Es divertido ver cómo la gente cree que el artista perjudica su reputación

o traiciona sus ideales al ver su obra como una marca. Peor aún si éste
ve en sus formas un cheque que presente varios ceros; seguro con sólo
pensarlo, alguien ya se persignó. Si no, su escándalo purista es como
haberlo hecho, así que da lo mismo, hombres y mujeres de la buena
costumbre. ¿Qué es lo que se espera de un artista, entonces? ¿Que se
alimente de papel fabriano y aceite de linaza? Quizá que construya una
instalación y viva en ella como un exceso estético en su producción.
Claro. Porque ningún creativo en la historia tuvo que vender su trabajo
para sobrevivir en este mundo.

*Tema relacionado: Arte y mercado inoxidable, el rostro de Jeff

Koons

De acuerdo con una vieja historia, probablemente endeble, seguramente

exagerada pero muy coherente, se cuenta que en una ocasión alguien
entró al estudio de Picasso y después de admirar por algunos minutos lo
que el malagueño estaba realizando, le preguntó al maestro cubista qué
era lo que tenían frente a sus ojos, qué representaba lo creado. A esto, el
mítico Pablo contestó que 200,000 dólares. ¿Corrompió su alma al no
dar una razón artística –por decirlo de alguna manera– y sí un valor
monetario a su cuadro? Absolutamente no. Supongo que como
cualquiera, tenía servicios y deudas que solventar.
*Tema relacionado: 8 prejuicios que nos siguen estropeando ver arte
en la actualidad

Ser un genio en el arte no se contrapone con ser uno en los negocios,

tampoco esta unión es exclusiva del arte contemporáneo; Picasso se
abalanzó dramáticamente hacia el futuro y entendió mejor que muchos
otros creativos del XX que el apasionarse por su trabajo va de la mano
con la esperanza de ser remunerado por ello.

Atisbos de ese pensamiento –aquel que construyó un total branding a

partir de una creación estética propia– se pueden advertir en algunas
frases que dijo el vanguardista y se pueden retomar como consejos que
oscilan entre la verdadera convicción en el arte, los alcances del éxito y
la propagación de un sello vendible.

Por ejemplo:
-
Descubre tu pasión verdadera

“Mi madre me dijo una vez que si iba ser soldado, me convirtiera en
general; que si me hacía sacerdote, me nombraran Papa. En vez de esas
cosas, fui pintor y me transformé en Pablo Picasso”.
Pablo Picasso

-
Desafía las suposiciones
“Otros han visto un ‘qué’ y preguntado ‘por qué’. Yo he visto un ‘podría’ y
preguntado un ‘por qué no’… Todo lo que puedas imaginar es real”.
P. P.
-
Sé diferente

“El enemigo principal de la creatividad es el sentido común… Cada acto

de creación es primero un acto de destrucción”.
P. P.

-
Aprende haciendo
“Siempre estoy haciendo eso que no puedo, con el propósito de aprender
a hacerlo”.
P. P.

-
Desarrolla una actitud de "puedo hacerlo"
“Se puede lo que se cree que es posible hacer, no se puede lo que no se
cree. Esto es una inexorable, indiscutible ley”.
P. P.

-
Actúa
“La acción es la pieza fundamental para todo éxito. Sólo deja para
mañana aquello que estás dispuesto a tolerar si es que mueres”.
P. P.

-
Crea

“La inspiración existe, pero se debe encontrar trabajando”.

P. P.

-
Experimenta
“Dios es realmente otro artista. Él inventó a la jirafa, al elefante y al gato.
Él no tiene un estilo definitivo. Sólo intenta con cosas diferentes”.
P. P.

-
Continúa evolucionando
“El éxito es peligroso. Se empieza copiando a uno mismo y copiarse así
es más peligroso que copiar a otros. Eso dirige a la esterilidad”.
P. P.

