Arnold Schönberg

(Arnold Schoenberg o Schönberg; Viena, 1874 - Los Ángeles, 1951) Compositor y pintor austríaco, nacionalizado
estadounidense.
Vida
A los ocho años comenzó sus estudios de violín,prosiguió su formación musical de manera autodidacta hasta que,
ya de adulto, recibió clases de contrapunto del compositor Alexander von Zemlinsky, con cuya hermana se
casaría en 1901.
Entre 1901 y 1903 fue director de orquesta del Buntes Theater, cabaret literario de Berlín, además obtuvo un
puesto como profesor de composición en el Conservatorio Stern alemania.
En 1903 regresó a su Viena natal, donde fue profesor en la Reformschule del Dr. Eugenie Schwarzwald y dio clases
privadas a Alban Berg y Webern, cuyos nombres quedarían asociados al de Schoenberg al aludir a la Segunda
Escuela de Viena. En esa época Schoenberg conoció a Mahler, entonces director de la Ópera de la Corte de Viena,
quien se convirtió en su sostén.
Fue también durante ese período cuando Schoenberg realizó su obra pictórica y entabló amistad con Kandinsky.
En 1911 finalizó su tratado de armonía (Harmonielehre) y se estableció de nuevo en Berlín, donde encontró apoyo
de Busoni, Fried y algunos críticos. En esta época dio de nuevo clases en el Conservatorio Stern y estrenó Pierrot
Lunaire (1912), obra que se presentó en una gira por Alemania y Austria bajo la dirección del propio Schoenberg.
Sus triunfos internacionales se produjeron con Cinco piezas para orquesta (Londres, 1912) y Gurrelieder (Viena,
1913).
Fue llamado para servir al ejército austríaco durante la primera guerra mundial y a su regreso a Viena, en 1917,
abrió un seminario de composición en el centro Schwarzwald y en su casa de Mödling. A su círculo de discípulos
se sumaron Hans Eisler, Kolisch y Ratz. En 1918 creó una sociedad de conciertos llamada Verein für musikalische
Privataufführungen, cuya finalidad era estrenar, en un marco favorable, la nueva música creada por él y sus
alumnos. Pocos años más tarde, en 1923, falleció su mujer Mathilde, con la que había tenido dos hijos.
Entre 1921 y 1924 escribió las primeras obras con la nueva técnica de composición de los doce sonidos. En 1924
volvió a casarse, esta vez con Gertrud Kolisch, hermana de un violinista austriaco, y al año siguiente retornó a
Berlín como profesor de la clase superior de composición de la Preussische Akademie der Künste (Academia
Prusiana de las Artes). En esta época Schoenberg ya era famoso en los círculos musicales vieneses y berlineses.
En 1932 nació la primera hija de su segundo matrimonio y ese mismo año terminó de escribir el segundo acto de
su ópera Moses und Aron. En 1933 el gobierno nacional-socialista le dio la espalda debido a sus orígenes judíos y
tuvo que marchar a París. Allí se volvió a convertir al judaismo, credo que había abandonado en favor del
luteranismo. Ese mismo año viajó a Barcelona, ciudad en la que permaneció durante unos meses hasta que
decidió trasladarse a los Estados Unidos de América. Obtuvo un puesto de profesor en Boston y más tarde en el
Conservatorio Malkin de Nueva York. En 1934 se instaló en Los Ángeles, donde nacerían sus dos últimos hijos. Fue
contratado por la Universidad de California del Sur y más tarde, en 1936, comenzó a impartir clases en la
Universidad de California (UCLA). En 1940 adquirió la nacionalidad estadounidense. Durante los diecisiete años
que pasó en Norteamérica escribió obras teóricas y numerosas composiciones, la mayoría con la técnica
dodecafónica, aunque en algunas de ellas, lo hacía en el sistema tonal. Tras un ataque al corazón ocurrido en
1945, Schoenberg decidió abandonar las clases y se centró en la composición hasta su fallecimiento en 1951.

Obras

Libros
Tratado de armonía 1911
Modelo para estudiantes de contrapunto 1942
Funciones estructurales de la armonía 1954
Ejercicios preliminares de contrapunto 1963
Óperas

Erwartung (Expectación) op. 17 (1909)

Die glückliche Hand (La mano bendecida) op. 18 (1910-1913)
Von Heute auf Morgen (De hoy a mañana) op. 32 (1928-1929)
Moses und Aron (Moisés y Aarón) (1926-1932)

Música vocal

Zwei Gesänge (Dos Cantos) op. 1 (1898)

Vier Lieder (Cuatro canciones) op. 2 (1899)
Brettl-Lieder (Canciones Brettl) (1901)
Sechs Lieder (Seis canciones) op. 3 (1899-1903)
Deinem Blick mich zu bequemen (1903)
Acht Lieder (Ocho Canciones) op. 6 (1903-1905)
Sechs Orchesterlieder (Ocho canciones con orquesta) op. 8 (1903-1905)
Drei kanonische Chöre (Tres coros canónicos)(1905)
Friede auf Erden (Paz en la Tierra) op. 13 (1907)
Zwei Lieder op. 14 (1907-1908)
Das Buch der Hängenden Gärten (El libro de los jardines colgantes) (1908-1909)
Gurre Lieder (1900-1911)
Pierrot Lunaire op. 21 (1912)
Herzgewächse, op. 20 (1911)

