Introducción: Motion Design

Movimiento y Gráficos

El Motion Design es un campo emergente que combina tanto los medios de movimiento
como los medios gráficos. Los medios de movimiento incluyen disciplinas
como la animación, el film y el sonido. La calidad que define a los medios de movimiento es
el cambio que se produce con el tiempo. Los medios gráficos incluyen disciplinas como el
diseño gráfico, la ilustración, la fotografía y la pintura. Las formas gráficas de los medios no
cambian con el tiempo. Aparecen estáticos a través de un punto de vista definido. Debido a
que los cambios ocurren con el tiempo, el Motion Design es a menudo llamado un medio
basado en el tiempo.
El cambio puede ocurrir en el transcurso de unos pocos fotogramas, segundos, minutos,
horas o incluso días. El movimiento interactivo, el arte de instalación y el arte de nuevos
medios pueden no tener una duración fija, o pueden poseer una línea de tiempo cambiante.
El movimiento ofrece la oportunidad de jugar con cualidades de ritmo y tensión. Teniendo en
cuenta la duración real, es esencial entender cómo crear contrastes interesantes en el
tiempo para un Motion Design fuerte.

Arte y Diseño

Hay dos extremos diferentes en el diseño del movimiento: el movimiento que se parece más
a las bellas artes y el movimiento que se parece más al diseño o al arte comercial. El
movimiento en el reino de las bellas artes evoca cualidades de misterio o ambigüedad. El
movimiento en el reino del arte comercial apunta a comunicar certeza. Por supuesto, hay
Motion Design que tiene aspectos tanto de las bellas artes como del arte comercial.

Por ejemplo, un anuncio puede empezar con arte y misterio, pero terminará con diseño y
certeza. Los primeros veinticinco segundos de un comercial de treinta segundos llevan al
espectador a un viaje que inspira emociones e ideas . Los últimos cinco segundos
invariablemente terminan con una animación del logo que deja al espectador sin dudas
sobre quién ha entregado el mensaje. Esta transición y viaje entre el arte y el diseño a
través del movimiento es sólo un aspecto de lo que hace que el Motion Design sea atractivo
tanto para los creadores como para la audiencia.
Gráfico a Movimiento

La relación entre el movimiento y el gráfico es vital para el movimiento diseño. El

movimiento hermoso comienza con una imagen gráfica hermosa. Una imagen fija define el
espacio, la profundidad y un punto focal. Este cuadro único muestra un momento en el
tiempo para un proyecto de Motion Design.

También ilustra el estilo visual. Al comenzar con un solo cuadro, un diseñador puede
imaginar y planificar la animación. Efectivo las composiciones se crean más fácilmente en
forma gráfica, que luego puede ser traducida en movimiento. Independientemente del estilo
de una imagen gráfica, se requiere una composición fuerte para generar interés en un
espectador. El principio de contraste y tensión como método para el interés se comparte
entre el movimiento y los gráficos.

El contraste crea tensión

Un tema general de este libro es el uso del contraste para crear tensión. La tensión atrae a
un espectador a una pieza. Puede ser expresada a través del concepto, la historia y la
composición de la imagen. Típicamente, cuando vamos al cine, vemos un programa o
leemos una novela, esperamos que nos cuenten una historia que nos desgarre de una
manera. Queremos ser transportados y movidos emocional e intelectualmente. Como
diseñadores del movimiento, necesitamos crear tensión para producir con éxito esta
experiencia. El contraste es la clave para transmitir la tensión en una pieza: la disparidad en
la composición entre el espacio positivo y el negativo, los valores de luz y oscuridad, la
escala grande y pequeña, etc. es lo que ayuda a crear interés visual.

