Helio oiticica:

Hélio Oiticica (Río de Janeiro, 26 de julio de 1937 - Ib., 22 de marzo de 1980) fue uno de los artistas plásticos
brasileños más innovadores del siglo XX y actualmente es reconocido como una figura clave en el desarrollo
del arte contemporáneo. Es conocido por su participación en el movimiento neoconcreto de Río de Janeiro y
por ser una de las inspiraciones del tropicalismo, por su uso radical del color y sus experimentaciones con el
"arte ambiental" en las que diluye la frontera entre el arte y la vida y entre la obra y el espectador.

Hélio Oiticica es hijo de José Oiticica Filho (1906-1964), uno de los fotógrafos brasileños importantes, que
también fue ingeniero, profesor de matemáticas y entomólogo y Ângela Santos Oiticica (1903-1972). Tuvo dos
hermanos más (César y Claudio) nacidos respectivamente en 1939 y 1941. La educación de Helium y sus
hermanos comenzó en su casa, donde tomaron clases de matemáticas, ciencias, idiomas, historia y geografía
impartidas por su padre y su madre. También tuvo gran influencia en su formación el abuelo José Oiticica
(1882-1957), conocido intelectual filólogo, profesor, escritor, anarquista y periodista.

En 1947, su padre, José Oiticica Filho recibió una beca de la Fundación Guggenheim. La familia se mudó a los
Estados Unidos (Washington) y su padre pasó a trabajar en el Museo Nacional de los Estados Unidos -
Smithsonian Institution. Permanecen allí durante dos años y Hélio, entonces de 10 años, y sus hermanos se
matriculan por primera vez en una escuela oficial (Thomson School). La llegada con el arte tuvo lugar en ese
momento. Hélio y sus hermanos tenían galerías de arte y museos a su disposición. La familia regresó a Río de
Janeiro en 1950, y en 1952 Hélio comenzó a escribir y traducir obras de teatro que representaba en casa con
sus hermanos. Su tía, la actriz Sonia Oiticica, comenzó a animarlo en esta endeade.

Los primeros trabajos de Hélio Oiticica, realizados a mediados de la década de 1950 están profundamente
influenciados por los artistas concretos de Sao Paulo y en general por la abstracción geométrica en boga. Fue
un miembro del Grupo Frente (1955-56), que había sido fundado por su maestro Ivan Serpa, junto a Lygia Clark
y Franz Eissmann ( Hélio Oiticica comenzó su carrera artística a una edad temprana, a la edad de 18 años, a
mediados de los años 50 con grupo Frente, un colectivo constructivista que integraba a importantes artistas
como Ivan Serpa, Lygia Clark y Lygia Pape). De esta época data una pintura sin título de 1957 donada
recientemente al MoMA por Patricia Phelps de Cisneros. Su obra temprana utilizaba colores primarios y
secundarios contrastados y formas geométricas rígidas; pero rápidamente empezó a utilizar colores más
cálidos y brillantes como los intensos rojos y naranjas que acompañarán su obra por el resto de su vida.

Entre 1957 y 1958, Oiticica produjo una serie de más de 350 pinturas en las que realiza una "obsesiva disección
del espacio a través del color". En estas obras Oiticica reduce su vocabulario a formas geométricas
monócromas que generalmente están insertas en una retícula a la cual no se alinean generando una sensación
de inestabilidad y dinamismo y retando su propia bidimensionalidad.

En 1959 Oiticica participó del movimiento Neoconcreto junto a los artistas Amílcar de Castro, Lygia Clark, Lygia
Pape, Franz Weissmann y el poeta Ferreira Gullar. El movimiento rechazaba la naturaleza objetual y el
racionalismo del arte concreto y buscaba un acercamiento más fenomenológico y menos científico al arte,
basado en las ideas de Merleau-Ponty y de Bergson. Un arte que "afirmando la integración absoluta de esos
elementos, cree que el vocabulario geométrico que utiliza puede asumir la expresión de realidades humanas
complejas". El neoconcretismo buscaba hacer evidente la relación espacial de la obra con el espectador,
entendiendo inclusa a las obras como organismos vivos (por ejemplo en los Bichos de Lygia Clark). A partir de
su experiencia en el grupo, Oiticica intensificó su exploración del color como un campo sensorial que va mucho
más allá de la pintura. Entre 1959 y 1962, realizó una serie de pequeñas pinturas monocromas, Invencoes, que
debían encarnar la luz en lugar de representarla.

