Gonzalo Blanco, Fabiola

NIUB: 20706825
Teoría del Arte B1, 17/11/2023

- Diferentes Interpretaciones: LATAS DE SOPA CAMPBELL - WARHOL

Andy Warhol, Campbell's Soup Cans, 1962, The Museum of Modern Art (MoMA)

“La decisión de Warhol de no crear un estilo propio, sino imitar el de las latas de
sopa Campbell posee, además, una vertiente social y política. Es un reproche
duchampiano al mundo del arte por elevar a los artistas al papel de genios
omniscientes; por otra parte, representa una declaración acerca del estatus ínfimo de
los trabajadores individuales en el mundo homogeneizado de la producción en
masa”.
- Will Gompertz

GOMPERTZ, Will. ¿Qué estás mirando?: 150 años de arte moderno en un abrir y cerrar de
ojos. 1ª ed. Madrid: Taurus Ediciones, 2013, p. 1117.

“Conocía muy bien a Andy. La razón por la que pintaba latas de sopa es porque le
gustaba la sopa”. (Traducción propia).
- Robert Indiana1

SOLOMON, Deborah. The Way We Live Now: Questions for Robert Indiana. En: The New
York Times [online]. Nueva York: 2002. [consulta: 3 de noviembre de 2023]. Disponible en:
https://www.nytimes.com/2002/12/01/magazine/the-way-we-live-now-12-01-02-questions-fo
r-robert-indiana-vital-signs.html

1
“I knew Andy very well. The reason he painted soup cans is that he liked soup”.
El surgimiento del Pop Art tuvo lugar como respuesta al Expresionismo Abstracto durante la
década de 1950 en Inglaterra y Estados Unidos, coincidiendo con un período marcado por el
desarrollo económico, la sociedad de consumo y un cambio de mentalidad. Desde sus inicios,
los artistas pop se distinguieron por pintar sin intenciones críticas, limitándose a plasmar lo
que les rodeaba, como letreros, supermercados y el mundo de la mass media.2 Los rasgos
formales de esta corriente se basan en la simplificación a través de técnicas publicitarias,
destacando grandes formatos, repetición de objetos y una elaboración cuidadosa de las obras.3

En el apogeo de esta vanguardia, Andy Warhol y Robert Indiana hacen su aparición,

volviéndose rápidamente reconocidos a través de exposiciones en Nueva York. Robert
Indiana, por ejemplo, tomó la palabra "LOVE" y la incorporó en sus cuadros y esculturas.4
Indiana dice al respecto de la obra de Warhol que él "conocía muy bien a Andy” y que “la
razón por la que pintó latas de sopa es que le gustaba la sopa”.5 Esta declaración deja claro
que Warhol solo plasmaba en sus cuadros objetos cotidianos reproducidos en serie6, una
afirmación que también se sustenta al tomar en cuenta que muchos de los artistas pop tenían
antecedentes laborales relacionados con la cultura de masas, siendo Warhol, por ejemplo, un
publicista.7

Por otro lado, existen varias historias sobre cómo Warhol surgió con la idea para las "Latas de
sopa Campbell” que se acercan a la interpretación de Indiana. Una de ellas fue un encuentro
con una diseñadora de interiores, Muriel Latow, a quien suplicó por una idea.8 Warhol le
expresó a Latow que necesitaba algo "que tuviera mucho impacto, que fuera diferente”9
Latow le sugirió que pintara algo que "todos ven todos los días, que todos reconocen... como
una lata de sopa".10 A partir de ese momento, las versiones de los acontecimientos varían