Composiciones variadas

El diseño del movimiento crea composiciones variadas a lo largo del tiempo. Estas
composiciones cambiantes permiten una tensión creciente y decreciente, sorpresas
inesperadas y una comunicación impactante. En orden para ser efectivo con el movimiento,
uno debe ser primero efectivo con la composición. Este precepto es uno de los principios
fundamentales que
enlaza el movimiento y los gráficos. Además, un diseñador de movimiento debe aprender a
cambiar la composición con intención. Las composiciones pueden cambiar con una sutil
gracia o con una brusquedad impactante.
Esta descripción es la esencia de cómo el movimiento se transforma con el tiempo. A
medida que el movimiento se ralentiza, comienza a ser más gráfico o estático. El punto de
inflexión entre el movimiento y el gráfico es el punto exacto donde el cambio puede ser
percibido a través de un punto de vista.
Esta combinación de medios de movimiento y gráficos refleja la superposición de los
modelos de negocio de los estudios que trabajan en la industria del diseño en movimiento.
Producción basada en el diseño

La producción basada en el diseño es un término relativamente nuevo que se utiliza para

describir el modelo de negocio que ha surgido del Motion Design. Diseño -
La producción dirigida es un híbrido de empresas de producción cinematográfica
tradicionales y empresas de diseño. Algunas también incluyen las cualidades de las
agencias de publicidad tradicionales. Toda la gama de preproducción, producción y
postproducción se encuentra en estudios de diseño.

Algunos de los papeles creativos en la producción basada en el diseño

son diseñadores, animadores, editores, directores de arte, escritores, directores creativos y
directores de acción en vivo. En el lado de la producción, hay coordinadores de talento,
productores y productores ejecutivos.

También puede haber representantes de ventas, reclutadores u otros tipos de funciones de

producción, como asistentes de producción o corredores.
La combinación de los roles creativos y de producción en una empresa
o estudio comprende un equipo de producción. Aunque este texto se centra principalmente
en el lado del diseño del movimiento, cualquiera que trabaje en la producción impulsada por
el diseño puede beneficiarse aprendiendo más sobre el proceso de diseño.

Tipos de Proyectos Las compañías de producción impulsadas por el diseño sirven a una
gama de industrias creativas como la publicidad, el entretenimiento, el cine y el digital o
interactivo. Los tipos de proyectos de Motion Design incluyen comerciales, títulos de
películas, marcas de redes, paquetes de programas de radiodifusión, digitales señalización,
mapas de proyección, cinemática de videojuegos, web.

Los tipos de proyectos de Motion Design incluyen comerciales, títulos de películas, marcas
de redes, paquetes de programas de radiodifusión, digitales señalización, mapas de
proyección, cinemática de videojuegos, web banners, diseño de experiencia de usuario y
Motion Design interactivo.

También hay un mercado emergente para las plataformas digitales como lnstagram y
Facebook. Los proyectos de Motion Design de de naturaleza comercial incluyen
animaciones expositivas, ensayos visuales, movimiento poético e instalaciones de bellas
artes.

¿Qué es el Diseño para el Movimiento?

El diseño para el movimiento es el matrimonio de la creación de imágenes y la narración de

historias. Es la primera etapa creativa de un proyecto en una producción impulsada por el
diseño. Antes de empezar a hacer que las cosas se muevan, ya sea en cámara o a través
de la animación, se requiere una cierta cantidad de planificación. Un proyecto necesita un
concepto fuerte, un estilo visual, una historia o narración, y especificaciones para la
producción y la entrega.
A medida que el proyecto pasa de la etapa de diseño a la de movimiento, se trazan los
límites creativos para el equipo de producción. Comenzamos este proceso desarrollando un
concepto a través de técnicas como la escritura libre, listas de palabras, mapas mentales,
DO’s y de Dont’s , y tablas de estados de ánimo, que serán cubiertos en profundidad
en un capítulo posterior. A medida que nuestro concepto emerge, creamos un aspecto
distintivo. Después de que se define este patrón visual o estético, le damos forma a nuestra
secuencia narrativa. Describimos cada escena y toma clave en una producción basada en
el diseño para que tanto el estilo visual como la historia se entiendan fácilmente. Este
proceso produce los resultados primarios, o entregables, del diseño para el movimiento. Un
resultado, o entregable, es un producto terminado que se entrega a un profesor en un
entorno académico, o se entrega a un cliente en un entorno profesional.