-
Crea una sinergia de vida-negocios
“Nunca permitas que una dicotomía gobierne tu vida, una en la que odies
lo que haces y tengas placer sólo en tu tiempo libre. Busca situaciones
en las que tu trabajo te dé tanta felicidad como tus minutos de diversión”.
P. P.

Ser exitoso y artista no es una combinación equivocada; mucho menos

en la actualidad. La renovación constante, correr peligros, saber que tu
trabajo vale más que una apreciación estética (dinero), tener los mismos
problemas que el resto de la gente y reconocer que prácticamente todo
es un negocio en el que tu talento juega un papel primordial, son sólo
algunos de los rostros que examinó Picasso en su profesión y todos
aquellos que nos dedicamos al arte deberíamos tomar con más
constancia de la usual. Para leer más sobre la opinión de este maestro
cubista, conoce Las historias detrás de los mejores cuadros de
Picasso y Los poemas en prosa de Picasso para dejar la pintura.
El representativo artista se ha distinguido desde
siempre por conjugar arte y mercado en su trayectoria.
Este es su trabajo.

Jeff Koons ha sido conocido por su forma de concebir el trabajo artístico

y sus esculturas que coquetean con el pop art y el kitsch. ¿A qué se
deben estos dos aspectos? Puede que mucho sea consecuencia de su
anterior trabajo como corredor de bolsa y esto facilite su buen ojo para la
publicidad, para lo vendible, para la producción en masa de su obra, y
para lo deseado por el público. Los espectadores han encontrado en esto
un conflicto entre las actividades propias del arte y una mala imagen en
torno a comerciar con él; pareciese entonces que, de acuerdo a críticas
negativas al respecto, el artista debería huir del mercado pues no se
considera esa otra faz de las prácticas contemporáneas.

A lo largo de su prolífica carrera artística, Koons ha sabido identificar la

belleza del mundo que nos rodea, un mundo cotidiano, casi llano; y ha
hecho de él eje medular de su obra como una propuesta que hace visible
a la cultura consumista americana cual fuente de inspiración, y a la que,
de manera paradójica/satírica, le vende estos objetos de fascinación
mercantil. Este mismo escándalo del mercado y el arte es la (gran) obra
en sí.
Puede que resulte un tanto extraño ver a un artista que haga de su labor
artística un comercio tan obvio, pero recordemos un poco a The Factory y
las líneas ideológicas/argumentativas de Andy Warhol. Además, Koons
estudió pintura y se licenció en Bellas Artes por el Maryland Institute
College of Art antes de ocupar un lugar en Wall Street. Ya una vez vuelto
a su verdadera formación, comenzaron inmediatamente los revuelos con
su particular forma irónica/burlona de exponer asuntos sociales o
políticos de la cultura popular, del consumismo. Para alcanzar este nivel
de crítica al que él siempre aspiró, comenzó a utilizar elementos
cotidianos y de mínimo valor.

Jugando con la instalación y algo que se llamó arte Neo Geo, a mediados
de los años 80, Koons comenzó a exponer en solitario, dando a conocer
su nombre como una garantía de calidad y propuesta. También
incursionó en el mundo de la publicidad y realizó algunas ilustraciones
(anuncios) para marcas muy reconocidas o selectas. No era la primera
vez que un artista lo hacía pero fueron notorias entonces sus relaciones
o facultades empresariales, así como su inserción en un mundo al que
justamente criticaba. Era casi un infiltrado.
Desde entonces y hasta ahora, se comenzaron a ver en su producción
todo tipo de objetos característicos de la clase media y popular, los
cuales ayudaron a dar ese sentido de burla hacia la publicidad y a la
sociedad del espectáculo. Entre sus obras más controversiales y que
ejercieran esta crítica al pensamiento efímero e inútil de la satisfacción, la
fama y el estilo de vida, se encuentran las fotografías explícitas de él
mismo teniendo relaciones sexuales con Cicciolina, su ex-esposa.