El grupo se desintegró en 1960. A pesar de su corta duración, sus planteamientos tendrían una profunda
influencia en el desarrollo posterior de la obre de sus miembros y en general del arte contemporáneo
brasileño. Oiticica continuó con su exploración del color, realizando pinturas sobre estructuras de madera
colgantes con alteraciones sutiles en las tonalidades del color que poco a poco crecerían en escala hasta llegar
a proporciones arquitectónicas y convertirse en laberintos que el espectador podía penetrar, como en sus
famosos Núcleos y Penetrables.

Entre 1963 y 1967, Oiticica expandió su exploración del color y la manera en que este es percibido por el
espectador a través de una serie heterogénea de objetos llamados Bólides. Los primeros, los Bólides caixas,
eran estructuras pequeñas, generalmente de madera pintada de color rojo, amarillo o naranja, pero incluían
otros materiales como espejos, telas, vidrios, plástico y otros materiales. Estos fueron seguidos por los Bólides
vidrios, que consistían en contenedores llenos de pigmento, conchas, tierra y otros elementos orgánicos que
encarnaban el color. La evolución de los Bólides pasa de ilustrar el concepto de "totalidad cromática" en una
estructura a buscar representar el color en su forma más cruda e incorporar la dimensión táctil del color.

En paralelo, Hélio Oiticica realiza otra de sus series de obras más radicales y conocidas: los Parangolés. Él había
estado construyendo relaciones en las favelas de Mangueiray aprendiendo a bailar en una de sus escuelas de
samba y generando amistades; a partir de estas colaboraciones, Oiticica empieza a realizar banderas, capas y
túnicas con telas, plásticos, sogas, pinturas, etc. que debían ser usadas y activadas a partir del movimiento del
cuerpo humano. Muchas veces los Parangolés contenían mensajes poéticos o políticos escondidos entre sus
capas de materiales, como "Yo encarno la revuelta" o "Sexo y violencia es lo que me gusta". Es importante
considerar que a partir de 1964 se inicia un gobierno dictatorial represivo en Brasil y que estas obras tenían
una carga de resistencia y crítica política que se mantendrá en las siguientes obras del artista.

En 1967 Hélio Oiticica realiza una instalación llamada Tropicalia que consta de dos penetrables colocados
sobre una capa de arena y rodeados de plantas tropicales en envases plásticos y dos guacamayos
encadenados. La pieza es un retrato crítico de la imagen de Brasil y especialmente Río como un paraíso
tropicales; la arena y las plantas evocan las playas y los penetrables están basados en las estructuras de las
favelas que rodean la ciudad. La pieza incluye también poemas de Roberta Salgado escritos en varios objetos.
La instalación fue la inspiración para una canción de Caetano Veloso y eventualmente para el movimiento
tropicalista como un espacio de resistencia ante el régimen militar.

En 1969, Oiticica tiene la oportunidad de hacer una gran instalación en la Whitechapel Gallery. En ella crea un
espacio enorme con varios penetrables sobre una capa de arena y agua. En ella Oiticica evita dar referencias
obvias a lo tropical y sin imágenes claras (en parte como respuesta a la manera en que el movimiento
tropicalista se había convertido en un cliché) La obra está llena de espacios distintos donde el espectador
puede tener diferentes experiencias; hay una carpa de Caetano y Gil donde uno puede colocarse audífonos y
oír música, un espacio para leer, uno puede caminar sobre roca molida o echarse sobre camas de esterilla,
entre otras experiencias.

En 1970 viaja a Nueva York, becado por la Fundación Guggenheim, donde estudia cine en NYU y empieza una
radical experimentación en este medio, con lo que él llama Quasi-cinema en series de diapositivas, videos de
tipo casero y también películas con guion. Una de sus obras más conocida de este periodo es Cosmococa en la
que una serie de proyecciones simultáneas de diapositivas muestran imágenes de líneas de cocaína sobre
carátulas de discos de vinilo en un espacio con hamacas u otras objetos. También escribe mucho durante este
período de su vida. Sigue realizando sus Parangolés y crea una serie de fotografías de amigos y amantes
usándolos.

A partir de los serios problemas que tenía con el consumo de drogas y por el acoso de parte de inmigraciones
y la dificultad que tenía en conseguir una visa por su homosexualidad, regresa a Brasil en 1978, donde muere 3
años después, en marzo de 1980, a la edad de 42 años.