2
Panizo Padrón, Pilar. Andy Warhol en el contexto de la cultura y el arte Pop. Director: Vega de la Rosa, Carmelo. Tenerife:
Universidad de La Laguna, Departamento de Historia del Arte, 2016, p. 13.
3
Ibid, p. 15.
4
Gómez Gallardo, Carmen Belén. Cult Eye: Andy Warhol & Pop Art. Director: Ramírez Alvarado, María del Mar. Sevilla:
Universidad de Sevilla, Departamento de Comunicación Audiovisual, Publicidad y Literatura, 2020, p. 16.
5
Solomon, Deborah. op. cit.
6
Fernández Santamaria, Carolina. Andy Warhol. La estética warholiana al servicio de la publicidad. Director: García
Herrero, Francisco Javier. Valladolid: Universidad de Valladolid, Departamento de Publicidad y RR.PP, 2016, p. 23.
7
Panizo Padrón, Pilar. op. cit., p. 16.
8
Danto, Arthur. Andy Warhol (Icons of America). [online]. 1ª ed. New Haven: Yale University Press, 2009, p. 32. Parte II.
Pop, Politics, and the Gap Between Art and Life. [consulta: 10 de noviembre de 2023]. Disponible en:
https://books.google.es/books?id=GfBoYTi5IncC&newbks=1&newbks_redir=0&pg=PR7&dq=warhol+books&source=gbs_
selected_pages&cad=2#v=onepage&q=warhol%20books&f=false
9
Ibid, p. 32.
10
Ibid, p. 32.
ligeramente, según cada testigo presente en la casa del artista.11 Uno de los asistentes relata
que Latow le preguntó a Warhol sobre aquello que más odiaba, y la respuesta fue las sopas de
Campbell. Fue entonces cuando ella le propuso la idea de comprar una de cada sopa y
pintarlas todas.12 Asimismo, años después, en una entrevista, le preguntaron a Warhol si la
razón para pintar latas de sopa era porque las consumía diariamente en su infancia. Él afirmó
que sí, que había comido sopas Campbell todos los días durante 20 años.13

Otra perspectiva proviene de Will Gompertz, quien desempeña el papel de editor de arte en la
BBC y ocupa los cargos de director artístico en el Barbican Centre y en el Museo Sir John
Soane de Londres.14 15
Este autor, en su libro "What Are You Looking At?”, argumenta que el
significado de la obra de Warhol es una crítica a los conceptos de consumismo y capitalismo
estadounidense, a la idealización de los artistas en el mundo del arte y a la posición marginal
de los trabajadores individuales en el entorno de esta producción seriada.16 Sin embargo, pese
a lo que algunos críticos piensan, el Pop Art nunca se posicionó de manera crítica. Según la
historiadora del arte Anna María Guasch, “la actitud del artista pop era rebelde respecto al
arte, pero conforme respecto al sistema”.17 El mismo Warhol desmentía a su obra de ser una
crítica a la sociedad norteamericana de consumo, afirmando que “mi arte da cierta imagen de
Estados Unidos, pero yo no hago crítica social”.18

Por lo tanto, nos enfrentamos a una obra cuyo significado no se conoce con certeza, ya que a
lo largo de su vida, Warhol ofreció diversas interpretaciones al respecto. Asimismo, Indiana
habla desde su posición de artista pop, mientras que Gompertz lo hace basándose en el
contexto histórico de la obra y en sus conocimientos de arte moderno.

11
Rouyet, Juan Ignacio. Estupidez artificial. Cómo usar la inteligencia artificial sin que ella te utilice a ti. [online]. 1ª ed.
España: Libros.com, 2023. Parte VII, Como no ser una sopa de datos. [consulta: 10 de noviembre de 2023]. Disponible en:
https://www.google.es/books/edition/Estupidez_artificial_C%C3%B3mo_usar_la_intel/xxvAEAAAQBAJ?hl=en&gbpv=0
12
Ibid.
13
Ibid.
14
Simon and Schuster [Recurso electrónico]: Will Gompertz. 2023, [consulta: 2 de noviembre de 2023]. Disponible en:
https://www.simonandschuster.com/authors/Will-Gompertz/191443476
15
The Guardian [Recurso electrónico]: Will Gompertz to become director of Sir John Soane’s Museum. [Harriet Sherwoo.]:
2023, [consulta: 2 de noviembre de 2023]. Disponible en:
https://www.theguardian.com/culture/2023/aug/04/will-gompertz-to-become-director-of-sir-john-soanes-museum
16
Ibid.
17
Panizo Padrón, Pilar. op. cit., p. 22.
18
Ibid, p. 33.