Más tarde llegaría su fascinación por el metal inoxidable y el dotarlo de

una movilidad aparente, de una flexibilidad ligada a la fantasía que nos
hace perder en reflejos de luz. La propiedad espejística que se guarda
hasta hoy en su obra son características que le han dotado de sello como
artista plástico.
De igual impacto pop, es reconocida su colección “Banality” que exploró
la transmaterialidad de los íconos y la plastificación del espectáculo. Esta
serie suele considerarse como un auge en su discurso kitsch, a pesar de
que él mismo comenta, nunca se ha interesado por esa corriente. La
producción de Koons siempre se enfocó, y lo sigue haciendo, de manera
primordial en la experiencia estética y las interacciones del público con
las obras; muestra de ello es su célebre perro de flores, “Puppy”, y las
esculturas/instalaciones con objetos inflables. Acercamiento de la vida
cotidiana y el mal gusto a las salas de exposición y sus discursos sobre
lo inútil y lo nimio.

Hasta la fecha, su trayectoria ha sido criticada en repetidas ocasiones

debido a esa impresión banal, superflua, que proyecta; y porque sus
prácticas de apropiación han ido a tal extremo, que se ha visto envuelto
en demandas jurídicas. Sus objetos-globo, que continúan con su fijación
metálica, probablemente sean sus máximas cartas de presentación;
aunque mucho se ha intentado por críticos y detractores el demeritar su
trabajo para quitarle el gran nombre del que goza por estas piezas.
Su vigencia es incuestionable y se posiciona al día de hoy como uno de
los artistas más cotizados y mejor vendidos en el mundo del arte. El
juego y la diversión que sugieren estas piezas recuerdan aquellos
momentos de alegría, de infantil desapego a las cosas más que por esos
artículos que hacían el día, sólo por el gusto de que estén cerca.

Formó parte de la Escuela de Londres, impresionó a

todos con su abstracción de las formas, pero por sobre
todo, por su habilidad para lograr un alto impacto
visual y reflejar el alma humana.
«Creo que el arte es una obsesión con la vida y, después de todo, como
los seres humanos que somos, nuestra mayor obsesión somos nosotros
mismos».
-Francis Bacon
Bacon es un pintor de arte contemporáneo que como muchos de su
época se centró en las figuras abstractas; la yuxtaposición de rostros
deformes, pedazos de res, bocas abiertas simulando gritos, pero por
sobretodo una visceralidad latente que no sólo se trata de horrorizar al
espectador, sino de sacudirlo y que el remolino de sensaciones que una
pieza pictórica conlleva lo capture.
Figure with Meat, 1954.

Es por ello que los siguientes cuatro consejos que Bacon adoptó para su
propia creación se tratan de la búsqueda o reflejo del sentir humano,
particularmente el del creador. La pasión, pero por sobre todo el dolor y
la desazón son el medio perfecto para representar el alma humana con
franqueza. Sus consejos también reflejan, tal vez de la manera más fiel,
su propia estética y su pensamiento, totalmente libre de interpretaciones
de críticos de arte o estudiosos, y de un lugar sumamente personal como
lo puede ser el proceso creativo:

Triptych, 1991.

No temerle a los accidentes

Se trata de un conocimiento empírico. Bacon aprendió a dejar que el

lienzo y la pintura le apuntaran hacia dónde debía ir, cuando por mero
accidente una pieza que suponía representar un ave, terminó siendo algo
parecido a un paraguas. Para él, la pintura tuvo mayor impacto a la vista
y en especial a la hora de transmitir los sentimientos y sensaciones que
él deseaba provocar en sus espectadores.
Painting, 1946.

La abstracción es el mejor método

Probablemente otros pintores no estarían de acuerdo, pero si de algo

estaba convencido Bacon es que el uso de figuras abstractas en los
lienzos tenía mayor poder de evocación a diferencia de una pintura
realista en la que el espectador poco puede sumar al significado de
ésta… y en la mayoría de su obra funcionó. En uno de sus trípticos más
famosos, Three Studies for Figures at the Base of a Crucifixion (1944),
provocó que los espectadores salieran de la exhibición dado el nivel de
aversión que les causaba. Lo cual podría parecer contraproducente, no
obstante, tal movimiento logró que Bacon se convirtiera en una
sensación en el mundo artístico y por primera vez se le considerara un
pintor maduro.

