Fotografía

Daguerrotipo con una vista de Barcelona, España, en 1848. Imagen invertida lateralmente, como
en un espejo.

Retrato al daguerrotipo de una bailarina de la escuela bolera, hacia el año 1850. Podría ser la
Guy (Marie Guy-Stéphan),1 que actuaba en elTeatro del Circo, en Madrid. Fototeca del IPCE.
La fotografía (de foto- y -grafía2 ) es el arte y la técnica de obtener imágenes duraderas
debido a la acción de la luz.2 Es el proceso de proyectar imágenes y capturarlas, bien por
medio del fijado en un medio sensible a la luz o por la conversión en señales electrónicas.
Basándose en el principio de la cámara oscura, se proyecta una imagen captada por un
pequeño agujero sobre una superficie, de tal forma que el tamaño de la imagen queda
reducido. Para capturar y guardar esta imagen, las cámaras fotográficas utilizan película
sensible para la fotografía analógica, mientras que en la fotografía digital se emplean
sensores CCD, CMOS y memorias digitales. Este término sirve para denominar tanto al
conjunto del proceso de obtención de esas imágenes como a su resultado: las propias
imágenes obtenidas o «fotografías».

Índice
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 1Etimología
 2Proceso
 3Historia
 4Funcionamiento de la cámara
 5Aplicaciones científicas
o 5.1Fotografía estereoscópica
o 5.2Fotografía con luz infrarroja y ultravioleta
o 5.3Fotografía aérea y fotografía orbital
o 5.4Fotografía subacuática
o 5.5Macrofotografía
 6Fotografía como arte
 7Derechos de autor
 8Véase también
 9Referencias
 10Bibliografía
 11Enlaces externos

Etimología[editar]
El término fotografía procede del griego φῶς (raíz φωτ-, phōs, «luz»), y γράφω (raíz
γράφ-, graf, «rayar, dibujar, escribir»), que, en conjunto, significa «escribir/grabar con la luz».
Antes de que el término fotografía se utilizara, se conocía comodaguerrotipia, ya que el
descubrimiento fue hecho público por Louis Daguerre, aunque parte de su desarrollo se debió
a experiencias previas inéditas de Joseph-Nicéphore Niépce.

Proceso[editar]
Basándose en el principio de la cámara oscura, se proyecta una imagen captada por un
pequeño agujero (fotografía estenopeica) o un(a) lente o conjunto de ello(a)s (lo cual se
denomina objetivo), sobre una superficie; para capturar y almacenar esta imagen, las cámaras
tradicionales utilizan un soporte cubierto por un compuesto químico sensible a la luz (en la
mayoría de ellas, película fotográfica), mientras que en la fotografía digital se emplea
un sensor de imagen que divide el cuadro en una rejilla horizontal y vertical de elementos
-capturando la luz de cada uno de ellos y convirtiéndola envalores de voltaje-, que se
convierten en valores numéricos tras un proceso de conversión analógica-digital, siendo
posteriormente transmitidos a un ordenador embebido en el dispositivo, el cual les da
un formato y permite su transmisión o su almacenamiento en un medio digital, para su
posterior impresión, visualización o análisis.

Historia[editar]
Artículo principal: Historia de la fotografía
Primera fotografía permanente, deNiepce, 1826.

El grabado heliográfico más antiguo que se conserva, reproduciendo un grabado flamenco. Ensayo

realizado en 1825 por Niépce, por contacto, sin cámara oscura.

Ventanal de la Abadía de Lacock(Lacock, Wiltshire). Fotografía de Fox Talbot, en agosto de 1835,

ensayando su procedimiento del calotipo. Copia positiva, a partir del negativo más antiguo que se
conserva.
Zaragoza, La torre nueva o torre inclinada (1865-1867). Fotografía original de José Martínez
Sánchez, asociado a J. Laurent. Copia a la albúmina, a partir de un negativo de vidrio al colodión
húmedo, de 27 x 36 centímetros.

Fotografía en color, hacia 1915, porSerguéi Mijáilovich Prokudin-Gorskii.

La invención de la técnica fotográfica es el resultado de la combinación de diversos
descubrimientos técnicos. Entre los precursores se encuentran el filósofo chino Mo Di;
los griegos Aristóteles y Euclides, que describieron una cámara oscura en lossiglos
V y IV a. C;3 4 el matemático bizantino Antemio de Tralles, que en el siglo VIutilizó una forma
de cámara oscura en sus experimentos;5 y cuatro siglos después, el matemático
árabe Alhacén hizo un claro y profundo estudio acerca de la cámara oscura y la
proyección estenopeica.4 6 En el campo de la química, San Alberto Magno descubrió las
propiedades del nitrato de plata,7 y Georges Fabricius (1516–1571) las del cloruro de plata.
En 1568, Daniele Barbaro describió el mecanismo de un diafragma,8 y en 1694, Wilhelm
Homberg describió el efecto fotoquímico que producía el oscurecimiento de algunos
materiales en presencia de la luz.9 Los artistas ya empleaban la cámara oscura como un
recurso para reproducir imágenes y en la L'Encyclopédie de 1751 se describen diferentes
tipos que podían utilizarse.10
Un primer procedimiento fotográfico experimental fue el heliograbado, descubierto por Joseph
Nicéphore Niépce en la década de 1820. En 1826 consiguió su primera imagen (positivo
directo) permanente: una vista desde su ventana en Le Gras, utilizando una cámara oscura y
como material sensible a la luz una mezcla de betún de Judea. El tiempo de exposición
necesario para obtener estas imágenes era muy largo: varias horas en un día soleado. En su
búsqueda de un método más efectivo, se asoció con Louis Daguerre y experimentaron con
compuestos de plata, fundamentándose en un estudio previo de Johann Heinrich
Schulze de 1816, donde mostraba que una mezcla de plata y tiza se oscurecía con la
exposición a la luz. Tras la muerte de Niépce en 1833, Daguerre continuó trabajando en
solitario, desarrollando en 1837 el procedimiento conocido como daguerrotipo, y difundiéndolo
al mundo en 1839. Los estudios previos de Niépce fueron ampliamente superados, y por eso
la mayoría de los historiadores consideran que1839 es el año cero de la fotografía
propiamente dicha.
La fotografía nace en un momento de tránsito de la sociedad pre-industrial a la sociedad
industrial, favorecida por las innovaciones técnicas de la época. También influye en su
nacimiento la filosofía positivista, que establece que cada elemento de la Naturaleza debe ser
probado empíricamente. La burguesía es la clase social dominante del momento, que utiliza el
retrato como instrumento de autorrepresentación y afirmación de su ascenso social.11
El daguerrotipo consiste en la obtención de una imagen sobre una superficie deplata pulida.
Para economizar, lo normal era que las placas fueran de cobreplateado, pues sólo era
necesario disponer de una cara plateada. La imagen se revelaba con vapores de mercurio,
apareciendo en la cara plateada de la placa, que previamente se había sensibilizado con
vapores de yodo.12 Pero era un procedimiento caro, y el equipo pesado, y precisaba de un
tiempo de exposición alto, de varios minutos, al principio. Además los vapores de mercurio
eran realmente dañinos para la salud.
En 1840, William Henry Fox Talbot desarrolla un sistema negativo-positivo, en otro
procedimiento llamado calotipo. Consistía en obtener un negativo de papel, que luego
por contacto era positivado sobre otra hoja de papel. El papel se humedecía en una solución
ácida de nitrato de plata, antes y después de la exposición y antes de ser fijada. Supuso el
invento de la copia fotográfica, ya que un único negativo podía dar lugar a varios positivos.
En 1842, el astrónomo y químico inglés sir John Frederick William Herschelintroduce el
proceso llamado cianotipia. También fue el primero en aplicar los términos "positivo" y
"negativo" a las imágenes fotográficas. En 1819, Herschel descubrió el poder solvente
del hiposulfito de sodio en torno a las sales de platainsolubles, estableciendo un precedente a
su utilización como un agente fijador en la fotografía. Informó a Talbot y Daguerre de su
descubrimiento en 1839 y que éste podía ser utilizado para fijar imágenes de un modo
permanente. Hizo el primer negativo de cristal a finales de 1839.
Para mejorar la nitidez de las imágenes, evitando las rugosidades del papel, en1850 Blanquart
Evrard emplea el papel de albúmina. En estas copias a la albúmina, las fibras del papel están
recubiertas con una capa de albúmina de huevo. Luego este papel se sensibilizaba en nitrato
de plata.
En el año 1851, Gustave Le Gray presenta el nuevo procedimiento fotográfico delcolodión
húmedo. El colodión se vierte líquido sobre las placas de vidrio, muy limpias. A continuación
las placas se sensibilizan en un tanque con nitrato de plata, y se cargan en los chasis. Permite
la obtención de imágenes negativas muy nítidas. Se llama "colodión húmedo" porque la placa
ha de permanecer húmeda durante todo el procedimiento de toma y revelado de las
imágenes. Esto suponía que los fotógrafos tenían que llevar consigo un laboratorio fotográfico
portátil, a fin de preparar la placa antes de la toma y proceder a revelarla inmediatamente. Se
generalizó así el uso de tiendas de campaña y carruajes convertidos en laboratorios para los
fotógrafos de viajes que trabajaban en el exterior.
A partir de 1855, triunfa el colodión, el procedimiento más usado en el mundo hasta1885.
Entre los fotógrafos más importantes que trabajaron en España, en este periodo, empleando
los negativos de vidrio al colodión, hay que citar al británicoCharles Clifford, al francés J.
Laurent,13 14 y al español José Martínez Sánchez.15 En 1861 el científico escocés James Clerk
Maxwell, mejor conocido por su teoría electromagnética, desarrolla un método para ver
fotografías en color mediante la superposición de filtros de color rojo, azul, amarillo;
obteniendo de esa forma la primera fotografía cromática permanente, mediante la técnica
denominada aditiva.16 En 1871 nace el procedimiento de las placas secas al gelatino-bromuro,
que supone el empleo de una placa de vidrio sobre la que se extiende una solución
de bromuro, agua y gelatina sensibilizada con nitrato de plata; que ya no necesita mantener
húmeda la placa en todo momento. Se rebaja el tiempo de exposición a un cuarto de segundo,
lo que permite posteriormente acercarse al concepto de instantánea fotográfica. Pero las
placas al gelatino-bromuro solamente triunfaron después de 1880.
En 1888, George Eastman lanza la cámara Kodak. Su gran éxito comercial fue la introducción
en el mercado del carrete depelícula fotográfica, lo que provocó la progresiva sustitución de
las placas de vidrio.
En 1907 la fábrica Lumière comercializa la fotografía en color. Son diapositivas o
transparencias en vidrio, conocidas comoplacas autocromas o Autochrome.
En 1931 se inventa el flash electrónico, que se utiliza sobre todo cuando la luz existente no es
suficiente para tomar la fotografía con una exposición determinada. El flash es una fuente de
luz intensa y dura, que generalmente abarca poco espacio y es transportable.
En 1948 nace la fotografía instantánea de Polaroid: una cámara que revelaba y positivaba la
imagen en tan solo 60 segundos.
Finalmente, en 1990, comenzó la digitalización del ámbito fotográfico: las imágenes son
capturadas por un sensor electrónico que dispone de múltiples unidades fotosensibles y desde
allí se archivan en otro elemento electrónico que constituye la memoria.