En 1996 se creó en Río de Janeiro el Centro de Arte Hélio Oiticica en su memoria. En 2007, la galería Tate
Modern en Londres y el Museo de Bellas Artes en Houston ha expuesto importantes exhibiciones del trabajo
de Oiticica. En octubre del 2009 un incendio destruyó gran parte del legado Oiticica que estaba
provisionalmente almacenado en la casa familiar del barrio de Jardim Botânico, en la zona sur de Río de
Janeiro, mientras se reformaba el centro de arte que lleva su nombre.

https://educacao.uol.com.br/biografias/helio-oiticica.htm

https://es.wikidat.com/info/helio-oiticica

Algunas obras:

1. Metasquemas (1957-1958) : Es de este período una serie de composiciones en las que el artista crea
formas geométricas con gouache sobre cartón, inspiradas en artistas modernos como Wassily
Kandinsky (1866-1944). El proyecto se tituló más tarde, en la década de 1970, de Metaesquemas. En
este trabajo se producen formas bidimensionales que sugieren la posibilidad de bajarse del papel. Así,
notamos una intención de superar el espacio de la pintura, que con el paso del tiempo, de hecho ocurre
en la obra de Oiticica.
2. Relieves bilaterales y espaciales (1959): Después de explorar numerosas posibilidades de composición,
forma y fondo en los Metaschemes, Oiticica comienza a construir objetos coloridos que están
suspendidos por cables invisibles en el espacio, llevando estas formas, previamente bidimensionales, al
entorno tridimensional. Hay varias obras, que forman parte de la serie de Bilaterales y Relieves
Espaciales. La idea del artista es llevar la forma y el color al espacio, haciendo posible la percepción de
que el color "vibra" en el mismo entorno en el que habita el espectador mientras observa de cerca las
esculturas flotantes.
3. Gran núcleo (1960): El Gran Núcleo forma parte de una serie en la que Oiticica avanza en su
investigación sobre el color, las formas y los soportes del arte. Aquí el artista crea espacios con placas
amarillas a través de las cuales el público puede caminar, interactuando con la composición y creando
individualmente sus propias "cabañas". Así, se entiende que la interacción y el movimiento de las
personas en torno a la obra es esencial para dar sentido a la obra.
4. Penetrable PN1 (1960): En el mismo año que investiga el espacio con los Nuclei, Hélio también crea la
serie Penetrable, en la que inserta el color aún más intensamente en el recinto y produce, de hecho,
cabinas de colores. En ellos, el color toma el ambiente, descendiendo al suelo e invitando al espectador
a abollarlo. Así, Hélio crea lugares y ofrece experiencias a los visitantes con el fin de experimentar su
propio color. Aquí, la práctica deja de ser sólo contemplativa y se vuelve relacional.
5. Bólides (principios de la década de 1960): Son recipientes hechos de madera, vidrio o bolsas que tienen
compartimentos y llevan diversos elementos como arena, pigmentos, telas, tierra, agua y carbón. El
artista experimenta los materiales, creando una obra que agudiza varios sentidos, como el tacto, la
 visión y el olfato. Los espectadores pueden intervenir en las obras, manipulándolas y experimentando
nuevas sensaciones, guiándose por un impulso intuitivo.
6. Serie Parangolés (mediados de los años 60): fundas de tela con colores vibrantes, son vestidos por
residentes y bailarines de mangueira que interactúan con estos objetos y buscan "liberar el color". Las
cubiertas siguen siendo como extensiones del propio cuerpo, como si no se separaran de él.
7. Tropicália (1967): fue una combinación de las experiencias del artista en las comunidades y todo el
bagaje que tenía sobre su concepto de brasilianidad con la investigación que había hecho
anteriormente, con la serie penetrable. Aquí recrea un ambiente en el que varios elementos sensoriales
y conceptuales sobre su idea de Brasil se fusionan, creando un espacio interconectado. En ella, se
conectan las diversas cabañas hechas de madera, como es propio en los barrios marginales y callejones.
Además, es posible experimentar una experiencia laberíntica con el contacto con elementos naturales
como piedras, agua, plantas tropicales, textos y música. Al final del viaje hay un televisor encendido,
que sugiere la unión entre tecnología y simplicidad.
8. Nidos (1970): La obra es una instalación compuesta por varias cabinas que conectan, transmitiendo la
idea de multiplicidad y crecimiento, como si fueran células en desarrollo.
9. Cuadrado Mágico Penetrable No. 5, De Luxe (1977): La instalación fue creada sobre la base de
maquetas desarrolladas en la década de 1960, cuyos proyectos solo podían llevarse a cabo en lugares
públicos. La idea de Oiticica era ofrecer al público un lugar de experiencia imaginativa, donde cada
persona pueda crear su propio espacio, basado en las propuestas de formas y colores que presenta el
artista. La palabra cuadrado, que da nombre a la obra, alude al concepto de cuadrado y cuadrado, en
inglés.
10. Mitos de Vadios (1978): Al regresar a Brasil, después de vivir en Nueva York en una especie de
autoexilio debido a la dictadura militar, Oiticica realiza algunas actuaciones en las calles, invitada por el
artista Ivald Granato, en una obra llamada Mitos Vadios. En una de ellas, la artista recorre las calles de
São Paulo, más precisamente en la Rua Augusta, con gafas de buceo, trajes de baño y peluca. La
búsqueda de Hélio fue la interacción con las personas que pasaban por las calles, la innovación y lo
inesperado.

