Artes visuales

«Artes Visuales» redirige aquí. Para actividad artística de la industrialización,

véase Diseño.

La Mona Lisa es uno de los cuadros más reconocidos de Occidente.

Wolf Vostell, Fiebre de Automóvil (1973), instalación, Museo Vostell-Malpartida.

Marina Abramović, La artista está presente (2010), Performance, MoMa.

Christo y Jeanne-Claude, Valley Curtain (1971), Instalación (Land Art), Rifle Gap, Montañas
Rocosas, Colorado.

Las artes visuales engloban las artes plásticas tradicionales, así como las

expresiones que incorporan a la nueva tecnología orientada al arte o elementos no
convencionales, y que su mayor componente expresivo es visual, como
la fotografía, videografía, cinematografía, y lo también llamado arte de los nuevos
medios, entre los que se incluyen:

 arte digital
 fanart
 fotografía
 net.art
 videoarte
Así como otras expresiones de aparición en el arte del siglo XX, como:

 arte ambiental
 arte cinético
 arte efímero
 arte postal
 arte público
 arte urbano
 instalación
 intervención
 Land Art
Otras disciplinas artísticas, como las artes escénicas, poseen dimensiones
compartidas con las artes visuales, por lo que estas definiciones no son estrictas y
se consideran, en el campo de las artes visuales, también expresiones como:

 Arte de acción
 Arte interactivo
 Caligrafía
 Fluxus
 Grafiti

Dibujo[editar]
Artículo principal: Dibujo

El dibujo es un medio para hacer una imagen, ilustración o gráfico utilizando

cualquiera de una amplia variedad de herramientas y técnicas disponibles en línea
y fuera de línea. Por lo general, consiste en hacer marcas en una superficie
aplicando la presión de una herramienta, o moviendo una herramienta a través de
una superficie utilizando medios secos como grafito lápices, pluma y
tinta, pinceles para tinta, lápices de
cera, crayónes, carbónes, pasteles y marcadores. También se utilizan
herramientas digitales, como bolígrafos y lápices ópticos, que simulan los efectos
de éstos. Las principales técnicas utilizadas en el dibujo son: el trazado de líneas,
el rayado, el rayado cruzado, el rayado aleatorio, el sombreado, el garabateo,
el punteado y la mezcla. Un artista que destaca en el dibujo se
denomina dibujante o dibujante.1
El dibujo y la pintura se remontan a decenas de miles de años. El arte
del Paleolítico Superior incluye el arte figurativo que comienza entre hace unos
40.000 y 35.000 años. Las pinturas rupestres no figurativas que consisten en
plantillas manuales y formas geométricas simples son aún más antiguas. Las
pinturas rupestres paleolíticas de animales se encuentran en zonas
como Lascaux, Francia y Altamira, España en Europa, Maros, Sulawesi en Asia,
y Gabarnmung, Australia.
En el antiguo Egipto, los dibujos en tinta sobre papiro, a menudo representando
personas, se utilizaban como modelos para la pintura o la escultura. Los dibujos
en vasos griegos, inicialmente geométricos, evolucionaron posteriormente hacia la
forma humana con la cerámica de figuras negras durante el siglo VII a. C.2
Con el papel que se hizo común en Europa en el siglo XV, el dibujo fue adoptado
por maestros como Sandro Botticelli, Rafael, Miguel Ángel y Leonardo da
Vinci que a veces trataban el dibujo como un arte en sí mismo y no como una
etapa preparatoria para la pintura o la escultura. 3

Pintura[editar]

Mosaico de la Batalla de Issus.

Artículo principal: Pintura
Nefertari con Isis.

