El auge del teatro musical

Hablamos de la vida intelectual del Renacimiento como Humanismo -el estudio del
hombre- y el primer escritor que usó el término Renacimiento, el historiador francés
Jules Michelet, se refirió al despertar o "renacimiento" de la cultura antigua tanto como
el descubrimiento du monde y la découverte de l'homme --el descubrimiento del mundo
y el descubrimiento del hombre. Es indicativo de la época que varios documentos de
esta colección, conservados desde finales del siglo XVI, llevan firmas personales. En la
historia documental la firma se enfoca, como el retrato se enfoca en la historia pictórica.
Durante siglos, la música occidental había evolucionado principalmente en el servicio
sagrado, pero una nueva era del arte comenzó a orientarse no tanto por la relación del
hombre con Dios como por su relación con el hombre. Su primera expresión ya no fue la
liturgia sino el drama humano.

Es bien sabido que una docta academia se reunía en uno de los palacios florentinos
para discusiones dedicadas a un renacimiento del arte dramático de la antigüedad y que
estas discusiones condujeron al inicio del drama musical. El nombre Camerata, por el
que se recuerda al grupo, señalaba el hecho de que los desarrollos musicales decisivos
habían pasado de la iglesia a la cámara, la cámara principesca. Sin embargo, los
eruditos y artistas de la Camerata no fueron de ninguna manera los creadores de la
música dramática, ni la influencia de la práctica de la música sacra declinó debido a la
evolución de la música dramática. Los dos grandes venecianos de la época, Gioseffo
Zarlino y Giovanni Gabrieli, que en esta colección están representados por firmas
autógrafas, eran músicos de iglesia; ambos sirvieron en St. Mark's. Pero la obra de
Gabrieli, cuya fama superó a la de todos los demás músicos de su época, anuncia una
nueva era, un nuevo estilo de música totalmente dramático.

A diferencia de la música de Palestrina, escrita para la Capilla Papal y sustentada por

ideas de retrospección, la música de Gabrieli era de una naturaleza progresista, de
hecho, revolucionaria. Favorecía los contrastes dramáticos del estilo "concertado", en el
que varios coros competían entre sí en el despliegue de un esplendor resonante, y en el
que un "coro" de instrumentos comenzaba a asumir un papel independiente. Es
especialmente interesante que encontremos la firma de Gabrieli emparejada con la de
Heinrich Julius, duque de Brunswick, uno de los mecenas musicales más eminentes de
la nueva era y él mismo bien formado como músico. Los nombres de Antonio Goretti,
Giovanni Battista Buonamente y Luigi Battiferri, sin embargo, nos llevan a una
generación de músicos de iglesia ya completamente versados en el estilo dramático
secular, el más grande de los cuales fue Claudio Monteverdi.

Aquí nos encontramos con una de esas figuras imponentes cuyo trabajo dio forma a
una época en la historia de la música. Nacido en 1567 en Cremona, la ciudad de los
famosos fabricantes de violines, Monteverdi fue entrenado en el antiguo arte del
contrapunto por Marco Antonio Ingegneri, el eminente maestro de la Capilla de la
Catedral, pero fue como violinista que en su juventud fue designado para el corte ducal
de Mantua. Pronto también ganaría el título más respetado de cantor y, con el tiempo,
se hizo cargo de la dirección de toda la música instrumental y vocal de la corte. Con el
cambio de siglo se había convertido en el principal exponente de lo que en las obras de
uno de sus contemporáneos, el laudista y cantante florentino Giulio Caccini, se
denominaba "nuove musiche" y "nuova maniera di scriverla" ("música nueva". y "la
nueva manera de escribirla"), pero que fue atacado por otro contemporáneo, el teórico
boloñés Giovanni Maria Artusi, como "imperfettioni della moderna musica"
("imperfecciones de la música moderna"). Monteverdi respondió a la última acusación
con una famosa declaración en la que audazmente afirmó que las supuestas
imperfecciones eran en realidad perfecciones; que de lo que se trataba era de un estilo
novedoso con legitimidad propia; y que representaba una "Segunda Práctica", postulada
por los requisitos de la música dramática, a la que ya no se aplicaban los principios de
la "Primera Práctica", los codificados por Zarlino. Así como el siglo XIV había declarado
un ars nova en la música, el naciente siglo xvn estableció así un nuevo período
estilístico que, de hecho, figura como el comienzo de muchos que le seguirán.
En 1607 Monteverdi recibió una comisión de la corte para escribir una "fábula musical",
característicamente basada en la leyenda de Orfeo, el mítico cantante cuyo arte movió
las fuerzas de la naturaleza y conquistó a los espíritus sobrenaturales. Orfeo se
convirtió en la obra más célebre de Monteverdi. En él se basó en la riqueza de la
expresión musical que había producido el Renacimiento, poniéndola al servicio del
drama. Es indicativo de una nueva era que en Orfeo ya no es solo la voz la que sirve a
los medios dramáticos, sino también el instrumento; un ejemplo es el uso expresivo del
violín, el instrumento del propio Monteverdi, al presentar la canción culminante de Orfeo.
El logro de Monteverdi fue más allá del cumplimiento de los objetivos de la Camerata.
Fue la música misma la que triunfó a través de su trabajo en la rebi