LAS HILANDERAS

Contexto histórico- artístico: En el Siglo XVII en España tanto en la economía como en

la política se producía una situación de decadencia. Los miembros de la dinastía de los
Asturias, dejaron el gobierno en manos del duque de Lerma y el de Olivares. En Europa
surgieron nuevas potencias militares que dio lugar al fin de la hegemonía de España en
Europa. En la economía, las guerras, las bancarrotas, configuraron una economía desastrosa.
En cambio en lo cultural y artístico se vivíó un momento de esplendor, llamado el siglo de oro
español. Se donominó así por la calidad y abundancia de la producción cultural y artística. La
lietratura española tubo un esplendor en esa época, con autores como Cervantes con el
Quijote, también el teatro con Calderón de la Barca o Lope de Vega, y por último la poesía con
Quevedo y Góngora. En el Siglo de Oro en la pintura destaca el Realismo y gran expresividad
de los personajes. La temática suele ser religiosa, aunque pueden aparecer temas mitológicos
y retratos.

Cronología/ Etapas del autor:

-Etapa sevillana : Se inclina por el Tenebrismo en su juventud, obras de temas religiosos como
"La adoración de los Magos", y realistas.
-Primera estancia en Madrid :Su larga permanencia en la corte le permitió estudiar la pintura
veneciana, y conocer a Rubens. Se alejó de lo religioso, y trató los retratos, mitología y paisaje.
-Primer viaje a Italia: allí abandonó el Tenebrismo, y se preocupan por el color, el desnudo y la
perspectiva aérea.
-Segunda estancia madrileña:se consolida como el gran retratista de la Corte. En los retratos
omite todo recurso escenográfico, también es retratista de gente curiosa y bufones. .Algún
tema mitológico, y paisajes luminosos.
-Segundo viaje a Italia: volvió a Italia para hacerle un retrato al Papa Inocencio X y del criado. Y
pintó "La Venus del Espejo".
-Tercera estancia madrileña: pintó "Las Meninas" o " Las hilanderas".

Análisis formal:

· Técnica : Óleo sobrre lienzo.

· Composición : Velázquez introduce el recurso Barroco del cuadro dentro del cuadro ( el tapiz
con el rapto de Europa) y para incitar al equívoco coloca lo menos importante la escena de
género en primer plano y los esencial en el fondo. En el primer plano las figuras están llenas de
realismo A la izquierda del cuadro la joven es Aracne en escorzo y a la derecha con la pierna
descubierta sería Atenea disfrazada de anciana. Ambas figuras forman una V que dirige
nuestra vista hacia la penumbra y el fondo Un segundo plano presenta a una figura de mujer a
contraluz que parece recoger madejas del suelo y que ocupa el centro del cuadro y es el punto
de mayor penumbra, tratándose de una zona de sombra entre dos iluminadas. El plano del
fondo representa una estancia iluminada en la que la luz cae en diagonal. Tres damas, vestidas
como en la época de Velázquez, contemplan el tapiz, mientras que Atenea se dirige en actitud
represiva ( brazo levantado) a la joven tejedora.

· Dibujo: Velazquez ha utilizado diversidad de pinceladas: pinceladas densas , pinceladas

sueltas y muy ligeras con las que modela figuras pero que también contribuyen a difuminar
formas como la muchacha de falda roja que se encuentra en penumbra

· Color, tonalidades : En la gama de colores se perciben rojizos, variedad de pardos y ocres,

azules, grises. Si nos acercamos al cuadro veremos una maraña de colores de manchas que
cobran sentido a medida que nos alejamos de él , de ahí su influencia clara en el
Impresionismo

· Perspectiva : En cuanto al espacio existe uno tradicional la perspectiva lineal , paredes con
punto de fuga en el fondo, disminución del tamaño de las figuras hacia el fondo , pero el
interés es la maestría de Velazquez para lograr la sensación de atmósfera : da la impresión de
incitarnos a subir las escaleras, mediante la alternancia de luz, sombra, luz, y tambíén captar el
movimiento de la rueca.

· Luz : Existen dos focos de luz: uno Aracne y otro el escenario teatral del fondo; en medio la
penumbra en la que se encuentran : las escaleras, una trabajadora..

· Iconografía : El tema está enmascarado como gusta en el barroco y tiene como fuente las

Metamorfosis de Ovidio. En primer plano aparece una aparente escena de género o vida
cotidiana un taller de hilatura, no obstante la mujer aparentemente mayor presenta unas
rodillas de joven siendo la diosa Atenea disfrazada compitiendo con Aracne , a continuación se
« recorre» un espacio en penumbra ,en el que se encuentra un gato, que llega hasta las
escaleras y al « subirlas « encontramos el tema principal: Atenea reprende a Aracne por haber
representado en el tapiz una debilidad de Zeus o Júpiter ,el tapiz representa el rapto de la
ninfa Europa por Zeus metamorfoseado en toro .

Las mujeres que presencian la escena son las que, según Ovidio, solían acudir a contemplar el
trabajo de Aracne y la viola en la música tradicional es antídoto para la picadura de araña,
animal en que Aracne es convertida como castigo por la osadía del tema y por desafiar a los
dioses.

· Función :En este cuadro Velázquez trata un tema mitológico, en este caso, como si fuera una
escena de género. Durante siglos se ha pensado que lo que aquí se representaba era un taller
en el que varias mujeres se dedicaban a su quehacer cotidiano, el hilado, mientras un grupo de
mujeres de noble cuna contemplaban los trabajos acabados al fondo del taller. Sin embargo,
en la actualidad, nadie duda de que el eje temático del cuadro está constituido por la imagen
del fondo que representa la Fábula de Aracne.

· Significación: el significado último de la pintura es de un refinamiento y de una

intelectualidad muy elevados. Velázquez concibió el cuadro como una alegoría de la pintura,
elevada a una categoría pareja a la de las otras artes maiores (como la poesía o la música), por
encima, por supuesto de las artes mecánicas representadas por el taller. A lo largo de su vida,
Velázquez quiso reivindicar su oficio y su posición social como artista y no como simple
artesano y lo hizo con todas las armas a su alcance.
Pero además de esta interpretación, el cuadro puede leerse en otro sentido, en relación a la
posición de pintor de corte de la que gozó el artista. El cuadro sería, por tanto, una advertencia
dirigida a Felipe IV sobre los vicios que todo buen gobernante debería evitar en su mandato,
en especial la excesiva adulación, la soberbia y el pecado carnal.