EVOLUCIÓN DE LA DANZA EN EL MUNDO Las pinturas rupestres de más de 10.

000 años
Desde la prehistoria el ser humano ha tenido la
necesidad de comunicarse corporalmente, con
movimientos que expresaban sentimientos
estados de ánimo. La danza tenía un componente
ritual, se danzaba en acontecimientos importantes
como en ceremonias de fecundidad, guerra y
actividades religiosas, atraer la lluvia y calmar a los
dioses, exorcizar a los malos espíritus, pedir por
una buena cosecha, tener éxito en una batalla y en
la caza y celebraciones varias; donde la propia
respiración y los latidos del corazón sirvieron para
otorgar una primera cadencia a la danza.
muestran figuras danzantes asociadas con
ilustraciones de rituales y escenas de caza.
y ¿Qué es la Danza?
La danza o el baile, es una forma de arte en donde
se utiliza los movimientos del cuerpo, usualmente
con música, como una forma de expresión, de
interacción social, con fines de entretenimiento,
artísticos o religiosos. La danza, también es una
forma de comunicación, ya que se usa el lenguaje
no verbal entre los seres humanos.

El baile y la danza han sido un acto de socialización

en todas las culturas, realizado con múltiples vías
de expresión. Por su carácter efímero resulta
prácticamente imposible situar su origen en el
espacio y en el tiempo, ya que solo es conocido por
testimonios escritos o artísticos (pintura y
escultura), los cuales comienzan con las
civilizaciones clásicas (Egipto, Grecia y Roma).
 LA DANZA EN LA PRE-HISTORIA
Antes de aprender a comunicarse por medio del
lenguaje, el hombre primitivo, descubrió un
elemento esencial de la música: El Ritmo.
Bastaba hacer sonar 2 piedras, golpear un árbol o
2 trozos de madera, o golpearse a sí mismo
acompasadamente con las manos, para descubrir
el efecto cautivante de la repetición de un
movimiento. En las culturas llamadas primitivas, la
música tiene, por lo general, una función mágica. El
canto y la danza son considerados, en
consecuencia, "medios mágicos" para conseguir lo
que se desea, como una buena cosecha, una
buena caza, el fin de una epidemia o de una
enfermedad.
Existen registros de su historia desde hace más de
10.000 años, como pinturas, esculturas y tallados
en piedra que demuestran su ejecución y
existencia. La danza es una manera de expresarse
tan antigua como la formación de las primeras
tribus, donde era un elemento principal de los
rituales para la caza y la supervivencia. Las
pruebas artísticas más antiguas que podemos
encontrar datan del Paleolítico Superior, como la
Gruta de LeGabillou o la gruta de Trois-Frères.
“La Danza del Cogul. Calco de Henri Breuil”
En el Mesolítico encontramos algunos ejemplos de
pinturas rupestres donde se interpreta como danza
algunas de sus escenas, como en la cueva de El
Cogul (Las Garrigas), en Cataluña, España. La
danza y el habla diferencian al hombre primitivo del
animal. Podemos ver en esta representación una
danza de grupo donde varias mujeres con faldas
acampanadas llevan a cabo una ronda en torno a
un hombre desnudo. Con la sedentarización del
hombre surge la organización y una consiguiente
jerarquización social, donde el chamán o brujo de
la tribu adquiere un mayor protagonismo.
"El brujo" representación de un animal
antropomorfizado, o posiblemente, un chamán.
Lascaux, Francia
No había espectadores. Cada miembro de la tribu
tenía asignado su papel dentro del ritual
coreográfico: danzantes, músicos, testigos. La
danza primitiva y la mayor parte de las actividades
que realizaban estos pueblos eran de carácter
religioso.
En la cultura africana, las danzas tradicionales
están relacionadas con las fases de la tierra, los
cambios de estaciones, y las fases de la vida.
Dentro de la diversidad de pueblos africanos, existe
multitud de ritmos distintos. Algunos pueblos
primitivos actuales, algunos africanos y de
Oceanía, la danza sigue siendo un elemento
esencial en sus manifestaciones sociales y
religiosas.
“Representación de danza dionisíaca”

Probablemente los primeros instrumentos

musicales fueron las palmas de las manos, y la voz. Danza en la antigua Roma: la danza perdió

Sin embargo, la fabricación de instrumentos importancia y valor social y religioso. De hecho,

musicales es muy antigua, y la flauta más antigua bailar podía ser algo considerado inconveniente en

encontrada data de hace 36 mil años. Así que es los hombres, lo que demuestran las críticas

probable que la música y la danza hayan dirigidas a Escipión el Africano que tuvo el

evolucionado juntas. atrevimiento de danzar ante sus hombres,

seguramente una danza guerrera.

Rómulo, fundador de Roma es a quien se atribuye

la invención de una danza llamada bellicrepa, que
es una danza que simboliza el rapto de las sabinas.

Danza en Grecia: Las primeras danzas que se

En la última época de la paganía se muestran
observan en Egipto son realizadas por grupos de
reminiscencias de las grandes religiones de Egipto,
mujeres, se pueden observar figurillas que
Fenicia y Siria sobre los cánticos y danzas en
muestran que bailaban en círculos y
donde se honraba a Osiris e Isis, a Attis o Mithra.
constantemente las mujeres que no bailaban
En las festividades Romanas, especialmente las
aplaudían y chasqueaban los dedos evolucionando
dedicadas a Juno y Ceres, las danzas
hasta la utilización de crótalos en la actualidad.
procesionales y las danzas en corro eran de ritual.

Hacia la decimoctava dinastía (1400 a.c.) el estilo

de la danza parece tomar un rumbo totalmente
diferente, convirtiéndose en una danza agitada y de
frenesí.
En Egipto la danza jugaba un papel muy importante
en la sociedad, podemos observar las danzas
realizadas en la corte, las funerarias, las faraónicas,
entre otras. Sin embargo, las danza egipcias
podemos dividirlas en cuatro grupos; las sagradas, Calígula era cantante y danzante. Nerón había sido

las laicas, las oficiales y las populares. confiado en su infancia a un bailarín, un saltator que
dirigió su educación terpsicórea.
 LA DANZA EN LA EDAD MEDIA

Las danzas medievales son relativamente mal

conocidas, habiendo dejado pocas trazas escritas.
La danza medieval tuvo escasa relevancia, debido
a la marginación a la que la sometió la Iglesia, que
la consideraba un rito pagano.