Date tiempo para ti mismo

Este consejo no es único de Bacon, lo habrás escuchado en cualquier
otro ámbito de tu vida, pero para el pintor el tiempo a solas permite que
cada creador se pueda poner en contacto con sus emociones y entonces
tenga mayores herramientas para plasmarlas en sus pinturas. Bacon era
partidario de que el sufrimiento —entendido como infelicidad— era más
útil para cualquier pintor dado que “estiraba” el rango emocional de cada
persona contrario al desprecio que lo limitaba, por lo tanto reduciendo la
experiencia estética.

«Encuentro que si estoy a solas, puedo permitir que la pintura me dicte.

Esa es la razón por la que me gusta estar solo, a solas con mi propia
desesperación de ser capaz de hacer lo que sea en el lienzo».
Study for Portrait VII, 1953. Relaboración del Retrato de Inocencio X de
Velázquez.
-

Privilegiar la verdad sobre todo lo demás

Y es que no hay forma de plasmar las emociones, sentimientos y

pasiones en un cuadro sin ser sinceros o abogar por la verdad. En el
momento en el que la creación es manipulada para que los espectadores
no puedan descifrar lo que impulsa el autor, entonces la pintura perdería
fuerza y propósito. En Artsy lo explican de la siguiente forma:

«Su trabajo fue alentado por un deseo de dejar al descubierto las

emociones y experiencias difíciles, que tenemos la tendencia a enterrar
en favor de presentar versiones mucho más positivas de nosotros
mismos y nuestra sociedad. […] Bacon insistió que “el objetivo del arte es
proveernos con el hecho, la verdad de quien somos”».

Three Studies of Lucian Freud, 1969.

Si el artista no es sincero con su propia creación, el arte no tendría

sentido y tal vez esa sería la mayor aberración posible, incluso más que
 las figuras amorfas de los cuadros de Bacon o los personajes
enclaustrados en un grito imposible de escuchar.

Benjamin L.M. Symbolic

Expressionism
Benjamin L.M. embraces art and the art-making process
with a passion that borders on reverence.

ARTIST SPOTLIGHT

Published on January 8, 2019

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B enjamin L.M. embraces art and the art-making process with a

passion that borders on reverence. For this Los Angeles-based artist

painting is a transcendent, spiritual activity. Born in Melbourne,
Australia, Benjamin came to art guided by his own intuition and good
luck. As a young man, he was shaken to the core by the work of Salvador
Dalí, glimpsed by chance in an art catalog. Some time later, when
MoMa’s “William S. Paley” Collection came to town, he saw firsthand
works by the great European Modernists like Paul Cézanne, Pablo
Picasso, and Francis Bacon. The exhibit evinced the full potential of paint
as a language in its own right. This was a revelatory experience and a
point of no return.
Uncompromising and unwavering in his interests, Benjamin pursued the
study of art first at the Art University of Adelaide. Eventually, however,
he came to believe that there is no better teacher than life itself.
Benjamin left school for good, in time making his way to America, where
he settled in Los Angeles. Benjamin’s paintings are both ecstatic and
sensitive, symbolic and gestural, and always original.

“My figurative paintings start with the title, a

meaningful thought or feeling, around which I
then build the art. In my work, I go for maximum
meaning, and maximum emotional impact, be it
energy or calm, spiritual or earth.”

