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Cuadernillo Historia del Arte y Cultura

Para el Profesorado de Música 9-014

INTRODUCCIÓN
Este manual es precisamente lo que define el Diccionario: “Libro en el que se recoge y resume lo
fundamental de una asignatura o ciencia”.
Corresponde a los temas que se desarrollan en la cátedra “Historia Universal del Arte y la Cultura”
de los Profesorados de Artes Visuales, Música, Danzas y Teatro.
El objetivo es introducirlos en la comprensión de los diferentes movimientos artísticos y el contexto
en que maduraron. Para lograrlo será necesario acercarse a la Historia del Arte con el espíritu
abierto a manifestaciones culturales que son, nada más ni nada menos, la huella de la humanidad.
Es absolutamente necesario contar con el apoyo visual que nos brindan los libros y los nuevos
sistemas de tecnología comunicacional y, por supuesto, no olvidar que los temas están desarrollados
en sus conceptos fundamentales.

HISTORIA DEL ARTE

La Historia del Arte es la ciencia que trata de describir, comprender y valorar las obras
artísticas espaciales desde el punto de vista de sus relaciones con las de las épocas anteriores y
sucesivas y de la consideración de sus propiedades típicas.
En sentido estricto, la Historia del Arte ha quedado reducida al estudio de las obras artísticas cuya
percepción nos llega fundamentalmente a través de la vista; no obstante su íntima relación con las
artes no espaciales, como la Literatura y la Música.
En una obra artística se han de considerar los diversos elementos que contribuyen a su valoración,
en primer lugar, la técnica, y así un objeto elaborado merced a una depurada técnica puede
calificarse de artístico. Pero el concepto de arte encierra además una valoración estética, es decir, su
tendencia hacia la perfección, hacia la belleza, que distingue las obras del hombre de las de los
demás seres de la creación.
Una obra artística será más o menos valiosa en cuanto responda al momento histórico en que se ha
elaborado, y sea, por tanto, una manifestación plástica de éste.
Por ello las obras arcaizantes (en el sentido de primeras exponentes de un determinado estilo) serán
de menor valor e igualmente alcanzarán una mayor valoración aquellas obras que, representando su
momento histórico, lleven implícita al mismo tiempo, las premisas de la futura evolución del arte.
La Historia del Arte puede considerar el estudio de la obra de arte desde un doble punto de vista:
 como expresión de un contenido, que es esencial para la comprensión y evaluación de una
civilización, de un período histórico o de un ciclo cultural.
 desde el punto de vista formalista, es decir la obra como portadora de formas; lo que
constituye el principal campo de acción de la Historia. del Arte: el estudio de las formas
artísticas y su evolución a través del tiempo y del espacio.

División
La tradicional división de la Historia del Arte es totalmente independiente de la división de la
Historia, e incluso hay una marcada tendencia a aplicar las denominaciones de los períodos
artísticos a los históricos. La usual división de la Historia del Arte se halla determinada tan pronto
por el factor geográfico (área de su extensión) como por el tiempo.
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Con la definitiva unificación espiritual originada por el Cristianismo, las divisiones se hacen por
estilos y las subdivisiones por fases o períodos geográficos; éstas se acentúan conforme se van
marcando las diferencias nacionales.
Así existe, por ejemplo:
 Arte Paleocristiano, en la Edad Antigua.
 Prerrománico, Románico o Gótico en la Edad Media.
 Renacimiento y Barroco en la Edad Moderna.
 El Neoclásico y los estilos del siglo XIX y comienzos del XX, en la Contemporánea, sin que
ninguna de estas divisiones supongan un cambio brusco por el que pueda precisarse una fecha
determinada.

Arte e Historia
El arte es, entre todos los fenómenos sociales, el más libre y espontáneo, es decir el más individual,
sin que por ello deje de obedecer al determinismo de las causas sociales. Así como es falsa la
concepción de que todo depende del artista, también lo es la que considera la obra artística como
fruto de causas y acciones colectivas.
El artista está sujeto tanto al medio ambiente como a las formas recibidas que utilizaron sus
predecesores. La obra de arte ha de ser ejecutada por alguien que mantiene su libertad para
decidirse por una u otra forma.
Un artista es ante todo un hombre de su época, raza, momento histórico y por consiguiente, en
todo momento proyectará en su creación, consciente o inconscientemente, las ideas de su
tiempo. Por ello, el arte no se puede separar de la Historia, teniendo por otra parte la ventaja de
hablar un lenguaje universal, que no necesita traducciones ya que se dirige directamente al espíritu
del espectador.

Formas artísticas
El objeto fundamental e inmediato de la Historia del Arte es el estudio de la evolución de las formas
artísticas. El conjunto de estas formas, que se repiten durante un período o en una serie de obras, es
lo que constituye el estilo artístico, y el artista es heredero de estas formas.
En todo estilo artístico se advierten diversas fases, un nacimiento donde se trata de dominar la
técnica, en la que el artista sólo logra expresar su pensamiento; un punto cúlmine donde se logra el
equilibrio completo entre pensamiento y obra, con gran dominio de la técnica, y por último
completando el ciclo evolutivo, las formas pierden vitalidad, decaen, y determinado estilo artístico
se agota.

El saber histórico
Historia (del griego búsqueda, pesquisa) es la ciencia que estudia los hechos producidos por el
hombre en cuanto ser social a lo largo del tiempo y en su encadenamiento causal.
El sujeto de la Historia es el ser humano, el hombre que por ser inteligente y libre es el único capaz
de hacer Historia. El hecho histórico es irrepetible.
El objeto de la Historia son los hechos humanos, pero no todos, sino aquellos que han gravitado
en la vida de los hombres, manteniendo su vigencia a través del tiempo.
El historiador no se limita a narrar los hechos del pasado. Intenta conocer, comprender e interpretar
el pasado. Para ello necesita ordenar, seleccionar, jerarquizar, analizar, comparar, interpretar y
extraer conclusiones.
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Importa explicar los motivos o razones que produjeron los sucesos. Y, como se trata de actos
humanos, conocer cuáles fueron los propósitos que sus autores tuvieron al realizarlos.
Como la vida de una sociedad no se presenta como una sucesión lineal de acontecimientos
derivados los unos de los otros, sino como un complejo de acciones y reacciones colectivas que se
manifiestan en los más diversos campos, es necesario que el historiador conciba el estudio de la
época como una totalidad.
No se puede explicar el pasado de acuerdo con las ideas actuales. Es preciso que el historiador se
sumerja en la atmósfera intelectual de la época.
No todo hecho pasado es histórico. Son históricos aquellos acontecimientos que han trascendido
su época.

Fuentes de la Historia
El historiador trabaja con testimonios y fuentes que deben ser estudiados con imparcialidad.
Testimonio es todo material que ha quedado de la acción del hombre. Se convierte en fuente cuando
el historiador lo investiga.
Las fuentes se clasifican en:
 Materiales: viviendas, utensilios, monumentos, templos, esculturas, pinturas, etc.
 Orales: transmisión de hechos de generación en generación: folklore, refranes, leyendas,
fábulas; testimonios de testigos.
 Escritas: mapas, crónicas, libros, cartas, archivos, periódicos, memorias.

Periodización
Lo primero que hace un historiador es establecer dónde y cuándo ocurrieron los hechos.

Tradicionalmente, la Historia se divide en 4 edades para su mejor estudio.

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 Edad Antigua: Se inicia con la aparición de la escritura, tal vez 3000 años A.C. y finaliza con
la caída del Imperio Romano de Occidente, en el año 476.
 Edad Media: Se inicia en el año 476 y termina en el 1453, con la caída de Constantinopla en
poder de los turcos.
 Edad Moderna: Se inicia en el año 1453 y finaliza en el año 1789 con la Revolución
Francesa.
 Edad Contemporánea: Se inicia en el año 1789 y se extiende hasta nuestros días.

Concepto de cultura
El hombre es capaz de producir hechos que no son los de la mera supervivencia de la especie y que
reflejan su espíritu, y éstos son los hechos culturales.
La cultura es entonces un hecho específicamente humano, que abarca la mayoría de los actos de su
vida: religión, costumbres, forma de vivir, lenguaje, etc.
Todos los pueblos tienen una cultura que le es propia, aún los primitivos.
En cambio, hablamos de civilización cuando queremos referirnos a pueblos ya establecidos en
ciudades, o sea, que tienen una cultura urbana.
No todos los pueblos alcanzan el grado de civilización pero todos poseen cultura.
Civilización, en sentido estricto, se refiere al desarrollo técnico- industrial. Cultura, en sentido
estricto, se refiere a lo espiritual. En sentido amplio la cultura comprende a la civilización.
Las culturas se aprenden. No se trasmiten genéticamente como los caracteres raciales. Las
diferencias culturales no surgen porque pueblos distintos hayan heredado diferentes
potencialidades, sino porque son criados en forma diversa.
Afirma Braudel: “En la actualidad, civilización sería el bien común que se reparte desigualmente en
toda la humanidad, lo que el hombre ya no olvida: el fuego, la escritura, el cálculo, la domesticación
de animales, la agricultura, bienes a los que no se adjudica ningún origen particular porque se han
convertido en bienes colectivos de la humanidad”.
La historia de la cultura se ocupa de la religión de los pueblos y de las ideas que el hombre ha
formulado, respecto a la otra vida; también interesan en forma notable las manifestaciones estéticas
así mismo los movimientos científicos y literarios, de igual forma la vida política o formas de
gobierno y por último los medios de vida de los diferentes grupos sociales que formaron
comunidades agrícolas, industriales, de cazadores, nómades o sedentarias.

EXTRAÑOS COMIENZOS

Los principios de la cultura humana y los primeros ecos de nuestro espíritu, cuyo desarrollo origina
la civilización, son desconocidos para nosotros, y es probable que la ciencia jamás logre descorrer
el tupido velo que los oculta.
Al tratar de la cultura de los tiempos primitivos no hemos de pensar que nos ocupamos de culturas
en formación, sino de culturas hechas que, por su remota antigüedad, deben situarse al principio de
la historia. En las culturas primitivas ejerce una influencia casi decisiva la fuerza de la naturaleza;
en las culturas posteriores, el estado espiritual.
La mayoría de las veces, por el contacto con otras, las culturas pierden estabilidad y sufren cambios,
desapareciendo en muchos casos y evolucionando en otros.
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CULTURA PREHISTÓRICA
La prehistoria es la ciencia que investiga la época en que el hombre no dejó documentos escritos ni
trasmitió oralmente los hechos. Para seguir la historia del hombre primitivo nos basamos en los
restos que ha dejado y sus manifestaciones artísticas.
El fundador de la prehistoria fue el francés Boucher de Perthes que halló en 1838 restos fósiles del
hombre prehistórico y su industria lítica en Francia. La prehistoria abarca un período muy extenso:
desde la aparición de los primeros antecesores del hombre actual, los “homínidos”, 3.500.000 de
años atrás- hasta la invención de la escritura.
La antigüedad de la vida sobre nuestro planeta ha sido calculada en unos 3500 millones de años; la
de los homínidos más antiguos entre 3 y 4 millones de años.

Períodos culturales de la prehistoria

La prehistoria se divide en dos grandes edades: la edad de piedra y la edad de los metales, según el
material de que están hechos los utensilios y las armas usadas por el hombre.

La Edad de piedra:
El material que prefirió el hombre en esta época fue la piedra, aunque se supone que usó otros como
la madera, que han desaparecido por su corruptibilidad.
La edad de piedra se divide en dos períodos, el paleolítico y el neolítico, según se utilizara la piedra
tallada o golpeada por percusión o bien la piedra pulida por frotación.

La sociedad paleolítica:
Desde los primeros tiempos –paleolítico inferior- el hombre llevaba una vida nómade, salvaje, que
se desarrollaba al aire libre, vivía en los árboles o a orillas de los ríos pues el clima era cálido; se
alimentaba de la caza, de la pesca y de los frutos que recogía a su paso.
A medida que el clima se enfriaba, se protegió en grutas y cavernas –troglodita-. Conoció entonces
el fuego, se cubrió con pieles de animales y sepultó a sus muertos.
Fue ésta una cultura de cazadores inferiores, con economía destructiva, cuyo estado social era la
horda.
Las materias primas utilizadas por estos primeros hombres son: hueso, madera, sílex, obsidiana, con
los que elaboran hachas de mano, raspadores, percutores de madera, puntas de flecha y lascas,
tallados por percusión.
Los restos humanos fósiles más representativos de este período se hallaron por primera vez en
Alemania, son los del hombre de Neanderthal (1856) aunque también se encontraron otros en
Europa, Asia y África. Corresponden a individuos de baja estatura y de aspecto simiesco que
desaparecieron bruscamente al término del paleolítico inferior sin dejar descendencia directa.
En un período posterior (40.000- 8.000 a.c.) –paleolítico superior- se produjeron grandes cambios
en la fauna y en la flora; los animales característicos fueron el reno y el mamut. El hombre vivió en
cavernas próximas a los cursos de agua o en tiendas de cuero; trabajó la piedra con un tallado más
perfecto y usó también el hueso y el marfil para fabricar arpones, puntas de flecha, propulsores para
jabalinas y bastones de mando.
El hombre de esta edad creyó en una vida de ultratumba porque enterró a los muertos con sus
enseres y adornos. Fue la suya una cultura de cazadores superiores, con economía de conservación,
que supo aprovechar mejor las posibilidades ecológicas de cada zona; su estado social era el clan
totémico.
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Los restos fósiles correspondientes son los del hombre de Cro Magnon, de inteligencia superior a la
de sus predecesores, considerado ya un homo sapiens de tipo semejante al actual, que sería
originario del Asia occidental desde donde se habría extendido por Europa, África, Australia y
América.

La revolución neolítica:
Entre el año 8.000 y 5.000 a.c., período que se conoce con el nombre de revolución neolítica se
produjeron profundos cambios en todos los órdenes.
En esta época de clima cálido y seco el hombre dejó de ser un cazador nómade para convertirse en
agricultor sedentario, domesticó animales, conoció la industria del tejido, inventó la alfarería o
cerámica, la rueda y las lámparas de aceite.
Agrupó sus viviendas en recintos fortificados, palafitos y terramaras – en medio de lagos o elevados
sobre tierra, respectivamente-, integrando asociaciones organizadas tanto para el trabajo como para
la defensa común.
Los clanes se reunieron formando la tribu, bajo una jefatura única de carácter militar.
Fue ésta una cultura aldeano-campesina, basada en la riqueza agropecuaria, con economía de
producción.
El hombre neolítico admitió la existencia de un principio sobrenatural que regía los destinos de la
naturaleza y su propia vida. Esa fuerza sobrenatural es femenina, la tierra, que se transforma en
diosa de la vida, la diosa madre. En los pueblos agrícolas es diosa de muerte y resurrección. El culto
de los muertos se fue generalizando.
El hombre empieza a acumular reservas para obtener seguridad. Nace así el concepto de riqueza y
desigualdad social. Aumenta la población a causa del aumento de alimentos.
El hombre del paleolítico pudo haber practicado la navegación. En el neolítico aparecen los remos,
velas y el timón. Las primeras embarcaciones fueron piraguas o canoas vaciadas en troncos de
árbol.
No se conoce cuándo los animales empezaron a utilizarse como montura y si esto fue antes de que
fueran empleados como fuerza de arrastre.
La rueda se utiliza por primera vez en la zona del Cercano Oriente y el Mediterráneo. Con los
indoeuropeos el carro se difunde a Occidente.
El hombre neolítico busca los minerales y los explota con el uso de picos y azadas de cuernos y
homóplatos de ciervos.
En materia de tejidos, se han encontrado hilados de lana, cáñamo y lino.
En el Cercano Oriente este proceso se da entre el 8.000 al 7.000 a.c. – por la desertificación el
hombre busca refugio cerca de los ríos -. La revolución neolítica se difunde lentamente hacia el
oeste (5.000 a.c. en el centro de Europa, Alemania, Países Bajos, Italia y España; 3.000 a.c. en
Inglaterra, Portugal, Irlanda y países bálticos).

Edad de los metales

Al principio el hombre usó los metales puros (plata, cobre, oro). Más adelante conoció las
aleaciones y el bronce sustituyó a la piedra.
La cultura del bronce surgió en el Egeo y se difundió por África, Europa y Asia. El bronce fue
empleado para fabricar arados, armas y en barras como moneda.
En esta edad se utilizaron la rueda y el carro; se construyeron grandes naves, enormes edificios con
ladrillos y tumbas. Fueron comunes los sacrificios humanos en las ceremonias funerarias.
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Fue ésta una cultura de tipo urbano, en la que la vida del hombre se desarrolló en colonias aisladas,
hasta que se produjo la invasión de pueblos llegados del este, los indoeuropeos, que transformaron
la cultura del bronce, pues usaban el hierro para fabricar sus armas y enseres. Los indoeuropeos
provenían de las llanuras de Rusia Central y Siberia y se precipitaron hacia el oeste entre el 1.700 y
el 1.000 a.c.
El hierro fue descubierto hacia el año 3.000 a.c. y tardará mil años en llegar a Europa,
generalizándose su uso en Occidente hacia el 800 a.c. El bronce se reserva para artículos de lujo y el
uso de la piedra desaparece.
Esta época, que se conoce más por las tradiciones que por documentos escritos, es considerada
como protohistoria o etapa de transición entre la prehistoria y la historia.

ARTE PREHISTÓRICO
No sabemos cómo empezó el arte, del mismo modo que ignoramos cuál fue el comienzo del
lenguaje.
El sentimiento de la belleza era implícito, intuitivo y su concreción está indisolublemente unida al
conjunto de las actividades humanas: la reproducción, la caza, la lucha, la supervivencia, la utilidad,
la magia.
Era un arte de cazadores primitivos, que vivían en un nivel económico improductivo y que tenían
que recoger su alimento no creárselo; hombres, que según las apariencias, tenían moldes sociales
inestables, inorganizados. Todos los indicios aluden a que el arte servía de medio a una técnica
mágica, pero una magia que no tenía nada que ver con la religión.
Las representaciones plásticas eran la “trampa” en la que la caza tenía que caer; o mejor eran la
trampa con el animal capturado ya, pues la pintura era al mismo tiempo la representación y la cosa
representada, era el deseo y la satisfacción del deseo a la vez.
Las primeras manifestaciones del arte figurativo aparecen en el paleolítico superior (homo sapiens)
y se remontan a 30.000 años a.c., perteneciendo a la cultura auriñaciense, en Francia.
Su mayor difusión tuvo lugar en España y Francia, protegidas por el Macizo Central y los Pirineos
de las glaciaciones que ocupaban toda Europa septentrional, donde el hombre encontró un ambiente
más favorable para la supervivencia.
A este período corresponden las estatuillas, llamadas Venus auriñacienses, con carácter
antropomórfico que reproducen elementos femeninos acentuados, pechos, glúteos; tratándose de
representaciones mágicas que evocan la fecundidad. Las más conocidas son la Willendorf,
Lespugue, Grimaldi.
El arte que aparece en las primeras cuevas alcanza su mayor logro expresivo en la gruta de
Lascaux, entre los 14.000 y 13.000 a. c. situada en Francia; tiene las paredes y gran parte de la
bóveda cubiertas por figuras policromas reproduciendo animales de la época glacial, con
predominio del buey, aunque también aparecen, ciervos y otros animales. Para la pintura se ha
empleado un utensilio o el dedo untado de color, con contornos negros
Sigue la escuela magdaleniense, de la cueva de la Madeleine en Tursac, que se sitúa entre 14.000 y
9500 a.c.
Otra cueva famosa, es la de Altamira, en España, cuyas pinturas de la bóveda se remontan al
magdaleniense; predominan el rojo, rosa, negruzco y al igual que en otras cuevas la composición no
sigue un orden establecido.
Una cierta parte de los animales representados aparece golpeada o herida, más aún carente de
cabeza, lo que confirma el carácter propiciatorio de la imagen; el hombre, por el contrario aparece
raramente.
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Tras la última glaciación, a finales del Cuaternario, unos 10.000 a.c., el progresivo avance de un
clima más templado llevó consigo la extinción o emigración hacia el norte de algunas especies
animales que fueron sustituidos por otras más pequeñas. Cambió el tipo de caza y desaparece la
importancia de los grandes santuarios decorados. Surge un nuevo tipo de pintura rupestre en
pequeñas cavernas o refugios al aire libre que se difunde por el Levante español. En esta pintura
más estilizada aparece la figura humana junto a una fauna post-cuaternaria (7.000 a 3.000 a.c.),
entretanto en otras regiones europeas se comienza a difundir una economía de tipo agrícola, se
abandonan las cuevas y se construyen cabañas.
En el Neolítico el trabajo sobre piedra se hace más refinado y se comienza a producir cerámica. Se
pintan animales domésticos, especialmente bovinos, lo que prueba la crianza de los mismos,
apareciendo luego también figuras de caballos.
Es muy importante destacar en este período las grandes construcciones megalíticas (de piedras
grandes) o recintos fortificados:
 Dólmenes (en celta: mesa de piedra) es una construcción elemental que consta de dos piedras
verticales, cruzadas por una horizontal. Puede haber tenido una misión sagrada o sepulcral. Ej.
Conjunto megalítico de Stonehege en Inglaterra.
 Menhires (piedras largas) hundidos verticalmente en la tierra, tal vez símbolo de
masculinidad o para retener almas errantes.
 Cromlechs: menhires en círculo, dedicados acaso al culto solar u otros rituales sagrados.
 Alineaciones: sucesión de menhires, a veces de hasta 3 km. en dirección este- oeste, en
relación con el movimiento del sol. Ej. Carnac (Francia).

EL ALBA DE LA CIVILIZACIÓN: MESOPOTAMIA

La civilización empezó en Súmer. En esta pequeña región de la Baja Mesopotamia, las avanzadas
sociedades agrícolas de la Edad del Cobre encontraron un paisaje propicio en el que crecer y
prosperar. Pero para conseguirlo, primero tuvieron que organizarse y aprender a controlar las
crecidas de los ríos. Así fue como apareció la agricultura de regadío y algunos de los inventos más
extraordinarios de la humanidad, como el arado, el transporte rodado, el primer código escrito y la
escritura.-
Las sociedades salidas de este nuevo modelo económico, imbuidas por un profundo espíritu
religioso y plenamente jerarquizadas, vieron cómo sus antiguas aldeas se convertían en grandes
ciudades y se toparon con la necesidad de poner orden a su complejo funcionamiento interno. Esto
aumentó el poder de aquellas personas que habían dirigido y coordinado el progreso colectivo y así
nacieron los primeros líderes políticos y religiosos.-

Ubicación geográfica:
Mesopotamia significa “entre ríos” (Tigris y Éufrates). Consta de dos regiones bien diferenciadas:
 la Baja Mesopotamia, llanura fértil, de veranos calurosos e inviernos fríos (Súmer o Sinear)
 la Alta Mesopotamia, zona montañosa de clima riguroso (Asiria).

Organización social:
Es conocida gracias al Código de Hamurabi, el cual distinguía 4 sectores sociales:
 clases privilegiadas: altos funcionarios y sacerdotes.
 pueblo: artesanos, comerciantes, obreros, agricultores, soldados, pastores.
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 libertos o muskinos: ex esclavos que lograron su libertad pagando su precio a su amo.
 esclavos: se accedía a esta clase por nacimiento o conquista. Se le marcaba y era considerado
un bien mueble.
El matrimonio era monogámico y fiel. Estaban permitidas las uniones no registradas o matrimonios
a prueba, terminables a voluntad de cualquiera de las partes. La mujer debía llevar una oliva de
piedra o tierra cocida que indicaba que era concubina.
El matrimonio legal era dispuesto por los padres y sancionado con un trueque. Consistía en una
especie de compra por parte del varón y entrega de dote de la mujer.
La posición de la mujer era inferior que en Egipto o Roma. Podía administrar sus bienes, ejercer el
comercio y heredar.
La sociedad era patriarcal. El adulterio era penado duramente por el código de Hamurabi: a la mujer
y su amante se los arroja al río. La mujer podía ser repudiada por su marido por esterilidad,
enfermedad o negligencia en sus deberes de esposa y ama de casa.

Código de Hamurabi:
Fue hallado en Irán en 1902 en una estela de basalto de 2 metros de alto que tiene en su parte
superior al dios Marduk, que sentado en su trono le da instrucciones al rey Hamurabi.
Comprende 282 leyes agrupadas en varios epígrafes: ultrajes contra las magistraturas, delitos contra
la propiedad, bienes raíces, comercio, familia, incesto, aborto, violación, violencia contra las
personas, actividades profesionales, explotación agrícola, salarios, locación, esclavos. Es una
colección de jurisprudencia más que un código. Aplica la ley del talión: ojo por ojo diente por
diente. Se recurre a ordalías, arrojando al culpable al río Éufrates en caso de adulterio.

Escritura cuneiforme:
La escritura de los mesopotámicos se llamó cuneiforme porque los caracteres presentaban forma de
clavo o cuña.
Los caracteres se grababan con un punzón triangular de caña o hueso sobre ladrillos crudos de
arcilla, planos o cilíndricos. Se han encontrado bibliotecas como la de Assurbanipal en Nínive que
contaba con más de 20.000 tablitas de arcilla.
Eran pictografías en su fase original, pero pronto evolucionaron hacia lo fonético silábico,
concretándose en unos 400 caracteres diferentes, cada uno de los cuales indicaba una sílaba, una
palabra o una letra. Esta escritura tuvo un éxito enorme en toda la Medialuna de las Tierras Fértiles.
La utilizaron semitas, indoeuropeos, persas. Cada pueblo escribió en su propio idioma con
caracteres cuneiformes.

Organización política:
Los reyes tenían poder absoluto y representaban a los dioses en calidad de vicarios o delegados. Se
encargaban de la administración política y religiosa del Estado. Inspiraban a sus vasallos gran temor
y respeto, vivían lujosamente en sus palacios, comandaban sus ejércitos, pero cuando morían no se
los divinizaba.
Las primitivas ciudades-estado sumerias eran gobernadas por supremos sacerdotes (Patesi). Con la
unificación apareció la monarquía.

Religión:
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Acentuado politeísmo por la incorporación al panteón local de los dioses de los pueblos vencidos.
En la biblioteca de Assurbanipal se encontraron más de 1.000 dioses.
Algunos dioses fueron adorados en toda Mesopotamia, como Marduk, dios de Babilonia y Asur,
dios de Asiria.
Los dioses se representaban con forma humana, lujosamente ataviados, y cuando una ciudad
luchaba con otra, creían que eran sus respectivos dioses quienes se enfrentaban. Protegían o
castigaban a los hombres por medio de genios o demonios, a los que se imaginaban con apariencia
animal.
Era una religión sin contenido espiritual, fatalista, debido a la negación de la vida de ultratumba.
Los dioses habían creado al hombre, pero cuando éste moría se desentendían de él, abandonándolo
en la penumbra eterna.
Se sacrificaban animales, presentaban ofrendas, cantaban himnos y salmos y pedían larga vida,
placeres, riqueza y protección contra los demonios.
Los exorcistas eran verdaderos médicos encargados por medio de fórmulas mágicas de echar a los
demonios que consideraban causantes de enfermedades.
Los adivinos predecían el futuro observando el cielo, sacando conclusiones de la posición de los
astros; examinando las entrañas de los animales sacrificados (hígado) y analizando el vuelo de las
aves.

Ciencias:
En matemática conocieron un sistema de numeración decimal, duodecimal, sexagecimal y un
sistema completo de pesas y medidas. Dividieron la semana en 7 días, el día en 24 hs., la hora en 60
minutos y el minuto en 60 segundos.
Conocieron un calendario más corto que el año solar real, por eso algunos años tenían 13 meses.
Cada mes estaba consagrado a un signo del zodíaco, y al mes suplementario, el 13, se le atribuyó
como símbolo el cuervo, pájaro de mal agüero.
El deseo de interpretar la voluntad de los dioses les hizo observar el cielo, surgiendo la astrología y
la astronomía. Distinguieron planetas de estrellas, estudiaron los eclipses de sol y luna, sus
movimientos y los de la tierra.
En medicina describieron los síntomas de varias enfermedades, pero como las atribuían a causas
sobrenaturales recurrían para curarlas a magos y exorcistas. La profesión de médico era muy bien
considerada.

ARTE MESOPOTÁMICO
Arquitectura
Las características más destacadas del arte mesopotámico son debidas al material utilizado y, en
consecuencia, a su medio geográfico. La piedra es escasa en Mesopotamia, por lo tanto el material
obligado es el ladrillo, primero crudo y luego cocido. El empleo de este material blando y la escasez
de árboles corpulentos tiene una gran importancia en el orden constructivo ya que sustituye el
dintel (parte superior de una entrada) por el arco y la techumbre por la bóveda.
Consecuencia también de la escasez de piedra es la poca importancia de la columna.
La pobreza del material utilizado, obliga a revestirlo con otro más rico y se utiliza la cerámica, la
que en algunos lugares será reemplazada por el alabastro.
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Construcciones mesopotámicas:
 Zigurats: Edificios religiosos concebidos como punto de desembarco de los dioses, cuando
viajan del cielo a la tierra. Era una torre escalonada de planta rectangular, disminuyendo hacia
lo alto. Se utiliza el ladrillo y en la cima estaba el templo o habitación del dios. Estos templos
también servían para las observaciones de los sacerdotes astrónomos. El más importante era el
de Ur, con 240 metros de altura, pudo inspirar, tal vez, la narración bíblica de la torre de
Babel.
 Palacios reales: Se construían sobre plataformas, para ponerlos a resguardo de las
inundaciones, generalmente engloba al templo, con sus numerosas dependencias, patios,
grandes salones de recepción. Es una de las construcciones más importantes de Mesopotamia,
ya que a diferencia de Egipto, el monarca más que un hijo de los dioses que rinde culto a sus
divinos padres, es un ser dominador de pueblos y caudillo de expediciones guerreras, que
necesita un lugar de goce terreno que sea marco de su omnipotencia. Ej. El palacio de
Jorsabad, construido por el rey Sargón (s. VIII a.c.)
 Las murallas: en la vasta llanura mesopotámica, las ciudades tenían que protegerse con
muros. La debilidad del material se compensaba con espesor. Ej. Las murallas de Babilonia,
mandadas a construir por Nabucodonosor (s. VII-VI a.c).

Escultura
La vida material originó un mundo religioso antagónico y se proyectó sobre el arte alimentando la
temática de la escultura y el relieve, donde la imaginación se desata en seres fantásticos, infernales
y agresivos, que personificaban los terrores de la vida cotidiana; pero al mismo tiempo corporeizó
las fuerzas positivas en divinidades y genios protectores, bajo cuyo amparo el hombre buscó cobijo.
Las creencias religiosas sobre la muerte y la vida de ultratumba habían sido un poderoso estímulo
para el desarrollo de las artes egipcias, en cambio para los mesopotámicos el mundo de los muertos
fue gris y desolador por lo que las tumbas no ofrecen un repertorio artístico rico.
Al ser un territorio escaso de piedra se limita su empleo en escultura y muchas de las mismas son de
baja altura debido a lo exiguo de los bloques.
El empleo de la arcilla posibilitó el modelado, de poca perdurabilidad, también crearon y
difundieron el ladrillo grabado, en relieve y con esmalte, para decorar grandes superficies. Madera y
metal fueron materiales menos importantes en el relieve y la escultura.

Pintura
Las investigaciones arqueológicas han sido muy pobres en testimonios del arte pictórico, como si
éste apenas se hubiese practicado. Indudablemente esta escasez de restos obedece, en primer lugar,
a problemas de conservación: siendo el adobe, y más tarde el ladrillo, el material utilizado el paso
del tiempo ha hecho que se desmoronasen los muros en los que, hipotéticamente, pudo haber
pinturas.
Esos muros de adobe, difícilmente pueden ser un buen soporte para la pintura, debidos a los
problemas de humedad; por lo que se prefería revestirlos con mosaico, ladrillos esmaltados o
materiales preciosos.
Una de las obras más antiguas es el Estandarte real de Ur, que data del III milenio a.c. Se trata de
una obra rectangular de dos caras, y los materiales utilizados son plaquitas de lapizlázuli para el
fondo azul oscuro, y arenisca y conchillas para las figuras. En el frente se han representado escenas
de guerra y victoria: en el reverso, un festín de triunfo y filas de porteadores trayendo tributos.
Los hallazgos más importantes son los de las tumbas reales de Ur y los frescos del palacio de
Zimrilim, en Mari; en este último la conservación de los frescos es muy deficiente pero todavía
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puede apreciarse el cromatismo original: el ocre, el rojo oscuro, el blanco y el negro son los colores
usados principalmente, a los que añaden para dar diferentes tonalidades el azul y el verde.
Para encontrar obras pictóricas dignas de mención, debemos avanzar hasta el siglo XIII a.c., donde,
a través del ladrillo esmaltado, se desarrolla un arte pictórico pleno de creatividad y colorido. Esta
técnica sustituirá casi definitivamente al fresco.

ARTE PARA LA ETERNIDAD: EGIPTO

Los grandes ríos constituyeron la espina dorsal de las civilizaciones agrícolas y fueron padres de
fascinantes culturas. Éste fue el caso de Mesopotamia, bañada por el Tigres y el Éufrates; de la
India, que nació a orillas del Indo; de la China, surgida bajo el influjo del río Amarillo, y, sobre
todo, del antiguo Egipto, el pueblo del Nilo. Aislada por los desiertos y el mar, la civilización de los
faraones creció durante milenios prácticamente imperturbable, con el aliento de la eternidad
proporcionado por sus enormes construcciones de piedra y granito y por los ritos que suplicaban la
inmortalidad del alma.
La sociedad egipcia sufrió pocos cambios mientras pasaban las dinastías y los imperios. Los
poblados no se transformaron nunca en grandes ciudades, y los faraones y los sacerdotes edificaron
una estructura rígida, jerárquica y conservadora, fundada en el carácter sagrado del dios- faraón y
en los “secretos” guardados por la casta sacerdotal y los guardianes de la palabra, los escribas.

Proceso histórico:
El valle del Nilo estuvo habitado por tribus errantes que al establecerse en tierras fértiles se fueron
acostumbrando al sedentarismo, organizándose en clanes. Los clanes se reunieron formando
ciudades-estado independientes llamadas nomos. Los 48 nomos se agruparon en dos reinos,
alrededor del año 4000 a.c.: el Bajo Egipto al norte y el Alto Egipto al sur.
Hacia el año 3200 a.c. Menes unifica el territorio y se convierte en el primer faraón. Se sucedieron
así 26 familias de reyes o dinastías.
Período tinita (3000-2778 a.c.): La capital se instala en Tinis, en el Alto Egipto. Comprende las
dos primeras dinastías.
Imperio Antiguo o menfita (2778-2263 a.c.): La capital se traslada a Menfis en el Bajo Egipto. Es
la época de las grandes pirámides (Keops, Kefrén y Micerino)
Imperio Medio (2000-1730 a.c.): La capital es Tebas primero, y Menfis después. Egipto conquista
el sur del país, Palestina y Fenicia.
Hacia el 1700 a.c. se produce la invasión de los hicsos, pueblo que conocía el caballo, el carro y el
hierro. Llegan los hebreos a Egipto. En el 1600 a.c. Egipto se libera de los invasores y surge como
potencia conquistadora, convirtiéndose en un imperio que se extenderá hasta el Éufrates.
Imperio Nuevo (1600-1085 a.c.): Es la etapa de mayor expansión y grandeza. Hacia el s. XII a.c.
las revueltas constantes entre los pueblos sometidos, la debilidad de los faraones que sucedieron a
Ramsés II y la afluencia de extraños, como libios y nubios, provocaron el debilitamiento del poder
real y el fortalecimiento del sacerdocio.
En el año 670 a.c. Egipto es conquistado por los asirios; en el año 525 a.c. por los persas y
posteriormente ocupado por macedonios, romanos y árabes.

El Río Nilo:
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Egipto es el don del Nilo, decía Heródoto.
El país sería un desierto sin la existencia del río, que todos los años al iniciarse junio, aumenta su
caudal como consecuencia de las lluvias tropicales y los deshielos producidos en la zona montañosa
de Abisinia e inunda la región. Al terminar el verano, las aguas comienzan a descender dejando un
limo fértil que permite sembrar dos veces al año.
Los egipcios pensaban que era un regalo de los dioses y que las crecientes eran las lágrimas
derramadas por la diosa Isis ante la muerte de su esposo Osiris.
Organización política:
Monarquía teocrática: El rey o faraón era considerado dios en vida y después de muerto. Su poder
era ilimitado y hereditario. Se le llamaba “Horus viviente en la tierra”. Usaba dos atributos de
poder: el cayado y el látigo. Era sumo sacerdote y mantenía varias esposas, entre las cuales escogía
su favorita.

Economía:
La agricultura era el mayor recurso económico del país. Los egipcios cultivaban cereales, trigo,
cebada, vid, dátiles. Practicaban la ganadería. Criaban cerdos, corderos, aves de corral, bueyes,
asnos.
Explotaban minas de oro, plata y cobre.
Se importaba el hierro y maderas de calidad. El Estado ejercía un monopolio de la actividad
económica. La moneda fue desconocida hasta el s. IV a.c.
El comercio se practicaba por el Mediterráneo y por el mar Rojo; especialmente con Fenicia, Siria y
Creta. De Biblos (Fenicia) traían cedro para las embarcaciones y sarcófagos. De Nubia, Somalía y
Sudán importaban marfil, oro, esclavos, ébano, pieles de leopardo. De Siria traían carros y caballos.

Organización social:
Se distinguían tres sectores bien diferenciados: clase alta, clase popular y esclavos.
La clase alta estaba formada por los nobles, sacerdotes, guerreros y escribas. Los nobles ocupaban
los altos cargos del gobierno y no pagaban impuestos. Los sacerdotes eran los depositarios de la
ciencia y administradores de las tierras de los dioses. Los guerreros eran poco numerosos, ya que el
pueblo egipcio era pacífico. Los escribas eran los que sabían leer y escribir y desempeñaban
funciones subalternas del gobierno, como llevar la contabilidad.
La clase popular estaba integrada por los comerciantes e industriales, los campesinos, los artesanos
y los embalsamadores. Los esclavos eran prisioneros de guerra o deudores. Trabajaban en obras
públicas, en la construcción de pirámides, templos y canales.
La familia era monogámica. El divorcio era raro. El matrimonio se realizaba por compra de la
esposa. Se practicaba la adopción. El papel de la mujer era importante en la familia.

Costumbres:
El egipcio era optimista, gustaba de asistir a fiestas, a sesiones de lucha, fue aficionado a los dados,
a la música y a la danza. Tanto hombres como mujeres usaban pelucas, se adornaban con joyas y
era común en las mujeres el uso de perfumes y cosméticos.
Los instrumentos musicales preferidos eran la cítara, el oboe, el arpa, la lira, el laúd, la flauta, la
pandereta y el tambor. Amaban la buena comida y la buena bebida.
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Religión:
La religión egipcia tiene las siguientes características:
 politeísmo: creencia en muchos dioses.
 antropomorfismo: dioses con forma humana.
 astrolatría: adoración de cuerpos celestes.
 zoolatría: adoración de animales sagrados.
El sacerdocio creía en la existencia de un dios supremo creador del mundo, el sol, que recibió
diferentes nombres: PTAH en Menfis, RA en Heliópolis y AMÓN en Tebas.
El dios más popular fue Osiris, divinidad solar, identificado con la crecida del Nilo y con el reino de
los muertos. A él se asociaban Isis, su esposa y Horus, hijo de ambos.
El culto del buey Apis fue uno de los más arraigados de Egipto.
Los egipcios trataron de explicar los misterios de la naturaleza por medio de mitos y leyendas.
Existían dioses con cuerpo de animal y cabeza de hombre: el alma, representada como un pájaro
antropocéfalo, y la divinidad del faraón, representada por la esfinge, dotada de cuerpo de león y
cabeza humana.
Algunos seres humanos fueron divinizados, como Imhotep, arquitecto de la pirámide escalonada de
Zóser.
Para los egipcios Dios es la suma de varios dioses separados.
Hacia 1400 a.c. el faraón Amenofis IV proclamó la abolición de todos los dioses en favor de uno
único y verdadero, Atón, el sol, y se cambió el nombre por Akenatón.
Tras la muerte del faraón hereje, Tutankatón, su sucesor, cambió su nombre por el de Tutankamón y
volvió al culto de Amón.
Los templos no eran la verdadera residencia de los dioses, sino solamente lugares de encuentro
entre los dioses y los humanos.
Los sacerdotes egipcios constituían una especie de casta privilegiada. Sus hijos solían sucederlos en
los cargos, aunque en algunos períodos fueron nombrados por el faraón.