“Calígula”

Los romanos añaden a las danzas de Grecia lo

mímico, que puede ser considerada como una
especie de ballet.
La máscara de origen totémico continuo usándose
en Roma en las fiestas lupercales, pero la
procedentes de la gran época griega solo
Sin embargo, las prohibiciones por parte de la
continuaron vigentes hasta la última época de la
Iglesia católica no tuvieron efecto real, pues tanto
pantomima latina, cuando el mimo sintió la
el pueblo como los cortesanos siguieron bailando
necesidad de mostrar su propio rostro, más o
en sus celebraciones. En esta época se produce la
menos desfigurado, para intensificar sus talentos
separación entre la danza de corte y la popular (lo
miméticos.
que más tarde conoceremos por folclore).
Sólo las llamadas “danzas de la muerte” (o
macabra) tenían relación con la iglesia que las
protegía. Eran en realidad danzas de tipo
pasacalles, que representaban el poder de la
muerte sobre los seres humanos.

En el siglo XII, juglares y trovadores comienzan

mezclando sus músicas con sus cánticos llevando
el compás con golpes en el suelo. Peregrinando de
ciudad en ciudad se exhibían en las plazas y en los
castillos, imitados primero por los villanos y más
tarde, también, por los señores. Estas danzas nada
tienen que ver con lo que hoy entendemos por pero gracias a los dibujos y representaciones de la
danza, eran caminadas, sin figuras ni época tenemos referencias del carácter y la
combinaciones de pasos, a veces en ronda, otras velocidad a la que se ejecutaban, así como las
en filas. La carola, la estampida, la moresca, los posiciones de los pies, las piernas, y como se
branles son danzas de esta época. diferenciaban los movimientos de los hombres más
pronunciados y los de las mujeres más pequeños.
Si analizamos todos estos datos podemos tener
una idea del espacio que ocupaban estas danzas

“Saltarelo”

“Danza la Carola y la Moresca”

Con el paso de los siglos, la danza se fue

perfeccionando, a finales de la Antigüedad fue
perdiendo su carácter ritual para ser un
divertimento y en la Edad Media adoptó nuevas
formas estéticas, de ritmos y movimientos.
El cristianismo impulsado por el emperador ”Danse Royale”
Constantino influyó en las representaciones
durante la época medieval, prohibiendo las
manifestaciones de dioses falsos o espectáculos
paganos. Por lo que el teatro y la danza medieval
se originaron a partir del culto religioso, aunque
más adelante aparecerían elementos burlescos.

Los primeros términos de danzas medievales no

aparecieron hasta el siglo XI como la "tresca" o en
el siglo XII, la "estampie". Y en el siglo XIII
aparecieron otras danzas como "nota", "saltarello",
" rotta", "ductia", "trotto", "danse royale" entre otras.
Desconocemos las coreografías de estos bailes,
 DANZA EN EL RENACIMIENTO DANZA EN EL BARROCO

La danza renacentista tuvo una gran revitalización, La danza es una actividad esencial de la nobleza,
debida al nuevo papel preponderante del ser como la equitación y la esgrima. Todo joven “de
humano sobre la religión, de tal manera que buena cuna” la practica todos los días. Porque es
muchos autores consideran esta época el al mismo tiempo la expresión del ideal físico y moral
nacimiento de la danza moderna. Su desarrollo de la época: un perfeccionamiento de la naturaleza.
comenzó en las florecientes ciudades italianas y El “Ballet de Corte” fue, de este modo, durante más
más tarde en Francia. de cien años una de las ocupaciones favoritas de
los círculos reales. Era un espectáculo de
decorados y trajes. Muchos reyes de la época y
sobre todo, Luis XIV destacaron en él. Danzas
como la pavana y la gallarda, la alemanda, la
gavota, la giga o el minué, todas ellas de gran
tradición musical, se extendieron ampliamente por
toda Europa.

Las danzas populares se transformaron en bailes

sociales en los castillos y palacios de la nobleza.
Los cortesanos descubrieron el baile de parejas, y
desarrollaron danzas con pasos estudiados y
evoluciones preestablecidas que era necesario
aprender para ser buen cortesano

Durante esta época, fue la baja danza, de pasos

breves y deslizantes, en la que los pies apenas se
apartaban del suelo, la más extendida.
Durante el Renacimiento los maestros de baile
fueron ya comunes; ellos establecían las reglas de
cada baile, lo enseñaban y llevaban las nuevas
danzas de una corte a otra.

“La pavana – El gallardo – El Minué”

En España también se dieron diversas Durante el neoclasicismo el ballet experimentó un
modalidades de danza: seguidilla, zapateado, gran desarrollo, sobre todo gracias al aporte teórico
chacona, fandango, jota, entre otras. del coreógrafo Jean-Georges Noverre y su ballet
En el siglo XVIII, la época del Rococó, continuó la d'action, que destacaba el sentimiento sobre la
primacía francesa, donde en 1713 se creó la rigidez gestual del baile académico. Se buscó un
Escuela de Ballet de la Ópera de París, la primera mayor naturalismo y una mejor compenetración de
academia de danza. Raoul-Auger Feuillet creó música y drama, hecho perceptible en las obras del
en 1700 un sistema de notación de danza, para compositor Christoph Willibald Gluck, que eliminó
poder transcribir por escrito la diversa variedad de muchos convencionalismos de la danza barroca.
pasos de danza.