Funcionamiento de la cámara[editar]
Véanse también: Cámara fotográfica  y Cámara digital.
La cámara oscura es el dispositivo formador de la imagen, mientras que la película fotográfica
o el sensor electrónico se encargan de captarla. El almacenamiento de las imágenes
capturadas depende del tipo de cámara, quedando guardadas en la misma película si se trata
de máquinas clásicas, o en algún dispositivo de memoria en las digitales. En este último caso,
la imagen resultante se almacena electrónicamente como información digital, pudiendo ser
visualizada en una pantalla o reproducida en papel o en película.
Para realizar una toma, el fotógrafo configura previamente la cámara y la lente con el fin de
ajustar la calidad de la imagen lumínica a ser proyectada sobre el material fotosensible. Al
dispararse el obturador, dicho material es finalmente expuesto, provocando en él alteraciones
químicas o físicas que constituyen una "imagen latente", aún no visible pero presente en su
estructura interna. Tras un proceso adecuado, esta información se convierte en una imagen
utilizable. En las cámaras clásicas el material sensible es una película o placa fotográfica;
mientras que las digitales utilizan dispositivos electrónicos sensibles a la luz, que pueden estar
basados en tecnología CCD o en CMOS.
La cámara de cine es un tipo especial de cámara fotográfica que toma una secuencia rápida
de fotografías en tiras de película. Cuando se reproducen a una determinada velocidad los
ojos y el cerebro de una persona unen la secuencia de imágenes separadas y se crea la
sensación de movimiento.
En todas las cámaras, excepto en algunas especializadas, el proceso de obtención de una
exposición correcta se produce a través del ajuste de una serie de controles con los que se
trata que la fotografía sea clara, nítida y bien iluminada. Los controles habituales que se
incluyen son los siguientes:
Una cámara histórica: Contax-S de1949 — la primera cámara réflex conpentaprisma.

Torre Eiffel, 1902.

Control Descripción

El ajuste que sitúa el punto más nítido de la imagen donde se

desee. En las cámaras modernas, existirán puntos de
Enfoque
autoenfoque sobre los que el sistema de autoenfoque de la
cámara tratará de enfocar.

Apertura El ajuste del diafragma de la lente, medible mediante el número

f, el cual controla la cantidad de luz que pasa a través del
objetivo. La apertura tiene efecto en dos elementos:
la profundidad de campo y la difracción: cuánto más alto sea el
número f, más pequeña será la apertura, menor la cantidad de
luz que entre por el objetivo, mayor la profundidad de campo y
 también mayor el efecto difuminador de la difracción. La
longitud focal dividida por el número f es lo que da el diámetro
efectivo de la apertura.

El ajuste del lapso durante el cual el captor o la película es

expuesto a la luz en cada toma. Las velocidades de disparo
Velocidad de obturación rápidas, o sea los tiempos de exposición cortos, decrementan
tanto la cantidad de luz como la posibilidad de trepidación,
debida al pulso, cuando se usa la cámara sin trípode.

En equipos digitales, la compensación electrónica de

latemperatura de color asociada a unas determinadas
condiciones lumínicas, asegurándose que la luz blanca es
registrada como tal en el captor de imagen y, por lo tanto, los
colores en la imagen parecerán naturales. En las cámaras de
Balance de blancos carrete, esta función se ejerce mediante la elección de
determinados tipos de película fotográfica o con filtros
correctores de color. Además de usar el balance de blancos
para registrar la coloración natural de la imagen, los fotógrafos
la pueden emplear con fines estéticos, por ejemplo, para
obtener temperaturas de color más cálidas.

Cálculo de la exposición, de tal forma que tanto las luces altas

como las sombras estén expuestas según las intenciones del
fotógrafo. Antes de haber exposición automática en las
cámaras, ésta era calculada mediante el uso de un dispositivo
medidor de luz llamado exposímetro o mediante el
Medición
conocimiento y la experiencia del fotógrafo a la hora de tomar
las medidas. Para convertir una determinada cantidad de luz en
un determinado tiempo de exposición y apertura usables, el
medidor necesita que es ajuste la sensibilidad ASA de la
película o ISO del captor a la luz.

Escala de sensibilidad Tradicionalmente ha sido usada para indicar a la cámara la

fotográficaASA/DIN/ISO del velocidad ASA/DIN de la película utilizada en cámaras de
captor. película. Hoy en día las velocidades ISO son empleadas en las
cámaras modernas para indicar la ganancia de luz del sistema
en formato numérico y para controlar el sistema de exposición
automático. Cuanto mayor sea el número ISO, mayor será la
sensibilidad de la película o del captor a la luz, mientras que
con un número ISO menor, la película es menos sensible a la
luz. Con una correcta combinación de velocidad ISO, apertura,
 y velocidad de disparo se consigue una imagen que no es ni
demasiado oscura ni demasiado clara, y por lo tanto
'correctamente expuesta'.

Otros elementos también pueden tener un efecto pronunciado sobre la calidad o la estética de
una fotografía; entre ellos los siguientes:

 Longitud focal y tipo de objetivo (Teleobjetivo u objetivo "largo", Objetivo

macro, gran angular, ojo de pez, u objetivo zoom)
 Filtros fotográficos, se sitúan entre el sujeto a fotografiar y el captor, pudiendo
situarse por delante o detrás del objetivo.
 sensibilidad del medio a la intensidad de la luz y longitud de onda de cada color.
 La naturaleza del captor de luz; por ejemplo, su resolución medida en pixeles o granos
de haluro de plata.

Aplicaciones científicas[editar]

Impacto de una gota.

La fotografía ha fascinado a muchos científicos, que han aprovechado su capacidad para

registrar con precisión todo tipo de circunstancias y estudios. Por ejemplo, durante las
investigaciones dedicadas a la locomoción humana y animal, de Eadweard Muybridge (1887).
La fotografía ha constituido desde sus inicios un medio de gran utilidad en la investigación
científica. Gracias a su utilización a nivel científico se tiene la posibilidad de registrar
fenómenos que no pueden ser observados directamente, como por ejemplo aquellos que se
desarrollan en tiempos muy breves (fotografía ultrarrápida), o extremadamente lentos
(fotografía de baja velocidad), aquellos que se producen a escala microscópica, aquellos que
afectan a regiones muy vastas de la Tierra o del Espacio (fotografía
aérea, orbital, astronómica), aquellos ligados a radiaciones no visibles al ojo humano, o en
situaciones en las que no puede estar físicamente el ser humano, etc.
La fotografía científica también tiene un importante componente educativo, enfocado a la
comunicación y divulgación científica. A través de determinadas iniciativas de divulgación
científica que usan la fotografía como componente principal, se puede dar a conocer de una
forma mucho más visual al público general determinados aspectos de la ciencia y del respeto
por el medio ambiente.17
Entre las más importantes especializaciones de la fotografía en el campo científico destacan la
fotografía ultrarrápida y estroboscópica, la fotografía estereoscópica, la fotografía infrarroja y
ultravioleta, la fotografía aérea y orbital, o lafotografía astronómica.
Fotografía estereoscópica[editar]
Típica tarjeta estereoscópica del siglo XIX, con dos imágenes tomadas desde puntos de vista
diferentes, pero muy cercanos.

La fotografía reproduce los objetos sobre una superficie plana y lailusión de la profundidad es
lograda exclusivamente gracias a la perspectiva y al claro-oscuro. Sin embargo, resulta
posible reproducir el efecto de la visión binocular observando separadamente con nuestros
ojos dos imágenes tomadas desde puntos de vista a distanciapupilar, o mayor. Las primeras
imágenes estereoscópicas de la historia de la fotografía son unos daguerrotipos del año 1842.
La fotografía estereoscópica estuvo muy de moda en varias décadas del siglo XIX. Muchos
fotógrafos realizaban vistas estereoscópicas utilizando cámaras especiales de dos objetivos, o
bien con cámaras de un objetivo desplazable lateralmente. Autores clásicos, como J. Laurent,
tomaban sistemáticamente vistas estereoscópicas, además de las normales. El Ministerio de
Cultura de España conserva, en el Archivo Ruiz Vernacci, cerca de 1.000 placas
estereoscópicas de Laurent, del procedimiento de vidrio alcolodión húmedo, en el formato 13 x
18 centímetros, con vistas de España fechables entre los años 1857 y 1880, y dePortugal del
año 1869.18 Además se conservan otras 11.000 placas de vidrio de formatos mayores,
realizadas tanto por Laurent como por sus colaboradores.
La imagen estereoscópica también es utilizada para fines cartográficos.
Fotografía con luz infrarroja y ultravioleta[editar]
Artículo principal: Fotografía infrarroja

Imagen del telescopio Spitzer en el espectro infrarrojo.