Música orquestal

Sinfonía de cámara nº 1 Op. 9 (1906)

Cinco piezas para orquesta (1909)
Variaciones para orquesta op. 31 (1926-1928)
Concierto para violín (1936)
Concierto para piano (1942)

Música de cámara

La noche transfigurada (1899)

Música de piano

Tres piezas para piano, Op. 11 (1909)

Seis pequeñas piezas para piano, op 19 (1911)
Cinco piezas para piano, op. 23 (1921-1923)
Suite, Op. 25 (1921-1923)
Piezas para piano, op. 33a y 33b (1931)
(https://www.buscabiografias.com/biografia/verDetalle/3771/Arnold%20Schoenberg%20-
%20Arnold%20Schonberg)
First period: Late Romanticism[edit]
Beginning with songs and string quartets written around the turn of the century, Schoenberg's concerns as a
composer positioned him uniquely among his peers, in that his procedures exhibited characteristics of both
Brahms and Wagner, who for most contemporary listeners, were considered polar opposites, representing
mutually exclusive directions in the legacy of German music. Schoenberg's Six Songs, Op. 3 (1899–1903), for
example, exhibit a conservative clarity of tonal organization typical of Brahms and Mahler, reflecting an interest in
balanced phrases and an undisturbed hierarchy of key relationships. However, the songs also explore unusually
bold incidental chromaticism, and seem to aspire to a Wagnerian "representational" approach to motivic identity.
The synthesis of these approaches reaches an apex in his Verklärte Nacht, Op. 4 (1899), a programmatic work for
string sextet that develops several distinctive "leitmotif"-like themes, each one eclipsing and subordinating the
last. The only motivic elements that persist throughout the work are those that are perpetually dissolved, varied,
and re-combined, in a technique, identified primarily in Brahms's music, that Schoenberg called "developing
variation". Schoenberg's procedures in the work are organized in two ways simultaneously; at once suggesting a
Wagnerian narrative of motivic ideas, as well as a Brahmsian approach to motivic development and tonal
cohesion.
Second period: Free atonality[edit]
Las interpretaciones de sus obras no encontraron apoyo en la crítica al alejarse del sistema tonal imperante. De
ahí que los estrenos en Viena de su Primera Sinfonía de cámara (1907) y Segundo Cuarteto de cuerda (1908)
dieran lugar a manifestaciones de protesta.

Schoenberg's music from 1908 onward experiments in a variety of ways with the absence of traditional keys or
tonal centers. His first explicitly atonal piece was the second string quartet, Op. 10, with soprano. The last
movement of this piece has no key signature, marking Schoenberg's formal divorce from diatonic harmonies.
Other important works of the era include his song cycle Das Buch der Hängenden Gärten, Op. 15 (1908–1909), his
Five Orchestral Pieces, Op. 16 (1909), the influential Pierrot Lunaire, Op. 21 (1912), as well as his dramatic
Erwartung, Op. 17 (1909). The urgency of musical constructions lacking in tonal centers, or traditional dissonance-
consonance relationships, however, can be traced as far back as his Chamber Symphony No. 1, Op. 9 (1906), a
work remarkable for its tonal development of whole-tone and quartal harmony, and its initiation of dynamic and
unusual ensemble relationships, involving dramatic interruption and unpredictable instrumental allegiances;
many of these features would typify the timbre-oriented chamber music aesthetic of the coming century.
Third period: Twelve-tone and tonal works[edit]
In the early 1920s, he worked at evolving a means of order that would make his musical texture simpler and
clearer. This resulted in the "method of composing with twelve tones which are related only with one another"
(Schoenberg 1984, 218), in which the twelve pitches of the octave (unrealized compositionally) are regarded as
equal, and no one note or tonality is given the emphasis it occupied in classical harmony. He regarded it as the
equivalent in music of Albert Einstein's discoveries in physics. Schoenberg announced it characteristically, during a
walk with his friend Josef Rufer, when he said, "I have made a discovery which will ensure the supremacy of
German music for the next hundred years" (Stuckenschmidt 1977, 277). This period included the Variations for
Orchestra, Op. 31 (1928); Piano Pieces, Opp. 33a & b (1931), and the Piano Concerto, Op. 42 (1942). Contrary to
his reputation for strictness, Schoenberg's use of the technique varied widely according to the demands of each
individual composition. Thus the structure of his unfinished opera Moses und Aron is unlike that of his Fantasy for
Violin and Piano, Op. 47 (1949).
Ten features of Schoenberg's mature twelve-tone practice are characteristic, interdependent, and interactive
(Haimo 1990, 41):
(https://en.wikipedia.org/wiki/Arnold_Schoenberg)
dodecafonismo
The time
The era is marked by a harsh social relationship
On the one hand the industry advances and the machine is confronted with the man
Capitalism has opened a gap between poor people and rich people
The poor have to work for a poor salary, children are exploited
This generates new consciousness that shakes from the art, same that in Europe has
taken a constant evolution from the aim of the average age, looking for new ways of
reaction before the society, new postutas that look for or not a place in the world
and in the cosmos for man
The line that everyone follows up to this point is the impressionism of the end of
the previous century, where the emotions not of the collectivity such as romanticism
but of man are the important ones, their essence and eternal feeling before a world
every time more crazy, later appears the Expressionism exploiting all its power
between the first and second world war, exposing a unique mixture, tedy desason anger
and art, humble and simple man becomes the protagonist of artistic echos and his way
of feeling the pain of social oppression and as it manifests it is a piece and
architect of the new changes, the conceptions that are looked for likewise to
generate philosophy in the daily doing, in Europe that is very marked, by its
tradition, its competition between the cultures of its territories and the
inheritance Hellenic that everybody looks for a because to decorate it with the
answers of some art.