“Jean-Georges Noverre y su ballet d'action”

En esta época la danza comenzó a independizarse Otro coreógrafo relevante fue Salvatore Viganò,
de la poesía, la ópera y el teatro, consiguiendo que dio mayor vitalidad al «cuerpo de ballet», el
autonomía propia como arte, y formulando un conjunto que acompaña a los bailarines
vocabulario propio. Se empezaron a escribir obras protagonistas, que cobró independencia respecto
musicales solo para ballet, destacando Jean de estos.
Philippe Rameau, creador de la opéra ballet, y
comenzaron a surgir nombres de bailarines
destacados, como Gaetano Vestris y Marie
Camargo. A nivel popular, el baile de moda fue
el vals, de compás ¾, mientras que en España
surgió el flamenco.

“Flamenco”
 DANZA EN EL SIGLO XVIII (EL CLASICISMO) DANZA EN EL SIGLO XIX (ROMANTICISMO)

La danza romántica recuperó el gusto por los bailes

populares, las danzas folklóricas, muchas de las
cuales sacó del olvido. Surgió el clásico vestuario
de ballet (el tutú), Se empezó a componer música
puramente para ballet.

La danza se profesionalizó. Ya no solo está Francia

y su Ópera de París como único lugar en donde se
desarrolle la danza. Stuttgart, Viena y Milán
empiezan a tener gran relevancia. Es en esta última
ciudad, Milán, en la que se desarrollarían gran
cantidad de innovaciones técnicas, como por
ejemplo bailar en puntas, que configurarán la danza
clásica que conocemos.

A mediados del siglo XIX, con el nacionalismo

musical, el centro geográfico en cuanto a creación
e innovación pasó de París a San Petersburgo
(Rusia) donde el Ballet Imperial alcanzó cotas de
gran brillantez, coreografía narrativa donde es la
propia danza la que cuenta la historia. Se hacen
ballets más largos, de hasta cinco actos,
“Baile en puntas” convirtiendo el ballet en un gran espectáculo, con
deslumbrantes puestas en escena, destacando su
Gluck, músico y gran reformador de la ópera, colaboración con Chaikovski en tres obras
también tuvo mucha relevancia, colaborando con excepcionales: La bella durmiente (1889), El
los grandes coreógrafos del momento en la cascanueces (1893) y El lago de los cisnes (1895).
creación de músicas específicas para la danza. A
nivel popular, el baile de moda fue el vals.

“El cascanueces”
A nivel popular: continuó la moda del vals, y
aparecieron la mazurca y la polca. El baile más
famoso de la época fue el can-can, mientras que en
España surgieron la habanera y el chotis.
“La mazurca”
“La Polca”
DANZA CONTEMPORANEA
El gran triunfo de los Ballets Rusos en París, al final
del siglo XIX supuso el inicio del ballet moderno.
La danza moderna no es más que la evolución
natural de la danza clásica. Se procura dejar de
lado los aspectos técnicos más rígidos para dar
paso a otras vertientes.
La corriente de expresión corporal que se propagó
por Estados Unidos a finales del siglo XIX y sus
principios han proporcionado los cimientos sobre
los que reposan las distintas corrientes de la danza
moderna.
Una de las grandes impulsoras de estos cambios
fue la bailarina estadounidense Isadora Duncan,
quien criticó varios aspectos de la danza clásica, a
la cual consideraba como algo demasiada
estructurado y por ello propone dotar la danza de
movimientos que sean más naturales.
Los vestuarios no son lujosos sino todo lo contrario,
se procura dejar de lado la suntuosidad con la
utilización de ropa mucho más común y sin el uso
de las zapatillas.
En la ciudad de Nueva York en 1930, con la
aparecen grandes bailarines y bailarinas que se
esmeran en realizan las coreografías para que la
danza moderna se diferenciara cada vez más del
ballet clásico. En la actualidad las obras de danza DANZA CLASICA
moderna incluyen aspectos como el humor, las
actuaciones y los movimientos más libres,
innovando constantemente, dando una importancia
fundamental a la creación original.

A nivel de bailes populares, en el siglo XX y

continúan existen una gran diversidad de estilos,
entre los que se puede remarcar: foxtrot,
charlestón, claqué, chachachá, tango, bolero,
pasodoble, rumba, samba, conga, merengue,
salsa, twist, rock and roll, moonwalk, hustle.
“Los movimientos en sí contienen la esencia de la
emoción, a pesar de que no los dirigimos
racionalmente”.

El ballet, danza académica o danza clásica es una

forma concreta de danza y también el nombre de la
técnica correspondiente. Según las épocas, los
“Chachachá” países o las corrientes y el espectáculo, esta
expresión artística puede incluir: danza, mímica, y
teatro (de orquesta y coral), personas y maquinaria.

El ballet clásico o danza clásica es una forma de

danza cuyos movimientos se basan en el control
total y absoluto del cuerpo, el cual se debe enseñar
desde temprana edad. Se recomienda iniciar los
estudios de esta danza clásica a los seis o siete
años, ya que el ballet es una disciplina que requiere
“Charlestón”
concentración y capacidad para el esfuerzo como
actitud y forma de vida.

“Tango”
A diferencia de otras danzas, en el ballet cada paso
está codificado. Participan invariablemente las
manos, brazos, tronco, cabeza, pies, rodillas, todo
el cuerpo en una conjunción simultánea de
dinámica muscular y mental que debe expresarse
en total armonía de movimientos.
También se utiliza el término ballet para designar
una pieza musical compuesta, a propósito, para ser
interpretada por medio de la danza. El ballet es una
de las artes escénicas.

Técnicas y principios de la Danza Clásica

Rotación (en-dehors): La rotación externa de las
piernas es la característica más distintiva del ballet
Alineación: La alineación corporal puede definirse
clásico; dicha rotación debe emanar de la cadera.
como una buena postura en su sentido más clásico.
El fémur rota por la acción de varios músculos,
Una adecuada alineación corporal es la base
entre ellos seis músculos rotadores de las caderas:
esencial para desarrollar la técnica del ballet. Para
prirformis, abductor interno, quadriceps femoral,
el bailarín de ballet esta alineación integra
gemelli interior, gemelli superior y obturador
constantemente la cabeza, el torso, los brazos y las
externo. El control muscular de la pelvis, las piernas
piernas en una totalidad coherente, mientras el
y el abdomen es esencial para mantener una
cuerpo se mueve a través del espacio o mientras
correcta alineación del cuerpo y facilitar la rotación.
se mantiene una posición.