Las películas normales son sensibles a la luz ultravioleta. Uno de los métodos para realizar
este tipo de fotografía consiste en utilizar una fuente de luz ultravioleta para iluminar al objeto,
de forma que el objetivo de la cámara esté provisto de un filtro que permita únicamente el
paso de esta luz. Otro método se sirve de lafluorescencia causada por la luz ultravioleta. El
filtro del que está provista la cámara absorbe la luz ultravioleta y permite el paso de la
fluorescente. Una importante aplicación de este tipo de fotografía es el estudio de documentos
falsificados, ya que la luz ultravioleta detecta los rastros de escritura borrada.
Los plásticos y otros productos químicos que reaccionan a la luz ultravioleta sustituyen a la
emulsión de haluros de plata de las películas normales en diversos procesos, para producir
imágenes fotográficas con la gama ultravioleta del espectro.
En uno de estos procesos la superficie de sustancias plásticas expuestas a los rayos
ultravioleta se endurece en proporción directa a la exposición, y la eliminación de las zonas no
endurecidas hace surgir una imagen fotográfica.
En otros procesos se coloca una fina película de productos químicos entre las hojas de
plástico. Estos productos químicos emiten burbujas de gas en cantidades proporcionales a la
exposición recibida en la zona cuando se les expone a los rayos ultravioletas. Las burbujas
crecen y se hacen visibles con la aplicación de calor en las hojas, creando así una
transparencia en la que las burbujas de gas forman la imagen.
Otro tipo de plástico, al ser calentado, reacciona químicamente con las burbujas de gas, de
modo que se obtiene en las hojas de plástico una imagen positiva con manchas. La película
fotocromática, creada por la National Cash Register Company, utiliza un tinte sensible a la luz
ultravioleta. Se pueden obtener enormes ampliaciones, ya que este tinte no posee estructura
granular. Por ejemplo, se pueden conseguir ampliaciones de una película que contenga un
libro entero en un espacio del tamaño de un sello o estampilla de correos.
Fotografía aérea y fotografía orbital[editar]
Véase también: Ortofotografía

Fotografía orbital de Groenlandia; foto: NASA. Agosto de 2008.

La fotografía aérea supone un análisis de la superficie terrestre mediante el empleo de

máquinas fotográficas instaladas a bordo de diversos medios aéreos. Encuentra aplicaciones
en el campo de la investigación arqueológica o geológica, así como enagricultura para recabar
información sobre la naturaleza de los terrenos y la extensión de los cultivos, o en el campo
militar para obtener información sobre objetivos estratégicos. En arqueología se utiliza como
método de prospección del subsuelo para descubrir estructuras en el subsuelo sin necesidad
de excavar.
Desde el comienzo del siglo XXI, la fotografía aérea desde aviones y helicópteros no
tripulados (drones) vive un crecimiento notorio. Estos drones están generalmente equipados
de herramientas de navegación (GPS, giroscopio, etc.). Sin embargo, son pocos los países
que han establecido normas específicas para regular el vuelo de estas naves: el
comportamiento de las autoridades frente al vuelo de drones varía en cada nación.
La fotografía orbital permite la obtención de imágenes de altura muy superior a aquellas
propias de la fotografía aérea, de la cual constituye una extensión, mediante aparatos
fotográficos situados sobre vehículos espaciales o satélites en órbitaen torno a la Tierra. Entre
sus varias aplicaciones cabe señalar los estudios meteorológicos, la investigación sobre
lacontaminación de los mares o sobre los recursos naturales, etc.
Fotografía subacuática[editar]
Artículo principal: Fotografía subacuática

Macrofotografia subacuática de unpez payaso rosa protegiéndose entre los tentáculos de

una anémona.

A pesar de que la fotografía subacuática es una modalidad muy practicada en

elbuceo deportivo, e incluso una especialidad competitiva de la Federación Española de
Actividades Subacuáticas (FEDAS), se trata de una especialidad fotográfica muy utilizada por
diferentes ciencias entre las que cabe mencionar: arqueología subacuática, biología marina o
de aguas continentales, ecología u oceanografía. Tres son las dificultades fotográficas que
plantea el medio subacuático a los fotógrafos: la alta presión del medio que hace que los
equipos fotográficos deban ser no sólo totalmente estancos sino resistentes a la presión, o
bien protegidos en el interior de cajas estancas especiales; la falta de luz del entorno
subacuático y el efecto de filtrado selectivo de los colores en la columna de agua, lo que hace
que habitualmente se deban emplear complejos equipos de flash para restaurar la coloración
original de los sujetos fotografiados; y la difracción del agua que hace que los objetivos
fotográficos aumenten su longitud focal con respecto a la que tienen en la fotografía subaérea.
Macrofotografía[editar]
Artículo principal: Macrofotografía
Muy utilizada para fotografiar pequeñas cosas (insectos, organismos microscópicos, flores,
matices de la piel, etc). Para ello necesitamos un equipo especial, ya sea éste un objetivo
especializado, o una serie de tubos de extensión o lentes de aproximación. Para hacer
macrofotografía de forma barata se puede utilizar el objetivo de la cámara invertido,
únicamente nos queda el foco que lo conseguiremos acercándonos o alejándonos del objeto a
fotografiar.
El invertido del objetivo es el recurso (para este tipo de fotografía) más económico. Para
utilizar este método se precisa de un anillo adaptador que tiene el propio fabricante de la
cámara. Con este sistema perdemos los automatismos utilizados en las cámaras actuales,
tanto en diafragma como en enfoque.
Las lentes de aproximación son cristales de lentes corregidas con diferente graduación que se
enroscan delante del objetivo.

Fotografía como arte[editar]
Este artículo o sección necesita referencias que aparezcan en una publicación
acreditada. Este aviso fue puesto el 14 de noviembre de 2012.
Puedes añadirlas o avisar al autor principal del artículo en su página de discusión
pegando: {{sust:Aviso referencias|Fotografía}} ~~~~

Isla Pagoda en la desembocadura del río Min de John Thomson, 1870.

Campo de cebollas de George Davison, 1888.

Atomicus Dalí, fotografía de 1948 dePhilippe Halsman, donde explora la idea de la suspensión,
representando tres gatos que vuelan, un cubo de agua lanzada y Salvador Dalí en el aire.

La fotografía no fue siempre considerada un arte. Su integración al arte fue un proceso muy
discutido que comenzó con los fotógrafos retratistas. El retrato fotográfico tuvo gran acogida
como reemplazo del retrato pintado ya que aquel era mucho más barato. Debido a la
popularización creciente del retrato fotográfico en detrimento del pintado, gran cantidad
de pintores decidieron convertirse en fotógrafos retratistas para sobrevivir. Este fue el caso de
Félix Tournachon, Gustave Le Gray y el segundo de los hermanos Bisson. Éste fue el primer
ingreso de la fotografía al medio artístico. Además estos pintores fueron algunos de los que
lucharon por que la fotografía fuera considerada un arte.
A mediados del siglo XIX apareció una nueva tendencia artística, el naturalismo. La aparición
de esta nueva tendencia, centrada en la objetividad, buscaba imitar la realidad y la naturaleza
con un alto grado de perfección y despreciaba la subjetividad. Así, el naturalismo fue la puerta
que se abrió para dar a la fotografía una verdadera importancia en el arte ya que al imitar de
una forma casi perfecta la realidad, superaba ampliamente a la pintura en este aspecto. Por
otra parte, el constante desarrollo de la fotografía en esa época, básicamente con las nuevas
técnicas sobre la utilización de la luz del sol, dio origen a fotos con un mayor significado
estético, lo que llevó a un nuevo acercamiento de la fotografía hacia el arte.
Más tarde se descubrieron técnicas usando clara de huevo, que hacían posible que la imagen
por sí misma se quedara grabada en el papel. Esta técnica se fue perfeccionando gracias a la
comprensión del fenómeno químico implicado y a una continua experimentación con
materiales alternativos. Pronto fue posible tener una caja con un papel fotosensible oculto de
la luz, un cañón con el que enfocarla, y unobturador para hacer pasar la luz el tiempo
suficiente para que impresionara la película.
La fotografía como arte, ciencia y experiencia humana fueron evolucionado en paralelo
durante este tiempo. En cuanto fue posible hacer de la cámara un dispositivo móvil fácil de
manejar apareció la posibilidad de influir en el espectador mediante la posición de la cámara y
su enfoque, lo que permitían trasladar la subjetividad del fotógrafo a la fotografía, además de ir
construyendo un lenguaje artístico.
En la actualidad, la fotografía artística en sí, tiene un carácter muy subjetivo. Los movimientos
artísticos durante las primeras décadas del s.XX, particularmente elModernismo y sus ramas
derivadas que van desde el impresionismo en la pintura y su consiguiente marcha hacia
lo abstracto tuvieron una gran influencia en la fotografía.19 Ya en la actualidad, la fotografía
artística pura es casi completamente subjetiva y la manipulación de las imágenes se ha
convertido en una herramienta fundamental en su expresión artística; la fotografía de Annie
Leibovitz, Helmut Newton y David LaChapelle entre otros, siguen siendo parte de la nueva
revolución fotográfica.
El lenguaje artístico fotográfico partió de la herencia de la pintura. Sin embargo, rápidamente
amplió su léxico gracias a la facilidad de hacer enfoques extremos (picados, contrapicados,
etc.), la captura del movimiento con largos tiempos de obturador y la decisión del momento. La
presión sobre el fotógrafo para marcar su subjetividad en la fotografía forjó un lenguaje lleno
de sutilezas pero perfectamente comprensible, muy directo para cualquier observador.
Hoy la fotografía es practicada por millones de personas en todo el mundo armados con
buenas cámaras fotográficas. Actualmente se prefieren las cámaras con una buena óptica y
muchas opciones que añadan flexibilidad, frente a las cámaras orientadas al consumidor,
donde la óptica y el obturador quedan dirigidos por la electrónica restando al hecho de hacer
una foto gran parte de su imprevisibilidad. La aparición de las cámaras digitales, cámaras
mixtas con vídeo y la fotografía en entornos de realidad virtual complican, enriqueciendo, el
futuro de este arte.