3
 - Diferentes Valoraciones: POLLOCK

"El talento de Pollock es volcánico. Tiene fuego. Es impredecible. Es indisciplinado.

Se derrama en una prodigalidad mineral aún no cristalizada. Es fastuoso, explosivo,
desordenado. Pero los pintores jóvenes, especialmente los estadounidenses, tienden a
ser demasiado cuidadosos con las opiniones. Con demasiada frecuencia, se permite
que el plato se enfríe mientras se sirve. Lo que necesitamos son más jóvenes que
pinten por impulso interior sin prestar oído a lo que el crítico o el espectador pueda
sentir; pintores que se arriesguen a estropear un lienzo para decir algo a su manera.
Pollock es uno de ellos”. (Traducción propia).
- James Johnson Sweeney19

SWEENEY, J. J. Introduction to the catalogue of Pollock's first solo exhibition, Art of this
Century. En: Harrison, Elen (Ed.), Such Desperate Joy: Imagining Jackson Pollock. Nueva
York: Thunder's Mouth Press/Nation Books, 1943, p. 103.

“Simples explosiones desorganizadas de energía aleatoria y, por tanto, sin sentido”.

(Traducción propia).
- Robert Coates20

MCELROY, Steven. If It’s So Easy, Why Don’t You Try It. En: The New York Times [online].
Nueva York: 2010. [consulta: 1 de noviembre de 2023]. Disponible en:
https://www.nytimes.com/2010/12/05/nyregion/05spotli.html

19
“Pollock’s talent is volcanic. It has fire. It is unpredictable. It is undisciplined. It spills itself out in a mineral prodigality
not yet crystallized. It is lavish, explosive, untidy. But young painters, particularly Americans, tend to be too careful of
opinion. Too often the dish is allowed to chill in the serving. What we need is more young men who paint from inner
impulsion without an ear to what the critic or spectator may feel–painters who will risk spoiling a canvas to say something in
their own way. Pollock is one.”

20
“Mere unorganized explosions of random energy, and therefore meaningless”.
Las frases mencionadas anteriormente hacen alusión al artista Paul Jackson Pollock y a su
obra en términos de la evaluación de su calidad. Pollock fue un pintor perteneciente a la
corriente del Expresionismo Abstracto surgida en los Estados Unidos a mediados de 1940.21
Este movimiento defiende la expresión libre y subjetiva del inconsciente, junto con la
ejecución espontánea y la exploración del azar. En esta forma de arte, es el acto y el proceso
de pintar lo que define la obra, considerando que el contenido es simplemente una excusa
para la realización del cuadro.22

A principios de la década de 1940 hasta después de la Segunda Guerra Mundial, Pollock, en

sus primeras obras, creó composiciones con formas biomórficas y con símbolos primitivos.23
A partir del año 1947, su obra se caracterizó por el abandono del lenguaje figurativo y la
adopción de nuevos métodos en la aplicación de la pintura, como el goteo sobre la tela,
conocido como dripping.24

En medio del surgimiento de esta corriente, las opiniones de figuras influyentes como la de
James Johnson Sweeney desempeñaron un papel fundamental en la formación de la historia,
especialmente en lo que se refiere a las aportaciones vanguardistas de Jackson Pollock.
Sweeney, reconociendo sus fortalezas, escribe la cita anterior haciendo referencia a la primera
exposición individual de Pollock, celebrada en la galería Art of this Century de Peggy
Guggenheim en 1943, misma que marcó un momento crucial en su carrera.25 Se exhibieron
obras notables como "Masculino y femenino", "Guardianes del secreto", "La mujer luna", "La
loba" y "Figura estenográfica", obras que provocaron críticas mixtas.26 Sweeney, en el
prólogo del catálogo de la exposición, reconoció su potencial y lo describió como un pintor
que ofrece27 "una promesa inusual en su exuberancia, independencia y sensibilidad nativa".28