La rotación se extiende a través de los muslos, las

La alineación es un principio primario y dinámico
piernas y los pies, alineando las rodillas con la
que se mueve eficientemente como un todo y es
pelvis y los pies. La rótula estará por encima del
sensible a los movimientos de sus partes. El cuerpo
segundo y tercer dedos del pie. El tobillo se
entero es como una estructura de bloques: si uno
encuentra perpendicular al piso, de manera que el
de los bloques está desalineado se afecta el resto
pie no ruede no hacia dentro ni hacia fuera de sus
que esté por encima o por debajo. Una vez el
bordes. La alineación vertical de las caderas,
cuerpo está desalineado, otras partes del cuerpo
piernas, rodillas, tobillos y pies debe ser mantenida
realizan compensaciones que causan aun mayor
ya sea con las rodillas flexionadas o extendidas.
desalineación y eventualmente lesiones: todas las
La rotación ideal: Para el bailarín principiante la
articulaciones mayores del cuerpo se pueden ver
rotación debe ser natural desde las caderas, esta
afectadas.
puede se entre 90 y 100 grados. Para mantener
igual el nivel de rotación en ambas piernas se
requiere una apropiada alineación y colocación del
torso.
La rotación natural deberá mejorarse mediante la
aplicación de estos principios y de un adecuado
control muscular. La rotación es un principio
primario que se aplica a toda la técnica del ballet.
Durante el renacimiento el ballet fue ejecutado
inicialmente en los bailes de salón y luego se
trasladó al escenario.
El vestuario que los bailarines usaron mientras
evolucionó el ballet llevó a que la rotación fuera la
forma más eficiente y estética de moverse en todas
las direcciones, permitiendo asumir cualquiera de
las posiciones clásicas mientras se mostraban al
público. La rotación por lo tanto es el sello
característico del ballet clásico.
Una imagen que puede ayudarnos a comprender el
principio de la rotación es la idea de una “espiral
mágica”. Imaginemos que la espiral se inicia en la
articulación de la cadera, va por detrás de éstas y
pasa por el muslo interno, rotándolo hacia fuera;
luego desciende por detrás de las rodillas
envolviendo los gemelos y rotándolos hacia fuera,
continua descendiendo por la espinilla rotando
hacia fuera finalmente los talones y los pies.
Distribución del peso: La distribución del cuerpo
es crucial en la conservación del equilibrio y del
movimiento eficiente del bailarín. La alineación es
de suma importancia para la correcta distribución
del peso en uno o en los dos pies. A medida que el
bailarín se mueve, el peso del cuerpo se está
recentrando continuamente sobre uno o los dos
pies. En la posición a pie plano tos los cinco dedos
y la planta del pie soportan el peso del cuerpo. El
peso del cuerpo se centra verticalmente sobre un
área triangular. Dicho triángulo conecta el
metatarso del dedo gordo, el quinto metatarsiano y
el tobillo. El bailarín debe trasladar el peso hacia los
metatarsianos, ya sea que se encuentre apoyado
en los dos pies, en uno o en releve (empinado
sobre los metatarsianos).
En releve el peso del cuerpo se encuentra sobre los
metatarsianos y los cinco dedos del pie. El peso
debe centrarse verticalmente entre el segundo y
tercer metatarsianos para prevenir que el pie se
ruede hacia dentro o hacia fuera; de esta manera el
arco longitudinal del pie se encuentra perpendicular
al piso.
Postura: En los ejercicios y en las combinaciones
el bailarín asume una postura con el peso
distribuido en ambos pues o cuando pasa a través
de las distintas posiciones de los pies. Para sumir
una apropiada postura del peso debe estar
igualmente distribuido sobre ambos pies. El bailarín
aprende estas posiciones kinestésicamente, ya sea
para descansar o para recobrar el equilibrio antes
de trasladar el peso a un pie o a una dirección
diferente.
Transferencia del peso: La acción de trasladar el
peso de dos pies a uno, o de uno a dos, requiere
una postura correcta. El bailarín hace que la
transferencia del peso se vea sin esfuerzo. Respirar
con el movimiento, usar la rotación y estirar el
cuerpo hacia arriba (pull up) permiten que los
cambios de peso se vean fluidos y sin esfuerzo.
Ser capaz de ejecutar los cambios de peso es
crucial para el logro de un suave cambio de apoyo
y de las direcciones que constituyen una parte
esencial del ballet. Antes de realizar un cambio de
peso de dos pies a uno, el cuerpo se estira
ligeramente hacia arriba y hacia el lado de la pierna
de apoyo en dirección diagonal entre las piernas y
la pelvis. El peso se traslada completamente a los
metatarsianos de la pierna de apoyo. Al regresar el
peso a las dos piernas se debe trasladar de nuevo
el peso y distribuirlo correctamente entre ambos
pies.
Colocación: La colocación se refiere a la
conservación de los hombros y las caderas en el
mismo plano y paralelas la una a la otra en relación
con el piso. Este principio le permite al bailarín
incrementar la claridad y la precisión en el manejo
de las direcciones mientras las piernas se mueven
en las distintas direcciones.
El torso en ballet funciona como una unidad y ha
sido percibido generalmente como inmóvil, lo cual
no es cierto. En realidad, el torso se mueve
sutilmente en relación con el fraseo de la
respiración de los movimientos y las
combinaciones.
La colocación del torso provee estabilidad durante
el desplazamiento de la pierna que trabaja,
mientras la pierna de apoyo se estira hacia arriba.
La sensación kinestésica del torso de un bailarín y
la colocación llegan a ser más importantes cuando
se integran con cambios de direcciones en la barra
y en el centro.
Cuando las piernas se levantan del piso en las
distintas direcciones se involucran usualmente
ajusten en la cadera y en la columna. Cuando la
pierna de trabajo se extiende adelante, la pelvis y
la columna comienzan a moverse después de 60
grados. El movimiento de las piernas al lado se
limita aproximadamente a los 45 grados y atrás el
movimiento a los 15 grados. La idea de la
colocación es engañosa debido a la estructura
anatómica del cuerpo. El bailarín siempre tratará de
mantener la línea horizontal de la cadera nivelada,
siempre con la imagen de las caderas enfocadas al
frente en el plano horizontal y buscando que la
estabilidad, la distribución del peso y la
compensación trabajen en conjunto con la
colocación.
Elongación del torso: Alongarse a través de las
piernas, por medio del estiramiento de las mismas
desde el piso, involucrando la musculatura
abdominal y elevando el torso por encima de las
caderas, constituye un importante elemento técnico
que contribuye a definir la estética del ballet.
Cuando apoyamos una o ambas piernas en el piso,
estas se estiran hacia arriba a través de la pelvis,
para mantener el máximo de su longitud. Esta
acción previene al bailarín de “sentarse” (hundirse)
en las piernas, permitiendo el estiramiento de la
pelvis y el torso y, por lo tanto, dando mayor
facilidad de movimiento en las piernas. El bailarín
involucra los músculos abdominales elevándolos
hacia arriba, desde el hueso púbico hasta el
esternón, aumentando la distancia entre las
costillas y las caderas. Esta acción acompaña
simultáneamente un estiramiento hacia debajo de
la columna por el plano posterior hasta el piso, para
mantener el control de las curvaturas de la
columna.
Estas acciones opuestas levantan y centran
perpendicularmente el torso, consecuentemente
permitiéndoles a las piernas moverse libremente
mientras el cuerpo parece flotar por encima de
ellas. El uso correcto de la elongación le permite al
bailarín verse ligero y con la capacidad de desafiar
la gravedad.
Compensación: Este concepto está relacionado
con las fuerzas opuestas que encontramos
interviniendo constantemente en el cuerpo. La
gravedad y el peso corporal ejercen una fuerza
hacia abajo; los músculos proveen de la fuerza que
compensa esta otra permitiéndonos permanecer
erguidos. Cuando se disminuye la tensión excesiva
de los músculos por medio de una correcta
alineación postural, el bailarín puede ejecutar sus
movimientos con mayor facilidad. La respiración se
hace más fluida y el cuerpo funciona
eficientemente.
Para cada acción debe existir una reacción opuesta
e igual. Cuando realizamos un movimiento hacia
abajo el cuerpo deberá estirarse hacia arriba antes
de descender. En la técnica de ballet, el bailarín
intenta no hundirse o dejarse vencer por la
gravedad. Si movilizamos la pierna de trabajo
adelante o atrás, el cuerpo tenderá a moverse hacia
delante o hacia atrás. Estas acciones se presentan
usualmente en los hombros, las caderas o en
ambas. La compensación impide que perdamos la
colocación y elongación del cuerpo.
Contrabalance: Esta acción consiste en la ligera
inclinación del torso hacia arriba y hacia delante
cuando levantamos la pierna atrás, por encima de
los 20 grados. Debido a la conformación de la parte
posterior de las caderas, esta inclinación le permite
a la pierna subir sin presionar excesivamente la
columna. El cuerpo debe continuar manteniendo su
colocación durante esta acción.
La parte anterior del torso se estira hacia arriba
durante la inclinación hacia delante del torso,
mientras la pierna se estira al elevarse hacia atrás.
El cuerpo regresa a su posición alineada luego de
haber finalizado el movimiento atrás. La elongación
de la columna cervical, dorsal y toráxico, es
esencial en este proceso.
Aplomo: El aplomo es la línea vertical imaginaria
que se utiliza para evaluar la alineación y el centro
vertical del bailarín. Visto de frente en primera
posición de ballet, la línea de aplomo, también
llamada línea central, se desplaza desde la parte
superior de la cabeza, a través de la mitad de la
nariz, boca, mentón, esternón, ombligo, la pelvis y
el punto medio de los talones. Visto de lado, la línea
de aplomo desciende desde la parte superior de la
cabeza pasando por el frente del oído, a través de
la parte media del hombro, cadera y rodilla para
caer finalmente en frente del hueso del tobillo.
reajusta las relaciones internas de una o más
partes del cuerpo, ya sea mientras se conserva una
pose, se desplacen las distintas direcciones o se
gire. Para lograr el equilibrio sobre uno o dos pies,
es necesario integrar las sensaciones de los
conceptos de rotación, elongación y alineación en
una totalidad integrada. Estéticamente, el bailarín
selecciona las proporciones correctas del cuerpo
para todas las diversas posiciones, mostrando la
armonía de sus partes en infinitas relaciones.