Derechos de autor[editar]
Artículo principal: Derecho de autor
Fotógrafos de prensa, Londres,1929. (Autoría desconocida)

Fotografiando flores en el parque de Kowloon, 2012. (Autor: Michael Elleray)

El derecho de autor considera a las imágenes fotográficas a los fines de tutelar las imágenes
de personas o de aspectos, elementos o hechos de la vida natural o social obtenidas
mediante el empleo de un procedimiento fotográfico o proceso análogo.
Todos los autores, sean profesionales o no, tienen, por el solo hecho de haber creado su obra,
en exclusiva una serie de derechos de carácter económico y moral sobre ésta.
Los derechos morales definen el respeto de su autoría sobre la obra y por tanto el deber de
hacer constar siempre su nombre, y el derecho que no se modifique la obra sin su
consentimiento. Los derechos morales son irrenunciables e inalienables. Por lo tanto siempre
han de ser respetados y no tiene valor la renuncia.
Corresponde al fotógrafo, salvo en algunas cuestiones relativas a los retratos fotográficos, el
derecho exclusivo de reproducción, difusión y venta. Sin embargo, si la obra se ha obtenido en
el marco de contrato de arrendamiento de servicios o de trabajo, y bajo expreso
consentimiento del autor, el derecho de reproducción, difusión y venta puede corresponder al
responsable del encargo contractual, mientras que los derechos de autoría son irrenunciables.
La duración de los derechos sobre la fotografía la determina el acuerdo legal entre el autor y el
responsable del encargo contractual.
El Derecho también protege la privacidad del sujeto fotográfico. De hecho está permitida la
difusión de fotografías sin el permiso del sujeto sólo en los casos de personajes públicos,
entendidos como personas que, por trabajo o cargo público, resultan de notoriedad pública.
En el resto de los supuestos, el fotógrafo titular de la obra debe obtener el permiso del sujeto a
la publicación y exposición pública. En caso de hacerlo sin permiso del sujeto fotografiado,
éste tiene derecho a denunciar al fotógrafo.
Conceptos y Tipos de fotografías Tecnología y técnica
principios
 Fotografía  Calotipo
 Apertura academicista  Cámara fotográfica
 Balance de  Fotografía  Colodión húmedo
blancos antropológica  Composición fotográfica
 Bokeh  Fotografía  Daguerrotipo
 Diafragma artística  Filtro fotográfico
 Efecto de ojos  Fotografía de  Flash
rojos difuntos  Fotografía digital
 Exposición  Fotografía de  Fotografía en color
 Número f guerra
 Fotografía química
 Objetivo  Fotografía de
 Iluminación en fotografía
 Obturador naturaleza
 Copia a la albúmina
 Profundidad de  Fotografía de
 Microfilm
campo paisaje
 Retoque fotográfico
 Regla de los  Fotografía de
 Follow focus
tercios moda
Otros
 Valor de  Fotografía
exposición glamour  Cine
 Velocidad de  Fotografía  Historia de la fotografía
obturación publicitaria  Fotografías acusadas de trucaje
 Fotografía  Fotografías trucadas en la
subacuática Unión Soviética
 Fotografía  J. Laurent, fotógrafo en España
tradicional y Portugal (siglo XIX).
 Fotomosaico  William Fox Talbot
 Heliografía  World Press Photo
 Lomografía
 Ortofotografía
 Periodismo
fotográfico
 Pictorialismo
 Realismo en
 fotografía
 Fotografía
documental
 Retrato creativo
 Retrato
fotográfico
 Retrato

FOTOTECA VIRTUAL HENRIQUE AVRIL

A tu alcance
Historia Capitulada de la Fotografía
en Venezuela
Dorronsoro Josune
El ejercicio de ordenar informaciones inconexas en un discurso histórico
coherente exige cierto grado de abstracción que a veces aísla un tanto la
teoría de la realidad, diferenciándola y sobre todo simplificándola, de tal
manera que siempre nos dejarán insatisfechos las categorías y nociones
teóricas y los cortes o períodos históricos.

Con las reservas del caso, la comprensión histórica de la fotografía exige un

ordenamiento temporal que puede basarse sobre múltiples criterios. Si bien
hasta hace poco hemos trabajado basados en los de carácter técnico, estos
presentan la limitación de que los hitos más importantes, desde este punto
de vista, se encuentran en el siglo XIX y principios del XX, con lo que el
análisis de los materiales de nuestro siglo no encajaría dentro de esta
orientación. Pero, ¿qué sucede si el criterio empleado es socioeconómico, si
nuestro enfoque se centra más bien en la relación o vínculo que se
establece entre el fotógrafo, su objeto de atención y el espectador, o en
cuanto al uso de la fotografía en una sociedad concreta? Éste es, sin duda,
un criterio más englobador y más acorde con el acontecer. Desde esta
óptica se puede contemplar tres etapas histórico-fotográficas que hablan de
la situación socioeconómica del país y que, sobre todo, se refieren a tres
momentos claves, tres situaciones diversas del fotógrafo, el objeto
fotografiado, el espectador y, en síntesis, el de la fotografía. Estos lapsos
serían los de la fotografía elitesca (1840 hasta principios del siglo XX); el de
la fotografía masificada (principios del siglo hasta 1940); y el de la
fotografía profesional (1940-1980). Basándonos sobre estos cortes
temporales ofrecemos al lector, en forma capitulada, un recuento sucinto
de este proceso histórico.

LA FOTOGRAFÍA ELITESCA (1840 HASTA PRINCIPIOS DEL SIGLO XX.

PRIMERA FASE: DEL DAGUERROTIPO AL CALOTIPO)
Si bien se puede afirmar que esta etapa abarca en Venezuela hasta los
inicios de este siglo, se hace necesario aclarar que este largo período
comprende, a su vez, varias fases diferenciadoras, debido a que esos años
la fotografía tiene una evolución extraordinaria desde el punto de vista
técnico, hasta tal extremo que se puede afirmar que, para comienzos del
siglo XX, los problemas de invención en este tiempo estaban resueltos en
casi su totalidad: la variación de soporte, el tiempo de exposición, el
perfeccionamiento de los lentes, la posibilidad de obtener copias de un
original y las dimensiones y el costo de las cámaras.

En Venezuela, una primera fase aproximativa de este lapso está

determinada por la llegada de dos técnicas al país: el daguerrotipo y el
calotipo. Francia hace público el invento a través de la Academia de
Ciencias y de Bellas Artes en agosto de 1839. Algunos meses después, el
cuatro de febrero de 1840, nuestro país recibe la noticia a través del Eco
Popular, si bien ya el treinta de julio de 1839 el Correo de Caracas había
anunciado su existencia. El once de febrero de 1840, este mismo periódico
anuncia la llegada de un daguerrotipò contentivo de una vista del museo de
Louvre, en Paris. El siete de diciembre de 1840, Antonio Damirón,
comerciante francés, intenta traer un equipo de daguerrotipia, el cual se le
extravía en la aduana de la Guaira.
El veintiocho de diciembre de 1841, llega Francisco Goñiz con su equipo
fotográfico, constituyéndose en el primer fotógrafo que capta imágenes en
Caracas. Tras cuatro meses en la ciudad ofrece sus artefactos en venta
antes de partir al exterior. Para entonces se encuentra en Venezuela,
aunque también por poco tiempo, José Salvá, quien lo secundará en el
oficio. José Antonio o J. V. González- utiliza ambos nombres en la prensa-,
de quien se piensa sea el primer fotógrafo venezolano, ofrecerá más tarde
sus trabajos fotográficos, después de adquirir las máquinas vendidas por
Salvá antes de su partida. Una academia de daguerrotipia es fundada en
1843 por otro francés, Fernando Le Bleux, también de paso. De la misma
nacionalidad es Monsieur Antoine, que se anuncia como vendedor tanto de
armas como de daguerrotipos. Por esos años, las epidemias sacuden a la
población. Algunos fotógrafos, como es el caso de J. T. Castillo, se ofrecen
para captar las imágenes de las víctimas. Otros muchos viajeros llegan a la
capital como meteoros y sus huellas apenas se vislumbran: Taats y Cross,
S. L. Loomis, G.C. Grane y H. Robert son apenas algunos de ellos.
Simultáneamente se ofrecen cosmoramas-variaciones o vistas- a los cuales
se considera una gran diversión.

Lo restringido de la fotografía se aprecia en el fotógrafo-en su mayoría

extranjero o personas del país con buena posición económica-; el tema-
sobre los hombres importantes (económica y políticamente) y sus
allegados-; y la difusión, ya que su uso en estos momentos es casi íntimo-
álbumes familiares, decoraciones interiores, adornos personales.
Lamentablemente es poco lo que se ha conservado de esta fase.

En 1854, Basilio Constantin ofrece retratos, mediante la técnica del

daguerrotipo sobre papel- parece tratarse del calotipo. Para estos
momentos se anunciaba, a través de la prensa todo tipo de variedades de
la técnica de Daguerre: soporte de porcelana, de marfil, pero sobre todo de
hierro, habían servido ya de soporte fotográfico. Con el papel se comienza
una nueva etapa.

LA FOTOGRAFÍA ELITESCA: DEL CALOTIPO HASTA LA APARICIÓN EN

LA PRENSA (1852-1884)
Solo treinta y siete años separan la publicación de los primeros anuncios de
fotografía sobre papel y de la primera fotografía en la prensa venezolana.
En estas tres décadas ocurren en el mundo, desde el punto vista técnico,
los cambios más significativos de la historia de la fotografía, los cuales
influyen en la forma y usos de este lenguaje.

