MÚSICA DEL BARROCO Sesión 11.

TEMPRANO
 Capilla Sacramental de Santa Catalina – Sevilla,
España.

BARROCO Estilo rococó.

Mira el interior con música barroca de Pedro
Rabassa (1683-1767) desde el enlace siguiente:
https://
www.youtube.com/watch?v=mNDOeKaUycI
ORIGEN DEL TÉRMINO
“BARROCO”
Charles de Brosses (1709 Dijón – 1777 París).

Magistrado y erudito francés. Había viajado mucho, por lo que pudo hacer
contribuciones a la cartografía, que incluyeron el mapa de Australia y Polinesia.
Hizo aportes a la enciclopedia de Diderot y D´Alenbert en filosofía y música.
Contribuyó a la etimología con un libro sobre la formación de los lenguajes. Así
mismo tradujo la obra del historiador Salustio y además fue escritor.

Sobre el estilo arquitectónico utilizado en el palacio Panphili de Roma, dijo que

la habían rehecho con una filigrana que parecía más propia de un mantel que de la
arquitectura. La llamó Barocque. De allí nació el término, con una connotación
despectiva.

También se le aplicó ese término a la música de Rameau, en su Hyppolyte et

Aricie, por ruidosa, antimelódica, caprichosa, extravagante en sus modulaciones,
repeticiones y cambios métricos, según le pareció a un crítico musical anónimo.
PALACIO PANPHILI DE ROMA

Construido entre 1644

– 50 por:
Girolamo y Carlo
Rainaldi.
Lugar:
Plaza Navona en
Roma, Italia.
Estilo barroco.
Palacio Panphili
cio Panphili.
sta interior.
En el S. XIX mejoró la connotación del término, debido a que historiadores del arte, como Jacob Burckhard y editores de
libros, como Karl Baedeker, lo utilizaron para describir las tendencias exuberantes del arte del S. XVII.

Karl Baedeker

Baedeker hizo las

primeras guías de
viajes modernas, para
que los turistas
pudieran prescindir de
contratar guías. Utilizó
estrellas para calificar
Jacob Burckhardt los lugares de interés.
En música el término barroco se volvió a utilizar desde 1920 para describir el estilo musical que va desde finales del
S. XVI hasta 1750 aproximadamente. Se utilizó para describir una época.

Entre 1940 – 50, se intentó utilizar como descripción de un estilo musical, pero después de un análisis más
concienzudo, fue notorio que la música barroca tenía varios estilos diferentes. Así que convino más utilizarlo para
referirse a una época y no a un solo estilo musical.

Se debe tener en cuenta que los estilos artísticos no cambian en una fecha exacta, y que ya antes de 1600 se
empezaban a encontrar características de la música barroca y que hacia 1730 ya algunos rasgos estilísticos estaban
en desuso. Por eso se deben considerar como fechas aproximadas.

Los historiadores de la música creen que sí hay coincidencias entre las diferentes artes, por ello está bien hablar de
música barroca, arquitectura barroca, pintura barroca. E incluso hay relación entre las artes y la literatura y la
filosofía.

Barroco es una palabra portuguesa que significa perla de forma irregular. En esa definición está también el sentido
peyorativo, porque significa lo que sale de la norma, lo extravagante y exagerado. De mal gusto, grotesco. Rococó
es el punto máximo de recargado que alcanza el estilo barroco.

