TEMA 6
Los estilos gráficos: consideraciones generales sobre los diferentes estilos de diseño
gráfico y su relación con el arte, la industria, la moda y el comercio.
Los estilos gráficos: consideraciones generales sobre los diferentes estilos de diseño
gráfico y su relación con el arte, la industria, la moda y el comercio.
A través del tiempo, los estilos artísticos han ejercido una influencia muy clara
en el arte gráfico, contribuyendo a la formación de los estilos tipográficos de los
caracteres y de la composición de la página.
Desde la aparición de los primeros tipos móviles en el siglo 15 hasta nuestros
días, la creación tipográfica ha trazado un camino paralelo a la creación artística.
Por tanto se podrían clasificar los estilos como:
Estilos clásicos: el punto a partir del cual se puede hablar propiamente de una
historia de la tipografía y de los estilos gráficos es, en el que se sitúa la invención
de los caracteres móviles y la prensa. Esto es en el año 1450 y su inventor el
impresor alemán Johann Gutemberg, con lo que el período inmediatamente
anterior a este hecho, el período gótico, es el punto de partida ideal para
comenzar la historia de los estilos gráficos.
Periodo Gótico: La letra gótica presenta unas formas pesadas y condensadas
así como con una fuerte modulación vertical. Poco a poco, los trazos ascendentes
y descendentes fueron acortándose haciéndose cada vez menos legible.
El Renacimiento.
El mundo del renacimiento, en sus esferas espirituales y artísticas, estaba
firmemente asentando en torno a los ideales clásicos de la antigua Roma y Grecia.
Al inventarse la imprenta, se usó el carácter gótico, que era el que se usaba con
los textos manuscritos, y para la ornamentación imitaron las orlas y las iniciales
y finales de los libros medievales manuscritos. A lo largo del Siglo 16 se utilizó el
carácter romano o humanístico, del que derivaron el romano itálico y el romano
neoclásico.
El Barroco.
La cultura del barroco refleja una época donde la riqueza y la abundancia se
traducían en brillantes colores y formas redondeadas. Fue una época en la que el
mecenazgo de los príncipes proporcionaba magníficos beneficios en el ámbito del
teatro, música, pintura y arquitectura. Después del desarrollo de la escritura y la
tipografía en el renacimiento, las novedades de la época barroca son sobre todo
un escalón intermedio en el camino hacia el clasicismo. Por eso los tipos barrocos
se conocen como «de transición».
El Clasicismo.
El refinamiento de la tecnología utilizada en el desarrollo de los tipos, caracteriza
el periodo clásico. El contraste entre los trazos se agudiza y las formas están
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más claramente estilizadas. Sus finos trazos los hacen menos legibles que las
«romanas» pero con una superior elegancia. Las limpias estructuras y fáciles
formas de la Antigüedad dominan la cultura del período y esto se refleja en la
gráfica de esta época.
La presentación tipográfica suele estar justificada y centrada en un eje simétrico, la
tipografía está llamada a cumplir la misión de definir una estructura para el texto
de la manera más óptima.
El Historicismo.
Sobre 1860 el diseño se caracteriza por la adopción de formas del pasado, con
la utilización de ornamentos y formas del gótico y del barroco. El historicismo
se manifiesta en la pintura y en la escultura, remitiéndonos a la época clásica sin
ningún tipo de conexión con el contexto actual.
Los materiales impresos parecen pequeños monumentos. El texto aparece
centrado y los alfabetos están excesivamente decorados, sombreados e incluso
aparecen algunos en tres dimensiones.
El Movimiento de Artes y Oficios, (Arts and Crafts).
Se vuelve la vista a la Edad Media donde el artesano y las cosas creadas por el
individuo y no por la máquina reciben un reconocimiento y una revalorización
que hace replantear la división entre arte y oficio. En este contexto nace el
movimiento «arts & crafts» (artes y oficios) y que fue iniciado por el poeta, pintor,
artista artesano William Morris.
El movimiento de artes y oficios reclamaba el libro artesano y bello en la
era industrial, no solo era importante la tipografía sino también el papel, las
ilustraciones la impresión y la encuadernación.
Impresionismo: la segunda mitad del siglo 19 supuso una auténtica revolución
tipográfica por la evolución de los métodos de trabajo. El arte impresionista llevó
al gráfico hacia el cartelismo y la publicidad.
Modernismo: es un estilo decorativo que inspirándose en las formas de la
naturaleza creó un estilo diferente, nuevo, naturalista y recargado en cuanto a
tipos y ornamentación. También llamado (Art Nouveau en Francia. Modern Style
en Inglaterra, o Jugendstil en Alemania.
Los ismos: el Futurismo, cubismo, el dadaismo y otras corrientes artísticas de
las vanguardias de principios del siglo 20, que comenzaron a influir en la tipografía,
simplificaban las formas y buscaban los elementos esenciales de la obra, pero
empleando los caracteres desordenados y la arquitectura gráfica desequilibrada.