En Venezuela, a pesar de ambigüedad de los anuncios de prensa y de las

informaciones relativas al desarrollo de la técnica, el anuncio de los
“daguerrotipos al papel”, por parte de Basilio Constantin, sugiere la
utilización en nuestro medio del llamado calotipo. El proceso del calotipo,
creado por Henry Fox Talbot (1800-1877), fue particularmente importante,
a pesar de que su fama, durante mucho tiempo, fue opacada por la del
daguerrotipo y su creador Louis Jacques Mande Daguerre (1799-1851). Fox
Talbot había comenzado sus experimentos sobre el papel en 1834 y ya para
1840 había logrado perfeccionar un procedimiento que permitía obtener
copias de un original, además de disminuir notablemente el tiempo de
exposición de cada fotografía, ya que en solo minutos podía captarse una
clara imagen. En 1844, el inventor inglés publicó su primer libro de
fotografías: The Pencil of Nature.

El calotipo tuvo gran impacto en algunos países, incluso en la misma

Francia, al punto de que los años cincuenta-sesenta del pasado siglo han
sido considerados como la edad de oro de la fotografía, debido a la
exquisitez con que los fotógrafos de esa nación trabajaban el papel.

Sin embargo, otras dos técnicas con el vidrio como soporte compartían con
el calotipo las preferencias de los fotógrafos; el vidrio albuminado de Abel
Niepce de Saint- Víctor, de 1848, y el colodión húmedo de Frederick Scott-
Archer de 1850. Cada una tenía particulares cualidades y limitaciones, lo
que generaba grupos de defensores y detractores.

La utilización de una y otra técnica en Venezuela es un tema sobre el cual

todavía debe investigarse con precisión, aunque existen datos exactos
sobre la utilización de la técnica al colodión húmedo en nuestro medio por
parte del naturalista húngaro Pal Rosti (1830-1872), el cual viajó a América
entre 1856 y 1858, escribió un voluminoso libro sobre experiencia en
Venezuela, México y Cuba, produciendo un interesante material fotográfico-
paisajes- sobre estos lugares[1].
En cuanto a los fotógrafos, además del señalado viajero húngaro cuya
actividad se concentró en la fotografía paisajística, científica y descriptiva,
se conserva meritorias obras de Federico Lessmann, muchas de las cuales
son también paisajes, realizadas principalmente en Caracas y con una
óptica diferente de la del húngaro. Lessmann ofrecía talbotypos, vidriotypos
y daguerrotipos a través de la prensa.

Concentrados en el retrato de estudio se hallaban por su parte el

comerciante e inventor Próspero Rey, Santiago Brito y los pintores
Gerónimo y Celestino Martínez, a quienes secundarán en los años
siguientes José A. Salas y Martín Tovar y Tovar.

Los usos y temas de la fotografía se amplían considerablemente aunque el

retrato sigue siendo lo más trabajado. El hecho de que el paisaje quede un
tanto relegado tiene mucho que ver con los todavía largos tiempos de
exposición y, sobre todo, el excesivo peso de los artefactos, que no facilitan
el traslado de los fotógrafos. Las vías de aprendizaje siguen siendo la
transmisión oral y el trabajo práctico en los estudios y academias.

La difusión de los materiales fotográficos todavía es limitada, debido a la

imposibilidad de ser impresa que tiene la fotografía. Por otra parte, las
exhibiciones son bastantes escasas, siendo el invento más importante de
este tiempo la apertura de la exposición Café del Ávila, el veintiocho de
julio de 1872, en la cual participaron escultores, pintores y fotógrafos
exhibiendo sus obras. En esta ocasión llamaron mucho la atención las
imágenes fotográficas de Próspero Rey.

Pero si bien tienen lugar hechos de alguna importancia en el campo de la

fotografía, durante este tiempo y en líneas generales ésta continúa siendo
de carácter elitesco tanto en lo referido al fotógrafo como en cuanto al
fotografiado, al uso y a la difusión de la misma.

El ingreso de la fotografía en la prensa marca otro hito de importancia en

este proceso. Resulta interesante que, ya en 1857, el Diario de Avisos y
Semanario de las Provincias hubiese publicado dos grabados hechos a
partir de dos daguerrotipos, los cuales representaban el antes y el después
de una operación del rostro practicada a un enfermo en la ciudad de
Maracaibo; pero no es sino hasta el treinta y uno de marzo de 1889, cuando
una publicación del país, el Zulia Ilustrado, incluye fotografías en las
páginas. A unas y otras imágenes las une el hecho de que sean de carácter
médico y que provengan de Maracaibo. Sobre la autoría de las últimas
imágenes, existen todavía dudas, ya que el texto que acompaña las
gráficas hace suponer que fueron tomadas por el mismo médico que realizó
la operación quirúrgica, el doctor Alcibíades Flores.

Con la integración de la imagen fotográfica en la prensa es que va a

comenzar una nueva etapa, en la cual las imágenes van a inundar la vida
del hombre, a pesar de que éste paso, en Venezuela, no ocurrió con la
rapidez que podía esperarse, ya que de la publicación de las primeras fotos
en la prensa a la generalización de su uso en las publicaciones, transcurrió
un tiempo considerable.

LA FOTOGRAFÍA ELITESCA: DEL FOTOGRABADO A LAS PRIMERAS

INSTAMATIC (1889-1920)
La importancia que comienza a adquirir la fotografía en Venezuela, en este
lapso, tiene mucho que ver con dos situaciones: la primera, de carácter
externo, se refiere a la evolución técnica, concretamente a los avances
obtenidos en los mecanismos y dispositivos fotográficos, los cuales
permiten la fabricación de cámaras portátiles económicas y livianas; la otra,
interna, tiene que ver con la situación del país desde el punto de vista
económico-nos referimos a la circunstancia que vive Venezuela al dar sus
primeros pasos en el negocio petrolero. Bien podría considerarse esta etapa
como una fase de transición entre la fase en la cual la fotografía es aún
elitesca y la siguiente, cuando se puede hablar de su masificación en
nuestro medio.

Técnicamente, en el mundo, los mayores logros son la comercialización de

la película de celuloide, por parte de la firma Eastman, en 1889, lo cual
permite el desarrollo de los proyectores y de la cámara de cine; y la del
proceso de color- auto chrome-, en 1912. Friedrich Deckel, en Alemania
inventa el obturador compur, para controlar velocidades. Ya no constituyen
obstáculos, para trabajar en esta profesión, el manejo de las cámaras, el
precio ni el peso, ni las dimensiones de los artefactos.
En Venezuela la kodak tiene establecido su mercado; se anuncia con
regularidad ofreciendo cámaras, placas para tomas instantáneas y
materiales diversos, al tiempo que en algunas casas del ramo se venden
equipos de cinematógrafos. Las más importantes distribuidoras son, y
seguirán siéndolo durante las siguientes décadas, la de Manuel Caraballo
Gramcko, la de Roberto Lucca y el almacén americano.

Entre los múltiples ofrecimientos que se publican en la prensa no hemos

encontrado nada que se refiera concretamente a los nuevos procedimientos
de fotografías a color, aunque abundan anuncios de trabajos fotográficos
coloreados manualmente.

El aprendizaje de las fotografías se hace, sobre todo, a partir de manuales;

también se aprende la técnica en los estudios los cuales funcionan como
talleres permanentes. En ellos además, se llevan a cabo exposiciones de
pintores y fotógrafos; desde principio de siglo, en la Escuela de Artes y
Oficios de Caracas, se dictan clases de fotografías para damas y caballeros,
aunque en grupos separados, y algunos fotógrafos, como Gray y Steadman,
ofrecen clases a domicilio.

Una publicación, en especial, cumple funciones de enseñanza y promoción

de los fotógrafos. Se trata de El Cojo Ilustrado (1892-1915), que acoge y
difunde en sus páginas los trabajos de los mejores artistas del momento. Se
promueve allí el nombre de Luis Felipe Toro- torito-(¿1881?-1955), quien se
inició allí como reportero; también aparecen regularmente las imágenes de
Henrique Avril (1866-1950), y las de los demás fotógrafos destacados del
momento, como es el caso de Pedro Ignacio Manrique (1863-1926).

En los años veinte del siglo XX, otra publicación, Actualidades, bajo la
dirección del escritor Rómulo Gallegos, valora y proyecta el trabajo de
algunos de estos fotógrafos. Ya en la primera década, J.J, Benzo ha
realizado una importante serie de imágenes sobre los comercios de la
ciudad.

En 1912, Manrique recibe varios  galardones: en la Exposición de Verano de

Viena, en la Exposición de fotografía de Londres, en la Exposición de Arte
en Paris, y en Venezuela en El Cojo Ilustrado. Avril ha retratado de manera
inolvidable los efectos de la revolución libertadora en 1902, en imágenes
que expresan una nueva manera de mirar el objeto fotográfico y nuestro
medio. En 1920, la revista La Hacienda- de agricultura, industria de bellas
artes-, promueve un concurso donde incluyen también a la fotografía. En él
son premiados Ramírez y Co., Manrique y Co., J.A. Balda, E. Rey y Delima
Hnos. como curiosidad, la casa de Baralt ofrece retratos “a lo Rembrandt”.

Este impulso adquirido por la técnica y sus cultores en una Venezuela

todavía rural, mucho tiene que ver con la nueva situación económica. En
1917 se inicia la comercialización del petróleo en Venezuela. Para 1926 las
exportaciones han disminuido visiblemente, con excepción del petróleo, y
las importaciones aumentan señalando el signo que hasta hoy ha
perdurado en nuestra economía: Venezuela comienza a aparecer, a los ojos
de las grandes firmas fotográficas, como un mercado atractivo para sus
negociaciones.

EL TRÁNSITO DE LA FOTOGRAFÍA ELITESCA A LA MASIFICADA: DE

LA CÁMARA PORTÁTIL A LA POLAROID (1920-1940)
Breve, densa y no suficientemente estudiada, la etapa que va de la
fotografía elitesca a la masificada en Venezuela ésta marcada por múltiples
aspectos, en los que se entremezclan la llegada de nuevos adelantos o,
para ser más exactos, los perfeccionamientos técnicos con las
transformaciones de orden social y económico. Esto hace que los hitos no
puedan señalarse con tanta precisión y exactitud como en los momentos
precedentes, cuando la introducción de una variante en la técnica
determinaba cambios a veces radicales en su uso.