In addition to being a painter, you are also a

photographer, a musician, and a writer. That is
quite a broad range of interests. Do you have
others to add to this list?
I’m an Artist, a painter, first, fully, only. Art is my true love. I’ve written
and published five books of poetry, sometimes I like getting more
feelings out with words than I can with art. I write so my art collectors,
book lovers, family, and friends can know me more. I’m not a
photographer, I just use my nature photos as backdrops for my quotes
on social media. I’m not a musician, I’ve done two spoken word
recordings, others do the music. One recording is me reading my latest
book Seething With Hope On Top Of The World over experimental rock
music, the other recording is two of those poems remixed into dance
music under the band name Silver Slide. I’ve also done five album
covers for bands, all different styles of music, from hardcore punk, to
dance, to flamenco-type gypsy music.

How do you reconcile these interests? Do they

exist in dialog or do they sometimes conflict
with each other?
All my creative interests are in harmony, they never conflict each other.
I’m all about squeezing the life out of life. Complete the mission you
were put on earth to do, you can do it. What comes after earth is better.
Creativity is one of the only ways to lift each other up and enlighten
ourselves. I want to give power to people when they see my art and
titles. Life is limited, we don’t have much time to get it right and make it
happen. The time is now and I’m here to help anyone that checks me
out. I’m being used for good, exactly what I want. I live this way, it’s all
true, it’s all me.

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When, how, and why did painting become one

of your artistic pursuits? What kind of things,
in your opinion, can you express in the
language of painting that cannot be expressed
otherwise?
Funny story: At the end of high school I was told clearly by my Dad, “You
will pursue a career in sport, that’s all you’re good at.” So I said, “Hang
on, I get A grades in art and english too, I love them as much as sport!”.
Nope, he wasn’t having it, “Do sport, there’s no money in art!” he said.
So I had the summer to choose between pursuing a career in cricket or
Australian rules football, which isn’t soccer, it’s not gridiron, it’s
Australia’s unique version of football, a very skillful game. My stats for
both sports were very high and consistent, as sport was my first
addiction, I loved it. Then a serious highjack happened: I saw the art of
Salvador Dali in a book and it completely changed what I thought art
was, I had no idea it could be that brilliant. Straight after that, I saw the
real paintings in the William S. Paley Collection, on loan from MoMa.
Everything stopped, my world was slammed, life-changer, instant. I had
no idea paint on canvas could affect me so much, I was totally dazzled.
Seeing Pablo Picasso’s, Paul Cézanne’s, Paul Gauguin’s, and Francis
Bacon’s paintings live showed me clearly that art is alive in art galleries
in the present, it’s not an old dead thing in history books. So when the
summer ended and my Dad wanted an answer, I said: “Neither, I’m
doing art for the rest of my life.” He was angry and withdrew all financial
backing. He didn’t even talk to me for a while. He showed his ignorance
and selfishness, didn’t even ask me why I chose art over sport. Back
then I just wanted to wander the earth for a while, live fully for the first
time, find my creative spirit. I didn’t know anything, not even myself, so
how could I possibly create art with any meaning? I couldn’t, I had to just
live and teach myself how to paint. Of course, me being me, I lived so
hard at that time I almost died. The best thing I did at that time was to
see clearly that I can do art for my whole life, I could only do sport for
ten years. I couldn’t handle the reality of doing sport as a professional,
then retiring and having to do something else for the rest of my life. No
way. What comes after a sports career, what, a coach, a commentator?
No thanks. I’m a player and a player only, never on the outside, I need to
be inside what I do. So, art it was, and art it still is, and art it will always
be. I made the right choice.

As for expressing myself through the paintings, I like that there’s a bit of
mystery even if you make it clear. You only have a few words in the title
to state your case, it’s limited, I like that. I can’t think of anything worse
than reading an epic novel with a billion words, or watching a four-hour
movie and still not understanding what’s going on. In my opinion, that is
a total waste of precious time. Art suits me, it’s all there, instant,
defined, obvious, fast.
What specific situations inspire you to paint?