La pintura tomada literalmente es la práctica de aplicar pigmento suspendido en

un soporte (o medio) y un agente aglutinante (un pegamento) a una superficie
(soporte) como el papel, el lienzo o una pared. Sin embargo, cuando se utiliza en
un sentido artístico significa el uso de esta actividad en combinación con el dibujo,
la composición, u otras consideraciones estéticas con el fin de manifestar la
intención expresiva y conceptual del practicante. La pintura también se utiliza para
expresar motivos e ideas espirituales; los lugares de este tipo de pintura van
desde obras de arte que representan figuras mitológicas en cerámica hasta La
Capilla Sixtina, pasando por el propio cuerpo humano.4
Historia[editar]
Artículo principal: Historia de la pintura
Orígenes e historia temprana[editar]
Al igual que el dibujo, la pintura tiene sus orígenes documentados en las cuevas y
en las paredes de las rocas. Los mejores ejemplos, que algunos creen que tienen
32.000 años de antigüedad, se encuentran en las cuevas
de Chauvet y Lascaux en el sur de Francia. En tonos rojos, marrones, amarillos y
negros, las pinturas de las paredes y los techos representan bisontes, ganado,
caballos y ciervos.
Pintura de Rafael de Cristo cayendo camino del Calvario de 1514-1516 ' (1514-1516)

En las tumbas del antiguo Egipto se pueden encontrar pinturas de figuras

humanas. En el gran templo de Ramsés II, Nefertari, su reina, es representada
siendo conducida por Isis.5 Los griegos contribuyeron a la pintura pero gran parte
de su obra se ha perdido. Una de las mejores representaciones que se conservan
son los retratos de momias de Fayum helenísticos. Otro ejemplo es el mosaico de
la Batalla de Issus en Pompeya, que probablemente se basó en una pintura
griega. El arte griego y romano contribuyó al arte bizantino en el siglo IV a. C., que
inició una tradición en la pintura de iconos.6
El Renacimiento[editar]
Artículo principal: Pintura renacentista de Italia
Aparte de los manuscritos iluminados producidos por los monjes durante la Edad
Media, la siguiente contribución significativa al arte europeo fue la de los pintores
renacentistas italianos. Desde Giotto en el siglo XIII hasta Leonardo da
Vinci y Rafael a principios del siglo XVI, este fue el período más rico del arte
italiano ya que se utilizaron las técnicas del claroscuro para crear la ilusión del
espacio tridimensional.7

Rembrandt: La ronda de noche, 1642

También los pintores del norte de Europa se vieron influidos por la escuela
italiana. El belga Jan van Eyck, el holandés Pieter Bruegel el Viejo y el
alemán Hans Holbein el Joven son algunos de los pintores más exitosos de la
época. Utilizaban la técnica de veladura con óleos para conseguir profundidad y
luminosidad.

Claude Monet: Le Déjeuner sur l'herbe (1866)

Maestros holandeses[editar]
Artículo principal: Pintura del Siglo de oro neerlandés
El siglo XVII fue testigo de la aparición de los grandes maestros holandeses, como
el polifacético Rembrandt, especialmente recordado por sus retratos y escenas
bíblicas, y Vermeer, que se especializó en escenas interiores de la vida
holandesa.
Barroco[editar]
Artículo principal: Barroco

El Barroco comenzó después del Renacimiento, desde finales del siglo XVI hasta

finales del siglo XVII. Entre los principales artistas del Barroco se
encuentran Caravaggio, que hizo un gran uso del tenebrismo. Peter Paul Rubens,
un pintor flamenco que estudió en Italia, trabajó para las iglesias locales
de Amberes y también pintó una serie para María de Médici. Annibale
Carracci tomó influencias de la Capilla Sixtina y creó el género de la pintura
ilusionista de techos. Gran parte del desarrollo que se produjo en el Barroco fue
debido a la Reforma Protestante y la consiguiente Contrarreforma. Gran parte de
lo que define al Barroco es la iluminación dramática y los efectos visuales en
general.8
Impresionismo[editar]
Artículo principal: Impresionismo