El concepto de aplomo también se aplica durante el

movimiento. En este caso, consiste en la habilidad
del bailarín para cambiar de nivel desde el demi-
plie hasta releve, y lo contrario, mientras se controla
y se centra el peso del cuerpo a través de su eje
Para mejorar su equilibrio, el bailarín asimila la
vertical. Durante la ejecución de movimientos que
ejecución correcta de los ejercicios y los pasos en
trasladan el peso de dos pies a uno o de uno a dos,
las diferentes posiciones del ballet.
el balance, la postura, la transferencia del peso y el
aplomo deben aplicarse de forma integrada.
Estilos de la Danza Clásica
Cuando el bailarín moviliza todas las partes de su
cuerpo constantemente, debe realizar ajusten para
Ballet Romántico
mantener el cuerpo alineado. El aplomo le permite
El Romanticismo en ballet nació en París en
al bailarín moverse verticalmente hacia arriba y
noviembre de 1831. Durante la representación de
hacia abajo en el espacio con confianza y gracia.
la ópera Robert le Diable de Meyerbeer, que incluía
un ballet en el que los fantasmas de unas monjas
Balance: El ballet considera el equilibrio desde el
salían de sus tumbas y bailaban Le valse
punto de vista anatómico y estético. Para hallar el
infernale a la luz de la luna.
balance anatómico debemos intersecar los tres
planos del cuerpo: el frontal, que divide el cuerpo
en el planto anterior y posterior; el sagital, que lo
divide en lado derecho y lado izquierdo; y el
transverso, que lo divide en plano inferior y
superior. El balance es un principio dinámico que el
bailarín trata de percibir en todo su cuerpo, ya sea
en una posición estática o durante el movimiento.
Para estar en equilibrio, el bailarín constantemente
La iluminación que simulaba la luz de la luna,
inédita hasta entonces, tuvo tal éxito que el tenor
Adolphe Nourrit, que cantaba el papel del conde
Robert, escribió un ballet de
sobrenatural, La sílfide, y se lo ofreció a Filippo
Taglioni, el coreógrafo de Le valse infernale.
El ballet romántico también establece un nuevo
concepto escénico: la estructura en dos actos, el
primero realista, terrenal, alegre, lleno de luz, en el
ambiente cual una aldeana siente la llamada del amor. El
segundo acto, irreal y misterioso - ballet blanco - se
desarrolla por lo general a la luz de la luna, en un
bosque poblado de seres sobrenaturales, y en él la
heroína simboliza el espíritu puro que su amado no
puede alcanzar, el amor insatisfecho e inalcanzable
que perdura más allá de la tumba.

