TRABAJO PRÁCTICO DE ARTE Y CULTURA.

ANÁLISIS DEL POP ART

Objetivo
El informe consiste en el análisis teórico obras de arte pertenecientes al periodo del Pop Art, para así conocer y
poder comprender las causas y consecuencias de su aparición, posterior expansión, como así también el
desarrolló del aspecto social del movimiento.

Este trabajo propone averiguar y reflexionar sobre los antecedentes, origen, temas, técnicas, grandes
exponentes y obras significativas del Pop Art mostrando su repercusión en la sociedad utilizando como
herramienta de análisis el marco teórico de los textos de los autores Lippard, Sandler, Sontag y Bürger.

Introducción
Este movimiento surge en los años ´60, principalmente en Estados Unidos e Inglaterra. Con influencias del
surrealismo, el dadaísmo y el expresionismo abstracto siendo este un efecto del “Ready Made” de Marcel
Duchamp.

Esta manifestación cultural se forjo bajo la sociedad industrial, el capitalismo, y la aparición de nuevas
tecnologías.

El Pop Art refleja el estado de ánimo de la sociedad de una época, caracterizada por una estabilización política y
económica después de la Segunda Guerra Mundial, a partir de lo cual se generaron nuevos hábitos y conductas de
consumo. El cambio de vida de la sociedad, la saturación de la información por parte de los medios masivos de
comunicación, la satisfacción y el confort por las nuevas tecnologías, la aparición de una nueva cultura de
consumo y el culto a las estrellas de la época fueron el inicio para el desarrollo de un arte nuevo y diferente,
siendo el reflejo del espíritu de una época.

El nombre del movimiento “arte popular” lo configura como el arte del pueblo, aunque en realidad lo que los
autores querían manifestar era una crítica al arte, al espectador, y al artista, no se trataba más que un nuevo
movimiento de vanguardia

Con objetos industriales, carteles, embalajes, collage de imágenes de objetos de la cultura popular, los cómics y
el dinero, entre otros, son algunos de los elementos que se empleaban para ejecutar las obras, acompañados de
la ironía y combinándolos o separándolos de su contexto original.

Desarrollo
El Pop Art tuvo influencias del lenguaje del cubismo sintético, el collage propiamente dicho había sido inventado
por los cubistas como medio para explorar las diferencias entre la representación y la realidad, artistas
posteriores al movimiento, se interesaron por establecer conexiones entre esos objetos que colocaban juntos.

Stuart Davis utilizo objetos comunes y domésticos (una batidora, un guante de goma y un ventilador) para sus
pinturas que realizó en la década del ´20. Sin embargo, cabe destacar la influencia dadaísta y surrealista en el
surgimiento del arte Pop.

Este movimiento de vanguardia combinaba los textos y las imágenes de los carteles publicitarios, la vida
cotidiana, los slogans y carteles en diferentes tipos de collages y assemblages.

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Kurt Schwitters fue uno de los artistas dadaístas más relevantes, y el creador de uno de las obras que puede
considerarse punto de partida para el Pop Art: el “Collage For Kathe”, cuya composición incluyó por primera vez el
cómic (elemento característico de Roy Liechtenstein).

El dadaísmo, al igual que el posterior movimiento pop, cuestionaba el término tradicional del arte y trató como
temas el insultó y la conmoción.

El precursor del arte pop fue Marcel Duchamp con su ready-made dadá por el cual los objetos se utilizan con un
fin artístico y dejan de tener utilidad: el arte se convierte entonces en algo cotidiano (como posteriormente lo
serían las latas de sopas Campbell o las cajas de brillo de Warhol, por ejemplo).

Los surrealistas, que se basaban en el inconsciente del hombre y la psicología de Freud (lo cual se contrapone a
las ideas del Pop, en donde el ser humano es manipulado por fuerzas externas), también influyeron en el estilo
del arte pop, debido a la libre combinación de normas de conducta, modelos estéticos y objetos modelo elegidos
al azar.

Para el pop art, el collage y el assemblage son los fundamentales principios creativos y simbólicos, es por esto la
importancia del dadá y el surrealismo en su desarrollo.

Posterior a estas vanguardias, durante los años ´40 y ´50, el expresionismo abstracto fue la tendencia
predominante en los Estados Unidos. Este movimiento comenzó a agotarse y se pasó de un arte “elitista” y
subjetivo caracterizado por la representación de las costumbres y estilos del pueblo, de la clase media.

