Arte pop

El arte pop es un movimiento artístico surgido en Reino Unido y Estados Unidos a mediados del
siglo xx, inspirado en la estética de la vida cotidiana y los bienes de consumo de la época, tales
como anuncios publicitarios, comic books, objetos culturales «mundanos» y del mundo del
cine. El arte pop, como la Música Electrónica, presenta una forma de ver y tratar el arte, más
global y social, no para pocos (clasista), sino para todos (errónea), al utilizar imágenes
populares en oposición a la cultura elitista existente en las Bellas Artes, separándolas de su
contexto y aislándolas o combinándolas con otras,2 además de resaltar el aspecto banal o
kitsch de algún elemento cultural, a menudo a través del uso de la ironía.
El arte pop es considerado un arte moderno, junto con el minimalismo y por lo tanto
precursores del arte postmoderno, aunque incluso se les llega a considerar como los ejemplos
más tempranos de este.

Introducción
El arte pop es comúnmente interpretado como una reacción a los entonces dominantes ideales
del Expresionismo abstracto. De cualquier forma, el arte pop también es la continuación de
ciertos aspectos del expresionismo abstracto, tal como la creencia en las posibilidades de hacer
arte, sobre todo en obras de grandes proporciones. Del mismo modo, el arte pop era una
extensión como un repudio del Dadaísmo. Mientras que el arte pop y el dadaísmo exploraban
los mismos sujetos, el arte pop reemplazaba los impulsos destructivos, satíricos y anárquicos
del movimiento Dada. Entre los artistas considerados como precursores del movimiento pop
están Marcel Duchamp, Kurt Schwitters, Man Ray, Max Ernst y Jean Arp.
El movimiento como tal surgió a mediados de los años 1950 en el Reino Unido y a principios de
los años 1960 en los Estados Unidos. con diferentes motivaciones. En Estados Unidos marcó el
regreso del dibujo del tipo Hard edge (traducido como «dibujo de contornos nítidos») y del
arte representacional como una respuesta de los artistas al utilizar la realidad mundana e
impersonal, la ironía y la parodia para contrarrestar el simbolismo personal del expresionismo
abstracto. En contraste, el origen en la Bretaña de la posguerra, aunque también utilizaba la
ironía y la parodia, era más académico y se enfocaba en la imaginería dinámica y paradójica de
la cultura popular estadounidense, la cual estaba formada por un conjunto de mecanismos
fuertes y manipuladores que estaban afectando los patrones de la vida, mientras mejoraban la
prosperidad de la sociedad. El arte pop temprano de Inglaterra se puede considerar entonces
como una serie de ideas alimentadas por la cultura popular estadounidense vista desde lejos,
mientras que los artistas estadounidenses estaban comprometidos con los derechos civiles, por
la participación y por protestar en contra de la guerra de Vietnam; estos mismos rechazaban el
consumismo y los valores conservadores. Muchos artistas adoptaron técnicas mecánicas de
imprenta para reflejar el mundo contemporáneo y distribuir su arte en masa.
La mayoría de las obras de este estilo son consideradas incongruentes debido a que las
prácticas conceptuales que generalmente son utilizadas hacen que sean de una difícil
comprensión. El concepto del Arte Pop no hace tanto énfasis al arte en sí, sino a las actitudes
que lo conducen.
El pop art desea, sin ilusión alguna, hacer que las cosas hablen por sí mismas
Andy Warhol
Arte pop y publicidad

La publicidad se ha nutrido del arte y sus diversas técnicas de impresión para la producción de
la imagen publicitaria favoreciendo así la integración con el medio urbano y configurar parte
del imaginario colectivo. Por su parte la relación inversa puede ser vista desde la multiplicación
de la imagen comercial (como en la serie de las sopas Campbell) como un intercambio de la
publicidad con el arte, desde donde se discute el comercialismo como una afrenta directa a la
técnica y filosofía del expresionismo abstracto a lo relativo a la democratización de productos y
del arte hasta la implantación de un discurso del régimen fordista de producción.
Como parte de la socialización o acercamiento del arte a la sociedad el arte pop proyecta y uso
técnicas de diseño que implica una cultura visual y cuyo fenómeno extendido es la apropiación
de obras de arte, en una función educomunicativa, al no dejar de ser educativas a la sociedad a
pesar de ese ámbito puramente comercial.