Tras los éxitos dichos, la Ópera de París se

encontró sin bailarina estrella, pero pocos años
después surge una nueva bailarina, Carlota Grisi,
“Filippo Taglioni”
que aúna el arte de Taglioni y Elssler. Su gran ballet
fue “Giselle”, con libreto de Gautier. “Giselle” es un
Su hija, Maria Taglioni estrenó La sílfide el 12 de
ballet que, al contrario de otros muchos de la
marzo de 1832. Fue el primer gran ballet romántico.
época, ha sobrevivido al paso del tiempo, debido a
Pero el ballet romántico por excelencia
que es una obra maestra en la concepción
es Giselle (1841). Representa los ideales del
dramática y coreográfica.
movimiento romántico: fantasía, clima legendario,
misterio, redención por el amor, fatalidad,
idealismo.

“Giselle”

Ballet Clásico
La extravagancia de las cortes imperiales es
“La sílfide - Maria Taglioni” reflejada en este estilo. La función principal es
mostrar técnica pulida. Las bailarinas eran
La bailarina es el centro absoluto del ballet, pálido estatuescas. Por lo general una coreografía clásica
y etéreo, encarnando la nostalgia y la melancolía, se compone de 3 etapas: Pas de deux o adagio,
vestida con vaporosas muselinas y coronada de solos o variaciones y un Pas de deux final o coda.
flores del campo. El bailarín quedó reducido a Las mujeres utilizan vestidos de cuento de hadas o
simple porteur (portador) poniendo de relieve la vestidos cortos y levantados llamados tutús.
gracia y delicadeza de su pareja.
 Ballet De Diághilev
Este estilo es menos rígido, son de un solo acto y
utiliza hombres y mujeres por igual. Anna Pavlova,
famosa por "The Dying Swan", y Vaslav Nijinsky
fueron los representantes de este estilo.

“Pas de deux o adagio”

"The Dying Swan”

“Solos o variaciones”

“Vaslav Nijinsky”

Este estilo fue inventado por el ruso Mikhail Fokine

que colaboró con una de las figuras que más
“Pas de deux o coda”
contribuyeron al esplendor cultural de París durante
las primeras décadas del siglo XX, fue el
Marius Petipa y Lev Ivanov hicieron las
empresario ruso Serge Diaghilev. Este coordinaba
coreografías de las obras clásicas más aclamadas.
a músicos, coreógrafos, compositores y
diseñadores con el fin de crear obras maestras.
Este estilo se caracteriza por su escasa rigidez, el
empleo de un solo acto a lo largo de la obra, y
participan tanto hombres como mujeres.

Diaghilev tenía una obsesión de pensar a lo grande,

de buscar nuevos talentos y estaba siempre
dispuesto a arriesgarse. En 1909 se trasladó a
París y presentó la primera temporada de una
compañía de ballet -con primeras figuras del Teatro simulada masturbación final de Preludio a la siesta
Imperial Ruso. de un fauno en 1912. Diághilev murió y con él, la
compañía.
Por otra parte, en 1911 formó su propia compañía,
los Ballets Rusos, que revolucionaron la estética
coreográfica e iniciaron la era del ballet moderno.
Algunos bailarines y coreógrafos de la compañía
como Nijinsky, Fokine y Massine continúan siendo
hoy día una leyenda en el mundo del ballet.

Con Diaghilev colaboraron los mejores artistas de

su tiempo, convirtiéndose en centro de la
vanguardia parisina. Diaghilev descubrió a Igor “Diághilev”
Stravinsky y estrenó La consagración de la
primavera. Además de Stravinsky, compositores Ballet Moderno
como Debussy, Ravel, Prokofiev y Falla escribieron El ballet moderno o ballet contemporáneo es una
obras para Diaghilev, y pintores como Picasso y forma de danza influenciada tanto por el ballet
Braque crearon para él escenarios y vestidos. clásico como por la danza moderna. Si bien adopta
Grandes escritores como Jean Cocteau y poetas la técnica del ballet clásico, permite un mayor rango
como Apollinaire colaboraron también en sus de movimiento. Muchos de sus conceptos
producciones. provienen de ideas e innovaciones propias de
la danza moderna del siglo XX.

Los Ballets Russes sacaron la danza de la era de George Balanchine es, a menudo, considerado

los tutús, los pies en pointe y los repartos casi como el pionero del ballet moderno por medio del

exclusivamente femeninos y la colocaron a la altura desarrollo del ballet neoclásico. Balanchine utilizó

del resto de artes que eclosionaban en las todo su cuerpo para flexionados, posiciones fuera

Vanguardias. de centro y vestimentas no clásicas (tales como

leotardos y túnicas en lugar de tutús) para

Lo que significa que tuvieron su ración de abucheos distanciarse de las tradiciones de ballet

e incluso puñetazos entre los asistentes, por clásico y romántico. Balanchine también incluyó a

ejemplo cuando Vaslav Nijinski, la estrella de la representantes de la danza moderna en su

compañía, ejecutó los sensuales movimientos y la compañía, el Ballet de la Ciudad de Nueva York.
 innovadoras por su uso de movimientos modernos
distintivos acompañados por puntas de ballet y
bailarines entrenados clásicamente. Tharp también
trabajado con la compañía Joffrey Ballet, fundada
en 1957 por Robert Joffrey, realizando la
coreografía de Deuce Coupe en 1973. Para ello,
utilizó música pop y una combinación de técnicas

“George Blanchine” modernas y de ballet. El Ballet Joffrey siguió

presentando varias piezas contemporáneas.