Pero no es que la música realmente tenga algo de malo, sólo se la llama así hoy en día.
ANTECEDENTES
GEOGRÁFICOS Y
CULTURALES
ITALIA: LA REGIÓN MÁS
INFLUYENTE EN MÚSICA
Durante los siglos XVI hasta el XVIII, Italia fue la nación más influyente en música
en Europa. Sin embargo no era un país como en la actualidad. Eran varios reinos. La
península estaba dividida en partes que eran dominadas por España, otras partes por
Austria, otras partes por la Iglesia Católica, estados independientes que se aliaban
con otras potencias europeas de vez en cuando.
Regiones italianas culturalmente importantes: Venecia, Nápoles, Florencia, Roma.
Roma tuvo influencia en la música sacra. Y más adelante, en el S. XVIII sería
destacada en la ópera y la cantata.
REGIONES
OTROS PAÍSES DE EUROPA
Aún cuando desarrollaron sus propios estilos, no fueron ajenos a la influencia italiana.
Francia
Hacia 1630.
Desarrollan un estilo musical
que busca oponerse al estilo
Italiano.
Irónicamente, el mayor
exponente musical francés
era italiano de nacimiento:
Jean Baptiste Lully.
Alemania
1618 - 1648.
Están en la guerra de los
treinta años. Esto debilitó la
producción musical. Sin
embargo hubo una línea de
compositores importantes
que desembocaron en Juan
Sebastián Bach. En su
música se ve la influencia
italiana.
Inglaterra
Hacia 1642 - 1660.
La guerra civil. Esto termina con
otras épocas gloriosas anteriores,
como el período isabelino y el
jacobino. Luego de la guerra hay
un resurgimiento, pero pronto
adoptarán el estilo italiano con
fervor. Händel, el más destacado
compositor inglés del barroco,
nació en Alemania y se vió muy
influenciado por la música
italiana.
MECENAS DE LOS MÚSICOS
Los gobiernos europeos eran absolutistas durante este período.
Las cortes, como la de Luis XIV, eran los que tenían recursos
para mantener a los músicos. También otros poderosos, como la
iglesia y gobernadores.

Se crearon las “academias” que eran sociedades de personas

privadas, que también financiaban a los músicos.

Conciertos para el público con venta de boletas se hicieron pero

muy escasamente. Por ejemplo en Inglaterra en 1672, en
Alemania en 1722, en Francia en 1725. Pero como casos
excepcionales. Vender entradas a conciertos no era una forma de
ganarse la vida para un músico de este tiempo.

El rey sol, Luis XIV.

Retrato de Hyacinthe Rigaud.
LITERATURA, FILOSOFÍA,
ARTE Y CIENCIA
Literatura: Pintura:

John Done, Milton -> Inglaterra Rembrandt, Rubens -> Países bajos.
Cervantes -> España Velásquez, Murillo -> España.
Corneille, Racine, Molière -> Francia
Escultura:

Bernini, Éxtasis de Santa Teresa -> Italia

Ciencia:
Filosofía:
Galileo, Kepler, Newton
Bacon, Descartes, Leibniz.
La escultura de Bernini está en
la capilla Cornaro, en la iglesia
de Santa Maria della Vittoria.

Muy adornada con mármoles de

colores.

Ejemplo del barroco italiano.

En la siguiente diapositiva, el
detalle de la escultura: El éxtasis
de Santa Teresa.
Éxtasis de Santa Teresa. Bernini.

Lección de anatomía del doctor Nicolaes Tulp. Rembrandt.

 Retrato de una joven dama con rosario.
Rubens.

Historia de la noche. Rubens.

Recurso pictórico: El
NUEVAS IDEAS MUSICALES

Los primeros músicos que están buscando un nuevo lenguaje, intentan conservar las formas musicales del
renacimiento, por ejemplo:

Gesualdo -> Madrigales

Gabrielli -> Motetes

Por esta razón se percibe alguna discrepancia entre las intenciones de los compositores sobre las formas que
supuestamente estaban componiendo, y el resultado como tal.

A mediados del S. XVII ya hay un nuevo estilo mucho más definido.

Monteverdi, un compositor del barroco, clasifica dos maneras de hacer música durante este período (S. XVII):

Prima prattica (stile antico, stylus gravis): En esta manera de componer, que es propia del renacimiento, el texto
es más importante que la música.

Seconda prattica (stile moderno, stylus luxurians): Es más importante la música que el texto.