Culto a los muertos:

Creían en la inmortalidad del alma. El ser humano era un compuesto de cuerpo, alma y un tercer
elemento o doble, idéntico a la persona pero inmaterial al que llamaban KA.
La muerte era la separación del cuerpo de los elementos espirituales que eran el alma o BA y el KA.
El Ka comparecía ante el tribunal presidido por Osiris, que en compañía de 42 dioses, juzgaba al
difunto. Éste se presentaba al juicio con el Libro de los Muertos que se había colocado junto a la
momia y que le permitían demostrar las buenas acciones que había hecho en vida.
El juicio se representaba como el pesaje del corazón del muerto en el platillo de una balanza, cuyo
contrapeso es MAAT, concepto egipcio del recto orden, representado como una pluma de avestruz.
Las escenas del juicio muestran a un monstruo femenino llamado “devorador de los muertos”, que
engullía a quienes fracasaban en el juicio. Éstos no eran aniquilados, entraban en otra forma de
existencia, que representaba una amenaza para el mundo ordenado.
Las escenas en las paredes de las tumbas eran parte de la provisión o viático para la vida después de
la muerte.

Embalsamamiento:
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Como los egipcios creían que el KA volvía para reencarnarse en los cuerpos, se preocupaban por
conservar la forma y características del cuerpo embalsamado.
El procedimiento consistía en:
 Extracción del cerebro.
 Retirada de vísceras mediante una incisión en el flanco izquierdo.
 Esterilización de las cavidades del cuerpo con resinas olorosas y sustancias aromáticas.
 Inmersión del cuerpo en natrón durante 40 a 70 días.
 Unción del cuerpo con ungüentos.
 Vendaje con cintas de lino pegadas con goma arábiga.
La momia era colocada dentro de un ataúd de madera o un sarcófago de caliza, granito o basalto, de
forma rectangular o antropoidea.
Los vasos canopes contenían las vísceras retiradas del cuerpo del difunto y se colocaban cerca del
ataúd. Los difuntos pobres, enterrados sin sarcófago a un metro bajo las arenas del desierto, pronto
eran víctimas del tiempo y no podían participar de la felicidad del más allá.

Ciencias:
Astronomía:
 Observaban estrellas y planetas.
 Invención del calendario (4.200 a.c.): el año fue dividido en 3 estaciones de 4 meses cada una,
que coincidían con las crecidas del Nilo y los períodos de cosecha y recolección; los meses
eran de 30 días y al final del duodécimo mes agregaban 5 días suplementarios. Este calendario
fue reformado por Julio César (juliano) y posteriormente por San Gregorio (gregoriano).
 Creencia en días fastos y nefastos.
 Cálculo de la hora: mediante relojes de agua en el día y observación de las estrellas por la
noche.
Matemática:
 Establecieron las bases de la aritmética, pero ignoraron la multiplicación y no conocían el
cero.
 Sólo conocían la adición y la sustracción.
 Fundaron la geometría, calculando superficies y volúmenes necesarios para la construcción de
obeliscos, templos, pirámides y para el deslinde de propiedades después de las crecidas del
Nilo.
Mecánica:
 Conocían la palanca y el plano inclinado.
Hidráulica:
 Construcción de canales y diques.
Medicina:
 Gracias a las disecciones, sus conocimientos anatómicos eran bastantes amplios.
 Conocían la circulación de la sangre y sabían que su motor es el corazón.
 Estudio de la oftalmología.
 Tratados de Medicina y primeros experimentos en cirugía.
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 Para casos desesperados se recurría al exorcismo.
Química:
 Fabricaron papiro, vidrio y pinturas que extraían de sustancias naturales.
 Momificación.
Farmacología:
 Remedios contra el cáncer y enfermedades de la piel, problemas ginecológicos, caída del
cabello, remedios para impedir el encanecimiento, dolores de muelas, afecciones digestivas.
 Gracias al estudio de las momias, se sabe que los egipcios padecían las mismas enfermedades
que nosotros (arterioesclerosis, ataques al corazón, problemas renales, pulmonía, parálisis
infantil, viruela, tumores, etc.)

Escritura jeroglífica:
Los egipcios escribían sobre papiros con un punzón y tinta, de derecha a izquierda.
Conocieron 3 tipos de escritura:
 jeroglífica: es la más antigua y representaba los objetos o la idea que estos objetos sugieren.
 hierática: usada por los sacerdotes y escribas; empezó a utilizar sonidos.
 demótica: convirtió esos sonidos en letras, popularizándolos.
El hallazgo de la Piedra de Roseta en 1799 por uno de los oficiales de Napoleón permitió el
desciframiento de la escritura jeroglífica. El sabio francés Francisco Champollion encontró en la
palabra “Tolomeo” la clave para el desciframiento en 1822.

ARTE EGIPCIO
Arquitectura
Si se quisiera tener un símbolo concreto de la unidad egipcia podríamos encontrarlo en sus
monumentos, las pirámides, que personifican su inmovilidad y grandiosa simplicidad que se
mantuvo intacta a través de los siglos. Fue bajo la IV dinastía (s. XXVIII- XXVI a.c.) cuando se
construyeron las famosas pirámides de Cheops, Kefrén y Micerino en Gizeh, cerca de Menfis. Pero
no se idearon de un modo improvisado, pues son fruto de una evolución de las tumbas de los
nobles, las mastabas, que son paralelepípedos de ladrillos con paredes inclinadas que encierran
una capilla fúnebre, una cámara para estatuas y la cripta sepulcral.
Al querer dar un aspecto más grandioso a las mastabas, se comenzaron a construir pirámides
escalonadas semejantes a pirámides superpuestas, entre las cuales la más significativa es la
edificada por Zoser (III dinastía). Bajo la IV dinastía se pasa a las pirámides de paredes lisas.
La pirámide no era más que una parte, y el resumen, de un complejo funerario que incluía
una avenida monumental, un corredor cubierto, un templo para las ofrendas funerarias y por
último la tumba o sea la pirámide.
La pirámide de Cheops (la mayor) mide en su base 230 metros de lado y 137 m de altura
comprende en su interior tres cámaras funerarias. En la parte meridional de la pirámide se levantan
tres más pequeñas, destinadas a reinas y princesas.
La de Kefrén mide 136 metros de altura y junto a ella se encuentra la avenida del templo, cercano
al mismo se halla la Esfinge (20.m) que representa el poder del soberano bajo la forma de león,
construida posiblemente durante el reinado de Kefrén.
Con la V dinastía el culto al sol va adquiriendo mayor importancia, se convierte en oficial y se
construyeron santuarios, caracterizados por un obelisco levantado en un patio.
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Bajo la dinastía XVII, se dejaron de construir pirámides y luego se comienzan a colocar las tumbas
en el Valle de los Reyes, que acogió sepulturas hasta la dinastía XX.
Amenofis III hizo construir el gran templo de Luxor, precedido por un grandioso patio, rodeado en
tres de sus lados con columnas de tallos de papiro. A medida que se avanza dentro del sagrado
recinto, además del templo se va elevando el pavimento, el techo desciende y la luz disminuye
como en un escenario.
A principios de la dinastía XIX, bajo Ramsés II, considerado el gran exponente de la historia
egipcia, se amplía en forma definitiva otro gran templo, el de Karnac, y se construye el de Abu
Simbel, excavado en la roca.
En lo sucesivo fue Ramsés III quien dejó grandes construcciones religiosas, entre ellas su propio
templo funerario levantado en Tebas, que ofrece el aspecto cerrado y severo de una fortaleza. Al
separar el templo de la tumba, ésta quedaba sin culto.
El Valle de los Reyes fue elegido sobre todo por estar protegido, ya que era un lugar secreto, pero
sus sepulturas no aparecen como lugar de culto siendo su característica un largo corredor cerrado
con trampas.

Escultura
La posibilidad de sustituir el cuerpo real por imágenes se fundamentaba en la creencia de que la
imagen recrea lo representado; este carácter utilitario sometió a la escultura a determinadas
exigencias que redujo la libertad del artista.
Los egipcios creían que la conservación del cuerpo no era suficiente, si también se perennizaba la
apariencia del faraón, éste continuaría viviendo para siempre; por lo que una denominación egipcia
del escultor era “el que mantiene vivo”.
Durante el Imperio Antiguo, cuyo máximo exponente es la IV dinastía (grandes pirámides), la
escultura tiene una importancia de primer orden al servicio de las creencias religiosas y prácticas
funerarias; hasta fines de esa época se creyó que la inmortalidad sólo estaba reservada al faraón, las
clases altas se conformaban con alcanzarla de un modo indirecto; en cuanto al pueblo estaba
totalmente excluido de la vida futura.
La necesidad de satisfacer estas exigencias doctrinarias impulsó el desarrollo de una estatuaria con
tendencias realistas para lograr la imagen del difunto. El artista reproduce acertadamente las
características de la raza en la conformación del cráneo, en la silueta nasal o en la delineación del
ojo; por ser la cabeza la parte más significativa del cuerpo y la que marca las diferencias singulares
entre un sujeto y otro, obraron como si el cuerpo sólo fuera el soporte de aquella. En el rostro
centraron toda la atención, realzando los ojos con incrustaciones de piedras, cristal o cobre.
El escriba sentado nos presenta un funcionario de la administración sentado en el suelo y dispuesto
a realizar su trabajo; el cuerpo reproduce ciertos detalles, tratados sin demasiado esmero, acentuada
rigidez, desigual desarrollo de la musculatura, descuido en el modelado del pie. La clave de esta
obra maestra del arte egipcio está en el rostro: la tensión desde los ojos atentos -acentuado por el
rictus de su boca – mientras aguarda el dictado de su señor.
La frontalidad, en la representación de la figura humana, se impuso en Egipto como una norma
permanente, la imagen debe mirar de frente al espectador, no está hecha para ser analizada desde
cualquier ángulo lo que no dejaba demasiadas posibilidades en la composición.
Siempre estaban de pie, sedentes, o iniciando la marcha, también de rodillas. La escultura de
Kefrén, en diorita negra, presenta al faraón sentado, asumiendo su doble condición de dios y
soberano; los efectos que sugiere un ser divino han sido logrados al precio de ciertas
simplificaciones y una marcada estilización, condición impuesta por la dureza del material, pero
que acertaba con la calidad moral de la escultura.
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Al ser un arte utilitario, las esculturas debían ser sólidas, perdurables, como respuesta a sus
creencias: la mutilación de una estatua, era una mutilación a su doble.
Toda expresión artística está condicionada por los materiales a trabajar, Egipto contó con una
amplia variedad de piedras, blandas y duras, como granito, calcáreos, diorita, mármol, lo que le
permitió diferentes efectos ópticos en los tonos contrastantes del negro, rojo u ocre.
Obras importantes
 Las estatuas del príncipe Rahotep y su esposa Nofret (IV dinastía), piedra calcárea y
trabajadas en forma independiente, fueron concebidas como un conjunto escultórico. Los dos
cuerpos están sentados en sólidas sillas que reproducen en ángulos rectos la postura del
cuerpo. Como muchas otras están coloreadas, el cuerpo masculino es de color rojizo, el
femenino ocre claro.
Dentro de la inmovilidad que caracteriza al Imperio Antiguo, se introdujo a partir
de la V un nuevo convencionalismo: las figuras femeninas son representadas de
menor tamaño que la masculina.
 La escultura de Amenofis IV, que corresponde a los inicios de su reinado, sigue la ley de la
frontalidad, pero con una concepción estética diferente no desprovista de idealismo.
 La cabeza policromada de la reina Nefertiti, la pieza recrea un rostro que armoniza la belleza
y su dignidad.
 La estatuaria colosal (XIX dinastía) realizada con fin de reflejar el poderío, la iniciativa y la
riqueza tiene como máximos exponentes las figuras sentadas de Ramsés II, en su templo de
Abu-Simbel.

Pintura
El relieve y la pintura con los que se decoraban las tumbas y santuarios se hallaban estrechamente
ligados a la arquitectura. La caliza blanca, muy empleada, favorecía la policromía que se basaba en
los colores al igual que los jeroglíficos. Así con el rojo se representaba la piel de los hombres, con
el amarillo la de las mujeres, azul para el agua y verde para las plantas.
En las necrópolis la decoración mostraba el culto a los muertos; mostrándose las ofrendas que se
depositaban realmente en las tumbas y que debían servir durante su vida ultraterrena al difunto.
En la IV dinastía se encuentran representaciones del transporte de las ofrendas y su recolección, por
ejemplo el trabajo en el campo, la caza, la pesca: puede verse también el banquete fúnebre, la
preparación de los alimentos y el servicio de mesa.
Con la V dinastía aparece representado el paisaje más variado y complejo, favorecido por el nuevo
culto solar pues aparece más rica la descripción de todo que la fuerza solar hace crecer, desde
animales hasta plantas.
Los movimientos de las figuras son particularmente vivaces y armoniosos aunque el arte egipcio ha
mantenido en todos los tiempos una gran uniformidad en reproducir las formas, estableciendo un
repertorio de actitudes que llegó a ser una especie de alfabeto.
La decoración durante el Imperio Nuevo se centra en la representación del faraón y sus relaciones
con otras divinidades, la celebración de grandes festejos y batallas, reflejo de las acciones militares
fuera de Egipto. El elemento paisajístico evoluciona, lo mismo que el movimiento de las figuras.
Esto es obra de Amenofis IV quien rompe las ataduras del arte egipcio, encargando obras que nada
tienen que ver con la dignidad rígida de los primeros faraones, por ejemplo la pintura donde se
muestra a su esposa Nefertiti, jugando con sus hijos bajo la bendición del sol.
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Esta apertura no duró mucho ya que con su sucesor, Tutankamón, se volvió a las antiguas creencias
y la ventana al exterior quedó cerrada nuevamente.
Uno de los rasgos más estimables del arte egipcio es que todo parece hallarse en un lugar
correspondiente como si obedecieran a una ley, las normas que lo rigen confieren a cada obra
individual un efecto de equilibrio y armonía. Por ello, en el transcurso de tres mil años o más el arte
varió muy poco y su manera de representar al hombre y la naturaleza fue esencialmente la misma.
EL REINO DE LA BELLEZA: GRECIA

En los griegos hay que buscar el principio y fundamento de toda nuestra vida. Son el manantial
primero para el conocimiento del mundo y para la ciencia del hombre mismo. Su curiosidad se
centró en el descubrimiento de los secretos del alma humana. En sus tragedias los griegos han
abarcado por vez primera el espacio que va desde un visionario presentir la existencia de potencias
celestiales hasta los abismos de horror de las pasiones culpables.
El griego formó al hombre en su condición propia lejos de la desmesura del déspota y de la masa
homogénea y gregaria de los súbditos. En la belleza de un sagrado término medio buscó y encontró
la dignidad del hijo de la tierra y creó el concepto del hombre occidental. La idea de la dignidad
humana distinguió a los helenos de sus pueblos vecinos, con sus concepciones acerca de la
naturaleza humana.
Cualquiera que sea el camino que emprendamos en el campo de la cultura, siempre nos
encontraremos con las huellas de este gran pueblo.

La historia griega se divide en 3 períodos:

 Arcaico (s. VIII-V a.c.)
 Clásico (s. V- IV a.c.)
 Helenístico (s. IV-II a.c.)

La polis:
Grecia no tuvo unidad política; estuvo integrada por una multiplicidad de ciudades-estado
independientes entre sí, dadas las condiciones geográficas del aislamiento.
Sin embargo, todos los griegos reconocían un origen común, una lengua común, una religión y
cultura comunes.
La polis ideal debía estar formada por 5.000-10.000 ciudadanos, que con sus familias llegaban a
100.000 habitantes.
La polis más famosas fueron Atenas, Esparta, Tebas, Corinto, Delfos, Olimpia.
Comprendía un territorio reducido y sus alrededores, cubierto de pequeñas casas, con un templo en
la acrópolis, un teatro al aire libre sobre la ladera de la colina, algún palacio sencillo y una plaza o
ágora.
En las polis griegas tuvo lugar el nacimiento de la democracia. No practicaban la democracia como
nosotros actualmente; gobernaban directamente, sin representantes. El órgano de gobierno
“democrático” era la asamblea del pueblo.

Religión griega:
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La religión era antropomórfica. Los dioses tenían las mismas pasiones y vicios que los hombres,
pero eran inmortales, físicamente hermosos y no envejecían. No hacían milagros ni podían alterar el
curso de la naturaleza.
Los dioses principales, los dioses olímpicos, eran 12 y habitaban el Monte Olimpo. Formaban una
gran familia: Zeus, Hera, Hestia, Poseidón, Palas Atenea, Apolo, Artemisa; Ares; Hefaistos,
Afrodita, Hermes, Démeter.
Creían en la existencia de héroes, hijos de un dios y un mortal, como Aquiles, Hércules, Teseo,
Edipo.
Se practicaba un culto público y uno doméstico. El primero tenía lugar en el templo, hogar del
dios. El culto privado o familiar se celebraba en el altar doméstico, en el que se mantenía siempre
encendido el fuego sagrado.
Los griegos organizaban los juegos panhelénicos, juegos religiosos en el que todas las ciudades
griegas eran invitadas a participar.
Los juegos más populares eran los juegos olímpicos, organizados en la ciudad de Olimpia en honor
al dios Zeus. Se realizaban cada 4 años y duraban 5 días en los cuales se decretaba una tregua
sagrada. Las pruebas consistían en luchas, carrera a pie y en carro, lanzamiento de disco, jabalina,
pentatlon o lucha quíntuple (carrera a pie, salto en largo, disco, jabalina y pugilato). El triunfador
sólo recibía una corona de laureles. No podían concurrir las mujeres.

Teatro griego:
Las fiestas dionisíacas dedicadas a Dionisos dieron origen a las representaciones teatrales.
En Grecia nacieron los dos géneros teatrales que hoy conocemos: la tragedia y la comedia.
La tragedia derivó de los cantos que entonaba el coro, cuyos integrantes danzaban alrededor del
altar del dios Dionisos, cubiertos por una piel de cabra. Los autores trágicos más famosos fueron:
Eurípides, Sófocles y Esquilo.
La comedia se originó en el canto desenfrenado que se entonaba en las fiestas dionisíacas rurales
que se realizaban celebrando la elaboración del vino. El autor teatral más famoso fue Aristófanes.
Las representaciones teatrales se hacían al aire libre.
Los teatros constaban de gradas semicirculares, una orquesta, donde se ubicaba el coro, y el
escenario donde estaban los actores. Los actores usaban máscaras que reflejaban el carácter de la
obra, altavoces y coturnos.
Se cobraba una entrada para ingresar al teatro, pero el Estado se hacía cargo de las entradas de
aquellos que no podían pagar.

Historia:
Tuvo su origen en las colonias jónicas de Asia Menor.
El historiador griego más famoso fue Heródoto (s. V a.c.). En sus numerosos viajes conoció la
historia y costumbres de los pueblos del Cercano Oriente, que relató en su obra Los nueve libros de
la historia sobre las guerras médicas.
Otros historiadores famosos fueron Tucídides, autor de la Historia de las guerras del Peloponeso y
Jenofonte, quien escribió Anábasis o Retirada de los 10.000.

Oratoria:
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La habilidad oratoria aseguraba al ateniense un rol preponderante en la vida política de la ciudad.
Preparar al orador fue una profesión lucrativa a cargo de sofistas, maestros que enseñaban la técnica
de la expresión perfecta. El orador griego más famoso fue Demóstenes, de expresión elegante,
sobria, concisa y aguda. Fueron célebres las arengas en las que atacó a Filipo de Macedonia,
conocidas como Filípicas.

Filosofía:
Su espíritu especulativo los llevó a buscar el principio, las causas y consecuencias de todas las cosas
procurando una explicación racional.
Los griegos llamaban filósofo al sabio.
Los primeros filósofos jonios intentaron explicar el origen de todas las cosas: Tales de Mileto (s.VI
a.c.) sostuvo que el agua es el principio de todo; Heráclito, el fuego y Demócrito pensaba que el
universo es una gran combinación de átomos.
Sócrates procuró por el cultivo de la inteligencia hallar la diferencia entre el bien y el mal. Famosa
es su frase “Conócete a ti mismo”. Proclamó la inmortalidad del alma y la existencia de un ser
superior. Acusado de atacar la democracia y negar a los dioses, fue condenado a muerte. No dejó
nada escrito. Su doctrina se conoce gracias a Jenofonte y Platón.
Platón, discípulo de Sócrates, sostuvo la inmortalidad del alma. En Dios se resumen las ideas de
belleza, bien y verdad perfectas. Fue el fundador de la Academia. Escribió los Diálogos que
Sócrates mantuvo con sus discípulos y una obra política.
Aristóteles, discípulo de Platón, enseñó en el Liceo (templo de Apolo). Fue el fundador de la lógica
y maestro de Alejandro Magno. Fundó su filosofía en hechos y no en ideas como Platón,
sosteniendo que se identificaba con la ciencia y por lo tanto su fin era descubrir la razón de las
cosas basándose en la observación y deducciones.

Literatura griega:
En el género épico se destacó el poeta Homero, autor de La Ilíada y La Odisea. Luego de Homero
este género perdió importancia. Se requería otro género más subjetivo, una poesía que reflejara los
misterios de la vida, el amor y el odio. Así surgió la poesía lírica cuyos representantes más
destacados fueron: Arquíloco de Paros (s.VII a.c.), padre de los poetas bélicos, su tema es el odio;
Safo de Lesbos, autora de poesía amorosa, llamada la décima musa, reunió en torno suyo a muchas
muchachas a las que enseñaba canto, danza y poesía; Anacreonte, poeta báquico, le cantaba al
vino; Píndaro, autor de poemas dedicados a vencedores de competencias atléticas. A la muerte de
Píndaro la poesía lírica fue desplazada por el drama.
Los epigramas (inscripciones) grabados sobre las losas sepulcrales o compuestos para ofrendar a
los dioses, constituyeron un género tan popular que cualquier hombre culto debía saber componer
uno.

Ciencias:
 Geografía: Ptolomeo afirmaba que la Tierra es el centro del universo y el sol gira a su
alrededor. Eratóstenes trató de hallar las dimensiones de la tierra midiendo un arco de
meridiano.
 Medicina: Hipócrates escribió tratados de medicina, patología y terapéutica. Atribuye a las
enfermedades causas naturales y no divinas. Se ocupó del estudio de la locura y la epilepsia y
reconoció que tenían su causa en problemas cerebrales. Galeno practicó disecciones.
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 Matemática: Pitágoras afirmó que el universo se basa en relaciones numéricas. Euclides
escribió el primer tratado de geometría.
 Física: Arquímedes inventó la rueda dentada y estudió la palanca y la polea.
 Astronomía: Aristarco de Samos afirmó que la Tierra gira alrededor de su eje y del sol. Por
ello fue acusado de atentar contra los dioses. Intentó demostrar que la distancia de la Tierra al
sol es 18 veces mayor que a la luna.

ARTE GRIEGO
Período Arcaico (700-480 a.c.)
Ante la denominación de “arte arcaico” hay varias posiciones: suele ser usado como una primera
etapa, todavía tosca, cuya evolución va a conducir a la perfección clásica. Sería un período
temprano que conduce a la madurez (clasicismo) que la decadencia (arte helenístico) cierra
definitivamente. Otros sólo lo toman como sinónimo de “inicial”, sin aceptar que sea un arte
inmaduro, imperfecto, incompleto, sobre todo con relación al período siguiente.
La cuestión es vieja; durante siglos el juicio sobre las arte figurativas se basó en el mayor o menor
verismo de la representación. Pero, al hacer esto, se olvida de que para los artistas existieron otros
problemas, además de imitar a la naturaleza: inculcar un sentido divino a sus obras, o un ideal moral
que no es asequible a ninguna forma natural. Por ello las imágenes son fundamentalmente
simbólicas.

Arquitectura
El edificio más característico de la arquitectura griega es el templo y los de este período eran de
modestas dimensiones, al igual que los tesoros, pequeños edificios en los que las ciudades griegas
custodiaban sus ofrendas, cerca de los santuarios.
Es necesario destacar que el templo griego no servía para acoger fieles, sino simplemente era el
lugar donde se conservaba (en la cella o santuario) la representación del dios. Las ceremonias
sagradas tenían lugar al aire libre, en torno a un altar que se colocaba delante del templo.
Alrededor del siglo VII se introdujo como innovación muy importante el patio porticado alrededor
del templo, el peristilo, que le otorgaba una estructura de carácter definitiva.
En esta primera etapa, el material utilizado era adobe y madera para ir evolucionando hacia la
piedra, se trata de templos con el estilo más sencillo y solemne, el dórico. En este estilo las
columnas se apoyan directamente sobre el pavimento, se engrosan en el centro- éntasis- son
acanaladas y tienen un capitel muy sencillo, sin decoración.
Presentaban un frontón triangular con ornamentación figurativa, mientras que los lados eran
decorados, bajo el techo, con recuadros geométricos salientes:
Los triglifos (tres cortes) alternados con recuadros que tenían figuras, las metopas.
Algunos templos dóricos más antiguos son: Hera, en Olimpia y Apolo, en Corinto
La característica de estos templos, además de la gran armonía de sus proporciones, es su austera
simplicidad geométrica que parece materializarse en otro aspecto de aquella civilización: la
racionalidad. En esta manera de expresarse, los griegos fueron maestros porque se basaban en una
extremada claridad aplicada a las proporciones, según las cuales, las relaciones entre cada detalle,
y el conjunto son evidentes.
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Contemporáneamente a la arquitectura dórica, floreció otra con gusto más sensual y refinado, el
estilo jónico, difundido sobre todo en las islas del Egeo y en las ciudades griegas del Asia Menor,
por influjo de las civilizaciones orientales
Estos estilos no se contrapusieron, ni se dieron exclusivamente en algún lugar, sino que se
influyeron recíprocamente.
El templo jónico tiene columnas que parten de un zócalo (recordar las dóricas, que lo hacen del
pavimento) son más ágiles y poseen un mayor número de acanalamientos verticales en el fuste
(siempre comparándolas con las dóricas), carecen de éntasis y terminan en un capitel formado por
un collar de hojas que finalizan en dos volutas. Desaparecen los triglifos y metopas, utilizándose un
friso continuo.
Los más antiguos templos jónicos son: Artemisa, en Éfeso –ciudad griega del Asia Menor – y Hera,
en Samos.
Escultura
El sentido de la escultura griega, especialmente en esta época, es presentar la realidad no
representarla; la diferencia entre ambos términos va más allá de la retórica.
Representar indica la reproducción, según la habilidad del artista, más o menos fiel de una realidad
perceptible; el término presentar, por el contrario, alude a una actividad mucho más dinámica.
Desde su perspectiva, el artista crea algo nuevo, algo que antes de él no existía.
Los escultores griegos crearon un mundo propio de imágenes, partiendo del cuerpo humano y las
formas naturales. Las esculturas les “hablan” de sus creencias, concepciones y valores, les abren
una imagen convincente del mundo en que están, permitiendo racionalizarlo, ordenarlo según su
propia significación cultural.
La temática y la función de la mayor parte de la estatuaria arcaica, tienen carácter religioso; los
artistas griegos “decoran” los templos con imágenes de sus dioses, de sus hazañas, batallas y
asambleas a través de los más conocidos mitos.
Los primeros testimonios de la escultura monumental griega se remontan al siglo VII a.c. y se
concretan en dos temas:
 Los Kúroi, (Kuro en singular) que representan una figura viril, joven, de pie y casi siempre
desnudas.
 Las kórai, (Koré en singular) figuras femeninas vestidas que pueden estar de pie o sentadas.
Son imágenes de sentido religioso en las que los detalles físicos han sido extremadamente
sintetizados y que por lo tanto tienen una anatomía elemental que las asemeja casi a columnas o a
otra escultura arquitectónica, de las que poseen la inmovilidad y monumentalidad.
Otros ejemplos de escultura arcaica son:
 El Moscóforo, en mármol que representa un pastor que ofrece un cordero a la diosa Atenea.
Estaba policromada y en los ojos tenía incrustaciones de otros materiales.
 El Auriga, de Delfos, en bronce.
 El Zeus (o Poseidón) también en bronce, esta dos últimas son de la última fase del arte
arcaico. Hay que destacar los importantes relieves, como parte de decoración de los templos;
fundamentalmente el realizado para el templo de Zeus, en Olimpia, donde encontramos
figuras con la fuerza y la personalidad que caracterizan al arte arcaico, pero con mucho
movimiento anticipando la espontaneidad del período clásico.
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Pintura
La pintura griega sólo se conoce a través de las descripciones hechas por los escritores, ya que los
murales han desaparecido. Algunos afirman que nunca alcanzó el mismo grado de perfección
formal y expresiva que la escultura.
El único medio que contamos es la observación la decoración de sus cerámicas. En vasos
primitivos, se encuentran aún huellas de los métodos egipcios pero sin su rigidez formal ya que se
atreven a tratar de conseguir la ilusión de la tridimensión en una superficie plana. Por ejemplo,
algunos escorzos en la representación del cuerpo humano.

Período clásico (490-400 a.c.)

Durante el gobierno de Pericles, Atenas alcanzó un irrepetible esplendor. Los templos situados
sobre la roca sagrada de Atenas, la Acrópolis (Akra-polis: “zona alta de la ciudad”) fueron
restaurados, sobre la base de los dos conceptos que dominan la arquitectura griega: medida y
proporción, fundamento de toda armonía.
Los edificios que componen la Acrópolis son:
 Los Propileos: Es el lugar por donde se ingresa; el aspecto monumental de una puerta, en la
arquitectura antigua, tenía que predisponer el espíritu del visitante. Constituía el eslabón de
unión, el pasaje del mundo externo al sacro. Fueron construidos por el arquitecto Mnésicles.
Es de orden dórico en su exterior y jónico en el interior.
 El templo de Atenea Niké: Realizado para adorar a Atenea como diosa de la victoria (Nike).
La estatua de la diosa se representaba con un fruto de granada en una mano y en la otra un
yelmo, mostrando sus dos facetas: bélica y pacífica. Es de orden jónico, de mármol.
 El Partenón: “Templo de Partenos”, dedicado a la diosa Atenea Partenos. Es el edificio
principal de la ciudadela sagrada y fue construido por los arquitectos Ictino y Calícrates. Este
templo parece simbolizar no sólo la realización suprema del programa arquitectónico de
Pericles, sino también la grandeza artística de Grecia. No es de grandes dimensiones (70m.de
largo por 30m.de ancho) de estilo dórico, consiguiendo los arquitectos dar al monumento el
deseado aspecto lineal, pero a su vez, curvando las líneas rectas para corregir la ilusión
óptica producida por la intensa luz del lugar. Las superficies y las líneas rectas verticales, es
decir las columnas, tienen un ligero engrosamiento (éntasis), que modifica la perspectiva.
Cada elemento marmóreo se elaboraba por separado y estaba destinado a una posición
perfectamente establecida. Tiene diecisiete columnas de cada lado, estableciendo la norma
clásica de que el número de columnas laterales sea el doble de la fachada, más uno. La
grandiosidad del monumento estaba enriquecida por la decoración escultórica; las metopas en
las que se narraban escenas mitológicas, inspiradas en las victorias de los dioses, de los
atenienses, luchas contra gigantes, centauros y amazonas. Fidias, el escultor por excelencia de
Pericles, realizó las magníficas composiciones de los frontones; el que da al este narra el
nacimiento de Atenea, al oeste la disputa entre Atenea y Poseidón por el dominio de la ciudad
de Atenas, totalizando cincuenta y dos figuras.
Obra también de Fidias es la estatua, de marfil y oro, de Atenea que se encontraba
en el santuario o cella.
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 El Erection: Templo consagrado a Atenea y Poseidón, identificado con Erecteo, mítico rey
de Atenas. Es de orden jónico y contiene todos los elementos sagrados, las tumbas de los
héroes míticos y los lugares de los antiguos ritos. Hay que destacar, en el lado meridional, el
pórtico de las Cariátides, (las muchachas de Caria, que más adelante pasaron a identificar
cualquier figura femenina que sirviera de sostén arquitectónico) que indicaba la tumba del rey
Cécrops. Las Cariátides son Kórai, que a la manera de columnas, sostienen el entablamento
con un capitel en forma de cesto.
Los teatros griegos se reducen a una gradería semicircular, el escenario es bajo, sin
monumentalidad como los de la época romana. Se destaca el magnífico teatro de Epidauro, para
14.000 espectadores.
Otras construcciones fueron los estadios, destinados a competencias atléticas y sobre todo a las
carreras, como el estadio de Delfos, rodeado de gradas, de 178 m. de largo.

Escultura
Toda obra griega de aquel período muestra sabiduría y pericia en las distintas composiciones
escultóricas, pero los que los griegos apreciaban, era la libertad para plasmar el cuerpo humano en
cualquier posición y movimiento e ir un poco más allá: representar “los movimientos del alma”,
mediante la observación exacta de cómo “los sentimientos afectaban el cuerpo en acción”.
Con Fidias, la escultura, alcanzó una de sus cimas más altas. Sus obras gozan de una gran claridad
para definir las formas, que siguen una geometría muy simple de superficies y perfiles, pero a las
que invade una gran animación sin quitarles solemnidad: frisos del Partenón; la escultura de
Atenea; el Zeus para el templo de Olimpia. Estas últimas han desaparecido, llegando hasta nosotros
las copias romanas.
Mirón es otro de los grandes escultores, del cual no se posee ninguna obra original. La anatomía y
el movimiento aparecen más desarrollados que en Fidias, pero los gestos quedan estáticos, rígidos,
siguiendo la tradición arcaica. Sus obras son: El Discóbolo (copia romana) y El grupo de Atenea y
Marsías.
Algo más joven que Fidias, otro gran escultor fue Policleto, extremadamente sensible a las
proporciones hasta el punto de dar un canon, una regla, entre las distintas partes del cuerpo,
trasmitiendo a las formas una gran calma. Sus obras son: el Doríforo (el portador de lanza), El
Diadumeno, el atleta que se ciñe la cinta de la victoria en la cabeza.
Los escultores de transición entre el clasicismo y el helenismo son:
Scopas, su escultura tiene efectos introvertidos y dramáticos, fuertemente expresiva, como el
Mausoleo de Halicarnaso.
Praxíteles, su arte difería por completo del de Scopas, imprimiéndoles a sus obras un carácter
sereno y elegante. Con sus esculturas contribuye a la decadencia de la antigua concepción heroica,
presentando las divinidades con matices de ternura que humanizaba, pese a conservar las
características de un ideal de belleza física. Algunas obras son: Sátiro en reposo, Sátiro que
derrama bebida, Eros.
Lisipo, escultor preferido de Alejandro Magno, retratado por él varias veces. Con Lisipo entran
nuevos factores en la plástica griega, un nuevo sentido del espacio y la luz y una manera de captar
la vida como en instantes. Fue un escultor muy activo, ya que se le atribuyen 1.500 estatuas.
Algunas de sus obras más conocidas (a través de las copias) son: Eros tendiendo el arco, Hermes
atándose la sandalia, Ares sentado.

Pintura
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Ya establecimos que los testimonios de la pintura griega nos llegan a través del relato de los
escritores y la realizada sobre la cerámica. La escuela de Atenas se caracterizó por la armonía de las
formas y por el trazado de las figuras, que se servía de la técnica de imágenes negras, con figuras
precisamente en negro que resaltan del fondo natural de la terracota.
Más adelante se difunde una técnica opuesta que dejaba a las figuras sobre fondo natural mientras
que no ocupaban era ennegrecido; nacía así la técnica de las figuras rojas sobre fondo negro, con
lo que se lograban efectos más contrastantes.
La cerámica está considerada una de las fuentes más ricas de información en lo concerniente a
mitología, técnica militar, ritos funerarios, educación, deportes y la vida cotidiana de los griegos.
Durante su evolución las composiciones se transforman adaptándose a la línea de cada pieza,
valorizando el tema decorativo.
Luego de las dos técnicas nombradas (figuras negras y figuras rojas) se desarrolla una nueva donde
la cerámica se cubría de una delgada capa de color blanco y las figuras se dibujaban y se pintaban
sobre ella. Estaba reservada a los lécitos (o lequitos) vasija alargada que solía contener perfume.
Algunos autores señalan que acompañaban a los muertos a la tumba y los temas eran inspirados en
los ritos funerarios y la muerte.

El Helenismo (323 al 146 a.c.)

Este período, cuyos límites van desde la muerte de Alejandro Magno hasta el principado de
Augusto, se dio como fruto de las conquistas de Alejandro, la difusión por el Oriente Medio de las
formas helénicas que lentamente anularon las ya existentes, pero al mismo tiempo el arte griego se
impregna de la estética de los pueblos conquistados; se imponen las concepciones grandiosas, el
colosalismo en las proporciones y la abundancia decorativa.
Ahora bien, en una perspectiva cultural y artística, hay que señalar que lo propiamente helenístico
es, precisamente, la resistencia a las influencias orientales, la pervivencia de lo griego en un mundo
que geográfica y políticamente está dejando de ser griego.

Arquitectura
Desaparece prácticamente el orden dórico y prolifera el orden corintio. Esta nueva forma de
columna recibe su nombre de la ciudad mercantil de Corinto, y se le añade el follaje a las volutas
en espiral del jónico, para adorno de los capiteles.
Con frecuencia se vulneran las normas en la utilización de los órdenes y disposición de sus
elementos, combinándolos unos con otros e introduciendo algunos elementos ajenos a la
arquitectura griega.
A este momento corresponde el gran templo de Zeus Olímpico en Atenas, al pie de la Acrópolis.
En esta etapa se desarrollan las grandes ciudades, surgen en ellas magníficas plazas rodeadas de
columnas, como el famoso pórtico de la ciudad de Pérgamo, una de las más destacadas del período
helenístico junto con Alejandría.

Escultura
De este período citaremos algunas obras importantes: La Gigantomaquia, en la acrópolis de la
ciudad de Pérgamo, narra en un gran friso la lucha entre dioses y gigantes; Victoria de la
Samotracia, Venus de Milo, El grupo de Laocoonte.
La preocupación por una belleza sensual que nos habla directamente de lo humano es la constante
fundamental de las estatuas que colman este período.
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Pintura
En este período los pintores están más interesados en los problemas espaciales de sus técnicas que
en los servicios de su arte a una finalidad religiosa. Algunos autores toman como testimonios de la
pintura helénica los murales y mosaicos descubiertos en Pompeya y otras ciudades romanas. Otros
toman la pintura pompeyana sólo como romana sin alcanzar la etapa en que confluyen el arte
romano y el helenismo.
Pompeya, enterrada por el Vesubio en el s. I a.c., era un lugar de veraneo para los romanos
pudientes. Todo lo que puede formar parte de un cuadro, se encuentran en estos murales; paisajes,
naturaleza muerta, ésta fue, quizá, la mayor innovación del arte helenístico: representar la vida
sencilla, paisajes idílicos, todo como parte de un conglomerado que incluía pastores, ganado, casas
de campo y montañas lejanas.

LOS ROMANOS, CONQUISTADORES DEL MUNDO

De una sencilla aldea en el Lacio, Roma se convirtió en la dueña del mundo antiguo.
Durante el transcurso de mil años los romanos fueron disciplinados como ninguna otra nación de la
tierra y, aunque conservaron el sentido de subordinación, fueron capaces de crear un Imperio de tal
trascendencia y tan fundamentalmente humano. El gran don de la obediencia que poseían produjo
con el tiempo los grandes ideales del derecho romano. Al estudiar las ideas fundamentales de ese
derecho se verá que contienen los ideales y cualidades de los romanos de los primeros tiempos,
ampliados, perfeccionados y adaptados para su aplicación universal: el respeto por los valores
eternos, por la voluntad de los dioses; el respeto por la personalidad y las relaciones humanas, tanto
en la familia como en el Estado; el respeto por la tradición, por la autoridad, por la palabra
empeñada…
El respeto por estas cosas implicaba una formación (disciplina) que se obtiene en el hogar, en la
vida pública, en la vida en general, la formación que proviene de uno mismo (severitas). Una
formación de este tipo crea un sentido de responsabilidad (gravitas) que hace conceder la
importancia debida a las cosas importantes, de tal manera que, una vez que el hombre ha puesto la
mano en el arado, ni mira hacia atrás ni titubea, manteniéndose firme en su propósito (constantia).
Éstas son las cualidades que formaron el genio romano.

