Historia de la música: Silo XX
LA MÚSICA EN EL SIGLO XX
1. La música en el siglo XX.
2. La música hasta la Segunda Guerra Mundial.
2.1. La Escuela de Viena o Dodecafónica.
2.2. Erik Satie y el Grupo de los Seis.
2.3. El neoclasicismo.
2.4. El sinfonismo soviético.
2.5. Otras tendencias europeas.
3. La música después de la Segunda Guerra Mundial.
3.1. Principales corrientes de vanguardia
4. Música española en el siglo XX
5. La danza en el siglo XX.
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Historia de la música: Silo XX
1. LA MÚSICA EN EL SIGLO XX
A partir de los últimos años del siglo XIX las corrientes artísticas no
sólo avanzan a una velocidad vertiginosa, sino que además se superponen y
muchas veces se contradicen. Un mismo artista participa de varias
tendencias, dificultando la tarea de catalogar las obras y los compositores.
Esto no es más que el reflejo de la inestabilidad estética del hombre
del siglo XX, que busca nuevos lenguajes para comunicarse en un momento
en el que, paradójicamente, los medios de comunicación llegaron a límites
insospechados y se tiene acceso a escuchar música con facilidad; en el que
los compositores y su obra se muestran más lejos que nunca del gran
público; la revolución musical de nuestro siglo parece destinada a los propios
músicos o a un pequeño grupo de oyentes, mientras la música anterior sigue
viva en las salas de concierto e incluso en los anuncios comerciales.
La música es ya plenamente internacional y también lo son los
intérpretes, los cuales, al igual que los compositores, se ganan la vida con
giras, grabaciones, etc., siendo ahora sus mecenas las fundaciones, las
firmas comerciales, las casas discográficas, las becas estatales, etc.
El espectáculo operístico, favorito durante el siglo XIX, es sustituido
por los ballets, especialmente los rusos, y más adelante por el cine, en el que
la música tiene un gran protagonismo.
Por otro lado, desde la segunda mitad de siglo, el fenómeno de la
música popular moderna, con sus múltiples variantes, se convirtieron en el
lenguaje por excelencia de la juventud, un lenguaje radicalmente distinto al
de la música culta.
2. La música hasta la Segunda Guerra Mundial
Por el 1900 surge una nueva música, que realizó grandes avances, con
un poder que fue motivo de muchas discusiones. Obras que provocaron en
sus estrenos convulsiones generales, años después eran aplaudidas, y sus
autores considerados como los genios del momento. El mundo estaba
cambiando y la música tenía que ir a su lado. Después de la Primera Guerra
Mundial, París se convirtió en el centro de las artes, alrededor de I.
Stravinsky y los Ballets Rusos de Diaghilev, que triunfaban en ese momento
y estrenaron obras de casi todos los compositores importantes.
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Por otro lado, la desilusión general que se produjo a raíz de la Guerra,
llevó a los artistas a combinar la música con el humor y la sátira, para
expresar la amargura de su tiempo. El jazz, tras el éxito de la primera
orquesta que actuó en Europa, fue una fuente de inspiración para muchos
músicos, que se interesaron por su sonido novedoso e introdujeron
elementos de su lenguaje en las composiciones.
También en Viena y Berlín se desarrollaron sorprendentes actividades
en relación con la nueva música, que finalizó con el sistema dodecafónico de
Schönberg. Ante todo, el movimiento artístico moderno, se presentó como
una violenta reacción contra todo lo que el siglo anterior significara;
“Librarse del Romanticismo” fue la cuestión definitiva. Los cambios más
importantes son:
Desaparece el concepto tradicional de la melodía, que se
independiza de su fondo armónico. Ya no se tiende hacia una nota
central, ni las frases son simétricas, ni es la parte más importante
de la composición. Se buscan modelos melódicos que necesitan
imitar los antiguos modos gregorianos y en las escalas orientales.
Los acordes se enriquecen añadiendo hasta seis y sete notas en
cada uno, lo que genera diversos planos de armonía. La tonalidad se
aleja del sistema mayor-menor, inspirándose en exóticas escalas
de China, India y países del Oriente. A veces, se usan al tiempo
dos tonalidades, creando una sensación y riqueza armónica.
El ritmo se adapta a la moderna vida de la ciudad. Los
compositores buscan inspiración en las síncopas del jazz, en los
ritmos de las canciones populares y en la música primitiva
africana, que utiliza varios ritmos distintos al mismo tiempo.
Aparece así un nuevo ritmo tenso y animado que convulsiona al
oyente.
