(Arnold Schoenberg o Schönberg; Viena, 1874 - Los Ángeles, 1951) Compositor y pintor austríaco,

nacionalizado estadounidense. Su vida y su obra se vieron siempre rodeadas de polémica.

Compositor y pedagogo -sus alumnos Alban Berg y Anton von Webern ocupan un lugar de
privilegio en la historia de la música- , fue una figura capital en la evolución de la música durante el
siglo XX, aunque chocó con la incomprensión del público y la crítica de su época, poco dispuestos a
aceptar la ruptura con el sistema tonal que su obra representaba.

Sin embargo, es importante señalar que Schönberg nunca se consideró a sí mismo como un
revolucionario, sino más bien como un eslabón más en una tradición musical que se remonta
hasta Bach. En este sentido el dodecafonismo, más que el fin de la tonalidad, suponía el intento de
sistematización de un nuevo método que permitiera superar sus contradicciones.

Arnold Schönberg

Hijo de una familia de origen judío, Schönberg se inició en la música de forma autodidacta. Las
únicas lecciones que recibió en su vida se las dio el compositor Alexander von Zemlinsky, quien en
1901 se convirtió en su cuñado. Su impecable técnica fue fruto de una innegable capacidad innata
y del estudio constante de la obra de los grandes maestros de la tradición germánica, desde Bach
hasta Mahler, músico éste con el que mantuvo un estrecho contacto, no exento, por cierto, de
tensiones.

De 1899 data su primera obra maestra, el sexteto de cuerda Noche transfigurada, acabada
expresión de la estética posromántica de moda entonces. Pronto, sin embargo, su propia
evolución le condujo a la conclusión de que el tradicional sistema armónico tonal se sustentaba
sobre una falacia: desde el Tristán e Isolda de Wagner, los principios que definían el concepto de
tonalidad se hallaban en crisis, ya que la generalidad de compositores empleaba una armonía en la
que la disonancia, la excepción a la regla, no encontraba una resolución inmediata.

Schönberg se propuso entonces buscar un sistema en el que la disonancia quedara emancipada,

de modo que todas las notas tuvieran idéntico valor, sin estar sometidas a un centro tonal. La
Sinfonía de cámara núm. 1 y el Cuarteto de cuerda núm. 2 inician el camino hacia lo que se ha
dado en llamar la etapa expresionista, o atonal, del maestro. Los monodramas Erwartung y La
mano feliz, las Cinco piezas para orquesta y el ciclo de veintiún «melodramas» Pierrot lunaire son
las obras más representativas de este período, durante el cual el compositor llevó a cabo también,
junto a la musical, una importante labor pictórica, su otra gran afición.
(Igor Stravinski o Stravinsky; Oranienbaum, Rusia, 1882 - Nueva York, 1971) Compositor ruso
nacionalizado francés y, posteriormente, estadounidense. Una de las fechas clave que señalan el
nacimiento de la llamada música contemporánea es el 29 de mayo de 1913, día en que se estrenó
el ballet de Stravinsky La consagración de la primavera. Su armonía politonal, sus ritmos abruptos
y dislocados y su agresiva orquestación provocaron en el público uno de los mayores escándalos
de la historia del arte de los sonidos.

Igor Stravinsky

Autor de otros dos ballets que habían causado sensación, El pájaro de fuego (la obra que lo dio a
conocer internacionalmente en 1910) y Petrushka, el citado día de 1913 Stravinsky se confirmó
como el jefe de filas de la nueva escuela musical. Sin embargo, él nunca se consideró un
revolucionario; de manera similar a Picasso en el campo de las artes plásticas, el compositor se
caracterizó siempre por transitar de un estilo a otro con absoluta facilidad, sin perder por ello su
propia personalidad. El ruso, el neoclásico y el dodecafónico son, a grandes rasgos, los tres
períodos en los que puede dividirse la carrera compositiva de este maestro, uno de los referentes
incuestionables de la música del siglo XX.

Alumno de Nikolai Rimski-Korsakov en San Petersburgo, la oportunidad de darse a conocer se la

brindó el empresario Sergei Diaghilev, quien le encargó una partitura para ser estrenada por su
compañía, los Ballets Rusos, en su temporada parisiense. El resultado fue El pájaro de fuego, obra
en la que se advierte una profunda influencia de su maestro en su concepción general, pese a lo
cual apunta ya algunos de los rasgos que definirán el estilo posterior de Stravinsky, como su agudo
sentido del ritmo y el color instrumental.

Su rápida evolución culminó en la citada Consagración de la primavera y en otra partitura

destinada al ballet, Las bodas, instrumentada para la original combinación de cuatro pianos y
percusión, con participación vocal. En estas obras el músico llevó al límite la herencia de la escuela
nacionalista rusa hasta prácticamente agotarla.
Nació el 26 de septiembre de 1898 en Brooklyn, Nueva York (Estados Unidos).

Cursó estudios junto a compositores como Rubin Goldmark, Henry Cowell, Wallingford Riegger y
teórico ruso Joseph Schillinger. George Gershwin, con mínimos estudios formales, quiso
profundizar en la composición, ya que sus conocimientos eran más bien intuitivos.

Fue rechazado como alumno por Igor Stravinsky y Nadia Boulanger. Cuando intentó ser discípulo
del compositor francés Maurice Ravel, le preguntó: "¿Cuánto dinero ganó usted el año pasado?".
"US$ 200.000", respondió el joven Gershwin. "Entonces yo debería tomar clases con usted",
respondió el maestro galo, rechazando su solicitud.

Con dieciséis años, fue pianista y promotor para una empresa de publicaciones musicales, pero el
éxito de su canción "Swanee" (1918) le llevó a formar parte de la Tin Pan Alley (área de Nueva York
donde se encontraban los editores de música más importantes).

Casi todas las letras de sus canciones fueron escritas por su hermano Ira Gershwin, que colaboró
con él en varias revistas y musicales como George's White's Scandals (1920-1924), Lady Be Good
(1924), Funny Face (1927), y la sátira política Of Thee I Sing (Acerca de ti canto, 1931), que fue la
primera comedia musical que obtuvo un Premio Pulitzer.

Sus canciones poseen invenciones armónicas no convencionales, y fue uno de los primeros que
empleó ritmos y melodías del jazz en sus composiciones. Entre ellas destacan 'The Man I Love', 'I
Got Rhythm' y 'Someone to Watch Over Me'. Cuando contaba 25 años, compuso para Paul
Whiteman su Rhapsody in Blue (1924), para piano y banda de jazz, que orquestó más tarde el
compositor Ferde Grofé. Esta obra sirvió de influencia en compositores europeos y
estadounidenses que comenzaron a utilizar en sus obras melodías y patrones rítmicos del jazz.

Otras partituras de concierto de Gershwin son el Concierto en fa para piano y orquesta (1925), el
poema tonal An American in Paris (Un americano en París, 1928), Second Rhapsody (Segunda
rapsodia, 1931),