Renzo Piano es italiano. La ciudad está bajo su piel.
Como italiano creció con esta idea de que las ciudades son
lugares donde los edificios se comunican entre sí. Hay un diálogo entre el edificio y la calle. Se trata de
accesibilidad, se trata de la vida cívica. Una persona urbana es una persona que sabe cómo comportarse con
cortesía, cómo compartir, cómo ser accesible. Un edificio debe ser así. Debe hablar con la ciudad, hablar con la
gente. Edificios como el Whitney permiten a la gente compartir experiencias juntos, disfrutar y compartir la vida.
Hablar juntos es una forma de aceptación y el principio de la tolerancia, que es el secreto de la vida cívica.
1. ¿Cómo analiza Renzo Piano el lugar?
Primero, a partir de sus dibujos. El arquitecto presenta a través de sus bocetos las más variadas
intenciones de sus proyectos, mostrando en muchos de ellos la preocupación por la escala humana, el diálogo
con el entorno inmediato y soluciones más técnicas, que incluyen estudios de insolación y confort. Destaca
aquí el uso de colores, flechas y elementos textuales, que no solo hacen más didácticos los dibujos, sino que
ayudan a ilustrar el razonamiento proyectual del arquitecto.
Segundo, por medio de maquetas de estudio, que es lo mismo que dibujar. “La maqueta es la versión
tridimensional de un boceto. Con la computadora necesitas decirle exactamente lo que debe hacer; por dónde
empezar, dónde terminar. Cuando estoy haciendo el boceto, no tengo que decirle dónde empezar, dónde
terminar. Es instintivo. Dibujar, como la maqueta, tiene la calidad de la imperfección. Tampoco tiene que ser
preciso. Te da libertad. Te da la posibilidad de cambiar. La computadora es perfecta en el momento en que no
se puede ser perfecto. Hacer modelos y bocetos es muy importante en esta primera parte del proceso, porque
en el principio nunca se es preciso-si se tiene que ser preciso uno puede quedar atrapado en la forma. Y hay
que recordar que el modelo es solo un fragmento-el único lugar donde todo se junta es en la mente, incluso con
cosas como la proporción y escala.”
2. Sobre el Museo Whitney y el valor del espacio público
Los edificios de Piano, en particular sus museos, se conectan con su entorno, no solo tienen un buen
desempeño, sino que se integran en la vida de la ciudad, como si siempre hubieran estado allí.
Renzo Piano mejora la calidad de vida de las personas al compartir con ellos un espacio vital diseñado
específicamente para el cultivo y la dispersión de ideas y el enriquecimiento de la vida cívica. Es el arquitecto
que se preocupa por la experiencia individual de un edificio, que se preocupa por cómo las personas
interactúan con el espacio y cómo el espacio interactúa con el mundo. En el Museo Whitney de Arte Americano,
muy parecido al Centro Pompidou, lo demostró al incluir una gran área en el frente, una "piazza", como él la
llama, para que la gente se reúna, se congregue, charle e incluso holgazanee.
Fundado en 1930, el Whitney se mudó a su actual casa en Madison Avenue, diseñada por Marcel Breuer, en 1966.
En ese momento, su colección contaba con unas 2.000 piezas de arte estadounidense del siglo 20, por lo que su expansión
necesita espacio para florecer. El nuevo museo se encuentra en el animado Meatpacking District de Nueva York. Al frente en la
calle Gansevoort, el sitio se encuentra entre el Hudson y el High Line, parque urbano elevado recientemente terminado de
Manhattan, construido sobre un riel elevado en desuso de la década de 1930.