Glory And Love | Oil, acrylic and oil stick on canvas | 31.7″
x 43.7″

I’m never inspired, I just sit down, think of a title, then I do a lead pencil
drawing on paper of what that title means to me. I don’t know how
creative people get ‘writer’s block’, I never have that. Art comes from
the spirit, through the mind. Art comes through me, not out of me. The
spirit is light, the spirt is love, it’s the place where all things come from,
it’s eternity. The eternal spirit comes through me as soon as I open
myself to it. The spirit is endless and so are we.

I paint what the basic elements of reality have always been: love,
spirituality, death, money, war, peace, time, eternity. Those things have
never changed, they never will. I avoid painting about trendy
happenings, specific events, or stuff that dates, like politics. All that jazz
has to be overcome too, it can really drag you down, you can go insane
if you think of the world and darkness from the wrong angle. I rise above
everything, even good, complete freedom.

Some of your paintings are nearly completely

abstract, other times you use symbols, and
sometimes you work in a much more direct,
gestural and emotional way. What themes or
subjects inspire you to use a particular style?
I’m a figurative painter, that’s my one love, not the other styles. You say
my art can be direct, gestural, and emotional, you’re right! That’s
exactly what I want it to be, it’s deliberate, bold and loud. I make clear
titles to spell it out, and I make the figures and scene as obvious as
possible. I let loose and give it maximum meaning, I don’t worry how it
comes out, the rules of perspective, shading, dimension, and
technicalities be gone. The themes and subjects that make me do
figurative art is what I think art is all about: Meaning, enlightenment,
relating to each other, helping people, saying something, brilliant
exchange.

The titles of your paintings are often unusual.

Sometimes they carry a didactic, instructional
message (for example “Roll the Dice and
Watch the Magic Weave through your Life),
other times they are a mini-narrative (“Death
Blow from Above”). Could you discuss the
relationship between your titles and the
images you create?
I do use it to teach and give instructions, to myself first, then to anyone
who sees my paintings. I’m talking directly to myself first, and keeping it
all general enough that others can relate to it and enjoy it too. Like
everyone, I have every single human emotion and thought in me, so I
purposely focus on the good ones so I can live the good ones.
Roll The Dice And Watch The Magic Weave Through Your Life | Acrylic on
Canvas | 38″ x 53″

Every time I make figurative art, same thing: The art has to match the
title. Sometimes it’s clearer than others, but I don’t like confusion and
ambiguity, so I make it as clear as possible. I do use symbols, but I give
the meaning away in the title. I also do it so I can remember what I was
talking about in the future. My version of hell is going to a beautiful art
gallery at the end of my life, full of my paintings, a retrospective
covering decades, and having no idea what any of them mean. Someone
would ask what does this painting mean and I’d say: “No idea, sorry!”

Would it be fair to say that the theme of the

struggle between darkness and light is
important to you? This is quite a Romantic
theme. Are you a Romantic? Who are your
artistic influences?
The struggle between darkness and light is important to me, but there is
no struggle. I’m dealing with light, power, and love. I like it when art is
100% positive, there’s not enough of that, there’s too much confusion,
murkiness, ambiguity, or bitter-sweet themes out there. Not my trip. If I
do put darkness into my paintings and titles, it’s because I have respect
for it as the absence and opposite of light, but it’s far inferior. Light is
King, light is Queen. Light made darkness and always has ultimate
power over it. There is no struggle between darkness and light. Light will
live forever, darkness won’t.

I don’t have a romantic view of reality and the past being ideal. There’s
nothing romantic about darkness and the bad side of life. I’m only
romantic in the other meaning of the word, personally with my Wife,
Megan Matheson. I love her, I’m so blessed to be with her, she’s the best
person in the world.

The most important artistic influencers to me are Pablo Picasso, Salvador

Dali, Umberto Boccioni, Ernst Ludwig Kirchner, Paul Cézanne, Francis
Bacon, Georges Rouault, J.M.W. Turner, Paul Gauguin, El Greco, Joel-Peter
Witkin, Henri Matisse, Jean-Michel Basquiat, Auguste Rodin, Diego
Rivera.

