El legado de Henry Cole

Henry Cole, un hombre, una reforma

Referencias
Lección 1 de 2

Henry Cole, un hombre, una reforma

Henry Cole (Bath 1808, Londres 1882) fue un diseñador inglés

del siglo XIX. Fue un hombre polifacético que trabajó en diversos
oficios.

Junto a un grupo de seguidores, inicia en su país, en el año 1845,

un movimiento que pretende eliminar la brecha existente entre
el industrial y el artista o diseñador, y estimular así el gusto de
los usuarios. El objetivo central era demostrar la unión del mejor
arte con la manufactura, reformando la producción; Cole
personalmente estuvo interesado en el diseño industrial y bajo
el seudónimo de Felix Summerly escribió varios libros, así como
también editó el Journal of Design que fue la primera publicación
sobre diseño en la historia (circuló de 1849 a 1852).
Probablemente, su obra más relevante [en el] mundo del diseño
de producto sea un juego de té de color blanco inspirado en las
vasijas griegas…

Predomina en él la ausencia de decoración. Era miembro de la

Royal Society for the encouragement of arts, manufacturers,
and commerce y a través de su membrecía pidió al gobierno
 apoyo para su campaña para mejorar los estándares en el
diseño industrial; el gobierno le concedió el apoyo y Cole pudo
organizar una exhibición de artes y manufacturas en 1847,
llevándose a cabo [también] los próximos años, 1848 y 1849. En
el año 1849 Cole visitó la Quinquennial París exhibition y se dio
cuenta de la falta de participación internacional, así que pensó
que las próximas exhibiciones que se estaban planeando
podrían ser adaptadas para exhibiciones internacionales. (Henry
Cole, 2009,
http://teoriadeldisenocuaad.blogspot.com/2009/12/henry-
cole.html).

Figura 1: Juego de té de cerámica y porcelana, de Henry

Cole
 Fuente: Alcalá Castro, 2016, https://disenoindustrialyhenrycole.wordpress.com

La revolución industrial había favorecido la aparición de una clase media

ascendente que quería amoblar sus hogares de forma ostentosa y muchos
fabricantes produjeron en masa artículos que satisficieran ese deseo. La
mayoría de estos fabricantes consideraban al diseño simplemente como una
fase más del proceso de producción, no como un elemento distinto que
mereciera una dedicación y un planteamiento especial. Henry Cole fue uno
de los primeros críticos de esta tendencia. Defendía que si los objetos
cotidianos eran diseñados por artistas, el criterio del público mejoraría.

En 1845, la Royal Society of Arts o RSA, comenzó a ofrecer diseños

asequibles de servicio de té. Bajo el seudónimo de Felix Summerly, Cole creó
un diseño fabricado por Minton que recibió una medalla de plata. Más tarde,
fundó la empresa Summerly's Art Manufacturers y encargó a varios
consolidados que diseñaran artículos para ser producidos a nivel industrial.
Aunque efímera, su empresa inspiró la creación de otras posteriores, que se
sumaron a su objetivo de reformar el sector del diseño. Según Cole, uno de
los principales problemas era que los fabricantes consideraban el diseño
como un elemento añadido al objeto al final de su proceso de producción, no
como parte integral de él desde su concepción. Los ornamentos solían
utilizarse para ocultar la baja calidad de los materiales o la fabricación.

Figura 2: Línea de tiempo con fechas clave en la época

de Cole
 Fuente: Elaboración propia.

La baja calidad del diseño británico se puso de manifiesto en la Exposición

Universal de Londres de 1851. Cole, que había defendido la organización de
la exposición con la esperanza de elevar el criterio del público, se mostró
especialmente preocupado. En 1852 se convirtió en superintendente general
del nuevo Departamento de Artes Prácticas, establecido para reformar las
escuelas y facultades del país. Cole, Redgrave y el interiorista del Palacio de
Cristal, el arquitecto Owen Jones, establecieron las directrices para el estudio
del diseño en la Government School of Design. Jones había viajado al
extranjero y sus intentos de crear un estilo moderno se inspiraron en este
mundo islámico. Su objetivo era que aumentara la calidad del diseño,
rechazando la ornamentación superflua y así mejorará el criterio del público
en contra de los diseños extravagantes que dominaban el mercado.