El propósito de este libro

El propósito de este libro es enseñarles sobre estos resultados y cómo hacerlos. Se llaman
marcos de estilo y tablas de diseño. Los marcos de estilo ejemplifican los aspectos de
creación de imágenes de diseño para el movimiento, transmitiendo el estado de ánimo o la
sensación de una pieza, mientras que los tableros de diseño representan la narración de
historias demostrando una secuencia de eventos en orden cronológico. Otro diseño para la
entrega de movimiento es el "contenedor" que sostiene los marcos de estilo y los tableros
para las presentaciones. En un entorno académico, este documento se llama libro de
procesos. En un entorno profesional o comercial, este documento se llama libro de procesos
o cubierta de diseño. Las cubiertas de diseño de los libros de proceso se entregan a un
profesor o cliente. Estos books contienen los resultados finales de un proyecto de diseño
para el movimiento, así como varios grados de trabajo de proceso que ayudaron en el
desarrollo, el concepto.

Los marcos de estilo, las tablas de diseño y el "pitch" de proceso y de tono encarnan el
principio de la pre-visualización, o el plan para el estilo y la narrativa de la vis antes de la
producción. La necesidad de llegar a un estilo definido antes del movimiento es muy
importante, ya que el diseño del movimiento puede ser muy tedioso y laborioso. La
producción comercial es particularmente sensible a tener un estilo visual definido que que
un cliente acepta antes de crear la moción. Para producciones más artísticas, sigue siendo
un gran beneficio dar cuerpo al estilo visual de las etapas gráficas de un proyecto.

Además de definir los resultados primarios del diseño para el movimiento, este libro
contiene capítulos centrados en el desarrollo de conceptos, la creación de imágenes en
relación con el diseño para el movimiento y los principios y técnicas para la narración visual.
Hay resúmenes creativos incluidos en unos pocos capítulos para practicar las habilidades e
ideas fundamentales, así como un capítulo entero de resúmenes creativos dedicado a
ejercicios para el desarrollo de la cartera. Por último, hay una serie de perspectivas
profesionales a lo largo del libro que muestran ejemplos visuales y perspectivas personales
de pioneros de la industria.
Capítulo 1: Design for Motion

El movimiento hermoso comienza con el diseño hermoso

El Motion Design es un contenedor de composiciones visuales que cambian con el tiempo.

Un diseñador gráfico entiende cómo crear armonía en una sola imagen, mientras que un
diseñador de movimiento crea armonía a través de una secuencia de imágenes. Esta
secuencia de imágenes es traducido en movimiento por un animador o un equipo de
animadores cuando un proyecto pasa a producción. El trabajo del diseñador es crear un
estilo visual unificado para un proyecto. También establecen jerarquías visuales que dirigen
el enfoque de los espectadores. Una pieza de Motion Design sin un diseñador fuerte tendrá,
en el mejor de los casos, movimientos elegantes. Es más que probable que no se conecte
con los espectadores y no se comunique de manera efectiva.

Estilísticamente, cada cuadro se siente como si perteneciera al tablero de diseño. La

estética visual unificada se crea mediante elecciones de diseño claras y consistentes, como
la paleta de colores y la calidad de las líneas ilustrativas. La disposición secuencial de los
marcos comunica una narrativa visual y un plan de cómo la historia cambia con el tiempo.

El contraste se utiliza en todo el tablero de diseño tanto visual como conceptualmente. Hay
un fuerte contraste entre los elementos claros y oscuros, el espacio positivo y negativo, y los
tonos emocionales de tristeza y felicidad.