Hacia mediados del siglo XVII, aparecen más clasificaciones de estilo, pero en general hay consenso sobre tres:

1) Estilo eclesiástico. La música de la iglesia.

2) Estilo de cámara. (la música de cámara son ensambles pequeños, entre 1 y 8 intérpretes, que caben en una
habitación, por eso su nombre “de cámara”).

3) Estilo teatral o escénico. Utiliza un conjunto musical grande u orquesta, para la música en teatros.
ESCRITURA ESPECÍFICA O
IDIOMÁTICA: INSTRUMENTAL
VS. VOCAL
Hasta el renacimiento las voces que se escribían para los motetes eran a veces reemplazados por un
instrumento, como se ha visto anteriormente, que una obra podía hacerse con voces o reemplazarlas por un
órgano dentro de la iglesia. De manera que las piezas musicales podían ser cantadas o tocadas. No había una
diferencia de escritura para la voz o para un instrumento.

Desde el barroco se empieza a crear una manera distinta de escribir para las voces y para los instrumentos,
fijándose muy bien en las características de cada instrumento, y aprovechando los recursos técnicos que eran
más fáciles y propios de cada uno. Así surge la escritura instrumental, distinta de la vocal.

En este período se reemplazan la “viola da gamba” por el violín moderno. Y se desarrolla toda la familia de
las cuerdas frotadas: violín, viola, violoncello y contrabajo. En Francia se le dio más importancia a la viola
que al violín durante el siglo XVII.

Se desarrollaron los instrumentos de bronce: Trompeta, corno francés, trombón. Se mejoran los instrumentos
de madera: flauta, oboe, clarinete y fagot.
Figuras de los instrumentos:

Familia de las cuerdas frotadas: Familia de instrumentos de viento – metal,

los bronces:

Violín Viola Violoncello Contrabajo

Al corno francés se le llama también trompa.
Falta la tuba, más grave que todos, que aún
no se había inventado en éste tiempo.
Familia de instrumentos de viento – madera:
Surgen varios instrumentos de teclado además del órgano, a todos ellos se les llamaba “clave”.

Clavecín: Sus cuerdas son pulsadas por una

lengüeta que se acciona con la tecla (similar a
como se pulsa la cuerda de una guitarra).

Clavicémbalo: Sus cuerdas son percutidas

por un martillo metálico. Es el antecesor del
piano.

Los instrumentos de teclado podían tener uno,

dos y hasta cuatro manuales:

Clavecín con
dos manuales
LOS AFECTOS
Los músicos del barroco se interesaron por expresar las emociones en la música: Ira, agitación, asombro,
exaltación mística, heroísmo, contemplación, entre otras.

Hubo gran interés también por intensificar las emociones con contrastes musicales: Empezaron a hacerse
uso de los matices, es decir, tocar suave (piano) o fuerte (forte).
EL RITMO
Aunque los ritmos regulares ya se conocían con anterioridad en las danzas renacentistas, fue en el barroco
cuando la música empezó a escribirse en compases regulares de 2, 3 y 4 pulsos.

A veces, cuando se deseaba salirse de la regularidad del compás se utilizó el recitativo, que da la impresión
de ser una melodía improvisada, acompañada con algunos acordes. Ese estilo improvisatorio también está
presente en algunas toccatas. (Tocatta quiere decir pieza para ser tocada. Es una pieza netamente
instrumental).

Ejemplo de recitativo (hasta el segundo 57): Ombra mai fu, del compositor Haendel. https://
www.youtube.com/watch?v=U9Jh7DF1nxY y el contraste se consigue con el aria (o canción) que viene
después. Fue frecuente hacer “Toccata y Fuga”, o “Recitativo y Aria” para lograr contrastes.