A pesar de incluir muchos diseños extravagantes, la Exposición Universal fue

todo un éxito y generó considerables beneficios. Parte de ellos se emplearon
en adquirir algunos de los objetos expuestos para formar una colección en un
nuevo Museum of Ornamental Art. Una de las salas del museo exhibía
objetos de diseño mediocre, con la voluntad de avergonzar a los fabricantes
que habían producido semejantes atrocidades y educar al público en materia
de diseño. La sala se la dio a conocer como “La sala de los horrores”. El
comité de adquisiciones del museo estaba formado por Cole, Redgrave y el
arquitecto, diseñador y crítico Augustus Pugin. Este último defendía el estilo
gótico medieval, al considerarlo moralmente apropiado, y casi en solitario
estableció el revival del gótico como estilo de diseño dominante de Reino
Unido en el siglo XIX, sobre todo en el campo de la arquitectura.

Pugin

Augustus Welby Northmore Pugin fue un arquitecto inglés,

diseñador y teórico del diseño, recordado por su trabajo en
iglesias y en el Palacio de Westminster.

Fue el hijo de un dibujante francés, Augustus Charles Pugin,

quien lo entrenó para dibujar edificios góticos para usarlos como
ilustraciones de sus libros. Este hecho fue clave para su futuro
trabajo como líder del movimiento neogótico en la arquitectura.
Entre 1821 y 1838, Pugin y su padre publicaron una serie de
volúmenes de dibujos arquitectónicos titulados, los dos primeros
Specimens of Gothic Architecture, y los tres siguientes Examples
of Gothic Architecture, que iban a ser libros de referencia para la
arquitectura gótica durante al menos el siglo siguiente. Pugin se
convirtió en abogado de la arquitectura gótica, debido a que él
 creía que era la verdadera forma cristiana de la arquitectura.
Condenó la influencia de la arquitectura clásica «pagana» en su
libro Contrastes, en el cual se refería a la sociedad medieval
como un ideal, en contraste a la cultura secular moderna. Un
claro ejemplo de su trabajo es la iglesia de St. Giles en Cheadle
(Staffordshire). (Augustus Pugin, 2018,
https://es.wikipedia.org/wiki/Augustus_Pugin).

Figura 3: Papel pintado de Pugin

Fuente: [Imagen sin título sobre papel pintado de Pugin]. (s.f.). Recuperada de
http://collections.vam.ac.uk/item/O78140/wallpaper-aw-pugin/
En su libro Contrastes, publicado en 1836, Augustus Pugin afirma que el
diseñador debe alejarse de “la actual falta de criterio”. Se centra en la pureza
y la claridad, introduciendo el concepto de “honestidad” y “corrección” en la
ornamentación y el diseño. Insistía en que las superficies debían decorarse
solo con motivos planos que las enfatizaran lejos de ocultarlas y que la falsa
ilusión de profundidad, textura y tridimensionalidad era deshonesta y
artificiosa. Este concepto se convirtió en un principio esencial del movimiento
de la reforma del diseño.

