PRÁCTICAS REPASO ARTE

PRÁCTICA 1
Epifanía, pintura mural de la pintora gótica Teresa Dieç (en torno al 1316-1350) de la
Iglesia de Santa Clara de Toro, Zamora. Su estilo se enmarca en el llamado estilo gótico
lineal o pintura franco-gótica, dentro de la escuela salmantina de Antón Sánchez de
Segovia.
En 1955 fueron encontradas en el ruinoso Monasterio de monjas de Santa Clara de
Toro, Zamora, protegidas en parte por la sillería del coro Fueron despegadas en 1962
por LLopart Castells y trasladadas en el actual soporte a la iglesia museo de San
Sebastián de los Caballeros, en la misma ciudad.

Se considera que su autora es Teresa Dieç ya que firma en la escena de San Cristóbal
con la frase TERESA DIEÇ ME FECIT , en una banda entre la túnica del santo (se le
representa como un gigante, según la leyenda, ayudando a cruzar un río al niño Jesús) y
la cenefa de zig-zags. Bajo la banda firmada hay un escudo [banda de sable -negro-
sobre campo de plata, orlada de gules -rojo-] que es desconocido por ahora. Hay
algunos expertos que afirman que este escudo correspondería a Teresa Dieç y que por
tanto, se trataría de una donante, no de la autora material de la obra, mientras que otros
afirman que fue la encargada de costear las pinturas y de pintarlas, aunque no hay nada
comprobado. También hay otros escudos con 5 cuervos o urracas y otro de cuarteles de
lises y leones.

Esta obra forma parte de varias pinturas murales hechas con una técnica llamada fresco
seco porque los trazos del dibujo están hechos en el mortero de cal fresca pero
los colores (escasos pues procedentes de tierras) son pintados encima, al temple. Los
frescos representan tres ciclos: el ciclo de la vida de Cristo, el ciclo de la vida de Santa
Catalina de Alejandría y el de San Juan Bautista. Estas escenas de la Epifanía, el
Bautismo de Cristo y su aparición resucitado a la Magdalena, con Santa Marta
alanceando al dragón al fondo (como se cuenta en La leyenda dorada de Santiago de la
Vorágine), son las tres que se conservan completas entre todas las pinturas que
cubren los muros. Teresa Dieç pintó las escenas de la historia sagrada siempre rodeadas
(al estilo del gótico internacional) de cenefas de modo que formasen como viñetas de un
libro didáctico. Por eso en la parte de arriba dibuja las frases en castellano que explican
la pintura. En ésta se puede leer: COMO VAN OFERECER LOS TRES MAGOS A
SANTA MARIA A IESUXPTO y se ve cómo aún no aparecía el rey negro en el siglo
XIV.
Otro grupo de escenas algo incompletas cuentan la historia de Santa Catalina de
Alejandría y sus martirios, siempre con ese estilo de perspectiva románica pero ya más
naturalismo en los gestos y los volúmenes. En el catálogo de la Exposición Las edades
del hombre de 1988 se dice que son de su mano los murales de la iglesia de La Hiniesta,
junto a la ciudad de Zamora, (pueblo fundado por petición de Sancho IV, marido de
María de Molina), y unos restos en la Colegiata y la Iglesia de San Pedro, también en
Toro. Asimismo, dice que no se conocen sus fuentes de inspiración pero que debió de
conocer las creaciones de Antón Sánchez de Segovia y otros anónimos maestros que
pintaron en la catedral vieja de Salamanca.
La escena de la Epifania se centra en la presencia de los tres reyes magos de Oriente que
han acudido a otorgar al niño Jesus sus diferentes regalos (incienso, oro y mirra).
Podemos observar como el rey mago que centra la escena se ha representado imberbe,
PRÁCTICAS REPASO ARTE

otorgándole un aspecto de juventud del que los otros carecen. Este rey mago y el otro
que aún permanece de pie se miran, señalando el primero a la estrella de Oriente y
careciendo ambos de expresividad. Por otro lado, el tercer rey mago aparece de rodillas
delante de Jesús y la Virgen, y en su rostro se manifiesta una cierta fascinación al tener
su boca entreabierta. A su vez, el niño Jesús y la Virgen son representados bendiciendo a
ese rey mago arrodillado.
La paleta de colores empleada es reducida, destacando el dorado y el color marrón para
los atuendos y el azul oscuro en la representación del paisaje, reforzando así la
espiritualidad de la escena. Sus obras, como en el resto de las de otros autores de la
época, no tienen perspectiva, las figuras sólo están representadas en dos dimensiones y,
cuando contiene muchas figuras en un marco reducido, lo que se resuelve recurriendo a
la isocefalia y a la perspectiva escalonada. Destaca además la frontalidad de las figuras.
Pero en las pinturas de Teresa Díez predomina el naturalismo, e incluso se puede
apreciar cierta ternura en sus figuras, en la proximidad a la vida cotidiana y en la
realidad histórica del momento.
- Contexto histórico del arte gótico
- Pintura gótica en España
- Evolución de la pintura gótica: gótico lineal, italiano, internacional y flamenco.
PRÁCTICAS REPASO ARTE

PRACTICA 2
CIRCA 1900: Egyptian civilization, 14th century b.C. Fragment of Amarnan painting depicting
princesses Neferneferuaten and Neferneferure, daughters of Akhenaten and Nefertiti.