Los artistas comenzaron a experimentar con materiales y estilos. El Pop Art se hizo más figurativo, más
novedoso y más norteamericano que el expresionismo abstracto. Los críticos acusaban al movimiento de ser
elitista y vacío, carente de contenido.

En los años ´60, se produjo un cambio en la sociedad tan importante y revolucionario, que trajo consigo una
nueva forma de vida, de apreciar la realidad, una nueva consciencia. Se empezaron a popularizar y expandir los
medios masivos de comunicación, y por ende los avisos publicitarios. La clase media era manejada por la radio y la
televisión. La saturación de información por parte de los medios impulsó un acercamiento entre los compradores
y comerciantes, determinando la masividad del consumo. Los posters, los periódicos, los carteles y los magazines
crearon un nuevo sistema de comunicación.

En la época de post-guerra Lo llamado “popular”, “del pueblo”. Lo trivial, lo efímero, lo banal, comenzó a
convertirse en objeto de interés general, para las clases medias, la gente de bajos recursos y la burguesía.

Los factores que crearon el Pop Art no son universales, sino más bien específicos y particulares de las culturas
urbanas de Inglaterra y Norteamérica de la post-guerra.

El Pop Art británico.

Surgió en 1952, en Londres, un grupo independiente que determinó variedad temática de los actos

Sus miembros, Richard Hamilton y Eduardo Paolozzi son considerados padres del arte Pop británico.

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La primera obra Pop, para muchos autores, es un collage de Richard Hamilton titulado “¿Qué es lo que hace
que los hogares de hoy sean tan diferentes, tan atractivos?” (“Just What Is It That Makes Today’s Homes So
Different, So Appealing?”)

La obra es una crítica a la sociedad consumista contemporánea. Los elementos son extraídos de revistas,
periódicos, etc. Ideales de consumo masivo de aquel entonces.

Las figuras más representativas de la obra son el hombre musculoso parado en el punto central
del collage, sosteniendo un chupetín Tootsie Pop , y la mujer que está al extremo derecho de la imagen. El
hombre y la mujer “ideal” sobresalen. Se pueden observar dos mujeres más. Una ama de casa ubicada en el
extremo superior izquierdo, utilizando una aspiradora de un anuncio publicitario y una segunda la mujer en el
televisor.

Cuenta con muchas imágenes representativas del consumo americano de la época del ´50. Símbolo de autos
Ford, el cartel de comic Young Romance, un ejemplar del periódico The Journal of Commerce, el teatro Warner,
una grabadora de cintas hecha por la compañía inglesa Boosey & Hawkes, un retrato victoriano. Todos estos
elementos están situados, en lo que parece, la sala de estar de un típico hogar americano. En la parte superior se
encuentra una foto de la Tierra como techo del hogar.

Hamilton crítica la sociedad del consumo y la riqueza bienes en la sociedad americana, una realidad superficial,
y la abundancia representado como ideales primordial de esa sociedad. Se trata de un collage realizado
normalmente con la técnica de yuxtaposición de diferentes elementos como: fotografías, assemblages, recortes
de personaje, etc.

Critica la saturación visual de la vida moderna, ya que en esta época sobresalía el movimiento irónico ante la
publicidad y el consumismo de Estados Unidos, mostrando todos los tipos de manifiesto tecnológico, político,
social y cultural, como una suerte de contaminación en la vida de la sociedad estadounidense. Con influencias
abstractas y del cubismo

En este collage vemos, además, una habitación en la cual se ve que no posee un techo, está decorada con
colores amarillo y naranja, también imágenes en blanco y negro representaciones del momento, mientras que el
planeta tierra representa el emblema de la globalización.

El Pop Art en Estados Unidos

La calidad de vida de los americanos fue la inspiración básica de muchos artistas, independientemente de su
nacionalidad.

El Pop Art ha sido siempre considerado entonces una crítica a esa nueva sociedad, la sociedad de masas, la
sociedad consumista. Los temas, las formas y los medios del arte Pop no son más que el reflejo de los rasgos
esenciales de los ´60. Estos incluyen, por ejemplo el culto a las estrellas de Hollywood, el dinero, la influencia de
los medios masivos de comunicación, el nacionalismo y el consumismo en general (botellas de gaseosas, paquetes
decigarrillos, envoltorios de chicle, etc).

El Pop Art reacciona ante la despersonalización, pretendía redefinir el individualismo dentro del arte, por esta
razón en muchas obras se resalta el anonimato del artista.