Escucha la tocata y fuga en re menor de Juan Sebastián Bach:

https://www.youtube.com/watch?v=Nnuq9PXbywA
EL BAJO
CONTÍNUO

En este período se utilizó la escritura a 4 voces:

Soprano
Se consideró que la soprano y el bajo eran las voces más importantes, por ser las de los
Contralto
extremos agudo y grave. A las de contralto y tenor se las llamó ripieno, que quiere decir
Tenor
relleno, y es un término que viene de la culinaria.
Bajo

Por esta razón se empezó a utilizar un tipo de notación musical llamada “El bajo continuo”, en la que se anotaban
solamente las voces de soprano y bajo, y se dejaba que el intérprete (del teclado = clavecín usualmente)
completara las de contralto y tenor, gracias a la ayuda de unos números que servían como cifrado de los intervalos
que debían ir encima del bajo. Esto daba libertad al tecladista para completar las otras partes de acuerdo a su
destreza y permitía cierto grado de improvisación.
EL NUEVO CONTRAPUNTO: ES
TONAL.
En el renacimiento se utilizaban varias voces al tiempo haciendo ritmos y melodías diferentes. Se le llamaba
polifonía a esta manera de componer. Más adelante, desde Ockeghem se utilizó el contrapunto imitativo, que
eran voces que hacían la misma melodía, pero no empezaban al tiempo sino desfazadas, o en términos
musicales, en canon.

En el barroco, se sigue utilizando la idea de varias melodías independientes y simultáneas, es decir se

continúa con el contrapunto, pero se le agrega algo nuevo: debe haber una sucesión de acordes con cierta
lógica, o sea que las melodías además de funcionar bien de manera independiente, tienen que ajustarse de tal
manera que formen acordes en cierto orden. A este nuevo recurso se le llamó contrapunto armónico. Y a la
lógica utilizada en el orden de los acordes se le llamó EL SISTEMA TONAL FUNCIONAL.
LA ÓPERA TEMPRANA Precursores
 DEFINICIÓN DE ÓPERA
Representación teatro – musical. Con decorados, libreto, música casi continua, vestuarios, y danzas.

Antecedentes:

La tragedia griega, por ejemplo los de Eurípides y Sóflocles, que utilizaban coros (Girolamo Mai estudió la
música griega y publicó sus resultados de investigación en un libro llamado De modis musicis antiquorum), al
igual que las representaciones religiosas medievales.

En el renacimiento, se utilizó hacer unos ciclos de madrigales o comedias de madrigales, con alguna temática
ordenada, por ejemplo los ciclos del compositor Orazio Vecchi (1550-1605) L´Amphiparnaso. Se consideraba
que ese género musical era bueno para hacer descripciones del mundo emocional de un personaje. Otro
compositor de Bolonia que hizo estos ciclos fue Adriano Banchieri.

Otro antecedente fue la pastoral: un género de poesía sobre temas pastoriles: con campesinos sencillos, en un
mundo con dioses de los bosques, sobre temas de amores. Fue un género muy inspirador para la música.

Éstas representaciones se utilizaban en las bodas de las personas más adineradas, y también se utilizaban
intermezzos o intermedios, que eran pequeñas representaciones entre los actos de una representación más larga.
LA CAMERATA FLORENTINA
Giovanni Bardi tenía un palacio en Florencia, y allí creó una academia donde se discutían temas de artes,
incluidos los estudios que hizo Girolamo Mei sobre los griegos. Éste último concluyó que la música de los
griegos lograba efectos dramáticos porque utilizaba una voz solista que podía ejercer el efecto de un buen orador
con la música. Y que la polifonía era incapaz de expresar lo mismo que un solista, porque la complejidad hacía
que se perdiera el efecto comunicativo.

Bardi tuvo un músico protegido, que se llamaba Giulio Caccini, que puso el nombre de camerata a esas
reuniones.