En el Reino Unido: el Grupo Independiente

El Grupo Independiente, fundado en Londres en 1952, es reconocido como el precursor del

movimiento artístico pop. Eran un grupo de jóvenes pintores, escultores, arquitectos,
escritores y críticos que desafiaban la visión modernista de la cultura así como la perspectiva
tradicional de ver las Bellas artes. Las discusiones del grupo se centraban en la cultura popular
y la implicación de la aparición de dichos elementos de comerciales, películas, tiras cómicas,
ciencia ficción y la tecnología.Durante la primera reunión del Grupo independiente en 1952, el
cofundador, artista y escultor Eduardo Paolozzi presentó una lectura utilizando una serie de
collages titulado Bunk!, el cual había ensamblado durante su estancia en París entre 1947 y
1949.El material consistía en «objetos encontrados» tales como anuncios, personajes de tiras
cómicas, portadas de revistas y material gráfico que representaba la cultura estadounidense.
Una de las imágenes utilizada en dicha presentación fue un collage de 1947 de Paolozzi titulado
I was a Rich Man's Plaything, el cual incluye la primera vez en que se utilizó la palabra “pop que
aparecía en una nube de humo que emergía de un revólver. Después de dicha presentación, el
grupo independiente se enfocó principalmente en el uso de imágenes de la cultura
estadounidense, principalmente aquellas que aparecían en los medios de comunicación
masivos.
El término arte pop fue acuñado finalmente por John McHale en 1954 con la finalidad de
describir el movimiento. Este fue utilizado en las discusiones del Grupo independiente durante
su segunda sesión realizada en 1955 y la primera aparición de dicho término en una
publicación impresa tuvo lugar en 1956, en un artículo publicado en Arc por parte de los
miembros del Grupo Alison y Peter Smithson. sin embargo el término generalmente es
acreditado al crítico y curador británico Lawrence Alloway, quien en un ensayo titulado The
Arts and the Mass Media (las artes y los medios masivos) de 1958 utilizó el término «popular
mass culture» (cultura popular de las masas).

El arte pop estadounidense

Aunque el movimiento comenzó a finales de 1950, el arte pop en Estados Unidos tuvo su
mayor impulso durante la década de 1960. En ese momento, la publicidad estadounidense
había adoptado muchos elementos e inflexiones del arte moderno y funcionaban a un nivel
muy sofisticado. En consecuencia, los artistas de Estados Unidos tenían que buscar más
profundo para los estilos dramáticos que se distancian del arte de los materiales bien
diseñados e inteligentemente comerciales; por lo que los británicos consideraban a las
imágenes de la cultura popular estadounidense desde una perspectiva un tanto alejada, sus
puntos de vista se corresponden a menudo con lo romántico y connotaciones sentimentales o
humorísticas. Por el contrario, los artistas de Estados Unidos siendo bombardeados a diario con
la diversidad de las imágenes producidas en masa, producen en general un trabajo más audaz y
agresivo. Dos pintores de gran importancia para la creación del lenguaje utilizado por el pop
estadounidense son Jasper Johns y Robert Rauschenberg. Las pinturas de Rauschenberg tienen
relación con los trabajos anteriores de Kurt Schwitters y otros dadaístas, y demuestran una
preocupación por las cuestiones sociales del momento. Su método consistía en crear arte con
materiales efímeros, con los que representaba acontecimientos de actualidad con los que los
estadounidenses convivían día a día, lo que dotó a sus obras de una calidad única. El trabajo de
Johns y Rauschenberg de la década de 1950 está clasificado como Neo-Dada, y es visualmente
distinto del clásico Arte pop norteamericana que comenzó en la década de 1960. De igual
importancia para el arte pop es Roy Lichtenstein. Su trabajo probablemente define la premisa
básica del arte pop mejor que cualquier otro a través de la parodia. Selección de la tira cómica
antigua como la materia, Lichtenstein produce un duro filo, la composición precisa que los
documentos, mientras que las parodias de una manera suave. Las pinturas de Lichtenstein,
como las de Andy Warhol, Tom Wesselmann y otros, comparten un vínculo directo a la imagen
habitual de la cultura popular estadounidense, sino también tratar el tema de una manera
impersonal, ilustrando claramente la idealización de la producción en masa. Andy Warhol es
probablemente la figura más famosa del arte pop. Warhol intentó tomar Pop más allá de un
estilo artístico a un estilo de vida y su obra a menudo se muestra la falta de afectación humana
que prescinde de la ironía y la parodia de muchos de sus compañeros.

