RESUMENES POR TEMA REPASO PARA EXAMEN DISEÑO CONTEMPORÁNEO

MOVIMIENTO ARTS & CRAFTS Y LA RENOVACION DE LAS ARTES DECORATIVAS.

Gracias al proceso de industrialización, la tecnología del siglo xix era sinónimo de progreso, eficacia y soluciones a los
problemas de la sociedad. Nació como reacción a un panorama conservador, los arquitectos comienzan a ocuparse
del interior de los edificios y también de su diseño, rompiendo la distinción tradicional de áreas de trabajo que se
habían visto hasta entonces.

A comienzos de siglo, se producen una serie de novedades, se produce un cambio de patrocinadores, emergiendo
una clase media que solicita objetos suntuarios. También hay una progresiva introducción de recursos tecnológicos
nuevos, lo que conlleva a un aumento de la competitividad. Hubo revueltas y un claro rechazo a la industrialización y
mecanización, se veía en ella una serie de problemas asociados a las malas condiciones de vida de los obreros.

Surge el Ludismo, un ideal que no aceptaba la mecanización porque consideraba que establecía una división del
trabajo, provocaba una especialización y conllevaba a que la vida de los trabajadores fuera más dura. Este ludismo no
consiguió frenar el avance industrial, y lo cierto es que estaban un tanto equivocados, ya que el enemigo no eran las
máquinas, sino el sistema laboral y productivo.

Había nuevos sectores de consumidores, que no podían acceder a materiales nobles, tampoco a una mano de obra
artesanal, porque todo eso encarecía el producto y lo que se buscaba era abaratar sus piezas.

El alemán Thonet, trajo novedades a la producción del mobiliario en madera, y a la producción en masa. La silla
Thonet, 1871, fue una silla que se convirtió en todo un icono, se utilizó en bares y cafeterías hasta los años 90. Es una
silla práctica y económica, pues el hecho de que se descompusiera en distintos elementos hizo que el proceso de
fabricación fuera más eficaz, rápido y rentable. También debemos destacar el empleo de máquinas en su elaboración
y la producción en cadena.

La Casa Thonet patenta un procedimiento para curvar la madera aplicando vapor de agua, evitando que se queme y
colocando listones de madera dentro de las pletinas de hierro, evitando que se astille.

En la Inglaterra de mediados del siglo XIX, encontramos que en la década de los 30-40, hasta 1851, una producción de
objetos manufacturados de calidad mediocre. Artistas y fabricantes comienzan a reclamar mejoras en el campo del
diseño.

Ese consumo de la clase media lleva a que el fabricante sólo quiera producir, y considerar que el diseño del producto
es una fase más de su producción, y no le dedica la importancia que realmente merece, repitiendo modelos con
planteamientos fáciles de fabricar. Como respuesta a esto surgen una serie de personajes que originan un movimiento
que intenta renovar el diseño decorativo.

 Cole, defendía que los objetos cotidianos deberían estar diseñados por artistas, porque así el criterio del público
mejoraría. Funda un periódico que pondrá en valor el diseño, decía que la belleza residía en el diseño, sin importar
si se realizaba de forma industrial.

Problema, los fabricantes consideraban el diseño como un elemento añadido al objeto, no como parte integral del
proceso desde su concepción. El resultado fue una serie de objetos muy ornamentados cuya ornamentación servía
para ocultar la baja calidad de los materiales o la fabricación.

Comenzó a hablar de la baja calidad del diseño británico, y a organizar exposiciones con el objetivo de reafirmar y
mejorar el sector del diseño.

La Exposición Universal de Londres de 1851. Hubo muchos diseños extravagantes, denominó a una sala como sala de
los horrores, porque había piezas de mala calidad técnica y estética. Incluso las compraba para avergonzar a los
fabricantes.

Defendía la producción industrial, pero quería mostrar que la producción mecánica no tenía por qué llevar aparejada
la mala calidad. Quería hacer una defensa del libre comercio y la división del trabajo. A partir de la exposición

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universal va a surgir una crítica más romántica de la que luego parte el movimiento Arts & Crafts. Morris y Ruskin van
a defender procesos artesanales poniendo la mirada en el medievo.

 Ruskin rechazaba por artificial la división que se había establecido entre las Bellas Artes y las Artes Decorativas. Se
anticipa a las ideas del Art Nouveau.
 Morris defiende el arte medieval como superioridad moral, rechazaba la sociedad capitalista contemporánea. Sin
embargo, realiza obras muy caras, exclusivas, y sólo podían llegar a ella una élite capitalista, con gran nivel
adquisitivo. No llegan a esta clase media a la que iba dedicada la producción de masas. Su ideal de belleza estaba
basado en la pureza y la simplicidad de la artesanía medieval.

Colaboró en la construcción y decoración de la Red House, con una serie de artistas que también buscaban la
inspiración en la Edad Media. El resultado es lo que podemos llamar una obra de arte completa. Este concepto se va
a convertir en el centro de las Arts & Crafts, el art nouveau y la bauhaus.

La estructura de la empresa era contraria al desarrollo industrial, y buscaría como referente la organización de los
gremios medievales. El objetivo era crear objetos bellos, útiles y asequibles.

Sus diseños se inspiraban en la naturaleza. Montan diseños donde las curvas naturales son ordenadas de forma
simétrica. Predicaba el arte para las masas, pero no lo supo realizar. Todos los diseñadores prometen la idea de que
no hay diferencias entre el arte de la decoración y las Bellas Artes.

El Arts & Crafts rechaza los métodos industriales de trabajo, propone el regreso del medievalismo, que la arquitectura
sea el centro de todas las actividades de diseño, proponen la agrupación de artesanos a través de asociaciones, y un
trabajo bien acabado. Dentro del movimiento destacamos a Ashbee y a Crane.

 Ashbee, aunque defiende que la producción sea de calidad, es realista. Su obra se centra en el mobiliario y la
orfebrería, recordando la medieval. Siempre utiliza formas y líneas sencillas, utilizando como temas el árbol de la
vida, el pavo real, etc. Se puede entender como un estilo ligero, menos denso que el de Morris. Visitó en 1896
Estados Unidos, influenciando bastante a los diseñadores locales y viceversa.

A partir de 1910, se dan cuenta que defender la producción artesanal es ir en contra de la era moderna, el desarrollo
y la evolución de la civilización occidental, que así no puede cambiar la sociedad y que la maquinaria era de gran
importancia.

 Crane fue el gran propagandista del movimiento. Realiza diseños, sobre todo para papeles pintados y tejidos. Su
estilo es menos denso que el de Morris, más endeble, con colores más pálidos y acercándose al modernismo.

Esa influencia en América se llamó American Craftsman, pero no participa de esas inclinaciones socialistas británicas.

 Stickley, su mobiliario de madera de roble, presentando formas austeras y escasa ornamentación. Había visitado
Inglaterra y por ello se inspira en Morris, y empieza a defender la realización del mobiliario a mano, un mobiliario
sin ornamentación, por eso sus diseños se consideran modernos.

En el mismo año que funda la revista The Craftsman, realiza la Silla Morris, en 1901. Es una silla de brazos, que
presenta un diseño robusto, austero, con listones verticales laterales ensamblados a caja y espiga, con reposabrazos
planos, sujeto con una pequeña ménsula. Realizado el asiento con almohadones de muelles y un respaldo de bisagras
ajustables para que se recline. Interesante la pátina oscura que se consigue con una técnica de ahumado de amoniaco.

El craftsman también tiene como objetivo romper con la jerarquía de las artes. Algunas de sus ideas fracasaron pero
otras sí que se proyectaron en el siglo XX, como el deseo del diseño total, uniendo las bellas artes y las artes
decorativas; también la funcionalidad del diseño o la búsqueda de la honestidad de los materiales.

 Dresser subraya la importancia del diseño más que de la ejecución. Interesado en el arte japonés, diseñó gran
cantidad de objetos domésticos. Hizo hincapié en el análisis de la geometría y las estructuras básicas para dar
soluciones. Es el primer diseñador industrial británico independiente.

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Tetera de plata con mango de ébano, 1879. Basado en la forma geométrica pura. Utiliza materiales adecuados,
combinando la plata con madera para darle un aspecto funcional.

También le daba bastante importancia a la economía de los materiales. Algunas de sus teteras estaban realizadas con
materiales más baratos. En sus obras busca nuevas soluciones estéticas, también funcionales: la madera se mantiene
fría mientras que el metal se calienta.

Consigue con medios escasos el máximo efecto, estético y funcional. Se aleja del concepto medieval de diseño
artesano. Tuvo visión comercial a la hora de diseñar.

