en 3 tramos cuadrados con cúpulas sobre pechinas
que no se ven desde el exterior y que descansan
FICHA TÉCNICA
Autor → Pierre Alexandre Vignon i Jean-Jaques Marie
Huvé
Cronología → 1806-1942
Tipología → Iglesia
Material → Piedra
Estilo → Neoclásico
Localización → París
CONTEXTO HISTÓRICO
En el siglo XIX, las monarquías absolutistas en
Europa fueron reemplazadas por formas de gobierno
en las que la sociedad tenía derecho a participar en
la toma de decisiones políticas.
La Revolución francesa de 1789 fue un proceso que
buscaba transformar las estructuras del antiguo
régimen francés. En 1799, el general Napoleón tomó
el poder mediante un golpe de estado y su capacidad
militar permitió formar un gran imperio que difundió
las ideas liberales de la revolución por toda Europa.
ANÁLISIS FORMAL
La iglesia, a modo de templo clásico, tiene una
escalinata que lleva a un podio. Tiene una tipología
de templo períptero monóptero con una planta
rectangular.
El pórtico octásilo está presidido por columnas
corintias de 20 metros de altura y tiene un
entablamento con 3 platabandas, un friso con
decoración en relieve y un frontón triangular con
ornamentación escultórica. El techo es de dos
vertientes.
El interior tiene una única nave con un ábside
semicircular en el presbiterio. El espacio está dividido
sobre 8 columnas que separan el espacio de la nave
central de una galería de circulación, detrás de la cual
hay capillas cubiertas por pequeñas cúpulas y lunetas
semicirculares.
ENTORNO
La iglesia de la Madeleine se encuentra en un extremo
de la Place de la Concorde, que está cerrada en el
otro extremo por el Palau de Bourbon. La plaza está
situada en uno de los principales ejes urbanísticos de
la ciudad, separando los Champs Elysées y el jardín
des Tuileries.
ANÁLISIS CONCEPTUAL
La iglesia de la Madeleine en París fue transformada
en un Templo de la Revolución durante la Revolución
Francesa debido a su cercanía a la Place de Concorde
donde se ejecutó a Luis XVI y María Antonieta.
Con la llegada de Napoleón Bonaparte, se utilizó para
conmemorar a los ejércitos franceses, pero más tarde
volvió a su función original como iglesia consagrada
a Santa María Magdalena.
La decoración del frontón, esculturas de Lemaire
(1833), representan el juicio final con Cristo en el
centro rodeado por el arcángel San Miguel y María
Magdalena como símbolo de arrepentimiento. La
imagen fue criticada por su indumentaria considerada
impúdica por la sociedad de la época.
MODELOS E INFLUENCIAS
La arquitectura neoclásica se basó en la cultura de
Grecia y Roma antiguas, tomando como referencia la
tipología del templo clásico con un gran pórtico y
frontón. Ejemplos de esto son el pórtico hexástilo del
Panteón de París y el de la Glipoteca de Munic.
Vignon, para diseñar la Madeleine, se basó en el
templo de la Maison Carrée de Nilmes, con dos
cambios significativos: la monumentalidad de las
dimensiones y el pórtico octásilo.
 espectador se centre en este punto focal mediante el
uso de los brazos de los personajes, creando un
círculo alrededor del beso.

A pesar de la frialdad característica del neoclasicismo,

el autor logra una obra llena de ternura gracias a la
elección del momento de la historia y el tratamiento
del material. Canova logró suavizar el mármol
mediante el pulido con piedra volcánica y el baño en
cal y ácido, lo que dio una sensación de realismo
anatómico. La obra no está policromada debido a la
idea errónea de que en la Grecia clásica se valoraba
la pureza blanca del mármol en el neoclasicismo.

TEMÁTICA

La escultura refleja el final de la historia mitológica

narrada por Apuleo en El asno de oro: Eros, el dios
del amor, se enamoró de Psique, hija de un rey de
Asia. Para poder seducirla, Eros construyó un palacio
donde se encontraban cada noche sin que Psique
pudiera ver el rostro de su amante.