La dinámica, mucho más acelerada que en el anterior proceso, permite que

en aproximadamente veinte años, proliferen las actividades fotográficas y
empiecen a deslindarse los distintos campos de acción, por donde habrán
de transitar los nuevos fotógrafos venezolanos.

Si no hay duda de que la evolución de la técnica en el exterior, sumadas a

las nuevas condiciones económicas que se plantean con la comercialización
del petróleo, incide favorablemente en el desarrollo fotográfico en el país,
está aún por estudiarse la influencia y el impacto que han podido ejercer la
crisis de 1929 y la segunda guerra mundial en el correspondiente flujo de
importaciones del exterior. Sobran testimonios de fotógrafos
contemporáneos a estos hechos, quienes, ante la escasez de materiales,
tuvieron que compartirlos en más de una ocasión con otros profesionales y
acostumbrarse a laborar aprovechándolos al máximo. La guerra, con sus
exigencias estratégicas, aceleró el desarrollo de la técnica en el exterior y
cambió a Venezuela, de país agrícola que era, en país primordialmente
exportador de petróleo, al constituirse en uno de los más importantes
proveedores del producto a nivel mundial.

La técnica y la comercialización de la fotografía

El siglo XX, desde el punto de vista fotográfico, puede considerarse como la

época del perfeccionamiento. Si bien todos y cada uno de los mecanismos y
dispositivos tienen ese propósito, es necesario destacar a tres de ellos: el
flash- en 1929, es producida la primera lámpara de flash de calidad
aceptable y, en 1934, el flash electrónico-; el color – con las películas
kodakchrome- y el sistema Polaroid de fotografía instantánea-blanco y
negro-, este último al comienzo de la postguerra.

En Venezuela, durante los años veinte se vende con éxito, a través de

tentadores anuncios dirigidos a atraer al público femenino e infantil, las
cámaras portátiles; en los treinta llegan los primeros flashes y en los
cuarenta las Polaroid. La fotografía a color, entretanto, llega al país pero
demora en asentarse.

El quehacer fotográfico

Algunos de los adelantos técnicos vienen a Venezuela en el equipaje de los

fotógrafos  que por una u otra causa vivieron o visitaron otros países. Pedro
Ignacio Manrique Arvelo, por ejemplo, anunciaba su llegada y,
simultáneamente, el arribo de nuevas técnicas. Su descendiente, el doctor
Pedro J. Manrique Lander, lo señala como el fotógrafo que introdujo el color
en nuestro medio, información que no ha podido ser confirmada en toda su
magnitud. Manrique, quien fallece en 1926, realiza una amplia labor en sus
últimos años, dejando, a través de muchos de sus alumnos – ayudantes en
el taller, una escuela de estilo muy definido, principalmente en la fotografía 
estudio. Su hijo, Pedro Antonio Manrique, se encarga del taller en los años
siguientes. De allí salen M. Pietri, M Ramírez y Oscar Toro, entre otros.

En los años treinta son Luis Felipe Toro- Torito- y Carlos Herrera quienes
traen y utilizan el flash para trabajos nocturnos y en lugares oscuros y
sombreados.

La muerte del general Juan Vicente Gómez, hecho señalado como un hito
que marca  el inicio de la Venezuela contemporánea, hace que algunos
fotógrafos cambien el rumbo de sus trabajos: Manrique hijo ingresa en el
Departamento de Fotografía del Ministerio de Obras Públicas (MOP), al cual
también se incorporaron algunos de los mejores fotógrafos  del país. Otros,
como Toro, se concentran en su trabajo privado y a domicilio por algún
tiempo.

Durante estos años se amplían los canales d aprendizaje, pero sobre todo
los de difusión de la fotografía; el taller, la ya tradicional clase a domicilio,
los manuales y la Escuela de Artes y Oficios continúan funcionando como
vías principales de enseñanza. La prensa se constituye, como es el caso del
diario Panorama, de Maracaibo, en otro vehículo para la formación  del que
quiere acceder a la técnica al difundir la sección “La gacetilla del fotógrafo
aficionado”, que circulaba en dicho diario zuliano. En cuanto a exposiciones
se refiere, a las muestras más o menos regulares de los talleres, se suman
las organizadas por la revista La Hacienda. En 1934 es el Ateneo de
Caracas el que abre el primer salón Fotográfico de Caracas, donde exponen
treinta y cinco amateurs, entre  quienes destacan Alfredo Boulton, Roberto
J. y Margot Lucca, G. Rivero, R. J. Basalo  y Carlos Lenfant. Boulton expone
individualmente en 1938 en el mismo lugar; en 1944 lo hace en el Museo
de Bellas Artes de Caracas; dos años después en el Museo de Arte Moderno
de Nueva York y luego en el Edificio Planchart en 1948. Este mismo 
fotógrafo publica el que, al parecer se constituye como el primer libro de
fotografías editado en nuestro medio. Se trata de imágenes del occidente
venezolano, aparecido en 1940.

Por otra parte, el aumento del poder adquisitivo, la simplificación de los

procedimientos fotográficos  y el abaratamiento de las cámaras estimulan,
recién terminada la segunda guerra mundial, la apertura de un mercado
más amplio.

La imagen fotográfica, ahora sí, inunda la vida del venezolano. La fotografía

está en el estudio, en el taller, pero también se encuentra en la plaza, con
un telón de fondo improvisado y portátil, al tiempo que se incorpora a los
procesos electorales.

Con referencia al tema, éste es totalmente variado y la persona

fotografiada, en contraposición al pasado, cuando relativamente pocos
podían costearse un retrato, puede ser tanto un mestizo como un obrero o
un analfabeta. Más, el estilo, la forma y, en algunos casos, los decorados
dependen, al igual que en el pasado, de los centros originarios de la
técnica. El aumento del número de cámaras, pero esencialmente el
aumento de fotógrafos anónimos y aficionados, impulsan un proceso de
distinción o deslinde de formas de ver y afrontar el trabajo fotográfico, que
se extiende hasta nuestros días. De esta manera, se anuncia una nueva
etapa en la que el fotógrafo será considerado amateur o profesional y podrá
seleccionar entre la exploración de la fotografía científica, artística,
documental, periodística u otras, si bien, estas clasificaciones quedarán
siempre cortas, ante la incontenible maraña de eso que llama realidad y
ante este lenguaje que juega con la memoria y el tiempo y que oscila entre
el sueño y la vigilia.

Este período significa, en síntesis una verdadera apertura que pone al

alcance de las masas lo que hasta entonces en Venezuela había resultado
un curioso privilegio.

LA FOTOGRAFÍA PROFESIONAL (1940-1980)

En el proceso de masificación que vive la fotografía, el cual se inicia en los
años veinte, las últimas décadas pueden caracterizarse por un hecho que
diferencia este etapa de la que le precede, si bien se desarrolla bajo su
influjo. El deslinde de las distintas especialidades fotográficas en Venezuela
se produce en forma de espiral, ampliando el interés por este lenguaje y
provocando situaciones no del todo armoniosas.
En un ambiente donde la consigna de la felicidad parece ser comprar y
consumir más, la fotografía no representa una excepción como fenómeno,
aunque muchos de sus seguidores se opongan a esta situación e, incluso, 
se pronuncien críticamente ante este hecho con su propio trabajo
fotográfico. El aumento poblacional y de los recursos económicos y, en
especial, la intensificación de campañas publicitarias bien orquestadas, con
la radio y la televisión como medios, van a lograr no solo la masificación de
la fotografía, sino también de la familiarización total con las imágenes
fotográficas, las cuales se asientan en el quehacer cotidiano, puesto que la
imagen sirve para todo y está en todo.

Ello, como es lógico, se traduce en el aumento indiscriminado de

“portadores de cámaras”; surge la necesidad de diferenciar el trabajo
emprendido por algunos como una profesión formal, de aquel que realizan
con mayor o menor éxito, los llamados fotógrafos aficionados. Nacen
especialidades, formas de entender el hecho fotográfico y se pronuncian
también a su vez, aquellos que, atraídos por la fotografía como fenómeno,
comienzan a plantear y exponer teorías.

La organización, clasificación, preservación y difusión de imágenes se

comienza también a plantear como rama de estudio y experimentación en
el país. Se presenta entonces una curiosa circunstancia en la cual el
fotógrafo, al ser separado de su obra se siente a veces saqueado por
organizadores de colecciones y teóricos.

Las distintas especialidades fotográficas van definiéndose en la práctica. El

ingreso temprano de la fotografía en las publicaciones hemerográficas
permite que los fotógrafos que trabajan en el medio periodístico se agrupen
y organicen gremialmente antes que en otras ramas. Estos fotógrafos se
tropiezan con reglas a veces rígidas, presionados por la inmediatez de su
trabajo, pero, entre ellos, sobresalen algunos como es el caso de Luis Felipe
Toro, Francisco Edmundo gordo Pérez, Juanito Martínez Pozueta, Héctor
Rondón, José Sardá y Luigi Scotto, cuyo trabajo, imparte, traspasa las
exigencias de la mera captación del suceso. Y entre las más recientes
generaciones, algunos como Sandra Bracho. También llegan fotógrafos del
medio “artístico”, como es el caso de Vasco Szinetar, quien aporta sus
trabajos retratísticos, un tanto inusuales en la prensa.
Igualmente se va definiendo una línea de trabajo científico o auxiliar de las
ciencias, campo en el cual inicia escuela Carlos Herrera-microfotografía y
aerofotografía. Herrera trabaja en Cartografía Nacional y logra establecer
un espacio para la fotografía en la Facultad de Ciencias de la Universidad
Central de Venezuela, preparando a los jóvenes científicos en esta área, sin
olvidar el significado de la técnica como lenguaje. Por otra parte, Rubén
Núñez plantea un nuevo camino con sus experimentos holográficos.