Su trabajo consistía en analizar las formas, proyectarlas y dejar que otro las llevase a cabo, aunque siempre supervisaba
las obras. Consideraba que el diseño no era un instrumento de cambio social, por ello es contrario al arts & crafts.

LA RENOVACIÓN DEL DISEÑO ENTRE 1890 Y 1920.

El Art Nouveau es un movimiento artístico que se enmarca entre 1880 y la 1ª Guerra Mundial. Surge como intento de
crear un arte moderno que pretendía distanciarse de los estilos históricos. Es un estilo decorativo.

Toma ciertas influencias del Arts & Crafts, como la determinación de eliminar la distinción entre Bellas Artes y Artes
Decorativas. Comprendía todas las artes, a diferencia del arts & crafts, sí adoptó nuevos materiales, además era
partidario de utilizar nuevas tecnologías.

El declive comienza a verse a partir de 1900. La enorme popularidad del Nouveau hace que se agote el estilo, porque
proliferan una serie de imitadores de segunda y tercera fila, que van a provocar una saturación del mercado.

Los gustos también van a cambiar, en busca de una nueva etapa, moderna, y eso lo va a representar el Art Déco.
Comienzan a criticarlo como si fuese una enfermedad decorativa y esto provoca que en los años 20, triunfe el Déco y
se le empiece a nombrar de forma peyorativa al art Nouveau.

El art Nouveau se entiende como una prolongación del romanticismo, ya que se inspira en muchos modelos antiguos.
También podemos decir que le gusta toda esa inspiración por lo exótico. Las corrientes que influyen al art Nouveau
son el prerrafaelismo, el movimiento de renovación de las artes decorativas personificado por Morris. Se hace una
revisión creativa del pasado, inspirándose en el gótico tardío flamígero, el rococó francés, el arte celta, el oriental…
todos son momentos artísticos donde el empleo de la línea es fundamental. Una línea movida y ligera.

Se van a utilizar materiales ligeros, maleables, o aquellos que puedan adornarse para que lo parezcan. Las técnicas
eran tradicionales y de la industrialización. Vemos nuevos procesos de cocción y vidriado en cerámica, se va a utilizar
el enchapado eléctrico en la metalistería también.

En líneas generales, la naturaleza es el tema principal, sobre todo las plantas, insectos (libélulas), pájaros de colores y
el cuerpo femenino. Veremos dos tendencias artísticas.

 Belga, francesa, Estados Unidos. Mostraba atención en decoración y estructura, tendencias muy ornamentales, se
deja influir por las formas naturales, hay clara influencia del rococó.
 Alemania, Austria, Gran Bretaña. Mucho más sobria, no tan interesada en la ornamentación y más en estructura
y función.

En España se manifiesta sobre todo en Barcelona, presidiendo la figura de Antonio Gaudí, con una visión muy personal.
En España el art Nouveau es una prolongación de lo que se hace en la escuela de París, a excepción de Gaudí.

Escuela de Glasgow.

De un estilo único, centrado en 4 componentes que son los que la conforman. Trabajaron en arquitectura, grafismo,
mobiliario, etc. La ornamentación es austera, de gran sobriedad en diseño, colores apagados, líneas verticales que se
van curvando.

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Mackintosh, arquitecto escocés al que se le adjudica el proyecto de la Escuela de Glasgow. Realiza el edificio y el
mobiliario, ya que creía en la obra de arte total. Sus muebles son sobrios, resultando incluso pesados. Demuestra
escaso interés por los detalles de ejecución.

Cuando diseña muebles, no le interesa la belleza natural de la madera, sino que la pinta en colores blancos, negros o
pastel y la decora con temas florales planos. Le preocupa el acondicionamiento lumínico de sus casas, y crea grandes
ventanales. The Hill House (1903), diseña el mobiliario de la casa, generalmente en blanco.

Nada de esto tuvo popularidad ni éxito en Inglaterra, ni en Escocia, pero sí en la Europa occidental. Su influencia se
hizo muy notable en Viena, entre los artistas de la llamada Secesión Vienesa.

Secesión vienesa.

También apoyaba la NO DIVISIÓN DE LAS BELLAS ARTES Y LAS DECORATIVAS. Fue un movimiento filosófico y estético
con una serie de objetivos tales como reunir fuerzas creativas de Austria, establecer contacto con artistas extranjeros,
abogar por un intercambio nacional de ideas, renovar las artes decorativas o crear una obra de arte total.

Koloman Moser. (amiguito de Klimt) Artista gráfico y diseñador de muebles. Cree plenamente en la idea de la obra de
arte total. Su mobiliario presenta formas geométricas, angulares, muy pronunciadas, contornos muy potentes, igual
que ocurre con la Escuela de Glasgow, la madera es pintada, materiales nobles. Destaca su sillón Koloman (1902), de
geometría simple.

Hoffmann desarrolló motivos cuadrangulares, formas geométricas alternadas con algunas formas orgánicas del
modernismo, pero su diseño es bastante sobrio. Su silla nº 670 o máquina de sentarse es un chaise longue de madera,
totalmente funcional, sin sentido decorativo, realizado para los pacientes de un sanatorio mental.

Art Nouveau en Francia.

Escuela de Nancy. Productos lujosos, caros, incorporándose estructuras curvilíneas, la taracea o la marquetería, entre
otras novedades. Tiene un aspecto ecléctico. En el mobiliario encontramos una forma contrastada con una función. Es
un mobiliario donde quizás, muchos diseños sacrifican la comodidad y la utilidad en favor del decorativismo.

Gallé, fundador de la escuela de Nancy, en un principio sus muebles eran bastante pesados, con decoraciones muy
opulentas, usando marquetería o taracea, siendo esta última un signo distintivo de la obra. En sus muebles
encontramos formas, elementos de la naturaleza en respaldos, patas, etc.

Conoce bastante bien las plantas locales, a veces utilizaba bambú. Algunas de sus obras introducen citas poéticas de
Víctor Hugo, Virgilio, etc. Y siempre titula sus obras.

La cama Alba y Crepúsculo (1904) es una cama de madera con incrustaciones de nácar, llamada así porque en el
cabecero aparecen representados el amanecer y el crepúsculo.

Escuela de París. En el mobiliario evita los detalles florales que hemos visto en Glasgow. Este mobiliario busca la
comodidad, concentrado en la pureza de la línea fluida y ligera.

Guimard. Trabaja en hierro y madera, considera el mueble unido a la arquitectura, silueta grácil y armoniosa. Su sofá
de 1897, diseñado para un ángulo de una estancia, tiene una vitrina en lo alto, con un pequeño teco. Este sofá se
realiza para el Castell Béranger de París. La tapicería es posterior, la original se deterioró.

Carlo Bugatti, italiano, considerado una figura independiente, aunque se le asociaba al art Nouveau italiano. Sus
aportaciones son mucho más arriesgadas, imaginativas y fantasiosas. Se inspira en el arte oriental, el islámico, el
egipcio y el gótico francés. Son diseños únicos, hechos a mano, ostentosos y con madera de gran calidad. Utiliza mucho
la tapicería y el cuero.

En 1898 participa en una feria de Bellas Artes en Milán, en 1902 triunfa en Turín presentando su Sala Caracol y su Silla
Caracol, que se caracteriza por composiciones curvilíneas, cierta relación con la naturaleza e inspiración del mundo
oriental, texturas mixtas. Diversifica materiales, porque cree que su unión refuerza la tensión dinámica de sus piezas.
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Representa la culminación de la fascinación por lo exótico y lo oriental. Su art Nouveau es muy personal, se vincula
como antecedente del art Déco.

Vidrio.

Un material muy importante en este momento va a ser el vidrio. Maleable, dúctil y transparente, que se adecúa
perfectamente a la mentalidad del art Nouveau. En este campo vamos a encontrar grandes avances por parte de
Brocard, quien se dedica a estudiar las lámparas para recuperar la técnica de esmaltado islámico.

Gallé. Gracias a la tradición familiar se decide a hacer obras en vidrio que se inspiran en la porcelana china y en la
naturaleza. En su obra vamos a encontrar dos innovaciones, el cristal claro de luna, un cristal translucido con una
tonalidad de zafiro; y el cristal con camafeo en relieve, vidrio doblado con dos capas, cuyos antecedentes son
romanos.

Para su obra aplicaría todas las técnicas excepto la talla en diamante, además de explotar las imperfecciones del vidrio.
Además de lámparas, realiza jarrones y otros objetos con función decorativa, más que práctica.