Prefieren la pequeña orquesta de cámara, en la que cada
instrumento destaca con claridad sobre la masa sonora, como se
fuese un solista. La sección de cuerda pierde su papel de alma de
la orquesta y los instrumentos de viento, sobre todo los graves,
pasan a primer plano. El cambio de ritmo provoca la importancia de
los instrumentos de percusión, tratados como solistas.
La forma musical sirve para darle unidad y equilibrio a la obra.
2.1. La segunda Escuela de Viena o Dodecafónica
Esta escuela surge alrededor del compositor A. Schönberg y de su
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sistema de composición. Quizás, de los idiomas de la música del siglo XX, el
de la escuela dodecafónica es el que tiene mayor problema de comprensión,
por el que los mismos músicos decían que no se dirigían al gran público.
Schönberg buscó una salida al bloqueo en el que parecía estar la
música, y consideró que la salida era cambiar la tonalidad por la atonalidad,
para lograr un tipo de música que careciese de centro tonal. El
dodecafonismo fue el sistema de composición al que llegó, y consiste en
componer partiendo de la utilización de los doce sonidos de la escala
cromática, sin que ninguno de ellos tenga un tratamiento favorable,
alejándose del sentido de la tonalidad. La música surge de las combinaciones
de una serie de notas fijadas con anterioridad que se colocan en un orden
diferente y que se pueden tocar de atrás hacia delante o realizando otras
transformaciones.
Los otros dos componentes de la escuela de Viena y discípulos de
Schönberg fueron A. Berg y A. Webern, que llevaron el sistema
dodecafónico a las últimas consecuencias. Esta técnica compositiva fue
utilizada por casi todos los compositores posteriores.
2.2. Erik Satie y el Grupo de los Seis
El Grupo de los Seis se formó después de la Guerra, alrededor de la
figura del compositor E. Satie. Buscaban una música francesa que escapara
del impresionismo y del romanticismo, basada en la sencillez, libre de
pretensiones, directa e inspirada en el music-hall, el jazz y el circo. Sus
componentes fueron: D. Milhaud, L. Durey, G. Auric, A. Honegger, F. Poulenc
y G. Tailleferre.
2.3. El neoclasicismo
Como tendencia es enormemente heterogénea, desde los que son
verdaderamente neoclásicos hasta otros que podríamos llamar neobarrocos.
Sin embargo se encuentra presente el propio estilo del siglo XX. Los
principios de esta corriente son: establecer una jerarquía musical donde
priman los elementos constitutivos y estructurales de la música sobre el
meramente emocional; defensa de lo formal frente a la expresividad; existe
la tendencia a pensar para instrumentos y no para las voces, lo que permite
el uso de intervalos más amplios y poco habituales.
Igor Stravinsky es el representante de esta corriente. Su evolución
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se extiende a lo largo del siglo. Su influencia en otros autores es muy
notable. La primera época se abre con un estilo heredado de los
nacionalistas. La segunda, es neoclásica, y en su tercera etapa desemboca en
la escuela dodecafónica. Existe además influencia de otras corrientes a lo
largo de su vida, como el jazz. Stravinsky es el tratadista de la estética
musical formalista más importante de todo el siglo XX.
Otros autores son el compositor y violista alemán Paul Hindemith, uno
de los principales pedagogos de nuestro tiempo. Compuso un gran número de
obras de cámara, ballets, óperas y una colección de fugas.
Carl Orff fue compositor y pedagogo. Renovó el teatro musical
utilizando armonías modales y ritmos vigorosos, junto a una poderosa
orquestación, musicando textos antiguos como Carmina Burana y Catulli
Carmina.
Benjamin Britten compuso obras tonales y con fuerte relación con la
música de su Inglaterra natal. Su obra más conocida es Guía de orquesta
para jóvenes.
2.4. El sinfonismo soviético
La revolución que tuvo lugar en la Unión Soviética supuso todo un
proceso de transformación artística encaminado a un planteamiento de
masas, con una orientación cultural presentada por el estado. Esta medida
provocó la emigración de los compositores, algunos de los cuales no
retornaron nunca.
En teoría, el sinfonismo soviético se propuso como una nueva estética
musical, pero en la práctica no reveló más que un continuismo.
Sergei Prokofiev fue uno de los que se marchó. Su vuelta se produce
recibiendo el Premio Stalin y la Orden de la Bandera Roja del Trabajo.
Compuso varias obras para el estado. Además de la Sinfonía clásica y el
cuento musical Pedro y el lobo. Es conocida su ópera El amor de las tres
naranjas.
Otros autores sonido Aram Khatchaturan (L a danza del sable) y
Dmitri Kabalevsky.
2.5. Otras tendencias
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En Italia, por influencia del movimiento futurista, apareció un tipo de
música que incorporó el ruido de máquinas de motores, ruedas y silbatos.