On the other hand within the same scheme the social revolutions were being woven that
tried to equal all men to the condition of mortals and not to the conditions that the
social classes pushed them.
Freedom, equality and fraternity, were also applied to all branches of art, in all
its vertienetes in different ways, either by creating new beauties, or simply
opposing it, finding in the cosmos and its mathematics the true essence of the beauty
that can not be just cadente, or armonico, or consonant,
This time is plagued by the emancipation of enharmony, and the

At that time arnold comes to establish the

Dodecafonismo

Technique of atonal composition that is part of the natural evolution that music has
suffered since man was able to synthesize and document it

Dodecafonismo is the social music of expressionist aesthetics. It is characterized by

rejecting all the laws that govern the harmony and classic or romantic tonality and
consists essentially of the consideration of the twelve notes of the chromatic scale,
which have the same value and function

In this context, Dodecafonismo rejects the rules of tonality ordered by the hierarchy
and completely abandons the traditional concept of music, and therefore the
understanding of art, until now organized and divinized by the court and the
theoreticians.
The cultivation of this new music was due to the eagerness of the composers to look
for new languages, new ways of expressing themselves.

One of the innovators was Schönberg, who, like any artist who defies tradition and
the prevailing orders, faced a world of criticism and opposition, one could say of
people who did not understand what he tried to expose and share, a new way of making
music, a new support, the schoenberg himself would write tonal music until the end of
his days, he was never as rude with his technique as the world wanted him to see, he
was very free with it, mixing it in multiple ways, and reaching expressions in his
work hitherto stigmatized, use of parallels, disappearance of the tonal center,
correct use of harmonics, regardless of dissonances, tritonal functions and harmonies
and free totalemtente philosophical concepts, according to the thought of a complete
humanist.

CHARACTERISTICS

The composition dispenses with tonality.

It is structured using twelve notes arranged in different ways.

It does not establish hierarchies in the notes. No note possesses tonal or harmonic
superiority over another.

The style follows rigid rules and instructions.

Avoid rhythmic patterns in consecutive measures.

The rhythms in the atonal melodies are asymmetric and not repetitive. The phrases
consist of complex rhythmic nonsense.

The tension and relaxation in the atonal melody depend to a large extent on the
indications of dynamics. The phrasing must be carefully worked.

RULES OF THE DOUBLECAN COMPOSITION

There are two fundamental rules in twelve-tone composition:

1- The original series must be followed accurately, and can not be repeated until
each note has been played.

2 - Any combination or the sequence of notes that imply tonality must be avoided: perfect intervals, triads,
COMPOSITORES DESTACADOS

Antón von Webern

Alban Berg

MÚSICA DODECAFÓNICA EN AMÉRICA LATINA

El Dodecafonismo fue introducido en América Latina por el compositor argentino Juan Carlos Paz, en 1934.

Transcripción de EXPRESIONISMO MUSICAL

Expresionismo musical
La música expresionista alcanzó su apogeo en el periodo de entreguerras, buscó la expresión de las ansiedades,
terrores ocultas y el cinismo.
Principales representantes
Arnold Schönberg

Alban Berg
Contexto social e histórico
EXPRESIONISMO
El expresionismo como concepto de arte surge en Alemania en el siglo XX a manera de respuesta al
impresionismo ( movimiento positivista).

El Expresionismo es una corriente artística que busca la expresión de los sentimientos y las emociones del autor
más que la representación de la realidad objetiva.
El expresionismo tiene como centro principal de atención al ser humano y sus sentimientos (tristeza, negativismo
, etc).

El expresionismo no sigue una regla general, y si para el autor es conveniente puede romperlas en busca de
mostrar independencia en su expresión musical.

Bibliografía
Música medieval
http://www.arteguias.com/musicamedieval.htm
https://es.wikipedia.org/wiki/M%C3%BAsica_de_la_Edad_Media