Tiffany. Artista cuya decoración es estilizada y naturalista, sin resaltar jamás el relieve. Es una persona que tiene
contactos con Europa e Inglaterra, por lo que recibe influencias de las vidrieras victorianas, la escuela prerrafaelita y
del Arts & Crafts. Sin embargo no se queda en ese plano y va más allá, patentando el vidrio iridiscente, denominado
vidrio favril. Otro aporte que realiza va a ser su diseño de vidrieras en las lámparas, convirtiéndolo en un elemento
imprescindible de cualquier casa pudiente que deseara controlar la distribución de la luz de los interiores.

Joyería.

Considerada como uno de los aspectos más importantes del movimiento y considerando sus obras como piezas de
arte independiente. En este momento no va a ser una joyería popular, se pone de moda entre la aristocracia, lo que
hace que evolucionen con una temática natural que representa la agilidad y la libertad a través de la asimetría, las
curvas y los nuevos materiales, como las piedras preciosas.

Lalique. El más importante, diseñador francés que combina el arte y la artesanía en su formación, siendo aprendiz de
orfebre y joyería. Se libera de los convencionalismos sociales, rompiendo con las normas tradicionales, pues usará
piedras semipreciosas, apreciando su color, vetas y superficies. Además también utiliza metales, cristales, esmaltes,
vidrios y marfiles. Sus obras fueron valoradas por su originalidad, realizará broches, anillos, peines y peinetas, para la
moda femenina de la época, convirtiendo este en un accesorio de lujo. Temática de ninfas.

Masriesa. Joyero español inspirado en Lalique, cuyas obras se caracterizan por ser medallones colgantes, con un
carácter narrativo que se inspira en las ninfas. Su principal aportación va a ser el esmalte Barcelona, un esmalte
traslucido que no se utilizaba desde el siglo XVII.

Fabergé. Orfebre y joyero ruso, proveedor de la Casa imperial de Rusia, para la cual haría numerosos encargos. Entre
sus encargos estarán los Huevos Fabergé, objetos de lujo que simbolizan ser una caja de regalo. El primero fue
elaborado para el zar Alejandro III, quien decide regalarle a su esposa un Huevo de Pascua que sería conocido como
el huevo de la gallina. A partir de ese huevo, se realizaron un total de 69 huevos, de los cuales 52 pertenecieron a la
familia imperial rusa. Algunos de ellos (7) hoy se encuentran desaparecidos. También hizo centros de flores y floreros.

ART DÉCO.
Tras la 1ª Guerra Mundial la mentalidad europea sufre un gran cambio, ahora la sociedad busca el placer estético,
necesidad que se cubrirá con el art déco. El movimiento se inicia en torno a 1908, aunque no se forjará hasta 1918,
durando hasta el inicio de la 2ª Guerra Mundial.

París se convierte en el centro cultural del mundo hasta que se produce el inicio de la 2ªGM, cuando será relevada por
Nueva York. Su nombre proviene de la Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industriales, que se celebró en
París en 1925.

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El art déco se extiende por Europa y Estados Unidos, es en Francia donde se caracteriza por la calidad de los materiales,
el colorido y el ambiente alegre, en el resto de lugares es un movimiento más intelectual, basado en el funcionalismo
y la economía.

Se ve influenciada por corrientes diversas y contradictorias, como el cubismo, el constructivismo o el futurismo. En los
años 50, nos encontramos con un arte resurgido, definido como la antítesis del art Nouveau, se trata de un estilo que
va en contra del diseño industrial austero y racionalista. Del art Nouveau toma elementos innovadores pero elimina
lo voluptuoso y rechaza la sinuosidad de la línea, ahora se recurre a lo bidimensional y al empleo de formas estilizadas.

Se concentra en la calidad de los materiales y el trabajo artesanal, siendo el último estilo que utiliza técnicas
artesanales para la fabricación de mobiliario. Impera la geometría en todos los diseños, el gusto por las líneas rectas,
las curvas amplias, coloridos intensos y elementos vegetales exóticos; combinaciones de blanco y rojo; figura humana
representando dinamismo. Los materiales son caros y exóticos, como el cromo, la baquelita o el plástico.

Respecto al mobiliario, nos encontramos con gran calidad artesanal y de las técnicas, tomada del mobiliario francés
del siglo XVIII, con materiales de alta calidad. En un primer momento se basa en formas tradicionales, pero a partir de
los años 20 tiende al racionalismo y se aproxima a la vanguardia.

Ruhlmann, francés, que realiza el Hotel del Coleccionista en 1925, un lugar que destaca por el gusto por la línea en
zigzag, influido por el zigurat o la mastaba. Busca un estilo con gran conocimiento de las técnicas, desea la perfección
en sus obras. Estilo lujoso y monumental, depurado y sensible. También realiza muebles como el Gabinete Verano, en
1916.

Dunand, artista suizo que cultiva la escultura, artesanía en metal y lacado, del cual revive la técnica Vernis Martin.
Realiza numerosos biombos con temáticas zoomórficas.

Legrain muestra una obra muy influenciada por la vanguardia y el arte africano, con formas angulares y escalonadas
propias del cubismo. Tendencia hacia los materiales costosos como el nácar o el ébano.

En Estados Unidos vamos a ver a Deskey, quien en 1925 visitará la exposición parisina y quedará impresionado por los
diseños. En su estilo combina materiales muy diversos de forma novedosa, como el corcho, la madera laminada, el
metal cromado o el aluminio. Además, combinar el estilo de lujo con la nueva tecnología de la Bauhaus a través de
una simplificación de formas geométricas que tienen al minimalismo extremista.

Cliff, máximo exponente de cerámica en art déco. Se convirtió en un gusto de masas a través de los precios moderados
y la buena comercialización. Su estilo utiliza líneas rectas y color de madera desinhibida, además tiene un gusto por
las formas geométricas excéntricas.

Marinot, con respecto al vidrio, muestra un estilo fauvista. Muestra interés por el cristal, especializándose en el
grabado y esmaltado de este. Sus objetos son más ornamentales que prácticos.

En joyería, se muestra gran elegancia y destreza en la factura. Los motivos principales del diseño están relacionados
con las formas geométricas simples tomadas de la vanguardia, las cuales se superponen para crear configuraciones
complejas. También destaca el gusto por lo exótico y los colores primarios y vibrantes, además del gusto por las piedras
preciosas y materiales nuevos, como el platino o la plata, etc.

Surgen nuevas tipologías de joyas, debido al nuevo estilo de ropa, estilo ligero en el que se pueden lucir las joyas en
el cuello y en las muñecas. Cartier realizará diseños geométricos y exóticos donde se utiliza el diamante con azabaches
o cristal de roca. También Boucherón introduce el art déco con formas más redondeadas y colores más intensos.

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PROTORRACIONALISMO, VANGUARDIAS ARTÍSTICAS, LA BAUHAUS Y EL DISEÑO DEL
MOVIMIENTO MODERNO.
El movimiento modernista no soluciona los problemas de someter el arte a la industria o la industria del arte, pues no
se consiguió una convergencia entre ambos, sino que van a surgir diferentes movimientos que intentan enfocar el
problema de diferentes maneras, abogando por una calidad estética material que pudiera ser adquirida por todos y
cuestionando si los objetos industriales podrían alcanzar la calidad estética de los artesanales buscando la respuesta
en los cánones estéticos históricos.

La Deutscher Werkbund, será la primera de las corrientes que van a conseguir dar una respuesta y será la precursora
de la Bauhaus. Es la federación alemana del trabajo, fundada en Múnich, siendo una asociación de carácter mixto, que
engloba diferentes colectivos. Nace en un contexto industrial con el objetivo de crear productos de calidad y mejorar
el trabajo profesional mediante la educación, la publicidad y la unidad, con lo que se conseguía un buen diseño. Toma
las bases de las Arts & Crafts y de la Secesión Vienesa, buscando la reconciliación entre la artesanía y la industria.

La agrupación publicará anuncios y realizará una exposición donde se da una discusión en torno a la estandarización
de los productos. Finalmente triunfará la tendencia contraria a la estandarización, a favor de la libertad creativa. A
partir de esta discusión no existirán directrices claras en la agrupación. La 1ª GM va a interrumpir estas ideas, pero
serán consolidadas posteriormente en el ideario de la Bauhaus.

Muthesius, arquitecto y diplomático alemán que promueve la idea del movimiento Arts & Crafts y funda la Deutscher
Werkbund junto a Behrens. Retorna de Londres con una pasión hacia el arts & crafts y la escuela de Glasgow, algo que
influirá en su visión acerca del diseño, considerando que el modelo artesanal está caducado y apuesta por la
industrialización emprendiendo una campaña de racionalización del diseño.

Habla sobre el beneficio de la producción industrial así como de atacar al eclecticismo historicista de las organizaciones
productoras alemanas. Empieza a considerar el ornato como algo que hay que eliminar, aunque también atacará el
formalismo puro y duro y defenderá la sobriedad y el funcionalismo.