En España

En España, el arte pop se asocia con la "nueva figuración", que surgió de la crisis del
informalismo. Eduardo Arroyo puede incluirse en el arte pop por su interés por el medio
ambiente, su crítica de la cultura de los medios que incorpora iconos tanto de los medios de
comunicación de masas como de la historia de la pintura, así como por su desprecio por los
estilos artísticos establecidos. Alfredo Alcaín puede ser considerado uno de los artistas "pop"
más auténticos de España por el uso de imágenes populares y de espacios vacíos en sus
composiciones. El Equipo Crónica, formado por los artistas Manolo Valdés y Rafael Solbes en
Valencia entre 1964 y 1981, también se encuentra en la categoría del arte pop por el uso de los
cómics e imágenes publicitarias, y la simplificación de las imágenes y composiciones
fotográficas. El cineasta Pedro Almodóvar, quien surgió de la subcultura de la Movida
madrileña de los años 1980, realizó películas de arte pop de bajo presupuesto super-8 y fue
llamado el "Andy Warhol de España" por la prensa. En el libro Almodóvar en Almodóvar, el
cineasta afirmó que la película Funny Face de 1950 fue una inspiración central en su obra. Una
característica "pop" en las obras cinematográficas de Almodóvar es que siempre produce e
incluye un anuncio falso en una las escenas.

En Italia

En Italia, el arte pop fue conocido desde 1964 y tomó diferentes formas, como la Scuola di
Piazza del Popolo en Roma, con artistas como Mario Schifano, Franco Angeli, Giosetta Fioroni,
Tano Festa y también algunas piezas de arte de Piero Manzoni y Mimmo Rotella.
El pop art italiano se gestó con la cultura de los años 1950, con los trabajos de dos artistas en
particular: Enrico Baj y Mimmo Rotella, considerados los líderes del movimiento. De hecho, fue
entre los años 1958 y 59 que Baj y Rotella abandonaron sus anteriores carreras —las cuales
podrían ser definidas en general como un género no representativo a pesar de pasar por el
post-Dadaísmo— para catapultarse hacia el mundo de las imágenes y reflejos que estaban
brotando a su alrededor. Los pósteres de Mimmo Rotella consiguieron un gusto más figurativo,
a menudo explícitamente e intencionalmente refiriéndose a los grandes íconos de la época. Las
composiciones de Enrico Baj estuvieron inmersas en el kitsch contemporáneo, lo que
terminaría siendo una mina de oro de imágenes y un estímulo para toda una generación de
artistas.
La novedad se apoya en el nuevo panorama visual, tanto dentro de cuatro paredes como fuera:
automóviles, señales de tránsito, televisión, todo el "nuevo mundo". Todo puede pertenecer al
mundo del arte, el cual es nuevo en sí mismo. Desde ese punto de vista, el arte pop italiano
toma el mismo camino ideológico que la escena internacional; lo único que cambia es la
iconografía y en algunos casos, la presencia de una actitud más crítica. Incluso en este caso, los
prototipos pueden ser hallados originialmente en Rotella y Baj, ambos lejos de ser neutrales en
su relación con la sociedad. Sin embargo este no es un elemento exclusivo; hay una larga lista
de artistas, desde Gianni Ruffi hasta Roberto Barni, desde Silvio Pasotti hasta Umberto Bignardi
y Claudio Cintoli que tratan la realidad como un juguete, como una vidriera de donde sacar
material con desencanto y frivolidad, cuestionando los modelos lingüísticos tradicionales con
un renovado espíritu de diversión al estilo Aldo Palazzeschi.