La historia de Roma suele ser dividida en 3 períodos, según el tipo de gobierno que caracterizó cada
momento:
 Monarquía (s.VIII a.c.- 509 a.c.)
 República (509 a.c.- 27 a.c.)
 Imperio (27 a.c.- 476)

Sociedad romana:
 Patricios: Eran descendientes de los fundadores de Roma. Tenían derechos políticos y
podían rendir culto a los dioses de la ciudad. Se agrupaban en GENS, familias que descendían
de un antepasado común, sometidas a la autoridad de un jefe llamado PATERFAMILIAE.
 Plebeyos: Descendientes de extranjeros. No integraban ninguna gens y carecían de derechos
políticos, civiles y religiosos. Eran artesanos y campesinos.
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 Clientes: Plebeyos o esclavos incorporados a alguna gens. Permanecían unidos a los patricios
por un vínculo de fidelidad. Recibían protección del patricio y debían respetarlo y obedecerlo.
 Esclavos: Eran los prisioneros de guerra y plebeyos que no podían pagar sus deudas. Su
dueño podía matarlos.

Vida cotidiana:
La mayoría de la población vivía de la agricultura. Como se carecía de vida industrial y comercial,
sólo se conocía el trueque. Sólo en el s. IV a.c. aparecieron monedas de bronce.
El matrimonio era monogámico. Cuando un joven se casaba fingía raptar a su novia y la conducía a
la casa de su padre, abandonando ésta su casa y a los dioses del antiguo hogar. Debía permanecer
sumisa a su marido y si éste moría, a la de su suegro, el hijo mayor o cuñados. Existía el divorcio,
aunque en los primeros tiempos era muy raro.
La herencia se trasmitía de padre a hijo. Las hijas no heredaban.
La mujer romana podía hacer visitas y concurrir a espectáculos públicos.
La alimentación era frugal: cereales hervidos, legumbres, pan de trigo, aceitunas y frutas. Comían
carne sólo los días de fiesta. Bebían vino (las mujeres no).
La casa romana de los primeros tiempos era baja, con pocas ventanas, generalmente de una sola
habitación (atrium), con una abertura en el techo para permitir la entrada de luz o de lluvia; poco
confortable, con paredes pintadas de cal y muy pocos muebles.
Las conquistas territoriales romanas acabaron con la vida austera de los romanos. El exceso de
comodidad y de lujo con que vivía cierto sector produjo un relajamiento de las costumbres que
habían llevado a Roma a su grandeza: los lazos familiares comenzaron a debilitarse, la autoridad del
padre disminuyó, los divorcios eran frecuentes y el patriotismo dejaba su lugar al afán de lucro y a
la indiferencia por los asuntos públicos.

Gobierno de la Monarquía:
 Rey: Tenía carácter vitalicio y concentraba en sus manos todos los poderes. Era pontífice
máximo. Su autoridad no era absoluta.
 Senado: Formado por los paterfamiliae. Reemplazaba al rey en caso de ausencia y ejercía las
relaciones exteriores.
 Comicios Curiados: Era la asamblea patricia que votaba las leyes pero sin discutirlas.
Declaraba la guerra y concertaba tratados de paz.

Gobierno de la República:
Se practica una “democracia” indirecta o representativa.
 Magistraturas: Eran colegiadas, anuales, electivas, responsables y gratuitas. Para
desempeñarlas la ley fijaba el cursus honorum, a partir de los 27 años y después de haber
realizado 10 años de campañas militares:
 cuestor: cobraban impuestos y administraban los fondos públicos.
 tribuno: defendían los intereses de los plebeyos.
 edil: tenían funciones policiales.
 pretor: funciones judiciales.
 cónsul: concentraban todas las funciones menos las religiosas, que
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desempeñaba el pontífice máximo.
Fuera del cursus honorum estaban:
 dictador: duraba 6 meses y era nombrado en caso de peligro para la
República.
 censor: duraba 5 años y se encargaba del censo para saber la cantidad de
población y su riqueza.
 Senado: Formado por personas que habían sido magistrados, con funciones religiosas,
legislativas, financieras y de política exterior.
 Comicios: Había 3 tipos de asambleas: los comicios curiados (nacimiento), los comicios
centuriados (riqueza) y los comicios por tribus (domicilio).

Gobierno del Imperio:

Se mantuvo en apariencia la forma republicana, pues subsistían todas las magistraturas y el Senado,
aunque vacíos de poder.
El príncipe es el primer ciudadano (Princeps). Sus principales poderes son:
 imperium proconsular, que se ejerce en todo el Imperio y sin límite de tiempo.
 potestad tribunicia, que lo hace inviolable y le da derecho de veto.
 pontificado máximo, que le da poder religioso.
Los títulos del Emperador son: Augusto (carácter divino), César, Padre de la Patria, Imperator
(carácter militar).

Luchas sociales durante la República:

Los plebeyos iniciaron una lucha que duró 2 siglos para obtener la igualdad con los patricios.
 Igualdad civil: con la codificación del derecho (ley de las XII Tablas) la ley fue la misma
para patricios y plebeyos (s. V a.c.)
 Igualdad social: se permiten los matrimonios mixtos (s. V a.c.)
 Igualdad política: los plebeyos pueden ocupar el cargo de cónsul (s. IV a.c.)
 Igualdad religiosa: Los plebeyos tienen acceso a los cargos sacerdotales (s. IV a.c.).

Ejército romano:
El instrumento para el logro de las conquistas de Roma fue el ejército.
Los romanos dividieron las filas de su ejército en legiones (6.000 hombres). Estas unidades
militares estaban formadas en su mayor parte por un cuerpo de infantería y algunos elementos de
caballería. A su vez cada legión se subdividía en grupos más pequeños (cohortes, de 600 hombres;
manípulos, 200 hombres; centurias, de 100 hombres y decurias de 10 hombres).
Las victorias del ejército romano se debieron fundamentalmente a su organización y la aplicación
de la racionalidad en el combate. Crearon variadas tácticas y estrategias de lucha.
Los mismos ciudadanos debían comprar el armamento, pues el servicio militar era una obligación
cívica. La caballería la integraban los más ricos; el grueso de los ciudadanos estaba en la infantería
pesada, y los más pobres, en la infantería ligera. El servicio militar regía de los 17 a los 46 años.
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A los generales victoriosos se les ofrecían ceremonias, como el triunfo y la ovación, en las que se
organizaban solemnes desfiles del vencedor por las calles de Roma.

Religión:
La religiosidad refleja el espíritu práctico de los romanos.
Era una religión utilitaria que carecía de dogmas y sacramentos; no creía en los premios y castigos
en el otro mundo.
Los dioses principales eran: Júpiter (Zeus), dios del espacio celeste; Juno, diosa de la maternidad y
del matrimonio; Mercurio, dios del comercio; Marte, dios de la guerra; Minerva, diosa de la
inteligencia.
Los romanos eran politeístas e imaginaban a sus dioses con forma humana, inmortales y muy
poderosos, pero nunca aceptaron las pasiones y debilidades de los dioses griegos.
La primitiva creencia en espíritus o fuerzas ocultas que animaban todas las cosas no desapareció: en
el hogar cada familia - o gens- adoraba a sus propios lares (antiguos dioses de los campos), penates
(proveedores de la alimentación familiar) y manes (almas de los difuntos que se transformaban en
genios tutelares benéficos). Los dioses domésticos eran adorados en el atrium y oficiaba como
sacerdote el paterfamiliae.
Por lo general, los romanos toleraron la existencia de otros cultos religiosos. Cuando anexaron
territorios ajenos, permitieron que los pueblos que los habitaban siguieran rindiendo pleitesía a sus
propias deidades, en tanto acataran la autoridad de Roma.
Los romanos rendían culto a sus dioses en dos escenarios diferentes: había un culto privado o
familiar destinado a las deidades propias del hogar y dirigido por el respectivo jefe de la gens y un
culto público u oficial, celebrado por sacerdotes, que formaban parte del Estado romano.
En ambos casos el objetivo era el mismo: lograr anticipar o conocer los deseos de las fuerzas
sobrenaturales y conseguir la benevolencia de los dioses. Su sentido era totalmente práctico.
Los templos eran de dimensiones reducidas, pues las ceremonias se hacían al aire libre y consistían
en sacrificios (seres humanos hasta el s. III a.c. y animales).

Ciencias:
Absorbidos por la política, el derecho y la estrategia militar, los romanos -demasiado prácticos por
otra parte- no incursionaron en el campo científico. Sin embargo puede mencionarse a Plinio el
Viejo (s. I), que escribió la Historia Natural, recopilación de temas tratados por unos quinientos
autores.

Literatura:
Los romanos cultivaron la literatura por influencia griega; no fue pues, un arte original sino
imitativo. El sentido práctico los llevó a dar a su literatura una finalidad utilitaria y así la prosa
dominó sobre la poesía y tuvo un fin preciso: difundir su grandeza o propagar determinadas ideas.
El siglo más brillante de la literatura romana es el siglo de Augusto (I a.c.), período profundamente
nacional. Sus principales representantes fueron: Lucrecio, Ovidio, Virgilio y Horacio.
Publio Virgilio fue autor de La Eneida, epopeya escrita para la glorificación del Imperio, donde
relata hechos relativos a la fundación de Roma y su brillante destino. Quinto Horacio, es
considerado el más grande poeta lírico romano y ejerció enorme influencia en los poetas
renacentistas. Su obra literaria está impregnada de contenido filosófico, siendo lo más
representativo de su labor sus Cinco libros de Odas. Las obras de Publio Ovidio eran de tendencia
mundana y cínica. Tito Lucrecio, filósofo que consideró el razonamiento como la solución para
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concluir con los males de su siglo, en su obra De la naturaleza de las cosas, encierra un estudio
intensivo de la filosofía epicureísta.
Como escritores teatrales, los romanos cultivaron la comedia pues la tragedia no tuvo mayor
aceptación. Sus principales representantes fueron Tito Plauto y Publio Terencio, ambos con fuerte
influencia griega.

Historia:
La historia latina tuvo un carácter patriótico-moralista. Los historiadores romanos le rindieron
homenaje a su ciudad, considerada por ellos como el corazón del mundo. Trataron entonces de
mantener vivo el orgullo nacional y de exaltar los deberes cívicos de los ciudadanos. Entre los
historiadores romanos más destacados se encuentran: Salustio (s. I a.c.), autor de La guerra de
Yugurta y La conspiración de Catilina; Tito Livio (s. I a.c.), escribió Historia de Roma; Tácito (s.
I), considerado uno de los historiadores más importantes de Roma, autor de numerosas obras, entre
ellas Anales, Historias y Germania; Julio César, escribió los Comentarios de las guerras de las
Galias; Cayo Suetonio, autor de la Vida de los doce Césares y varones ilustres y Plutarco, autor
de Vidas paralelas.

Filosofía:
No alcanzó mayor desarrollo y, en general, sólo intentó establecer normas morales antes que debatir
grandes cuestiones filosóficas como las que habían apasionado a los griegos.
El estoicismo y el epicureísmo, escuelas ambas de origen helenístico, alcanzaron cierta repercusión
en la época imperial.
El epicureísmo se avenía menos a las características del romano, que no podía aceptar su
concepción negativa del valor del esfuerzo humano ni la actitud pasiva que correspondía al
individuo. En cambio el estoicismo al predicar el cumplimiento del deber y la represión de las
pasiones concordaba con el deseo de revivir las virtudes de los antiguos romanos.
Los filósofos más destacados fueron el epicureísta Lucrecio, y los estoicos Marco Tulio Cicerón,
Lucio Séneca y Marco Aurelio.

Oratoria:
La intensa vida política de Roma permitía a sus ciudadanos cultivar el arte de hablar en los
tribunales, en las asambleas públicas y en el desempeño de las magistraturas.
El más destacado orador romano fue Marco Tulio Cicerón (s. I a.c.), extraordinario escritor de
intensa actuación pública y expositor de reglas fundamentales para el dominio de la oratoria. Fueron
famosas sus Catilinarias, arengas pronunciadas durante el ejercicio del consulado, con el objeto de
destruir la conspiración de Catalina. En la época imperial la oratoria perdió importancia al decaer el
poder de las asambleas.

El Derecho romano:
Punto culminante de la cultura romana, las normas y leyes del derecho romano todavía sirven de
inspiración y pauta de jurisprudencia moderna
El derecho romano comprende las normas establecidas para regular la vida social: las relaciones
familiares, comerciales, laborales, privadas o públicas.
El sujeto del derecho romano era el ciudadano. En Roma había dos tipos de ciudadanía: la completa
(gozaban de ella los ciudadanos romanos que tenían plenos derechos políticos y civiles) y la
 32
incompleta (correspondía a los ciudadanos habitantes de las provincias que tenían solamente
derechos civiles, como casarse, tener propiedades y celebrar contratos comerciales).
El derecho tuvo como punto de partida la Ley de las XII Tablas (s. V a.c.). Anteriormente sólo
existía el derecho consuetudinario o no escrito, regido por las costumbres y controlado por los
pontífices. A partir de aquí, se sumaron otras leyes, decretos del Senado, de las Asambleas, etc.
Durante la época republicana tuvo mucha importancia la actividad realizada por los pretores,
magistrados anuales encargados de la administración de la justicia. Al asumir su cargo, dictaban un
conjunto de leyes o edictos por los cuales se iban a regir, o confirmaban las de sus antecesores. Las
normas dictadas por el pretor urbano dieron origen al derecho civil, es decir, al que se ocupaba de
regular las relaciones entre los ciudadanos romanos. Las normas dictadas por el pretor peregrino
dieron origen al derecho de gentes, que regulaba las relaciones de los habitantes de las provincias
del imperio (ciudadanos incompletos).
En la época imperial, el derecho continuó con su desarrollo. Las resoluciones del emperador se
transformaron en fuente de derecho. En el año 121 Adriano ordenó la recopilación de todas las
leyes vigentes. En el siglo III se suprimió la distinción entre el derecho civil y el derecho de gentes,
cuando el emperador Caracalla otorgó la ciudadanía romana a todos los habitantes del imperio.

ARTE ROMANO
Los romanos admiraron la sensibilidad de los griegos, cuyo arte intentaron asimilar desde el siglo
II a. c. a buena parte del s. I . Se llevaron a Roma el mayor número de copias posibles de obras y
artistas famosos, hasta el punto que apareció un arte helenístico con detalles típicamente romanos,
el arte grecorromano.
Durante mucho tiempo se creyó que Roma había continuado la tradición helénica, añadiéndole su
interpretación, pero sin que llegara a inventar nada nuevo; indudablemente que los primeros artistas
que trabajaron en Roma fueron griegos, pero a pesar de esta asimilación tuvieron logros que les
confirieron absoluta originalidad.

Arquitectura
Roma funde y asimila múltiples elementos de los pueblos que conquista, en un gran esfuerzo
unificador en que se basará la cultura occidental.
Los principios fundamentales de la arquitectura romana son: utilidad, racionalidad y orden.
Para los soportes se utilizan los órdenes griegos, con algunas variantes, ya que el dórico casi no se
usa y es frecuente encontrarlos superpuestos.
El arco de medio punto es otro elemento fundamental de la arquitectura romana, y puede estar
exento (espacio vacío) o como parte del muro. Ningún otro pueblo de la antigüedad ha hecho uso
del arco y sus derivaciones como el romano, ya que nadie tuvo la necesidad de ensanchar y de
utilizar los espacios internos como ellos.
Debido a la faceta práctica que los caracterizaba, los romanos daban más importancia a las
ceremonias político-administrativa o comerciales que a las religiosas. Su arquitectura está presente
en los lugares de reunión, en las basílicas, los foros, las termas o simplemente en las obras públicas,
las vías, los puentes, los acueductos y los edificios ciudadanos.
Templos:
 El Ara Pacis (s. I a.c.): Erigido para celebrar la paz conseguida en España y Las Galias. Tiene
un profundo significado político: celebrar la paz romana de Augusto. Es la paz exaltada como
una divinidad. Es una obra de alto valor comunicativo en la que confluyen los símbolos de
Italia y de Roma, la imagen de la Tierra y las escenas de Eneas haciendo sacrificios a los
dioses. Rómulo y Remo amamantados por la loba, compartido todo ello con los testimonios
 33
de la Italia de aquel entonces: un gran cortejo de Augusto con sus familiares y representantes
civiles y religiosos. Son bajorrelieves de carácter solemne, que acentúan la humanidad en el
retrato y la sensación espacial detrás de las figuras.
 El Panteón (s. II): Dedicado a todos los dioses, tiene dos partes, el pronaos, el frente, con
columnas (al estilo de los templos griegos) y un interior de planta circular, cubierto con una
cúpula. Sin ventanas, recibe la luz a través de una abertura circular en el techo, lo que le da
una luminosidad uniforme, sin fuertes contrastes. Las proporciones internas tienen como base
la perfecta igualdad entre el diámetro y la altura, 43 metros, lo que permitiría trazar
idealmente un círculo perfecto.
Los arcos triunfales
 Arco de Tito (s. I): Monumental ingreso al foro romano, realizado para celebrar el triunfo de
Tito sobre Judea. El arco, por su sencillez, la nobleza de sus proporciones y su decoración
arquitectónica es un hermoso ejemplo de sobriedad y equilibrio. Los bajorrelieves en el
interior del arco son considerados la más alta expresión del estilo ilusionista de la escultura
romana. La diferente profundidad, los contrastes de luz y sombra, producen la impresión que
las figuras se mueven; y este efecto tenía que sobresalir mayormente debido a la policromía y
el dorado. Estos bajorrelieves representan las dos partes de la procesión triunfal: por un lado
los soldados que transportan los despojos del templo de Jerusalén. En el otro, la cuadriga del
emperador con los legionarios, mientras la Diosa Victoria lo corona y la Diosa Roma conduce
los caballos.
 Arco de Septimio Severo (s. III): El arco tiene tres vanos y las columnas están alejadas de las
paredes; la superabundancia de la decoración escultórica (escenas de las campañas militares
del emperador) perjudica sus proporciones arquitectónicas.
 Arco de Constantino (s. IV): Tiene el mismo estilo arquitectónico del anterior pero es
superior por cuanto las partes decorativas no producen la misma sensación de excesiva
abundancia. Los bajorrelieves constantinianos están realizados en forma esquemática, con
varias figuras inanimadas; la figura del emperador sólo puede distinguirse por su mayor
dimensión.

Los Foros imperiales

Eran conjuntos arquitectónicos compuestos por varios edificios en los que se desarrollaba la vida
pública de los romanos. Demuestran una vocación típica de la arquitectura romana, la de organizar
grandes espacios, creando complejos edificios, distribuidos según un sistema orgánico de funciones
en las que se refleja su sentido cívico y la necesidad de organizar a la comunidad.
Algunos foros: Foro Magno, el de César, de Augusto, y el más grande Foro de Trajano.

El Coliseo
El anfiteatro Flavio, nombre del Coliseo, se inaugura en el año 80. Tiene cuatro pisos, los tres
primeros están formados por arcos, adornados por columnas del orden dórico, jónico y corintio
respectivamente. El cuarto piso no tiene arcos, sino ventanas rectangulares y está decorado por
pilares con capiteles corintios. Se celebraron en él los conocidos combates de gladiadores hasta el
año 404.

Los teatros
Son escasas las noticias sobre los mismos, aunque se sabe que se representaban obras teatrales
griegas desde comienzos del s. III a. c.
 34
Los primeros eran provisorios y de madera; el Senado no sólo prohibió la construcción de teatros
fijos sino también asistir sentados a los espectáculos, ya que no era propio de la dignidad de los
romanos. El primer teatro estable lo hizo construir Pompeyo Magno, en el 55 a. c., y para obviar la
ley que lo prohibía mandó erigir un templo dedicado Venus vencedora.
Otras construcciones romanas importantes que asombran por su funcionalidad y valor
arquitectónico son los acueductos, las termas, circos y viviendas particulares.

Escultura
Típicamente romano fue el retrato en el que se revalora la espléndida herencia etrusca.
Es evidente que el retrato representa para el romano un individualismo muy distinto a los griegos.
Estos en vez del individuo en particular idealizaban a un concepto abstracto de perfección, pero en
el retrato romano vale el carácter del individuo, los detalles personales que distinguen a los hombres
entre sí, aunque resulten contrarios a la perfección.
Ya en los primeros siglos antes de Cristo, en la época republicana, se produjeron gran número de
retratos, en mármol y bronce, de extraordinario vigor. Se trata en general, de bajorrelieves
funerarios y es posible que en la difusión del retrato haya influido la costumbre de captar en
máscaras de cera el semblante del difunto, para llevarlo en procesión.
La misma religión romana, basada en el culto de los antepasados (los Lares) y la permanencia de las
máscaras en la casa, estimulaba su recuerdo y proporcionaba conciencia de la propia individualidad.
Aún en el período de mayor helenización, a comienzos del imperio de Augusto, los retratos
conservan notables características, su verismo no se detiene ante nada, sea cruel, feo o simplemente
desagradable. Los rasgos temporales, la personalidad duramente deformada, la edad que deja su
huella física y espiritual, son muy marcados y, en algunos casos, como la serie de retratos de César,
es posible reconstruir la evolución de una fisonomía a lo largo de la vida.
Algunos ejemplos: retratos de Augusto en actitudes diferentes (arengando a los soldados o como
pontífice).

Columnas de homenaje
 Columna Trajana (s. II):Dedicada al emperador Trajano, se elevaba en el foro del mismo
nombre. La idea fue la de una gran tira de papiro (el friso que la envuelve tiene 2500 figuras)
en la que se describen las guerras ganadas por Trajano. Es como un discurso ininterrumpido;
este sistema de contar varios episodios a la vez, dejando al espectador la tarea de situar
cronológicamente los sucesos, va a ser característico de la narrativa romana. Los bajorrelieves
de mármol son una rica documentación de la época, desde el armamento de los soldados a la
construcción de puentes, campamentos, etc.
 Columna Aureliana o de Marco Aurelio (s. II): Aquí la composición abandona la sucesión
ordenada de los relieves sobre Trajano; los episodios no están ligados y son más
improvisados, compensando esto con una mayor sugestión dramática. La interpretación se
hace más subjetiva y fantástica, como el episodio que describe una gran lluvia caída
favoreciendo al ejército romano.

Otra muestra interesante de la escultura romana es la decoración de sarcófagos, caracterizados

por la narración de sucesos. En algunos casos las figuras ocupan sólo la parte frontal, en otros la
totalidad del sarcófago.

Pintura
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Hay dificultades para establecer una distinción entre pintura griega y romana en los tiempos
inmediatamente anteriores al comienzo de nuestra era y en los primeros de ésta.
La pintura romana es deudora y continuadora (en temas y estilo) de la griega pero presenta ciertas
características que afirman su individualidad, ocultada tal vez, por la escasez de testimonios.
Los romanos fueron particularmente sensibles para conseguir excelentes efectos en las obras
plásticas mediante el claroscuro y el color. Las referencias que se toman son las pinturas
pompeyanas y podemos dividirlas en cuatro momentos o estilos:
 Incrustación, imita vetas de mármol sobre las paredes, relacionándose con una moda
helenística que floreció en la segunda mitad del siglo I a.c.
 Perspectiva, se desarrolla durante todo el siglo I a.c. y consiste en representar elementos
arquitectónicos sobre paredes, pórticos, zócalos que enmarcan elementos paisajísticos y
figuras en movimiento.
 Paredes reales, época augusta, se reducen los efectos de perspectiva y se buscan motivos
decorativos placenteros, animando los muros con delicadas escenas, frecuentemente de
amarillo sobre fondo negro.
 Iluminismo arquitectónico, época de Nerón y los Flavios, recupera motivos del segundo
estilo, con colores más intensos y una arquitectura más pronunciada.

Para finalizar este panorama del arte romano anterior al siglo IV haremos una breve mención a las
artes menores; éstas abarcan notables trabajos artesanales (alfarería, orfebrería) entre los que se
podría incluir la acuñación de monedas. Los reversos de las monedas oficiales representan un
valioso archivo de la historia romana ya que se hacía constar en ellos hechos destacados del imperio
(2000 reversos diferentes en la época de Adriano).

EL CRISTIANISMO

De todas las religiones de Oriente que parecían empeñadas en disputarse el Imperio fue el
Cristianismo la más espiritualista, la que salió triunfante. El Cristianismo sometía el destino
humano a una vida futura, como la religión de los antiguos egipcios, la cual influyó en los cristianos
primitivos.
El puro espiritualismo que el cristianismo había heredado de los hebreos infundió a sus primeros
adeptos una verdadera aversión al arte plástico, por cuanto éste implicaba una dedicación a la
idolatría. Cuando la nueva religión extendió su área de influencia y vio llegar a ella las masas
paganas tuvieron que transigir con el espíritu de las muchedumbres analfabetas, que precisaban de
una imaginería capaz de iluminar su fe.

Alrededor del año 40 de nuestra era un nuevo credo religioso se difundió rápidamente en las
provincias orientales del imperio. Palestina fue el foco inicial de la nueva doctrina.
El territorio palestino estaba directamente sometido a gobernantes romanos desde la época de
Pompeyo, y pertenecía a la jurisdicción de Siria, regida por un legado romano. La hábil política de
Roma permitía la existencia de un consejo de gobierno local, el Sanedrín, que administraba a la
comunidad judía bajo la supervisión de un procurador romano. El control de este consejo
correspondía a los grupos locales más poderosos, interesados por su posición en evitar choques con
el gobierno imperial.
La política religiosa de Roma era, en general, tolerante. Augusto había autorizado a los judíos a no
rendir culto religioso a los emperadores, comprometiéndose en cambio a orar por ellos ante su
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propio dios, Jehová. Sin embargo, muchos judíos estaban descontentos por el dominio extranjero en
la región, de ahí la prudencia con que actuaban los funcionarios imperiales.
Jesucristo nació en Belén durante el reinado de Augusto y comenzó a predicar a los treinta años de
edad, en la época de Tiberio. Jesús proclamó no sólo ser el Mesías anunciado por los antiguos
profetas judíos, sino también Hijo de Dios, y durante tres años difundió su doctrina. El Nuevo
Testamento le atribuyó la realización de gran cantidad de milagros. Seguido por numerosos
partidarios, surgidos generalmente de los sectores más humildes, Cristo alarmó con su prédica a los
sectores dominantes. El Sanedrín ordenó su detención y con la aprobación del procurador romano
Poncio Pilatos, lo condenó a muerte. Fue crucificado en una colina de Jerusalén. Desde entonces
los cristianos adoptaron la cruz como símbolo de su fe.
Fue entre los esclavos y los pobres donde encontraron eco las enseñanzas de Cristo en los primeros
siglos de nuestra era. Los contenidos de la nueva fe brindaban grandes esperanzas a los más
humildes. Posteriormente el cristianismo se difundió entre los demás sectores sociales.
La nueva doctrina planteaba:
 La igualdad de todos los hombres ante Dios; la salvación no dependía de la fortuna, la
posición o la práctica de ritos y ceremonias, sino de la fe y las acciones de los hombres. La
pureza moral era más valiosa que el ritual.
 La caridad y el amor al prójimo como normas de vida en relación con los demás, aún con
los enemigos.
 La proximidad del Juicio Final que premiaría a unos y castigaría eternamente a otros.
 La negación del egoísmo, la hipocresía, la vanidad o la venganza.
Las primeras comunidades cristianas reflejaron el carácter humilde de sus integrantes: carecían de
jerarquías y se reunían en fraternidades ampliamente solidarias. Los iniciados se incorporaban a la
ecclesia (asamblea) a través del bautismo.
En los primeros tiempos los romanos no distinguieron a los cristianos de los judíos, pero a partir de
Nerón fueron frecuentes las persecuciones contra los seguidores de Cristo. No todos los
emperadores siguieron esa política: Trajano y Adriano practicaron una acción más benigna a menos
que violaran la ley. A pesar de las presiones oficiales, muchos cristianos se negaron a renegar de su
fe y fueron bárbaramente ejecutados en funciones de circo que servían de espectáculo público. Los
cristianos se negaban a adorar a los dioses oficiales y a reconocer el carácter divino de los
emperadores.
El emperador Constantino (s. IV) inauguró una política de tolerancia hacia el cristianismo
mediante el Edicto de Milán, a fin de conseguir el apoyo de la Iglesia que había adquirido gran
desarrollo y fuerte popularidad. El propio emperador adoptó la religión cristiana.
A fines del s. IV el Emperador Teodosio declaró al cristianismo religión oficial del imperio.

El ARTE TARDORROMANO
También conocido como arte paleocristiano o cristiano primitivo.
Debido a las persecuciones, sólo pudo florecer en los únicos sitios que la ley romana respetaba,
cualquiera fuera la religión que en ellos se practicase: los cementerios o catacumbas, son
laberintos de galerías estrechas y oscuras, con nichos excavados en los muros
Las primeras pinturas cristianas se encuentran en las catacumbas, en ellas la pintura servía de
ornamento para las tumbas más notables o de mártires y su característica más saliente es el empleo
de motivos simbolistas adoptados del repertorio profano y en muchas ocasiones, de la misma
temática mitológica. Habiendo admitido a la fuerza el uso de la imagen, el Cristianismo tuvo que
depurarla de aquella densidad corpórea que, desde Grecia, hacía de ella un testimonio del mundo
terrenal. El hecho de que no fuera ya objeto de culto, y sí únicamente auxiliar de éste, no quiere
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decir que la imagen no tuviera en la nueva religión una intención análoga a la que se le había
atribuido en las antiguas religiones de Oriente; es instrumento de la teología, intermediaria figurada
sobre la que se apoya la fe para llegar al dogma, del cual aquella es vestidura, representación.
Intermediaria desprovista de aquella realidad que en las antiguas religiones confería a la imagen un
poder mágico, aunque inconscientemente el pueblo no haya dejado jamás de creer en ese atributo, la
imagen conoció una nueva transformación: se hizo símbolo.
Los símbolos eran: el pez, porque la palabra griega que lo designaba tiene las iniciales de Jesucristo
hijo de Dios Salvador; el pavo real que representa la inmortalidad del alma; la vid, símbolo de la
Eucaristía, etc.
Entre la simbología típicamente cristiana, aparecieron el Buen Pastor, con el cordero sobre los
hombros, y la figura en oración con los brazos abiertos.
Toda la actividad artística romana se modifica y presenta rasgos muy distintos a los originarios; se
ha visto cómo durante largo tiempo la pintura y la escultura romanas se distinguieron por un fuerte
carácter realista; este sentido naturalista sufrió una profunda evolución y el arte se distanció cada
vez más de la realidad para seguir caminos simbolistas en los que participaban otros valores como
el sentido de lo invisible, de lo trascendente.
Nos hallamos ante una etapa de fuerte abstracción de las pueden rastrearse las sucesivas fases en los
relieves de los sarcófagos. Fueron muy importantes para los cristianos ya que los cuerpos eran
reliquias preciosas que debían conservarse para la resurrección, “la carne actual era la enemiga,
pero los huesos se revestirían de un nuevo cuerpo espiritual”, por lo que no se ahorró esfuerzos y
ya en las catacumbas aparecen sarcófagos de mármol.
Después del edicto de Constantino (313) el culto sale de las casas y reclama lugares adecuados a
sus necesidades y prestigio; se construyen gran número de iglesias, muy semejantes entre sí, como
si los constructores quisieran atenerse a un único modelo. Estas iglesias pertenecen a dos tipos: las
de planta basilical (rectangular) y las de planta circular.
A medida que la capital del Imperio Romano de Occidente se desplazaba, primero de Roma a
Milán y luego a Ravena, la actividad constructiva se desplazaba con ella; y es en Ravena donde
este proceso de simplificación e desmaterialización llegará a su fase definitiva.
Se pasa de lo corpóreo a la luminosidad, del relieve al color y en buen porcentaje le ocurre a la
arquitectura. Esta rama del arte siempre había dominado las manifestaciones artísticas de los
romanos, pero a finales del Imperio Romano de Occidente su preponderancia se torna más absoluta.
Todo se subordina a la arquitectura que resume de modo global las aspiraciones y la estructura de la
misma sociedad romana, dándole menos importancia a lo particular, sublimando la autoridad
política en el emperador, o la autoridad religiosa, en Dios.
El nuevo ideal de vida cristiana cambia no sólo las formas externas, sino la función social del arte.
Para la antigüedad clásica la obra de arte tenía ante todo un sentido estético; pero para el
cristianismo este sentido era extraestético. La autonomía de las formas fue lo primero que se perdió
de la herencia espiritual de la antigüedad.
Para el pensamiento de la Edad Media no existen, en relación con la religión, ni un arte existente
por sí mismo, despreocupado de la fe, ni una ciencia autónoma. La finalidad de educación moral era
el rasgo más típico de la concepción cristiana del arte; ciertamente que muchas veces, para griegos
y romanos, la obra de arte era un instrumento de propaganda, pero nunca puro medio didáctico.
Las formas artísticas se emancipan completamente de la realidad convirtiéndose en un estilo de
expresión trascendental, aquí las figuras representadas se hacen cada vez más aisladas y guardan
unas con otras una relación puramente ideal, no tendientes a la acción: se vuelven cada vez más
inmóviles y sin vida, y, al mismo tiempo, producen un efecto cada vez más solemne,
espiritualizado, alejado de la realidad.
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La mayoría de los medios artísticos empleados: reducción de la profundidad espacial, el dibujo
plano y la frontalidad de las figuras, reflejan plenamente una tendencia que huye del mundo.
La Antigüedad y su goce de los sentidos han pasado; la antigua magnificencia se desvanece; el
Estado Romano está en ruinas. La Iglesia festeja su triunfo, bajo el signo de una potestad que
declara no pertenecer a este mundo. Y sólo cuando ha llegado a ser plenamente soberana se crea un
estilo que nada tiene en común con la Antigüedad clásica.

Disolución del mundo romano:

Hacia el año 395 el emperador Teodosio dividió el Imperio entre sus 2 hijos:
 Honorio gobernaría sobre Occidente.
 Arcadio sobre Oriente.
A partir del s. III comienza la decadencia del mundo romano a causa de:
 Debilitamiento del ejército e inclusión en el mismo de contingentes extranjeros (bárbaros).
 Empobrecimiento económico.
 Fuerza creciente de las invasiones exteriores.
 Conflictos sociales entre las distintas clases y luchas por el poder político.
 Difusión del cristianismo.
Godos, vándalos y burgundios invadieron la Galia, España e Italia y en el año 410 el rey visigodo
Alarico ocupó y saqueó Roma.
Una nueva invasión, los hunos, dirigidos por Atila, proveniente de Asia, penetró en la Galia, y sólo
una alianza temporal de romanos, francos y visigodos pudo rechazarla.
En el año 476, un general de origen extranjero, Odoacro, depuso al último de los emperadores
romanos, Rómulo Augústulo.

EL ASCENSO DEL PENSAMIENTO TEOCÉNTRICO

Al promediar el s. III, el Imperio romano, que se había creído eterno comenzó a resquebrajarse. En
su interior, la expansión del cristianismo en amplios sectores de la población significó un
cuestionamiento de las estructuras tradicionales. No bastaban las legiones para mantener fronteras
tan amplias. Desde el otro lado de esa línea divisoria que se había trazado entre la “barbarie” y la
“civilización”, una oleada de pueblos avanzó sobre Roma.
Ni la aceptación de la fe de Cristo como religión oficial por parte del emperador Constantino
consiguió salvar el Imperio. Otras lenguas, hasta entonces no reconocidas por Roma, se mezclaron
con el latín y dieron origen a la diversidad de las lenguas romances. Otras creencias, a las que la
Iglesia había repudiado por “paganas”, alimentaron nuevos mitos, herejías y disidencias rituales,
jerárquicas y teológicas. La supervivencia del sector oriental del Imperio romano con epicentro en
Bizancio impuso el nacimiento de una entidad política distinta y hasta de una Iglesia diferenciada
de la de Roma.
Nada pudo detener la marcha de la historia. Sobre los restos de la Roma de los césares surgieron
nuevos estados. Aunque algunos creyeron reencarnar al antiguo Imperio romano, sólo reafirmaron
el nacimiento de una nueva Europa.
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ETAPAS DE LA EDAD MEDIA CARACTERÍSTICAS PRINCIPALES
Invasiones germánicas
Temprana (Desde el Bajo Imperio Romano hasta Formación de nuevos reinos
el s. IX) Civilización bizantina
Civilización musulmana
Alta (Desde mediados del s. IX al s. XIII) Aparición de sociedad feudal
Economía feudal
Consolidación de las Naciones Occidentales
Auge del comercio y de las ciudades
Baja (Desde el s. XIII al s. XV) Tránsito a la modernidad
Aparición de las lenguas romances
Consolidación de la burguesía

BIZANCIO: LA HERENCIA DEL MUNDO ROMANO

Mientras en Occidente la invasión de los bárbaros terminó con la unidad política, en Oriente, el
imperio romano se mantuvo intacto y sobrevivió durante mil años más. Constantinopla, su capital,
emplazada en la antigua colonia griega de Bizancio, contaba con una excelente situación económica
que le permitió mantener un ejército bien dotado y una administración eficaz. Con estos elementos
consiguió superar y desviar los ataques exteriores.
La historia del Imperio Romano de Oriente comenzó en el año 395, cuando Teodosio el Grande
dividió el Imperio entre sus dos hijos, y a Arcadio le asignó el bizantino. En el s. VI surgió un
emperador que soñó con unificar el antiguo imperio romano y dedicó sus esfuerzos a lograrlo:
Justiniano.

Justiniano: la renovación imperial.

El emperador Justiniano (s. VI) consideraba a Bizancio la única heredera legítima de la grandeza de
Roma. Se encargó directamente de todos los asuntos, desde los administrativos hasta los religiosos.
Para recuperar la unidad romana atendió dos aspectos fundamentales: la reconquista de los
territorios occidentales (se aseguró el control de la costa de África del Norte al derrotar a los
vándalos; reconquistó Italia que estaba en poder de los ostrogodos; y dominó las costas de la
Península Ibérica) y el fortalecimiento del poder real.
Sacrificó la paz religiosa en Oriente a la reconquista de las provincias occidentales. El objetivo de
esta reconquista fue la defensa de los dogmas definidos por los concilios ecuménicos para lograr la
unidad absoluta de la cristiandad. Persiguió a los cristianos de Egipto y Siria - cuyas iglesias se
alejaban de Constantinopla - judíos, nestorianos (herejía que no reconocía el dogma de la trinidad )..
En Grecia persiguió a los filósofos fieles a las doctrinas del paganismo antiguo. Cerró la escuela de
Atenas y exilió a sus profesores a Persia.
No consiguió restablecer la unidad religiosa, pero pudo evangelizar pueblos paganos: a orillas del
Mar Negro, Danubio y África.
A raíz de estas persecuciones religiosas en Constantinopla se produjo un levantamiento popular
“Niké”, ya que el pueblo en las calles y el circo gritaba “victoria”, pero fue sofocado.
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Gobierno bizantino:
En Bizancio, el poder del emperador era absoluto, no tenía ningún límite de carácter constitucional.
El emperador o basileus, era un personaje sagrado. Era centro y fuente de todo poder: vice- gerente
de Dios.
El día de la coronación era ungido por el patriarca de Constantinopla y se lo representaba como a
los santos, con la cabeza rodeada por un halo de luz.
En teoría la elección correspondía al Senado, pero en la práctica, el poder se trasmitía por herencia,
salvo en los casos muy frecuentes, en que revoluciones y asesinatos alteraban la sucesión familiar.
La Iglesia también estaba bajo su autoridad. Existía el cesaropapismo: intromisión del poder
político en las cuestiones eclesiásticas; “El césar es el jefe del estado y el jefe de la Iglesia”.
Justianiano intervenía activamente en la religión: resolvía cuestiones de fe, componía cantos
litúrgicos.
Para ganar el favor del pueblo restableció los sangrientos juegos del circo. Se desenvolvió en las
festividades públicas una suntuosidad extraordinaria.