Con el objetivo de reformar y mejorar la sociedad mediante la idealización del

sistema medieval, Pugin defendía que el buen diseño era moralmente
íntegro, mientras que el mal diseño carecía de sinceridad y era deshonesto.
El revival del gótico que promovía era, según él, cándido y cristiano. Aunque
fue educado por su madre en la estricta iglesia presbiteriana escocesa, se
convirtió al catolicismo romano, creyendo fervientemente que la arquitectura
con espirales altas apuntando hacia el cielo y los papeles pintados,
alfombras y mobiliario diseñados con honestidad seguían la doctrina católica
y tendrían un efecto positivo en la sociedad. En 1847, visitó Italia y se inspiró
en algunos de los grandes diseños italianos. Para la Exposición Universal de
1851, diseñó una línea completa de mobiliario de estilo gótico, que incluía
piezas que podían encargarse a precio asequible. En su entorno medieval,
sus mesas de estilo austero y sus vajillas de colores resultaron frescas e
innovadoras entre los ojos contemporáneos, y gustaron a los visitantes del
Palacio de Cristal.
William Morris

Fue diseñador, escritor, traductor, pintor, tipógrafo, artesano,

fabricante y activista social. Adquirió popularidad gracias a su
poesía, pero más tarde se dio a conocer por sus diseños, su
papel fundamental en el movimiento Arts and Crafts y sus
insaciables intentos de mejorar la calidad tanto del diseño como
de la clase obrera. Su voluntad de relacionar el arte e industria
mediante la aplicación de los valores de las bellas artes a la
producción del diseño comercial se convirtió en un aspecto
esencial de la evolución de esta disciplina. (Morris & Co, 2017,
https://issuu.com/editorialblume/docs/issuu_disen__o._toda_la_
historia).

Figura 4: Factoría textil de Morris and Co. en Merton Abbey en 1890

Fuente: García, 2014, http://revistamito.com/william-morris-1834-1896-arte-politica-y-utopia/

Morris, generoso e inteligente, sensible y activo, dominó varios

oficios para asegurarse de mantener siempre la calidad de su
empresa manufacturera. Se oponía del todo a la producción
industrial en masa y consideraba la proliferación de artículos
baratos y producidos en serie como la razón del desafortunado
declive [de] los oficios artesanales y la industria local. Creía que
la estética y las cuestiones sociales estaban muy relacionadas,
y que muchos problemas de la sociedad a mediados de la época
victoriana podían resolverse volviendo a los métodos de trabajo
preindustriales y medievales; cuando se respetaba el campo y
se valoraba a los artesanos, y cuando estos se encargaban de
todo el proceso de fabricación de los productos, desde el inicio
hasta el fin, combinando arte y producción.

En 1861, tras formarse como arquitecto, funda su propia firma

de fabricantes y decoradores de interiores: Morris, Marshall,
Faulkner & Co., que en 1875 se convirtió en Morris & Co. Él y sus
socios, produjeron de forma artesanal objetos de metal, joyas,
papel pintado, tejidos, mobiliario, cerámica y libros. Lejos de
seguir el nuevo sistema fabril de la división del trabajo, la firma,
como se dio a conocer la empresa, imitaba la tradición de los
talleres medievales con una comunidad de creadores que tenía
el control de su propio trabajo, en consonancia con la voluntad
de Morris de recuperar “el placer del trabajo”. Mediante formas
osadas y colores intensos basados en los pigmentos
medievales, los artículos de Morris carecían de ornamentos
superfluos o excesivos, un estilo que ayudó a transformar las
modas predominantes de la época.

Morris aplicó el concepto de “honestidad de materiales”,

centrándose en el valor y la belleza inherentes en todos los
materiales que empleaba, como Augustus Pugin había
defendido durante el revival del gótico. En su búsqueda de
motivos naturales para sus diseños, investigó exhaustivamente
 y estudió objetos tan diversos como los yesos de la época
isabelina y los azulejos islámicos, produciendo versiones de
ellos.

No obstante, este sistema artesanal de producción empleando

solo materiales de calidad incrementó los costes de fabricación
y la mayoría de los productos de la firma eran caros y exclusivos,
algo que contradecía los ideales socialistas de Morris. No
obstante, su filosofía tuvo un enorme influjo sobre futuros
diseñadores y movimientos de diseño. (Morris & Co, 2017,
https://issuu.com/editorialblume/docs/issuu_disen__o._toda_la_
historia).