Behrens, pintor, arquitecto y diseñador que mejor expresó los postulados de la Deutscher Werkbund, en relación con
la visión global del diseño, y se vincula con la AEG, realizando el logo y la fábrica de turbinas de la empresa.

Loos, austriaco influenciado por la secesión vienesa, acabó avanzando hacia un estilo geométrico y funcional. A nivel
teórico, es muy influente, toma como principio el funcionalismo estableciendo una relación entre decoración y la
decadencia social.

La Bauhaus.

Escuela de diseño fundada por Groupius, con el objetivo de relacionar el arte con el diseño, pudiendo crear un
concepto de obra de arte total. La primera fase de la escuela se influencia del expresionismo alemán, rechazando los
convencionalismos a favor de las formas simplificadas y el color, para obtener productos funcionales.

Para fomentar sus ideas, organizan Arte y Tecnología, una nueva unidad, una exposición que mostraba los logros de
la escuela. En 1925 se decide cerrar la Bauhaus de Weimar para abrirla en Dessau, realizando un edificio especial para
albergarla, pero poco tiempo después es clausurada por el régimen nazi y muchos de sus profesores abandonan
Alemania, y fundarían una nueva Bauhaus en Chicago.

Breuer será uno de los artistas que pertenecerán a este movimiento. Amante de la práctica, reflejado en su estudio
para hacer mobiliario seriado. Sus piezas son de diseño articulado, la estructura se expresa visualmente, algo que se
había intentado tapar en los movimientos anteriores. Introduce las superficies cromadas.

La silla Wassily es una pieza icónica para la Bauhaus, usa tubos de acero y es un diseño revolucionario por su método
de fabricación. Estructura original de acero niquelado, posteriormente cromado y doblado.

La silla Cesca es una obra basada en las sillas que realizó Stam, perfeccionando el modelo con un tubo contínuo al que
se le une madera, rejilla o cuero para realizar el asiento y el respaldo.
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Van der Rohe, arquitecto, diseñador que dirige la Bauhaus en la época en la que la institución realiza piezas puristas y
sofisticadas de una inigualable calidad estética y funcional. Usa materiales como el acero cromado y el cuero, así como
formas minimalistas y proporcionadas que dieran una armonía visual. Entre sus obras vemos la silla nº MR10, nº MR50
o la silla Barcelona.

Fuera de la Bauhaus encontramos diseñadores que realizan muebles racionales, funcionales y minimalistas, como
ocurre con Le Corbusier. Artista que realiza muebles icónicos y tiene la concepción de una casa como una máquina
para vivir, donde los muebles son un complemento. Trabaja con Perriand, con la que consolida la idea de
contenedores modulares que se distinguen en cajas de almacenamiento, mesas y asientos. Realizan muebles de metal,
combinando con materiales más sofisticados. Obras destacadas como los sillones Grand Confort.

En los países nórdicos vemos una tendencia al racionalismo en la que será determinante Aalto, arquitecto y diseñador
finlandés que realiza mobiliario en madera contrachapada y curvada, material en el que fue pionera la Casa Thonet.
Sus diseños de muebles, conectan con la naturaleza y la tradición, sus diseños se presentan como atemporales gracias
a la combinación entre lo tradicional y el mundo moderno. También hizo algunos objetos decorativos, como jarrones.

También la Bauhaus tiene una gran conexión con el constructivismo y el movimiento De Stijl, uno de sus autores fue
Rietveld, quien se forma como ebanista y crea un estudio en el que realizará piezas inspiradas en las que realizó
Mackintosh.

Entre estas piezas vemos la silla roja y azul, 1917, la obra más característica del diseño de vanguardia, es prácticamente
la obra de Mondrian en forma tridimensional. La silla zigzag es otra de sus obras clave. Refleja el interés de crear una
silla de una sola pieza pero no lo consigue porque tiene que ensamblar los tablones, aunque visualmente sí da esa
sensación.

LA PROFESIONALIZACIÓN DEL DISEÑO EN ESTADOS UNIDOS: DEL STYLING A LAS NOVEDADES

DE LA POSGUERRA.
El término diseño industrial ya se había utilizado en Estados Unidos por la definición que se le dio: unión entre arte y
ciencia. Se estableció que el papel del diseñador industrial era el de realizar objetos funcionales que satisficieran las
necesidades y que resultasen atractivos. El diseño industrial pretende abarcar todos los aspectos del entorno humano,
por lo que, para hablar de diseño industrial hay que hablar de sociología, economía, marketing, etc.

En un primer momento, impera una noción altamente racionalista del diseño industrial, donde lo principal es la
funcionalidad. Luego surgen dos corrientes: la Bauhaus y el Styling, cuyo principal objetivo era resultar atractivo al
consumidor.

El Styling es la preocupación que existe por la funcionalidad, el diseñador requiere de añadir una apariencia
determinada para conseguir que el objeto resulte atractivo. Esta corriente aparece en los años 40 y su fin último era
vender, por lo que fue concebido de manera peyorativa.

Esta corriente viene determinada por su propio contexto, tras la gran depresión. Se instaura una ley de recuperación
económica internacional que fija el precio del producto, por lo que las empresas ahora deben competir mediante el
diseño.

Este deseo por aumentar el apetito del consumidor hace que entre en juego la streamline, una línea aerodinámica
que estimulaba su apariencia, en relación con la modernidad y velocidad, encontrando diseños con curvas suaves. Los
diseñadores adoptaron la organización y método de trabajo de los despachos de consultores y comenzaron a trabajar
con varios clientes a la vez, lo que permite que el diseñador se integre en la producción en serie. Se crean
departamentos de estilismo, donde aplicaban efectos visuales atractivos en los productos.

Loewy. Diseñador francés que se traslada a Estados Unidos, entre sus obras podemos encontrar la Multicopista
Grestetner, 1929, la nevera para Sears & Roebruck, 1934 y la locomotora de vapor S1. Simplifica visualmente el
paquete de cigarrillos Lucky Strike, eliminando el color verde y sustituyéndolo por blanco, destacando el logo de la
marca.
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Tras la 2ª GM realiza numerosos logotipos, como el logotipo de Shell, 1971. También diseñó la TWA y diseña la botella
de Coca Cola, dándole un aspecto más sutil y estilizado. Uno de los más curiosos fue el logotipo de Air Force One,
modificando el interior y el exterior.

Dorwin, trabajó como diseñador industrial y modernizó Estados Unidos gracias a su relación con Kodak. Viaja a París
a la exposición de artes decorativas y se interesa por Le Corbusier. Es entonces cuando se decide a diseñar productos
en serie que fueran acordes a las necesidades del hombre moderno.

Entre sus diseños encontramos la cámara Bentam, 1936, una cámara portátil y pequeña, que implicaba muchos
avances tecnológicos en su interior.

Dreyfuss, ayudó a la consolidación de la profesión y abrió un estudio de diseño, planteando la disciplina como solución
a las nuevas necesidades humanas y poniendo al hombre en el centro de sus diseños. Fue un gran defensor del
funcionalismo y se negó en varias ocasiones a rejuvenecer productos.

Uno de sus diseños fue el teléfono moderno 302, 1937, un teléfono de sobremesa que fabrica en baquelita negra,
siendo el primero cuyo auricular y micrófono se encontraban en la misma pieza. También realizó el teléfono princesa,
1960, más ligero y portátil.

Los grandes diseñadores estadounidenses de los años 50 fueron Earl y Eames.

Earl. Primer diseñador e inventor de productos de consumo asociados a automóviles. Su obra es importante porque
rechaza los principios atemporales del movimiento vanguardista de carácter funcionalista. Está más en la línea de crear
unos diseños que tuvieran capacidad de ir adecuándose a la moda.

Renueva el diseño de automóviles, creando el típico coche americano, un coche al alcance de toda esta sociedad con
ciertos elementos de lujo, permitiendo convertir el automóvil en un objeto de consumo. Tenía una filosofía más
intuitiva que racional en cuanto a sus diseños, pensó que el coche debía tener personalidad, atractivo visual y que los
modelos debían renovarse para no perder el encanto, y crear un interés y una necesidad de consumo.

En 1948 establece las características de los coches de los años 50 en EEUU: coches alargados, bajos, con gran unidad
visual, introduciendo adornos cromados, algo que el resto de fabricantes copia. Todo esto se manifiesta en el modelo
Cadillac que crea en 1948. Se consagra en 1955 como Cadillac Eldorado. Consumían mucha gasolina pero Estados
Unidos se encontraba en un momento de auge económico, lo que los convertía en ejemplos de riqueza y poder.