Otro asistente fue Vincenzo Galilei, el padre de Galileo, el famoso físico. Éste consideraba pueriles los recursos
onomatopéyicos del madrigal dentro de las representaciones musicales, como por ejemplo imitar los suspiros.
Éste también fue partidario de utilizar una voz solista que fuera más expresiva. Escribió música para la
representación de la divina comedia de Dante. Desafortunadamente esa música no sobrevivió.
Otra de las ideas de Mei era la de que en las tragedias griegas todo se cantaba. Esta fue una idea que adoptaron los
participantes de la camerata (Jacopo Peri y Ottavio Rinuccini) y crearon dramas completamente musicalizados:
Dafne de Rinuccini 1597. L´Euridice con poema de Rinuccini y música de Peri y Caccini. Un ejemplo del
prólogo de la obra: https://www.youtube.com/watch?v=WHMJgGE5Doc es la tragedia de Orfeo y Eurídice, pero
con final feliz, porque fue interpretada en la boda de Enrique IV de Francia y María de Medici.

Emilio de Cavalieri llevó representaciones un poco más pequeñas al teatro. Él estaba encargado del teatro y las
artes de la corte ducal florentina. Era polifacético, diplomático, coreógrafo, profesor de canto. En 1600 hizo
también una representación completamente musical, de carácter religioso: Rappresentatione di anima e di corpo.
Se atribuyó la creación de estas representaciones. Pero no fue el primero, como ya se explicó arriba.

Los estilos de los tres (Cavalieri, Caccini, Peri) eran similares: Estaban buscando una voz que estuviera a medio
camino entre lo recitado y lo cantado. Con acompañamiento de acordes. Esta fue su interpretación de cómo debía
sonar la música de la tragedia griega.

Ejemplo: Madrigal Perfidissimo volto de Caccini. https://www.youtube.com/watch?v=AxZ5S5k3bK4

Monteverdi, tomó como modelo estas composiciones de Caccini y Peri y escribió una ópera: Orfeo.
Utilizó una gran instrumentación: cerca de 50 instrumentos, aunque no de manera simultánea. En eso
consiste la principal diferencia con los otros compositores. Y el libreto fue muy alargado, se hizo en 5
actos. Luego Monteverdi escribió otra ópera: Arianna, pero la música se perdió, exceptuando un número,
el lamento. Fue una pieza que gustó mucho entre el público. Fue re arreglada varias veces después.

Curiosamente, el género de la ópera prendió en Roma hacia 1620, en donde dos papas fueron mecenas de
este tipo de producciones: Urbano VIII y Clemente IX, además este último escribió varios libretos de
óperas.

Cada vez más se va separando el recitativo (recitado) del aria (la canción). Es también en Roma donde
comienza a existir la ópera cómica.
LA ÓPERA EN VENECIA

A Venecia llevaron el género de la ópera Benedetto Ferrari y Francesco Manelli en 1637.

Hicieron un montaje de bajo presupuesto en el que ellos compusiron e interpretaron. Vendieron boletos al
público, para poder financiar su evento. El montaje fue Andrómeda. En el montaje hubo 3 castratti y 3 cantantes
normales. Con 12 instrumentistas.

Monteverdi compuso dos óperas más para Venecia: El retorno de Ulises 1641 y La coronación de Popea 1642.
Allí tuvo un estudiante llamado Pier Francesco Cavalli que continuó componiendo óperas. Hizo 41, lo que
muestra que había demanda por el género.

Otro compositor de óperas fue Antonio Cesti, que hizo Il pomo d´oro, la manzana de oro, para Leopoldo I. Se
nota que viene de Roma porque hizo una ópera muy cargada de instrumentos y con un gran gasto en la parte
visual escénica para la representación de batallas navales, con maquinarias, así como danzas con bastantes
bailarines.
GÉNEROS MUSICALES DEL
BARROCO
Cantata

El término literalmente quiere decir “pieza para ser cantada”. Es una composición para instrumentos y coro.
Sobre algún tema religioso.