Uno de estos bailarines fue Paul Taylor, quien

representó la pieza de
Balanchine Episodes en 1959. Balanchine también
trabajó con la coreógrafa de danza
moderna Martha Graham, ampliando su exposición
a las técnicas e ideas modernas. También durante
estos períodos, coreógrafos tales como John Butler
y Glen Tetley empezaron a mezclar técnicas “Deuce Coupe “
modernas y el ballet como experimentación.
La forma en ballet moderno, se muestra lo lindo y
lo feo de la vida. Con el cuerpo se puede pesar o
medir lo que sea mientras este fuerte y flexible.
En el ballet moderno se trabaja en el suelo y en
caídas. Los pasos se pueden aplicar muchos
estilos mientras que en los otros ya son definidos.
La coreografía se basa en ideas y sentimientos
Con el vestuario existe una amplia posibilidad de
vestuario; por lo general bailan descalzos.
En el moderno el hombre carga a la mujer de
“John Butler y Glen Tetley” maneras inusitadas. Inclusive la mujer carga al
hombre. Los factores más importantes de la danza
Un bailarín que fue entrenado por Balanchine y que contemporánea son: individualismo, abstracción y
absorbió mucho de su estilo neoclásico fue Mijaíl entrega al arte. La edad requerida para practicar el
Baríshnikov. Tras el nombramiento de Baríshnikov ballet moderno es de 13 años en adelante.
como director artístico del American Ballet
Theatre en 1980, trabajó con varios coreógrafos
modernos, en especial, Twyla Tharp. Tharp hizo la
coreografía de Push Comes To Shove para el
American Ballet Theatre en 1976; y, en 1986,
creó In The Upper Room para su propia compañía
de baile. Ambas piezas fueron consideradas
 DANZAS LOCALES EN EL PERÚ el papel de ´mediador´ de la madre tierra y los
Andes ante los pobladores, siendo el gestor de la
La Marinera unión entre ambos.
Elegancia, fuerza, picardía y galantería, son las
principales características de la Marinera peruana,
la misma que tiene diferentes versiones como la
norteña, limeña, arequipeña y puneña. En la danza,
la pareja derrocha coqueteo, generando un
escenario de enamoramiento entre el hombre y la
mujer. Con sombrero en mano, el hombre utiliza un
pañuelo para cortejar a la mujer, quien le responde
con una gran sonrisa. La Diablada
El baile de la Diablada es originaria de la región del
Altiplano (Perú-Bolivia). En el Perú, gana una
destacable notoriedad en la Festividad a la Virgen
de la Candelaria, de Puno. Se denomina ´Diablada
Puneña´ por la máscara y traje de diablo que
utilizan sus intérpretes, quienes representan a
través del baile, el enfrentamiento entre las fuerzas
del bien y del mal, ilustrando los siete pecados
capitales y el triunfo de los ángeles sobre los
La fémina posee una elegante y vistosa falda de demonios, es una esencia de elementos paganos
amplio vuelo, que mueve y ondea con seducción, mezclados entre la cultura indígena y la mestiza
su pañuelo vuela suave y delicadamente. Es de tal con el cristianismo.
importancia que año a año (en el mes de enero) se
celebra el ´Concurso Nacional de Marinera´ en la
ciudad de Trujillo.

Danza de Tijeras
Llena de color y fuerza, además se destaca por las
impresionantes acrobacias de sus danzantes o
mejor conocidos como “Danzaq”, la Danza de
Tijeras es ejecutada principalmente en los
departamentos de Huancavelica y Ayacucho. Destacan los Caporales con vestuarios que
Durante esta expresión folklórica de la sierra superan los 30 kilos, así como los diablos menores
peruana, el “Danzaq” baila portando dos tijeras y las chinas diablas. Alcanzan su máximo
denominadas ´hembra´ y ´macho´, las mismas que esplendor en la festividad de la Virgen de la
agita, suena y maniobra en las distintas secuencias Candelaria y esencialmente su contenido es la
de la coreografía. La Danza de Tijeras tiene un lucha entre el bien y el mal.
significado ancestral, el hombre que danza cumple
El Festejo
Es una danza representativa de la costa peruana,
mayormente interpretada por descendientes
afroperuanos. El festejo es un ritmo festivo muy
alegre, representativo del mestizaje negro peruano,
que se mantiene vigente entre Lima e Ica.
Se baila durante festividades y reuniones sociales.
La música es interpretada por instrumentos como
la guitarra, el cajón, la quijada de burro, así como
también los aplausos. La vestimenta en los
hombres consiste en camisa y pantalón con unas
blondas en el botapié, un pañuelo a la cintura,
camisones de manga ancha y chaleco. Las mujeres
emplean una pañoleta amarrada a la cabeza,
vestido o falda de colores y fustanes largos de color
blanco.
El Huayno
Conocido por ser baile más popular de la sierra
peruana, infaltable en festividades, celebraciones y
carnavales, esta danza de origen Inca, varía su
coreografía según la región en donde se practique,
contando con distintos estilos musicales. El baile es
en parejas, sin embargo, el contacto físico entre
ellas es mínimo. El huayno se practica con
hermosos trajes típicos de los andes peruanos,
adoptando diversas modalidades según las
tradiciones locales o regionales. El significado del
Huayno es el enamoramiento y el sutil cortejo del
hombre hacia la mujer, como también el desengaño
o el sufrimiento por la pérdida de la pareja o
persona amada.
El Huaylas
Esta danza es la más movida y alegre de la Sierra
Central el Valle del Mantaro. Tiene movimientos
muy vivaces, y mudanzas o zapateo muy peculiar
imitando el cortejo del zorzal. Se baila en grupos de
parejas que se turnan para ejecutar diversos
movimientos y pasos, con dinamismo y picardía. Se
relaciona con las cosechas y las tareas agrícolas,
con lo que festejan la riqueza agrícola, el
rendimiento de las cosechas y la producción de la
zona. Es acompañada por instrumentos como
el saxofón, violín, clarinete y arpa.
Se trata de un baile popular muy difundido entre las
colectividades del Valle del Mantaro; Huayucachi,
viques, chupuro, Huancán, chupaca y otros
(situados al centro sur y oeste de Huancayo). Son
los creadores y los que promovieron su
preservación nacional. La agricultura y
la ganadería son actividades tradicionales
importantes para el hombre andino por constituir
uno de los principales medios de vida y desarrollo
vigentes hasta la actualidad, difundidos por elencos
autóctonos como Alianza Huayucachi, Los
carniceros de Viquez, Virgen María de los Ángeles
de Chupaca, Los comuneros de Viques y otros.
En la introducción, los bailarines realizan una del checo, instrumento hecho de calabaza seca)
espera que refleja la preparación para la danza, y andina en su forma chillona o llorona.
luego el baile en sí donde se realizan diversos A diferencia de la zamacueca y debido a la
desplazamientos coreográficos, líneas, paralelas, ubicación de la Provincia de Morropón como una
cruces, círculos, etc. Finalmente el contrapunto de región pre andina, este baile lleva el mestizaje
parejas en donde las parejas expresan criollo (hispano-africanoide) y el andino.
enamoramiento, galanteo, acompañado por sus
zapateos característicos tanto del varón como de
la mujer.