En Japón

El arte pop en Japón es único e identificable como el japonés, debido a las materias regulares y
estilos.En 1965 muchos artistas pop japoneses se inspiran en gran parte del anime y el manga,
y en ocasiones ukiyo-e y el arte tradicional japonés. El artista más conocido del pop en la
actualidad en Japón es Takashi Murakami, cuyo grupo de artistas, Kaikai Kiki, es mundialmente
conocida por su propio movimiento de arte producidas en serie, pero muy abstracto y único
superflat, un surrealista, movimiento post-moderno, cuya inspiración viene sobre todo de
anime y la cultura callejera japonesa, es sobre todo para los jóvenes en Japón, y ha hecho un
gran impacto cultural. Algunos artistas de Japón, como Yoshitomo Nara, son famosas por su
arte del grafiti de inspiración, y algunos, como Murakami, son famosos por plástico producidos
en serie o figuritas polímero. Muchos artistas pop en Japón utilizan surrealista u obsceno,
imágenes impactantes en su arte, tomado del hentai japonés. Este elemento de la técnica
llama la atención de los espectadores jóvenes y viejos, y es muy sugerente, pero no se toma
como ofensiva en Japón. Una metáfora común utilizada en el arte pop japonés es la inocencia y
la vulnerabilidad de los niños y jóvenes. Artistas como Nara y Aya Takano los niños utilizan
como materia en casi todos los de su arte. Mientras Nara crea escenas de ira o de rebelión a
través de los niños, Takano comunica la inocencia de los niños al retratar chicas desnudas.
Por otro lado, cabe a destacarla figura femenina de Yayoi Kusama como referente del arte pop
fusionado con contenido autobiográfico, psicológico y sexual. Kusama también es una novelista
y poeta publicada, y ha creado trabajos notables en filmes y diseño de moda. Retrospectivas de
gran tamaño e importancia han sido expuestas en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, el
Museo Whitney de Arte Estadounidense, y el Tate Modern, mientras que en 2008 Christie's en
Nueva York vendió una de sus obras en $5.1 millones de dólares, todo un récord. A pesar de
esto, cuando en 1973 Kusama se mudó a Japón, se encontró una escena del arte mucho más
conservadora que la de Nueva York. Es por eso que se convirtió en marchante de arte propio.
Más adelante, en 1977, se internó de forma voluntaria en un hospital debido al padecimiento
de algunos problemas psiquiátricos. Actualmente, aunque vive interna, sigue produciendo
obras de arte en diferentes medios y lanzó su carrera literaria con la publicación de varias
novelas, poesía y autobiografía.

En los Países Bajos

Mientras que en los Países Bajos no había movimiento Pop Art formal, hubo un grupo de
artistas que pasó un tiempo en Nueva York durante los primeros años de Pop Art y se inspiró
en el arte pop internacional. Los principales representantes del arte pop de los neerlandeses
son Asselbergs Gustave, Woody Van Aamen, Daan van de Oro, Bentley Rik, Jan Cremer, Wim T.
Schippers y Frenken Jacques. Tenían en común que se opusieron a la mentalidad de la pequeña
burguesía neerlandesa por la creación de obras humorísticas con un tono grave. Los ejemplos
incluyen Sexo en punto de Woody van Amén y Crucifijo / Meta de Jaques Frenken.

El arte pop y los cómics

Son multitud las obras de arte pop basadas en historietas, algunas de estas obras son: Román
Gubern destaca con Flash (1963), Richard Pettibone con Tricky Cad (1959), Jess Collins con Dick
Tracy (1960), Andy Warhol con Good Morning, Darling (1964) y Roy Lichtenstein con As I
Opened Fire (1964). Es asimismo conocida la relación entre el artista pop Allen Jones y el
dibujante de cómics John Willie. Con los años, algunas historietistas serían influidas a su vez
por el Pop-Art. Es el caso del belga Guy Peellaert, autor de obras como Jodelle (1966) y Pravda
la Survireuse (1968).
¿Qué es el pop art?

El pop art es un movimiento que surge a finales de 1950 en Inglaterra y, más tarde, en 1960 en
Estados Unidos. Su auge dura aproximadamente hasta la década de los años 80. Durante este
tiempo, las obras creadas dentro de este movimiento expresan una crítica social a la realidad
que se estaba viviendo en ese momento. Por aquel entonces, la sociedad destacaba
principalmente por el consumismo: todo giraba en torno a comprar y vender masivamente.
En aquel momento, los artistas pop art hacían uso de diversos materiales, y se servían de
cualquier objeto que fuera representativo del consumismo. Por ejemplo, empleaban carteles,
artículos publicitarios, latas de conserva, botellas, etc. En muchas de sus obras, se observa un
efecto repetitivo, e incluso saturante. Estos aspectos reflejan el efecto anestésico de la
publicidad y el consumo en nuestra vida, alejándonos de los aspectos importantes, para
embaucarnos en lo meramente banal.
A priori, puede parecer un tipo de movimiento sencillo. Sin embargo, consiste en un arte que
tiene mucho conocimiento sobre el funcionamiento de la sociedad. Pretende plasmar la
realidad de la sociedad a través de sus obras, para crear conciencia en las personas.