Ejemplo: cantata 147 de Juan Sebastián Bach. Escucha una versión en el siguiente enlace, que corresponde a
un fragmento muy reconocido: https://
www.youtube.com/watch?v=GWtoeYznx8E&list=RDGWtoeYznx8E&start_radio=1
Y la obra completa se puede escuchar en el siguiente enlace: https://www.youtube.com/watch?v=h97JE4--
p84

Sonata

El término literalmente quiere decir “pieza que suena”. Es una composición instrumental, sin voces.

Ejemplo: Sonata de Corelli. https://www.youtube.com/watch?v=kSCqbAEXbpo

Oratorio

Es una ópera que trata de algún tema religioso y su representación se hace en la iglesia.

Al igual que las óperas, tienen varios tipos de piezas musicales:

Recitativos: Piezas en donde el canto parece más bien hablado

Arias: Canciones para un cantante solista
Coros: Canciones para el coro.

Uno de los oratorios más conocidos es “El Mesías” de Georg Friedrich Haendel. El fragmento más famoso es el
Aleluya, se puede escuchar a partir del minuto 1:35:57. Allegro. https://
www.youtube.com/watch?v=JH3T6YwwU9s

Concierto

Hay concerto grosso (se tocaba fuera de la iglesia) y concerto da Chiesa (se tocaba en la iglesia). Son un género
instrumental, que intercala a un instrumentista solista con una orquesta.
Passacaglia / Chacona

Los dos términos se utilizaron para designar una pieza musical que se basa en un tetracordio frigio
descendente. Por ejemplo las notas Do sib lab sol.

Sobre ese bajo se escriben contrapuntos y variaciones.

Es famosa la chacona de Bach. Escúchala en el siguiente enlace:

https://www.youtube.com/watch?v=pZ82pECqiUg
Se debe tener en cuenta que en esta época no existía aún el piano.

Romanesca

Una pieza instrumental basada en el siguiente bajo:

Escucha un ejemplo en el siguiente enlace:

https://www.youtube.com/watch?v=esObNllIA14
A partir del segundo 00:00:55
HEINRICH SCHÜLTZ Compositor del barroco
temprano
Heinrich Schültz

Fue un compositor alemán.

Estudió con Giovanni Gabrieli en 1609.

Fue maestro de capilla del elector de Sajonia en Dresde, Alemania,

Durante la Guerra de los 30 años estuvo en la corte de Copenhague.

1628 Fue a Venecia.

Sólo se conservan sus obras religiosas.

Escucha su “Gran concierto: Saul, was verfolgst du mich”

https://www.youtube.com/watch?v=lZvrVPVhG9w
TIPOS DE MÚSICA
INSTRUMENTAL
1) Fugado: Como la fuga de la tocata y fuga en re menor para órgano de J. S. Bach

2) Piezas tipo canzona: Es decir con secciones, es decir paradas cada cierta cantidad de compases

3) Variaciones: Como el tema y variaciones Goldberg variations de J. S. Bach. O el canon en re de Pachelbel.

Escúchalo en el siguiente enlace: https://www.youtube.com/watch?v=OFfYGoVstgc Y mira el vídeo de
Jaime Altozano sobre ese canon: https://www.youtube.com/watch?v=10Y6SBoImkk

4) Danzas: Suites de danzas como la suite francesa en mi mayor de J. S. Bach.

5) Estilo improvisatorio para teclado (toccata, fantasía, preludio) como el preludio en do mayor de J. S. Bach,
escucha la versión de James Rhodes https://www.youtube.com/watch?v=pLB64p4J8FQ
Antonio Vivaldi:

Importante compositor del Barroco, italiano. Fue clérigo.

Inspiró a Juan Sebastián Bach con sus conciertos para
víolín.

Compuso las estaciones.

Mira el vídeo de Jaime Altozano sobre las estaciones:

https://
www.youtube.com/watch?v=YwqcsYLCGyI&t=335s

Escucha el Gloria de Vivaldi, que compuso cuando

trabajó en el orfanato para mujeres:
https://www.youtube.com/watch?v=0ICW_iZcti4
FIN Hasta pronto.