El Q'ajelo o Karabotas
Esta danza es una de las más representativas del
folkclore de Puno nacida en la zona Aymara de
este departamento, en esta danza el danzarín
representa a un jinete bravío, que domina a su
pareja, y le hace requiebros, con el látigo en la Ciudades como Morropón, Chulucanas, San Juan

mano, y al compás de la música. Es alegre, y los de Bigote, La Matanza, Salitran fueron pobladas

bailarines llevan sombrero de alas anchas, chullo por haciendas arroceras y jaboneras donde

con orejeras, bufanda, poncho de vicuña o alpaca, vivieron muchos esclavos negros, migrantes

propio de la región, puñal en la pantorrilla, botas y gitanos o Piajenos, y debido a la cercanía a la

espuelas roncadoras. Se supone que su origen se cordillera, también migrantes Andinos que trajeron

remonta a la época de la rebelión de Túpac Amaru, el Yaraví desde Arequipa, fundiéndolo con

en que los yanaconas y los comuneros, bautizados la Cumanana, forma de origen hispano-africana;

Karabotas, imitaban a las botas finas de los creando también el famoso término norteño Triste

franceses. con Fuga de Tondero, que también es muy popular

en la yunga de Lambayeque.

El Vals Criollo (Vals peruano)

El Tondero
Danza también conocida como marinera del Alto
Piura, o de la yunga piurana (Morropón). Es
anterior a la zamacueca, y de influencia Si bien hay diversidad de formas según la zona, el
muy gitana en su compás, canto trágico y repetitivo más difundido es el vals criollo, de la zona costera
tundete de guitarra; de influencia africana o negra centro y norte. Sus orígenes en el Perú, se
en su forma corista (coro) y rítmica (el uso establecen a fines del siglo XIX, cuando el
vals vienés se fue imponiendo en las ciudades.
Se baila por parejas semi-abrazadas. En el vals
tradicional peruano, se usan guitarras acústicas
para el acompañamiento musical, cajón
peruano y cucharas.
Wititi
Danzantes de Wititi en Colca-Perú. Los wititis hoy
son hombres y mujeres naturales del valle del
Colca, provincia de Caylloma, que practican la
danza tipo guerrera de la Wifala en las partes Altas
del Valle del Colca. En Tapay nace como danza con
la denominación de Witi Witi.
Posteriormente, si bien ahora la terminología es
aymara, en sus inicios esta danza ya existía desde
el tiempo preincaico, denominándose en Quechua
como la danza en honor al amor y a la reproducción
como Wititi. Terminologías de wiphala y de los
wititis fueron adaptados representando el espíritu
guerrero de los invasores a las etnias originarias en
las riberas del río Colca, para luego representar el
histórico encuentro del Estado Inca con los pueblos
Collawa y Cabana, mas no con el lugar de origen
que es Tapay, después de la resistencia armada en
las partes altas del hoy provincia de Caylloma. La
idiosincrasia de los habitantes de este distrito
profundo y biodiverso refleja el medio ambiente
aislado, con costumbres muy diferentes al resto de
los pueblos del Colca, dichas costumbres fueron
hechas propias poco a poco por los demás culturas
como la Cabana y Kollagua.

En este distrito biodiverso de clima primaveral se

sigue manteniendo como una danza
eminentemente romántica, como preludio amoroso
de culto a la reproducción y a la abundancia.
“Witi witi” es un término quechua propio del lugar.
El Wititi evoluciona primero llegando a la cultura
Cabana y luego de ahí sigue hacia los pueblos más
altos como al de la cultura Kollagua, cuya invasión
temporaria de culturas altiplánicas deja en el habla
de los pueblos en las riberas del río Colca muchos
términos aymaras. Uno de ellos es a esta danza,
que denominaron “wititi” en alusión a costumbres
parecidas en los altiplanos, el cual conserva dicha
denominación en la cultura Kollawa como testigos
de una presencia forzada de la cultura Tiawanaco
en el Colca de la región Arequipa.
Por su connotación bélica dado por los Kollawas,
esta expresión cultural sobrevivió a varios intentos
de prohibición por parte de autoridades coloniales
y republicanas, más en Tapay por su forma de
interpretarlo más carnavalesca y romántica.