Ordenamiento jurídico:
Una de las mayores glorias de Justiniano consiste en la obra legislativa que adaptó a la civilización
de los pueblos cristianos las leyes romanas que usaba el imperio bizantino. Las legislaciones
modernas se inspiran en esta codificación.
El mérito esencial de esta obra no radica en su originalidad sino en su método. Gracias a ella, el
derecho romano adquirió simplicidad y orden.

Apogeo y decadencia del imperio bizantino:

El Imperio alcanzó su esplendor en la época de Justiniano, pero a su muerte estaba empobrecido por
las epidemias y las malas cosechas; la amenaza persa subsistía en el este; la reconquista de
Occidente sólo había sido parcial y pocos años después los árabes redujeron el Imperio al Asia
Menor y a la Península Balcánica, por lo que se encerró en sí mismo. Los esfuerzos de
romanización habían fracasado y el latín, lengua oficial del estado, solamente era comprendido por
una minoría, porque se hablaba el griego.
En el s. VIII el emperador León III intentó apoderarse de la propiedad territorial monástica;
simultáneamente se inició la lucha contra el culto de los íconos (representación de imágenes
religiosas mediante la pintura o la escultura, usadas en las iglesias orientales), de ahí que este
movimiento reciba el nombre de iconoclasta. León III publicó un edicto que prohibía reverenciar
las imágenes, pero los monjes se opusieron tenazmente, pidieron ayuda al Papa e intentaron
sublevar al pueblo contra el emperador. Su hijo, Nicolás V luchó decididamente contra los monjes;
por su orden los iconos fueron arrojados de las iglesias y los mosaicos y frescos que representaban a
los santos se cubrieron de pintura.
La querella de los iconoclastas termina en el s. IX. Como resultado de ella se ahondan las
divergencias entre el Papado y el emperador de Oriente. Finalmente en el año 1054 se produjo la
ruptura. El patriarca de Constantinopla, Miguel Cerulario, en conflicto con el Papa León IX, fue
excomulgado provocando el Cisma de Oriente: la Iglesia de Oriente desconoció la autoridad del
Papa y colocó como jefe al patriarca de Constantinopla. Así surgió la Iglesia Ortodoxa Griega.
El cristianismo griego se extendió entre pueblos eslavos del este de Europa: servios, búlgaros y
rusos.

Un archivo de la cultura y un emporio comercial:

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El imperio bizantino constituyó un verdadero archivo de la cultura del mundo antiguo que subsistió,
en gran medida, gracias a estar alejado de las grandes vías de invasión de los pueblos de Occidente.
El imperio consiguió mantener una envidiable prosperidad económica, solventada por una gran
flota mercantil y un eficiente artesanado dispuestos a un permanente intercambio con Oriente.
Constantinopla crecía de una manera incontenible: la población aumentaba constantemente, se
construían lujosos edificios y su puerto reunía naves de distintos países. Merced al floreciente
intercambio mercantil, el imperio romano de Oriente se convirtió en un emporio comercial e
industrial. Sus caravanas y buques lo conectaban con los países más alejados de Oriente. Desde el
Irán, Arabia, India y China, afluían a Bizancio los refinados productos de esas comarcas: piedras
preciosas, marfiles, sedas, en tanto que las ciudades del imperio proveían finas vajillas de vidrio,
ricos tejidos y obras de orfebrería.
Los mercaderes bizantinos proveyeron durante mucho tiempo objetos de lujo a las clases pudientes
de la Europa occidental. El gobierno se reservaba el derecho exclusivo del comercio del trigo, y en
las épocas de escasez del producto, aun por sobre el hambre del pueblo, los precios se elevaban con
grandes entradas para el tesoro real.
Con tales riquezas, el Estado bizantino mantuvo tropas mercenarias para defender y ensanchar sus
fronteras. Los grandes mercaderes, necesitados de un gobierno fuerte que protegiese sus intereses,
eran los principales apoyos con que contaba la monarquía.

ARTE BIZANTINO

Arquitectura, pintura y escultura

Como se recordará, en los últimos tiempos del Imperio Romano de Occidente, Ravena desplazó a
Roma como capital imperial y pasó a ser un foco de irradiación de la cultura y el arte bizantino.
La iglesia cristiana se diferenció desde el principio del templo pagano por ser ante todo casa de la
comunidad, no casa de divinidad. Por esto, el centro de atención arquitectónico se desplaza del
exterior al interior; o sea, un exterior pobre, generalmente de muros de ladrillo, a un interior
profusamente decorado con mosaicos, de mucha luminosidad y lujo.
Las iglesias se caracterizan, generalmente, por su planta circular, y el empleo de la cúpula. Las
más bellas construcciones de este período se deben al emperador Justiniano.

 San Vital de Ravena: Fue construida en el s. VI, y es un templo de planta octogonal, con
una cúpula en el centro sostenida por ocho pilares. Se pasa del octógono a la forma esférica;
en cada uno de los lados del octógono hay un ábside (parte del templo abovedada y
comúnmente semicircular que sobresale al exterior) siendo el del presbiterio más grande,
como corresponde a la liturgia bizantina. Alrededor del octógono central corre la galería
baja y, encima de ella, el gineceo (tribunas para las mujeres). Como soporte se usa la
columna con capitel doble en forma de cono invertido cuya superficie se cubre de una
decoración vegetal continuada y uniforme. La decoración con mosaicos, además del placer
estético que produce es muy instructiva históricamente, ya que hace comprender el lujo y la
exquisitez de un monumento imperial en tiempos de Justiniano. De la gran variedad de
mosaicos vamos a destacar los famosos cuadros donde están retratados Justiniano y
Teodora, rodeados de su séquito. Son composiciones absolutamente frontales; frontalidad
que obliga al espectador a reconocer en ellos un sentimiento de plena autoridad, de
majestuosidad. El formalismo del ritual eclesiástico y cortesano, la solemne gravedad de una
vida ordenada por reglas ascéticas y despóticas se encuentran totalmente representadas por
los artistas. La gama de color utilizada es muy rica, verde-azul y oro, rojos, azules claros y
violeta, además de abundantes variedades de grises.
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 Santa Sofía de Constantinopla:La primera Santa Sofía fue construida por Constantino,
dedicada a la Segunda Persona de la Santísima Trinidad, (como Sabiduría Divina). Esta
iglesia fue incendiada y como desagravio a la Sabiduría Divina y ostentación del poder
imperial, Justiniano y Teodora hacen construir, por los arquitectos Antemio de Tralles e
Isidoro de Mileto en el s. VI, la que aún subsiste. Es una iglesia de planta rectangular, con
gran cúpula central de 31 m. de diámetro y 55 m. de altura, la base de la cúpula tiene
ventanas (tambor de luces), lo que le da gran luminosidad, acentuada por las ubicadas en los
arcos de refuerzo. Para solucionar el problema de ubicar una cúpula sobre una planta casi
cuadrada, la misma se asienta sobre pechinas, que son triángulos con lados curvos. En el
interior, como soporte, hay columnas de distinta altura, ricamente trabajadas en mármol, con
capitel simple en forma de cono invertido. La principal decoración de Santa Sofía son los
mosaicos, tapados con cal cuando fue consagrada a la religión musulmana, por su
prohibición a la idolatría de imágenes.
 San Marcos de Venecia: Es una iglesia donde confluyen varios estilos pero nosotros nos
ocuparemos de la parte bizantina. Fue construida por arquitectos y, probablemente, hasta
obreros traídos de Constantinopla; hacia el s. XI. Tiene cinco cúpulas y su mayor riqueza se
encuentra en el interior, con sus maravillosos mosaicos; los fondos son de oro sin paisajes,
con letreros en latín y algunos de sus temas son: la representación de San Marcos. Lavatorio
de los pies de los Apóstoles. Las columnas que separan a las naves parecen estar para
producir un efecto decorativo más que de soporte, son muy lujosas y de diferentes tipos de
mármoles. La explicación acerca la gran variedad de estilos y materiales que encontramos
en San Marcos, está en la ley que imponía como tributo a los mercaderes afortunados,
después de negocios provechosos, algo para embellecer la catedral.

El aporte de la escultura a la configuración de la imagen bizantina es menor, ya que la veremos en

la decoración de los capiteles y en algunos relieves de figuras demasiado planas, hasta el punto que
algunos autores hablan de una pintura en relieve más que una escultura propiamente dicha.

LA AFIRMACIÓN DE LA FE: EL ROMÁNICO.

Hacia el s. IX, pese a que el cristianismo parecía unir a los reinos occidentales, se acentuó el
resquebrajamiento de Europa. Por debajo de este panorama político, avanzaba el proceso de
feudalización, basado en la propiedad de la tierra como medio principal de producción. Sin
embargo, el mismo desarrollo del feudalismo exigió la creación de un poder centralizador, que se
fue asentando alrededor de los nobles económica y militarmente más poderosos, quienes
configuraron distintas líneas monárquicas y dinásticas. Estas monarquías en su proceso de
expansión, se convirtieron en el germen de diversos estados nacionales.

La sociedad feudal:

 Los que rezaban: clero.

 Los que combatían: nobleza
 Los que trabajaban: campesinos.

El clero se dividía en regular y secular. El clero regular vive en comunidad, conforme a una regla.
Los integrantes del clero secular no viven en comunidad. Los obispos empezaron a administrar el
territorio correspondiente a una ciudad, que pasó a llamarse diócesis. A partir del s. VIII los obispos
de sedes más importantes empezaron a llamarse arzobispos. Fue surgiendo un clero rural: cada
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aldea tuvo su propia iglesia y se convirtió en parroquia dirigida por un cura; los curas dependían del
obispo.
La nobleza de origen militar, era la dueña de las tierras y la clase consagrada las armas. El señor
vivía de la prosperidad de sus tierras, las protegía, edificaba la iglesia, el mercado, el molino, el
horno, cuidaba caminos y puentes.
El señor percibía todo tipo de impuestos, como la talla, el peaje, derechos de mercados, por el uso
del horno, del molino, del trapiche.
Los señores percibían una parte de las multas y un pago especial por administrar justicia. Acuñaban
moneda; podían alojarse en abadías y ciudades por donde pasaran, a expensas de sus dueños;
poseían el derecho de bando, por el que mandaban y establecían prohibiciones.
Los señores administraban justicia a sus vasallos.
La guerra consistía en la obligación de defender a sus vasallos, pero otras veces se convertía en una
empresa lucrativa, porque se apropiaban de los bienes del adversario o los tomaban prisioneros para
cobrar rescate.
La Iglesia estableció la tregua de Dios, la prohibición de guerrear desde el miércoles por la noche
hasta el lunes por la mañana bajo pena de excomunión, y el derecho de asilo (los que se refugiaban
en una iglesia o monasterio no podían ser atacados).
En tiempos de paz, la nobleza luchaba por diversión: la justa era un combate entre dos caballeros y
en el torneo, varios caballeros combatían divididos en dos bandos. Los vencedores se quedaban con
las armas y caballos de los vencidos, tomándolos a veces prisioneros para cobrar rescate.
El más importante de los señores era el rey, aunque a veces tenía vasallos más poderosos que él,
que le prestaban homenaje pero en la práctica no le obedecían.
El sector de los campesinos comprendía los villanos y los siervos.
Los villanos eran hombres libres que podían cambiar de lugar si lo deseaban. Trabajaban la parcela
que les cedía el señor a cambio de una parte de lo que producían. Estaban obligados a servir
gratuitamente en sus tierras determinados días (corvea). Debían utilizar las instalaciones del castillo
para elaborar pan, vino, harina, a cambio de un tributo (banalites).
Los siervos eran trabajadores rurales, ligados a la tierra que trabajaban para su señor a cambio de su
protección, no pudiendo mudarse aunque la tierra pasara a otro dueño. No eran libres.

El feudalismo:
El término feudalismo proviene de feudo, territorio otorgado por el rey a los nobles a cambio de su
servicio. En la época de las grandes invasiones, los reyes demostraron debilidad e ineptitud en la
defensa de sus súbditos. Eso, sumado a la falta de un ejército real contribuyó a modificar la
estructura de la sociedad. Impotentes para la defensa, los señores delegaron la protección de su
suelo a los señores locales quienes aprovecharon sus servicios militares para obtener mayor
independencia. Cada uno organizó un cuerpo de soldados (mesnada o hueste) y construyó castillos
fortificados para dar asilo al señor, su familia y siervos.
Los pequeños propietarios y los labradores se agruparon alrededor de los castillos y solicitaron la
protección de los señores. La recomendación era el acto por el que se pedía protección. El protegido
o vasallo prometía obediencia, fidelidad y servicio.
Ahora se obedece al rey pero por intermedio del señor. Así caduca la autoridad del rey sobre los
súbditos. Estos beneficios se transformaron en hereditarios.
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El feudo era la tierra que un señor concedía a otro no en propiedad sino como beneficio para que la
explotara y le entregara una parte del producto. El vasallaje era el lazo que unía al protector con el
protegido.
El contrato feudal empezaba con el homenaje: el protegido con la cabeza descubierta y sin armas,
colocaba sus manos entre las del señor, significando así que le entregaba tierras y vasallos. El señor
daba un beso al vasallo. El protector le hacía conocer derechos y obligaciones y procedía a la
investidura, entregándole una rama de árbol o terrón de tierra para simbolizar que le devolvía las
tierras en calidad de feudo. Al principio este contrato era oral, pero hacia el s.XIII se redactó por
escrito.
Los deberes del vasallo eran: ser fiel al señor, auxiliarlo con sus armas, prestarle consejo, contribuir
para pagar rescate si era hecho prisionero, formar la dote de las hijas del señor, someterse a la
justicia señorial. Los deberes del señor eran: defender el feudo, darle justicia al vasallo; si moría el
vasallo, el señor debía tutelar a los hijos menores, casar a las hijas y velar por su viuda.
El feudo se podía heredar, pero siempre que se cumpliera la investidura y el juramento de fidelidad.
Los feudos podían ser civiles o eclesiásticos.
El incumplimiento del contrato implicaba delito de felonía: si el vasallo no lo cumplía, el señor le
quitaba el feudo; si el señor faltaba al contrato, el vasallo podía buscar otro señor.
Todo propietario de un feudo era señor y vasallo; el rey era el señor soberano, porque de él
dependían los grandes feudatarios, que constituían la alta nobleza; de cada uno de ellos a la vez
dependían los grandes barones, y de éstos, los caballeros.
Las consecuencias del feudalismo pueden ser sintetizadas así:
 En el orden político: El poder del rey se desliza desde sus manos a las de los señores. La
unidad territorial se atomizó en una serie de pequeñas soberanías locales.
 En el orden social: El vasallaje se hizo general desde el s. X y el poder de los señores
feudales adquirió dimensiones impresionantes.

Organización económica:
La gran propiedad se extendía, bajo el dominio del rey, de los nobles o eclesiásticos.
El bosque tenía mucha importancia en la Edad Media. De él se obtenía bellota, que comían los
cerdos, la cera, la miel, la madera, carbón de madera – para la fabricación de hierro y vidrio -. El
bosque era refugio de ermitaños, bandidos, grupos marginales (leprosos). Se practicaba allí la caza,
no como deporte, sino para la alimentación.
Las herramientas del campesino no eran de hierro, que era un lujo en la época, sino de madera. El
arado y el caballo se utilizaban sólo en los territorios ricos.
Las cosechas eran irregulares y de bajo rendimiento a causa de la ausencia de fertilizantes y
abonos..
La economía estaba basada en la asociación ganado- cereales, es decir, los mismos terrenos eran
dedicados por turno a los cultivos y al pastoreo. Esto exigía el derecho a la libre pastura, que dejaba
al ganado las hierbas de los campos, tan pronto como se efectuaba la cosecha. Este derecho era
absoluto e implicaba la prohibición de cercar.
El gran dominio producía víveres, herramientas, toneles, vestimentas, piezas de sarga y lino. Los
hombres trabajaban la tierra, construían las casas, aseguraban los transportes; las mujeres
esquilaban ovejas, preparaban la lana, hilaban, cosían, tejían.
La alimentación se basaba en la recolección de frutos salvajes y en el consumo de trigo. El progreso
en las labranzas, el desmonte de mejores tierras extendieron el uso del trigo candeal. Hacia los s.
XII y XIII el pan era el alimento fundamental y se generalizó el consumo de vino.
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La industria medieval era artesanal y seminómade: buenos ejemplos de esto lo constituyeron la
industria del vidrio, la madera y el hierro que exigían el desplazamiento al bosque, única fuente de
combustible.
Se organizaban ferias semanales, los domingos, en la plaza de la iglesia y ferias anuales, donde los
comerciantes realizaban transacciones. Famosa era la feria organizada los días 9 de octubre para
San Dionisio en las afueras de París.

El castillo:
Fue la fortificación característica del medioevo. Los primeros castillos se originaron en los s. IX y
X, cuando las invasiones azotaron violentamente a Europa. Consistían en un torreón de madera
rodeado de una empalizada de estacas.
A partir del s.XII la piedra sustituyó a la madera en las construcciones y la empalizada fue
reemplazada por una muralla. Para reforzarla, se le agregaron torres salientes en los ángulos y los
frentes.
El castillo tenía una única puerta, cuyo acceso estaba protegido por un foso profundo lleno de agua.
Este foso podía atravesarse por medio de un puente levadizo que podía levantarse por medio de un
sistema de cadenas. El rastrillo era una reja de hierro ubicada verticalmente detrás del puente y una
puerta reforzada de hierro.
Detrás de la línea protectora de las murallas se abría un amplio patio, donde estaban los depósitos y
habitaciones de la servidumbre. Otra muralla separaba estas dependencias de la capilla y del
torreón, residencia del señor. Allí se encontraban las caballerizas y las cisternas.
En caso de guerra, el castillo servía de protección a los habitantes del señorío y permitía soportar un
sitio prolongado.

La caballería:
En este período de continuas discordias la ocupación predilecta del señor era la guerra.
Hacia el s. XI la Iglesia trató de moderar el salvajismo de los señores e introdujo la caballería,
hermandad militar rigurosamente seleccionada. Los caballeros tenían una preparación de orden
espiritual que exaltaba el respeto por los ideales de justicia, prudencia y generosidad.
El aspirante a caballero después de un período de aprendizaje, velaba las armas en una ceremonia
religiosa. El rey o su señor lo armaba caballero, entregándole las armas y dándole el espaldarazo.
El caballero debía ajustar su vida a un código de honor que tendía a hacer de él un perfecto
guerrero, un perfecto cristiano y un perfecto vasallo; ser puro, honrado, proteger al clero y a la
justicia; amparar a las mujeres, ancianos y huérfanos.

El poder de la Iglesia:
Durante los siglos convulsionados por las invasiones bárbaras, sólo la Iglesia, como institución, se
mantuvo intacta. Salvó su organización, su prestigio y su jerarquía, desempeñó un papel importante
como agente de romanización de los bárbaros, combatió las herejías y logró la evangelización de los
paganos.
Sus privilegios eran: tribunales y leyes propios, exención de impuestos, cobro de diezmos,
beneficios territoriales.
La Iglesia Cristiana, a cuyo frente se hallaba el Papa, se convirtió en un poderoso Estado depositario
del poder temporal y eclesiástico.
Uno de los males de la época era la insuficiencia e indignidad del clero.
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Las familias poderosas, condes o vizcondes, consideraban a menudo los obispados y abadías como
bienes propios.
El clero, privado de toda independencia, se hallaba estrictamente sometido a los príncipes y a los
señores cuya elección podía recaer en personajes indignos. Los dos principales vicios de la época
eran:
 La simonía o acción de obtener cargos religiosos por medio de influencia o dinero.
 El nicolaísmo o rechazo del celibato eclesiástico.
Muy poco numeroso en las zonas rurales, frecuentemente analfabetos, con escasos estudios e
incapaz de enseñar las verdades fundamentales de la religión, este clero se desinteresó de su misión
espiritual.
El conocimiento superficial de la doctrina favoreció un tipo de religión familiar, ligada al culto a
santos y reliquias, hecho que explica la intensificación de las peregrinaciones.
La idea de caridad y fraternidad estuvo ausente, en un mundo de costumbres brutales.
La religión estaba marcada por el temor al juicio final y el miedo al fin del mundo, miedo colectivo
que se habría desencadenado en Occidente en torno al año 1.000, fecha terrible anunciada en el
Apocalipsis de San Juan.
Pasadas las invasiones, pasado el duro trance del año mil, toda la Europa occidental asiste al
nacimiento de miles de iglesias, abadías y monasterios, que dan prueba de la extensión del poderío
católico y del aumento continuo de la vocación religiosa, que multiplicará el número de sacerdotes
y monjes.
Y la Iglesia significa además cultura. Cuando las ciudades decaen, y sus escuelas cierran las
puertas, la cultura encuentra refugio en los monasterios, donde los monjes, siguiendo la regla de San
Benito de Nursia, fundador de la orden benedictina, “ora et labora” (reza y trabaja), dedican parte
de su tiempo a las tareas intelectuales. San Benito decía que “la ociosidad es enemiga del hombre”.
Los benedictinos enseñaban en las escuelas conventuales y en sus talleres los copistas conservaron
los textos sagrados.
Alrededor de la abadía, de la iglesia, de la catedral se nuclea la vida espiritual y cultural de la
región, así como el señor feudal representa la defensa militar y la organización de la economía
campesina basada en el trabajo del siervo.
La Iglesia recibe tierras en donación, ricas ofrendas, hereda dominios, ya que no pocos eclesiásticos
provienen de familias nobles.

Cluny y la reforma monástica:

En el siglo VI, San Benito de Nursia había introducido en Occidente el monaquismo, surgido en
Egipto y Siria del deseo de practicar una vida ascética, cuyo modelo fuera el de Cristo. San Benito
fundó su monasterio en Monte Cassino, apartado lugar de la Campania, donde transcurrió su vida
entre el retiro espiritual y el duro trabajo manual.
Con este espíritu se funda en 910 el monasterio de Cluny, en Borgoña, para devolver a la regla
benedictina su pureza e imprimir el primer gran impulso a la reforma de las órdenes monásticas.
Cluny restituye al Papado la dignidad perdida: logra acceder directamente a él mediante uno de sus
monjes, que fue Papa con el nombre de Urbano II. Sus abades se ocuparon personalmente de
fomentar y dirigir las Cruzadas y de impulsar el avance cristiano en España; alentaron las
peregrinaciones y organizaron el culto a los santos locales; fundaron verdaderos focos culturales y
religiosos. Se ocuparon de ayudar a los pobres, enfermos y huérfanos, fundaron escuelas y
mantuvieron parroquias rurales.
La Iglesia de Cluny era la más extensa de Europa; su abad, el segundo jefe de la cristiandad,
después del Papa.
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Una de las principales actividades de Cluny fue la de popularizar el culto de las reliquias de los
santos, casi siempre mártires de las persecuciones, canonizados más tarde. La presencia de su
cuerpo o alguna otra reliquia aumentaba el brillo de la iglesia donde se hallaban; este hecho fue
inteligentemente utilizado por lo cluniacenses para acrecentar su prestigio y el poderío económico
de sus monasterios, pero fue sobre todo el movimiento generado por largas y periódicas columnas
de fieles, llegadas desde los lugares más lejanos para venerar las reliquias lo que multiplicó las
riquezas de la orden.
El incesante ir y venir de peregrinos determina la creación de rutas de peregrinaje y comercio, que
intensifican las comunicaciones y unen zonas muy alejadas, a la par que son vehículo de ideas y
cultura. Aparte de la carretera que, pasando por Roma, llevaba a Jerusalén, en Europa occidental las
principales rutas unían Cluny con Santiago de Compostela, en el norte de España.

La orden del Cister:

A fines del s. XI Robert de Molesme funda la orden cisterciense que sigue, como Cluny, la regla
benedictina y a la que San Bernardo de Clairvaux dio un gran impulso a principios de la centuria
siguiente.
En esta época Cluny había alcanzado todo su esplendor; Cister representa una reacción contra el
espíritu cluniacense. Rechaza las ambiciones políticas y riquezas de Cluny; sólo pretende formar
monjes que aspiren vivir en la pobreza.
Definidos por su austeridad y silencio, los cistercienses son incansables trabajadores y no desdeñan
las labores más duras, como las del campo, que Cluny había abandonado poco a poco.
Su influencia fue enorme: a fines del s.XII contaban con 530 monasterios. Su acción evangelizadora
se extendió ampliamente, en especial en las marcas orientales de Alemania (las marcas eran las
zonas fronterizas con los bárbaros).
También se aplicaron a propagar el culto a la Virgen María, hasta entonces poco difundido.

Órdenes mendicantes:
En el s.XIII se crearon órdenes mendicantes que se apartaron del monacato tradicional, porque en
vez de practicar el ideal cristiano apartándose del mundo, entraron en contacto con el pueblo,
tratando de sacarlo de la miseria, de la ignorancia y el pecado.
Se llamaron mendicantes porque renunciaban a todos los bienes materiales y vivían de la caridad de
los fieles; vestían un tosco ropaje de lana ajustado a la cintura con un cordón y calzaban sandalias
de madera.
San Francisco fundó la orden franciscana en el s. XIII. Su regla decía “los hermanos no deben
tener nada suyo; que vayan como peregrinos y extranjeros por el mundo, sirviendo a Dios en la
pobreza y humildad, esperando la limosna, que no debe avergonzarlos, pues el Señor se hizo pobre
por nosotros.” La orden nació en Italia, se extendió por Francia, Inglaterra y demás países de
Occidente. Sus sermones estaban dirigidos a habitantes de las ciudades.
Santo Domingo de Guzmán fundó la orden de los predicadores – dominicos- , que predicaron
contra los herejes, capacitándose para ello con una adecuada educación; más tarde se dedicaron a
los estudios, especialmente en las universidades. A pesar de que la orden seguía la regla de San
Agustín, su género de vida coincidía mucho más con el de los franciscanos.
Santa Clara de Asís fundó la orden de las clarisas, asociada a los franciscanos.

Manuscritos:
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En la edad media los libros eran manuscritos y llevaba no poco tiempo escribirlos o copiarlos. Este
fue un trabajo de monjes, quienes tuvieron a su cargo la transcripción y comentario de los libros que
lograron salvarse de la catástrofe romana o la redacción de nuevos volúmenes.
Vinculada a esta tarea aparece una de las artes más características y completas del Medioevo: la
miniatura.
Con su tiempo organizado, con su trabajo reglamentado, los monasterios han cumplido una tarea de
incalculable valor. Toda la Biblia, toda la concepción del mundo de la época desfila por estos
museos en miniatura poco y mal conocidos.
No poca influencia tuvo Irlanda, verdadero centro monástico, cuyos misioneros partieron de allí en
siglos tempranos por todo Occidente, llevando consigo su arte.

La corte
En esta época la nobleza goza de privilegios muy grandes y tiene, a veces, mayor poder que los
reyes y emperadores. La corte vive con gran pompa; el emperador cree conveniente convertir a la
dignidad imperial en objeto de culto y rodearse de los símbolos materiales del culto. Así como
aspira y cree haber recreado el Imperio Romano (aunque los señores feudales suelen recordarle sus
límites), así también se hace representar entronizado a la manera de los emperadores de la
antigüedad.

Las Cruzadas:
Las Cruzadas fueron expediciones militares emprendidas entre los s. XI y XIII por los cristianos de
occidente, con el apoyo del Papa para expulsar a los turcos musulmanes del Santo Sepulcro y del
reino de Jerusalén. La palabra cruzada obedece a que los expedicionarios llevaban sobre el hombro
derecho una pequeña cruz de paño rojo.
La fe religiosa fue uno de sus principales motores. Luego se sumaron otros importantes elementos:
la ambición de gloria y conquistas de los reyes y señores de Occidente, el deseo de expansión
territorial de las ciudades italianas – principalmente Génova y Venecia -, la aspiración de terminar
con el Cisma bizantino.
En total se organizaron 8 expediciones militares . A fines del s. XIII se habían perdido todos los
territorios conquistados por los cruzados, con excepción de Chipre. No obstante, las cruzadas
tuvieron otras consecuencias de enorme trascendencia:
 De orden religioso:
 Consolidaron la autoridad espiritual de los Papas.
 El poder temporal de la Iglesia se acrecentó con la imposición de contribuciones y anexión
de nuevas tierras, legadas por los cruzados que morían sin herederos.
 Mayor tolerancia religiosa entre católicos, bizantinos y musulmanes.
 La fe se debilitó en contacto con las costumbres orientales.
 Surgen órdenes religioso-militares, como la de los caballeros de San Juan u Hospitalarios, la
de los Templarios y los Caballeros teutónicos. Estos monjes soldados renunciaban al mundo,
haciendo votos de castidad, obediencia y pobreza. En su carácter de caballeros se
comprometían a defender a los peregrinos, proteger a débiles y enfermos y luchar por la
religión. Sobre sus armaduras vestían hábitos monásticos que ostentaban una cruz bordada.
 De orden político y social:
 Se detuvo el progreso del Islam en Europa y prolongaron la vida del Imperio de Oriente.
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 Debilitó el poder de los señores feudales que debían financiar por su cuenta las costosas
expediciones.
 Resurgimiento del poder real y encumbramiento de la burguesía.
 De orden económico:
 El intercambio entre Oriente y Occidente favoreció a las ciudades mediterráneas (Marsella,
Génova, Venecia) cuyas flotas navegaban hacia Tierra Santa llevando soldados, equipos y
alimentos y regresaban cargadas de productos.
 Nuevos procedimientos en las artes industriales. Se introdujeron telares y materiales
colorantes para tintorería. La agricultura se benefició con el uso del molino de viento y el
conocimiento de plantas exóticas.
 Se perfeccionó el arte de la guerra.
 De orden cultural:
 La civilización árabe y bizantina brindaron nuevos conocimientos en medicina,
astronomía, geografía, matemáticas.

ARTE ROMÁNICO

Podemos distinguir dos períodos en su desarrollo:

 Arte románico primitivo, que se extiende desde el 950 al 1100.
 El apogeo románico, desde el 1100 al 1200.

Nos ocuparemos de este segundo período, que comienza con el papel preponderante de la orden
benedictina de Cluny en la difusión del estilo románico.
En sus comienzos el arte románico fue un arte monástico, pero al mismo tiempo un arte
aristocrático, reflejando la solidaridad espiritual entre el clero y la nobleza; los puestos más
importantes de la Iglesia de la Edad Media estaban reservados a miembros de la aristocracia.
Hasta la aparición del movimiento reformador ascético de la orden de Cluny no aparece un cambio
de actitud señorial; cambio que será más radical con la aparición de las órdenes mendicantes.

Arquitectura
Es en esta rama del arte donde el románico va a alcanzar sus mayores logros. Es un estilo
internacional, ya que el auge de las peregrinaciones, va a posibilitar su difusión por toda Europa;
pero el papel preponderante lo va a tener Francia, a través de la orden de Cluny.
La mayor expresión arquitectónica fue la catedral, y la forma de cubrir estos templos una gran
innovación técnica.
Dos fueron los sistemas esencialmente empleados:
 techumbre de madera
 arcos de piedra o ladrillo.
El primero no presentaba gran problema, pero la segunda, por su parte, implicaba una labor más
compleja ya que al ser materiales más pesados, requería elementos de soporte.
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La solución fue usar:
 Bóvedas de cañón, que son una serie de arcos juntos que se prolongan en larga sucesión.
 Bóvedas de crucería, son el resultado de unir en una intersección dos bóvedas de cañón.
Los romanos ya habían empleado estas bóvedas pero los arquitectos medievales la aplicaron en
forma más ambiciosa.
La planta típica de la iglesia románica es de tres naves, de anchos muros para poder soportar el
peso del techo lo que trae aparejado ventanas bajas y estrechas.
A diferencia de lo que ocurría en las iglesias bizantinas donde predominaban el éxtasis, la luz, el
color de los mosaicos y mármoles en los cuales todo parece desmaterializarse, la iglesia románica es
vacía, cerrada, con luces y sombras en fuerte contraste.
El soporte característico del Románico es el pilar compuesto, que tiene columnas adosadas
totalmente integradas a él.
La utilización de la columna es limitada, salvo en algunas regiones en las que se alterna con pilares,
como en la Torre de Pisa, por ejemplo; estas columnas carecen de una medida fija ya que se
alargan o acortan de acuerdo a las necesidades constructivas. La gran novedad del Románico es la
aparición del capitel con figuras o escenas y supone la integración o subordinación de la escultura a
la arquitectura.
Construcciones en Italia
 La escuela Lombarda
 Parma
 Cremona
 Módena
 Ferrara
Estas catedrales se distinguen por pórticos avanzados, con columnas que descansan sobre leones o
animales fantásticos.
 La escuela Toscana
 El grupo de Pisa, compuesto por: La Catedral, el Baptisterio y el Campanario (la torre
inclinada). La Catedral tiene cinco naves, cúpula, monumental fachada dividida en varios
cuerpos con arquería. El Baptisterio es de planta circular y, por último, el Campanario o
Torre Inclinada, de fines del siglo XII, dividido en una serie de cuerpos, todos ellos con
arquerías sobre esbeltas columnas.
 En Florencia (siempre de la escuela Toscana) podemos mencionar la bella iglesia de San
Miniato al Monte y el Baptisterio de San Juan, de planta octogonal.
 La iglesia de San Marcos en Venecia, cuyos arcos esculpidos de la entrada pertenecen al
Románico. (Recordemos que la planta, cúpulas y decoración son bizantinos).

Es importante que recordemos que el Románico se extiende por toda Europa y que se toma Italia
sólo como referencia.

Escultura
La actividad de los escultores es muy intensa; tienen por finalidad embellecer las puertas de las
iglesias e incluso la fachada entera. La decoración tiene una misión didáctica, que se expresa a
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través de un lenguaje conciso y fuertemente expresivo, fiel a la iconografía tradicional y siempre
supeditada a las estructuras arquitectónicas.
Se alteran las proporciones naturales, el aumento de las partes expresivas del rostro y el cuerpo,
especialmente ojos y manos, brazos elevados, constituyen un fenómeno dirigido a lograr una
atmósfera apocalíptica.
El tema capital del arte románico es el Juicio Final, tema de particular preferencia para decorar los
tímpanos de las iglesias, producto del “terror del año mil” (el fin del mundo) y a su vez la más
poderosa expresión de la autoridad de la Iglesia.
Para lograr captar en su total magnitud el sentido que quiere expresar el artista románico con sus
obras, tenemos que hacer un esfuerzo por recrear la situación en que se encontraba el hombre de la
época.
Quien se acercaba a una iglesia era un fiel, no se acercaba a mirar una escultura, sino a orar,
procedía de un mundo donde la vida era elemental y difícil, la subsistencia un problema diario y la
temporalidad una realidad muchas veces angustiosa y siempre presente, la enfermedad una
condición constante...Y, al alcanzar el templo, el bullicio se convertía en silencio, la luz en
penumbra, la heterogeneidad en homogeneidad y organización.
Era el paso de un mundo a otro. Si la calle era el mundo de los hombres, la iglesia era el mundo de
Dios. Su anuncio estaba en el pórtico mismo, sobre la entrada, en el tímpano, en los arcos que lo
enmarcaban y profundizaban, las arquivoltas o archivoltas, en los capiteles de las columnas que,
dentro de la iglesia, separaban las naves.
El fiel podía reconocer las figuras, pero las reglas que las “componían” le eran ajenas, sus tamaños
no guardaban las proporciones a las que su percepción estaba acostumbrada, los rostros eran
intemporales; como el espacio en que estaban, aquellas imágenes eran de otro mundo.
Gran parte de la escultura románica evoluciona gracias a las peregrinaciones ya que ponían en
contacto tendencias y estilos, atrayendo artistas y artesanos; fundamentalmente la peregrinación a
Santiago de Compostela y el establecimiento del Camino de Santiago, cuyas rutas francesas son
muy importantes:
 Saint Pilles : En el centro del tímpano, Dios majestad, gigantesco, preside el centro del
mismo, mientras bendice. A su lado, los símbolos de los cuatro evangelistas y ángeles;
sentados, en tres filas superpuestas, los ancianos o señores del Apocalipsis, libro del que se
toma la escena.
 Montpellier: El tema del tímpano de Vézelay es el milagro de Pentecostés. En el centro,
los rayos del Espíritu Santo descienden sobre los apóstoles, presididos por Cristo Majestad;
debajo, un friso claramente separado de la escena central y, enmarcándola, una serie de
escenas evangélicas donde predomina la rigidez y la abstracción. El sentido de toda la
composición es bien patente: la visión convertía a los peregrinos que partían de Vézelay en
nuevos apóstoles.
 Toulousse.

Pintura
La pintura también se subordina a la arquitectura. En esta subordinación las formas se alargan o
encogen, se desvían o se acercan según la situación que deban ocupar. Por esto las figuras no
cumplen con los más elementales cánones (medidas) de proporción.
Tiene un sentido de expresionismo sobrenatural más que de semejanza; su misión es enseñar, pero
conmoviendo.
Condensando el espíritu artístico de estos siglos, la temática es estrictamente religiosa (lo vimos en
la escultura) donde tiene cabida la fe popular. Las tradiciones locales y la más alta teología. No
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obstante, al ser esta fe, única, sobre una misma doctrina, los temas guardan básica similitud en todas
las regiones.
La pintura románica se desarrolla en tres modalidades:
 fresco, para la pintura mural
 temple, sobre tabla
 miniaturas, en los códices.
Pintura al fresco
El románico sigue la tradición bizantina de la decoración de las paredes, pero abandonando el
mosaico que sólo Italia sigue utilizando. Para explicar el auge de la pintura mural debemos sumar a
las razones religiosas, las macizas y pesadas paredes de la iglesia románica, con pocas aberturas al
exterior, lo que posibilita un considerable campo de acción.
Los procedimientos de la pintura mural son tres: la italiana, cuando la mezcla de cal y arena aún
está “fresca” se aplican los colores diluidos en agua; la griega, los colores se aplican en seco sobre
la preparación de varios retoques hasta quedar el grueso conveniente; la pintura al temple, los
colores se aplican sobre el revoque de cal y arena, cuando está seco, aunque la pared se va
humedeciendo conforme se va trabajando.
En cuanto a la temática y su disposición en el interior de las iglesias, tenemos que el cuarto de
esfera del ábside (parte interna) se reserva al Pantocrátor, que es la manera de representar a Cristo,
dentro de mandorla, ornamento característico del arte medieval, que consiste en una aureola en
forma de almendra donde se ubican los personajes sagrados, Cristo o la Virgen.
El Pantocrátor suele estar rodeado de ángeles, sentado o de pie, sosteniendo con la mano izquierda
el Libro Sagrado mientras la derecha bendice con tres dedos levantados en señal de la Trinidad.
Pintura sobre tabla
Se reserva, generalmente para el frente del altar, después se seguirá la costumbre de colocarlos
como fondo de la pared. Los temas, siempre religiosos, son más complejos que en los murales, y las
figuras no son tan rígidas.
Son frecuentes las escenas simbólicas de la vida y el martirio de los santos. Es muy raro encontrar
firmas en las obras románicas, por lo que se las adjudica a autores anónimos y se las distingue por
obra o lugar donde se halla.
Miniatura
Es una pintura de gente erudita que no tiene la misión evangelizadora del mural o la tabla. Su
utilidad era completar el texto de aquellos códices que encerraban el saber medieval. Un códice es
un manuscrito y se aplica la denominación a aquellos libros anteriores a la invención de la imprenta.
Los temas son preferentemente religiosos, pero no exclusivamente bíblicos, ya que ilustran vidas de
santos y temas científicos o literarios. Los libros piadosos destinados al pueblo, generalmente
analfabeto, llamados “Biblias de pobres”, tienen grandes páginas de sólo ilustraciones muy
expresivas, sencillas y narrativas.
De cada foco de producción salieron numerosos ejemplares, pues se generalizó la costumbre de
encargarlos dejando de ser prerrogativa exclusiva de reyes y emperadores.