Exigencia del propio desarrollo capitalista la foto publicitaria se establece

también gremialmente. Este tipo de imagen, realizada a veces con muy
buenos resultados, refleja, sin embargo una marcada influencia extranjera.
En oportunidades, este campo subsidia al fotógrafo su otro trabajo, aquel
que quiere realizar corriendo sus propios riesgos.

Mientras se consolidan las especialidades, ocurren algunas interesantes

transformaciones en el mundo fotográfico, como sucede en los foto-
estudios. Durante este tiempo, debido a la misma dinámica de la sociedad-
la imagen fotográfica como requisito de identificación-, la foto-estudio se ve
desplazada de su sitial de honor, que ocupaba en Venezuela desde la
llegada de la técnica. El estudio será ahora el lugar donde se “resolverá”,
con resultados más o menos satisfactorios, la exigencia del trámite, o
“necesidad” de preservar el momento, familiar o social extraordinario. De él
desaparecerán prácticamente las tareas de aprendizaje y raras veces será
ahora lugar de exhibiciones o confrontaciones fotográficas, el efecto del
deslinde profesional, las creaciones de escuelas y academias y la apertura
de las galerías y los museos a este lenguaje, facilitan este hecho.

Uno de los desarrollos más complejos e interesantes tiene lugar en la

llamada fotografía “artística”, la cual comprende una variada de
manifestaciones; desde la llamada tendencia “documentalista”-término tan
discutible como el anterior (“artístico”)-, hasta las nuevas formas de
entender la fotografía, que se engloban dentro del arte no convencional.

La discusión sobre lo que es o no un documento se presentan como otra de

las polémicas sin solución definitiva. Las obras que se contemplan como
documentales pueden provenir por igual del reporterismo que de la foto
científica, o ser creadas con la clara idea de realizar una obra de arte.
Dentro de la fotografía- arte se ubica el trabajo pictórico de Carlos Herrera y
el que realiza Alfredo Boulton.

En la década de los sesenta- setenta en medio de un  movimiento cuyo eje

parece ser la crítica política o social, acorde con la situación coyuntural del
país, sobresalen los trabajos, desde muy diferentes ópticas, de Paolo
Gasparini, Claudio Perna y Gorka Dorronsoro, pero también con un enfoque
diverso, se presentan los de José Sigala. Thea Segall, por su parte, está
realizando, desde 1958, sus registros fotográficos (indígenas, pesca) y sus
secuencias de costumbres.

En los años siguientes es cuando comienzan a mostrar sus trabajos los

fotógrafos de El Grupo, constituido éste por Vladimir Sersa, Ricardo Armas,
Jorge Vall, Alexis Pérez Luna y Luis Brito, quienes plantean con sus fotos, y
la manera como éstas son exhibidas, un tipo de crítica social. En esta línea,
aunque su temática y su estilo sean diferentes, comienza a exhibir su
trabajo Federico Fernández; Miguel García se dedica a la fotografía de
teatro. Posteriormente cabe mencionar a Ana Luisa Figueredo, Enrique
Fernández D´Jesús, Julio Vengoechea, Félix Molina y Soledad López, quienes
expresan también variadas formas de confrontación con el hecho
fotográfico.

En un momento intermedio entre éstos y el grupo que actualmente

comienza a exhibir sus trabajos, destacan Orlando Hernández, con una
fotografía casi periodística y Carlos Germán Rojas, con sus acercamientos a
su contexto social inmediato.

En los últimos años se distinguen dos formas de trabajo, principalmente

entre los noveles: por una parte Rafael Savatore, Mariano Díaz y Álvaro
García Castro, con su trabajo “documental” concebido expresamente como
tal, y, por la otra, un grupo de jóvenes que expresan una búsqueda más
estética e íntima donde se encuentran Antolín Sánchez, Luis Salmerón,
Rodrigo Benevides, Oswaldo Blanco y otros.

Pero al lado de éstos fotógrafos que comienzan a explorar el lenguaje, o a

exhibir sus trabajos, persisten con su obra aquellos que hace diez y aún
veinte años o más comenzaron a exponer, muchos con una orientación
filosófica nueva, otras preocupaciones, mayor o menor maduración de ideas
y oficios. Es el caso de los integrantes de El Grupo, quienes realizan
exposiciones individuales.

Más todo esto, sin embargo, resulta apenas una caricatura de la realidad-en
parte se dejan de lado numerosos nombres, sucesos y hechos importantes-,
ya que el proceso que se desarrolla en los últimos veinte años resulta de
difícil estudio y sistematización, debido a la profusión de manifestaciones
que se producen tanto en el plano práctico como en el teórico. Además, y
como siempre ocurre cuando se trata de la historia de los contemporáneos
los hecho resultan demasiado cercanos para poder analizarlos de manera
precisa. Todos estamos comprometidos con el propio desarrollo de los
sucesos. Empero, y a pesar de lo arriesgado que puede resultar plantear
líneas de análisis para semejante conglomerado, puede señalarse que el
fenómeno que marca este proceso no está ni en el planteamiento de
problemas neurálgicos, ni en el hecho de que el fotógrafo pase de una
preocupación social y política en los años sesenta a una despreocupación
aparente en nuestros días, sino en la ampliación del universo fotográfico,
por efecto de la misma masificación, universo en el cual se encuentran
ahora, al lado del creador, custodios, curadores, conservadores, analistas,
historiadores, críticos y difusores. Todo un mundo de imágenes, palabras,
acciones y códigos que giran en torno y dependen del producto fotográfico.

Las vías de difusión

Como parte del proceso de masificación y profesionalización de la fotografía

en Venezuela durante los años que nos ocupan, se abre nuevas vías de
difusión para la técnica, entre las cuales la que resulta más dinámica e
importante es la referida al campo museológico, ya que, alrededor de ella,
se comienzan a consolidar las otras formas de promoción de este lenguaje.

Exhibiciones

Es en los últimos veinte años cuando en Venezuela la fotografía ingresa

formalmente al área museística, lo cual, además de responder al interés
que despierta la técnica, se produce, sobre todo, como consecuencia de la
evolución de este tipo de institución en el país. A su vez, esta misma
actividad genera algunos de los primeros intentos de teorización que sobre
la fotografía se realizan en nuestro medio.

En 1938, se inaugura el Museo de Bellas Artes d Caracas el cual, aunque al

principio tímidamente, va incorporando la fotografía a sus programaciones.
Ha quedado atrás la exposición del Café del Ávila de 1872, cuando se
expusieron las imágenes fotográficas de José Antonio Salas y Próspero Rey,
junto a los principales pintores y escultores de la época; también han sido
superadas las exhibiciones regulares de los talleres fotográficos (Manrique
y Co. O Ramírez y Co.). Cuatro años antes, apenas en 1934, se había
organizado, en el Ateneo de Caracas, el Primer Gran Salón fotográfico de la
capital.

El polémico nacimiento de la Galería de Arte Nacional, en 1976, ofrecerá a

la larga mayores alternativas para los fotógrafos: el MBA se dedicará por
algún tiempo a presentar muestras de fotógrafos extranjeros y la GAN se
concentrará en los fotógrafos venezolanos y los trabajos cuyo objeto
fotográfico sea el país.

La creación del Museo de Arte Contemporáneo en 1974 servirá para

motorizar, junto a algunas nuevas salas, este interés por la imagen. En
estos lugares se llevan a cabo importantes muestras fotográficas, tanto
individuales como colectivas.

La inclusión de la imagen fotográfica en los programas expositivos y el

propio desarrollo de este tipo de organismos contribuyen a que se tome
conciencia de la necesidad de rescatar, conservar y restaurar las imágenes.
La formación de recursos humanos especializados en el área museística y la
creación de departamentos o secciones dedicadas al resguardo y cuidado
de obras de arte estimulan notablemente el interés por este tipo de tareas
que, a su vez, hace que se confronten otros problemas relacionados con el
almacenamiento, la clasificación y la catalogación de los materiales. A
partir de 1978, el Instituto Autónomo Biblioteca Nacional crea una sección
específica de fotografía y comienza a “experimentar” en esta área. Por otra
parte, el Centro Venezolano Americano organizó en 1980 unos importantes
cursos sobre conservación y restauración de fotografías, destinados, en
especial, a los encargados de estas tareas en las distintas instituciones que
cuentan con fotografías entre sus adquisiciones.

Ateneos y salas de cultura promueven fuera de la capital, en la medida de

sus posibilidades, este tipo de creación. Lo mismo ocurre con los nuevos
museos y las salas de exhibición de las universidades y las escuelas de
artes plásticas.

Las galerías privadas-aunque en mucho menos escala, debido aunque la

fotografía no es un objeto fácilmente vendible- también participan de esta
promoción. La “Viva México” se convierte en unos de los pocos lugares que
regularmente expone trabajos fotográficos; asimismo, la librería Cruz del
Sur exhibe en su interior algunas muestras de este lenguaje. A partir de
1978, aunque no durante mucho tiempo, se abre la Fototeca, en cuyo
espacio se une la exhibición exclusiva de fotos con la discusión del hecho
fotográfico y la venta de materiales de o sobre fotografías.

Publicaciones

Escasas excepciones, la publicación de materiales de fotografía surge a

partir de la actividad museística, ya que son pocas las publicaciones de o
sobre fotografías que se hacen en el país al margen de las exhibiciones-
entre ellas pueden mencionarse la publicación de algunos trabajos
fotográficos de Paolo Gasparini, Claudio Perna, el Grupo y Phea Cegall,
entre otros, además de los incluidos en la bibliografía, referidos estos
últimos a estudios sobre la técnica. No se ha realizado en este tiempo
tampoco ningún plan editorial específico sobre el lenguaje.

