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Republica Bolivariana de Venezuela

Ministerio del Poder Popular para la educación
U.E.C .Santa Monica
7º AÑO Sección “C”
Área: Educación Artística
Puerto Ordaz (Estado Bolívar)

Escultores venezolanos

Profesor:

Integrantes:

Ciudad Guayana 23 de octubre de 2015

Jesús Rafael Soto

El desarrollo de la obra de Jesús Soto partió del cinetismo perceptivo (estudios en blanco y negro basados en efectos moiré. Entre un punto y otro. Museo de Arte Moderno JesúsSoto. El mismo efecto lo consiguió mediante superficies de líneas paralelas que sirven de fondo a finas varillas suspendidas. sobre todo. Venezuela). 1923 . En 1950 se trasladó a París. 1957. Venezuela. En 1956 creó sus primeras estructuras cinéticas: su cinetismo se caracterizó por integrar en la obra la percepción del espectador en desplazamiento ante el objeto. planos activados mediante el color y vibración retiniana de líneas provocada por la interacción entre figura y fondo) para llegar a la conquista total del espacio. Colección Lia Imber de Coronil. Ciudad de Bolívar. Mediante la superposición de planos transparentes (láminas de plexiglás que sirven de soporte a entramados lineales). se convirtió en uno de los principales representantes del arte cinético y óptico. A las primeras obras bidimensionales de los años cincuenta pronto les sucederían otras en las que interviene el espacio como elemento dinamizador. En Francia descubrió la obra de Paul Klee y. a Piet Mondrian.(Ciudad Bolívar. el interior del Centro Nacional de Arte y Cultura Georges Pompidou de París (1976) y numerosos espacios públicos en caracas. Estructura cinética horizontal-vertical. son notables Dinámica del color (1957) y Escrituras (1963). En la década de 1950 intentó plasmar en su serie Metamorfosis (1954) un equivalente de la serialidad musical. 1956. Jesús Soto creó imágenes múltiples para la mirada de un espectador móvil (Doble transparencia. 2005) Artista venezolano. Soto no escatimó la exploración de las fases y estadios intermedios. ciudad en la que residiría hasta su muerte. cuyos . A partir de influencias cubistas y constructivistas.París. A partir de la década de 1960 diseñó penetrables y obras de integración arquitectónica. quien le suscitó la idea de "dinamizar el neoplasticismo". como la decoración del interior del edificio de la UNESCO en París (1970).

Soto construyó un tipo de esculturas a las que llamó penetrables y. en el Centro Georges Pompidou de París (1993). o Extensión amarilla y blanca. efectivamente. Madrid).trazos vienen a sumarse a los dibujados provocando configuraciones siempre cambiantes. París. Centro Vanaveu. Colección Alfredo Boulton. Doble transparencia (1956) Llevando a gran escala estas mismas composiciones mediante la articulación de planos formados por enrejados de diversas inclinaciones. Hall del Museo de Arte Moderno. 1979. los puntos de vista que adopte y los movimientos de cabeza que efectúe (Prepenetrable. Alemania (1993) y en el MOMA de Nueva York . como en las instalaciones formadas por miles de hilos de nailon que penden del techo creando una selva imaginaria que cada uno recorre a su antojo. como se observa en Vibraciones metálicas (1966. En 1988 realizó la Esfera Virtual para el Parque Olímpico de Escultura de Seúl. Soto creó entonces estructuras geométricas que en repetición clónica alcanzan grandes dimensiones. o sembró techos y suelos de varillas pintadas (Progresión suspendida. Caracas). En otras ocasiones impera el sentido monumental de ocupación del espacio. Caracas. Volumen suspendido. Japón (1990). Colección del artista) o Ana (1968. Colección del artista). en la Kunshalle de Colonia. 1957. Otras veces los penetrables son grandes espacios de juego. con lo que su experiencia visual será múltiple en función del número de enrejados que funda con su mirada. el espectador puede introducirse en los laberintos de su interior. 1979. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. En los años noventa mostró su trabajo en el Museo de Arte Moderno de Kamakura.

lleva su nombre. Asimismo. Uno de los principales museos de artes plásticas de Venezuela. Para 1944trabaja como diseñador gráfico de la Creole Petroleum Corporation aunque también ilustra otras publicaciones y realiza comics para diversos periódicos venezolanos.5 En 1957.(1993). instalado en su ciudad natal. e después ilustrador de breves del periódico El viajes a Nueva . fue director creativo de la agencia publicitaria McCannErickson Venezuela (1946) Nacional (1953). CARLOS CRUZ DIEZ En 1940 estudia en la Escuela de Bellas Artes de Caracas donde obtiene el diploma de profesor de Artes Aplicadas.