UN TRÁNSITO A LA MODERNIDAD: EL GÓTICO

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A partir del s. XI, Europa occidental fue el escenario de una serie de transformaciones económicas,
sociales, políticas e intelectuales. El sistema feudal se mantuvo en vigencia, pero se atenuaron
algunas de sus características. Se produjo el despertar de distintas fuerzas:
 una revolución económica, caracterizada por el progreso agrícola, el desarrollo de las
ciudades y el despegue del comercio a gran distancia.
 la aparición de una nueva clase social: la burguesía.
 la revitalización del poder monárquico.
El crecimiento de las ciudades a lo largo de las principales rutas comerciales permitió que se
desarrollaran nuevas fuerzas sociales, con intereses particulares y una visión distinta de la vida. En
estos núcleos urbanos, los gremios de artesanos fueron el motor de un nuevo impulso económico,
basado en la producción de bienes destinados a satisfacer las necesidades de una sociedad que
cambiaba sus hábitos de consumo y también a abastecer los requerimientos del comercio, que
trascendía ampliamente el entorno inmediato para adquirir una dimensión internacional.
Al calor de la expansión de las rutas comerciales, la Iglesia convocó a las cruzadas, que marcharon
a recuperar Tierra Santa, un espacio geográfico que, además del simbolismo religiosos, era la puerta
que había que franquear para acceder al Lejano Oriente.

La renovación económica:
Fue producto de un conjunto de factores relacionados entre sí:
 el progreso agrícola
 la recuperación del gran comercio
 el desarrollo urbano
El progreso agrícola fue el resultado del clima de paz general, debido al cese de las invasiones que
habían asolado Europa durante tanto tiempo y al desarrollo de una serie de innovaciones aplicadas a
las técnicas de cultivo: utilización del caballo para tirar del arado en lugar de los bueyes, el
reemplazo de los utensilios de madera por los de hierro y el uso del molino hidráulico. Aumentaron
también las superficies cultivables, gracias a grandes roturaciones de terrenos vírgenes, la
desecación de pantanos y el laboreo de zonas boscosas.
El progreso agrícola permitió una mejora en la cantidad y calidad de los alimentos, lo que favoreció
el crecimiento de la población. El aumento de la producción agrícola generó un excedente que pudo
ser utilizado para el comercio
El fenómeno más característico fue el gran impulso que recibieron los intercambios comerciales
en gran escala, entre Oriente y Occidente. La aparición de excedentes agrícolas y el cese de las
invasiones fueron los motores de esta expansión. Los centros de gravedad del renacimiento
comercial en Occidente fueron dos:
 en el Sur: las ciudades italianas como Venecia y Génova.
 en el Norte: las ciudades del mar del Norte, en la zona de Flandes (Bélgica) como Gantes y
Brujas.
El punto de reunión de los dos centros eran las ferias de Champaña (Francia), grandes centros de
intercambio de productos al por mayor. Se realizaban una o dos veces al año. El comercio
internacional se desarrolló principalmente a través del transporte marítimo y fluvial. Se importaban
arroz, frutas, perfumes, tinturas, especias y productos de lujo y se exportaban maderas, armas,
tejidos de lana.
Un fenómeno especial fue la reaparición de la moneda.
 54
Los dominios rurales atenuaron su autosuficiencia y dejaron de producir ciertos artículos, que se
obtenían más fácilmente por la compra.
Como consecuencia del renacimiento comercial, las antiguas ciudades se revitalizaron. La
expansión del comercio y el desarrollo urbano coincidieron: las ciudades aparecieron a lo largo de
las rutas comerciales. En sus comienzos se constituyeron alrededor del castillo de un señor o de una
catedral o de un burgo (lugar fortificado). Por eso sus habitantes recibieron el nombre de burgueses.
Allí se reanudó la producción artesanal, por ejemplo, la fabricación de paños. Los artesanos
comenzaron a emigrar del campo a la ciudad en donde podían vender sus productos.

Renovación social: aparición de la burguesía.

La renovación mercantil y urbana fue acompañada por la aparición de una nueva clase social,
integrada en su mayoría por comerciantes y artesanos: la burguesía.
Los burgueses, con sus nuevas prerrogativas, formaron también una clase privilegiada, con libertad
de movimiento y enriquecida gracias a las ganancias que les redituaba el gran comercio;
conformaron así el eje fundamental de la vida de las ciudades. Allí se agruparon según los oficios
en corporaciones o gremios. A través de estas asociaciones, de carácter obligatorio, defendían y
reglamentaban sus actividades. Las corporaciones establecían las normas y formas de trabajo, los
precios y los salarios; también verificaban la calidad y la cantidad de productos fabricados en los
talleres. Con todo esto buscaban regular el mercado y evitar la competencia. Estas asociaciones de
trabajadores tuvieron además el ejercicio exclusivo de la profesión. Los artesanos concurrían como
aprendices a la casa de un maestro artesano (dueño de un taller y de los instrumentos de trabajo).
Luego pasaban a un estadio superior, el de oficial o compañero, que trabajaba con el maestro a
cambio de un salario. Finalmente el artesano cumplía el requisito de un examen y podía instalar su
propio taller y convertirse en maestro artesano.
También cambió la situación del campesinado. Los más afortunados se beneficiaron con la
economía monetaria, pues al vender su excedente agrícola pudieron comprar la libertad a los
señores. Si sabían realizar alguna actividad artesanal emigraban a la ciudad.
Estas modificaciones se desarrollaron en forma lenta y la servidumbre en general no desapareció.

Fortalecimiento del poder real:

Desde el s. XII, las monarquías de Occidente intentaron recobrar las prerrogativas perdidas a partir
del auge del feudalismo: los reyes aumentaron sus territorios, consolidaron el sistema sucesorio,
establecieron una capital fija, organizaron un ejército nacional y disminuyeron el poder de los
señores.
En su lucha contra el feudalismo, recibieron el apoyo de un sector social nuevo, que también se
oponía a la nobleza: la burguesía, que colaboró económicamente con los monarcas. los reyes
compensaron a sus aliados ofreciéndoles participación política (cargos de funcionarios) y
protección militar.
Este proceso de fortalecimiento monárquico se desarrolló muy lentamente. Se perfilaron así las
posteriores naciones europeas: Francia, Inglaterra, España y Portugal.
Legado cultural de la Edad Media:
En sus orígenes, los cristianos se habían expresado en griego. En su posterior expansión y
vinculación con el Imperio romano, la Iglesia adoptó el latín y ésta fue la lengua de los gobiernos y
de las clases cultas. Pero, en diversas regiones del imperio romano, fueron surgiendo nuevas
manifestaciones idiomáticas, mezcla de los dialectos locales con el latín vulgar llevado por las
legiones romanas, las lenguas romances; tal el principio de los idiomas actuales que llamamos
castellano, italiano, portugués, rumano, catalán, francés, provenzal, gallego, toscano, florentino.
 55
En las comarcas no conquistadas nunca por Roma, las lenguas divergieron del latín. Así surgieron
las lenguas germánicas: alemán, holandés, danés, inglés, sueco, noruego.
Como surgieron los idiomas nacionales, surgieron las literaturas nacionales que se expresaban en
esos idiomas. Juglares y trovadores ambulantes difundían por los caminos, las plazas de las nuevas
ciudades o los castillos de los señores, cantos épicos que loaban hazañas heroicas - reales o
inventadas- y glorificaban el sentido caballeresco del honor, la lealtad y del valor personal. Este tipo
de poemas se halla representado en España por el célebre “Cantar del Mío Cid” (s. XII), en Francia
por la “Canción de Rolando”, en Alemania por “Canción de los Nibelungos” y en Inglaterra por la
“Tabla redonda”.
Los trovadores del sur de Francia, donde había influencia musulmana, tomaron como tema central
el amor romántico idealizando a la mujer.
También fueron frecuentes los temas religiosos, como las vidas de santos, que a veces se
representaban en los pórticos de iglesias, surgiendo así el teatro de divulgación religiosa.
En las escuelas medievales dependientes de la iglesia se estudiaban las 7 artes liberales que
comprendían el trivium (gramática, retórica y dialéctica) y el cuadrivium (aritmética, geometría,
astronomía y música). La enseñanza tenía un carácter oral: lectio del maestro, seguida de questio y
completada por un debate (disputatio).
Hubo una difusión mucho más amplia del libro, que dejó de ser un objeto de lujo. La copia de los
textos pasó a ser un trabajo realizado en serie en talleres de artesanos donde cada uno recopiaba
varias veces el mismo fragmento. La escritura se hizo más rápida, las abreviaturas más numerosas y
pequeñas y el formato más manejable.
Aparecieron las becas estudiantiles: las clases se vieron frecuentadas por hijos de artesanos y
campesinos.
Algunas escuelas, las más famosas, impartían una enseñanza más general y recibieron del Papa o
Emperador, juntamente con el título de studium generale, el derecho a expedir licencias, es decir,
reconocer el derecho a enseñar.
En los países mediterráneos, y en particular en Italia, los mercaderes fundaron escuelas privadas
donde se desarrolló la enseñanza de las ciencias que juzgaban necesarias para la formación de sus
hijos: cálculo y derecho civil (Por ej.: Bolonia). Esas escuelas italianas contribuyeron a la difusión
de las ciencias profanas en Occidente y a la salvaguarda del legado griego u oriental (Por ej.:
escuelas de Bolonia y Pisa).
Las primeras universidades surgieron como corporaciones que agrupaban a todos los profesores y
alumnos de una determinada ciudad. Eran asociaciones nacidas de la fusión de pequeños núcleos de
estudiantes, cofradías si se prefiere, que habían ido trabajando junto a un maestro. Estos grupos,
apoyados por el soberano y el papa, escaparon a la tutela del obispo o de la Comuna. Los miembros
de la universidad se agruparon en naciones que, al principio, concentraban a los estudiantes
procedentes del mismo país. Así se desarrollaron las primeras y más importantes universidades
medievales: la de París, Bolonia (Italia), Oxford (Inglaterra). Los problemas teológicos fueron el
núcleo principal de los estudios universitarios medievales. Las universidades se dividían
internamente en facultades. La carrera universitaria abarcaba varios años. Tenía 2 niveles y se
impartía en Facultades, que generalmente eran 4:
 Facultad de Artes (nivel inferior) por la que pasaban todos los estudiantes. Allí se seguían
los tradicionales cursos del trivium y quatrivium. Hacia los 19 años los estudiantes podían
obtener el bachillerato y 2 años más tarde, el grado de licenciado.
 Facultad de Teología, Derecho y Medicina, donde se finalizaba con el título de doctor.
En los s.XIII y XIV las universidades se generalizaron por toda Europa. A las ya citadas podemos
agregar las de Cambridge (Inglaterra), Salamanca (España), Cracovia (Polonia). Al finalizar la Edad
Media sumaban más de cuarenta.
 56
La escolástica fue la corriente filosófica más importante de la época en la Europa cristiana. Se
fundaba en un método de discusión de los problemas basados en el principio de la fundamentación
y refutación de opiniones. El redescubrimiento de las obras de la antigüedad clásica (como las de
Platón o Aristóteles), llegadas en gran parte al medievo cristiano a través de traducciones árabes,
llevó a intentar conciliar la tradición cristiana con el pensamiento de Aristóteles; este pensador
griego ocupó un lugar predominante en los estudios. Los pensadores escolásticos afirmaban que
debería distinguirse entre la razón y la revelación; la primera permitía conocer los objetos; la
segunda daba un conocimiento verdadero de la realidad. Ambas no eran incompatibles. San
Anselmo, de origen italiano, fue el primero que empleó los métodos que habían de caracterizar a la
escolástica, por lo que es conocido como “el padre de la escolástica”. El punto de partida de su
filosofía fue la frase de San Agustín “creo, luego entiendo”. La fe es la base del entendimiento y es
superior a la razón. Creó lo que llamó “la prueba ontológica de la existencia de Dios” que afirmaba
“Dios es aquello que es imposible pensar que no existe; luego existe”.
El principal representante de la escolástica fue Santo Tomás de Aquino (s. XIII, dominico, italiano);
expuso racionalmente en su “Summa Teologica” los dogmas cristianos.
Los escolásticos ocuparon a partir del s. XII las cátedras de filosofía y teología de las universidades
europeas.
Desde el punto de vista científico, en la Edad Media los hechos eran más discutidos que
investigados; los escolásticos llegaban así a la especulación intelectual por la vía del razonamiento
aplicado a los más diversos temas. No había lugar para la observación y la experimentación.
La alquimia fue conocida en Europa a través de los musulmanes e impulsó el estudio de la
descomposición de los cuerpos como consecuencia del afán de encontrar la sustancia maravillosa
que permitiera trasmutar en oro a los demás metales, y el elixir de la vida que aseguraba a los
hombres la perenne juventud.
La astrología fue difundida a Europa por los musulmanes y fue objeto de especial enseñanza en los
estudios de medicina, pues se suponía que ciertos tratamientos y remedios sólo podían aplicarse
cuando los astros se mostraban favorables. Muchos reyes y señores mantenían en sus cortes y
colmaban de privilegios a astrólogos de fama, a quienes consultaban continuamente sobre todos sus
actos. Al formar tablas para confeccionar los horóscopos, señalaron el avance de la astronomía.
Los estudios matemáticos adelantaron mucho a partir del s. XII, como consecuencia del
conocimiento de las obras griegas, especialmente del tratado de Euclides sobre geometría y de las
fórmulas algebraicas de los árabes, de quienes se tomó el actual sistema de numeración y el uso del
cero.
En otras ciencias, física, historia natural, etc., los progresos fueron lentos y casi imperceptibles.
La medicina fue objeto de un particular estudio, destacándose la Universidad de Salerno, en el sur
de Italia. Infinidad de errores y supersticiones coartaron el desarrollo de la ciencia médica, pero, se
rescató gracias al aporte de los musulmanes, el conjunto de conocimientos que en esa materia
habían alcanzado los griegos.
El hombre medieval no tenía clara idea del mundo que habitaba. A partir del s.XIII con la difusión
de los escritos de Tolomeo se empezó a pensar en la esfericidad de la tierra, pero con el concepto
geocéntrico de aquel geógrafo griego.
Rogelio Bacon (s.XIII) fue el primero en observar que el calendario juliano era erróneo y señaló los
puntos vulnerables del sistema de Tolomeo. En óptica dictó las leyes de la reflexión y los
fenómenos de refracción y formuló una teoría del arco iris. Se le debe la descripción de varios
inventos mecánicos, como barcos, autos y máquinas volantes.
En cuanto a las técnicas, se utilizó mejor la fuerza motriz de los cursos de agua para accionar los
molinos de grano o de aceite, y luego apareció el molino de viento.
 57
La tracción animal rindió mejor al usar un nuevo sistema de enganche del caballo, pues en vez del
pretal flojo que lo estrangulaba al querer arrastrar grandes pesos, se usó la collera rígida.
El arado dejó de ser de madera para dar paso al de hierro, más pesado, que podía roturar más
profundamente la tierra, que así renovada rendía más. También se empezó a usar la rastra, que
trabajaba amplias superficies. Estas nuevas técnicas se empezaron a aplicar en época carolingia en
las explotaciones reales y permitieron que la tierra quedara en barbecho un año cada 3, en lugar de 1
cada 2 años como antes.
Se empezó a cultivar avena en lugar de cebada, lo que mejoró la calidad del ganado.
Se aumentó la cría de caballos destinados a arar, a la guerra y al transporte, por ser más rápido que
los bueyes.
Todos los adelantos permitieron lograr abundantes cosechas, mejor ganado, más alimento para una
población que aumentaba porque había menos guerras, y con mejores medios de subsistencia, había
menor mortalidad infantil.
El trabajo agrícola requirió menos mano de obra obligatoria en la tierra de los señores, derivándose
este excedente a la artesanía y comercio, que empezó a resurgir.
Estos adelantos se introdujeron en Inglaterra, Francia y Alemania, pero en los países meridionales
se conservaron las antiguas técnicas, como el arado de madera y rotación bienal.

ARTE GÓTICO

En el siglo XII se produce un gran giro en el espíritu occidental: el regreso desde el reino de Dios a
la naturaleza, de las postrimerías a las cosas próximas, de los tremendos misterios teológicos a
problemas más simples.
Lo orgánico, lo vivo, vuelve a ser apreciado y las cosas de la realidad visible no necesitan de una
legitimación sobrenatural para convertirse en objeto de representación.
Nada ilustra mejor el sentido de esta transformación que las palabras de Santo Tomás de Aquino:”
Dios se alegra de todas las cosas, porque todas y cada una están en armonía con Su Esencia”.
Y aun cuando por el momento las cosas sólo merezcan atención en cuanto dan testimonio de Dios,
y estén ordenadas en una rigurosa escala jerárquica según su grado de participación en lo divino, la
idea de que hasta lo más insignificante no está olvidado por él, señala el comienzo de una nueva
época.
El arte espiritualista, unilateral, que renunciaba a toda semejanza con la realidad inmediata,
a toda confirmación por parte de los sentidos, será desplazado por una concepción para la
cual toda expresión artística es válida, aún la que se corresponde con la realidad natural y
sensible.
Es importante no olvidar el carácter internacional del Gótico, y en algunos países (España,
Alemania, Inglaterra) con sus propias características, las construcciones fueron magníficas,
exceptuando Italia que tiene un Gótico discreto.

Arquitectura
La iglesia románica es un espacio cerrado, estable, con un interior relativamente amplio, solemne,
en el que la mirada del espectador puede descansar y permanecer pasivo.
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La iglesia gótica, por el contrario, se “hace” ante nuestros ojos y representa un proceso no un
resultado, disolviendo todos los elementos rígidos y estáticos.
El Gótico es, fundamentalmente, creación de Francia; y fue nombrado así (despectivamente) por el
escritor florentino, Giorgio Vasari, contemporáneo y discípulo de Miguel Ángel, quien al describir
los monumentos de la Edad Media habla de que ese estilo nace en Alemania y fue obra de los
godos.
Las catedrales de Notre Dame de París, Chartres y Reims presentan todo el repertorio técnico de
la arquitectura gótica, el uso del arco ojival, las naves muy elevadas, las paredes laterales abiertas
con grandes ventanas acristaladas, el complejo juego de fuerzas y contrafuerzas, el enorme
esqueleto de sostén en el que triunfa la ciencia de los constructores capaces de aprovechar la piedra
al máximo de su resistencia.
Los elementos fundamentales de la arquitectura son:
 la bóveda de crucería
 el arco ojival o apuntado.
Esta bóveda de crucería, o sucesión de arcos, es la propiamente dicha, que emplea cualquier tipo
de arcos, preferentemente el ojival.
Las plantas son rectangulares, las naves generalmente de tres a cinco y la central, más alta que las
laterales; lo que impresiona en una catedral gótica no son sólo las dimensiones, sino el fluir de
líneas que se desparraman por todas partes: los pórticos, las torres que terminan las agujas, los
arbotantes (arcos externos de sostén).
A veces se conocen los nombres de los constructores de las catedrales, maestros albañiles que
reunidos en grandes gremios se trasmitían las soluciones técnicas, los famosos “maitre-maçon” de
donde deriva el nombre de masonería.
Eran extraordinarios organizadores además de hábiles proyectistas, ya que la construcción de una
catedral implicaba la explotación de enormes canteras donde todo se realizaba bajo la dirección del
maestro de obras, desde la talla de piedra a la preparación de los ventanales y cualquier otro
elemento decorativo.
Es por ello que las catedrales góticas ofrecen una maravillosa unidad estilística, porque cada
intervención se subordinaba a un principio unitario y programa constructivo.
También la arquitectura civil tuvo notable desarrollo y comprende castillos, puentes y murallas.

Notre Dame de París

La construcción comenzó con la iniciativa del obispo Mauricio de Sully, en el s. XII, pero se siguió
trabajando en ella hasta bien entrado el siglo XIII.
La iglesia está dividida en cinco naves por columnas de fuste cilíndrico liso con capiteles que se
decoran con hojas de plantas conocidas. Asombra por sus dimensiones, 130 metros de largo, 50 de
ancho y la altura de su nave es de 35 metros.

Escultura
La modificación de los espacios que producen las nuevas técnicas de la arquitectura afecta el
sentido mismo de la escultura. Esta incidencia está dada sobre el lugar que ocuparán las esculturas,
su tamaño, los temas y fundamentalmente su relación con el espectador. Las representaciones se
alargan y estilizan, verticales como la iglesia, y paradójicamente, su naturalismo aumenta, un
naturalismo espiritualizado en el que predominan la armonía y la contención.
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Desaparece la expresión desmedida y el realismo gesticulante de los condenados en los tímpanos
románicos; desaparecen la acumulación de figuras y los últimos restos de narración y detalle.
La escultura de busto, aislada, incorporada al ritmo arquitectónico, es la gran protagonista de las
catedrales.
Esculturas de Notre Dame de París
Notre Dame aparece dividida verticalmente, por las columnas adosadas al muro, en tres partes, y
horizontalmente por dos galerías, en tres planos.
En la parte superior está la Galería de los Reyes, con las estatuas que representan a los reyes de
Israel y Judea, fueron destruidas en la Revolución francesa, al ser confundidas con los reyes
franceses, y luego restauradas.
La parte intermedia tiene, en el centro, las esculturas de la Virgen con el Niño flanqueada por
ángeles y a los costados Adán y Eva.
En la parte inferior se abren tres portales, en ojiva, con arquivoltas. El portal central está decorado
con escenas del Juicio Final, este portal está dividido por una columna con la figura de Cristo,
mientras que en las arquivoltas aparecen escenas de la corte celestial.
En el interior de Notre Dame, hay varias esculturas destacándose la de la Virgen con el Niño .

Pintura
Aunque la pintura gótica siguió teniendo una base eminentemente lineal, se comienza a acentuar los
contrastes para lograr mayor naturalidad en las figuras, las vestimentas se distienden, los pliegues
pierden la rigidez y caen suavemente, en fluidas curvas.
Las nuevas concepciones religiosas ya no podían ser expresadas por los viejos esquemas, y así, se
introducen temas en los que prevalecía el contenido emocional y se cambia la forma de representar
los antiguos.
Por ejemplo, el Cristo gótico será representado como un Cristo sufriente, hecho a la medida de la
humanidad; la cabeza se inclina ligeramente, coronada de espinas; el cuerpo cae, haciendo visible
su peso.
A la frontalidad y al hieratismo los reemplazan el escorzo y la introducción del movimiento, se
intenta representar el volumen, se destruye la inmaterialidad con la sensación de peso y la
impasibilidad con la imagen de gozo o dolor.
La técnica empleada son los vitrales, y surge en la abadía de Saint Denis. Esta nueva técnica,
estrechamente vinculada con la miniatura, es una consecuencia de las nuevas formas
arquitectónicas, en las que, progresivamente, se va concediendo más y más importancia al espacio
ocupado por los vanos, por donde, al mismo tiempo que la luz, penetra el color y la imagen
llenando de vida cambiante los suelos, paredes y columnas de las iglesias.
En una explicación simple de la técnica del vitral, podríamos decir que son trozos de vidrio
coloreados que forman un verdadero mosaico, dispuestos en tiras de plomo con dos canales o
hendiduras laterales, en las que encajan los bordes.
La temática está perfectamente determinada en cuanto a su disposición, reservándose la parte alta a
las grandes figuras aisladas, mientras que las ventanas bajas de los laterales se dividen en pequeños
medallones con escenas del Antiguo y Nuevo Testamento y leyendas de santos.
El rosetón (ornamento circular que se coloca en una ventana del muro occidental) suele estar
ocupado por el tema del regreso de Cristo Triunfante para el Juicio Final.
En Francia los vitrales más importantes son los de: Catedral de Chartres, Capilla Superior de
Sainte Chapelle, Catedral de Notre Dame de París: los rosetones más importantes son los
correspondientes a los extremos de la Catedral, norte y sur. El del norte irradia una intensa tonalidad
 60
azul, temas del Viejo Testamento y en el centro, La Virgen y el Niño. El del sur, con tonos
predominante rosados, representa a Cristo en actitud de bendecir, rodeado de apóstoles y mártires.

Otro campo en que el Arte Gótico tuvo amplia difusión fue el de la miniatura, que se inspiró en la
composición de los ventanales y le agregó motivos arquitectónicos. El centro de la miniatura
francesa se halla ligado a la Universidad de París donde se formaron corporaciones de copistas,
encuadernadores y miniaturistas.

LA MODERNIDAD: UNA NUEVA FORMA DE ACCEDER AL CONOCIMIENTO

Las transformaciones de la modernidad.

Durante la Edad Moderna se produce una serie de profundas transformaciones que lentamente
forman un mundo nuevo. Fuerzas renovadoras quiebran las estructuras medievales de la Europa
occidental. Asistimos al ocaso del feudalismo. Se viven cambios en los planos económicos,
sociales, políticos, culturales y científicos:
 El florecimiento de una economía abierta, mercantil y monetaria.
 El auge de la burguesía y la vida en las ciudades.
 El surgimiento de los Estados nacionales europeos.
 La revolución científica y tecnológica; el Humanismo y el Renacimiento artístico.
 La renovación espiritual con la Reforma protestante y la expansión del catolicismo.
 La expansión ultramarina europea; el encuentro entre América y Europa.

El Renacimiento fue un movimiento que afectó a todos los aspectos de la cultura, a la literatura y a
la erudición tanto como a la pintura, a la escultura y arquitectura y que quiso recuperar y revivir los
logros de la antigüedad clásica.

Causas del Renacimiento:

 Prerrenacimiento italiano: Los italianos no abandonaron el contacto con la antigüedad
clásica. En Italia surgieron varios precursores llamados prerrenacentistas. La literatura
italiana tuvo como exponentes a Dante, Petrarca, Bocaccio.
 Influencia de la civilización bizantina: Las Cruzadas permitieron a los occidentales un
mejor conocimiento de los bizantinos y no tardó en producirse un activo intercambio
cultural. Antes que Constantinopla cayera en poder de los turcos (1453) muchos bizantinos
emigraron a Roma llevando sus bibliotecas.
 Los mecenas: Diversos príncipes, tiranos que estaban al frente de los pequeños Estados
italianos, gustaban amparar en sus dominios a los artistas y eruditos de la época
brindándoles protección y solvencia material. Algunos de ellos fueron burgueses como los
Médicis, de Florencia, los Sforza, en Milán, los Gonzaga, en Mantua; monarcas como
Francisco I de Francia, Carlos V de Alemania y Felipe II de España; Papas como Nicolás V,
Julio II, León X.
 Nuevas actividades económicas: Los descubrimientos geográficos permitieron hallar
nuevos mercados, lo que favoreció el comercio y la industria. Debido a la prosperidad,
nobles y pudientes abandonaron sus castillos y construyeron hermosos palacios.
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 Movimiento cultural europeo: El espíritu de indagación científica, el creciente número de
universidades y la aplicación de la imprenta originaron un importante movimiento cultural.

Las ciudades italianas:

La burguesía, formada por hombres libres que vivían del comercio y las artesanías, se enriqueció
rápidamente, lo que les permitió enfrentar con éxito a los señores feudales que se oponían al
progreso urbano.
Los reyes no tardaron en valorar la importancia del movimiento burgués y buscaron su apoyo para
destruir a los señores feudales.
El capitalismo aportado por la burguesía, resultó favorecido por el incremento del comercio y el
aumento de la circulación monetaria, producida por el hallazgo de metales preciosos.
Dentro de las ciudades italianas se operó una enconada lucha por el predominio político. Surgieron
así los príncipes, título que tomaron los vencedores en esta lucha. En la práctica, su poder se tradujo
en una actitud despótica apoyada en la fuerza, el soborno y el asesinato..
El comercio, la banca y la industria fueron las principales actividades de estas ciudades, dueñas
durante mucho tiempo del tráfico marítimo con Oriente a través del Mediterráneo.

Italia del norte difería del resto de Europa por tres motivos:
 Fue una de las regiones más ricas de Europa. Génova y Venecia, ambas con 100.000
habitantes hacia 1400 controlaban la mayoría del comercio mediterráneo con Oriente;
Florencia y Milán, con poblaciones de 55.000 y 90.000 habitantes fueron centros
importantes de manufactura y distribución. En cada una de estas ciudades la clase burguesa
era importante y con un nivel de educación progresivamente mayor. La riqueza de Florencia
estaba basada en la confección de telas, en la banca y en un comercio de artículos de lujo
con Oriente. Los mercaderes florentinos y los banqueros (como los Médici y los Pitti) se
dedicaron al comercio terrestre de telas y llegaron a los mercados de los Países Bajos,
Alemania e Inglaterra.
 Las ruinas romanas constituían un testimonio de la civilización clásica. Durante los s. XIV
y XV un interés creciente por el pasado impulsó el estudio de restos y el coleccionismo de
objetos de la antigüedad.
 Italia estaba dividida en ciudades-estado. No sólo sus poblaciones eran aproximadamente
del mismo tamaño que las griegas y romanas (25.000- 100.000 habitantes) sino que también
compartían los mismos elementos de orgullo cívico e identidad. “La Política” de Aristóteles,
traducida al latín, se recibió con expectación en Italia. Su mensaje de “quien no es un
ciudadano no es un hombre, ya que el hombre es un animal cívico”, obtuvo un eco
inmediato entre los burgueses italianos. La literatura política de finales del s. XIV y XV
definió la ciudad italiana en referencia a los valores y normas de la Roma clásica.

La nueva concepción del hombre:

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HOMBRE MEDIEVAL HOMBRE MODERNO

 Teocéntrico  Antropocéntrico
 Ideal religioso  Sentido comercial
 Ideal heroico  Apego a la riqueza
 Interés exclusivo en el estudio de la  Interés en el conocimiento y dominio de la naturaleza
teología
 ----------------  Es individualista
 Instrumento de la voluntad de Dios  Protagonista de la historia
 ----------------  Admira las obras de griegos y romanos
 ----------------  Búsqueda de la fama
 ----------------  Curioso, aventurero

Se exalta la naturaleza humana, tanto material como espiritual; surgen nuevos valores, como el
Hombre y la Naturaleza. En la Edad Media nada tenía valor si no estaba vinculado a Dios; en el
Renacimiento se aspira a los goces de la vida terrena, la riqueza, el amor y el poder. Basado en la
razón humana, trata de explicar los fenómenos naturales por medio de la ciencia.
Las ciencias de la naturaleza tienden a basarse en una constatación empírica de los fenómenos
físicos, prescindiendo de las grandes construcciones filosóficas representadas por el aristotelismo.
Crece el interés por las narraciones de viajes en países exóticos y se crea el ambiente propicio para
los grandes descubrimientos estimulados por geografías y cosmografías, antiguas y modernas,
leídas por el público con afán.
En el s. XV adquiere todo su valor la atracción por el paisaje. Nobles y burgueses buscan el
contacto con la naturaleza, ya en el campo, ya en sus dominios particulares. Se desarrolla la
construcción de admirables jardines. Los magnates reúnen allí colecciones zoológicas.
Durante el curso de los s. XIV y XV los eruditos empezaron a desarrollar un entendimiento más
crítico de la historia y a apreciar la diferencia entre ellos mismos y el pasado. Humanistas italianos
copiaron inscripciones, coleccionaron monedas antiguas y dibujaron monumentos antiguos. Hay un
gran realismo histórico en el período. Conocer lo antiguo y crear un ambiente cultural para
comprender la antigüedad fue la fórmula practicada por los intelectuales de la época.
Como en la antigua Grecia, la desnudez pagana es fuente de inspiración, aunque un nuevo
elemento, la naturaleza, sirve de inspiración artística.
El apego a la riqueza, los goces de la vida terrena y la debilidad del sentimiento religioso crearon
una sociedad donde todo era permitido. Las inmoralidades y crímenes fueron justificados por el
olvido de los valores morales. La corrupción de la época está representada por el príncipe, guerrero
y aventurero italiano César Borgia, hijo natural del Papa Alejandro VI, prototipo del individuo cruel
y ambicioso.

El pensamiento político: Nicolás Maquiavelo.

Maquiavelo (s. XV-XVI), escritor e historiador florentino, elabora una moderna noción de Estado,
unida a la aparición de las nacionalidades. Autor de El Príncipe. Historia de un hombre
ambicioso, afirma que el Estado debe permanecer independiente de la Iglesia y estar gobernado por
un príncipe, entre cuyas virtudes se cuentan la inflexibilidad y el realismo. La dirección del Estado
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ha de ser tal que para lograr su fin, el Estado óptimo, no repare en los recursos empleados. Esta
razón de Estado (“el fin justifica los medios”) es conocida como maquiavelismo. Expone una
política de mala fe y cinismo. Afirma que los términos justicia, humanidad y clemencia deben estar
siempre en boca del príncipe pero nunca en su corazón.

Los adelantos científicos:

Surgió la llamada ciencia nueva. Nicolás Copérnico estableció un observatorio en Polonia, con
escaso instrumental, pues carecía de telescopio. Por medio de cálculos exactos, llegó a la conclusión
de que los planetas giran alrededor del sol (teoría heliocéntrica).
Juan Kepler, matemático y astrónomo alemán formuló las famosas tres leyes que llevan su nombre
y que rigen la mecánica de los cuerpos celestes.
Galileo Galilei, italiano, perfeccionó el telescopio, descubrió las manchas del sol, los anillos de
Saturno y los satélites de Júpiter. Hizo la primera aplicación del péndulo a la medida del tiempo y
descubrió la ley de la caída de los cuerpos en el espacio.

El renacimiento económico:
A mediados del s.XV surge el capitalismo inicial. Las actividades económicas se van a caracterizar
por el deseo de lucro, el espíritu de empresa y la racionalización de la producción, el comercio y los
negocios.
Un factor de transformación de la economía medieval fue la explotación en el s. XV de yacimientos
de plata en Europa central, lo que trajo aparejado un aumento de la riqueza pública, gran circulación
monetaria y aumento en el precio de los objetos.
Estas características se afirman con la llegada del oro y plata americanos en el s. XVI.
Aumentan en Europa las transacciones comerciales por la ampliación de la demanda, por el
refinamiento de las costumbres del Renacimiento y el aumento del consumo de los productos de
lujo.
La política de la monarquía nacional exige grandes sumas para mantener el ejército permanente, los
sueldos de la burocracia y las largas guerras. Reyes, Papas y príncipes recurren al empréstito con
intereses usurarios.
A principios del s. XVI nace la empresa capitalista, caracterizada por el negocio despersonalizado,
el uso de la contabilidad en la conducción de las empresas y la introducción del crédito. En el
comercio aparece el principio del libre juego de la oferta y la demanda.
Capitalismo inicial y economía nacional son los nuevos elementos económicos de los tiempos
modernos.

La sociedad renacentista:
 Nobleza territorial: Está compuesta por dos grandes sectores: la gran nobleza y la pequeña
nobleza. La gran nobleza es propietaria de inmensos territorios que defiende mediante el
mayorazgo. Es una clase reducida pero de gran poder. La pequeña nobleza, derivada de la
antigua caballería feudal aumenta en número y se empobrece. En algunos países se entronca
con la burguesía.
 Burguesía: La alta burguesía se ennoblece mediante la compra de títulos de nobleza, el
matrimonio con nobles o la obtención de privilegios que la equiparan con caballeros y
nobles de segunda categoría. Se agrava la condición de la baja burguesía con el
establecimiento de las primeras empresas industriales que origina la transformación de parte
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del artesanado en asalariado manual y la afluencia a las grandes ciudades de los elementos
desplazados de la agricultura por la dureza de la condición social del campo.
 Campesinos: Empeora su situación ya que aumentan las rentas del campo.

Monarquía autoritaria:
El triunfo del capitalismo inicial contribuye a robustecer el poder de los príncipes.
La nueva modalidad económica exigía una autoridad firme para regular, fiscalizar y acrecentar la
vida comercial e industrial de la nación.
La monarquía autoritaria se vale del ejército permanente. Nace el soldado profesional, se originan
los ejércitos mercenarios, sostenidos por el príncipe con sus bienes y recursos del estado.
Se despliega una importante actividad diplomática. Venecia instaló embajadores permanentes en las
principales capitales europeas. Se firman los primeros tratados de comercio bilaterales.
La Santa Sede era considerada como fuente suprema de salvaguarda del Derecho Internacional.

La expansión ultramarina:
Los europeos partieron a la conquista de otros mundos después de haber culminado su expansión
interna y la unificación de sus reinos, y luego de haber acumulado un conjunto de saberes técnicos y
científicos. Gracias a la aplicación de estos saberes, se logró una navegación más segura y se
realizaron viajes de mayor alcance. Los adelantos más importantes fueron: la construcción de
mejores embarcaciones, como las carabelas y naos; la difusión y perfeccionamiento de los aparatos
de medición, como la brújula y astrolabio y la precisión en la cartografia, que permitía disponer de
portulanos y cartas de navegación más exactos. Por otra parte, la difusión de libros de viajeros
medievales, como el de Marco Polo, contribuyeron a alimentar los conocimientos geográficos de
los europeos y a conformar una imagen de Oriente. La reactivación que experimentaba la economía
europea impuso a los comerciantes la necesidad de buscar nuevos mercados proveedores de
materias primas.
En 1453 cuando los turcos otomanos tomaron Constantinopla, clausurando la ruta de la seda, por la
que llegaban a Occidente especies y seda, los europeos tuvieron que encontrar una ruta a Oriente,
por mares libres de musulmanes.
Los portugueses se dirigieron al sur, rodeando África. A fines del s. XV Vasco Da Gama llegó a la
India. Los españoles se dirigieron al oeste, llegando al continente americano.

Reforma protestante:
Las condiciones sociales, políticas y espirituales de comienzos del s. XVI prepararon el desarrollo
de un movimiento revolucionario en el orden religioso. Éste venía determinado por la desaparición
de la actitud piadosa del medioevo y el triunfo de las nuevas corrientes ideológicas que agrupamos
bajo el nombre de renacentistas: personalización de los sentimientos, relativismo, subjetivismo,
espíritu crítico.
La reforma protestante fue una tentativa exaltada para hallar la verdadera forma del cristianismo,
pero al tomar caminos cada vez más alejados de su punto de partida, culminó en posiciones
abiertamente anticatólicas.
La gran explosión de la Reforma puede atribuirse en parte a la incapacidad de la Iglesia Católica
para encauzar las energías nuevas y corregir a tiempo los graves defectos que se le señalaban.
La institución necesitaba un reordenamiento interno: la disciplina religiosa se había aflojado en los
últimos siglos y la preparación de los clérigos era pobre e incompleta. El alto clero estaba formado
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en gran parte por hombres sin vocación que disfrutaban de estos cargos como fuente de rentas para
mantener una vida mundana. Las indulgencias y penitencias, medios para alcanzar la salvación,
eran predicados pensando en su utilidad económica y no en las almas de los fieles. El Papado había
perdido su carácter internacional al convertirse en propiedad exclusiva de algunas familias italianas,
como los Médicis. Los Papas italianos contribuyeron con su actitud localista a la ruptura de la
unidad cristiana porque estaban exclusivamente preocupados en la política de Italia.
El hombre renacentista fue religioso como el de los siglos anteriores, pero sintió la necesidad de una
religión más sensible, individualista y personal. En la Biblia y los Evangelios traducidos a la lengua
vulgar, los hombres tenían oportunidad de encontrar lo que era su mayor deseo: un Dios viviente,
humano e identificado con sus miserias. Si a esto agregamos que el hombre renacentista era
apasionado por el mundo y la vida, a los que hasta entonces había puesto freno el temor a la
condenación eterna, nos hallamos aquí frente a otra de las claves del éxito del protestantismo: la
justificación de los pecados por el libre examen y la creencia en la predestinación le permitían
comparecer ante Dios sin miedo a la muerte.
La Reforma comenzó en Alemania. En 1517, Martín Lutero, monje agustino comenzó a hacer
públicas ciertas críticas a la Iglesia, en particular a la venta de indulgencias. Poco a poco, la postura
de Lutero se tornó más radical: propuso la libre interpretación de la Biblia, la abolición de los
sacramentos, con excepción del bautismo y la eucaristía, y la supresión del culto a la Virgen y a los
santos. El papado exigió su rectificación bajo pena de excomunión. Lutero se mantuvo firme y fue
expulsado de la Iglesia. De allí en adelante sus seguidores fueron llamados reformados o
protestantes.
La Reforma se extendió rápidamente por los Países Bajos, Suiza, Inglaterra, Escandinavia y Europa
central. Nuevos reformadores plantearon sus propios argumentos, más allá de los de Lutero: el
calvinismo se difundió desde Suiza hasta Francia, donde las guerras religiosas se desarrollaron
durante buena parte del s. XVI. En Inglaterra, la reforma devino en la constitución de una iglesia
nacional, la anglicana, organizada por el rey Enrique VIII. Los reformadores pronto se diferencian
entre sí siguiendo líneas divergentes o paralelas. Las diferencias fueron, a veces, de fondo y
afectaron al dogma. En otros casos se refirieron sólo al culto, es decir, a las manifestaciones
externas de la religiosidad.