En contra posición, la actividad museística genera un buen número de

publicaciones. Cada muestra de fotografía va acompañada de un texto de
variables características. En el caso de los principales museos se editan
textos extensos y se incluyen muestras de la exposición. Las galerías
privadas y las pequeñas salas editan afiches informativos, hojas
multigrafiadas o modestos catálogos de estas exposiciones.

Simultáneamente, y en especial los últimos años, los diferentes diarios

publican notas, reseñas, comentarios y artículos sobre fotografía.
Ahora y Élite, primero y después El Farol, Shell y la revista M, entre otras,
dedican algún espacio para la publicación de fotografías.

Eventos

Una curiosa situación se presenta con los eventos centrados en la discusión

de la fotografía, ya que a pesar del auge adquirido por la misma en
Venezuela, hasta hace poco tiempo, sobre todo en el último año, no se
habían dado encuentros significativos y autónomos dedicados a este
lenguaje.

Durante este lapso, los fotógrafos y teóricos de la fotografía en el país

participaron constantemente, como invitados u observadores, en
encuentros internacionales.

Así, la creación del Consejo Venezolano de la Fotografía surge vinculada a

la fundación de consejos nacionales de la especialidad en otros países de
América Latina, participantes del Primer Coloquio Latinoamericano de
Fotografía celebrado en 1978, en México. Las reuniones de trabajo en la
“Casa del Agua Mansa”, en 1981, mucho tuvieron que ver con el Segundo
Coloquio Latinoamericano, y dieron pie, a su vez, a la Asociación
Venezolana de Fotografía. En general, los intentos por agruparse y por
desarrollar movimientos dentro del país no han resultado exitosos y solo se
mantienen pequeños grupos por amistad.

Desde el punto de vista de los eventos, 1986 se inicia con asombroso vigor.
En enero, en el Ateneo de Caracas tiene lugar un encuentro para discutir
sobre la fotografía de los años ochenta; en febrero, el Primer Simposio
Nacional d la Fotografía, en la Universidad Simón Bolívar; en junio, el
Encuentro por la Fotografía en el estado Carabobo y, en agosto, un ciclo de
talleres de fotografía en el estado Zulia, todo lo cual marca un precedente,
ya que los anteriores fueron escasos y muy ligados a eventos expositivos y
al extranjero.

Concursos
Otra forma de difundir el trabajo fotográfico la constituye el concurso de
fotografía. El Consejo Nacional de la Cultura y el Instituto Autónomo
Biblioteca Nacional organizan anualmente concursos de la especialidad los
cuales, si bien son diferentes, culminan ambos en exhibiciones. Centros
educativos, asociaciones y fundaciones han promovido confrontaciones de
este tipo, en especial en los últimos años.

Apreciaciones Generales

La observación, aunque muy a groso modo, del desarrollo de la fotografía

en Venezuela se ofrece un tanto desigual volcada- aunque con algunas
excepciones[2]– hacia la tarea d difusión de los materiales fotográficos.
Escasas siguen siendo las oportunidades que los interesados de la
fotografía en Venezuela para realizar un aprendizaje sistematizado y formal
en Venezuela, dependiendo de la curiosidad y el interés individuales, o de
la concesión de becas de estudio en el exterior; esto último cada vez más
difícil de obtener. Esta tendencia (hacia la difusión) resulta bastante
peculiar, si se compara con el desarrollo adquirido en este plano en otros
países, mas corresponde plenamente a las formas, el estilo de vida y la
escala de valores características de la sociedad e l que nos desenvolvemos.
Empero, la situación que desde el llamado “febrero negro” 1983 vive el
país, la articulación de esfuerzos aislados y  la llegada de un buen número
de estudiantes que ha realizado su aprendizaje en el exterior, junto a la
consolidación de lo ya obtenido hasta el presente, posiblemente
comenzará   mover la balanza de manera favorable hacia actividades de
estudio, análisis y aprendizaje, lo cual debe producir, como resultado, un
mayor equilibrio entre la preparación de nuevos recursos humanos, el logro
de mejores resultados desde el punto de vista formativo y la necesaria
proyección del conocimiento

Algunos comentarios generales

Por ser la fase de consulta de fuentes una de las tareas más complicadas,
en el caso de los estudios de la fotografía en nuestro país, se señala a
continuación algunas apreciaciones:
 1. En primer término, hay que destacar que mientras la consulta de
fuentes relativas a Venezuela se dificulta por la escasez y dispersión
de las  informaciones, en el caso de la fotografía mundial, la mayor
traba se encuentra en las tareas de selección, ya que en el universo
de publicaciones relativo a este lenguaje se encuentra desde el
material más especifico hasta las más amplias generalidades. En este
caso, se ofrece una bibliografía  relativa a Venezuela, por responder a
la orientación de todos los capítulos publicados y porque, en las
publicaciones se recomiendan, se reseñan algunos trabajos básicos
para el estudio de la técnica en el exterior.
2. Correspondiendo al peculiar desarrollo de la fotografía en el país, las
tres fuentes de información por excelencia- sin olvidar las de carácter
documental- son:
1. Las fuentes orales (entrevista a fotógrafo y/o descendientes).
2. Las fuentes hemerográficas (periódicos y revistas).
3. Los catálogos editados con motivos de exhibiciones.
La enumeración de trabajos en los dos últimos tipos de fuente resultaría de
gran extensión, por lo que nos limitamos a reseñar de manera exclusiva
algunos materiales por considerarlos esenciales desde el punto de vista
histórico.

FUENTES CONSULTADAS
ABREU, Carlos, Evolución del periodismo fotográfico. Caracas, tesis de
grado, Universidad Central de Venezuela, Facultad de Humanidades y
Educación, Escuela de Comunicación Social (mimeografiado), 1978.

Para ampliar la información ver los siguientes artículos de historia de la

fotografía e Venezuela:

Diario El Nacional, días: 28-10-79; 11-11-79; 23-12-79; 13-10-80; 05-02-80;

24-02-80;

30-03-80; 11-05-80; 01-06-80; 05-10-80; 19-10-80; 23-11-80; 07-12-80; 01-

03-81; 19-04-81; 04-10-81; 15-11-81; 14-03-82; 01-09-83; pp. A-5y A-6; 08-
12-81, C-17; 20-12-81, E-3; 03-01-82, E-2; 02-12-84, C-6.
DORRONSORO, Josune, “Apuntes para la historia de la fotografía en
Venezuela en Diccionario de historia de Venezuela, Caracas, Fundación
Polar, 1990.

DORRONSORO, Josune, ¿Cómo se hace un fotógrafo Venezolano? En Sin

límite, número 2, 1983.

DORRONSORO, Josune, “fotógrafos y fotografías del tiempo de Gallegos” en

la fotografía, la estampa, la ilustración y el periodismo (catálogo de
exposición homónima, Museo la Rinconada), Dirección de Museos del
CONAC-Instituto Autónomo Biblioteca Nacional, Caracas, 1985.

DORRONSORO, Josune, “La fotografía: un arte que cobra auge en

Latinoamérica” en Encyclopaedia Britannica, Libro del Año BARSA, 1982.

DORRONSORO, Josune, “La historia de la fotografía en Venezuela: dos caras

de un proceso (1980-85)”. Ponencia presentada en el Ateneo de Caracas,
enero de 1986 (mimeografiado).

DORRONSORO, Josune, Pal Rosti: una visión de América Latina, Caracas,

Galería  de Arte Nacional, 1983.

DORRONSORO, Josune, Significación histórica de la fotografía, Editorial

Equinoccio, Caracas, Universidad Simón Bolívar, 1981.

DORRONSORO, Josune, Torito: un espontaneo de la fotografía. El Diario de

Caracas, Colección de Libro de Hoy, número 21, Caracas, 1979.

DORRONSORO, Josune, “Veneración por los primeros” en Tiempo Real,

Universidad Simón Bolívar, número 13, diciembre de 1981.

Misle, Carlos E. (Caremis), Venezuela. Siglo XIX en fotografía, Caracas,

CANTV, 1982.

Pineda, Rafael, 100 años de fotografía en el Orinoco-Guayana, Caracas,

CVP, Edición XX Aniversario, 1984.
[1] Véase el trabajo de Josune Dorronsoro. Pal Rosti: Una visión de América
Latina.
[2] Algunos casos excepciones son el Laboratorio de Fotografía  de
Ciencias, de la  UCV;  los cursos dictados en  el  CEGRA: el INCE y los
Talleres del CONAC, entre algunas experiencias educativas.

[1]  El original de este artículo fue publicado en la revista Encuadre, número

3 al 8, Caracas, CONAC, 1985-1986. Y luego en la obra álbum de ensayo
(antología de Josune Dorronsoro). Caracas, Museo de Bellas Artes.1999, pp.
11-30. Esa edición estuvo a cargo de Tomás Rodríguez Soto quien colaboró
con ésta en la escogencia del material fotográfico. Por la importancia del
texto, lectura por lo demás obligatoria para los historiadores del futuro que
se interesen por el tema, decidimos incluirlo en esta obra, deseo que ha
sido posible gracias a la colaboración y el permiso correspondiente
extendido por María Elena Ramos, presidenta de la fundación del Museo de
Bellas Artes. Homenajeamos así a Josune Dorronsoro al publicar este
trabajo entre sus partes, algunos de ellos antiguos compañeros de estudio
en la escuela de Historia de la UCV.
Dorronsoro Josune. “Historia Capitulada de la Fotografía en Venezuela”[1] en José Ángel
Rodríguez (compilador). Visiones del oficio: Historiadores venezolanos
en el siglo XXI,  Caracas: ediciones de la facultad de Humanidades de la UCV y de la
Academia Nacional de la Historia, 2000, pp. 255-272

FUENTE: Dorronsoro Josune. “Historia Capitulada de la Fotografía en

Venezuela”[1] en José Ángel Rodríguez (compilador). Visiones del oficio:
Historiadores venezolanos en el siglo XXI, Caracas: ediciones de la facultad
de Humanidades de la UCV y de la Academia Nacional de la Historia, 2000,
pp. 255-272.