https://www.culturagenial.com/helio-oiticica-obras-compreender-trajetoria/

Obra tropicalia: La obra consistió en un laberinto de madera forrado de arena y piedras, que, al ser atravesado
por el espectador, lo colocó en contacto corporal con varios elementos naturales y culturales de Brasil, como
plantas tropicales y guacamayos nativos, en una ruta que terminaba frente a un televisor encendido. La obra
acabaría dando nombre a todo un movimiento cultural, el tropicalismo, que codificaba varias expresiones
artísticas, y que tenía en la música producida en ese mismo momento por Gilberto Gil y Caetano Veloso su
expresión más conocida. También formó parte del manifiesto encabezado por Oiticica, la llamada "Nueva
Objetividad Brasileña".

Que es el tropicalismo

nació en mayo en el año de 1968. El tropicalismo fue un movimiento de ruptura que sacudió la atmósfera de la
música popular y la cultura brasileña  Sus participantes formaron un gran colectivo, cuyos destacados fueron
los cantautores Caetano Veloso y Gilberto Gil, además de la participación de la cantante Gal Costa. y el
cantante y compositor Tom Zé, de la banda Mutantes, y el maestro Rogério Duprat. La cantante Nara Leão y
los letristas José Carlos Capinan y Torquato Neto completaron el grupo, que también tenía al artista gráfico,
compositor y poeta Rogério Duarte como uno de sus principales mentores intelectuales.
Los tropicalistas dieron un paso histórico en la escena musical brasileña. La música brasileña posterior a Bossa
Nova y la definición de "calidad musical" en el país estaban cada vez más dominadas por posiciones
tradicionales o nacionalistas de movimientos vinculados a la izquierda. Frente a estas tendencias, el grupo
bahiano y sus colaboradores buscan universalizar el lenguaje del MPB, incorporando elementos de la cultura
juvenil mundial, como el rock, la psicodelia y la guitarra eléctrica.

sintonizaron la electricidad con la información de la vanguardia erudita a través de arreglos innovadores de

conductores como Rogério Duprat, Júlio Medaglia y Damiano Cozzela. Al unir el experimentalismo popular,
pop y estético, las ideas tropicalistas terminaron impulsando la modernización no solo de la música, sino
también de la cultura nacional.

Los principales representantes del movimiento fueron: Hélio Oiticica; Caetano Veloso ; Capinam; Gal Costa;
Gilberto Gil; Glauber Rocha; Guilherme Araújo; Jorge Ben; Jorge Mautner; Júlio Medaglia; Lanny Gordin; Maria
Bethânia; Nara Leão; Os Mutantes (Arnaldo Baptista, Sérgio Dias e Rita Lee); Rogério Duarte; Rogério Duprat;
Tom Zé; Torquato Neto; Waly Salomão; Sérgio Sampaio

El tropicalismo influyó en la música, el cine, la arquitectura y el diseño y transformó el concepto de brasileñidad

Brasil. Corre el año 1967 y el país se encuentra en plena dictadura militar. La identidad cultural de un lugar tan
diverso como Brasil está flotando, perdida. La Bossa Nova y la Jovem Guarda reinan y, aunque son mainstream,
no representan los sentimientos y la expresión artística de un buen número de jóvenes.

En este contexto nace el tropicalismo, con sus canciones innovadoras, sus nuevas sonoridades y un gran deseo
por crear una nueva identidad brasileña. El tropicalismo, la tropicália o el movimiento tropicalista, tal y como lo
conocemos hoy, se inspira directamente de las ideas del poeta modernista Oswald de Andrade que, en 1928,
creó el Manifiesto Antropofágico.

La antropofagia, aunque recuerda al canibalismo, para Oswald no era más que alimentarse de culturas
extranjeras, de una serie de referencias e ideas que ayudaran a crear algo único, brasileño. Lo externo e
internacional no debe ser ignorado, sino transformado en algo nuevo e incorporado a una cultura local y
palpitante.

El movimiento tropicalista se apropió de este mismo concepto para crear un movimiento popular que abarcaba
tendencias como el rock and roll, los sonidos psicodélicos, los ritmos brasileños y las expresiones artísticas
locales para crear una nueva música popular brasileña (conocida también como MBP), un nuevo movimiento
que pudiera representar a aquellos que no se sentían representados por la producción cultural de la época.