Eames y Kaiser. Renueva el diseño del mueble de posguerra. Sus diseños van a huir de esa austeridad, de la
angulosidad geométrica, buscando formas escultóricas. Investiga sobre esculturas y materiales. En 1946 crea una silla
de comedor de madera contrachapada, con asiento y respaldo modelados con curvas delicadas que le daban
comodidad y capacidad de sustentación. Todo eso se colocaba sobre barras de acero. Frágil en apariencia, pero muy
resistente y estable.

La silla apilable, 1955, es una silla muy económica y limpia. También diseña sillas de oficina y el sillón Eames Lounge
en 1956, tapizado con cuero con una base de aluminio fundido. Creado para el director de cine Billy Wilder como
regalo de cumpleaños, luego se comercializó en varios colores. Es un chaise longue inspirado en sillones orejeros.

El aspecto de los aeropuertos se cambia en la década de los 60, con materiales ligeros y resistentes, de diseño
minimalista. Lo realiza para el aeropuerto de Chicago, pero hoy todos son así.

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RESUMENES POR TEMA REPASO PARA EXAMEN DISEÑO CONTEMPORÁNEO
EL PLÁSTICO EN EL DISEÑO.
Los plásticos fueron fruto de una serie de innovaciones tecnológicas, surgiendo en el contexto de la industrialización.
Se busca una serie de materiales alternativos, sustitutivos de otros más caros y exclusivos. El primer material sintético
va a ser la baquelita. Otros plásticos serán el vinilo, acrílico, poliéster, etc. El nylon en 1935 revoluciona la fabricación
de cepillos de dientes, ya que va a permitir introducir cerdas de plástico.

En 1945 los plásticos están transformando a gran escala el entorno cotidiano del mundo occidental industrializado.
Las medias de nylon fueron un producto estrella, al igual que el bolígrafo BIC.

El art déco utilizó los plásticos como sustitutivo de otros materiales, pero los diseñadores tardaron en aceptar ese tipo
de material. El gran boom fue después de la 2ª GM: las posibilidades creativas, es ligero, maleable, se le puede
introducir color, es higiénico y robusto. El país que más invirtió fue Estados Unidos.

Tupper. Emplean polietileno para realizar una serie de recipientes. Tupper empezó a trabajar en el departamento de
producción de plásticos, y descubrió un plástico transparente. En 1946 crea su propia compañía, Tupper Company.

Tupperware es una fiambrera ligera, duradera, hermética, para mantener los alimentos en la nevera. Tenía 3 medidas
distintas con tapa, que podían encajar. Se comercializó con un sistema de marketing que llamó marketing directo a
través de las fiestas tupper, que eran encuentros informales de mujeres en las que una de ellas mostraba las
cualidades del producto. Esa mujer de clase media que vive para la familia va a introducirse en el mundo laboral,
creando un deseo de mujer independiente y autosuficiente.

El éxito de tupper se debió a su efectividad, y al aprovechamiento de un momento oportuno en la sociedad. En el

marco de una cultura de posguerra, que quería reactivar el trabajo de la mujer, se popularizó el concepto de compra
semanal, ya que gracias al frigorífico y los recipientes, no había que ir a comprar todos los días. Estética y forma
atemporales.

Panton. De origen danés. Su obra es más cercana a los diseñadores italianos y estadounidenses de posguerra, creando
objetos sofisticados con materiales y formas innovadoras. La silla Panton, 1959, está realizada en una sola pieza,
entera de plástico. Tiene una forma curvada, le interesa crear sillas de formas orgánicas, adaptadas al cuerpo humano.
Primero aparece en rojo, es multiusos y sumamente actual. Al igual que la silla heart cone, donde muestra interés por
las formas orgánicas y esculturales complejas.

Utiliza materiales como la espuma, el poliéster, piezas que conectan con el art déco y con diseños italianos, que
empiezan a cuestionarse la uniprespecialidad de la tendencia del funcionalismo en el diseño, siendo antecesores del
post modernismo.

Robin y Luciano Day. El diseño británico es bastante más sombrío. En los 50 iban al son de Europa y Estados Unidos,
algo clave en su estética. La silla apilable, 1963 es muy parecida a otras anteriores, económica, de plástico nuevo
(polipropileno). Referencia de la industria del mueble contemporáneo británico.

En la década de los 60, en esa corriente pop, veremos diseñadores que utilizarán plásticos blancos, como el vinilo o la
espuma de poliuretano para fabricar muebles flexibles, hinchables e incluso efímeros. Ejemplo de ello es Gallen, artista
española que diseño colchonetas y otros objetos.

PANORAMA DEL DISEÑO DE POSGUERRA.

A partir de 1945 el diseño de posguerra va a evolucionar desde las distintas identidades nacionales. Hay un interés en
Europa por reconstruir esas naciones destruidas tras la 2ª GM, quieren proyectar una imagen positiva de sí mismos
a la comunidad internacional, y se van a apoyar en el diseño.

Italia. Basa ese diseño en su pasado histórico, la calidad de su patrimonio artístico rechaza todos los estilos previos a
la guerra, relacionados con el fascismo. Opta por formas orgánicas, con un estilo de vanguardia en el que prima la
sofisticación. Principalmente son arquitectos los que van a hacer el diseño italiano de posguerra, adquieren una visión
integral de la realidad, se sienten responsables de todo.

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RESUMENES POR TEMA REPASO PARA EXAMEN DISEÑO CONTEMPORÁNEO
Como antecedentes, tenemos la cafetera Moka, 1933, diseñada por Bialetti. Es la típica cafetera, cambió el concepto
cotidiano de tomar café, cuando se pone de moda tomar café en todas las casas se pierde ese rito público. Un
instrumento importante para la difusión del diseño italiano son las Trienales de Milán, escaparate para mostrar la
reconstrucción de Italia.

Ponti. Figura clave del diseño industrial italiano de posguerra. Se habla de él como el padre del diseño italiano. Su obra
quiere basarse en la funcionalidad, pero cree también en las implicaciones de la fabricación en serie. No creía en la
radicalidad del diseño funcional, quería aunar la tradición y la modernidad, creyendo en la idea de diseño total diseña
continente y contenido, desde cubiertas hasta el suelo.

Después de la guerra, Europa empieza la reconstrucción de pisos y casas de clase media, que ahora necesitan muebles
de cerámica para sus baños. También diseña vidrio, entre otras cosas, lámparas de araña.

Mollino. Uno de los diseñadores más individuales. Su fama le viene por sus diseños de muebles, interiores, etc.
Realizará muebles de formas amplias, con perfiles curvados. Sus piezas parecen más esculturas que muebles
tradicionales, algunos tienen incluso connotaciones eróticas.

Hasta los 80 no fue valorado, era muy revolucionario, se inspira en Gaudí, en el art Nouveau y el aerodinamismo
estadounidense. Realiza mobiliario para casas señoriales, de grandes dimensiones. La silla lateral tipo B, 1950 la realiza
para la casa Licitra Ponti, siendo un regalo para su hija por su casamiento.

La mesa arabesco, 1950 también, realizada en madera dispuesta de forma sinuosa, con una tabla de cristal. Uno de
los lados sirve de revistero, es un diseño único, diseñado para una casa específica. Sus mesas se reconocen por su
estética sinuosa, con inspiraciones de la naturaleza, como astas de ciervos o ramas.

Hermanos Catiglioni. 3 hermanos arquitectos, de los cuales dos se dedicaron al diseño, crearon un mobiliario original,
funcional, con referencias icónicas. Estaban a favor de la funcionalidad en el diseño, con gran imaginación como
solución a la funcionalidad. Comienzan a usar piezas prefabricadas, como sillones de bicicletas o tractores.

El taburete alunizaje, de 3 piezas, cruce entre nave espacial y un insecto.

La lámpara de Pie Arco, es una obra clave, que conecta con el diseño italiano. Se diseñó en 1958 pero no se produjo
hasta el 62, tenía una basa de mármol de carrara, vinculándose con la tradición. Fue novedosa, su objetivo es que la
iluminación fuese directa, pero sin estar colgada del techo. Se inspira en las farolas callejeras, buscaban que fuera
movible.

La lámpara Snoopy, 1967, en este momento era un dibujo animado de gran éxito.

Diseño escandinavo. Es muy singular. El término se acuña tras una exposición estadounidense en 1964, se quería
mostrar el estilo de vida de los países nórdicos.

Su diseño se basó en la modernización de la tradición, asociado al sentimiento humano, todo se sustenta en el enfoque
democrático, en busca de una sociedad ideal, buscando llevar gran calidad de vida a los hogares a través de la
tecnología asequible, como Ikea.

Lo que importa es el hogar, cálido y cómodo, como refugio vital frente al clima hostil, y como marco de una vida
familiar. Propicia el gusto por el uso de materiales naturales, que intentan unir tradición y modernidad, rechazando la
mediocridad y abogando por un diseño de calidad.