El papel de Sweeney en la carrera de Pollock se extendió más allá de esta exposición. Como
historiador del arte, curador y director de museo, Sweeney fue un defensor del arte

21
Foti Mangriñan, Elonora. Pintura y abstracción. Del cuadro ventana al cuadro objeto. Director: Chapa Villalba, Javier.
Valencia: Universidad Politécnica de Valencia, Departamento de Bellas Artes, 2014, p. 13.
22
Ibid, p. 14.
23
Ibid, p. 14.
24
Ibid, p. 14.
25
Heimann, Elizabeth. Jackson Pollock: The Critical Reception. Hartford: Trinity College, 2014, p. 5.
26
Ibid, p. 5.
27
Ibid, p. 5.
28
Davidson, S., Rylands, P., Bogner, D. Peggy Guggenheim & Frederick Kiesler: The Story of Art of This Century, Part 1.
Michigan: Guggenheim Museum Publications, 2009, p. 299.

5
moderno.29 Sus esfuerzos para exhibir esto, como las exposiciones "Pintores europeos más
jóvenes" y "Pintores estadounidenses más jóvenes", mostraron su compromiso de presentar al
público de Nueva York obras de arte contemporáneas de todo el mundo. En ellas, Pollock
ocupó un lugar destacado, resaltando el papel de Sweeney al impulsarlo a la escena artística
de la ciudad.30

Por otro lado, Robert Coates, un crítico del New Yorker que atribuyó el término
"expresionismo abstracto" al movimiento de vanguardia31 después de revisar una exposición
que mostraba las obras del artista Hans Hofmann en 1946 y referirse a ellas como "la escuela
de pintura de salpicaduras y embadurnamiento",32 describe a las obras de Pollock como
“simples explosiones desorganizadas de energía aleatoria y, por tanto, sin sentido”.33 Robert
Coates, a pesar de haber contribuido decisivamente a popularizar el término, tuvo una postura
crítica que indica que él percibió una falta de estructura o propósito en ciertas
manifestaciones del Expresionismo Abstracto. Probablemente, estuvo influenciado por
normas artísticas tradicionales que enfatizaban la estructura, el orden y el significado claro de
las obras de arte. El Expresionismo Abstracto, por otro lado, a menudo desafió estas
convenciones, abrazando la espontaneidad, la expresión emocional y las técnicas no
convencionales.

La perspectiva de Sweeney es sumamente positiva, destacando las cualidades expresivas del

talento artístico de este creador. Emplea un lenguaje vibrante al describir la obra de Pollock
como "volcánica", resaltando una creatividad indisciplinada y percibiendo su trabajo como
una manifestación de impulsos internos. Esta visión celebra la naturaleza explosiva y
desordenada del enfoque artístico de Pollock. En contraste, Coates adopta una postura más
crítica, no encontrando valor ni significado en las cualidades caóticas del arte de Pollock.
Prioriza la estructura y el orden, aspectos que considera ausentes en la obra del artista.

29
The Metropolitan Museum of Art [Recurso electrónico]: James Johnson Sweeney. [Stark, Trevor.]: 2016, [consulta: 2 de
noviembre de 2023]. Disponible en:
https://www.metmuseum.org/research-centers/leonard-a-lauder-research-center/research-resources/modern-art-index-project/
sweeney
30
Guggenheim [Recurso electrónico]: Art of Another Kind: Younger European/American Painters Exhibitions. 2012,
[consulta: 2 de noviembre de 2023]. Disponible en:
https://www.guggenheim.org/video/art-of-another-kind-younger-europeanamerican-painters-exhibitions
31
Museum of Modern Art [Recurso electrónico]: Abstract Expressionist New York, 2011, [consulta: 1 de noviembre de
2023]. Disponible en: https://ww.moma.org/calendar/exhibitions/1085
32
Rogala, Dawn. Hans Hofmann: The Artist's Materials. Los Angeles: Getty Publications, 2016, p. 18.
33
McElroy, Steven. op. cit.