You currently reside in Los Angeles, but you

are originally from Adelaide, Australia. What
are your feelings about these two towns? Does
L.A. seep into your work? How do these two
cities inform your art practice? (If another city
in Australia has played a bigger role in your
life than Adelaide, then please feel free to
comment on that.)
I love the USA, I’ve wanted to live here for a while, but couldn’t get a
Green Card until recently. The American art market is the most powerful
in the world, the art scene is electric, the taste, the gallery collections,
the art collectors are the best to me. I’ve always had a love of America,
even as a child, I drew from their creativity and style more than any
country. I love Australia and all the family and friends who live there, but
the American mind-set is the ultimate, confident, optimistic, fearless.
Australians are mostly unconfident and full of fear. That’s not me, I don’t
want to be around that. I love living in America and being around people
I feel in-line with. I feel at home in America, I don’t feel at home in
Australia. I like visiting Australia though, it’s a special place in its own
way, it levels me to my roots.

Los Angeles is amazing, I chose it, I feel it, but it doesn’t seep into my
work. I make art that isn’t tied to a place or time. I do allow American
symbols into my art because I love the culture and mindset so much, it’s
a rush of hope and power. The infinite spirit outside of time is what
informs my art, not earth. I live above earth, I operate above the human
condition.

Is there a question you always wanted to

answer in an interview, but no one has ever
asked it? If so, please go ahead.
Yes, the question is: “How do you feel when you make titles, draw, and
paint art?” And my answer to that is: I go to another place, it’s like
having a near-death or out-of-body experience, it’s like astral projection,
and at the same time, it’s hard manual labour. Overall, it’s as good as
any feeling on earth. It’s an honor to be an artist. The spirit moves
through your mind, through the brushes and paint onto the canvas. I
know exactly what I’m doing and I don’t know what I’m doing at the
same time. It’s focused and loose. It’s primitive, holy and fun, all at
once. I live for it.
As a young man, you made the decision to
leave Art School and become a self-taught
artist. What motivated you to take this
important step? What was your education and
pathway toward finding your artistic voice?
Living on the edge until I could smell death. Then wandering the earth
until I found myself and locked into who I truly am. I saw what educated
artists did, they copied their teacher or their idols. I didn’t want that, so I
just painted until I impressed myself, until it was something I hadn’t
seen before. Then I started showing them in art galleries. My education
was music, books, and spiritual teachings just as much as art. I take
everything in.

In what way is art connected to spirituality for

you?
Art is a way to show spirituality, which is invisible and mysterious. It’s
bizarre because I had revelation about spiritual stuff, and I believe it to
be a certain way, but I can’t know for sure, and yet, I slam it into my art,
I believe it 100%. If I had no love and joy and hope, I’d be dead. Without
the spiritual, there would be no point doing art, it’s the absolute main
theme that is endlessly interesting. It informs so many things that aren’t
spiritual.

More about titles! Matisse used to say that if a

painter wants to become great, he should “cut
out his tongue.” He believed that the painter
should work with great urgency to
communicate everything he possibly can in
paint. You seem to have a different view. For
you, the words of your titles complement the
image you create. The two work together.
Could you comment on this?
I can see the point of Matisse, I get it, but I disagree. There’s only so
much you can do with art and pictures. Titles take it to another level. Art
on it’s own, with no title, is one-dimensional. If you add a very clear and
strong title to that very same artwork, it becomes two-dimensional, even
more. I want maximum emotion and meaning. I’m hell-bent on getting
hope to people.

Collecting art is a highly involving and emotional

experience. The artist’s process and intention are
some of the factors that make one fall in love with his
or her piece. Learn more about our artists’ creative
methods and fascinating techniques in the Center
Stage and Artist Techniques categories.