Quiere lograr un equilibrio entre forma, función, color, textura, durabilidad y coste, para ofrecer soluciones a una
sociedad democrática. Para abaratarlo, había que producir en serie.

Diseño danés. Tiene por tradición una fuerte vinculación con el mobiliario inglés, así como con la cerámica oriental,
por los lazos comerciales de Dinamarca con esos lugares.

Diseño irlandés. Tenía gran escasez de materia prima, por ello se centra en el material gráfico.

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Diseño sueco. Gran compromiso social, los primeros objetos destinados a niños discapacitados. Los diseños suecos,
noruegos y finlandeses tenían en común una abundante materia prima: madera. La mejor idea del diseño escandinavo
la promueve ikea, recurriendo a la simplicidad, partiendo del vanguardismo, con toques cálidos.

Se funda en Suecia en 1943, sus productos conjugan formas, ideas y buen precio. En los 50 se dieron cuenta de que
vender a buen precio por catálogo era una ventaja para el comprador. Hace consciente a la sociedad de que los
muebles desmontables y modulares serán menos costosos.

Panton (danés). Al margen del funcionalismo, sus obras se caracterizan por un estilo lúdico, sus diseños estaban
orientados al mundo no escandinavo, por su llamativo colorido y formas futuristas.

Silla Panton, 1959. Primera silla de una sola pieza, en plástico rojo, influenciada por la silla zigzag de Rietveld. Se
produce fábrica respetando fielmente la idea original.

Jacobsen. Propuso renovar la tradición y abrirla a una nueva era. Influenciado por Le Corbusier, con una teoría de
arquitectura funcionalista que llevará al diseño. Tenían muy en cuenta el material, el proceso de producción, el
fabricante y la unidad por encima de las cuestiones adecuado a la arquitectura funcionalista. Todo tenía que resultar
armónico.

Silla hormiga, 1952. Le valdría el premio de la Trienal de Milán. Evoca la forma de una hormiga con la cabeza levantada.
Llama la atención su sencillez y ligereza, proporcionada por un asiento de madera laminada y unas finas patas de tubo
de acero. Fácil de transportar y apilar. Sirvió de base e inspiración para modelos posteriores como la silla nº 7, 1955
considerada icono de diseño moderno, más lineal, y recoge la espalda mejor

Finlandia. El diseño finlandés experimenta grandes cambios, sobre todo con los trabajos en vidrio y cerámica,
adquiriendo un carácter casi escultórico, exclusivo en muchos casos, apoyados en un importante y eficaz sistema
publicitario.

Franck. Diseñador industrial, trató de realizar diseños industriales de artículos de uso diario con una alta calidad. Fue
un hombre modesto, no le gustaba la idea de firmar sus diseños, pero su obra llegó a ser tan importante, que la
compañía Arabia se dio cuenta que tenía que firmarlos para tener más éxito.

Vajilla modelo Kilta, 1952, con formas y colores intercambiables, siempre lisos. Rompe con la idea de que todo fuese
a juego, introduciendo un concepto flexible, informal, que hoy vemos en Ikea.

Wirkkala. Innovador, a quien mejor se asocia el diseño finlandés, inspirado en la naturaleza, en elementos de su
entorno. También triunfó en los trienales.

Jarrón Kantarelli, 1946. Realizado en vidrio soplado. Inspirado en la forma de las setas, diseño fluido. Difícil de
reproducir en serie, icono del diseño escandinavo.

Alemania. Se basa en el minimalismo racional que se había desarrollado en la Bauhaus. Hay dos empresas importantes:
Rosenthal y Braun.

El espíritu racionalista se manifiesta a través de la Escuela de Ulm. Se funda en 1953, y quería adoptar el enfoque
racional tanto en lo formal como en lo intelectual. Se crea como una nueva Bauhaus, aplicando una metodología
derivada.

En el producto buscaba un proceso racional, con un producto final basado en un enfoque de resolución de problemas.
Querían proyectarse de forma internacional. En 1954 van a la Trienal de Milán, siendo un éxito porque se consigue un
diseño nacional alemán.

Empresas como Braun, AEG o Bosch asumen estos principios de avances de tecnología punta, utilizando este sentido
racional y funcional, quien mejor lo interpretará será Rams.

Rams. Quien mejor supo aplicar esa estética racionalista a los productos tecnológicos. Le habría gustado trabajar en
el anonimato, aunque su nombre se convirtió en un reclamo publicitario más.
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La firma Braun. Empieza a despegar en 1950, introduciendo ese diseño racional, sin decoración, donde el orden, la
armonía y la economía están presente. Braun buscaba transmitir la imagen de una Alemania renovadora, con alta
satisfacción, tecnología y alto nivel de diseño industrial.

Le da a sus obras de enfoque purista, de orden y limpieza visual. Decía que las maquinas debían ser mayordomos
silenciados, destinados a hacer la vida más cómoda y fácil. Discretas, sin estar obligadas a ser estéticas, solo un diseño
estético racional. Sus primeros trabajos para Braun fueron transistores, sustituye la caja de madera por una de plástico,
dándole limpieza visual.

Máquina de afeitar, no las inventa, las perfecciona, sacando modelos casi anualmente.

Calculadoras de bolsillo, presenta una nueva gama, en diferentes colores para diferenciar las funciones.

CRISIS DEL VANGUARDISMO.

La crisis del vanguardismo pasa por diseños desenfados y la heterodoxia en el campo del diseño. Esto viene marcado
por los años 60, un periodo en el que se cambia radicalmente: se produce un distanciamiento respecto a los principios
de La Bauhaus, se da una década de consumo con un mercado de gente joven y la sociedad aparenta un optimismo
generalizado, viendo en todo esto aspiraciones por la diversión, la variedad y la irreverencia.

El cambio de esta época se va a reflejar en el diseño con diseñadores que se esfuerzan por romper con los valores
anteriores y por buscar un enfoque más expresivo. Ahora el diseño de los muebles va a abandonar su sentido de
seguridad y estabilidad en favor de una estética más fugaz. En la cultura pop se produce una mezcla de la cultura de
masas, la producción en serie y lo efímero, dando así un ambiente de celebración e ironía.

Los consumidores ahora son más jóvenes y tienen un deseo mayor de diversión y cambio, poniendo en estima lo
temporal. Vemos como en Italia el arte pop es una reacción contra el movimiento neomoderno, contra las vanguardias.
Aarnio es quien mejor demuestra esta idea con una concepción del arte pop en el que comienza a experimentar con
el plástico con formas provocativas.

La Silla Bola (Aarnio, 1963) fue presentada en el Salón de Colonia. Dispone de un armazón moldeado de fibra de vidrio
muy resistente, relleno con espuma de alta densidad y tapizado con lana. Se apoya en una base de acero inoxidable y
gira a 360°. Es famosa por su forma poco convencional. Se considera un clásico de diseño industrial. Versiones más
recientes han aumentado el tamaño además de añadir características interesantes, como música e integración con
reproductores de MP3.

También nos encontraremos con el movimiento antidiseño, donde una serie de arquitectos y diseñadores utilizan el
diseño como un arma política creando grupos colectivos con diseños radicales como Superstudio, Archizoom, Strum o
Grupo 9999.

Estos grupos buscan la provocación a través de diseños banales y divertidos que hicieran reflexionar sobre el sentido
del diseño de productos. Comienzan a cuestionar el vanguardismo y estimulan al consumidor. Un ejemplo de obra va
a ser el Sofá Safari (Archizoom, 1968), un buen ejemplo de este movimiento, el cual plantea que esa fuerza cultural
vanguardista no estaba en sintonía con la nueva sociedad, criticando la tecnología y consumismo.

Murdoch con su Silla Spottu (Murdoch, 1963) asume la forma de un paquete de palomitas en un diseño efímero. De
Pas, D’Urbino y Lomazzi crearán la Silla Blow (De Pas, D’Urbino y Lomazzi, 1967), para la cual usarían la soldadura
electrónica para sellas el vinilo. Esta obra, con el uso del PVC y su estilo inflable rompió con los valores burgueses y
mostro cómo la cultura pop iba tomando las calles de una manera accesible para la mayoría de la población.

Colombo fue un diseñador italiano que convive con el movimiento antidiseño y empieza a experimentar con nuevos
materiales, buscando resaltar las innovaciones tecnológicas y las nuevas formas de concebir la funcionalidad. La Silla
Elda (Colombo, 1963) se trata de un diseño futurista que crea microambientes integrados. Se realizó para la Feria de
Polonia, donde se expusieron muebles espaciales que conectan para crear un ambiente dinámico y funcional. Estudió
profundamente lo técnico. El sillón está realizado en fibra de vidrio y su interior revestido en cuero.