Construyendo sobre las tradiciones

Como disciplina creativa, el Motion Design es relativamente joven. También es muy

ecléctico, ya que se basa en las tradiciones de muchos otros campos creativos. En última
instancia, el Motion Design y la producción específicamente dirigida por el diseño se basa
en la tradición del atelier, o taller clásico. El Motion Design puede rastrear sus raíces hasta
los artistas como Saul Bass, que tradujo sus diseños de carteles en secuencias de títulos de
películas a partir de los años 50. Otros artistas como Pablo Ferro y Maurice Binder también
abrieron el camino con un trabajo similar en secuencias de títulos. Cineastas
experimentales como Oskar Fischinger, Len Lye y Norman Mclaren también sentaron las
bases de lo que sería el Motion Design. Kyle Cooper revitalizó el arte del diseño de títulos
con su trabajo en la película "Se7en" en 1995. A finales de los 80 y principios de los 90, las
industrias creativas experimentaron una revolución del escritorio digital que permitió que el
diseño en movimiento se convirtiera en la disciplina que es hoy en día. El precio del
hardware, incluyendo computadoras, cámaras y dispositivos de almacenamiento, sigue
bajando, mientras que la potencia de procesamiento y las capacidades de estos dispositivos
aumentan. Esta revolución tecnológica hizo que el campo del Motion Design fuera accesible
a una amplia gama de tipos creativos.
Una entrevista con John Colette, Presidente de Motion Media Design-Savannah
College of Art & Design

Mi primer encuentro con marcos de estilo fue trabajando con tecnología de escritorio. En
ese momento, alrededor de 1988-89, la tecnología de escritorio era bastante desconocida
en el mundo de la post-producción. Todos los que lanzaron para los comerciales y los que
lanzaron para el trabajo de difusión...trabajaba en máquinas de un millón de dólares. No
habían integrado ninguna tecnología de escritorio en su flujo de trabajo. Solían hacer
fotografías de los diseños que produjeron. Tendrían una pequeña tabla en un trozo de
núcleo de espuma. Era una impresión fotográfica en T x 5" que tenía una resolución
bastante baja. Tratarán de presentarla a una agencia.

Luego, comenzaron a usar tecnología de escritorio e impresoras fotográficas de

sublimación. Utilizaron impresiones físicas de 8 x 10 pulgadas, y eso mejoró su capacidad
de resolución. En ese momento, había un legado de tener un artefacto físico del estilo
marco de lo que intentabas hacer con el trabajo. La cultura siempre fue producir storyboards
físicos, así que la gente dibujaba un storyboard cuando lanzaban un comercial.

Es de los sentidos, eso todavía sucede para las imágenes filmadas. Pero, con las
imágenes producidas por digitally, se puede hacer un prototipo un poco mejor Por supuesto,
ese prototipo se ha vuelto mucho más frecuente. Hoy en día, todo está basado en la
pantalla. Tienes que pensar en esto como antes de que la gente tuviera proyectores en
cada sala de juntas... Ese tipo de tecnología eran increíblemente nuevos. La idea de
presentar un artefacto físico de alta calidad a alguien a finales de los 80 era una gran
ventaja. Aumentaba su sentido de profesionalidad y les permitía cobrar mucho por un
trabajo. Consiguieron mucho trabajo al ser capaces de lanzar de una manera convincente.

Si estuvieras haciendo un lanzamiento en un Quantel Henry ("los efectos

Editor que se convirtió en el pilar de la industria de la postproducción en todo el mundo a
mediados de los noventa"), 1 tendrías un buffer de disparo de unos 90 segundos. Así que
ingerirías un trozo de la cinta en los discos duros. Se acumularían los activos, que
ocupaban el cuadro . Tenías que ser mucho más juicioso sobre lo que trabajabas y cómo lo
hacías. El diseño en esas etapas era bastante rápido. El costo era muy alto para trabajar en
las cosas. Las ideas se realizaban fácilmente en esas condiciones.
La gente no tenía ideas locas, sólo estaban felices de hacer algo. El diseño era una especie
de complemento.