El Impresionismo comenzó en Francia en el siglo XIX con una asociación informal

de artistas que incluía a Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir y Paul Cézanne que
aportaron un nuevo estilo de pincelada libre a la pintura, eligiendo a menudo pintar
escenas realistas de la vida moderna en el exterior en lugar de en el estudio. Esto
se consiguió mediante una nueva expresión de los rasgos estéticos demostrados
por las pinceladas y la impresión de realidad. Consiguieron una intensa vibración
del color mediante el uso de colores puros, sin mezclar, y pinceladas cortas. El
movimiento influyó en el arte como una dinámica, moviéndose a través del tiempo
y ajustándose a las nuevas técnicas y a la percepción del arte. La atención al
detalle pasó a ser menos prioritaria en la realización, mientras se exploraba una
visión sesgada de los paisajes y la naturaleza para el ojo de los artistas.910

Paul Gauguin: La visión después del sermón (1888)

Edvard Munch: El grito' (1893)

Post-impresionismo[editar]
Artículo principal: Post-impresionismo

Hacia finales del siglo XIX, varios pintores jóvenes llevaron el impresionismo un

paso más allá, utilizando formas geométricas y colores poco naturales para
representar las emociones, al tiempo que buscaban un simbolismo más profundo.
Destacan Paul Gauguin, muy influido por el arte asiático, africano y
japonés, Vincent van Gogh, un holandés que se trasladó a Francia, donde se
inspiró en la fuerte luz del sol del sur, y Toulouse-Lautrec, recordado por sus
vívidas pinturas de la vida nocturna en el barrio parisino de Montmartre.11
Simbolismo, expresionismo y cubismo[editar]
Artículo principal: Arte moderno
Edvard Munch, artista noruego, desarrolló su enfoque simbolista a finales del
siglo XIX, inspirado por el impresionista francés Manet. El grito (1893), su obra más
famosa, se interpreta ampliamente como una representación de la ansiedad
universal del hombre moderno. En parte como resultado de la influencia de
Munch, el movimiento alemán del expresionista se originó en Alemania a
principios del siglo XX, cuando artistas como Ernst Kirschner y Erich
Heckel comenzaron a distorsionar la realidad para conseguir un efecto emocional.
Paralelamente, en Francia se desarrolló el estilo conocido como cubismo, ya que
los artistas se centraron en el volumen y el espacio de las estructuras nítidas
dentro de una composición. Pablo Picasso y Georges Braque fueron los
principales defensores de este movimiento. Los objetos se descomponen, se
analizan y se vuelven a ensamblar de forma abstracta. En la década de 1920, el
estilo se convirtió en surrealismo con Dali y Magritte.12

Grabado[editar]
Grabado chino antiguo de mujeres instrumentistas.

Artículo principal: Grabado

Grabado es la creación, con fines artísticos, de una imagen en una matriz que

luego se transfiere a una superficie bidimensional (plana) mediante tinta (u otra
forma de pigmentación). Salvo en el caso de un monotipo, la misma matriz puede
utilizarse para producir muchos ejemplares de la estampa.

Alberto Durero grabado Melancholia I de 1541 ángel sentado contemplando la figura.

Históricamente, las principales técnicas (también llamadas medios) implicadas son

la xilografía, el grabado lineal, el aguafuerte, la litografía y la serigrafía (serigrafía,
serigrafía), pero hay muchas otras, incluidas las modernas técnicas digitales.
Normalmente, la impresión se realiza sobre papel, pero otros soportes van desde
la tela y la vitela hasta materiales más modernos.
Historia de Europa[editar]
Los grabados de la tradición occidental producidos antes de 1830
aproximadamente se conocen como old master print. En Europa, a partir de
alrededor del año 1400 d. C. se utilizó la xilografía para realizar impresiones
maestras sobre papel utilizando técnicas de impresión desarrolladas en el mundo
bizantino e islámico. Michael Wolgemut mejoró la xilografía alemana desde
aproximadamente 1475, y Erhard Reuwich, un holandés, fue el primero en utilizar
el rayado en cruz. A finales de siglo Alberto Durero llevó la xilografía occidental a
un estadio que nunca ha sido superado, aumentando el estatus de la xilografía de
una sola hoja.13
Origen y práctica china[editar]

El Sutra del Diamante chino, el libro impreso en madera más antiguo del mundo (868 de la era cristiana)