RENACIMIENTO

Los dos rasgos esenciales de este movimiento son la imitación de las formas clásicas,
originariamente desarrolladas en la antigüedad griega y romana, y la intensa preocupación por la
vida profana que se expresa en un creciente interés por el humanismo y la afirmación de los
valores del individuo.
El arte del renacimiento considera que el hombre es el centro del Universo, la belleza del ser
humano es importante porque la podemos ver, la naturaleza es el dominio del hombre que debe
ponerla a su servicio. Pero como el hombre es un ser racional, sus obras han de tener
proporciones, medidas equilibradas y armoniosas. Se busca el ideal, lo perfecto.
Aunque el retrato se consolidó como género específico a mediados del siglo XV, los pintores
renacentistas alcanzaron la cima con otro tipo de pintura, histórica o narrativa, en la que las
figuras contextualizadas en un paisaje o en un marco de fondo, relatan pasajes de la mitología
clásica o de la tradición judeo-cristiana.
El primer centro donde surgió el renacimiento fue Italia. El sustrato proporcionado por la
antigüedad grecorromana fue una constante en el mundo italiano, que vio evolucionar su lenguaje,
recogido en un código en el año 1300, desde el latín de los romanos. Italia era el depósito de un
gran elenco de ruinas clásicas. Se encontraron restos de arquitectura romana prácticamente en casi
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todas las ciudades. La escultura romana, especialmente los sarcófagos de mármol decorados con
relieves, se convirtieron en los ejemplos más comunes.

Arquitectura
Son obras de conjunto de proporciones razonadas y equilibradas en las que prevalece la
disposición horizontal y las líneas rectas.
Se utilizan distintos elementos estructurales y ornamentales de la arquitectura griega y romana, pero
debe tenerse en cuenta que nunca se trata de una copia, sino de inspirarse en ellos o adaptarlos a la
nueva época.
También en la arquitectura renacentista influye la preocupación por la perspectiva y por la luz. Los
edificios más importantes son las iglesias (ej. la iglesia de San Lorenzo en Florencia y la iglesia
del Santo Spirito, ambas de Brunelleschi) y los palacios (ej. Palacios Strozzi y Medici-Riccardi
en Florencia).
 Las iglesias: se emplea el arco de medio punto, de tradición romana de planta rectangular
y de cruz latina como en las basílicas romanas, como también podemos encontrar iglesias de
planta de cruz griega. En el crucero se levanta la cúpula, que se destaca sobre cualquier otro
elemento dando luz y amplitud a los interiores.
 Los palacios: presentan líneas horizontales, se busca la simetría como expresión de armonía
y orden. De dos o tres pisos, con ventanas rectangulares sobre las que aparece un frontón
triangular o semicircular. En el interior hay patios cuadrados o rectangulares que nos
recuerdan a los claustros.
Filippo Brunelleschi, precursor de la perspectiva lineal. Convertido en arquitecto, fue el primer
constructor del renacimiento. Diseñó la enorme cúpula octogonal de la catedral de Florencia
“Santa María del Fiore, terminada en el año 1436, para lo que estudió a fondo la arquitectura
clásica, especialmente el colosal panteón de Agripa. Dicha cúpula está considerada como una
proeza tanto desde el punto de vista artístico como del de la ingeniería desde los tiempos de los
romanos. Brunelleschi, que estudió en Roma, fue el responsable de este resurgir clásico en la
arquitectura. Introdujo nuevas fórmulas de racionalización del espacio aplicadas tanto a las
construcciones públicas como privadas que se convirtieron en únicas dentro del estilo renacentista

Escultura
La escultura se individualiza, no se integra con otras artes, ni siquiera con la arquitectura. Los
artistas renacentistas representan al hombre lleno de vida y dignidad. El interés por el hombre y el
deseo de alcanzar la belleza les lleva al realismo ideal, esculpen a la figura humana con cuerpos
auténticos en donde se expresa la serenidad clásica, como si no existiera el esfuerzo o el sentimiento
que desfigura el rostro. Son frecuentes las representaciones de cuerpos desnudos, en los que se
evidencia el estudio y el dominio de la anatomía.
Entre los escultores más representativos podemos citar a:
 Lorenzo Ghiberti representa el prototipo de artista de la primera etapa renacentista; fue
arquitecto, escultor, pintor y, además, comentarista de arte. Sobre todo es conocido por los
relieves que realizó en bronce dorado para la puerta del baptisterio de San Giovanni,
Florencia que ilustran temas del Antiguo Testamento y fueron muy elogiados por Miguel
Ángel, quien la denominó la Puerta del Paraíso nombre con el que se conoce desde
entonces.
 Miguel Ángel Buonarotti: Es el gran escultor de todos los tiempos. Fue ante todo un artista
que prefirió este género por encima de los demás. Descubrió su arte con Donatello, donde
empezó a impresionarse por las obras clásicas que no eran copiadas, sino que desarrollaban
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su imaginación. Miguel Ángel es un estudioso del movimiento, siendo innovador y
presentando nuevas soluciones.
Poseía una amplia visión de la composición escultórica, siendo sus obras originales,
novedosas, fruto de una gran reflexión. Toma posesión del espacio; el volumen es una de
sus preocupaciones. Sus composiciones escultóricas están llenas de ritmo, inspirado en la
propia vida. Trabaja siempre grandes bloques de mármol, nunca hace añadidos. Suele
trabajar solo, por lo que es un maestro del cincel; realiza desde el vaciado grueso hasta el
pulido del mármol. Distingue como nadie las figuras dentro de los bloques de
mármol, tiene una visión escultórica donde los demás solo ven una roca. Miguel Ángel
dota a sus obras de una gran espiritualidad, cobran vida interior, nos transmiten pasiones y
sentimientos humanos, unidos a su gran perfección física.
La escultura de Miguel Ángel no es lineal sino que presenta una evolución,
pudiendo distinguir en el autor 3 etapas:
 Una juvenil, en donde destacan Relieve de la virgen de la escalera, Piedad del Vaticano y
David de Florencia.
 Una madura, entre las que resaltan todos los relacionados con el Mausoleo del papa Julio II
(Moisés y Los esclavos) y los relacionados con las capillas mediceas (retrato de los Medici,
las alegorías).
 La vejez, en la que se destaca La Piedad Rondanini.

Durante el renacimiento, los artistas por vez primera fueron vistos como personalidades
independientes, comparables a poetas y a escritores. Es en este momento cuando empiezan a
reivindicar una consideración social superior e inician una actitud intelectual diferente, la del
artista como teórico además de ejecutor, que se reforzará progresivamente a lo largo del
renacimiento. Buscaban nuevas soluciones a problemas visuales y formales, y muchos de ellos
realizaron experimentos científicos. En este contexto, se desarrolló la perspectiva lineal, donde las
líneas paralelas se representan como convergentes en un punto de fuga. En consecuencia, los
pintores comenzaron a ser más exigentes con el tratamiento del paisaje, por lo que prestaron mayor
atención a la manera de representar los árboles, las flores, las plantas, la distancia de las montañas y
los cielos con sus nubes. Los artistas estudiaron el efecto de la luz natural, así como el modo en el
que el ojo percibe los diversos elementos de la naturaleza. Desarrollaron la perspectiva aérea,
según la cual los objetos perdían sus contornos y su color a tenor de la distancia que los alejaba de
la vista. Los pintores del norte de Europa, especialmente los flamencos, eran más avanzados que los
artistas italianos en la representación del paisaje y contribuyeron al desarrollo del arte en toda
Europa al introducir el óleo como una nueva técnica pictórica.

La pintura del quattrocento

En el desarrollo del Renacimiento se destacan dos etapas fundamentales. La primera,
correspondiente al siglo XV, el Quattrocento, tuvo su centro en la ciudad de Florencia, que se
transformó en la capital artística de Europa. La segunda, el Cinquecento, se extiende entre los
últimos años del siglo XV y el año 1520 y tuvo su centro en la ciudad de Roma.
Bajo el mecenazgo de los Médicis, fundamentalmente de Cosme y de Lorenzo el Magnífico,
diversos artistas se dedicaron en Florencia a diferentes búsquedas plásticas, que abrieron camino al
estilo realista de Masaccio, de Paolo Uccello y de Piero della Francesca y a las representaciones
naturalistas y refinadas de Fra Angélico, de Filippo Lippi y de Sandro Botticelli. Las obras
escultóricas de Lorenzo Ghiberti y de Donatello, así como la arquitectura de Filippo
Brunelleschi, son también ejemplos de este período artístico.
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Cinquecento o Alto Renacimiento.
A comienzos del siglo XVI, el foco de la actividad artística se trasladó a Roma. Los papas se
convirtieron en mecenas y auspiciaron la reconstrucción de Roma y de la nueva basílica de San
Pedro, para lo cual llamaron a diferentes artistas. El arquitecto Bramante, los pintores Leonardo
da Vinci y Rafael Sanzio y el escultor Miguel Ángel Buonarotti —quien, además, se destacó
como pintor y arquitecto— fueron los más importantes artistas que trabajaron para la sociedad
romana. Sus obras sirvieron como modelo para otras ciudades de Italia y de toda Europa.
Fuera de Italia, el Renacimiento comenzó a difundirse por Europa a partir del siglo XV, adquiriendo
características propias en cada región. El arte de este período fue muy importante en Alemania,
donde se distinguieron Alberto Durero y Lucas Cranach, y en los Países Bajos,
fundamentalmente con los hermanos Van Eyck, El Bosco y Pieter Brueghel.
Leonardo da Vinci, no fue solo pintor, dejo escritos interesantes sobre ingeniería, química, y otras
ciencias; escultor, músico, escritor. La suavidad de las formas, la delicadeza del color, el esmero en
el detalle, el exquisito difuminado, el famoso esfumado leonardesco, la conjunción de sensualidad,
la expresión lejana de sus ojos de gruesos párpados y la de las manos, elegantes y finas, son notas
inconfundibles de su estilo.
Los problemas técnicos torturaron a Leonardo toda su vida. Por eso sus obras son escasas, y algunas
a punto de perderse por el deterioro de los materiales de empleo. Pocas pinturas habrán suscitado
más comentarios que la célebre Gioconda, de su corta producción se puede citar Santa Ana, La
Virgen de las Rocas y La Ultima Cena pintada para el refectorio del convento de Santa María de
las Gracias en Milán
La obra pictórica de Miguel Ángel responde también a esa tendencia a lo grandioso, a lo dramático
y exasperado que hemos visto en sus esculturas. Miguel Ángel trasplanta al campo de la pintura los
medios expresivos de la estatuaria. La máxima ilusión de relieve, el escorzo, el gesto patético,
caracteriza el estilo pictórico de Miguel Ángel.
Su obra maestra, el techo de la Capilla Sixtina, es una majestuosa interpretación del Génesis, en el
que se agitan más de trescientas figuras de tamaño mucho mayor que el natural. Años más tarde, en
la pared frontal de la misma Capilla, pinto su tremendo Juicio Final.

Rafael Sanzio
Nació en Urbino a finales del siglo XV. Murió con 27 años, por lo que su obra se desarrolló en el
primer cuarto del s XVI. A pesar de su corta vida nos ha dejado una fecunda producción ya que la
mayoría de sus obras están coparticipadas con un gran número de discípulos. Es uno de los grandes
genios de la cultura universal, fundamentalmente por su gran dominio de la técnica pictórica. Si
otros autores destacaron por su contenido iconográfico, su investigación científica, etc, en Rafael se
aprecia un dominio de los recursos técnicos propios del arte pictórico. Su gran virtud estuvo en
aprender de los grandes: Miguel Ángel y Leonardo. No copió, sino que aprendió de ellos
espiritualidad, recursos técnicos, sensibilidad, amor por la naturaleza, tratada siempre con su propia
concepción del arte basada en la sencillez y el equilibrio. Fue un pintor fiel a lo real (realista), pero
su obra apunta una clara finalidad idealizadora y simbólica, pues este principio platónico es
compartido por el autor. Dibujante de una gran calidad, le da la misma importancia a éste como al
color (Aunque este posee un poco más), en el que se consagra como un gran especialista. Rafael ha
pasado a la historia como uno de los grandes maestros del color. Sus pigmentos son claros,
finamente esmaltados, con lo que consigue un brillo propio su obra.
Predomina en él la línea curva por lo que la obra se dota de movilidad y ritmo. Su forma de trabajar
es la precursora del academicismo posterior. El maestro diseña la obra ejecuta el trazado inicial y
los aspectos problemáticos, dejando a sus discípulos el grueso de la obra, para dar después el
retoque final.
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Sus figuras son redondeadas, blandas, delicadas, en ellas se les trata de introducir un aspecto
místico-religioso Por ej. Los desposorios de la Virgen , Las tres gracias.
En la época florentina su producción es abundante en la que predominan madonas y sagradas
familias, pero su obra más famosa es La Virgen del Jilguero.

Pero en el siglo XVI es Roma la ciudad que se convierte en el centro de la producción artística. El
papa Julio II se convierte en el nuevo mecenas del arte italiano y a su corte se desplazan los mejores
artistas de le época. Rafael es llamado por el propio Julio II para que le decore una de las estancias
que precede a la capilla Sixtina. Llegó con tan solo 25 años, pero precedido por una merecida fama
como pintor, mientras que él pinta una estancia, otros pintores (Lotto, Signorelli, Perugino) hacen
lo mismo en otras. Miguel Ángel se afama en pintar la bóveda de la Capilla Sixtina influyendo en el
joven Rafael, quien pinta La escuela de Atenas en la cámara de la Signatura del palacio Vaticano.

LA ÉPOCA DE LAS MONARQUÍAS ABSOLUTAS

El absolutismo es uno de los períodos históricos más interesantes, tanto por los cambios políticos,
sociales, económicos, culturales y religiosos que impuso en las viejas estructuras medievales, como
por su condición de puente hacia el mundo contemporáneo.
La concepción de un soberano omnipotente implica la creación de un único ejército y la
desaparición de las fuerzas al mando de los nobles. También requiere recursos que salen de los
impuestos que pagan esos mismos nobles y los campesinos. Esto provoca descontento y agitaciones
sociales que obligan al rey a apoyarse en la burguesía y a aplicar el principio de la razón de estado
para justificar represiones y guerras. Bajo esas tensiones se afianzó la noción del estado
contemporáneo.-

Absolutismo monárquico:
Los monarcas del s. XVII retomaron el pensamiento de los emperadores romanos: “la voluntad del
príncipe es la ley” e impusieron su autoridad por sobre las instituciones del estado.
La necesidad de imponer el orden favoreció el autoritarismo real. El soberano encarnó la unidad del
país y obtuvo poderes absolutos. Surge la teoría política del derecho divino de la monarquía: el Rey
es el representante de Dios en la tierra; Dios le otorga la potestad para reinar y sólo a él debe dar
cuenta de sus actos.
Jacques Bossuet, francés y maestro de Luis XIV, rey de Francia, formuló el dogma del
absolutismo: “un rey, una fe, una ley”. Acentuó el carácter divino del soberano, quien por ser el
representante de Dios no era responsable ni ante la Iglesia ni ante el pueblo.
La nobleza, ansiosa de mantener sus privilegios, se opuso en muchas ocasiones a la política
absolutista. El monarca buscó entonces apoyo en la burguesía en su lucha contra los nobles. Para
ello favoreció el desarrollo de la industria nacional y el comercio, según lo expuesto por la doctrina
económica de la época, el mercantilismo, que sostenía que la riqueza de un Estado dependía de la
cantidad de oro y plata que tuviese acumulada.
A Luis XIV se le atribuye la frase “El Estado soy yo”.

Economía mercantilista:
La población europea en el s. XVII presentaba una natalidad elevada, pero altas defunciones por los
períodos de hambre y epidemias, guerras, falta de higiene.
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Aumentó paulatinamente la población urbana. Catorce ciudades europeas tenían más de 100.000
habitantes.
Se produjeron importantes emigraciones hacia las tierras descubiertas por España y Portugal; de la
Península Ibérica fueron expulsados moros y judíos; de Inglaterra católicos y protestantes; de
Francia los hugonotes. Los expulsados buscaron refugio en Holanda, Suiza y Alemania.
El consumo de productos aumentó por el crecimiento de la población. La moda, el lujo y el
refinamiento están a la orden del día tanto en la corte de los grandes soberanos como en las casas de
los burgueses. Se consume más carne, más trigo y especias. El café, azúcar, tabaco y cacao
conquistan el gusto de los europeos. En el s. XVII los holandeses introducen el té. La indumentaria
se enriquece y modifica, exigiendo nuevas telas. En el mobiliario aparecen maderas preciosas, como
la caoba; se difunde el gusto por los espejos, los tapices, los espejos, cuadros, relojes. El servicio de
mesa se completa con vasos de cristal y tenedores y cucharas de metales preciosos.
En agricultura se destaca Holanda que rompió el viejo molde de la rotación trienal intercalando
entre las cosechas de productos básicos la siembra y recolección de plantas forrajeras. Así comienza
el cultivo intensivo. En Holanda se introducen nuevas especies y se seleccionan las mejores
variedades; aparece el principio de selección.
La agricultura colonial se desarrolla en las Antillas, costa continental del Caribe y atlántica del
Brasil. El principio básico de estas plantaciones fue arrebatar a los holandeses el monopolio de los
productos coloniales. Comienza el cultivo de la caña de azúcar en el s. XVII; el del cacao y café en
el XVIII.
En el s. XVII no se inventó nada en materia de comunicaciones y transportes pero se mejoraron las
comunicaciones marítimas, fluviales y continentales.
Holanda acaparó el tráfico marítimo. Las naves se alargan. Se adoptan nuevos sistemas
cartográficos (Mercator). Se inicia el estudio de las corrientes marinas. Aumenta la regularidad de
los servicios y la seguridad en los viajes.
La construcción de canales, diques y esclusas mejoró la navegabilidad de los ríos, especialmente en
Francia. Las exigencias del comercio y las necesidades de la monarquía absoluta impusieron la
reconstrucción de carreteras, que derivaban de la época romana. Las carreteras francesas fueron la
admiración de los extranjeros.
Se produce el auge del correo, estatizado en Inglaterra y Francia. Aparece el comercio a distancia.
En lugar del trato directo entre comerciantes, se inicia la compra venta de productos por carta o
intermediario y aparecen el comercio de muestrario y la venta a comisión.
Surgen las Compañías inglesa y holandesa de las Indias Orientales..
Se fundan los Bancos de Amsterdam y Londres, centros del mercado financiero mundial.
Aparece la manufactura fábrica, lugar donde se concentran los obreros para una determinada
producción con o sin máquinas, bajo la dirección de un empresario. Nace como resultado de la
paulatina concentración comercial, ya sea porque dentro de la masa de maestros gremiales los más
ricos ponen bajo su dependencia a los pobres con sus oficiales y aprendices, ya porque un
empresario controle las distintas etapas del mecanismo productor (desde lavado de la lana a su
apresto final).
Las industrias internacionales del s. XVII eran las de cristales italianos y las textiles (telas inglesas,
sedas italianas y francesas, tapices flamencos, linos de Holanda, Flandes)
A consecuencia del ininterrumpido aflujo de metales preciosos en Occidente, Europa experimentó
un alza de precios en el s. XVI y XVII.
La doctrina económica característica del siglo es el mercantilismo o colbertismo: la potencialidad
económica de un gobierno depende de la acumulación de oro y plata. Para ello es necesario un
superávit de la balanza del comercio exterior. Se promueve una autonomía en el abastecimiento
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nacional, en detrimento de la competencia extranjera y medidas aduaneras muy rígidas, tanto para
evitar la introducción de productos no nacionales como exportación de materias primas básicas
(lana, hierro, lino, cobre, madera). Se estimula el comercio nacional con la creación de monopolios
y compañías comerciales.
España e Italia, en decadencia en el s. XVII, son reemplazadas por Holanda, Inglaterra y Francia
como polos del desarrollo económico.

Sociedad barroca:
 Aristocracia: La gran nobleza se traslada del campo a la ciudad. Pierde importancia por la
desvalorización de las rentas del campo. Debe recurrir a las gracias y concesiones de la corte
real, que otorga subsidios y empleos públicos, o entrar al servicio del Estado como militares
o de la iglesia como abades y obispos. La pequeña nobleza o caballería desaparece por su
agotamiento económico y por la sangría ocasionada por guerras internacionales o civiles de
la Europa del s. XVI.
 Burguesía: La vieja burguesía salida del s. XV en su mayor parte ya ha recibido títulos de
nobleza o se ha entroncado con la alta y baja nobleza. Surge la nueva burguesía de los
negocios, que tiene como centros a Amberes, Amsterdam o Londres y que tiene su
justificación religiosa en el calvinismo
 Campesinos: Después de las violentas conmociones agrarias de principios del s. XVI,
Europa queda dividida en 2 zonas: en la región del este del Rin y norte del Danubio, se da la
servidumbre del campesino, sujeto a la gleba y la soberanía y jurisdicción del noble
propietario de las tierras; en el occidente de Europa e Italia se aprecia la liberación de los
siervos del campo.

Racionalismo:
Teoría filosófica que rechaza la revelación y procura explicarlo todo por medio de la razón. El
francés Renato Descartes, filósofo y hombre de ciencia, sostuvo que el conocimiento filosófico
debía ser seguro como las matemáticas y procuró encontrar un método que lo condujera a la verdad.
Propuso como método la “duda metódica”: se debía someter a la duda todos los conocimientos.
Famosa es su frase “Pienso, luego existo”.

La reforma Católica:
En forma paralela a la Reforma protestante, llevada a cabo en casi toda Europa, en España e Italia
progresaba un ideal de renovación religiosa que hundía sus raíces en el humanismo, aun cuando
continuaba enmarcado dentro de la iglesia medieval. Este movimiento fue la reforma católica, que
nació de una necesidad intensa surgida en el seno mismo de la Iglesia. En los dos países
mediterráneos se generaron las fuerzas que salvarían la unidad y el espíritu de la Iglesia católica. La
España del s. XVI fue la piedra de toque de las corrientes renovadoras espirituales de la reforma
católica, en un movimiento iniciado con los Reyes Católicos, continuado bajo el cetro de Carlos V y
afirmado durante el reinado de Felipe II.
En las universidades se asentó un nuevo florecimiento de la escolástica, con representantes como
Francisco de Vitoria y Melchor Cano. Al mismo tiempo San Pedro de Alcántara inició la corriente
mística que se cristalizaría en las figuras de San Juan de la Cruz y Santa Teresa de Jesús. La obra de
esta religiosa se caracteriza por un doble aspecto: la reforma de la orden de las carmelitas, es decir
el retorno a la rigurosa pobreza inicial, y la nueva interpretación de la mística, esto es la
contemplación que une al alma con Dios.
 72
En Italia los humanistas impulsaron la Reforma católica. En Roma se fundó el Oratorio del Amor
Divino: sacerdotes y laicos se unieron para alcanzar la reforma de la iglesia mediante la oración y el
amor, la caridad y la fe.
En 1531 se fundó la Compañía de Jesús, obra de San Ignacio de Loyola. Esta orden tenía carácter
militar y se singularizaba por el especial voto de obediencia al Papa. El objetivo de la Compañía era
la conversión de los paganos y herejes. Sus miembros abrieron escuelas, fomentaron la erudición y
predicaron las misiones.. No limitaron su acción a Europa, sino que tuvieron por objetivo la
difusión del cristianismo por el mundo. Se llamaron los soldados de Cristo. y ejercieron su
apostolado según el lema “Para mayor gloria de Dios”. A fines del s.XVI. los jesuitas llegaron a
América, dedicándose a la evangelización de los indígenas. Fueron famosas la reducciones de los
indios guaraníes en San Ignacio Guazú (Misiones).
Desde el momento en que Lutero rompió con Roma; la cristiandad reclamó la realización de un
concilio ecuménico que reglamentase los problemas en disputa. Para el emperador Carlos V era
importante definir los puntos básicos teológicos que daban pie a las controversias entre católicos y
protestantes. El concilio fue convocado en Trento con el objeto de asegurar la unidad de la fe y la
disciplina eclesiástica.

ARTE BARROCO

A lo largo del siglo XVII se desarrolla el estilo barroco que, rompiendo con el clasicismo
renacentista, propone una doble tendencia basada por un lado en el gusto por la realidad y la
cotidianidad, y por el otro, en lo monumental y lo aparatoso.
La Roma papal pasa a ocupar la capitalidad artística detentada hasta entonces por Florencia y
Venecia. Posteriormente surgen otros importantes centros creativos, como Flandes, Holanda,
Francia y España, de fuerte personalidad, vinculados a la Reforma Protestante, la monarquía, la
iglesia católica y la pujanza de la burguesía.
El barroco abandona la serenidad clásica para expresar un mundo en movimiento y agitación de los
sentidos. Por tanto, la tendencia del barroco es a la exageración y la ostentación.
El Arte barroco es el arte de la Contrarreforma. Para reaccionar contra la severidad iconoclasta
del Protestantismo, la Iglesia Católica alentó la edificación de templos con profusión de escultura.
También dirigió a los artistas a alejarse de los temas paganos que tanta aceptación tuvieron durante
el Renacimiento, así como evitar los desnudos y las escenas escandalosas.
Tanto en las artes visuales como en la música, la influencia de la Iglesia sobre los artistas iba
dirigida a emocionar y enardecer la devoción mediante estímulos psicológicos.
Estas normas aparentemente conservadoras y austeras derivaron, sin embargo, en este arte suntuoso
y recargado que llamamos barroco.
La vida en el s. XVII se veía frecuentemente atormentada en dolor y muerte. Por eso también era
más necesaria que nunca la exaltación de la vida agitada e intensa para el hombre barroco. En ese
contexto, se experimentaba el empuje de amar las pasiones de la vida así como el movimiento y el
color, como si de una magna representación teatral se tratase. De hecho, se ha indicado con acierto
que en las artes plásticas, el barroco intenta reproducir la agitación y vistosidad de la representación
teatral.
Otra de las características del barroco que se manifiesta en la arquitectura, escultura y la pintura es
el juego de las sombras. En la estética del barroco, son muy importantes los contrastes
claroscuristas violentos. Esto es apreciable fácilmente en la pintura (por ejemplo el tenebrismo)
pero también en la arquitectura, donde el arquitecto barroco juega con los volúmenes de manera
abrupta con numerosos salientes para provocar acusados juegos de luces y sombras.
 73
Entre las características generales del arte barroco están su sentido del movimiento, la energía y la
tensión. Fuertes contrastes de luces y sombras realzan los efectos escenográficos de muchos
cuadros, esculturas y obras arquitectónicas. Una intensa espiritualidad aparece con frecuencia en las
escenas de éxtasis, martirios y apariciones milagrosas. La insinuación de enormes espacios es
frecuente en la pintura y escultura barrocas. Tanto en el renacimiento como en el barroco, los
pintores pretendieron siempre en sus obras la representación correcta del espacio y la perspectiva.
El naturalismo es otra característica esencial del arte barroco; las figuras no se representan en los
cuadros como simples estereotipos sino de manera individualizada, con su personalidad propia. Los
artistas buscaban la representación de los sentimientos interiores, las pasiones y los temperamentos,
magníficamente reflejados en los rostros de sus personajes. La intensidad e inmediatez, el
individualismo y el detalle del arte barroco —manifestado en las representaciones realistas de la
piel y las ropas— hicieron de él uno de los estilos más arraigados del arte occidental.

Arquitectura:
Los edificios barrocos más importantes son las iglesias y palacios, plazas, jardines, también fuentes,
puentes, y otros edificios públicos que expresan poder.
La iglesia barroca está dominada por la sensación de movimiento, las fachadas presentan un
conjunto teatral y recargado, resaltando la parte central, para que la mirada se dirija hacia la
puerta, a veces está tan recargada que parece un retablo exterior, Fachada Retablo: Se mezcla lo
recto y lo curvo. Presenta curvas o frontones partidos. Las ventanas a veces son ovales o elípticas,
nunca circulares. También tienen torres- campanario. En la fachada retablo la arquitectura se funde
con la escultura formando una unidad. Las imágenes se enmarcan con columnas retorcidas
(columnas salomónicas), entre las que se asoman ángeles o crecen distintos vegetales.
En el palacio la línea de fachada posee entrantes y salientes, de trazos rectos y curvos. Hay
frontones partidos, columnas o pilastras adosadas, frisos que se quiebran hacia el exterior o hacia el
interior. Está cubierto de balcones, patios, escaleras, galerías y bellísimos jardines. Su interior
esta decorado con frescos, molduras doradas, cristales, espejos, lámparas, candelabros.
Los jardines eran construidos para resaltar el palacio. Presentan una red de paseos y senderos que
conducen a fuentes monumentales o a estanques, bellísimas flores forman fantásticas alfombras
multicolores.
 En Italia los edificios más significativos son las iglesias y palacios, pero también edificios
públicos como fuentes y escalinatas. Hay predominio de la línea curva y el movimiento
cóncavo-convexo. Plantas centralizadas y espacios fluidos, de carácter escenográfico y
teatral. Obras más representativas: Iglesia de San Carlino de F. Borromini ; Iglesia de
Sant Andrea al Quirinale de Bernini y Plaza de San Pedro (Roma) de Bernini.
 En Francia, arquitectura de carácter más sobrio y equilibrado, que rechaza la ruptura con
las formas clásicas. El rigor de los exteriores contrasta con la suntuosidad de los interiores.
Obras más representativas: los Inválidos (París) de los arquitectos Bruant y Hardouin-
Mansar; Palacio de Versalles de Jules Hardouin-Mansart.
 En España, tras un primer período dominado por la influencia de Herrera, surge a partir de
la segunda mitad del siglo un estilo muy decorativo que culmina en el churriguerismo, de
gran riqueza ornamental. Obras más representativas: Plaza Mayor (Madrid) arquitecto Juan
Gómez de Mora ; Torre del Reloj (Santiago de Compostela) de Domingo de Andrade.
Pintura.
Características más destacadas:
 Predominio del color sobre el dibujo: en el Renacimiento primaba la línea por encima de
todo. En el Barroco se prefiere una pintura de mancha.
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 Claroscuro: en el Renacimiento se prefería una luz clara y limpia. En el Barroco la luz en
juego con la sombra cobra una importancia hasta entonces desconocida. Las primeras
aportaciones las trajo consigo el tenebrismo caravaggista.
 Huida de la perspectiva lineal renacentista: en el Renacimiento había primado la
perspectiva lineal, para dar la sensación de profundidad, se procedía a la sucesión de planos.
En el Barroco la sensación de profundidad puede obtenerse por diversos procedimientos:
 Escorzos: consiste en representar a las figuras en actitudes no paralelas a los lados del lienzo
o fresco.
 Primer término a gran escala en contraste con el fondo
 Luces y sombras
 Composición asimétrica: en el Renacimiento la tendencia generalizada era colocar a la
figura principal en el centro de la composición, y a partir de ella organizar la pintura en dos
mitades simétricas. En el Barroco se prefiere el desequilibrio, así aparecen figuras cortadas
como si continuaran fuera de la tela.
El movimiento viene dado por el uso de escorzos, diagonales
El tenebrismo fue iniciado en Italia por Caravaggio. De espíritu rebelde, se aleja de las
convenciones pictóricas en pro de un estilo personal. Caravaggio observa todo lo que le rodea y
ansía plasmarlo en sus obras de un modo fiel a la realidad. Se decanta por el empleo de un foco de
luz para ir moldeando plásticamente las figuras representadas en su pintura. Algunas de sus obras:
la Muerte de la Virgen, el Martirio de San Mateo, Cena de Emaús.
En España: cultivó una temática religiosa y de factura realista ej. Las Lanzas. Las Meninas, de
Diego de Velázquez. Bodegón, de Francisco de Zurbarán.
En Flandes: arte exuberante y sensual que encontró su máxima expresión en la obra colorista y
dinámica de Rubens. Obras: El juicio final,. Las tres gracias.
En Holanda: pintura realista interesada por la temática de género y costumbrista, así como el
paisaje y el retrato. Mayores exponentes: Vermeer , La muchacha de la perla y La carta de amor;
Rembrandt , La ronda nocturna

ESCULTURA
La escultura barroca cobra un papel decorativo en la composición general de la obra.
Al igual que la arquitectura, también se distancia de la claridad y equilibrio renacentista, interesada
en el dramatismo y el movimiento, y en conmover al espectador. Gran dominio de la luz como
recurso expresivo.
Las esculturas barrocas se distinguen por su gran movimiento y el dinamismo. Las imágenes
muestran pasiones violentas o dramáticas, lentas y exaltadas. Expresan sentimientos y las más
diversas pasiones. Preferencia por composiciones y cuerpos que desarrollen la curva serpentinata
La escena es complicada, a veces en los temas mitológicos intentan representar la metamorfosis, se
agitan las ropas. Se utiliza, sobre todo el mármol, el bronce y la madera. Esto depende de las
características de cada país. Las estatuas barrocas forman parte de los retablos, rematan la fachada
de los palacios, aparecen en los puentes y en las plazas, decoran los jardines, de forma aislada o a
través de la arquitectura de las fuentes.
Las fuentes constituyen un magnífico ejemplo del arte barroco. Se funden la arquitectura y la
escultura y ambas, se integran en la naturaleza o en la plaza. Ejemplo: Fontana di Trevi, (Roma), de
Nicola Salvi, en donde la tentación de lo rústico y la transparencia verde del agua sirven de pedestal
a una fachada clásica. Con ello se consiguen los efectos escenográficos que hacen de Roma la
ciudad barroca por antonomasia.
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La escultura barroca española tiene una serie de características propias:
 Predominan los temas religiosos.
 Exaltación del realismo. Para ello utilizan postizos como pelo real, corona real, ojos y
lágrimas de cristal, etc. Se llegaron a crear imágenes de vestir, en las que se realizaban con
minuciosidad cabeza, manos y pies para vestirlas con ropa real
 El principal cliente de sus obras fue la Iglesia, y en segundo lugar la Corte.
 Se produce la decadencia de la escultura funeraria.
 Las obras decoran retablos, sillerías de coro y los famosos pasos de Semana Santa.
 Utilizan la madera policromada como material preferido.
Escultores:
 en España: Cristo Yacente de Gregorio Fernández, Magdalena de Pedro de Mena.
 En Italia: El éxtasis de Santa Teresa. El David. Apolo y Dafne, obras de Gian Lorenzo
Bernini.

LA EDAD DE LA RAZÓN

En el siglo XVIII hicieron eclosión nuevas ideas, muchas de ellas gestadas en el siglo anterior, cuyo
carácter alteró la vida política, espiritual y económica de la época. Fue llamado siglo de las luces y
en él se desarrolló un movimiento filosófico-cultural llamado Iluminismo o Ilustración, en
contraposición a la Edad media u “oscura”. Los cultores de este movimiento reflexionaron sobre el
hombre y el mundo; creían en el poder de la razón no sólo para esclarecer al hombre, sino también
para reorganizar la sociedad sobre otras bases. La razón es la única facultad capaz de iluminar el
pensamiento de los hombres y hacerlos ilustrados. Aparece una postura optimista y una fe en el
progreso constante. El hombre y su felicidad constituyeron el centro de la meditación. “El mundo
actual es el mejor de los mundos posibles”. La felicidad es un bien que se puede lograr en este
mundo y el hombre tiene el derecho a perseguirla y alcanzarla.
Para los iluministas todas las doctrinas dogmáticas (las que se tienen por ciertas o innegables y no
sujetas a examen) chocan contra la razón humana. Las jerarquías, las autoridades, el absolutismo
monárquico, la sociedad y hasta la religión fueron examinados críticamente. Así surgieron nuevas
proposiciones como la igualdad política, tolerancia y religión natural.
La religión, más que una revelación de Dios, fue considerada como una convicción moral. Algunos
llegaron a formular proposiciones negadoras de Dios (ateísmo). Sin embargo, el movimiento
ilustrado fue deísta: se reconoció la existencia de un Dios creador del universo, pero sin admitir
dogmas ni cultos externos. Los deístas se autocalificaban de librepensadores, porque chocaban con
la doctrina de la revelación, despojaban los relatos bíblicos de elementos sobrenaturales e
intentaban explicarlos de modo racional.
Estas tendencias eran patrimonio de minorías educadas. El impacto mayor de estas ideas se dio en
Francia y de allí se esparcieron por Europa.
Aparece un afán por reorganizar sistemáticamente los conocimientos de acuerdo con métodos
específicos previamente estudiados.
Esta corriente se propaga por las universidades europeas y sus mayores representantes salen de la
burguesía.

La Enciclopedia:
La idea de agrupar todos los conocimientos científicos con la intención de compendiar la cultura de
la época dio origen a la Enciclopedia o Diccionario razonado de las ciencias, artes y oficios,
publicado en Francia en 1751 y editado por Denis Diderot y Jean D’Alembert. Aparecen artículos
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ordenados alfabéticamente, firmados por las más prominentes figuras de la época, como Voltaire,
Montesquieu, Rousseau, etc. A través de sus 35 volúmenes la Enciclopedia se transformó en la
portadora del espíritu iluminista. Aunque por su costo sólo podían tener acceso a estos libros los
sectores adinerados, el pueblo también conoció esta obra, pues algunos artículos se difundieron en
forma de folletos, volantes o periódicos.
Los escritores de la Enciclopedia deslizaban agudas críticas a las instituciones y a las convicciones
políticas vigentes. Fue censurada.
Las nuevas ideas políticas:
En Francia se advirtió un desprestigio de la monarquía y una profunda crisis económica, hechos que
produjeron las críticas de los pensadores de la época.
En Inglaterra, consolidada políticamente, se observó un gran progreso tecnológico que aceleró la
producción agropecuaria y manufacturera. La prosperidad inglesa y la estabilidad de su régimen
político repercutieron en el pensamiento de la Ilustración. El sistema político inglés constituía un
modelo a imitar. Inglaterra era el asilo de la libertad.
Estas nuevas ideas alcanzaron rápida difusión debido a gacetas, tertulias, cafés, salones y
sociedades secretas, que actuaron como centros de divulgación y propaganda política.
Francois Marie Arouet, más conocido como Voltaire fue un escritor y filósofo francés, mordaz
crítico político. Sus críticas al sistema político imperante en Francia hicieron que fuese condenado a
la prisión de la Bastilla. Desterrado voluntariamente a Inglaterra, se identificó con el pensamiento
británico, en especial con Locke, y con los deístas.. Vuelto a su país desplegó una gran actividad
literaria. En sus “Cartas a los ingleses” critica al despotismo, exalta la tolerancia religiosa y se
manifiesta admirador del sistema político inglés. Fue admirado por todos los intelectuales de
Europa, amigo de Federico el grande de Prusia y Catalina II de Rusia. En el “Tratado sobre la
tolerancia” expuso su posición deísta y atacó a la Iglesia.
El sistema político predilecto de Voltaire es el despotismo ilustrado, es decir la monarquía absoluta
más las nuevas ideas de la época. El lema de los déspotas ilustrados es “Todo para el pueblo pero
sin el pueblo”.
Charles de Secondat, barón de Montesquieu, francés, poseedor de una buena renta familiar pudo
dedicarse al estudio y frecuentar la amistad de prominentes eruditos de su época. En sus “Cartas
persas” se reveló como un agudo observador y crítico de las costumbres e instituciones francesas.
En “El espíritu de las leyes” realiza un comentario sobre el derecho y desarrolló la doctrina de la
separación de poderes. Tiene una elevada idea de la ley, es la encarnación de la razón, pero esta ley
está hecha por legisladores y éstos están por debajo de su misión, afirma Montesquieu. Su teoría
política es una teoría de los contrapesos: “Es preciso que el poder detenga al poder”.
Dice que la religión es una bella decoración y un freno social.
Sus ideas sociales no son revolucionarias. La igualdad absoluta es un sueño. El pueblo no debe ser
confundido con el populacho, siendo prudente negar el derecho de voto “a quienes se encuentran en
un profundo estado de vileza”.
Jean Jacques Rousseau, ginebrino, huérfano, su infancia y adolescencia transcurrieron en la
pobreza. Sensible, autodidacta y rebelde, llevó una vida errante y aventurera. Obtuvo el primer
premio en un concurso literario con su ensayo “Discurso sobre los efectos morales de artes y
ciencias” que lo hizo famoso, en el que aboga por una vuelta del hombre al estado de naturaleza.
Fue autor del libro pedagógico “Emilio”, aunque su obra más importante es el “Contrato Social” en
el que sostiene que los hombres a partir del estado de naturaleza realizan un contrato tácito del cual
se originan la sociedad y el Estado. Tuvo que huir de Francia y halló asilo en Prusia y Suiza. Sus
libros fueron quemados en Francia como un peligro para la moralidad pública. Despreciaba el
dinero, el éxito social y el burgués Voltaire le producia horror. Eligió la democracia en una época
en que ésta no existía ni en los hechos ni en las ideas.
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En “Discurso sobre la desigualdad entre los hombres” se refiere a la injusticia de la sociedad. Posee
acervos premarxistas, subrayados por Engels.
Dice en “El contrato social” que mediante el pacto social, cada uno se une a todos. Cada uno se une
a todos y no se une a nadie en particular; de esta forma no obedece más que a sí mismo y
permanece tan libre como antes. El soberano es la voluntad general; es esa voluntad general no la
voluntad particular de los que lo componen. El contrato social garantiza la igualdad, ya que todos
los asociados tienen los mismos derechos. La soberanía es inalienable, es indivisible, es infalible y
absoluta.
Las nuevas ideas económicas:
Francisco Quesnay autor de Cuadro económico es el padre de la escuela fisiocrática. Sostuvo que
la agricultura era la fuente en la que se nutrían la industria y el comercio, razón por la cual toda
política económica debía tender a incrementar la producción del suelo. La agricultura es la única
actividad creadora. Se debe favorecer la producción del campo y asegurar la libre circulación de la
riqueza. Se deben eliminar los impuestos sobre la tierra productiva. Gournay acuñó la famosa frase
“laissez faire, laissez passer” (dejar hacer, dejar pasar) con la que quería significar que el Estado no
debía intervenir en las transacciones económicas. Esta expresión es retomada luego por el
liberalismo.
El escocés Adam Smith publicó Estudio de la naturaleza y las causas de las riquezas de las
naciones en el que expuso los lineamientos del liberalismo. Al sostener que todo trabajo útil es
productivo, se contrapuso a mercantilistas y fisiocrátas. Como los fisiócratas expresó que el
comercio nacional e internacional debía fundamentarse en el librecambio. El liberalismo respondía
a una nueva realidad económica caracterizada por el incremento de la producción industrial y del
comercio marítimo. Las funciones del Estado debían ser: facilitar la producción, hacer reinar el
orden, hacer respetar la justicia, proteger la propiedad.