En el proceso de encontrar un lugar para implantar el nuevo Whitney museum, durante dos o tres años
estuvieron trabajando en Madison Avenue y la calle 75 para hacer la extensión en el sitio, pero esto no funcionó
porque era demasiado, demasiado problema, demasiado trabajo, demasiado dinero, para demasiado poco
resultado, porque era imposible tener suficiente espacio para la galería, así que empezaron a tener dificultades
para encontrar un nuevo sitio, posiblemente en el centro, porque de ahí venía Gertrude Whitney. Luego bajaron
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a ver tres sitios en la parte oeste de la ciudad en Chelsea. Es asi como el sitio en Gansevoort y Washington
Street fue elegido porque estaba al final de High Line y estaba en una posición en la que podía conectarse con
el resto de la ciudad, además de que permitía tener mucho espacio en la planta baja.
Eso es lo más importante que Breuer pasó por alto en el diseño del edificio en Madison. Le faltó espacio al
frente del edificio, para conectar a la calle. Pero en este caso, se penso inmediatamente que necesitaban el
espacio en el suelo para que los peatones vinieran a disfrutar del espacio, para hacer accesible el edificio, para
crear esa sensación de urbanidad y apertura. Eso era lo más importante en ese momento.
Para Renzo Piano, un edificio público, en términos generales, especialmente cuando es un edificio
para la cultura, pero incluso cualquier edificio público como una biblioteca, una escuela o una universidad,
necesita tener esta cualidad de apertura y accesibilidad porque esto es lo que hace que una ciudad sea un
mejor lugar para quedarse o vivir. Las ciudades se basan en esto. Las ciudades no son ciudades cuando se
basan en edificios que toman posesión de la tierra y no hablan con la calle. Cuando haces edificios para uso
público, es todo lo contrario. Hay que hacer algo que le hable a la calle, que cree un sentido de comunicación,
un sentido de pertenencia a la comunidad. De alguna manera, era bastante inevitable mudarse de la zona alta al
centro de la ciudad, para crear un lugar que se ajustara más a esta lógica.
Las características del sector: High Line es un espacio público, elevado, la forma de High Line, el
lenguaje de High Line, la semántica de High Line, se convirtieron en parte de los elementos inspiradores del
edificio. Eso es seguro. Tuvieron presente cien cosas diferentes a la vez. High Line fue sin duda uno de esos,
pero también lo fue la vida en la calle. El otro fue la fragmentación del oeste de Chelsea como estructura de la
ciudad. No es masivo en esa parte de la ciudad. En realidad está roto en pequeños pedazos. Los edificios no
son muy altos, por lo que la idea era que el edificio estuviera en diálogo, hablando con esa parte de la ciudad
con la idea de romper la escala de los edificios en el lado que baja para hacer una transición a High Line. Y
también, para no quitarle la luz al High Line. Por la tarde, se puede mantener el sol y la luz en High Line durante
mucho tiempo y la escala de los edificios que se derrumbaban se convirtió en parte del fragmentado oeste de
Chelsea. Y al mismo tiempo, con la fantástica ubicación en el lado oeste hacia el río Hudson, es exactamente lo
contrario. El diálogo no era con la ciudad. Fue con el tráfico de alta velocidad de la carretera, y luego, por
supuesto, la inmensidad del Hudson y la inmensidad del resto del país. Uno puede sentir esta inmensidad, a
través de Nueva Jersey, sentir la inmensidad de la puesta de sol. El edificio es tan reactivo a cada dirección
diferente. En el lado sur, el edificio debe estar en diálogo con los grandes edificios construidos en los años 70:
el gran edificio justo allí en Gansevoort es enorme. Y también, tenemos el sol. Se decidio poner una pared
opaca allí porque no se puede tener demasiado sol en la galería. Pero en el lado este, se puede observar este
diálogo con la ciudad. En el lado oeste tienes el diálogo con la inmensidad del país. En el lado norte tienes un
diálogo con probablemente una extensión. Puede suceder porque el terreno al norte del Whitney está abierto a
la transformación. El museo se está moviendo desde la parte alta de la ciudad hacia el centro, de vuelta a
donde se había originado la institución [en Greenwich Village] y a un lugar más similar en espíritu a los inicios de
la institución.
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