Características del pop art

La característica principal de este movimiento consistía en seleccionar objetos o imágenes

populares del momento y sacarlos de su contexto. Tras ello, a través de diferentes técnicas, los
aislaban o combinaban con otros elementos. De esta manera, los artistas conseguían resaltar o
poner el foco en algún aspecto banal o rasgo cultural de la época.
Las obras reflejaban una crítica a la sociedad, caracterizada por el consumismo, la importancia
de la imagen, el materialismo y la moda. A través de la sátira y la ironía, los artistas cuestionan
los principios y valores que resaltan en ese momento en la sociedad.
Además, este movimiento también se caracterizó por representar una ruptura respecto a los
criterios tradicionales establecidos en las bellas artes. En cuanto a sus características
particulares, destacan:

 Intención de acercar el arte al mundo y a la realidad.

 Empleo del lenguaje figurativo y realista para mostrar la realidad del mundo.
 Rechazo del expresionismo abstracto.
 La temática principal tenía relación con ciudades, cine, televisión, cómics, aspectos
sociales, etc.
 Las formas representadas, generalmente, contaban con una escala natural o ampliada.
 Se realizan mezclas y combinaciones de pinturas con objetos de la vida real en la
misma obra.
 Entendían los temas representados como justificaciones de la propia pintura y su
existencia.
Pop Art

Artistas pop art

Dentro de este revolucionario movimiento artístico, encontramos a muchos artistas que dieron
lugar a multitud de obras, donde se veían reflejados muchos aspectos de la vida. Entre ellos,
hay algunos que destacan especialmente, como los que te mostramos a continuación:

Andy Warhol

Seguro que en alguna ocasión has visto los famosos retratos de Marilyn Monroe con diversas
tonalidades. Su autor fue Andy Warhol. Este conocido artista del pop art destacó por realizar
obras de diferentes celebridades, como Grace Kelly o Elvis Presley, entre otros. Además, otra de
sus inspiraciones fueron los anuncios publicitarios, donde destaca su obra de las latas de sopa
Campbell. Su estudio, situado en Nueva York, tuvo multitud de visitas de intelectuales y
artistas.

Roy Lichtenstein

Nacido en 1923, Roy Lichtenstein fue uno de los impulsores del movimiento. Este artista pop
art cuenta con un estilo muy peculiar caracterizado, principalmente, por las interpretaciones a
gran escala de sus cómics y la parodia. Utilizaba una técnica de puntos para crear sus dibujos
animados, y empleaba generalmente colores primarios. Durante los últimos años, tuvo mayor
presencia a nivel social. De hecho, en España se encuentran dos de sus obras.

Keith Haring

Keith Haring, con algo más de 20 años de edad, se convirtió en uno de los referentes del arte
en los años 80. Refleja y plasma sus obras a través de los grafitis, transformándose en uno de
los iconos de este estilo de arte. Se considera que fue uno de los artistas que acercó el arte
callejero y los museos. Su obra es muy amplia, y se pueden encontrar creaciones suyas en
lugares como el metro de Nueva York o, incluso, en el muro de Berlín.

Dentro de la programación de eventos del sector del arte, IFEMA organiza FERIARTE, la Feria
de Antigüedades y Galerías de Arte, que reúne las últimas tendencias y novedades de los
mejores anticuarios y galerías de España dentro del mismo espacio.
¿Qué es el Pop Art?

El Pop Art (“Arte Pop” en español) es un movimiento artístico surgido a mediados del siglo XX
(1950-1960) en Gran Bretaña y Estados Unidos, y que constituyó una respuesta al
expresionismo abstracto que imperaba en las artes plásticas de la época.
Inspirado en la cultura de masas y el imaginario del consumo capitalista, el Pop Art se
caracterizó por su estética popular y comercial, que echó mano a la publicidad, al cómic, al cine
y a los objetos de consumo más cotidianos. El espíritu de este movimiento se resume en la
famosa obra de Andy Warhol Campbell’s soup cans (1962), que consiste en 32 lienzos con latas
de sopa pintadas, de una marca muy popular en esa época.
Es importante entender que, al contrario de lo que a menudo se piensa, el Pop Art no consistió
en un movimiento artístico facilista, en el que todo podía hacerse porque todo calificaba como
arte. Por el contrario, era un movimiento claramente político, que constituyó un espejo en el
que pudiera mirarse la sociedad de consumo de posguerra: todo se producía en serie,
empaquetado y listo para consumirse, de manera masiva y vertiginosa, pero a la par repetitiva,
estandarizada, anonimizante.
El Pop Art no es un arte popular, es decir, no se trata de un arte que reivindica las costumbres,
el folklore o el punto de vista tradicional de los pueblos. Su nombre tiene que ver con la
categoría de lo “pop”, es decir, lo que se pone de moda en la sociedad de consumo, lo que
figura en las portadas de las revistas y en la publicidad. Este nombre fue empleado por primera
vez para describir al movimiento en 1956 en la revista Arc, pero su invención se le atribuye a
John McHale.
La consigna del Pop Art, tomada en préstamo del célebre artista francés Marcel Duchamp, era
que “el arte debía ser, ante todo, inteligente”: debía invitar al espectador a una reflexión crítica
sobre la sociedad y la cultura.
El Pop Art tuvo un gran éxito internacional y pronto tuvo importantes repercusiones en
Alemania, España, Italia, Japón y otros países. Se lo considera un movimiento muy
representativo del arte moderno y un precursor del arte posmoderno.