La revolución Industrial inglesa:

En la segunda mitad del s. XVIII, la economía y la sociedad inglesas experimentaron un cambio
profundo y decisivo llamado Revolución industrial. La aplicación de la fuerza del vapor para mover
nuevas máquinas textiles recién ideadas permitió aumentar masivamente la producción.
Simultáneamente, apareció una nueva unidad de producción, la fábrica, que empleaba a
trabajadores asalariados, los obreros.
El cambio no fue repentino, sino que se dio lentamente. Ya desde tiempo atrás, se estaba
produciendo la protoindustrialización, caracterizada por la existencia de una industria primitiva,
fundamentalmente rural y asentada en el trabajo realizado en el propio domicilio del artesano. Pero
cuando el trabajo mecanizado se fue generalizando, los artesanos se vieron imposibilitados para
competir con la producción fabril.
Los cambios que se estaban registrando en la industria fueron acompañados por la expansión y el
perfeccionamiento del sistema de transportes, en especial de la red de canales. Este proceso culminó
con la invención del ferrocarril que, hacia 1830, vino a revolucionar el sistema de transportes
terrestres.

La Revolución Francesa:
Desde el s.XVII se produjeron en Europa intentos de limitación del poder real: la Revolución
inglesa de 1688, por ejemplo, trajo como consecuencia la creación de instituciones que
representaban otros intereses y limitaban la monarquía. Pero la transformación más profunda, y la
que permaneció en la memoria colectiva como un acontecimiento trascendental, fue la Revolución
francesa.
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La Revolución marcó el comienzo de un nuevo orden político y social. Entre 1789 y 1794, se
suprimieron los derechos feudales, se proclamó la igualdad de todos los hombres ante la ley, se
abolió la esclavitud, se proclamó la república, y se instauró el sufragio universal. Durante este
proceso tomaron cuerpo definitivo las doctrinas que proclamaban que la legitimidad del gobierno
estaba fundada en la voluntad de la Nación, es decir, del conjunto de los ciudadanos sometidos a las
leyes generales, en los cuales reside la soberanía.
Después de la Revolución francesa, a pesar de la anulación de muchas libertades durante el
gobierno de Napoleón y de los intentos de restauración posteriores, fue imposible volver a un
sistema político y social como el del Antiguo Régimen.

EL ROCOCÓ

El estilo que llamamos Rococó es una creación francesa desarrollado durante los reinados de Luis
XV y Luis XVI. Sus características más destacadas son la ligereza, la fragilidad y la gracia, frente a
los profundos contenidos del Barroco. Se trata de un estilo mundano, íntimo y delicado, que reúne
elegancia y libertad.
La palabra rococó posiblemente proviene de Rocaille, nombre de la decoración hecha con
incrustaciones de conchas, piedritas y pequeños trozos de vidrio colorido, que se usaba en las
fuentes de los jardines; elemento asimétrico, medio vegetal medio mineral que invade la
arquitectura y todas las artes decorativas.
Este estilo es una respuesta a los factores históricos del siglo XVIII: el desarrollo de la ciencia y la
tecnología, el auge de la burguesía y el nacimiento de nuevos géneros de pintura, tapices y
alfombras. En esta nueva sociedad la mujer adquiere un gran protagonismo, ya que organiza y
participa en las reuniones. El ejemplo más significativo es madame Pompadour.
Los rasgos más característicos del período son: el ansia de libertad, la galantería, el amor, el gusto
por lo exótico, el encanto, el movimiento y el desequilibrio.
El Rococó va a ser el arte característico de la sociedad aristocrática. La nota mas llamativa es su
tendencia a expresarse en interiores decorativos, por ello ha sido considerado arte de salón. Sus
manifestaciones se ciñen a los siguientes campos:
 Mobiliario: se adoptan formas más flexibles con superficies dominadas por la curva, la
silla de patas onduladas los respaldos adaptados al cuerpo y la tapicería llamativa. Aparecen
muebles nuevos como la cómoda, la consola, el sofá y el escritorio.
 Cerámica, cristal y orfebrería: Se sustituye la cerámica de importación oriental por
cerámica autóctona; prolifera un amplio repertorio de objetos (vajillas, jarrones, relojes,
juegos de café y de te, espejos y figurillas). En cristalería se destacan las fábricas de
Murano. La orfebrería se desarrolla en las áreas palaciegas, aristocráticas y religiosas.
 Tapicería: Surgen fábricas de tapicería, como la de Gobelinos debido a la gran demanda de
la aristocracia, interesada en la decoración de salas de los palacios.

El Rococó puede interpretarse como un arte donde se afirma la libertad creativa y fantástica del
artista ante tanto academicismo, o como la respuesta calma al clima dramática y de conciencia
atormentada que se vivía en la sociedad barroca, o quizá como la respuesta en los recintos interiores
a ese desequilibrio reinante en la exterioridad.
En las principales capitales europeas, se establecieron academias de arte cuyo objetivo era capacitar
a los artistas y exponer sus obras. Estas academias establecieron las regla sobre lo que se
consideraba arte y lo que no.
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Arquitectura
Al exterior de los edificios suelen distribuirse las construcciones en dos pisos, se baja la altura de
los tejados y se sustituye el ladrillo por la piedra, equilibrándose los órdenes y la composición de
las fachadas.
Lo más importante es la distribución de los interiores, determinada por la especificación de los fines
y las funciones del edificio; los interiores se inundan de luz, de color, de elegancia y de
movimientos ondulantes.

Escultura
En Francia, a lo largo del s. XVIII perdura un cierto deseo de magnificencia en los monumentos
sepulcrales y en las estatuas conmemorativas, que contrasta con el agudo intimismo del retrato. Los
representantes más destacados son: Bouchardon, Pigalle y Falconet.
En Alemania, como en Europa Central, no es fácil separar arquitectura y escultura, incluso podría
afirmarse que en el Rococó se produjo la unidad de las artes. Mientras que en Francia se perdía
poco a poco la tradición académica, en Alemania se dan formas graciosas, juegos de luz y estucos
que se integran en iglesias y palacios
(escaleras, jardines, parques, etc).

Pintura
En Francia, en los años finales del s. XVII, los franceses estaban ya cansados de la rigidez de las
reglas, la norma y la simetría. En el reinado de Luis XV se generaliza el coleccionismo de cuadros
más pequeños, de escenas galantes o temas de género con tonalidades más claras. Tendrá mucha
importancia el retrato. El nuevo cliente exige al retratista que acerque cada vez más el modelo al
espectador, y la mejor forma de conseguirlo es acudir a una técnica diferente: el pastel.
Este nuevo estilo se plasma en la obra de tres pintores: Watteau, Boucher y Fragonard.
Watteau es el cronista de la nueva sociedad: representa los bailes públicos en el Palacio real, fiestas
campestres, los paseos, el teatro. No se trata de una interpretación realista de la sociedad en sus
actividades cotidianas, sino del reflejo de una cierta clase social en ascenso: los burgueses que
desean el poder y la cultura.
En Fragonard el amor a la naturaleza, el paisaje y el intimismo con carácter de juego o diversión,
así como la pincelada rápida y cremosa, son sus características principales.

EL NEOCLÁSICO
Históricamente, el neoclasicismo se desarrolla desde mediados del s. XVIII hasta mediados del s.
XIX. La fase neoclásica coincide, en líneas generales, con la Revolución Francesa y el Imperio
napoleónico.
El arte se seculariza y se aplica, no al mundo de la galantería y de las fiestas, sino a la vida
cotidiana, con sus necesidades y placeres. Vida cotidiana que era la de la burguesía, destinataria
ahora de la producción de artistas que aplicaban un mismo ideal estético a los cafés, mercados,
viviendas, o a los encargos de soberanos o instituciones eclesiásticas. La nueva clase social en
ascenso, la burguesía, adoptará al Neoclasicismo como su arte y como la expresión de la derrota
definitiva de la aristocracia.

Características fundamentales:
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 Redescubrimiento de la antigüedad clásica: Su lenguaje formal, y también la cultura que
encierra en sí, se oponen a la funcionalidad y al excesivo decorativismo del Barroco
(rechaza su gradilocuencia y su apego a la Iglesia) y del Rococó (rechaza su intimismo, su
falta de severidad, su carácter cortesano-burgués). El Neoclasicismo se presenta como un
arte nuevo, sereno y equilibrado, ante el agotamiento de las formas del estilo Rococó, con su
lenguaje vacío y reiterativo. Sus postulados son pureza, luminosidad, exactitud, equilibro y
fidelidad a las artes del pasado, es decir, al clasicismo.
 Su idea será el modelo artístico griego. El Neoclasicismo lleva lo clásico hasta la
admiración y a la imitación. Cree ver que en Grecia se imponen las líneas rectas a las curvas
y las adopta; presupone que es en Grecia donde el arte ha estado menos condicionado tanto
por el poder como por la religión, por eso lo presenta también como modelo. Pone los ojos
en la vuelta a Roma, animado por los descubrimientos arqueológicos de Herculano y
Pompeya, ciudades romanas sepultadas por las cenizas del volcán Vesubio en el año 79.
 Es el primer arte no cristiano, sustituye a Dios por el culto a la razón. Su centro es la
inteligencia, el testimonio de la luz de la razón. Es la vertiente artística de la secularización
de la cultura (promovida por la Ilustración) y de la Revolución Francesa
 La nueva estética adquirirá su máxima expresión en Francia, principalmente por ser la
estética asumida por la burguesía en su lucha por tomar el poder, condenando el lujo
disoluto y los excesos de la aristocracia.
 Contempla la creación y desarrollo de las academias, que sustituirán la fuerza expresiva y
pasional del arte barroco por un estilo, “el del buen gusto”, caracterizada por una notable
uniformidad estilística, lograda a través del aprendizaje del arte del buen dibujo, la copia de
modelos clásicos y el dibujo al natural.
 Los nuevos centros del arte serán ahora Roma y París.

Fuentes del arte neoclásico:

GRECIA ROMA
- Nueva valoración de la columna como - Sentido espacial unificado (el Panteón)
soporte - Empleo de la cúpula
- Empleo de frontones poblados de estatuas
- Desarrollo del orden dórico
RENACIMIENTO BARROCO
- Cúpula Vaticana a imitación de Roma - Inserción del edificio en el ámbito urbano
- Palladio y su interpretación del clasicismo - Fachadas abiertas y ondulantes
en Venecia
- Aplicación de la antigüedad al nuevo
entorno social

Arquitectura:
 Simplicidad espacial y compositiva.
 Desarrollo de fachadas estáticas y pórticos con columnas, y, en muchos casos sin frontones,
a partir de los templos clásicos
 Uniformidad estilística, como consecuencia de la formación de los artistas en las academias
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 Desarrollo racional del medio urbano, que abandona la fisonomía religiosa a favor de la
civil: casas de campo (villas), edificios palaciegos, museos, bibliotecas, teatros, paseos
públicos.
 Se aplican los avances de la investigación técnico-científica (nuevos materiales, como el
cemento y el hierro)
Algunos ejemplos de arquitectura neoclásica pueden ser: Congreso de los Diputados en Madrid y
Pabellón Neoclásico en los jardines de Aranjuez

Escultura:
Imita modelos de la antigüedad clásica, preferentemente de la mitología, incluso cuando hacen
retratos. Los personajes suelen ir vestidos como griegos y romanos. Los rostros no expresan
violencia ni sentimientos, resultando casi fríos lejos de expresiones Predomina el empleo del
mármol blanco
El artista ya no se forma sobre la naturaleza, considerada ésta como creación divina, sino sobre la
historia, concebida como experiencia humana
El representante más distinguido es Antonio Canova, quien proyectaba su obra encargándoles a los
técnicos del mármol su concreción. En sus obras creó un mundo de belleza y armonía, de simple
pureza y línea. Quería que sus estatuas resultaran frías, casi impersonales. Ejemplos: Teseo con el
Minotauro, Paulina Borghese (Venus Bonaparte)

Pintura:
El aspecto más destacado es la presentación del hecho, no se comenta ni se interpreta; de ahí su
objetividad y que busque conmover por su temática. En consecuencia, protagonistas de todas las
obras son las figuras y todos y cada uno de los elementos que comunican un mensaje concreto. Se
prefieren las composiciones sencillas, centradas y sin contrastes lumínicos. Por la importancia
concedida a las figuras, que se tratan como si fueran esculturas, se estudia y prefiere el dibujo al
color, llegándose a afimar que el colorido es algo superficial, utilizándose una paleta sobria.
El principal exponente es Jacques Louis David. Todos sus cuadros sugieren un compromiso y
entusiasman a sus contemporáneos, hasta el punto de crear una nueva estética, casi dictatorial, al
servicio de la Revolución y el Imperio: Ejemplo de esto es El juramento de los Horacios , en el que
se representan dos temas: los ciudadanos guerreros (Horacios), tema heroico, y las mujeres y
ancianos, tema patético; todos enmarcados en un espacio de arquitectura clasicista que nos invita a
pensar en un escenario teatral. Se destaca también la disminución progresiva de la luz; es un cuadro
de gran contenido moral, expresado en formas y temas clásicos, como el amor a la Patria- Estado,
más allá de los intereses particulares.

LA ERA DE LAS REVOLUCIONES

Toda la primera mitad del siglo XIX se caracterizó por la gran inestabilidad política que vivió el
continente europeo. Desde la revolución francesa, con sus sucesivas fases, hasta las revoluciones
de 1848 y el inicio de los nacionalismos, se suceden a lo largo de todo este período guerras y
alzamientos nacionales. Sin embargo, dicha inestabilidad convivió con el gran desarrollo
económico e industrial de gran parte del occidente europeo.

Liberalismo y nacionalismo:
 82
Después de la derrota de Napoleón, las monarquías europeas que procuraron restaurar el Antiguo
Régimen se vieron amenazadas por una ola de movimientos liberales y nacionalistas (en Francia,
Bélgica, Polonia, Italia, Alemania), que se iniciaron a principios de la década de 1820 y llegaron a
su apogeo en 1848.
Aunque la mayoría de los alzamientos fueron aplastados, la persistencia de los movimientos
revolucionarios reveló que las aspiraciones de participación política, el descontento social y las
reivindicaciones nacionales no podían seguir siendo ignorados por mucho tiempo. En verdad, el
retorno a un orden prerrevolucionario era una tarea imposible: habría supuesto no sólo borrar la
experiencia de la Revolución Francesa, sino además ignorar las profundas transformaciones sociales
que acompañaban a la Revolución Industrial.
Los postulados liberales eran:
 La soberanía reside en la nación y el rey debe gobernar con el consentimiento del pueblo y
en virtud de una constitución escrita que garantice los derechos del pueblo.
 Partidarios de una monarquía moderada o una república.
 Libertad de pensamiento, de reunión, de imprenta.
 El Estado no debe profesar culto alguno.
 Cada nación tiene derecho a su independencia y a constituir un Estado.
 Organizaron sociedades secretas, como la francmasonería y los carbonarios, que conspiraron
y promovieron insurrecciones en Europa.
En la segunda mitad del s. XIX, el nacionalismo se reveló como una fuerza poderosa capaz de
movilizar vastas multitudes. En ese contexto, Italia y Alemania lograron constituir el tan ansiado
estado nacional unificado.

ROMANTICISMO: una mirada desde la sensibilidad y la libertad individual

Los aspectos más característicos del romanticismo se reconocen, con más claridad y fuerza,
durante la primera mitad del siglo:

 La libertad individual como una aspiración irrenunciable;

 El nacionalismo como sentimiento del pueblo frente a la autoridad impuesta;
 La nostalgia de tiempos pasados como modelo intelectual y estético que se desea recuperar;
 La curiosidad exótica hacia otras culturas (como una forma de escapar a la insatisfacción de
lo cotidiano)
 El misterioso atractivo de todo lo irracional, ante la incapacidad de la razón por explicar los
grandes enigmas del ser humano;
 La entrega rendida hacia lo sentimental y afectivo (como única posibilidad de escapar a lo
terrenal);
 Conciencia de la imposibilidad de alcanzar los grandes ideales que cambien el mundo (y sin
embargo fervorosa aspiración a ellos);

La pintura romántica francesa representa un importante papel de referencia en la evolución

artística occidental del siglo XIX, en la que se adivinan ya muchos valores estéticos plenamente
modernos. Gracias a un grupo de artistas que, arropados bajo la defensa del color y la concepción
tensa y agitada de la pintura, fueron presentados por la crítica como vanguardia, es decir, como la
parte más adelantada de cuanto entonces se realizaba. Aunque su lección no se generalizó
 83
inmediatamente, a la larga se ha comprendido que, con ellos, comienza la concepción autónoma
de la creación plástica.
Théodore Géricault tuvo una contribución considerable a este movimiento, gracias, sobre todo,
a un cuadro titulado La balsa de la Medus”, (1819) que representa a los supervivientes de un
barco que había naufragado mientras solicitan desesperadamente auxilio. Esta obra fue
interpretada como una gran alegoría de toda la sociedad, embarcada en un último esfuerzo por
sobrevivir.
Eugéne Delacroix constituye el gran nombre de la pintura romántica francesa. Su primera obra
importante fue La matanza de Quíos (1824), que hace referencia a la masacre sufrida allí por los
griegos, presentación cruda del horror, pero también es un canto a la libertad de un pueblo. Otra
obra muy importante fue La muerte de Sardanápalo (1828), inspirada en un relato de Byron,
representa el suicidio ritual de un monarca asirio, en una orgía desenfrenada de pasión, belleza y
muerte, que se resiste a entregar sus posesiones al enemigo. Quizá su obra más famosa es La
libertad guiando al pueblo, de compromiso revolucionario, que exalta los motines de 1830, con
grandes diagonales, estallidos de color y asimetrías

Arquitectura romántica: un lenguaje historicista.

La imitación nostálgica de los diferentes estilos empleados en el pasado, es, en sí misma, una
actitud romántica. Por eso se puede hablar de «clasicismo romántico» para referirse a la
utilización de modelos de la Antigüedad griega y romana en edificios construidos a lo largo del
siglo XIX.
Los románticos aplicaron ese espíritu historicista a la recuperación de todos los estilos utilizados
en cualquier época y en cualquier cultura, de acuerdo con los principios de libertad y exotismo
que definen al movimiento. Fue así como, frente a la dominante vigencia de los principios
clásicos en la enseñanza y en la práctica arquitectónica, aparecieron paulatinamente prototipos
distintos, que revelaron una gran diversidad de opciones constructivas, con los más diversos
significados culturales añadidos.
Así, por ejemplo, se mantuvo el neoclasicismo para edificios oficiales y bancarios (asociado a la
idea de solidez y permanencia) el neogótico se empleó para los religiosos (sugería espiritualidad),
y el islámico, relacionado con el goce de los sentidos, para los edificios destinados al ocio. Este
fenómeno se denomina eclecticismo funcional, porque supone la aplicación de una forma
arquitectónica concreta a un tipo de edificios según su función.
De todos los estilos utilizados, el más extendido fue el neogótico (sobre todo en Inglaterra),
ligado inicialmente a la poética de lo pintoresco, como algo caprichoso, irregular, distinto. Pero
que pronto pasó, de ser solo un lenguaje arquitectónico, a convertirse en modelo indispensable de
un nuevo espíritu religioso. Su empleo alcanzó un profundo sentido moral. El neogótico
incorporó también significados nacionalistas, no menos importantes: por eso se eligió para el
Parlamento Británico en Londres. En Francia, el prestigio del estilo gótico estuvo asociado a la
necesidad de proteger los edificios medievales.

Escultura romántica
Las trasformaciones más importantes vinculadas a la sensibilidad romántica son las siguientes:
una gran complejidad compositiva, con contrastes bruscos de líneas y zonas de luces y sombras;
la utilización, a veces exagerada, de los gestos del rostro y del cuerpo con fines expresivos; y una
mayor diversidad en la elección de los modelos y en la observación de los detalles, que traducen
una sensualidad emotiva y próxima al espectador.
Francois Rude fue uno de los principales escultores de este momento. Autor de La Marsellesa”
(originalmente llamada “La partida de los voluntarios de 1792), se trata de un relieve que adorna
 84
el Arco del Triunfo de la plaza de la Estrella en París. En esta obra, en el grito del Genio de la
Patria, que sobrevuela por encima de los animosos combatientes, se descubre un impulso
sobrehumano, que trasciende los límites físicos.
El romanticismo trajo consigo una contemplación exaltada de la vida. Esta contemplación,
aunque llena todavía de prejuicios subjetivos, contribuyó a valorar la idea de la verdad visual, que
supone ya un objetivo propio de la representación realista.

La cuestión obrera:
Con la aparición de la gran industria y la concentración de la producción manufacturera en
determinados centros urbanos nació un nuevo grupo social: el proletariado industrial. El primer país
donde el problema apareció en toda su magnitud fue Inglaterra, en las primeras décadas del s.XIX.
La vida de los obreros se caracterizaba por jornadas de trabajo excesivas (6 días a la semana, de 14
a 16 hs. diarias); salarios bajos; deficientes condiciones de alojamiento; explotación inhumana de
niños y mujeres.

Doctrinas socialistas:
Los socialistas proponían reformas sociales además de políticas: una nueva estructura de la
sociedad, un mejor reparto de la riqueza, una más humana organización del trabajo y mejores
condiciones de vida para la clase obrera.
Frente a los economistas liberales, individualistas, los socialistas afirmaron que era necesario acabar
con el individualismo para resolver la cuestión obrera.
La doctrina socialista es contraria al liberalismo económico del s.XVIII, al que acusó de promover
la anarquía económica, el despilfarro y la superproducción; contraria al régimen capitalista que
acentuó las desigualdades sociales al reservar para la ínfima minoría los beneficios del trabajo;
propugnó una profunda reorganización económica para terminar con la “explotación del hombre por
el hombre”.
Carlos Marx hijo de un abogado alemán, doctor en filosofía, se dedicó al análisis de las
condiciones de trabajo en las fábricas y se interesó por los escritos de socialistas utópicos, en
particular Owen. Desterrado por el gobierno prusiano que lo consideró complicado en los
movimientos revolucionarios de 1848, terminó por establecerse en Londres donde escribió un
minucioso estudio de economía política “El Capital”. Junto con su compatriota Federico Engels
compuso “El Manifiesto Comunista”.
Doctrina marxista:
 El capitalismo debe desaparecer porque resulta de la indebida apropiación por los burgueses
del fruto del trabajo de los obreros quienes sólo reciben una pequeña parte de lo que
producen. Los capitalistas que no producen nada se quedan con gran parte del valor de la
producción, la plusvalía, y así constituyen el capital.
 Para acabar con estas injusticias, Marx propuso que cada uno recibiese íntegramente el fruto
de su trabajo; que se suprimiese la propiedad individual.
 Posición ateísta: “El hombre ha creado a Dios y no Dios al hombre”.
 Materialismo histórico: el desarrollo de la historia está determinado por factores
económicos.
 Lucha de clases: toda la historia de la humanidad es el resultado de la lucha de clases. En la
etapa capitalista esta lucha se entabla entre burgueses y proletarios.
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 La nueva sociedad socialista o paraíso marxista surgirá del triunfo del proletariado, el cual
instaurará una sociedad sin clases, en la que estará abolida la propiedad privada y
socializados los medios de producción y de cambio.

REALISMO: una mirada directa sobre el mundo

El realismo fue un movimiento histórico que aspiró a ofrecer una representación verdadera y
objetiva del mundo sensible, basada en la observación detallada de la vida que era contemporánea
al artista.
A partir de mediados del siglo XIX, y con una vigencia que se extiende hasta el fin de siglo, el
realismo influyó sobre la literatura y las artes visuales del mundo occidental, que se vieron
desprendidas de los convencionalismos narrativos y figurativos que, hasta entonces, las habían
vinculado a una idea de belleza. Constituye el indispensable punto de partida teórico para las
revoluciones posteriores.
La reivindicación de aquello que se percibe desde la realidad como campo específico de la
creación artística, trajo consigo la defensa de la contemporaneidad frente a la historicidad; la
incorporación de lo banal frente a lo trascendente; la sensación de improvisación casual frente a la
tensión narrativa y la uniformidad de lo representado frente a la jerarquización intelectualizada.
Dominó la segunda mitad del siglo XIX, desde un espíritu critico que se oponía a una cultura
rígidamente reglamentada. La sinceridad y la verdad fueron valores en alza; lo popular
comenzó a ser sinónimo de moralidad y autenticidad, frente a los convencionalismos del arte
oficial. Todo lo que no entraba dentro del mundo de los sentidos, empezó a abandonar el campo
del arte: solo lo visto y lo vivido, lo experimentado sensorialmente, formaba parte de la creación
artística.

Pintura realista
La pintura realista aparece específicamente vinculada en su origen a las nuevas ideas sociales,
que reclamaban un papel en la historia para las clases más desfavorecidas. Para muchos artistas
plásticos, la representación de campesinos o trabajadores explotados constituyó una forma de
reivindicación política, más o menos subversiva, frente a quienes seguían manteniendo que el arte
debía ser un mero espectáculo complaciente.
El pintor francés Gustave Courbet encarna el realismo por excelencia. Hizo de su vida un
auténtico compromiso vital, donde la tarea de pintar se convirtió en una manifestación, ante sí
mismo y ante los demás, de su apasionado interés hacia todo lo humano. Se acercó a representar
las gentes de su entorno y a mirarse a sí mismo (pintó numerosos autorretratos). Una de sus obras
más destacadas es Entierro en Omans. En ella contemplamos la muerte en su estricta
dimensión terrenal, y el rito del entierro como un evento social más que no nos afecta
emocionalmente. Se caracteriza por una tosquedad expresiva que enlaza intencionadamente con
el gusto popular. Los personajes representados no muestran diversos escalafones sociales, se nos
revela una realidad de una crudeza implacable.
Con ocasión de la Exposición Universal de 1855 en París, presentó El encuentro o el Taller, su
obra maestra, que fue rechazada. En ella pinta un autorretrato en el que Courbet aparece en medio
de un paisaje luminoso, en el momento de ser saludado por su protector y un criado, demostrando
ser alguien respetado en su tiempo. Además, la figura del artista ocupa el centro de la
composición frente al caballete, pintado un paisaje dentro de su estudio, junto a él un niño,
símbolo de la inocencia y una mujer desnuda símbolo de la verdad, mientras que del otro lado
están los humildes y los desheredados.
El francés Jean-Francois Millet , fue el pintor de los tipos rurales por antonomasia. Nos ha
dejado una personalísima obra donde dignifica a los anónimos campesinos, descriptos en la
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resignada sencillez de su labor. Pero no aparecen idealizados, como lo hubieran hecho los
románticos; por el contrario van vestidos con ropas humildes y sufren por el esfuerzo físico,
aunque, gracias a su dignificación moral, fruto del rendido homenaje que el pintor les ofrece,
desprenden una gravedad solemne, que los ennoblece como grupo. Obras: El Ángelus, Las
Espigadoras
El grabador, pintor y escultor Honoré Daumier fue mucho más crítico con la sociedad de su
tiempo. Se dedicó gran parte de su vida a la caricatura política en la prensa diaria. Además, fue un
crítico implacable con los males sociales, que perpetuó con la crudeza de un cronista. En su
pintura mostró la miseria que padecían las gentes en la ciudad, la otra faz del esplendor urbano
exhibido por el poder.
Con sus acusadas luces y tonos negros, las figuras de sus cuadros desprenden en su pobreza, una
humanidad profunda, que nos lleva a reverenciarlas.

Escultura realista
A lo largo de la segunda mitad del siglo XIX, empiezan a representarse en la escultura valores
tales como la percepción de los detalles, los gestos naturales o la representación de las acciones
más cotidianas, acercándose a las cualidades del realismo.
La escultura se prestó especialmente al eclecticismo: el monumento conmemorativo que es la
gran tipología del momento, combinó el uso de prototipos históricos con la observación fidedigna
en la captación de figuras.

Constantin Meunier, fue el escultor más realista de la época. Se dedicó a representar

trabajadores, a los que elevó a la categoría de héroes por el solo hecho de ejecutar con entrega y
dignidad su labor: se trata de un arte ideológicamente comprometido, cuyo hondo patetismo en
las actitudes sería después muy utilizado.

La Segunda Revolución Industrial:

Se desarrolla entre 1850 y 1910 aproximadamente, siendo sus elementos fundamentales:
 La investigación científica se orienta al servicio de la industria.
 Aparecen nuevas formas de energía: la electricidad y el petróleo.
 Los principales progresos tecnológicos surgen en el campo de la química y electricidad.
 Expansión y concentración de capitales: surgen los trusts y monopolios.
 Grandes empresas capitalistas reemplazan a las empresas personales.
 EEUU y Alemania compiten con Gran Bretaña en el terreno de la electricidad y nuevas
industrias, superándola.
 Notable expansión de los medios de transporte y comunicaciones.
El aprovechamiento de nuevas fuentes de energía y la invención y perfeccionamiento de nuevas
máquinas herramientas y nuevos sistemas de trabajo (planificación del trabajo y producción en
serie), desarrollados en los EEUU, provocaron un extraordinario aumento de la producción,
estimulada por la ampliación de mercados consumidores.
Aparecen las armas de retrocarga y repetición, la ametralladora y el uso del blindaje. En la
construcción se emplea el acero, el hormigón, el cemento Portland. Se levantan los primeros
rascacielos. Se inventa la fotografía, el fonógrafo, el cine, la máquina de escribir, la rotativa. En
materia de química, aparecen los colorantes, la dinamita, el celuloide, la seda artificial, el amoníaco
es aplicado a la refrigeración. Se inauguran grandes exposiciones industriales en las que se exhiben
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los progresos realizados.. En materia de transportes y comunicaciones, las perforadoras mecánicas
facilitaron la construcción de túneles y canales (Panamá y Suez), la metalurgia permitió levantar
puentes metálicos y construir vías férreas; las nuevas técnicas de construcción hicieron factible el
trazado de densas redes camineras, mientras aparecen nuevos medios de transporte: automóviles,
tranvías, bicicletas. En cuanto a la navegación, la rueda de paletas fue reemplazada por la hélice y
se construyen barcos con cascos de hierro. Surgen los primeros barcos de guerra acorazados.
Se inventa el telégrafo, el teléfono, se tienden cables submarinos.
En materia de aviación, nació el globo dirigible y el avión.
Consecuencias económicas:
 Se agilizó el comercio internacional y las transacciones financieras.
 Movimientos migratorios a través de transportes más baratos y rápidos
 Expansión de las industrias metalúrgica y eléctrica
 Revolución en las tácticas de guerra.
 Se afirma el poderío de las grandes potencias
 Aumento de la riqueza en todo el mundo, que benefició incluso a los pobres que mejoraron
su nivel de vida.
 Aumento de la población mundial
 Aumento de la población urbana.
 Expansión colonial en África, Asia y Oceanía en busca de mercados y materias primas.
Consecuencias políticas:
 Se estableció el predominio político de la burguesía, enriquecidos por el maquinismo,
especialmente en Francia, Inglaterra y Alemania.
 Progreso de ideas democráticas: sufragio universal; abolición de la trata de negros y la
esclavitud; humanización de la justicia penal con la abolición de la pena de muerte y
torturas; emancipación de mujeres y niños; libertad de creencias; difusión de la enseñanza
laica y gratuita, y en algunos casos, obligatoria.

EL NACIMIENTO DEL ARTE MODERNO

Durante la segunda mitad del siglo XIX, además de los cambios de orden político, se produjeron
transformaciones decisivas para la percepción del mundo y de las relaciones entre los seres
humanos, como la rapidez y frecuencia de los viajes, gracias al ferrocarril, el crecimiento
desmesurado de las ciudades o la multiplicación de noticias e imágenes impresas. En el último
tercio del siglo XIX tienen lugar varios acontecimientos que cambian el rumbo del arte: el grupo de
los impresionistas expone por primera vez, París pasa a ser el centro indiscutible del arte, nace el
debate sobre la creación artística y se establece el mercado artístico entre coleccionistas privados.

IMPRESIONISMO
En París, en 1874, un grupo de pintores que serían llamados despectivamente impresionistas
(porque sus cuadros se interpretaron como meras «impresiones» inconsistentes) expusieron por
primera vez en el local del fotógrafo Nadar.
El impresionismo fue una escuela pictórica desarrollada en Francia, en la segunda mitad del siglo
XIX que trató de captar la impresión inmediata que produce la visión del natural, generalmente al
aire libre (“plen air”), por medio de una técnica rápida y directa de pinceladas sueltas y colores
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puros. El término impresionista proviene de la crítica del momento, que tomó el título de un cuadro
de Monet, “Impresión. Sol naciente”, para identificar despectivamente a la nueva manera de pintar.
La reacción contra las exposiciones oficiales, la investigación sobre la naturaleza física de la
percepción del color y la luz, ciertas innovaciones técnicas y un concepto moderno del sentido de la
vida fueron algunas de las circunstancias del nacimiento del impresionismo.
La aparición de esta escuela estuvo acompañada de una serie de circunstancias:
 Reacción contra los contenidos narrativos de la pintura de los salones oficiales, que
defendían la aplicación de un recetario histórico-artístico frente a los verdaderos valores de
la creación y del lenguaje plástico.
 Conciencia de fugacidad de la vida moderna, que parece un perpetuo devenir dominado por
sensaciones.
 Diversas experiencias ópticas, que los pintores aplicaron intuitivamente, como la influencia
que producen unos determinados colores aliado de otros o la llamada «mezcla óptica»; es
decir, la combinación de pinceladas de distintos colores al ser contempladas en la distancia.
 Auge de las experiencias fotográficas y, en particular, de la instantánea, que introdujo
múltiples puntos de vista en los encuadres y acabó con la idea de composición ordenada en
términos tradicionales.
 Recepción de estampas japonesas, que revelaban un gusto muy distinto del occidental, con
colores claros y luminosos y un espacio plano.

Édouard Manet. Si bien sólo tardíamente adoptaría el estilo impresionista, fue un gran pintor
francés en torno al cual se organizarían un grupo de jóvenes impresionistas. Representa un papel
mítico en la historia del arte por su voluntad consciente de desprender a la pintura de la importancia
del tema. Dotado de una profunda formación histórica y un fino sentido irónico, descubrió las
contradicciones que pesaban sobre la supuesta valoración artística de las pinturas enviadas a los
salones, dependiente, en realidad, de convenciones morales. Su obra El almuerzo en la hierba fue
relegada, en 1863, al llamado Salón de los Rechazados, por considerarse de carácter obsceno, aun
cuando estaba compuesta a partir de motivos de museo, extraídos de Tiziano o Rafael. Manet acaba
con la necesidad de explicar narrativamente el cuadro: su pintura se construye a base de manchas,
simples y enérgicas, que definen las cosas, sin el ilusionismo que deriva del modelado.

Grandes Pintores impresionistas

Claude Monet.. Corresponde al referente más importante del impresionismo. Después de los años
setenta (con sus obras más típicas), evoluciona hacia una pintura que disuelve el motivo.
Él manifestaba que no había que pintar los objetos, sino fijarse en los colores que los componían.
«Pintar sin ver los objetos pintados». Esto hacía que el instante fuese principal para él, pues a cada
momento los colores variaban influidos por la luz. Un claro ejemplo de esto son sus series sobre La
catedral de Rouen o Las ninfeas, captadas en distintos momentos del día y el año.
Pierre-Auguste Renoir. Aplicó la visión impresionista a la figura humana, con una pincelada
pequeña y un acabado refinado. Sus inicios como pintor de porcelanas influyeron en su técnica.
Mostraba una gran preocupación por los efectos de la luz sobre la piel, las variaciones tonales que
se creaban, así como los brillos que podían resultar. En sus últimos años, volvió al dibujo
academicista, dando gran importancia a la composición pero sin restar importancia al color
(manchas que se mezclan en el ojo del espectador y crean las figuras).
Edgar Degas. Debido a su concepción rigurosamente elaborada de la pintura, puede considerarse
un artista independiente a pesar de ser miembro del grupo impresionista.
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Hijo de una familia acomodada, pudo abandonar sus estudios para dedicarse exclusivamente a la
pintura, además de permitirse viajes por Italia, que lo llevaron a composiciones muy academicistas.
Todo esto se reflejaba en su forma de trabajo, con estudios previos, sin la improvisación de sus
compañeros, sin la importancia de la pintura al aire libre y del paisaje; pero con gran atención por
los efectos de la luz (natural y artificial) sobre los cuerpos. Es ante todo, un observador de figuras,
entre las que destacan las representaciones de bailarinas, captadas en posturas y encuadres casuales,
que describe con colores intensos y trazos enérgicos, con superficies de gran expresividad plástica.
Camille Pissarro. Un gran paisajista del impresionismo, es famoso por sus vistas de París. Su obra
cobra una especial factura debido a que sus trazos son sueltos y desdibujados, completamente
inmersos en el espíritu del impresionismo.
Alfred Sisley. Se caracterizó por ser autor de paisajes apacibles, con una pincelada deshecha y
luminosa. Si bien tuvo una formación clasicista, prefirió junto a sus compañeros (Monet y Renoir)
la luminosidad de la pintura al aire libre, lo que tuvo una notable influencia en el resultado final de
las obras.

NEOIMPRESIONISMO
Este término involucra a una corriente pictórica denominada puntillismo o divisionismo, que
pretendió hacer del impresionismo un procedimiento de representación científica, basado en el
análisis de la percepción de los colores por el ojo humano. Técnicamente se trata de un modo de
representación pictórica mediante pequeños puntos de colores yuxtapuestos, cada uno de los cuales
traduce los tonos de color que vemos.
Georges Seurat es el artista más representativo de esta tendencia. Su taller fue un auténtico
laboratorio en el que se dedicó a un cuidadoso trabajo de separación de los elementos plásticos: luz,
color, sombra. Modificó la pincelada impresionista a partir de partículas diminutas de color. La
mezcla óptica de esta multitud de pequeños puntos haría que la luminosidad del color fuese aun
mayor. Su obra El Circo, se convierte en una construcción estilizada, objetiva, que trasciende lo
puramente sensorial para contrastar con el equilibrio casi matemático de los colores.