Siguiendo la línea de vuelta al romanticismo, O. Resphighi compuso Los pinos
de Roma, en la que incorporó el cuanto de un ruiseñor con la ayuda de una
grabación.
En Inglaterra, A. Ketelbey fue muy conocido por su ingenuo
descriptivismo, como refleja su obra En un mercado persa y G. Holst es
conocido por su suite orquestal Los planetas.
En Iberoamérica destacan el brasileño Hector Villa-Lobos, el
mexicano Carlos Chávez y el argentino Astor Piazzola.
En Estados Unidos se crea una música genuinamente americana, donde
el jazz ocupó un lugar preponderante. Destacan Charles Ives, Edgar Varèse,
Henry Cowell, George Gershwin y Aaron Copland.
3. La música después de la Segunda Guerra Mundial
A partir del año 45, la música y las demás artes conocerán una serie
de tendencias, fruto del afán investigador de los compositores, ansiosos por
introducir elementos alternativos al lenguaje artístico convencional, así
como por hacer algo nuevo desde el punto de vista técnico; el desarrollo de
los medios de comunicación, debido a los avances tecnológicos, posibilitará
no sólo la producción de nuevas fuentes sonoras 1, sino también la rápida
difusión de cualquier innovación.
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Incorporación de cualquier tipo de ruído como material musical, creación de los
instrumentos electrónicos, aplicación de amplificadores e instrumentos ya existentes, etc.
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3.1. Principales corrientes vanguardistas
La música concreta de los
franceses P. Schaeffer y P. Henry quien,
partiendo de la influencia del futurismo
italiano, utilizarán cualquier sonido o ruido
sacados de la realidad y que, después de
ser grabado, se elaboran en un laboratorio.
Este tipo de música no precisa intérprete,
pues de hecho, es el propio compositor
quien deja preparada la cinta magnetofónica tal y como se debe escuchar.
La música electrónica, en la que los sonidos nacen ya en el seno del
laboratorio, siendo allí manipulados hasta dar como resultado una cinta
grabada. Su principal cultivador fue K. Stockhausen, quien pronto se
decantó por la llamada música electroacústica, que es una especie de
síntesis entre la concreta y la electrónica, teniendo las tres en común el
trabajo de laboratorio. La música electroacústica, total o parcialmente, será
uno de los procedimientos más empleados por los músicos del siglo XX, como
L. Berio y B. Maderna, mezclándola a veces con elementos más tradicionales,
como hizo por ejemplo, E. Varese.
El serialismo integral es una
aplicación del concepto de serie,
introducido por el dodecafonismo, a todos
los elementos integrantes del sonido y no
solamente a las alturas de las notas; el
resultado es una música totalmente
organizada y fue seguido por K.
Stockhausen, P. Boulez, L. Nono, L. Berio,
B. Maderna, El. Messiaen, etc. Este último
utilizó ritmos sacados del mundo hindú y
de los cantos de los pájaros a los que
investigó detenidamente; fue también un
renovador de la música para órgano.
En un ángulo opuesto al cientifismo del serialismo integral nacen
una serie de corrientes de música aleatoria en la que no hay ninguno tipo de
normas, sino que la obra queda pendiente del azar, del que quiera hacer el
intérprete en cada audición, que, necesariamente, habrá de ser siempre
distinta; este tipo de música, relacionada con el arte cinético de los móviles
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escultóricos y con el arte irracional en general, fue promovida por el
americano J. Cage, que ejerció una gran influencia sobre los músicos
europeos. Otro autor que se movió en esta línea fue Ch. Ives, postulando la
estética del “anti-arte”. Un tipo concreto de música aleatoria es la música
gráfica, que emplea una serie de signos y símbolos que pueden interpretarse
de una manera muy libre.
En relación con las leyes de la estadística
matemática y utilizando el ordenador para su
composición, surgió la música estocástica, promovida
por el griego I. Xenakis y por el húngaro G. Ligeti.
Muchos compositores adoptan posturas de
carácter personal, difícilmente catalogables en una
tendencia determinada. La lista sería inmensa, pero
cabe destacar a K. Panderecki, autor de una música
contraria al régimen comunista de Polonia, gran parte
de la su producción es de signo religioso, como La pasión según San Lucas.
La música minimalista surge durante la década de los 60 de la mano
de un grupo de nuevos compositores americanos, entre los que destacan:
Young, M. Nyman y P. Glass. Trabajan con medios muy reducidos, limitándose
a los elementos musicales más básicos. Sus composiciones se basan en la
repetición continua de un motivo que se va transformando poco a poco,
sugiriendo un efecto hipnótico.