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RESUMENES POR TEMA REPASO PARA EXAMEN DISEÑO CONTEMPORÁNEO
Además posee un los productos de las manos, unos productos nada convencionales y muy extravagantes, creando lo
que sería denominado el posmodernismo. Además la agrupación tiene en el centro de sus diseños la forma, la cual
debe ser servida por la función.

La renovación del diseño también viene de la mano de Venturi, quien publica Complejidad y contradicción en la
arquitectura, uno de los primeros escritos donde se cuestiona de una forma global las ideas y los preceptos del
movimiento moderno.

A partir de los años 90 vemos diversas líneas del diseño: desde el funcionalismo hasta el modernismo.

Sottsass será uno de los diseñadores más prolíficos y radicales del siglo XX. En los años 60 comenzó a cuestionar las
ideas del diseño y realizar unos viajes que le distanciarían de los diseños de entreguerras. Sistema de rotación que
permite rotar el sillón 360 grados, lo que proporciona un espacio recogido a la vez que móvil. La silla fue exhibida en
museos como el Museo de Arte Moderno neoyorquino o el Museo del Louvre francés.

Un sillón de diseño atrevido a la vez que cómodo. Aunque esta silla está especialmente diseñada para oficinas y
negocios, también es posible encajarla dentro de ambientes domésticos modernos. Italia va a dar un paso hacia la
renovación del diseño con Alchimia, un grupo que va a imponer en los años 70 su sello.

Aunque también encontraremos a Memphis, que nace de la disolución del anterior. Sottsass y otros diseñadores crean
el grupo Alchimia, donde tienden al antidiseño y al comercio democrático, aunque posteriormente llegará Memphis y
realizará objetos de lujo, es decir, el mensaje que querían mandar se disolvía debido a su éxito. Ambos grupos
proponen diseños divertidos inspirados en la arquitectura clásica y en el arte kitsch, lo que supone diseños con
coloridos intensos y brillantes.

Memphis realizaría su primera exposición en Milán, la cual fue un éxito total, pues las empresas le quitaban cuestionar
las ideas del diseño y realizar unos viajes que le distanciarían de los diseños de entreguerras. Su primer éxito fue la
Máquina de escribir Valentine (Sottsass, 1969), una máquina en la que se percibía la influencia de un espíritu versátil.
La caja también formaba parte del diseño, lo cual facilita su portabilidad.

Sottsass quería romper con los viejos ideales de cómo se debía trabajar en las oficinas y la máquina de escribir crearía
una manera más flexible de trabajar, puesto que era ligera y portátil. Sottsass decía: la Máquina de escribir Valentine
se ha diseñado para todos los ambientes, menos el de oficina.

El primer modelo fue producido en un color rojo brillante, muy distante a los colores discretos que caracterizaban las
máquinas de escribir. Se puede suponer que Sottsass eligió ese color influenciado en la cultura pop de los 70 y sus
viajes. En lo que respecta a lo tecnológico no había novedades, la Máquina de escribir Valentine estaba basado
enteramente en un prototipo anterior de Olivetti llamado Máquina de escribir Letra 32.

La novedad estaba en otro plano, era peculiar y tenía tanto de accesorio de moda como de máquina de oficina. El
modelo se lanzó a través de afiches dibujados por el famoso diseñador gráfico Glaser. Pese a costosas campañas
publicitarias, la venta del modelo Valentine nunca alcanzó los niveles deseados, algunos argumentaban que el precio
era demasiado alto, otros que su tecnología no estaba a la par con el precio.

Hoy en día, la Máquina de escribir Valentine es considerada un clásico del diseño industrial y está representada en los
más reconocidos museos modernos de todo el mundo. Luego saldrá de Alchimia para fundar Memphis.

También realizó trabajos en vidrio, pero la forma artesanal no es su prioridad. Mendini va a ser un italiano que fue
redactor para Casabella, Domus y Modo. Este ha marcado con sus textos el nuevo diseño internacional, pues introdujo
términos como diseño banal, rediseño…, además de propagar el posmodernismo. Sentiría una gran admiración por
Ponti, sin embargo él apreciaría lo banal, como podemos ver en el Sofá Kandissi (Mendini, 1978), una reinterpretación
moderna del sofá del siglo XIX. En la misma línea encontramos el Sillón Proust (Mendini, 1978), el cual tiene su base
en los sillones barrocos franceses.

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RESUMENES POR TEMA REPASO PARA EXAMEN DISEÑO CONTEMPORÁNEO
APOTEOSIS Y DISOLUCIÓN DE LA POSMODERNIDAD.
Nos instalamos en la década de los 80 como el último movimiento donde se cuecen las cosas, aunque no se tenga
nada nuevo, sino una crisis total. No podemos hablar de un estilo, estamos hablando de varias escuelas donde vemos
diferentes tipos de expresión del diseño.

Vemos como el diseño del objeto se capacita como una expresión artística, mayoritariamente el sector de la
arquitectura y un ingeniero de vez en cuando expresan su faceta más artística por el diseño. Al final se impone muy
pragmáticamente la industria y el comercio, teniendo en cuenta que no estamos ante una producción elitista desde el
concepto de la función artística -no es una obra de arte, estamos creando para vender-.

Nos encontramos con mucho impacto estético, veremos muchas cosas, pudiendo estar todas dentro de la idea
tradicional del arte pero estando dentro de la industria del diseño, una industria que desde los 50 con el Styling ha
visto que la estética vende.

No hay puntos de vista funcionales, sino estéticos por la pura aceptación de que lo estético, por inútil, es lo que
predomina. Nosotros nos alimentamos de la belleza y la estética, el hombre tiende al factor estético, que predomina
ante la funcionalidad.

Vamos a ver la inercia propia, la vacuidad de todo lo ideológico, y si le sacamos todo lo ideológico nos quedamos con
la estética. Tenemos una evolución reflexiva mínima de la escuela italiana a Memphis, y por otra parte nos
encontramos con la escuela alemana. Los años 80 tienen un factor importante dentro de toda la ideología, que no
forma parte de los jóvenes underground, siendo un movimiento puramente estético. A pesar de toda esa
descontextualización, es un momento de alto éxito mediático.

Es tendencia, todo lo que veremos es ya moda, es decir, ya ha salido al mercado todo lo que se experimentó en el
antidiseño y en la contracultura. No hay ya ideología subversiva, lo que hay son las dos vías de canalización estética
que ya vimos en el tema anterior: una que va por el Memphis y el revival y otra por el High Tech. Eso se mantendrá
durante una década entera con un éxito al más puro estilo hedonista. El diseño industrial en los 80 ya está mimado y
autorizado desde las altas instituciones.

El referente culturista fue el de los 70, estando todo establecido: la cultura de la diversidad y el eclecticismo que genera
ya está asimilada, y ahora pasa a ser moda. Nos encontramos con multitud de culturas y de tribus, habiendo productos
para todos. Toda esa simbología que tuvo el diseño antirradical, todo lo que significaba ese producto -el boicot a la
industria, etc- ya no tiene base, pues ahora los elementos no se escogen por la ideología que representa sino por
moda, ya son elementos consagrados.

Toda esa microfracturación cultural son los frutos recogidos, pues el resto de los planteamientos revolucionarios
fueron fallidos. Esa dinámica se perpetúa porque se mantiene vivo el movimiento lúdico del diseño. Por tanto, ese
juego lúdico se va a desarrollar como un ejercicio manierista con una gran carga de escenografía y sin ninguna
intención ideológica.

Si tienes máxima libertad para crear vas a acabar haciendo lo que nunca te has atrevido, llevando a una estética fresca,
divertida y espontánea, siendo el eclecticismo estético absolutamente necesario. Son elementos que definen la cultura
de una persona, no ya su economía.

No se representa una ideología social sino de identificación y ostentación de pertenencia a un grupo cultural, siendo
ahora la imagen estética de una cultura. Por tanto, ese formalismo estético queda como ya hemos dicho por encima
de la función. Eso lleva al “todo vale”.

Se da una pérdida de la dimensión deontológica de lo que es el diseño industrial: una actividad artística y creativa
hasta que se pone en manos de una industria, poniéndose el del diseño contemporáneo en manos de la tecnología.

Aquí ahora se pierda la frontera entre diseño industrial y la actividad artística tradicional, se da un intrusismo
profesional. Ahora resulta que los artistas quieren diseñar, y uno coge un cuadro que tiene marca y vende los derechos
para hacer tejidos, ganando más por una patente de tejidos que por el cuadro mismo. Igual que hay artistas que
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RESUMENES POR TEMA REPASO PARA EXAMEN DISEÑO CONTEMPORÁNEO
quieren diseñar, hay diseñadores que son artistas y una vez tienen renombre se muestran ante la sociedad como
artistas: un caso parecido es lo que pasa con las modelos que acaban en el cine.