Una pieza pequeña (20 x 15 cm) de ladrillo de adobe, con una fina capa de yeso pintado
de las excavaciones de Petrie en Amarna. Número 8740. Es parte de una escena mucho
más grande que presenta a dos pequeñas princesas, hijas de Akenatón, de una pared del
palacio que ahora se encuentra en el Museo Ashmolean de Oxford . Petrie (Tell el-
Amarna, 1894, p. 15) describe “el aire condescendiente de la hermana mayor que arroja
al pequeño debajo de la barbilla” y especula que las pinturas de las dos figuras son
“quizás el único uso de luz y sombra por los egipcios." Las princesas se sientan junto a
los pies de unos adultos, de escala mucho mayor, Akenatón o Nefertiti, lo que muestra
cuán grande debió ser la escena original de la pared. Petrie registra muchos fragmentos
más pequeños de yeso pintado pertenecientes a la pared, y eso es lo que debemos tener
en Manchester. Nuestro fragmento parece representar parte de una tela estampada: ¿un
cojín? – en los rojos y amarillos distintivos de esta escena.
La paleta de colores e deduce a un tono rojizo y al color negro en el caso de los ojos.
Son figuras sin ningún tipo de expresividad, carentes de perspectiva y que destacan por
su frontalidad. Por otro lado, llama la atención lo alargado de sus cráneos, lo que nos
remite a la falta de naturalismo de las figuras. Junto a ello destaca el predominio del
dibujo sobre el color, por lo que las figuras se trazan mediante líneas que crean zonas
que después son coloreadas con tintas planas. El cuerpo permanece de frente mientras
que las cabezas y las piernas se colocan de perfil. El espacio y la profundidad no
existen, y las figuras aparecen en un solo plano.
- Contexto histórico
- Pintura egipcia
- Mencionar escultura y arquitectura egipcia
PRÁCTICAS REPASO ARTE

PRACTICA 3
La Diosa de la Amapola, también conocida como Poppy Goddess, es una escultura
datada aproximadamente entre los años 1.400 a.C. - 1.100 a.C., perteneciente al arte
prehelénico, en concreto al Período Postpalacial del arte minoico
Fue hallada en el año 1.959 durante las excavaciones arqueológicas llevas a cabo en un
santuario en Gazi en Creta (Grecia).
Descripción
Tiene una altura de 79,5 cm. Está fabricada en terracota. Se trata de una escultura de
bulto redondo o exenta que representa la figura de una mujer, en representación de una
diosa.
Destaca la composición esquemática, se encuentra representada extremadamente
estilizada y con pose estereotipada.
El cuerpo tiene forma troncónico (cilindro simple) a modo de falda. El rostro es
alargado, la nariz fina, la boca pequeña y los ojos se encuentran representados cerrados
e inexpresivos. Se puede apreciar como en la parte superior de la cabeza se encuentra
coronada por una diadema con tres adornos botánicos. Los detalles de la diadema son
tres clavijas movibles acabadas en forma de capullos de amapolas o vainas de semillas
de amapola.
Ambas manos se encuentran levantadas, con las palmas de las manos representadas
abiertas. Los brazos levantados junto con la postura erguida eran considerado un gesto
de adoración (gesto de la epifanía de la diosa).
Algunos investigadores piensan que podría ser una representación de la diosa Demeter
(diosa de la Tierra), ya que se ha asociado su funcionalidad al culto a la fertilidad.
Esta escultura estaría relacionada con el culto a los Muerto, puesto que en el mundo
antiguo las amapolas fueron utilizadas como ofrendas realizadas a los muertos, como
símbolo de la resurrección después de la muerte.
- Arte minoico o cretense
- Arte micénico
- Su influencia en el arte griego
PRACTICA 4
Polifemo con una lira recibe carta de Galatea. Fresco sobre muro romano. Villa de los
papiros, Pompeya siglo I. Perspectiva, intento de crear profundidad, escorzo del delfín,
distintas gamas cromáticas, claroscuro. Predominio del color sobre la línea, proporción
de las figuras. Paisaje de fondo indeterminado.
- Pintura romana con todos los estilos.