mayo, pintado por Goya en
1814, también como alegato universal contra la guerra.

● Actualmente se puede ver junto a buena parte de dibujos preparatorios y

fotografías del proceso creativo en el Museo Reina Sofía, es un gran
atractivo turístico en Madrid como muchos otras obras de Picasso.

*[FOTO 23]* Amarillo, rojo y azul, 1925,

Museo Georges Pompidou, Paris:
Wassily Kandinsky en su libro “De lo
espiritual en el Arte”, publicado en
Munich en 1911, afirmó: toda obra de arte
es hija de su tiempo, muchas veces es
madre de nuestros sentimientos. De la
misma forma, cada período de la cultura
produce un arte propio que no puede repetirse. El intento de revivir principios
artísticos pasados puede producir, a lo sumo, obras de arte que son como un niño
muerto antes de nacer. Por ejemplo, no podemos en absoluto sentir y vivir
interiormente como los antiguos griegos. Los esfuerzos por poner en práctica los
principios griegos de la escultura, por ejemplo, solamente crearán formas parecidas
a las griegas, pero la obra quedará inanimada para siempre. Una imitación
semejante se parece a las imitaciones de un mono.
Exteriormente los movimientos del mono son idénticos a los humanos. El mono se
sienta y sostiene un libro ante los ojos, lo hojea y adopta un aire de gravedad, pero
el sentido interior de estos movimientos falta completamente [...] La ineludible
voluntad de expresión de lo objetivo es la fuerza que aquí llamamos necesidad
interior y que hoy pide una forma general y mañana otra.

El problema de los iconos y la cultura de masas. Fama y star system.

*[FOTO 24]* Sofá de labios de

Mae West, creado por Dalí en
1936: sirvió por encargo de Oscar
Tusquets para crear una habitación
en la que Dalí dió el salto de lo
bidimensional a lo tridimensional.

*[FOTO 25]* Marilyn Monroe, Andy

Warhol, 1981: le fascinaba las formas
modernas de muerte y como gracias a ellas
la gente se volvía figuras reconocidad, por
ejemplo el suicidio, por eso le empezó a
interesar la figura de Marilyn Monroe, que
gracias a ello se convirtió en una figura
indiscutible de la cultura pop.

En la medicina de la Edad Antigua, se afirmaba que en el hombre existen cuatro

fluidos. La salud se daba cuando los cuatro fluidos estaban equilibrados. La
enfermedad aparece cuando sobreviene uno de los fluidos sobre los demás. El
exceso de bilis negra predispuesta, controla la brillantez y la genialidad, pero sin
controlar lleva a la excentricidad. Son los nacidos bajo el signo de Saturno, los
que padecen euforia y melancolía. Los artistas codificaron su comportamiento,
otros por su genialidad.
 *[FOTO 26]* Uniforme de la Guardia Suiza,
1506: el genio temperamental por excelencia fue
Miguel Ángel Buonalrrotti, cuyas obras están
dotadas de sentimiento trágico, la famosa
terribilitá. Pero Miguel Ángel fue también el
creador de algo tan práctico y perdurable en el
tiempo como es el uniforme de la Guardia Suiza.

*[FOTO 27]* Bóveda de la Capilla Sixtina, Miguel Ángel, 1508-1512: le

encargaron pintar a los cuatro apóstoles, un encargo envenenado, de manera
que le llevase mucho tiempo y le mantuviese ocupado. Sin embargo, este se
saltó el contrato y colocó unas lonas para que nadie pudiese ver lo que estaba
pintando. Además, su interés fue pintarlo rápido, así, sin cumplir el propósito
inicial. En su lugar, pintó escenas bíblicas, desde la creación de Adán y Eva hasta
el nacimiento de Jesús, su temperamento era tal que con tal de que el papa no
descubriese lo que en realidad estaba pintando, le lanzaba botes de pintura.
Una persona normal y corriente seguramente sería juzgado por su falta de
respeto hacia el jefe de Iglesia, pero por la genialidad de Miguel Ángel, no fue
así.
 *[FOTO 28]* Iglesia de Auvers-sur-Oise,
1890, Museo de Orsay, París: otro
ejemplo fue Vicent van Gogh (1853-1890)
uno de los más destacados pintores del
postimpresionismo, que se cortó su propia
oreja con intención de regalarla.

*[FOTO 29]* Retrato de invierno, Vicent

van Gogh

El problema de arte y artesanía fue analizado de forma brillante por André

Malraux (1901-1976) en sus “Reflexiones sobre la creación artística”: llamo artista
al hombre que crea formas, ya sea un embajador como RUBENS, un imaginero como
GILBERT DE AUTUN, un anónimo como el MAESTRO DE CHARTRES, un iluminador de
manuscritos como LIMBOURG, un funcionario de la corte como VELÁZQUEZ, un
rentista como CÉZANNE, un poseso como VAN GOGH, un vagabundo como
GAUGUIN; y Ilamo artesano al que reproduce formas, por grande que sea el encanto
- o la habilidad- de su artesanía... Los pintores y escultores que fueron grandes,
transfiguraron las formas que habían heredado, y el júbilo creador del que inventó el
Cristo de Moissac o los Reyes de Chartres fue distinto de la satisfacción que pudo
experimentar un ebanista al concluir un arcón perfecto.

*[FOTO 30]* Las muy ricas horas del

Duque de Benry, Hermanos Limbourg,
1410, Museo Condeé Chantilly: arriba del
folio nos encontramos con un plano lunar,
donde vemos que de acuerdo al zodiaco
corresponde con diciembre, época del
exceso y la celebración de la Navidad, donde
claramente lo vemos en la imagen en su
máxima expresión. Como elementos que
destacan en la obra, podemos mencionar,
en primer lugar la chimenea, seguido de un
suelo de losas de tapiz, fascinantes en su
época. Mientras tanto, el duque come en
exceso con todos sus sirvientes para dejar
claro su poder con el número de personas
que le pueden llegar a servir: encontramos
curiosa la escena donde hasta los perros son servidos por un sirviente que les
corta el pollo con cuchillo y tenedor en el frente de la obra.