Alrededor de 1993, se obtuvo la capacidad de trabajar con video en

y las computadoras de Sktop. Lo que eso hizo fue similar a lo que hizo Photosti. Empecé a
enseñar Photoshop con la versión 2.0, y, en ese momento

En esa época, había probablemente unas 100.000 personas en todo el mundo que
trabajaban con esa herramienta. Ahora hay cientos de millones. Ha habido una explosión de
capacidad digital. Durante 6 o 7 años, a finales de los 90, hubo una apertura a estas
herramientas. Le dio a este amplio grupo de personas acceso a
herramientas que hacían las mismas cosas que las costosas herramientas de alta gama.
Así que tenías estos diferentes tipos de oportunidades, diferentes tipos de experimentación,
y diferentes tipos de lenguajes en desarrollo. Podías ver a la gente empezando pequeños
estudios basados en el diseño y produciendo cosas que empezaron a definir la cultura.
Anteriormente, la cultura se había definido por el acceso a los medios de producción, que
era muy limitado. Cuando es propiedad del capital, es un millón de dólares para jugar, y son
700 dólares por hora para experimentar, no hay mucha experimentación.

De repente tienes a varios millones de personas pasando el rato en la escuela de arte,

experimentando. Un escáner costaba 3.500 dólares a principios de los 90. En unos pocos
años, era un producto de 90 dólares. Cuando más y más gente comenzó a acceder a esas
herramientas, la creatividad que se aplicó al diseño se aplicó desde tantas direcciones y
desde tantas voces. Fue entonces cuando se volvió realmente prolífico. Hubo un período
interesante a principios de la década de 2000 cuando la revista RES M tenía un festival
llamado RESfest, y producía DVDs. Todo el trabajo inicial de Psyop y Tronic y esos estudios
era visible en esos DVDs. Podías ver lo que estaba pasando y los experimentos que la
gente estaba haciendo.
Así que hubo un aumento exponencial en el acceso y la participación, pero también en la
comunicación.

El primer modelo de postproducción vio la integración de elementos digitales en el flujo de

trabajo como un proceso funcional. Así que si tienes un compositor de personal, si es para
hacer una composición fotorealista. O, si tienes un colorista, es para asegurarse de que el
director de fotografía esté feliz de que todo se vea como cuando lo disparó, mientras entra a
través de Telecine {"el equipo usado en el proceso de transferir una película a una cinta de
vídeo o convertirla en imágenes de televisión")2 . La gente tiene plazos. Es muy caro tener
sobrecostes. La producción cinematográfica está muy controlada.

Una vez que tuvo esta explosión de escritorio, se escucharon diferentes voces. En última
instancia, es emocionante porque si nos fijamos en la cultura que tenemos ahora, el campo
de juego es increíblemente nivelado. La gente puede participar de maneras que antes no se
les permitía. Ya no hay excusa. ¿Será bueno? No.
saber. Pero, la oportunidad está ahí. La escala de la post-producción fue realmente
agregada alrededor de muy pocas oportunidades, en términos
del número de personas que tocó, pero normalmente tenía grandes presupuestos. Ahora,
los presupuestos están mucho más distribuidos, pero apoyan a mucha, mucha más gente.
Eso es positivo para la gente que estudia postproducción, o que quiere entrar en la
industria.
Publicidad
La industria publicitaria es uno de los principales empleadores de los estudios de
producción de diseño. Los anunciantes trabajan directamente con
clientes. para formular estrategias e ideas generales para las campañas de marketing. La
publicidad utiliza el diseño de movimiento para todo, desde el prototipo hasta la ejecución
de proyectos comerciales. Diseño para el movimiento
y la publicidad son similares ya que ambas sirven para dar por m a las ideas creativas. Un
estudiante o profesional de la publicidad que desee ser más práctico puede utilizar el diseño
para el movimiento en producciones de diseño.