que tiene como objetivo estudiar. En 1959.10 basado en sus diversas investigaciones plásticas vinculadas al estudio del color como una "realidad autónoma en continua mutación". Moholy-Nagy. dedicado al diseño gráfico e industrial. Cruz-Diez adquiere la nacionalidad francesa. coleccionar y conservar el trabajo de diseñadores y artistas gráficos nacionales e internacionales relacionados a la estampa y el diseño. realiza su primer Couleur Additive y Physichromie. difusión e investigación de su legado artístico y conceptual.8 exposición que supone la consagración oficial del arte cinético. en Caracas. un año antes de instalarse definitivamente en París con su familia. difundir. 9 De 1972 a 1973. En 1989 se publica en Caracas la primera edición de su libro Reflexión sobre el color. funda el Estudio de Artes Visuales.York y París (donde visita la exposición de 1955Le Mouvement en la Galerie Denise Réne). de París.12 En el 2005 su familia crea la CruzDiez Foundation13 dedicada a la conservación. Jean otros. Para el 2011 inaugura su mayor exposición retrospectiva “Carlos Cruz-Diez. Cruz-Diez ejerce como profesor en la Escuela Superior de Bellas Artes y Técnicas Cinéticas. Marcel Calder. Victor Vasarely.15 . Robert Duchamp. Entre 1986 y1993 es profesor titular del Instituto Internacional de Estudios Avanzados. En el 2008. dos años antes del 50 aniversario de su llegada a París.11 Para 1997 es nombrado Presidente y miembro del Consejo Superior de la Fundación Museo de la Estampa y del Diseño Carlos CruzDiez. Color in Space and Time” en el Museum of Fine Arts (MFAH) de Houston en Estados Unidos14 y en el 2012 recibe el grado de Oficial del Ordre national de la Légion d’honneur. en Arras. desarrollo. Alexander Tinguely.6 Para 1961 participa en la exposición Bewogen Beweging en el Stedelijk Museum de Ámsterdam donde también colaboraron artistas como Allan Kaprow. entre Rauschenberg. Francia y este mismo año participa en The Responsive Eye en el Museum of Modern Art de Nueva York.7 En 1965 lo nombran Asesor en el Centro Cultural Noroit.

el paisaje» (Juan Calzadilla.18 Museum of Fine Arts.. . partiendo del objeto tradicional de la naturaleza.19 Wallraf-Richartz Museum. mientras estudiaba [. cuya obra lo sedujo a tiempo que.16 Tate Modern. de quien se reconoció como discípulo. 1976. París.] ponía el método analítico del pintor francés. Otero «fue el pintor de su generación más capacitado para comprender y sentir a Cézanne..Su obra forma parte de las colecciones permanentes de museos tales como: Museum of Modern Art (MoMA). 86). Colonia. la figura. p. entre otros.20 Alejandro Otero Hijo de José María Otero Fernández y María Luisa Rodríguez.17 Centre Georges Pompidou. Musée d’Art Moderne de la Ville de París. Nueva York. En 1939 inició sus estudios en la Escuela de Artes Plásticas y Artes Aplicadas de Caracas bajo la tutela de Antonio Edmundo Monsanto. Houston. Londres.

en un grupo de 5) potes (1947). en 1948 realizó el grupo más numeroso. de 1947 (colección Clara Diament Sujo). se despojaron de toda representación hasta transformarse en líneas y estructuras de enorme fuerza expresiva. El Gobierno francés y posteriormente el Ministerio de Educación de Venezuela le otorgaron en 1945 una beca para cursar estudios en París. desnudos y paisajes. asimismo trabajó candelabros. En 1944 realizó su primera exposición. gradualmente. Otero trabajó las formas básicas para asir la esencia plástica de los objetos.Todavía estudiante. En 1948 Otero es incluido en la muestra Les mains ebloués de la célebre Galería Maeght en París. En 1946 inició la serie de trabajos conocidos como Cafeteras. hecho que representó su primer viaje al exterior. 8 cafeteras rosa. . por otra parte. junto a César Enríquez. cráneos (1947. Paisaje de Los Flores de Catia (1941) y su Autorretrato (1943) registran. su paso de la construcción de los planos a las calidades matéricas del color. en el Ateneo de Valencia. como en Calavera. En sus primeras obras pertenecientes al período escolar se encuentran retratos. Sin duda las calaveras fueron una especie de memento mori de la figuración. de la cual egresó en diciembre de 1944. A mediados de enero de 1949 regresó a Caracas. características en toda su producción plástica. Las obras producidas en Francia se expusieron en el Museo de Bellas Artes. La influencia de Picasso y las tendencias gestualistas son evidentes en estas obras que. cafeteras (1946-47 en un grupo de 5). En ellos se evidencian las búsquedas iniciales de síntesis de elementos. es nombrado profesor del curso de Experimentación Plástica para niños (1942) y dos años después profesor de la Cátedra de Vitrales en esta institución. botellas y lámparas. la serie se inició en un principio con cacerolas (1946).

. necesariamente. ofrece una sensación de quien está seguro de sí mismo [. En una reseña de la época. Rubén Núñez. los salones y los museos en Venezuela. Perán Erminy. Guillent Pérez editaron. en marzo de 1950. p. Mateo Manaure. Es distinta a todo lo que habíamos visto en nuestro país. la revista Los disidentes.en el Taller Libre de Arte y en el Instituto Pedagógico de Caracas.Guillermo Meneses comentaba: «La pintura de Otero ha de asombrar. Regresó a París en 1950 y junto a Pascual Navarro.] Podríamos decir que las líneas. los objetos han sido profundizados.. 36). en 1982. cit. Narciso Debourg. la puesta al día de los artistas venezolanos en París y atacaron los lineamientos académicos de los viejos maestros y las ideas reaccionarias que guiaban las artes plásticas. la propia pasión. Y. provocando polémicas. el fino cerebro del artista. alrededor de la cual se articuló un grupo artístico del mismo nombre. Aimée Battistini y J.» (1949. las formas. llevados hasta la honda atmósfera enmarcada que no existe jamás en la realidad: el propio espíritu. . Carlos González Bogen. Dora Hersen. Desde esta publicación propugnaron las tendencias del abstraccionismo. R. además.