Figura 5: Línea de tiempo con fechas clave en la época de Morris

Fuente: Elaboración propia.

Arts and Crafts

Este movimiento se desarrolló en Inglaterra a mediados del siglo XIX, surgió
como reacción contra la mala calidad del diseño, la producción en masa de
ciertos bienes y las desigualdades que provocaba la industrialización. Dicho
movimiento, relacionado con el medievalismo de Pugin y el pensamiento
crítico de Cole y Redgrave, rechazó la industria y la modernidad. Fundado por
el diseñador textil, artista y socialista declarado William Morris, también
seguía los preceptos del respetadísimo crítico de arte y teórico, John Ruskin.
Duró aproximadamente de 1860 a 1910 y evolucionó hasta convertirse en un
movimiento internacional, aunque no existió ningún estilo único identificable
con el que pueda relacionarse. Sus seguidores, artistas o diseñadores, creían
que la industrialización estaba destruyendo el entorno natural, erradicando
las artes y los oficios tradicionales y eliminando la calidad de los productos.
Estaban convencidos que el declive de la calidad artística provocado por la
industrialización estaba relacionado con un deterioro social y moral.

Los miembros de este movimiento se mostraban en contra del sistema fabril

y querían restaurar el respeto por los obreros e incentivar la colaboración a lo
largo de todo el proceso de diseño de los objetos. A finales del siglo XIX, los
ideales de este movimiento inspiraron a muchos artistas en Estados Unidos.
El movimiento Arts and Crafts estadounidense o estilo Craftsman, compartía
la voluntad reformista de los británicos, centrándose en la originalidad, la
sencillez de las formas, el uso de materiales locales naturales y la artesanía;
no obstante, a diferencia de las inclinaciones socialistas de los británicos,
pretendía servir a la ascendente clase media. Los ideales del movimiento se
extendieron por Estados Unidos a través de publicaciones y conferencias de
diseñadores británicos. Además de Morris, también fueron muy influyentes
figuras como Charles Francis Annesley Voysey o Ashbee. Se crearon varias
asociaciones, como la Society of Arts and Crafts de Boston y la Arts and
Crafts Society de Chicago.

A pesar de sus elevados ideales, este movimiento, era imperfecto. Su

oposición a los métodos de producción modernos chocó con sus ideales
socialistas de producir diseños de calidad asequibles para las masas, ya que
los costes de producción de dichos diseños eran tan altos que solo las clases
altas podían adquirirlos. El mayor legado del movimiento fue el
reconocimiento de la relación entre diseño y calidad de vida, y la elevación
del estatus de esta disciplina artística.

Figura 6: Línea de tiempo con fechas clave en tiempos

de Arts and Crafts

Fuente: Elaboración propia.

John Ruskin
 Fue un escritor, crítico de arte, sociólogo, artista y reformador
social británico, uno de los grandes maestros de la prosa
inglesa. Influyó notablemente en Mahatma Gandhi. Abogó por
un socialismo cristiano.

John Ruskin era hijo de un rico comerciante de vinos, cosa que

influyó mucho para que él pudiese viajar a distintos lugares de
Europa durante su juventud. Se crio en el sur de Londres y fue
uno de los promotores de la constitución de la compañía Ruskin,
Telford y Domecq. Con su trabajo, influyó notablemente en los
gustos de los intelectuales victorianos. Entre sus amistades
personales, se contaba la familia de Robert Baden-Powell, a
quien enseñó y vio crecer.

En 1837 ingresó en Oxford, universidad a la que le legó, una

colección de grabados, dibujos y fotografías; también fundó una
escuela de dibujo para los estudiantes. En la actualidad, se
conservan parte de sus obras entre dibujos de la naturaleza y
otras más de distintas catedrales góticas. (John Ruskin, 2020,
https://es.wikipedia.org/wiki/John_Ruskin).