Futuristas y dadaistas hicieron las obras más representativas de la época y también
las más excéntricas.
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El Constructivismo.
Las formas constructivistas son empleadas en todas las áreas del arte, arquitectura
y diseño. Los libros de los niños son producidos con formas y contenidos
constructivistas y es muy utilizada la técnica del fotomontaje.
Los textos empezaron a justificarse a derecha y a izquierda en mayúsculas
buscando el contraste de las formas mediante los efectos positivos y negativos,
barras, líneas, etc.
Tipografía elemental: se desarrolla a partir de las formas claras y
reduccionistas del constructivismo, rechazando las tipografías con serifa utilizadas
hasta entonces. Su estilo se basa en la claridad formal y la eliminación de
motivos ornamentales, la asimetría de la puesta en página y el uso restringido de
tipografías. Es la etapa de la escuela Bauhaus, que unificó arte e industria y que
hizo del arte gráfico objeto de estudio, e influyó en las posteriores escuelas de
diseño en todo el mundo.
Art Decó.
A través de las líneas geométricas básicas, los principales motivos utilizados por
este estilo eran patrones florales provenientes del Art Nouveau y los nuevos
planteamientos del cubismo.
Las creaciones tipográficas del Art Decó fueron diseños en general muy
decorados y poco utilizables excepto para fines publicitarios. Eran alfabetos
abstractos, geométricos y de formas elementales.
El principio por el que se basaban estos alfabetos era la decoración, quedando la
legibilidad en un segundo plano.
Tipografía tradicional: defendían la tipografía desde el punto de vista de
legibilidad, puesta de página y buen uso tipográfico. No querían tener nada que
ver con las teorías y conocimientos de la Bauhaus, o las vanguardias artísticas, sino
que se basaban en los conocimientos tradicionales.
Estilo internacional: basado en las innovaciones constructivistas, en la
tipografía elemental de la Bauhaus, y desarrollando un nuevo medio, la fotografía.
Se fundamentaba en tres pilares básicos:
1º. El uso de una retícula modular.
2º. El empleo de la tipografía de palo seco y la disposición asimétrica de los
elementos del diseño.
3º. Utilización de la fotografía en blanco y negro en vez de las ilustraciones.
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Estos conceptos básicos del estilo suizo, conseguían proporcionar una estructura
clara y lógica.
Pop Art: es un movimiento artístico que reivindica a los productores de la
cultura popular, y tiene la pretensión de que sus productos sean consumidos
masivamente.
El pop Art dio un gran valor a los carteles, la publicidad, la moda, el comic, etc. , es
decir todos los fragmentos del lenguaje urbano y cotidiano.
New wave: surgió como iniciativa para desmarcarse del estilo internacional
suizo. Sus composiciones consistían en las inversiones del tipo, bloques de
texto escalonados, diferentes espaciados, subrayados, etc., así como el uso de la
fotografía con una trama fuerte que le daba más aspecto de grafismo que de obra
realista.
Estilo postmoderno: Es el periodo comprendido desde mediados de los años
setenta hasta finales del siglo XX. El artista postmoderno desarrolla un nuevo
lenguaje, de intensa subjetividad, combinando formas históricas y modernas con
referencias internacionales y regionales sin ninguna limitación; el artista se expresa
ahora como desea, con entera libertad.
Dentro del postmodernismo se sitúan infinidad de subestilos que irán
apareciendo a finales del siglo XX, como el minimalismo, el Punk, el Graffiti, el
Neoexpresionismo, la Transvanguardia, el Tecno etc.
En la actualidad no hay un estilo definido ya que van sucediendose diferentes
tendencias que hacen que no se defina un estilo concreto y no se pueda expresar
como movimiento o estilo hasta que no ha pasado cierto tiempo y se haya
consolidado como tal. Desde finales de los 90 del siglo pasado hasta hoy han
ido surgiendo diferentes tendencias como el Grunge, o ya entrados en el siglo
21 el movimiento denominado New Ugly, que es un movimiento ecléctico que
reacciona ante los principios del denominado “buen diseño”, (orden, simplicidad,
legibilidad y proporción), utilizando precisamente sus contrarios. Muestra una
apariencia de imperfección. A pesar de esta apariencia de no profesionalidad, en
realidad, detrás de las obras New Ugly existe una reflexión sobre la estética del
diseño.
Otra tendencia actual es el Flat design o Material Desig, tendencia que ha sido
desarrollada y propagada por Google en el 2014 y que están marcando la
estética gráfica actual. Consiste en dibujos planos a los que se le añade efectos de
profundidad, sombras, animaciones y transiciones, También el uso de degradados,
formas geométricas, tipografías grandes y de palo seco y una gran jerarquía visual.
Todos estos estilos han estado marcados por un determinado momento de la
historia, y han influido en todas las ramas del arte, diseño, literatura, industria,
moda, etc, es decir, han influenciado en la evolución gráfica, social, estética y
cultural de la humanidad.