Características del Pop Art

Fue un movimiento contrario al expresionismo abstracto, que buscó la reunificación de la vida
y el arte a través del “enfriamiento” de las emociones, o sea, distanciando al espectador de la
obra para que pueda pensarla. Además, se alejó de la herencia surrealista y abrazó en su lugar
la tradición Dadá.
Su mirada del objeto artístico quería reflejar la superficialidad y anonimidad de la sociedad de
consumo y la cultura de masas. Por ende, la subjetividad del artista se hacía a un lado: le era
ocultada al espectador de la obra.
Sus principales fuentes de material fueron la publicidad, el cómic y las revistas, el diseño
gráfico y el cine. Además de tomarlos como material, el Pop Art también incursionó en la
pintura, la escultura, el collage, el cine y el diseño gráfico.
En sus obras abundan los colores intensos, las formas seriadas o retratos de celebridades, y los
formatos repetitivos. Estas obras no siempre son congruentes entre sí, ya que usan técnicas y
métodos muy distintos, pero siempre partiendo de una misma actitud artística.
La intrascendencia, la cotidianidad y lo banal fueron algunos de sus conceptos clave, aunque
abordados desde un punto de vista crítico, que invitaba al espectador a reflexionar sobre la
sociedad, el arte y la cultura.
Antecedentes del Pop Art
El Pop Art es un heredero de la estética Dadá, un movimiento artístico nihilista de la década de
1920, cuyo eje central era la ridiculización del pomposo arte parisino. Este movimiento surgió
tras el impacto cultural de la Primera Guerra Mundial, en la que los valores tradicionales de
Occidente comenzaron a sacudirse bajo el peso de los horrores de la guerra; esto permite
suponer que el Pop Art tuvo un origen similar en el período posterior a la Segunda Guerra
Mundial.
Entre los grandes precursores del Pop Art se encuentran nombres como los de Marcel
Duchamp, célebre por su urinario convertido en obra de arte para una exposición; o los
dadaístas y también surrealistas Man Ray y Max Ernst; o el escultor dadaísta Jean Arp. También
fue fundamental la obra de Yves Klein, que experimentaba con la monotonía y la
indiferenciación estética, así como las experiencias con el collage del cubismo.
Sin embargo, el antecesor más directo del Pop Art en Reino Unido fue el Independent Group,
fundado en Londres en 1952, en el que se dieron cita numerosos pintores, escultores,
escritores y críticos de arte que deseaban oponerse a la tendencia modernista imperante en las
artes británicas del momento. De hecho, la obra I was a Rich Man’s Plaything (“Yo fui el juguete
de un hombre rico”) de Eduardo Paolozzi, cofundador del grupo, se considera propiamente
como la primera obra del Pop Art.

Artistas destacados del Pop Art

Entre los principales nombres asociados al Pop Art figuran los siguientes:
Andy Warhol (1928-1987). De origen estadounidense, este artista plástico y actor es
probablemente el más representativo de los autores del Pop Art. Sus obras de renombre
mundial sirven de emblema al movimiento, especialmente sus serigrafías y reproducciones
seriadas de objetos, fotografías de celebridades y políticos (Marilyn Monroe, Mao Tse Tung, el
Che Guevara, etc.). Además, se le atribuye la célebre frase: “En el futuro todo el mundo será
famoso durante 15 minutos”, que de alguna manera resume el espíritu del Pop Art y de la
época. Su obra consiste en pinturas, filmaciones, escritos literarios y piezas musicales.
Roy Lichtenstein (1923-1997). Nacido en Estados Unidos de familia judía, Lichtenstein
incursionó con mucho éxito en la pintura y la escultura. Sus más famosas obras incorporan el
lenguaje cómic y la estética de los dibujos animados del momento, empleando en su creación
colores industriales (generalmente primarios) y puntos Ben-Day.
Keith Haring (1958-1990). Artista y activista social estadounidense, su obra es icónica de la
generación de 1980. Incursionó tanto en la música y la pintura como en la escultura, con
ánimos de romper las barreras entre estos tres géneros. Sus imágenes eran sencillas, accesibles
al gran público y sobre todo genéricas, serializadas, propias del diseño industrial o el diseño de
logotipos. Una de sus esculturas más famosas y representativas es el Perro rojo (1985)
instalado en Ulm, Alemania.
Tom Wesselmann (1931-2004). Pintor estadounidense y uno de los últimos grandes maestros
del Pop Art, produjo obras impactantes, entre las que se destacan sus atrevidos desnudos
femeninos. Experimentó con la litografía, la serigrafía y el aguatinta, así como con la escultura,
mediante planchas cortadas.
El grito de Edvard Munch