Un día acercó una lámpara a su amante mientras

dormía: pero se derramó una gota de aceite y cayó
sobre Eros, que se despertó y, en ver descubierta su
identidad, huyó. Psique recorrió a un oráculo de
Venus, que, para recuperar su amor, le impuso 3
condiciones, la última de las cuales consistía en
recoger la vasija de Prosperina que contenía el
secreto de la belleza. Psique abrió la vasija. Esta
acción fue castigada con un sueño profundo del cual
no se despertaría hasta que Eros la besara.
FICHA TÉCNICA La intensidad del momento escogido por el autor
convierte el gesto anecdotal del beso en una imagen
Autor → Antonio Canova
paradigmática del amor. La escultura fue
Cronología → 1787-1793
originalmente pensada para decorar la sala de Lord
Tipología → Escultura exenta
Cawdor, pero fue robada por el general Murat y llegó
Material → Mármol
en manos de Napoleón.
Estilo → Neoclasicista
Tema → Mitológico MODELOS E INFLUENCIAS
Localización → Museo del Louvre
La obra de Canova tiene como referente el mundo
CONTEXTO HISTÓRICO clásico y es una reacción estética contra el
decorativismo rococó. Ejerció una gran influencia en
Se creó entre el 1787 y 1793.
el movimiento neoclásico debido a su prestigio y fama
La Revolución Francesa (1789-1799) fue el máximo internacional, pero su sensibilidad particular superó
exponente de las transformaciones sociales del siglo los preceptos neoclásicos y anticipó uno de los
XVIII. Estos cambios, impulsados por factores conceptos de la escultura moderna.
económicos y demográficos, junto con las ideas de la
En España, algunos alumnos de la Academia de Roma
Ilustración, dieron lugar a la sociedad
siguieron su ideario artístico.
contemporánea. El objetivo de los ilustrados era crear
una sociedad basada en la razón y la búsqueda de la
felicidad. La segunda mitad del siglo XVIII se
considera el punto álgido de la ruptura con la
tradición en todos los ámbitos, especialmente en el
político-social y el religioso.

ANÁLISIS FORMAL

La escultura de Canova expresa el rigor del arte

neoclásico y muestra el ideal de belleza masculina y
femenina de la época. La composición de los dos
cuerpos juveniles forma un aspa, determinada por las
alas del dios griego, y el centro de la cual pasa entre
los labios de los amantes. Canova consigue que el
 que se ha utilizado en las 3 partes en las que se divide
el cuadro y permite al pintor equilibrar la escena
cromáticamente. David lo convierte el rojo en un
color frío, subordinado estrictamente a la línea,
detalle que ilustra los nuevos gustos de la época.

Toda la escena está bañada por una luz tenue

inspirada en Caravaggio, que entra desde la izquierda
sin que haya ningún foco lumínico visible.

ANÁLISIS CONCEPTUAL

La obra de David "Los tres Horacios" se inspira en la

tragedia literaria de Horacio de Pierre Corneille,
basada en la Historia de Roma de Tit Livi. En la obra
se representa el momento en que los tres hermanos
Horacios juran delante de su padre defender su
ciudad, Roma, hasta la muerte contra los tres
hermanos Curiacios de la ciudad vecina de Alba
Longa.

En segundo plan, a la derecha, aparecen 3 mujeres

llorosas: de blanco, Camila, una de las hermanas
Horacio casada un uno de los Horacios; a su lado,
Sabina, una hermana de los Curiacios, casada con un
Horacio; en el fondo, la madre de los hermanos
FICHA TÉCNICA
Horacio con los dos hijos de Sabina.
Autor → Jacques-Louis David
La obra refleja el culto a las virtudes cívicas del
Cronología → 1784
autosacrificio, el honor y la lealtad, personificadas en
Técnica → óleo sobre tela
la actitud de los Horacios. En la época, el cuadro fue
Estilo → neoclásico
interpretado por algunos como un ataque a la
Tema → literario
autoridad del Estado monárquico debido a su
Localización → Museo del Louvre
profundo sentimiento del deber con la patria.
CONTEXTO
MODELOS E INFLUÉNCIAS
Esta obra se pintó en 1784, durante el reinado de Luis
La obra neoclásica de David se basa en la cultura y el
XVI, en medio de un periodo de gran agitación social,
arte clásico de Grecia y Roma, con influencias de la
5 años antes dela Revolución Francesa (1789), dado
obra de Rafael, Poussini y Caravaggio. De los dos
que la Ilustración creó el contexto de la decadencia
primeros, se asume la perfección de la línea y el uso
del absolutismo en Francia. El enciclopedismo de
de composiciones equilibradas sobre estructuras
Diderot y Alemberg también llegó a España,
geométricas, mientras que el tratamiento de la luz
marcando significativamente el reinado de Carlos IV,
muestra la influencia de Caravaggio.
que vio como su corte proliferaba el pensamiento
afrancesado. Su pintura fue el punto de referencia para muchos
pintores neoclásicos. Fue muy copiada la diferente
ANÁLISIS FORMAL
actitud emocional de los personajes: de energía y
David organiza con un gran equilibrio toda la resolución en los hombres y dolorosa en las mujeres.
composición y muestra una perfecta integración de
las figuras dentro del espacio arquitectónico
asignando a cada grupo en una de las 3 arcadas del
fondo. Esta separación permite ordenar todos los
personajes y asume así la claridad expositiva.