Seven Lamps of Architecture

Ganó un importante premio con su poema «Salsette and

Elephanta» en 1839 y se graduó en 1842. En 1843 apareció el
 primer volumen de Modern Painters, by a Graduate of Oxford, en
el que Ruskin sostenía la superioridad de los paisajistas
modernos sobre los viejos maestros. Descubrió al famoso
William Turner, al que dedicó un famoso ensayo. Sucesivos
volúmenes dilataron el tema hasta convertir la obra en un
amplio tratado acerca de los principios que debían constituir los
fundamentos del arte, lo que contribuyó a consolidar su prestigio
como maestro esteta y crítico de arte. Su teoría sobre la
arquitectura es meramente moral, una filosofía que está en
busca de la verdad. En tanto que aplicó consideraciones
parecidas a otro dominio del arte en sus Seven Lamps of
Architecture (1849), donde apuntaba una especie de leyes o
bases, que todo artista al momento de crear debe obedecer y
enumera siete: sacrificio, verdad, poder, belleza, vida, memoria y
obediencia. Ruskin considera estas cuestiones como extra
arquitectónicas.

Cada capítulo contiene abundantes principios técnicos y agudas

observaciones sobre arte clásico y medieval. Ejemplos tomados
de obras maestras de la arquitectura francesa e italiana.
También sus Stones of Venice (1851-1853), donde analiza la
importancia religiosa, moral, económica y política de la
arquitectura doméstica. (John Ruskin, 2020,
https://es.wikipedia.org/wiki/John_Ruskin).

La estética de Ruskin
La obra de Ruskin destaca por la excelencia de su estilo,
rebelándose contra el entumecimiento estético y los perniciosos
efectos sociales de la Revolución industrial, formuló la teoría de
que el arte, esencialmente espiritual, alcanzó su cenit en el
gótico de finales de la Edad Media, un estilo de inspiración
religiosa y ardor moral:

“La arquitectura no es solo técnica de construcción, también es

arte, es el arte que dispone y adorna a los edificios levantados
por el ser humano para el uso que sea, de modo que la visión de
ellos contribuya a su salud mental, poder y placer”.

John Ruskin veía en la naturaleza, en las flores y en sus hojas,

formas que podían ser llevadas a la arquitectura y así, el hombre
podía entablar en el recinto arquitectónico, una sensación de
apacibilidad, serenidad y belleza. Su idea de belleza posee una
doble naturaleza: la belleza abstracta de las cosas, sin ninguna
consideración más que la forma y la que se puede reconocer
tras un proceso de elaboración y trabajo paciente del artista en
la obra (de ahí su gran admiración por Fray Angélico).

Como economista y reformador social, se manifestó franco e

inflexible enemigo de lo que consideraba egoísta y letal en las
doctrinas de la llamada escuela manchesteriana, siendo en esta
esfera donde se concentró su serie de cartas dirigidas a los
 obreros y braceros del Reino Unido, que influyeron en los
reformistas sociales durante tres generaciones. Obtuvo la
primera cátedra Slade de Arte de la Universidad de Oxford en
1869, cargo que ejerció hasta 1879. Llevó a esta universidad una
importante colección de grabados, dibujos y fotografías, además
de donar una importante suma de dinero para la creación de un
centro de enseñanza del dibujo. Ruskin ilustró numerosas de sus
obras con dibujos de su propia mano.

Desde 1885 hasta su muerte en 1900, vivió retirado en

Brantwood (en el noroeste de Inglaterra), después de que en
1889 quedara incapacitado por el agravamiento de los episodios
de locura que venía padeciendo desde 1870. Entre sus obras
sobre asuntos económicos, sociales y éticos destacan Sesame
and Lilies (1865), Ethics of the Dust (1866) y Crown of Wild Olive
(1866). (John Ruskin, 2020,
https://es.wikipedia.org/wiki/John_Ruskin).