El MEAM acoge la muestra más completa del pintor

noruego Odd Nerdrum y sus discípulos

El MEAM presenta la muestra más amplia y completa realizada hasta el momento

de Odd Nerdrum junto con obras de sus discípulos, exponiendo 38 obras del
pintor noruego y casi 30 de sus alumnos seleccionados para esta exposición
Nerdrum es uno de los máximos exponentes del arte nórdico y también uno de los
grandes referentes de la pintura figurativa clásica y narrativa a nivel
internacional
Julio de 2015 - A partir del mes de septiembre llega a nuestro país la exposición
de uno de los artistas noruegos más reconocidos internacionalmente.

Del 17 de septiembre al 15 de noviembre el MEAM (Museo Europeo de Arte

Moderno) presentará en Barcelona una muestra sobre la obra de Odd Nerdrum y
la de sus discípulos, sin duda uno de los artistas noruegos con una carrera
artística más prolífica y un gran referente de la pintura figurativa clásica.

Nerdrum ha expuesto en varias ocasiones con algunos de sus alumnos, pero nunca
hasta ahora se había hecho una exposición tan amplia y completa, tanto por la
magnitud de la obra presentada del pintor noruego, como por la cantidad de
estudiantes que la acompañan. Esta exposición al MEAM es una claro ejemplo
tanto de la magnificencia de la obra del pintor nórdico como de la riqueza de sus
seguidores.

La muestra, comisariada por Cathrine Bergsrud, exhibirá 38 de las obras de

Nerdrum y hasta 30 de sus alumnos más destacados. Con un profundo respeto a la
tradición, a la humanidad ya la historia, su trabajo transporta al espectador a
una dimensión donde es posible pensar, reflexionar y disfrutar de una técnica
sublime. A través de sus pinturas nos muestra rostros y figuras humanas, cielos
espectaculares y paisajes devastadores pero llenos de sueños y esperanza.

EL PINTOR

Odd Nerdrum nació en Halsingborg, Suecia, en 1944. Fue alumno de la Academia

de Arte de Oslo, Noruega, y más tarde estudió con el artista conceptual Joseph
Beuys en Düsseldorf, Alemania. Desde el inicio de su formación Nerdrum
desarrolló un estilo de pintura único con una clara influencia de pintores como
Rembrandt y Caravaggio, huyendo de la abstracción y el arte conceptuales más
populares en su entorno académico.

Vanguardista y reivindicador de la pintura clásica figurativa en el escenario del

arte contemporáneo, Odd Nerdrum autoproclama 'pintor Kitsch' y es fundador del
movimiento 'Kitsch en la pintura'. A lo largo de casi 30 años ha sido mentor de
jóvenes pintores todo el mundo, transmitiendo siempre un profundo respeto
hacia la vertiente artesanal del proceso de creación.

Con una producción de entre seis y ocho cuadros del año, sus cuadros se pueden
catalogar en tres categorías elementales: pequeños bodegones que representan
una sola imagen como por ejemplo un bebé, un ladrillo o un conjunto de prótesis
dentales, en segundo lugar retratos y autorretratos, generalmente sin fondo, de
personajes vestidos con pieles y mantos que simbolizan lo que queda después de
un apocalipsis imaginario y, por último, grandes pinturas alegóricas que también
representan un tiempo después de nuestra propia civilización, de una naturaleza
apocalíptica, pero con una mirada esperanzadora.

Nerdum ha expuesto en colecciones privadas, museos y galerías de todo el mundo

como el Delaware Art Museum (Wilmington, 1985), The Museum of Contemporary
Art (Chicago, 1988), el Gothenburg Art Museum (Suecia, 1991 ), New Orleans
Museum of Art (Nueva Orleans, 1994), el Frye Art Museum (Seattle, 1997), el
Astrup Fearnley Museum of Modern Art (Oslo, 1998), el Kunsthal Rotterdam
(Holanda, 1999), la Amos Anderson Art Museum (Helsinki, 1999), el Foro Gallery
(Los Ángeles, 2006), el Foro Gallery (Nueva York, 2007) o la colección privada del
cantante David Bowie entre otros