En el artículo "Antropofagia e Tropicália - devoción/devoción" [en portugués], el académico Júlio Cesar Diniz,
doctor en Literatura Brasileña, señala que en lo referente a su estética, el tropicalismo destacó los contrastes de
la cultura brasileña. "El movimiento pretendía superar las dicotomías arcaico/moderno, nacional/extranjero y
cultura de élite/cultura de masas, que marcaron hegemónicamente el debate cultural en los años 60".
Inspiradas en la poesía concreta, las letras de las canciones innovaban creando juegos de lenguaje e
imaginarios codificados que, en un contexto de dictadura, requerían de un bagaje cultural para ser
comprendidos en su totalidad.

Fue en el 3er Festival de Música Popular Brasileira, en 1967, cuando el movimiento tropicalista tomó forma con
"Alegria, Alegria" de Caetano Veloso y Gilberto Gil, junto a Os Mutantes con "Domingo no Parque".
En 1968, el disco Tropicália ou Panis et Circencis llegó al mundo como un manifiesto, reuniendo a artistas
como Caetano Veloso, Gal Costa, Gilberto Gil, Nara Leão, Os Mutantes y Tom Zé, además de los poetas
Capinam y Torquato Neto y el maestro Rogério Duprat. El disco sigue considerándose a día de hoy
revolucionario, y es uno de los mejores de la música brasileña, ya que representa una nueva identidad nacional
con expresiones artísticas únicas y transformadoras.

Además, aparecieron los primeros discos de Caetano Veloso y Gilberto Gil con varios clásicos como las
canciones-manifiesto "Tropicália" (Caetano) y "Geléia Geral" (Gil y Torquato).

Para la investigadora Ana de Oliveira, el movimiento representó un gran avance:

"Sus canciones componían una imagen crítica y compleja del país: una conjunción del Brasil arcaico y sus
tradiciones, el Brasil moderno y su cultura de masas, e incluso un Brasil futurista, con astronautas y platillos
volantes. Sofisticaron el repertorio de nuestra música popular, estableciendo en los discos comerciales
procedimientos y cuestiones que hasta entonces solo se asociaban al ámbito de las vanguardias conceptuales."
A pesar del carácter libertario de la tropicália, el movimiento acabó siendo reprimido por el gobierno militar en
1968 con el encarcelamiento de Gilberto Gil y Caetano Veloso, que posteriormente pasaron un periodo de
exilio en Londres.

Las influencias, sin embargo, permanecieron tanto en los lanzamientos de la época en las voces de Gal Costa,
Jorge Ben, Jards Macalé y Tom Zé, como en la música brasileña a lo largo de los años 70 y 80, formando una
identidad tan fuerte e icónica que se convirtió en un símbolo brasileño.

Gal Costa, considerada la musa del movimiento tropicalista, también representó el movimiento postropicalista
con una postura más agresiva y melancólica en la interpretación de sus canciones. La mayoría de ellas, por
supuesto, fueron compuestas por Gil y Caetano en el exilio.

Más allá de la música

No obstante, el que piense que las influencias de las ideas tropicalistas no fueron más allá de la música se
equivoca. Para Julius Wiedemann, curador en jefe de Domestika, los años 60 fueron una década de
transformación en varios niveles y disciplinas creativas.

"Un movimiento que comienza en el 67 y termina en el 68, como una filosofía libertaria, que pretendía
modernizar Brasil en su pensamiento. La traducción de estas ideas, de este desprenderse de la intelectualidad y
conectar más con lo que viene del pueblo, repercutió en muchos ámbitos. En realidad, comenzó en la música,
con el liderazgo de Gilberto Gil y Caetano Veloso, pero pronto se trasladó a la poesía, la literatura, la
arquitectura y el cine, entre otros. Ese momento representa una mirada en la que Brasil miró hacia Brasil. Una
mirada hacia adentro", dice Julius. Y si hablamos de influencias, no podemos dejar de mencionar a Hélio
Oiticica, artista de performance, pintor y escultor cuya obra está marcada por un fuerte experimentalismo. En
1967, una de sus obras, Tropicália, inspiró al compositor Caetano Veloso y marcó el ritmo de todo el
movimiento cultural, que continuó en base a su estética. La obra Tropicália es una especie de laberinto sin
techo que remite a la arquitectura de las favelas. Para Julius Wiedemann, el lanzamiento del movimiento en el
Festival de Música Popular Brasileña de 1967 fue el detonante para ampliar el concepto de valoración de la
cultura nacional. "El nombre del movimiento, que se