Modernismo o art nouveau

El art nouveau tiene como una de sus influencias al movimiento

inglés de Arts and Crafts. Se desarrolló en varios países
europeos y en los Estados Unidos, con la característica de ser el
estilo más moderno y representativo de principios del siglo XIX,
manifestándose tanto en las artes como en el diseño gráfico,
arquitectura y el diseño de objetos cotidianos (mobiliario,
decoración, etc.).

Todas estas denominaciones hacen referencia a la intención de

crear un arte nuevo, llevando a cabo una ruptura con los estilos
dominantes en la época, tales como el historicismo o el
eclecticismo. Se trata de crear una estética nueva, en la que
predomina la inspiración en la naturaleza a la vez que se
incorporan novedades derivadas de la revolución industrial. Y así
en arquitectura es frecuente el empleo del hierro y el cristal. Sin
embargo, es igualmente una reacción a la pobre estética de la
arquitectura en hierro, tan en boga por esos años.

En gran medida sus aspiraciones se basan en las ideas de John

Ruskin y William Morris, que podemos resumir en democratizar
la belleza en el sentido de que hasta los objetos más cotidianos
tengan valor estético y sean asequibles a toda la población
(socialización del arte), aunque sin utilizar las nuevas técnicas
de producción masiva. El modernismo no solo se da en las artes
mayores, sino también en el diseño de mobiliario y todo tipo de
objetos útiles en la vida cotidiana. A menudo, los artistas
modernistas son artistas "integrales", pues no sólo diseñan
edificios, sino muebles y otros enseres de uso diario. Así pues
muchos arquitectos modernistas son también diseñadores,
pues sus creaciones no se limitan al edificio en sí, dado que
también elaboran su decoración y los utensilios que ha de
 contener. Consecuentemente se dio en arquitectura, pintura,
escultura y en las artes decorativas (muebles, herrajes,
lámparas, joyas, carteles, etc.). El término "art noveau" fue
adoptado en Inglaterra y Estados Unidos; en Alemania se llamó
"Jugendstil" (estilo joven); en Austria "Secesión"; en Francia "Le
Style moderne"; en España "Modernista". Como característica
específica del estilo aparece el ornamento de formas orgánicas,
por lo general vegetal, muy relacionado con la ilustración y la
fantasía. (Art Noveau, 2009,
http://teoriadeldisenocuaad.blogspot.com/2009/12/art-
noveau.html).

Se afirma que los primeros diseños modernistas fueron creados por el

arquitecto y diseñador inglés Arthur Heygate Mackmurdo en la década de
1880. Su diseño de silla con respaldo de celosía y de la página inicial del libro
Wren’s City Churches en 1883, evocan las ilustraciones japonesas ukiyo-e
(imágenes del “mundo flotante”). Sus diseños naturalistas, ondulantes,
asimétricos y abstractos, transmiten la sensación de dinamismo. Japón fue
una fuente de inspiración artística desde el restablecimiento de las
relaciones comerciales con Occidente tras más de doscientos años, en 1854.
Los artistas y diseñadores occidentales sintieron el influjo de sus
perspectivas planas o aéreas, líneas minimalistas, composiciones
asimétricas, formatos elegantes, motivos decorativos y orgánicos, y bloques
de color.
En 1900, la Exposición Universal de París fue una muestra de art nouveau.
Cautivó al público y se convirtió en el primer estilo decorativo internacional de
la era moderna. La Exposición, que también celebraba la llegada del siglo XX,
exhibía las nuevas tecnologías y conceptos. En los pabellones
internacionales se hicieron evidentes las diferencias nacionales en la
interpretación y la expresión de este estilo. A la Exposición Universal le
siguieron otras ferias internacionales donde expusieron muchos de los
máximos representantes del modernismo. En 1914, todo terminó con el
estallido súbito de la primera guerra mundial. El modernismo se consideró
suntuoso y caro, y se labró el camino del vanguardismo, un estilo más
austero.