POSTIMPRESIONISMO
Hacia 1890 el impresionismo dejó de ser un estilo homogéneo debido a que la individualidad de los
artistas era cada vez más fuerte. El término “postimpresionismo” se reserva a un grupo de pintores
que, si bien se vincularon en algún momento con el impresionismo, emprenden, hacia mediados de
los ochenta, un camino de radicalización formal, llevando a la pintura hacia metas completamente
distintas.
Paul Cézanne. Su obra es el resultado de una búsqueda individual, que aspira a recuperar las
formas en la obra, devolver a la pintura la solidez y monumentalidad que había perdido con el
impresionismo. Si bien pertenece a la misma generación de los principales impresionistas, su obra
sigue evolucionando y no se la puede considerar como impresionista.
El centro de atención pasó del paisaje a la figura humana, a partir de figuras que repite con objeto
de explorar la dimensión volumétrica de las formas, sin recurrir al claroscuro, yuxtaponiendo tintas
de color por medio de pinceladas con toques uniformes y paralelos.
Empieza a representar las cosas, dentro del mismo cuadro, como si fueran vistas
independientemente unas de otras, de manera que produce imágenes incongruentes con la
perspectiva tradicional, como un anuncio del final de la visión sometida a un punto de vista único
habitual desde el Renacimiento.
Vincent Van Gogh es un caso singular. Nacido en Holanda, entró en contacto con las novedades
impresionistas a partir de su instalación en París en 1886, en concreto el toque puntillista y la
claridad de la estampa japonesa. Pero fue en el soleado sur de Francia donde realizó su obra más
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característica. Plasmó en su pintura una necesidad creativa salida de lo más hondo de su
personalidad, la expresión del yo interior.
Allí, la pincelada se hace más gruesa, se agita y ondula como si estuviera arrastrada por un
torbellino que va definiendo la forma de las cosas, más allá incluso de ellas mismas. Los colores
son planos, pero fuertemente empastados, dados con energía, reflejo de la intensidad que emana del
alma interior del artista. En efecto, en su pintura se establece una relación profunda entre sus
vivencias y el motivo en el que se fija, ya sean paisajes, naturalezas muertas, retratos o
autorretratos.

Henri de Toulouse-Lautrec usa la línea sinuosa, el color brillante y plano, con elementos
sencillos, casi ornamentales, para describir con contundencia los temas que rodean a la diversión
urbana. El legado de su obra que va más allá del impresionismo, en su esfuerzo por captar los
aspectos psicológicos del mundo que ve, a través de su incisivo dibujo. Su estilo particular se debe a
la conjunción de varios aspectos en su vida: una formación conservadora, su problema físico, la
vinculación con la vida nocturna de París, su admiración por Degas y la influencia de las estampas
japonesas. De éstas toma el ritmo de la línea, la simplificación y los planos cromáticos amplios y
homogéneos. Su obra inspiró el desarrollo del cartelismo y las artes gráficas del siglo XX.
Paul Gauguin representa un esfuerzo creciente y continuado por hallar en el mundo primitivo la
esencia de la condición humana, frente a la sofisticación de la vida urbana contemporánea. Para
conseguir tal fin se establece, primero, en Bretaña, donde configura un estilo pictórico denominado
sintetismo, inspirado en las vidrieras y esmaltes del arte medieval. Sus figuras están definidas por
líneas que componen un ritmo ondulante en una superficie plana rellena de colores brillantes e
irreales que producen un efecto mágico. En esa aparente simplicidad Gauguin descubre las
posibilidades de la pintura para expresar contenidos simbólicos, siempre enigmáticamente
presentes. Después, en 1891, se instala en Tahití, donde funde símbolos religiosos de oriente y
occidente, que imagina idílicamente armonizados, fruto de una pureza ancestral. Busca la expresión
de lo rústico, lo primitivo, lo eterno, en su necesidad de encontrarse con las verdades eternas: la
vida, el amor, el erotismo y la muerte.

SIMBOLISMO
Frente al carácter sensorial del impresionismo, que fomentaban la exploración de las sensaciones
visibles como punto de partida de la creación artística, se empezó a extender desde los años ochenta
una tendencia opuesta, que encontraba la inspiración en el mundo real vulgar e incapaz de alentar
los objetivos trascendentes a que debía aspirar el arte. El simbolismo es una corriente artística
internacional que trata de evocar ideas inmateriales o suscitar emociones espirituales, a través de
imágenes, colores y formas alejadas de toda descripción física o real. Sus temas, inspirados en la
religión, la mitología o en ritos o actitudes misteriosas, adquieren valores simbólicos. Los
simbolistas recuperan el interés hacia lo místico frente a lo natural, de lo enigmático frente a lo
comprensible, y, sobre todo, de lo intelectual frente a lo sensorial.
A esta corriente de la pintura europea de fines del XIX tanto artistas formados en la tradición
romántica, como Gustave Moreau , Puvis de Chavannes u Odilon Redon, como otros que
asimilan procedimientos derivados del impresionismo, caso de Gauguin, cuya obra tiene un claro
componente simbolista. Por consiguiente, puede decirse que el simbolismo es más un carácter que
un estilo unitario, receptivo a muchas de las conquistas formales modernas, donde el color se
convierte en una especie de revelación mística esencial.
El simbolismo fue también una corriente escapista, con fuertes conexiones literarias. Pretendió
convertir el arte en un paraíso artificial, en un refugio de exquisitez y belleza, más allá de la poética
del tema representado. Ello inclinó a algunos pintores hacia una concepción decorativa y suntuosa,
llevados no tanto por la emoción espiritual derivada del motivo, sino, ante todo, por el lujo material
a través del cual era sugerido.
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Gustav Klimt fue uno de sus grandes exponentes, caracterizado por el decorativismo pictórico.

ESCULTURA DE FINES DEL SIGLO XIX

Aunque la escultura mantiene su propia evolución, también refleja las dos grandes actitudes
intelectuales que dominan el período: el sometimiento a la realidad, que tiende a presentarse como
algo que se desvanece, fruto de una visión fugaz (al igual que la pintura) y la posibilidad de sugerir
un impulso espiritual, simbólico, más allá de la materia. En general, cumple las mismas funciones
tradicionales: el monumento conmemorativo, las esculturas de los cementerios, decoración
arquitectónica, el busto y las estatuillas domésticas de carácter ornamental y las piezas destinadas a
las exposiciones públicas, cuya crítica marca la evolución formal.
La escultura de fines del siglo XIX está dominada, en gran parte debido a la influencia de Rodin,
por un gusto hacia las superficies dúctiles, donde el mármol o el bronce adquieren aspecto blando,
orgánico, como si estuviesen a punto de transformarse por el impulso vital que los artistas logran
sugerir en la materia.
Auguste Rodin es el artista que mejor sintetiza esas dos alternativas. Su obra más importante fue la
realización de las puertas del Museo de Artes Decorativas de París, conocidas como Las puertas
del Infierno. Este trabajo, inspirado en la Divina comedia del poeta medieval Dante Alighieri, es
típico de la poética simbolista, constituye una verdadera «cantera» de figuras que, con el tiempo,
serían fundidas y contempladas independientemente. La más famosa de todas ellas es El pensador,
originariamente situada en la parte superior del dintel. Concebido como una representación del
poeta, por cuyo pensamiento pasan las escenas que se representan en las hojas de la puerta, al ser
extraído de aquel contexto adquiere otras significaciones. Se convierte, pues, en un símbolo de la
portentosa capacidad humana para imaginar, concepto que se expresa a través de la plasticidad de la
materia, tras la cual parece latir intensamente la vida.

EL SIGLO XX
Un siglo corto:
Al abordar la historia del siglo XX, nos encontramos con dos problemas: cómo establecer sus
límites temporales y dividirlo en períodos, y cómo estudiar hechos cercanos a nosotros. Algunos
historiadores consideran que los hechos y procesos característicos del s.XX se desarrollaron entre
1914 y 1991. Este lapso puede dividirse, a su vez, en tres períodos:
 El primer período se inicia con el comienzo de la Primera Guerra mundial y se cierra con
el final de la Segunda.
 El segundo período, signado por la prosperidad de la segunda posguerra, se extiende hasta
principios de la década de 1970. En este período, se produjo el crecimiento de la economía
del mundo.
 El tercer período se inicia con una crisis de la economía mundial y se cierra con la caída de
los regímenes comunistas. Está signado por crisis sociales y económicas en muchos países
del mundo.
A lo largo del s. XX, se pueden identificar algunas tendencias importantes que contribuyen a
distinguirlo de otros períodos de la historia:
 La profundidad de las transformaciones: Si bien en todos los períodos se producen
transformaciones, la mayoría de los cambios de este siglo tuvieron enorme magnitud. Por
ejemplo, las transformaciones demográficas fueron muy amplias en distintos países: hacia
1900, el, 42% de la población de los EEUU trabajaba en tareas agrícolas, mientras que hacia
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1990, ese porcentaje cayó al 3%; la esperanza de vida al nacer de una mujer japonesa
aumentó en lo que va del siglo de 45 años a 82 años.
 La continuidad de las transformaciones: A diferencia de otros períodos de la historia, en
nuestro siglo nos hemos acostumbrado a los cambios permanentes. La novedad ha sido la
norma, mientras que la permanencia constituye una excepción.
 La extensión de las transformaciones: Los cambios no se circunscribieron a un sector,
sino que afectaron al conjunto de las actividades humanas: cambiaron los productos que
consumimos y la manera de producirlos, los vínculos entre las mujeres y los hombres y las
estructuras familiares, la relación de las personas con el medio natural, y muchas otras
costumbres y relaciones sociales.
 La persistencia de las desigualdades: Han existido a lo largo del siglo, fuertes
desigualdades de poder y riqueza entre países y regiones, entre grupos sociales y étnicos,
entre hombres y mujeres. Los cambios sociales y políticos de este siglo no pueden ser
considerados en su conjunto como un movimiento de avance progresivo hacia sociedades
más justas y hacia sistemas de relaciones internaciones que promuevan el desarrollo y la
igualdad de todas las naciones.

PRIMER PERÍODO DEL SIGLO XX

La Primera guerra mundial marcó un antes y un después en la historia del mundo. El estallido de la
guerra en 1914 significó el fin de la civilización del siglo XIX. La idea que se formó en el s.XIX de
un progreso material y moral continuo, en un mundo dominado por los europeos y sus
descendientes, entró en decadencia a partir del cruento enfrentamiento que desangró a los países
europeos durante cuatro años y abrió un período de treinta años en el que se produjeron los mayores
conflictos bélicos de la historia.
Algunos de los acontecimientos más importantes de este período son: las dos guerras mundiales, la
crisis de 1929 y la gran depresión de la década de 1930, el surgimiento del fascismo y del nazismo,
la Guerra Civil española, la colectivización forzosa de las propiedades rurales en la URSS y la
guerra chino-japonesa.
Las guerras de este período fueron las más cruentas de la historia. Es difícil calcular la cantidad de
muertos, más aun cuando la mayoría de ellos eran civiles de los países en guerra, que murieron no
sólo como consecuencia de los ataques enemigos, sino también por el hambre y las enfermedades.
Una estimación de los muertos y heridos de la Primera Guerra lleva las cifras hasta alrededor de 10
millones de muertos y un número similar de heridos y mutilados. Las cifras de la Segunda Guerra
son aun mayores: más de 40 millones de muertos, de los cuales cerca de la mitad pertenecían a la
URSS.
Como consecuencia de la Primera Guerra, se modificó la distribución de poder entre los estados.
Los imperios ruso, alemán y austrohúngaro no sobrevivieron a la guerra. El primero fue sustituido
por un Estado bajo el régimen soviético, surgido de la Revolución de octubre de 1917. En
Alemania, en cambio, se estableció una república democrática, mientras que el antiguo Imperio
austrohúngaro se desmembró en varios estados independientes. Los EEUU, que no habían sufrido la
guerra en su territorio y que habían salido fortalecidos del conflicto, desplazaron a Gran Bretaña de
la posición de privilegio que había ocupado hasta el comienzo de la guerra en la economía mundial.
En la década de 1920, la economía norteamericana creció rápidamente sobre la base de mejoras en
la organización del trabajo y de la expansión de las industrias de la construcción y del automóvil.
Sin embargo, los fundamentos de esta expansión no eran sólidos. El 24 de octubre de 1929, estalló
una crisis en la Bolsa de Nueva York, que marcó el inicio de la Gran Depresión, cuyos efectos se
extendieron al mundo entero. Una de sus consecuencias fue el fin del comercio libre como principio
de organización del mercado internacional. Los estados comenzaron a intervenir en las economías -
surgió el proteccionismo- y también en las sociedades para paliar los efectos de la crisis. Pero el
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efecto más dramático de la crisis fue el inmediato aumento del desempleo, especialmente en los
EEUU y Alemania.
En este contexto de crisis, surgieron diversas alternativas políticas. Algunas de ellas, como la
propuesta norteamericana, llamada New Deal, se mantuvieron dentro de los cauces de la
democracia. Otras, como el fascismo y el nazismo, se opusieron totalmente a los principios
democráticos y liberales. El afianzamiento y la expansión del régimen nazi condujeron directamente
al desencadenamiento de la Segunda Guerra mundial.

EL ARTE DEL SIGLO XX Y PRIMERAS VANGUARDIAS ARTÍSTICAS

FAUVISMO: LAS FIERAS DEL COLOR

Su fecha de inicio data en 1905, cuando un grupo de pintores exponen por primera vez en el Salón
de Otoño de París: Henri Mattise, André Derain y Maurice de Vlaminck. Estos artistas llevaron
hasta sus últimas consecuencias los presupuestos de Van Gogh: el color como protagonista
absoluto del lienzo, totalmente liberado de sus ataduras con la realidad, el color como instrumento
de la fuerza emocional. Se lo considera el primer movimiento vanguardista del siglo XX por ser la
primera expresión violenta de la pintura, por ello el nombre del movimiento deriva de Fouves, que
significa “fiera” en francés. El fauvismo resultó ser un eslabón vital en el desarrollo del arte
moderno a pesar de su efímera existencia.
Las obras fauvistas se caracterizan por la utilización de colores vivos, vibrantes, aplicados
arbitrariamente sin ninguna referencia a la realidad natural. Pinceladas amplias, manchas de color
planas, simplificación formal.

CUBISMO: PUNTOS DE VISTA MÚLTIPLES

Este movimiento siguió los estudios geométricos de la forma de Cézzane e intentó sustituir la
perspectiva de punto de vista único por una representación completa de la imagen, vista desde
diferentes ángulos, con la investigación de los planos y facetas del objeto. El cubismo destruyó las
convenciones para representar el espacio renacentista y creó una nueva forma de concebir el cuadro
y el espacio. Los artistas más destacados de esta vanguardia fueron Pablo Picasso y George
Braque. Las señoritas de Avigñon de Pablo Picasso fue la gran obra que rompió por primera vez
el código de representación pictórica desde un punto de vista único.
El cubismo atravesó dos fases bien diferenciadas:
 Cubismo analítico: corresponde a investigaciones y experimentaciones realizadas entre
1909 y 1912, que se centraron en la deconstrucción de los objetos representados,
fragmentados en sus múltiples facetas y presentados sobre el lienzo en forma simultánea.
Descomponer al objeto en todos sus puntos de vista sobre un mismo plano, sin ilusión de
profundidad ni espacio y un cromatismo basado en la escala de grises y marrones.
 Cubismo sintético: fue una fase posterior a la analítica y se caracterizó por un cromatismo
más rico y luminoso, planos geométricos más simples y la aplicación del collage y del
papier collé. El objeto ya no se analiza sino que se resume en sus aspectos más esenciales.
Se incorporó a los cuadros papeles de periódicos, textos y letras, así como de otros
materiales no pictóricos, lo que puso en cuestión la relación entre imagen y objeto.

EXPRESIONISMO: LA EXALTACIÓN EN LA EXPRESIÓN DEL SENTIMIENTO

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Corresponde a un movimiento de vanguardia generado entre 1905 y 1925 en Alemania (Dresde,
Munich, Berlín). Este movimiento se propuso anteponer los sentimientos y la profundidad
emocional a las observaciones objetivas de la realidad, plasmándolas en una factura violenta, la
exaltación del color y el uso de la distorsión.
Los pioneros de este movimiento de vanguardia fueron Edvard Munch con El grito y James
Ensor con Las máscaras y la muerte. Las formas distorsionadas y el intenso cromatismo
mostraban su rebelión frente a la moral conservadora.
 El Puente: Fue un grupo formado entre otros por Ludwin Kirchner, Emil Nolde, Otto
Müller. Este grupo esperaba ser el “puente” para superar el academicismo y gestar el arte
del futuro. Se caracterizaron por una técnica esquemática profundamente influida por el arte
africano, una línea poderosa que deja contornos definidos y angulosos, el uso de colores
arbitrarios, y temática de los desnudos, la ciudad y el interés por el grabado.
 El Jinete Azul: Esta asociación de artistas se fundó en 1911 por Wassily Kandinsky y
Franc Marc. Para estos artistas, los verdaderos medios de expresión fueron la expresión
lírica y viva del color, el dinamismo de las líneas curvas y la tendencia a la abstracción. El
nombre del grupo surgió por un cuadro de Kandinsky y la simpatía que Marc tenía hacia
los caballos y Kandinsky a los Jinetes. Este nombre también designó a un almanaque
publicado por estos artistas, que se constituyó en un verdadero manifiesto del grupo. Al
almanaque se unió otra publicación importante en 1912: el libro de Kandinsky De lo
Espiritual en el Arte, obra que dio al arte un papel primordial: el de la Revolución
Espiritual.
FUTURISMO: ALGO MÁS QUE CUBISMO DINÁMICO
La influencia del cubismo en toda Europa derivó en movimientos como el futurismo, generando
numerosas propuestas teóricas y artísticas en todos los campos. Inicialmente fue un movimiento
literario fundado en Milán por el poeta Marinetti en 1909. Estuvo integrado por pintores como
Umberto Boccioni, Carlo Carrá, Luiggi Russolo, Gino Severini. Marineti publicó el Manifiesto
del Futurismo, en el que hace una apología a la violencia, el progreso y la tecnología, una apología
de la llamada “higiene de la civilización” que anticipó la política fascista posterior. Fue un
movimiento representativo de la modernidad, el dinamismo y la exaltación de la velocidad y la
máquina. Pretendió romper con las normas impuestas por las academias para evocar la belleza, a
partir de la creación de obras dinámicas de temática urbana e industrial. Los pintores futuristas
introdujeron el concepto de simultaneidad, plasmado con una técnica puntillista en la que la
repetición de imágenes superpuestas y de cambios cromáticos aumentaba la sensación de
dinamismo y velocidad de los coches, las calles y las figuras. En 1912 Boccioni publicó el
Manifiesto de la Escultura Futurista, que propuso una revalorización del cartón, el hierro y el
cemento en detrimento de los materiales nobles. En su obra Formas únicas en continuidad en el
espacio consiguió trasladar a la materia la idea de movimiento y crear una unidad dinámica en el
espacio.

VANGUARDIA RUSA
Corresponde a una serie de propuestas de creación artística que caminan hacia la abstracción
tomando como punto de partida la influencia cubista en Rusia
 Suprematismo: surgió en 1912 con el artista Kasimir Malevich, quien propuso
composiciones de formas geométricas planas y de un cromatismo reducido. Con su serie de
pinturas Blanco sobre banco, llevó hasta sus últimas consecuencias la negación de la
representación objetiva. En la pintura de Malevich el objeto en sí no tiene ningún
significado, sólo es válida la representación no objetiva y la supremacía del sentimiento
puro. Propone un arte libre sin ataduras estéticas.
 Constructivismo: fue una propuesta artística planteada al servicio del Estado y de la nueva
sociedad, basado en el uso de formas abstractas, la tecnología moderna, la funcionalidad y el
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diseño industrial. Los ejemplos más notables de dieron en la obra de Vladimir Tatlin
Monumento a la III Internacional y Construcciones en relieve en la que conjuga
materiales como latón, alambre, vidrio y madera.
 Rayonismo: esta tendencia fue propuesta por el artista ruso Larionov, como una síntesis
del cubismo, el futurismo y el orfismo. El espacio se construía a partir de la luz y rayos de
color que conseguían transmitir una poderosa sensación de simultaneidad.

NEOPLASTICISMO
Piet Mondrian y Theo Van Doesburg fundaron en 1917 el grupo De Stijl, como un movimiento
que defendía la simplificación de las formas, la abstracción y la lógica frente a la tradición y el
sentimiento. Para este grupo, el ideal universal de equilibrio y armonía se hallaba en la expresión
geométrica pura y esencial. Utilizaron la línea recta, los colores primarios (rojo, amarillo, azul), los
no colores (blanco, gris, negro) y las formas cuadrangulares y rectangulares.
Este grupo se disolvió cuando en 1925 introdujo la línea inclinada realizando rectángulos en
ángulos de 45 grados para crear mayor dinamismo en sus obras.
Las ideas puristas de De Stijl tuvieron una interesante aplicación en el campo de la arquitectura y el
diseño, a partir de numerosos proyectos de viviendas unifamiliares con formas puras y geométricas.

DADAÍSMO
Hacia 1916 surgió en Zurich el Dadaismo, en torno al cabaret Voltaire frecuentado por
intelectuales, escritores y artistas. Nació como un movimiento de repulsa contra la Gran Guerra y
los valores del mundo “civilizado” – lógica y razón -, que habían pretendido solucionar sus
problemas con armas y destrucción. Marcel Duchamp, Man Ray, Francis Picabia, Tristan
Tzara, Hans Harp fueron los artistas más destacados.
El dadaísmo no tuvo un programa definido ni tampoco una unidad estilística, sólo un ideario en
común: la lucha contra el orden establecido, la importancia de la experiencia frente al arte y del
proceso frente al objeto artístico. El arte dadaísta se resumió en propuestas antiartísticas, radicales y
provocadoras como los collages, fotomontajes y ready- mades. Estas obras reivindicaron el azar
como base de la creación artística. El dadaísmo anticipó el automatismo surrealista.

SURREALISMO
Inicialmente, los experimentos surrealistas se llevaron a cabo por un grupo de artistas formado por
André Breton, Man Ray, Francis Picabia, Paul Éluard y Louis Aragon. Estos partieron de los
descubrimientos del psicoanálisis, siendo conscientes de los impulsos irracionales que dominan la
conducta humana y artística. El término surrealismo fue inventado por Apollinaire en 1917, y se
trató de un movimiento literario y artístico inspirado en las teorías del psicoanálisis y que se catalizó
en el Manifiesto surrealista publicado por André Breton en 1924. En sus expresiones conjugó el
sueño, el subconsciente, la irracionalidad, la libre asociación y todo el mundo de posibilidades que
se abría más allá de la realidad no controlada por consideraciones estéticas o morales.
En pintura se dieron dos tendencias básicas: el surrealismo abstracto representado por Joan Miró y
Manson, quienes plasmaron en sus obras un universo de signos y abstracto y, el surrealismo
figurativo, con obras aparentemente realistas, de técnica académica y minuciosa, pero con una
atmósfera extraña, irreal, irracional. En esta tendencia destaca la obra de Salvador Dalí, René
Magritte y Max Ernst.
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ARQUITECTURA: ESCUELA DE LA BAUHAUS
La “casa de la construcción” fue fundada en 1919 por Walter Gropius en Weimar, Alemania. Fue
un centro pedagógico y experimental de renovación de la arquitectura y el diseño. La Bauhaus,
intentó superar la ruptura entre arte y artesanía, entre arte y diseño industrial, apoyado por un
equipo docente de grandes artistas como Paul Klee, Kandinsky, Moholy Nagy y Josef Albers.
La aportación de Walter Gropius a esta escuela parte fundamentalmente de que su arquitectura
nace de necesidades concretas y no acepta ideas a priori. Desarrolla una arquitectura lógica, sin
estridencias, y los espacios arquitectónicos son definidos de adentro hacia afuera, como
consecuencia de necesidades orgánicas. Manifiesta especial interés por las plantas libres y
asimétricas, ambientes diáfanos y superficies acristaladas.
Esta escuela atravesó diferentes fases o etapas, primero en Weimar, luego en Dresde y finalmente
en Berlín. Cuando los nazis en 1933 cerraron la escuela, sus ideas y sus obras eran ya conocidas en
todo el mundo. Muchos de sus miembros emigraron a Estados Unidos, donde las enseñanzas de la
Bauhaus llegaron a dominar el arte y la arquitectura durante décadas, contribuyendo enormemente
al desarrollo del estilo arquitectónico conocido como International Style.

SEGUNDO PERÍODO DEL SIGLO XX: LA EDAD DE ORO

Los treinta años posteriores de la Segunda Guerra Mundial han sido considerados una especie de
“edad de oro” de la economía mundial. En los países capitalistas industriales, la producción creció
mucho más que en cualquier período anterior. Ese crecimiento fue estable y continuo, sin grandes
crisis, y no se circunscribió a los países desarrollados - incluyendo a la URSS -, sino que
comprendió también a los países “en vías de desarrollo”.
El liderazgo económico mundial quedó en manos de los EEUU, base de las grandes empresas
multinacionales, que extendieron sus actividades por todo el mundo.
La expansión económica fue acompañada por profundas transformaciones demográficas, sociales y
culturales. La tasa de crecimiento de la población mundial se aceleró notablemente, favorecida por
la difusión de los adelantos en materia de salud - por ejemplo, la aparición de los antibióticos y la
difusión de las vacunas -. Creció el porcentaje de la población urbana y cambió la estructura
ocupacional. Cada vez más hombres - y también mujeres - encontraron trabajo en la industria y en
los servicios.
En los países desarrollados y en parte de los subdesarrollados surgió lo que se denominó “sociedad
de consumo”, caracterizada por el consumo masivo de bienes y servicios, hasta entonces fuera del
alcance de la mayoría de la población. La expansión del automóvil puede verse como el ejemplo
más característico de esta etapa. También fueron importantes la demanda de electrodomésticos y el
desarrollo del turismo. Este último se vio favorecido por el aumento de la capacidad adquisitiva y
del tiempo libre en la vida de los trabajadores.
Las transformaciones culturales también fueron notables. Los cambios en la estructura ocupacional
contribuyeron a modificar pautas tradicionales de división del trabajo entre hombres y mujeres y de
organización familiar. La expansión del consumo fue estimulada por la generalización de la
publicidad y, con ella, la sucesión de las modas.
En la inmediata posguerra, se inició el proceso de descolonización y en un par de décadas, la gran
mayoría de los territorios coloniales adquirieron la condición de estados independientes, en
ocasiones como resultado de guerras de liberación nacional.
El enfrentamiento político, ideológico y militar entre dos bloques, liderados respectivamente por los
EEUU y la URSS, dominó el panorama internacional durante las décadas posteriores a la Segunda
Guerra. Como parte de ese conflicto, crecieron los gastos militares y la producción de armamentos.
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Ambos bloques acumularon un arsenal de armas nucleares con capacidad para destruir todas las
formas de vida en el planeta.

SEGUNDAS VANGUARDIAS: EL ARTE A PARTIR DE LA DÉCADA DE LOS ‘50

Las grandes guerras del siglo XX trajeron profundas consecuencias en la cultura Europea. Con el
estallido de la Segunda Guerra Mundial, la mayoría de los artistas de las primeras vanguardias
abandonaron Europa para instalarse en Nueva York. Algunos de ellos fueron Max Ernst, Breton,
Mondrian, Chagall.
París perdió el liderazgo de la vanguardia artística y Nueva York se convirtió en el centro del arte
mundial. Las denominadas “segundas Vanguardias” dominaron el arte entre los años 1945 y 1968,
y se caracterizaron por constantes experimentaciones estéticas y técnicas.

EXPRESIONISMO ABSTRACTO
La llegada de los artistas emigrados de Europa propuso una profunda renovación en el arte de los
Estados Unidos. Del aporte de artistas extranjeros como Hans Hofmann, Arshile Gorky, surge
una escuela americana propia, extraordinariamente fructífera y de proyección internacional. Esta
Escuela de Nueva York, más conocida como “expresionismo abstracto” estuvo conformada además
por Jackson Pollock y Mark Rothko, entre otros.
A pesar de no constituir un movimiento uniforme, su espíritu de rebelión y de libertad creativa se
concretó en algunas características comunes como el empleo de grandes formatos (más cercanos a
los murales que al cuadro de caballete), el énfasis puesto en el proceso pictórico y la utilización del
color de una manera rotunda.
Dentro del movimiento expresionista abstracto podemos distinguir dos tendencias fundamentales:
 ACTION PAINTING: Corresponde a la tendencia más gestual del expresionismo
abstracto, caracterizado por manchas y pinceladas de gran dinamismo y expresividad
dramática. El líder de esta tendencia fue Jackson Pollock, quien se planteó el arte como una
acción, un gesto, siendo el proceso más importante que la obra final. Pollock desarrolló un
nuevo método pictórico, el dripping, que consistía en aplicar la pintura mediante goteo,
chorreado o salpicadura con el lienzo extendido sobre el suelo, de tal modo que el color iba
adquiriendo sus propias configuraciones rítmicas.
 COLOR FIELD PAINTING (O ESPACIALISMO): Corresponde a una propuesta de arte
más elaborado e intimista, que halló su forma de expresión ideal en la exploración del color
en lugar del gesto. Artistas como Mark Rothko, Clifford Still y Barnett Newman se
caracterizaron por la abstracción pura y rigurosa, desarrollando el espacio lírico en grandes
formatos y campos de color de superficies lisas.

INFORMALISMO EUROPEO
Paralelamente al expresionismo abstracto estadounidense, surgió en Europa una tendencia
informalista, alejada de la abstracción geométrica e interesada por la materia pictórica. Esta
propuesta se tradujo en gruesos empastes, espesas mezclas de materiales diversos o en la
acumulación de materiales pegados sobre el soporte. El informalismo se diversificó en distintas
tendencias como la matérica, la gestual, la tachista y la espacialista. El artista más destacado fue
Jean Dubuffet, representante del informalismo matérico a partir de gruesas superficies realizadas
con todo tipo de materiales como tierra, madera, arena, etc.

POP ART
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Hacia 1960, como reacción contra el informalismo, se manifiestan los primeors síntomas de una
vuelta al arte representativo, debido a dos causas:
- Desgaste de la abstracción y repetición de sus modelos.
- Deseo de recuperar el contacto con el público.
El Arte Pop es popular y destinado a un público amplio, pasajero y efímero, fácil de consumir y de
olvidar, barato, producido en serie, joven, espirituales, llamativos y simpáticos.
La recuperación económica era un hecho y también lo era la sociedad de consumo. A éstas
novedades responde el Pop y por eso su desarrollo es mayor en las sociedades más avanzadas desde
el punto de vista económico: EEUU e Inglaterra.
Sus características más significativas son:
- Toma sus temas de la cultura de la calle ( transportes, medios de masas) con preferencia por
lugares comunes y estereotipos ( coca cola, Marilyn, Disney)
- Las obras requieren de un vistazo rápido y superficial.
- No interesa la realidad de las cosas sino su representación, su medio como mensaje.
- Los procedimientos artísticos son procedimientos industriales, las imágenes se fabrican en
serie y se venden como productos de supermercado.
- Sus máximos exponentes son: en pintura Roy Lichtenstein y Andy Warhol y en escultura:
Segal y Oldenburg.

ARTE CINÉTICO Y OP ART

Corresponden a tendencias totalmente abstractas que surgieron a principios de los años sesenta, y
sus expresiones se corresponden con las siguientes características:
El OP ART es un arte visual interesado en la percepción de fenómenos visuales y la ilusión de
movimiento. Esta tendencia fue liderada por Victor Vasarely y el grupo GRAV, quienes adoptaron
el fenómeno óptico como tema central de sus investigaciones. Consiguieron otorgar a sus
creaciones la sensación ilusoria de movimiento gracias a la utilización de efectos ópticos, ya sea
mediante la repetición de motivos geométricos persistentes como los cuadrados, triángulos o
rombos o mediante el fuerte contraste cromático de líneas blancas y negras, que parecen cambiar y
oscilar ante nuestros ojos.
El ARTE CINÉTICO no se conformó con una representación virtual del movimiento e introdujo
el movimiento real en las obras, lo que llevó a que estas cambiaran constantemente. Un artista
destacado en esta tendencia fue Alexander Calder, a partir de la creación de objetos
tridimensionales que se ponen en movimiento mediante agentes fortuitos como las corrientes de
aire, o en el caso de las esculturas de Jean Tinguely mediante motores o pilas.
Algunas obras cinéticas de carácter más lúdico incluyeron el movimiento del espectador que al
pasar por delante de la obra percibe percibe ópticamente otras formas y colores e incluso la
transformación misma del objeto cuando el espectador interviene en la obra manipulando los
objetos con su mano o con su cuerpo.

MINIMAL ART
Esta tendencia se dio hacia 1965 en el campo de la escultura, de la mano de artistas como Carl
André, Robert Morris, Donald Judd, Dan Flavin y Sol Le Witt. Las obras minimalistas son
tridimensionales, sencillas, claras, diseñadas de antemano y fabricadas industrialmente en las que la
intervención del artista en el proceso creativo se restringe a la idea, al boceto. La premisa máxima
del Minimal Art fue expresar el mínimo con lo mínimo. Emplearon materiales sencillos, a menudo
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industriales como el plástico, el hierro galvanizado, el plexigrás de colores o los tubos
fluorescentes, para realizar figuras geométricas y simplificadas que pudieran plasmar con más
fuerza las cualidades puras de color, forma, espacio y materiales.

ARTE POVERA
Fue una tendencia muy vinculada al arte minimalista. Representado sobre todo por Mario Merz,
desarrolló propuestas a partir de parámetros semejantes a los de los artistas minimalistas, pero
sustituyendo las formas geométricas y los materiales industriales por materiales pobres e insólitos
como fieltros, vidrios, paja, verduras y periódicos.

HAPPENING: EL ARTE EN ACCIÓN

Se trata de acciones y vivencias totalmente abiertas, sin estructuras ni finalidades concretas, que
combinan música, pintura, efectos visuales y expresión corporal y que generalmente implican la
participación del espectador. En 1958 Allan Kaprow realiza los primeros happenings, como
“acontecimientos” en los que, a partir de un pequeño guión, un grupo de participantes ejecuta
acciones simples, independientes o simultáneas, manipulando objetos, dispuestos en un entorno.
Este tipo de expresiones otorga una gran importancia al azar, la improvisación y la participación del
público, para reflexionar sobre la esencia del “acto artístico”, de manera que el artista y la vivencia
temporal constituyen la verdadera esencia de lo artístico.
Esta voluntad de difundir arte y vida alcanzó sus acciones artísticas más interesantes desde el
grupo Fluxus, el grupo Beuys y Wolf Vostell.
TENDENCIAS FIGURATIVAS
NEOFIGURACIÓN
Dentro del informalismo y del expresionismo abstracto, algunos artistas siguieron manteniendo
aspectos figurativos en sus obras, aunque sometidos a un tratamiento informal, un poderoso
cromatismo y deformaciones pictóricas. Las obras resultan en su mayoría desazonadoras,
distorsionadas. La nueva figuración tuvo representantes como Francis Bacon, Jean Dubuffet,
Lucian Freud, Antonio Saura y el Grupo Cobra.

TERCER PERÍODO DEL SIGLO XX

En las décadas de 1970 y 1980, se produjeron transformaciones significativas en la política y en las

economías mundiales, cuyas consecuencias se hicieron evidentes a principios de la década de 1990.
Por una parte, se desaceleró la tasa de crecimiento económico de los países capitalistas occidentales,
mientras que los países capitalistas de la cuenca del Pacífico, especialmente Japón, crecieron de
manera espectacular.
En América Latina y Asia Occidental, la década de 1980 fue un período de estancamiento
económico. Asimismo, muchos países del África subsahariana sufrieron un marcado retroceso
económico, combinado con graves crisis de subsistencia y cruentas guerras civiles.
La desaceleración o el estancamiento de las economías fueron sólo una parte del problema. Al
mismo tiempo se produjeron un aumento de la pobreza y una agudización de las desigualdades
sociales. Se quebró el vínculo entre el crecimiento económico y el pleno empleo, que se había
establecido durante los treinta años que siguieron a la segunda guerra mundial. En la década de
1980, el desempleo aumentó de manera significativa, especialmente en Europa Occidental y, en la
década siguiente, el problema se generalizó.
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En este período se produjeron algunos importantes cambios tecnológicos y de la organización
industrial y empresarial. La difusión de la informática transformó profundamente el funcionamiento
de las economías y de las sociedades contemporáneas y afectó a todos los sectores productivos.
Como parte de este proceso, se manifestó una tendencia hacia una menor intervención estatal en la
economía y en los programas de seguridad social, de salud y educación características de los
estados benefactores.
Las economías de los países comunistas no fueron ajenas a los cambios en la economía
internacional. A mediados de la década de 1980, Mijail Gorbachov, secretario general del Partido
Comunista soviético, propuso un cambio de orientación de la URSS, sintetizado en las consignas
perestroika y gladnost, que aludían, respectivamente, a la reestructuración de la economía soviética
por medio de la introducción de mecanismos de mercado y a la transparencia política. El régimen
comunista no resistió la política de reformas: la URSS desapareció y en su lugar surgieron nuevos
estados.

ARTE CONCEPTUAL
El proceso de desmaterialización de la obra de arte culmina en el llamado arte como idea. La idea
es lo que da origen a la obra de arte; el hecho de que ésta no llegue a realizarse carece de
importancia. Fueron muchos los artistas que desde fines de los 60 hasta mediados de los 70 se
decantaron por este tipo de arte cuyo principal teórico es Joseph Kosuth. Sus características son:
 Conexiones entre el lenguaje y la percepción visual, en 1965 en su obra Una y tres sillas,
ofrecía tres aspectos diferentes de la silla: el objeto real, la fotografía de una silla y la
definición de silla extraída de un diccionario.-
 Replanteamiento de todos los sistemas expresivos del arte, desde los medios hasta el
planteo.
 El artista se plantea la participación del espectador como algo incuestionable en el proceso
final.
 Valoración del proceso reflexivo previo, durante y en el final de la obra.

BODY ART (ARTE CORPORAL)

Surge de experiencias corporales de automutilaciones: los artistas que pertenecieron a esta
tendencia se realizaban incisiones en distintas partes del cuerpo y después manchaban sus obras con
la sangre de las heridas.

LAND ART (ARTE DE LA TIERRA)

Tiene su origen en las reflexiones de los ecologistas en cuanto a la degradación del medioambiente.
La idea es actuar sobre la naturaleza, corrigiendo perspectivas, cavando zanjas, empaquetando
grandes objetos o distribuyendo colorantes en ríos, playas o desiertos. El soporte y el material es el
paisaje real, con lo cual estas formas parecen manipulables y efímeras. Uno de los artistas más
destacado fue Christo con sus empaquetamientos de rocas.

ARTE POVERA
Alude a manifestaciones artísticas que usan materiales pobres y obtiene resultados estéticos muy
próximos al Land Art. Los materiales no necesitan ningún grado de elaboración.

HIPERREALISMO
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A fines de los 60 y como reacción contra los informalistas, un grupo heterogéneo de artistas
comenzó a trabajar dentro de un acusado realismo, aplicando una temática que abarca desde retratos
hasta vistas de paisajes y del mundo del automotor. Dentro de esta tendencia existen los artistas que
trabajan exclusivamente en el ámbito de la pintura y otros que lo hacen en la escultura. A los
primeros se los conoce como fotorrealistas debido a que siempre usaban la cámara para acumular
datos de los modelos que iban a ser parte de la obra. Con respecto a la escultura recurren al viejo
método de moldes de fibra de vidrio y resina poliéster sobre cuerpos reales a los que se le añade
pelo y ropas de verdad.

A modo de cierre…
A principios de los ochenta, empezó a sustituirse el espíritu de la vanguardia y la modernidad por
tendencias denominadas posmodernas, que volvieron la mirada al pasado, proponiendo “revivals”
de los ismos anteriores. La posmodernidad se caracterizó por la ausencia del componente
transgresor y crítico de los movimientos anteriores y la combinación de tradición e innovación.
En síntesis, el arte de la segunda mitad del siglo XX estuvo fuertemente marcado por el
informalismo, la abstracción, la figuración y las tendencias conceptuales en las que primó la idea
sobre el objeto artístico clásico.

BIBLIOGRAFÍA

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