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La idea del referente del Pop Art americano, Andy Warhol, no fue tan sólo convertir el arte en algo trivial y
vulgar, sino trivializar y vulgarizar al propio arte; producirlo como un producto de masas. Sus primeras pinturas
datan de 1960 y se inspiran en los motivos de la publicidad y el cómic. Interesándose por los criterios de santidad
y cualidad, tanto en las personas como en los artículos de la industria del consumo.

En sus serigrafías sobre lienzo (de 1962 a 1970) aparecen estrellas de Hollywood como (Marilyn Monroe, Elvis
Presley, Marlon Brando), del arte (Mona Lisa, Rauschenberg y hasta el mismo), de la política (Jackie Kennedy,
Nelson Rockefeller), así como también hechos políticos (como la Race Riot), artículos de consumo (Coca Cola,
Pepsi Cola, conservas Campbell, envoltorios) y monumentos (el Empire State, la Estatua de la Libertad), entre
otros elementos y personalidades. Una de sus obras más famosas,

210 botellas de Coca Cola (1962). Mediante la técnica de serigrafía Andy Warhol reproduce las botellas
imprimiendo las imágenes sobre el cuadro, en un fondo blanco repite 210 veces este icono de la cultura popular,
además, su significado iconológico es el de un producto de consumo universal, es decir, equipara a cualquier clase
y sector social, denota el consumo masivo como característica funcional de la sociedad contemporánea cuya
masificación es producto de la globalización. Además el hecho de que haya diferentes botellas, llenas, vacías,
medias llenas, indica los diferentes momentos y lugares de dicha globalización mediante el consumo de un
producto determinado, en este caso la gaseosa Coca Cola.

Según Warhol, la repetición de la información la banaliza. Este método, de reproducir la misma imagen repetida
muchas veces en una misma obra, es otra característica particular del artista, “quería ser algo que no hace
pinturas sino productos industriales. Fue más allá de los límites dela pintura, aunque ese interés muchas veces es
expresado en una forma paradójica e irónica.

Conclusión
“Arte” y “Pueblo”, es una unión de conceptos que no son exactamente compatibles, fue aceptada por los
espectadores, contrariamente rechazada por la crítica.

En el público común, este tipo de arte tuvo un gran éxito (distribuidores y coleccionistas). La sociedad se sentía
atraída por la variedad e intensidad de colores, los contenidos, sus formas fáciles y en cierto punto divertidas.

Al espectador le gustaba reconocer esos elementos representados para comprender la obra (o intentar hacerlo)
de inmediato al ver que aquello que estaban viendo era, un elemento que fácilmente encontrarían dentro de sus
hogares. A diferencia de la complicada interpretación de obras del expresionismo abstracto.

Aunque entre el arte pop y su público hubo un “malentendido”, por parte de éste último. La audiencia, si bien
recibió con gran aceptación este arte diferente y más cercano a su realidad, pareció no comprender que lo que se
estaba queriendo mostrar era una crítica. La gente no comprendió la carga de ironía y ambigüedad, quizás hayan
visto el Pop Art como una celebración a la cultura o un reflejo de aquella sociedad contemporánea de consumo,
en lugar de entenderlo como una sátira de lo banal, lo carente de contenido, lo trivial, lo superficial.

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Arte Pop en Argentina, análisis selectivo de la obra de León Ferrari "La civilización occidental y cristiana"
(1965)

La figura de un cristo de santería crucificado sobre un avión bombardero estadounidense FH107 de unos 2
metros de altura colgado como si cayera en picada; es un icono del arte latinoamericano, no se expuso a petición
de Romero Brest, director del Di Tella.

Se trata de un assemblege reducido a su mínima expresión, ya que consta de tan sólo dos elementos
esculturales (el cristo y el avión de guerra) para su conformación. Es una fuerte crítica a la guerra de Vietnam, a
EE.UU. como imperio utilizando la imagen de cristo para las matanzas, y según el mismo Ferrari, como la religión
también utiliza al imperio para justificar las torturas y matanzas. Se crítica las estrategias religiosas y políticas que
conforman nuestro “sistema de vida”, dichas estrategias dialogan con nuestra naturaleza humana en su estado
más primitivo; y con nuestra historia.

“La civilización occidental y cristiana”, el lema actuaba como justificativo de la fuerza invasora en el territorio
asiático.

Galería de imágenes

Kurt Schwitters, “Collage For Kathe”

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Richard Hamilton, “¿Qué es lo que hace que los hogares de hoy sean tan diferentes, tan
atractivos?”

Andy Warhol, 210 botellas de Coca Cola.

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León Ferrari, "La civilización occidental y cristiana" (1965)