Figura 7: Características generales para reconocer al art nouveau

 Fuente: Elaboración propia.

Esteticismo y decadentismo

El esteticismo fue un movimiento de reforma del diseño británico que

emergió a finales del siglo XIX como reacción a la revolución industrial.
Derivaba del revival del gótico, el movimiento Arts and Crafts y la Hermandad
Prerrafaelita, y rechazaba la moral victoriana, promoviendo el concepto del
“el arte por el arte”. Esta idea fue popularizada por el poeta y crítico de arte
francés Théophile Gautier, pero los esteticistas la adoptaron después de que
uno de sus mayores defensores, el escritor y crítico inglés Walter Pater,
acuñara la expresión en un artículo de 1868 sobre la poesía de William
Morris. El esteticismo enfatizaba las cualidades sensuales y visuales del arte
y el diseño, centrándose en la importancia del objeto en sí mismo,
independientemente de consideraciones sociales, políticas y morales. Los
representantes del esteticismo se vieron inspirados por la Exposición
Internacional de Londres de 1862, que incluía la obra más temprana de
Morris, Marshal, Faulkner and Company, así como una colección de obras
japonesas que suponían una cultura de diseño nueva para la mayoría. La
sección japonesa de la Exposición Universal de 1878 atrajo el interés de
artistas y diseñadores, y los conceptos que reunía se convirtieron en
importantes características del esteticismo.

Al inicio, el movimiento se puso de moda entre un determinado círculo del

este de Londres, cuyos miembros adoptaron el estilo esteticista incluso en la
forma de vestir con chaquetas de terciopelo y trajes japoneses, muy distintos
a la moda de la época. No obstante, esta tendencia no fue muy bien recibida
entre el público general. En 1879, el escritor y dibujante franco-británico
George du Maurier lo ridiculizó en su serie de ilustraciones Nincompoopiana
de la revista satírica Punch. Por el contrario, de 1887 a 1889, Wilde editó la
revista The Woman´s Word, a través de ella siguió defendiendo, incansable,
el estilo de The House Beautiful, promoviendo la idea de que todo el mundo
debería aspirar a crear un espacio propio hermoso. En cualquier caso, el
esteticismo contribuyó a reforzar la importancia del diseño y la elegancia en
la producción en masa de artículos.

Figura 8: Línea de tiempo con fechas clave en tiempos del Modernismo.

Fuente: Elaboración propia.

Actividad de repaso de lecturas

Henry Cole era también diseñador industrial y pudo crear sus propios diseños.
Este enunciado ¿es verdadero o falso?

Verdadero.

Falso.
 SUBMIT

C O NT I NU A R
Lección 2 de 2

Referencias

Alcalá Castro, K.J (2016). Compañía Felix Summerly. Recuperado de

https://disenoindustrialyhenrycole.wordpress.com

Art Noveau. (2009). Teoría del discurso [blog]. Recuperado de

http://teoriadeldisenocuaad.blogspot.com/2009/12/art-noveau.html Revisar
validez académica de este sitio web.

Augustus Pugin. (2018). Wikipedia. Recuperado de

https://es.wikipedia.org/wiki/Augustus_Pugin Al ser un sito colaborativo
carece de validez académica.

García A.G. (2014). William Morris (1834-1896): arte, política y utopía. Mito.
Revista cultural (46). Recuperado de http://revistamito.com/william-morris-
1834-1896-arte-politica-y-utopia/

Henry Cole. (2009). Teoría del discurso [blog]. Recuperado de

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[Imagen sin título sobre papel pintado de Pugin]. (s.f.). Recuperada de
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Morris & Co. (2017). Diseño. Toda la historia. Recuperado de

https://issuu.com/editorialblume/docs/issuu_disen__o._toda_la_historia