Eso produce un gran impacto visual, necesario en todo elemento, pues sino se pierde el factor estético. Es muy
parecido a lo que ocurrió en el Styling, solo que este movimiento tenía la necesidad de salvar a un país de la crisis,
mientras que ahora nos encontramos con un juego manierista que sigue de manera natural lo que ya está consagrado,
sin ningún tipo de ideología.

Diseño de mobiliario. El triunfo de lo kitsch.

Es diferente al pop, pues es una propia alegoría de lo que está pasando. En el kitsch con relación al pop es una vuelta
de tuerca sobre lo mismo.

LA COOPERATIVA MEMPHIS.

Sottsass le hizo una jugada un poco rara a su propio grupo, Alchymia, pues recibió de forma personal un proyecto de
mobiliario, y lo usa de excusas para independizarse de Alquimia, diciendo que se encuentra ahogado. Se va de
Alchymia y una noche en su piso de Milán con su mujer Bárbara Redice, la directora del grupo Memphis, y su grupo
más cercano -que le seguían como si fuera el maestro- cuenta su proyecto y se independizan todos juntos de Alchymia.
Llamará a los diseñadores internacionales que piensa más afines a sus ideas. Conseguirán tener una producción
limitada a pequeños talleres artesanales, dirigidos por su amigo Renzo Brugola.

Esta producción limitada hace que ya de salida el producto sea elitista. Hacen una colección de 55 piezas como
proyecto inicial, presentada en la Feria del Mueble de Milán de 1981. Se paró el tráfico por tanto interés que
despertaron, sobre todo por ese ejercicio que ya sabemos.

Todos los que vivían del Radical Design estaban muy contentos con esa colección, que fue criticadísima por la línea
más funcionalista, quienes le dijeron que no había nada nuevo y por una imitación burda eran obras que entraban ya
dentro del mal gusto.

Sottsass ya había entrado en un momento nihilista, viendo que era imposible escindirse del voraz producto industrial
quedando solo testimoniar que la voluntad y el libre albedrio existe y que desde ninguna arte esfera deberían decirnos
como ser nuestro estilo de vida.

Nos encontramos con una importante multiplicidad cultural pero produciendo una estética común con algunas
variantes, con diferentes matices según los diseñadores. Lo que tendrá Memphis es un impacto social, colorista…

Lo que hará entonces Sottsass será vender Memphis, que actualmente hoy produce en serie. Así, Sottsass cierra el
círculo haciendo exactamente lo mismo que hace el coleccionismo de arte. Este último canto de testimonio de libre
albedrio lo hace Bárbara Radice, quien escribe Memphis. The New International Style en 1981.

Las producciones originales de Memphis tienen un acento en la estética sin simbología ni mensaje contracultural,
vendiendo la libertad. Las características que marcan de forma general Memphis van a ser las siguientes:

- Una entidad escultórica del mobiliario, que aporta al mueble una presencia física y estética al margen de su
función como estantería.
- Por supuesto el eclecticismo es total: si apelamos al libre albedrio. ¿quién te va a decir que hagas algo de una
manera u otra? Memphis se postula como la cultura de todos y de ninguno a la vez.
- Dentro de ese eclecticismo veremos, según el diseñador, una obvia diversidad de materiales.

Por tanto, aquí cabe todo, siendo excéntrico, efímero y debiendo tomarse en dosis pequeñas, para consumo diario. La
producción Sottsass para Memphis destaca por la ironía y el juego, usando culturas antiguas y hoteles del mundo
elitista. Varios ejemplos son la Lámpara Ashoka, la Tahití o la de pie Loto, estanterías como la Carlton y la mesa Ivori…

Esta estantería Carlton de 1981 será su gran obra. Destaca el hombre, que recuerda a los tótems del mismo autor,
quedando como su firma personal junto al Bacterio. Esta estantería tiene una consistencia escultórica, no está

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RESUMENES POR TEMA REPASO PARA EXAMEN DISEÑO CONTEMPORÁNEO
preparada para verse exclusivamente de la frontalidad, pudiendo jugarse con su función porque puede usarse tanto
como estantería como separador de ambiente, estando perfectamente rematada tanto por delante como por detrás.
Es la pieza emblemática, con una paleta de color viva y lúdica.

Se juega con otras terminaciones como el acabado de madera, mostrando el proceso de experimentación de los
plásticos como aglomeraciones de laminación de madera. Se desintegra el formato tradicional, jugando con la función
como ya se ha dicho.

La estantería entera ya aparece como un tótem, y abriéndose por los laterales mostrándose como un nacimiento. Se
está jugando con la relación función y forma. Esta estantería con su dimensión escultórica está transmitiendo una
comunicación con la persona que la vi, pues no te relacionas igual con una más básica que con esta estantería, que la
valoras por ser personal.

Es un mobiliario que produce una comunicación sensorial -olor, volumen- en tu vida doméstica que no tienes con otros
elementos mobiliarios. Ahora bien, cuando una persona actualmente adquiere esta estantería lo hace desde el punto
de vista de una obra de arte. Es una estantería con características del arte más clásico como una relación entre las
partes, con una simetría tanto formal como cromática. Se da una compensación entre los colores, acabados y las
formas geométricas.

Tiene además forma de rombo, dando una estabilidad que parece inestable, teniendo una declaración de intenciones
de la existencia a la alternativa, no necesariamente radical. No hay nada nuevo y nada viejo, simplemente es.

PRECEDENTES Y PIONEROS DEL DISEÑO ESPAÑOL.

La revolución industrial llega a España muy tarde y desigual. Hablamos de Gaudí como precursor, exponente del
protodiseño español. En sus obras domina la tradición artesanal, también tomaba conciencia del diseño. Sus diseños
son bellos y originales, sirvieron como influencia a diseñadores posteriores.

Otro precedente será Jujol, discípulo de Gaudí, cuya obra es inclasificable por si gran libertad creativa. Tras estos
antecedentes entramos en el asentamiento del Art Déco, viendo un claro ejemplo en los diseños de frascos de
Monegal, precedente para el diseño industrial.

Tras este momento, el diseño se independiza y se torna hacia una corriente más funcional, que utiliza el acero, el
vidrio y la baquelita para mostrar nuevos conceptos estructurales y expresivos.

Hubo diversos proyectos de arquitectura en los que se miraba hacia Europa, realizados en Barcelona. En 1930 existía
en España una corriente renovadora, asociada a la situación económica, la GATEPAC. Este grupo de arquitectos y
técnicas tenía como objetivo la defensa de la arquitectura funcionalista.

Rechazaban los postulados historicistas y defendían los postulados de la renovación vanguardista y el equipamiento
domestico con muebles simples, basados en la estandarización, bajo coste y producción en serie.

Gutiérrez Soto, Martínez-Feduchi: edificio Capitol, y el mobiliario a juego, destacando el carrito capitol.

Existe un acercamiento al movimiento moderno, y una preocupación por el diseño industrial, por parte de ingenieros
del País Vasco, quienes forman el BOJ, donde fabrican elementos de ferretería principalmente.

Con la llegada de la Guerra Civil, se complica la situación, muchos miembros de la GATEPAC se exilian y los que
quedaron no tuvieron un panorama agradable. La posguerra supuso un aislamiento a los avances externos, siendo una
época dura, por las desgracias y la represión franquista.

Hacia 1950 comienza la etapa de los pioneros, crece el interés por el diseño gracias a una nueva generación de
arquitectos que diseñan piezas para concluir sus proyectos. Arquitectos destacados fueron Barba, Coderch o De
Moragas.

Durante los 60 se considera el arranque del diseño español, en Barcelona se crea la escuela Elisava. Para fomentar la
producción, se crean los Premios Delta del Diseño Industrial, en los que Marquina gana con su aceitera antigoteo.
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RESUMENES POR TEMA REPASO PARA EXAMEN DISEÑO CONTEMPORÁNEO
Milá tiene aportaciones fundamentales en cuanto a la iluminación y al mobiliario. Obra representativa será la lámpara
TMC y la chimenea Milá, 1977.

Otros arquitectos a destacar son Carvajal y Ricard. Tras esto, en los años 80 llega el boom del diseño gracias al inicio
del proceso democrático, una economía más favorable y España se incorpora a la UE. También surgen las ferias y los
premios nacionales de diseño. Mariscal participa en la 1ª colección del Grupo Memphis con su carrito Hilton; Tusquets
participa en un juego de té de la casa Aless; nace el grupo Transatlantic; se crean los Premios Nacionales de Diseño.

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