Edvard Munch: El grito. 1893. Óleo y pastel sobre cartón. 91 x 73,5 cm. Galería Nacional de
Oslo, Noruega.
La versión original y más famosa, terminada en 1893, se encuentra en la Galería Nacional de
Oslo, Noruega. Otras dos versiones se encuentran en el Museo Munch de la misma ciudad; y
una cuarta, recientemente vendida en subasta a un precio récord, pertenece a una colección
privada.

Análisis y significado de la pintura El grito

La pintura El grito se ha convertido en un ícono cultural. Es una de las imágenes más
reconocidas del mundo, pues ha sido incorporada a la cultura popular, y ha sido ampliamente
parodiada por artistas recientes. Pero ¿Qué representa el cuadro? ¿Cuál es la historia de El
grito de Edvard Munch? ¿En qué se inspiró el autor?

¿Qué representa la pintura El grito?

Desde el punto de vista iconográfico, El grito presenta a una figura andrógina en primer plano
con un gesto de angustia que transmite gran expresividad y fuerza psicológica.
La escena donde se encuentra es un sendero con vallas que se aleja en perspectiva diagonal.
En el fondo, se pueden apreciar dos figuras con sombrero que parecen ajenas a lo que ocurre
con la figura principal.
En el cuadro El grito de Munch prevalecen los colores cálidos de fondo. En el cielo, fluido y
arremolinado, predominan los tonos naranjas. El sendero y el paisaje, por su lado, parecen
iluminados por una luz semioscura. Las formas se retuercen y los colores están dispuestos de
una manera arbitraria.
Antes que trasponer la realidad, los colores buscan expresar un sentimiento de angustia y
desesperación, más vivamente reflejada en la figura de primer plano, en la intensidad de su
gesto de tribulación y espanto.
El tema del ritmo y la vibración es muy importante en este lienzo. Algunos sostienen que el
mayor logro atribuido de la obra es la manera en que Muncho captó la dimensión del sonido
mediante el ritmo visual.
De hecho, uno de los más viejos debates en torno a este cuadro es si la figura grita u oye un
grito. Para algunos especialistas, el personaje del primer plano estaría reaccionando ante un
grito y no emitiendo uno. Sería, por lo tanto, expresión de la perturbación que este alarido
genera en el sujeto.
De cualquier modo, en esta pintura se ha solido reconocer la angustia existencial del hombre
moderno en la transición del siglo XIX, de grandes avances tecnológicos, al siglo XX; su
sentimiento de soledad y desaliento, su desesperación. Asimismo, se ha interpretado el cuadro
como símbolo de la condición del artista como hombre profundamente atormentado. Otras
interpretaciones sugieren que la obra representa el grito de la naturaleza, personificado en la
figura del primer plano.
Historia del cuadro El grito
Aparentemente, la inspiración para este cuadro provino de una tarde en que Edvard Munch
paseaba junto con dos amigos por un mirador de la colina Ekeberg, desde donde se podía
apreciar el paisaje de Oslo. Escribe Munch en su diario en 1891:
Iba por la calle con dos amigos cuando el sol se puso. De repente, el cielo se tornó rojo sangre y
percibí un estremecimiento de tristeza. Un dolor desgarrador en el pecho (...) Lenguas de fuego
como sangre cubrían el fiordo negro y azulado y la ciudad. Mis amigos siguieron andando y yo
me quedé allí, temblando de miedo. Y oí que un grito interminable atravesaba la naturaleza.
El cuadro La desesperación (1892), previo a El grito, retrata precisamente ese momento. En él,
aparece en primer plano un hombre con sombrero de copa de medio lado, en actitud
contemplativa, en un escenario similar.