Artículo principal: Impresión en madera

En China, el arte del grabado se desarrolló hace unos 1.100 años como
ilustraciones junto al texto recortado en bloques de madera para su impresión en
papel. Al principio, las imágenes eran principalmente religiosas, pero en
la Dinastía Song, los artistas comenzaron a recortar paisajes. Durante las
dinastías Ming (1368-1644) y Qing (1616-1911), la técnica se perfeccionó tanto
para grabados religiosos como artísticos.1415
Desarrollo en Japón 1603-1867[editar]

Impresión en color de Hokusai "Red Fuji southern wind clear morning" de Treinta y seis vistas del Monte
Fuji (1830-1832)

La xilografía en Japón (japonés: 木版画, moku hanga) es una técnica más

conocida por su uso en el género artístico ukiyo-e; sin embargo, también se utilizó
muy ampliamente para la impresión de libros ilustrados en la misma época. La
xilografía se había utilizado en China durante siglos para imprimir libros, mucho
antes de la llegada de los tipos móviles, pero solo se adoptó ampliamente en
Japón durante el periodo Edo (1603-1867). Aunque es similar a la xilografía
occidental en algunos aspectos, el moku hanga difiere en gran medida en que se
utilizan tintas a base de agua (a diferencia de la xilografía occidental, que utiliza
tintas a base de aceite), lo que permite una amplia gama de colores vivos,
veladuras y transparencia del color.

Percepción[editar]
En la percepción de la obra, nuestra visión tiene tendencia a agrupar o separar
elementos de acuerdo a forma, contraste, color, iluminación etc. En
esa percepción visual y la recepción sensorial que se realiza de la obra están
basadas las artes visuales. Diferentes códigos visuales de proporción, equilibrio,
ritmo, textura y valores tonales que son tomados en cuenta por los creadores en
su comunicación con el espectador. El sistema visual de los seres humanos
asimila la información interpretándola a través de estímulos visuales relacionados
con su conocimiento previo y su estado emocional, la recepción o discriminación
de esos estímulos se traduce en la capacidad de interpretar la información a
través de los efectos de la luz visible percibida.
La psicología de la Gestalt es una teoría de la percepción surgida en Alemania a
principios del siglo XX que alude a estos modos de percepción de la forma de
aquello que vemos y como es decodificado por nuestro cerebro a través de las
asociaciones que se producen en el momento de la percepción.16 Sus principios
básicos son:
Por agrupación[editar]
Existen varias formas de agrupación:

1. Por proximidad: se tiene la tendencia visual a agrupar los elementos

cuando estos tienen cercanía entre sí.
2. Por semejanza: agrupación cuando los elementos son figuras conocidas,
parecidas o iguales entre sí.
3. Por continuidades: búsqueda de semejanzas a través de una continuidad
significativa, es decir observamos primero los elementos principales
seguido de los menos importantes.
Por figura/fondo[editar]
La tendencia visual hace separar los elementos del fondo o viceversa; ya que a
veces el fondo es percibido también como una figura.
Por contorno[editar]
El contorno separa y distingue la figura del fondo y está representado por una
línea continua o discontinua o en el límite de dos colores diferentes, llamado línea
de recorte.
Por pregnancia[editar]
Tendencia a rellenar visualmente aquellos espacios huecos para completar un
objeto.

Artes aplicadas[editar]
Artesanía de Irán

Las artes aplicadas basan su definición en la utilidad de un objeto creado para

determinado fin. Se las puede considerar dentro de las artes plásticas y visuales
cuando su valor artístico y estético trasciende la utilidad, también es llamado arte
utilitario o funcional. Cuando el componente decorativo es mayor al funcional, pero
mantiene la referencia, se les considera también dentro de las artes decorativas.
Entre ellas se cuentan gran variedad de formas artesanales como:

 alfarería
 orfebrería
 talla en madera
 tapicería
 vitral
Las nuevas utilidades basadas en diseño, comparten espacio con las Artes
aplicadas y son consideradas también en el campo de las Artes visuales por su
manejo del lenguaje visual y apreciación estética. Entre ellas:

 diseño de interiores
 diseño gráfico
 diseño industrial