A partir de los años 70, se produce una reacción contra la excesiva
complejidad de las vanguardias y un deseo de recuperar la comunicación con
el público perdida durante los años anteriores. La tendencia general fue la
búsqueda, por parte de cada compositor, de un lenguaje propio y personal,
basada en lo conseguido en las décadas anteriores, sin excluir la
recuperación de la tonalidad como un recurso más a disposición del
compositor.
4. MÚSICA ESPAÑOLA EN EL SIGLO XX
A principios de este siglo, la música en España se reducía al operismo
italiano, la zarzuela del siglo XIX y el sinfonismo de influencia wagneriana.
Los compositores que quería aprender y formarse tienen que marcharse a
París: Albéniz, Granados, Turina, Falla… Surge así un interés más por lo
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sinfónico e instrumental y por los movimientos que se están produciendo
fuera de nuestras fronteras.
Podemos distinguir tres generaciones de músicos durante este siglo:
1ª Generación: del segundo nacionalismo:
Coincide con el grupo literario de la Generación del 98. Los música
más importantes de esta generación son: Manuel de Falla y Joaquín Turina.
Generación del 27 o de la República:
Este grupo de compositores coincide con la de escritores que
alcanzan su consagración entre 1927 y la Guerra Civil. Las características
comunes de estos autores son:
- Todos comienzan en el nacionalismo progresista de Falla.
- Influidos por la corriente impresionista y luego por la neoclásica,
aunque el carácter nacional siempre estará presente, inspirándose en los
clásicos españoles.
- Introducen en España las vanguardias europeas.
Se puede distinguir dos grupos:
- Grupo de Madrid, donde destacan los hermanos Rodolfo y Ernesto
Halffter, este último, discípulo de Falla, concluyó la Atlántida que su
maestro dejó sin terminar; Salvador Bacarisse y Julián Bautista.
- Grupo de Barcelona, donde destaca Roberto Gerhard.
Al margen de estos grupos hay que citar a Joaquín Rodrigo. Su música
sigue la línea nacionalista con influencias del folclore levantino y castellano.
Su obra más famosa es el Concierto de Aranjuez para guitarra y orquesta.
Autores puente entre esta generación y la siguiente son Javier
Montsalvatge y Joaquín Homs, discípulo de Gerhart, único español
practicante del dodecafonismo.
Generación del 51:
Comprende a los músicos nacidos entre 1925 y 1935. El término fue
acuñado por uno de sus miembros, Cristóbal Halfter, por ser el año en el que
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algunos de sus miembros acabaron sus estudios en el conservatorio y
comenzaron su carrera.
El final de la Guerra Civil marca un corte brusco en la música. Los
músicos de esta generación intentarán salir del aislamiento y componer las
etapas del arte europeo que España había ignorado.
Como compositores más destacados de esta generación podemos citar
a Juan Hidalgo (música aleatoria), Cristóbal Halfter, Luis de Pablo (música
electrónica), Carmelo Bernaola, Barce, Mestres-Quadreny. La siguiente
generación incluye a compositores como Marco, Villa Rojo, Guinovart, y por
último, otros nuevos como F. Guerrero, Berenguer o F. Palacios.
Entre los compositores gallegos de vanguardia destacamos a X. Viaño,
J. Arias Bal, M. Balboa, E. Macías, P. Pereiro, A. L. Pulido, R. Groba, Manel
Rodeiro, Juan Durán y Juan Vara.
Paralelamente a estos compositores se desarrolla la obra de otros
músicos que tratan de potenciar un arte personal y nuevo exprimiendo los
recursos de la tonalidad como García Abril.
5. LA DANZA EN EL SIGLO XX
Se conoce con el nombre de danza moderna el conjunto de estilos de
danza que se desarrollan desde los comienzos del siglo XX, mucho más libres
que los practicados anteriormente.
Una influencia determinante para la danza de esta época fue la
presentación en París de la compañía de los Ballets Rusos de Diaghilev, que
con sus asombrosos montajes marcó el inicio de la danza moderna. La
bailarina Isadora Duncan fue otra de las fundadoras del nuevo espíritu de la
danza.
Desde entonces, la danza moderna
tiende a subrayar el contacto con el
suelo en lugar de intentar escapar a la
fuerza de la gravedad, signo del ballet
clásico, y a subrayar el esfuerzo del
bailarín. La danza moderna intentó
también expresarse de un modo
abstracto, al margen del argumento y
aceptó la improvisación como recurso.
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La pareja más famosa en el ballet de las
últimas décadas fue la formada por el ruso Rudolf
Nureyev y la británica Margot Fonteyn.
Entre los bailarines españoles más
importantes de la actualidad se cuentan
Víctor Ullate, Nacho Duato, Arancha
Argüelles, Sara Baras, Cristina Hoyos,
Antonio Canales y Joaquín Cortés.
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