La desesperación
Edvard Munch: La desesperación. Tres versiones.

Sin embargo, Munch siguió experimentando, y pintó un nuevo cuadro, con el mismo título, en
el que representa a un hombre que muestra el rostro en una actitud más desesperada, en
medio de una escena más sombría.
No satisfecho con los cuadros anteriores, Munch siguió pintando, en busca de la que sería su
obra maestra. Probó entonces con una figura andrógina, que está de frente y se lleva las manos
a la cabeza con una expresión de profunda angustia, que parece emitir (¿u oír?) un grito.

Versiones del grito

De izquierda a derecha: 1) 1893, óleo y temple sobre cartón; 2) 1895, pastel sobre cartón; 3)
1910, temple sobre tabla; 4) 1893, crayón sobre cartón.
En los años sucesivos, Munch probaría nuevas variantes de este cuadro, y llega a pintar cuatro
diferentes versiones. La pintura original sería expuesta en 1893 como parte de un conjunto de
seis pinturas titulado Amor, que representaba las distintas fases de un idilio. El grito había sido
concebido con la idea de colocarlo en la última etapa, la de la angustia y la desesperación.
Una de las versiones de El grito fue subastada en mayo de 2012 en la ciudad de Nueva York. El
ganador de la subasta pagó un precio de 119,9 millones de dólares, lo que supone una de las
cifras más altas pagadas por una obra artística a lo largo de la historia.
Robos
En los últimos años, dos de las versiones de obra El Grito han sido robadas. En febrero de 1994,
fue robada la versión más famosa, que se encuentra en la Galería Nacional de Oslo. Sin
embargo, ocho semanas más tarde fue recuperada.
En agosto de 2004, se produjo el robo de la versión de 1910 que se encontraba expuesta en el
Museo Munch. Solo fue recuperada dos años después.

Biografía de Edvard Munch

Edvard Munch (1863-1944) fue un pintor y grabador noruego cuyas obras ejercieron una
influencia notable en el expresionismo alemán de inicios de siglo XX.
Sus obras se caracterizan por reflejar la angustia y desesperación del hombre moderno. En ellas
son representados temas como la soledad, el erotismo, la angustia o la muerte.
Pese a haberse encontrado influenciado por el simbolismo y el impresionismo, Edvard Munch
es considerado como uno de los precursores del expresionismo.
Entre sus principales obras destacan El grito (1893), Madonna (1894-1895) y Ansiedad (1894),
entre muchas otras.
¿Por qué pensamos automáticamente en El grito al hablar de expresionismo? Tal vez porque la
angustia existencial, la desesperación del protagonista, no sólo revela la angustia del artista,
sino que “se vuelve universal” convirtiéndose en el símbolo de la desesperación del hombre
moderno.

El expresionismo
Movimiento que surge en Alemania a principios del siglo XX, coincidiendo con el fauvismo
francés (podemos diferenciar las obras de uno y otro movimiento no técnicamente sino por la
temática: simplificando al extremo, casi exagerando, diríamos que los fauves transmiten la
alegría de vivir y los alemanes están más ocupados de otras cuestiones existenciales, como la
angustia existencial). Ambos movimientos están entre los primeros exponentes de las llamadas
vanguardias del siglo XX.
La obra empieza a mostrar la subjetividad, la personalidad, la intuición de quien la crea. Se
termina de imponer el predominio de la “visión interior” del artista.
No se representa la realidad tal como se la ve, sino que se la expresa como se la siente. Se la
“deforma” de acuerdo a las emociones.
La exageración del color es heredada de Gauguin y Van Gogh (este último puede ser
considerado, además de postimpresionista, el primer expresionista o el padre de todos los
expresionistas). Los colores furiosos y los fuertes contrastes ayudan a expresar al máximo las
emociones.
La soledad, la angustia, la tragedia y el pesimismo que encontramos en muchas de las obras
expresionistas, así como también la búsqueda interior, espiritual, vienen fundamentalmente de
la deshumanización y alienación que sufre el hombre con la industrialización y su
consecuencia: el horror de la Guerra Mundial que se está gestando y pronto estallará.
Artistas representativos: Nolde, Pechstein, Kirchner, Heckel, Schmidt-Rottluff, Marianne von
Werefkin, Kandinsky, Marc, Kokoschka, Jawlensky, Gabriele Münter.
Grupos fundamentales: El Puente (Die Brücke) y El Jinete Azul (Der Blaue Reiter).