Escritura creativa
La escritura es una parte extremadamente importante del diseño del movimiento.
El desarrollo conceptual y el desarrollo narrativo dependen de la escritura para registrar las
ideas. Como un medio basado en el tiempo, el diseño de movimiento
cuenta una narración o historia. Este proceso requiere la habilidad de escribir un guión o
tratamiento. Para propósitos de comunicación, es esencial que un diseñador sea capaz de
escribir descripciones sobre su trabajo. Muchos estudios de diseño emplean a escritores
para ayudar en proyectos de lluvia de ideas, preparar presentaciones, y desarrollar guiones
para grandes
producciones.
Animación
El diseño de movimiento es una forma de animación. Sin embargo, la animación tradicional
tiende a centrarse en el desarrollo de personajes y la narrativa literaria. El diseño de
movimiento se centra en la dirección artística y utiliza una amplia gama de recursos de
diseño. Además, la animación tradicional es típicamente
formato largo, mientras que los proyectos de diseño de movimiento son relativamente
cortos. A pesar de estas diferencias, los animadores y los diseñadores de movimiento
trabajan codo con codo en muchos estudios de producción de diseño. Los animadores que
quieren trabajar en un entorno de ritmo rápido, y en una variedad de proyectos, lo hacen
muy bien en el diseño de movimiento.

Efectos visuales
Al igual que la animación, los efectos visuales tienen similitudes con el diseño de
movimiento. Muchas de las mismas herramientas y principios se aplican a ambas
disciplinas. Las diferencias clave existen en cómo encajan en el flujo de trabajo de
producción. Los artistas de efectos visuales prestan una increíble atención a los detalles y al
dominio de las habilidades técnicas. En la industria cinematográfica, tienden a trabajar en
planos específicos para un proyecto de más de
un largo período de tiempo. Los diseñadores de movimiento tienden a trabajar en muchos
proyectos, y en muchas capacidades diferentes. Pueden concebir y diseñar para un
proyecto, y luego trabajar como animadores o compositores en otro. Al igual que los
animadores, los artistas de efectos visuales y los diseñadores de movimiento a menudo
trabajan codo con codo en los estudios de producción. Los artistas de efectos visuales son
muy valiosos en el diseño de movimiento debido a sus habilidades altamente
especializadas.

Edición
Una fuerte habilidad en la edición de películas es esencial para el diseño de movimiento. El
diseño de movimiento debe ser organizado de manera que lleve al espectador a un viaje.
Los editores entienden el ritmo de la narración y cómo crear tensión dramática a través de
un punto de vista. Todos los diseñadores de movimiento pueden beneficiarse de la
educación y la formación en edición. Algunos editores añaden el diseño de movimiento a su
arsenal de habilidades para ser más versátiles y valiosos en la fuerza de trabajo.

Película
La dirección y la cinematografía también son esenciales para el diseño de movimiento.
Aunque los diseñadores de movimiento rara vez dirigen el talento, siempre están dirigiendo
el movimiento y la expresión de los elementos visuales. Algunos diseñadores de movimiento
se sienten bastante cómodos dirigiendo la acción en vivo, y pueden moverse con fluidez
entre el talento en vivo y los medios digitales. Los cineastas pintan con luz y graban bellas
composiciones a través del objetivo de la cámara.

Estas habilidades se traducen directamente en el diseño de movimiento como una

comprensión de luz y oscuridad ayudan a un diseñador a dirigir el punto focal de un
escena. El diseño para el movimiento se basa en gran medida en el arte y el lenguaje de la
narración cinematográfica.

Los estudiantes y profesionales del cine encuentran que el diseño de movimiento es un

enfoque accesible y alternativo para la realización de películas.

diseño, el cambio es algo que es iniciado por el usuario. Al haber diferentes consideraciones
en cuanto a la pasividad y el cambio, el diseño de movimiento puede ser utilizado para
mejorar la interactividad de la experiencia.