David muestra un estilo depurado y subordina el color

al dibujo. El pintor se asegura de perfilar todas las
figuras a través de un modelaje anatómico perfecto.
El pintor prioriza la línea recta en los personajes
masculinos y la ondulada en los femeninos, hecho
que refuerza visualmente la actitud más agresiva de
los hombres y la más sentimental de las mujeres.

En cuanto al cromatismo, en las escenas predominan

las tonalidades grises, ocres y rojas, utilizando
colores oscuros para el fondo, y los claros para las
figuras. El rojo es el color más importante del cuadro,

FICHA TÉCNICA
Autor → Eugène Delacroix
Cronología → 1830
Técnica → óleo sobre tela
Estilo → romántico
Tema → alegórico e histórico
Localización → Museo del Louvre
CONTEXTO
La primera mitad del siglo XIX, durante el desarrollo
del movimiento romántico, se caracterizó por la inicial
expansión de las ideas revolucionarias francesas
debido a la actuación de Napoleón. Esto dio lugar a
una reacción de las potencias absolutistas que se
plasmó en la Restauración y la vuelta al Antiguo
Régimen.
Aún así, tal y como expresa el cuadro, los pueblos
europeos no consintieron por mucho tiempo esta
opresión y en diversas ondas revolucionarias: 1820
(colonias españolas), 1830 (la Gloriosa), 1848,
acabaron imponiendo el nacionalismo y el liberalismo
en gran parte de Europa.
ANÁLISIS FORMAL
Delacriox estructura la composición a partir de un
triángulo en qué la bandera de Francia ocupa el
vértice superior y los cuerpos muertos ocupan la
base. La figura femenina se establece como el eje
central alrededor del cual se distribuyen los otros
personajes.
La pintura destaca por la gran movilidad que
Delacroix imprime en la escena mediante la
utilización de líneas curvas y elevando ligeramente la
figura principal. De este modo, Delacroix consigue
que la acción se dirija directamente hacia el
espectador y le hace participar en la escena. En le
fondo se intuye la silueta de algunos edificios de
París, como las dos torres de Notre-Dame.
La obra está dominada por tonalidades oscuras y
ocres. Delacroix rompe esta monotonía con la
inclusión de los colores de la bandera francesa:
blanco, azul y rojo. Estos colores son iluminados por
un foco irreal que el artista dispone expresamente
para destacar estas zonas. Todo esto nos indica que
Delacroix ha subordinado las funciones naturalistas
del color y de la luz a su voluntad de crear un
dinamismo interno que refuerce el carácter
apasionado del cuadro.
ANÁLISIS CONCEPTUAL
Este cuadro transforma en alegoría los hechos
revolucionarios que se produjeron en París el 27, 28
y 29 de julio de 1830 y que acabaron con el reinado
de los Borbones y dieron paso a una monarquía
constitucional.
La finalidad de esta tela era remarcar el espíritu
combatiente y de rebeldía que unió al pueblo francés.
Por eso hay representadas clases y categorías
sociales diferentes: la burguesía (personificada en la
figura con un sombrero de copa alta); la clase
menestral (camisa blanca, sombrero con escarapela
y un sable en la mano derecha); los jóvenes
(simbolizan el cambio futuro, armados con pistolas)
y la gran masa popular (ocupa el 2do término y el
fondo de la obra).
Guiando a todos estos personajes hay una figura
medio desnuda y armada con un fusil, que hace
ondear la bandera tricolor. Es la personificación de la
libertad y de la nueva Francia por la que luchan.
La obra tuvo gran impacto y, con el tiempo, se
convirtió en un recordatorio conmemorativo de los
eventos (inicialmente función propagandística)
MODELOS E INFLUENCIAS
La obra de Delacroix refleja la influencia de varios
artistas, incluyendo la fuerza dinámica de Rubens, la
terribilitá de Miguel Àngel, el claroscuro de
Caravaggio y el tratamiento del color de la escuela
veneciana. También estuvo influenciado por pintores
cercanos como Goya y su maestro Géricault.
Delacroix es considerado como el principal exponente
del arte romántico francés y es conocido por su uso
de temas exóticos y una gran riqueza cromática. Su
obra tuvo un gran impacto y inspiró a muchos artistas
posteriores como Renoir, Seurat y Van Gogh.
 convierta en un protagonista más y, a su vez,
potencia el realismo del tema representado.

Goya describe la expresividad de los personajes a

través de escorzos violentos y una detallada
descripción de las actitudes: miedo, horror,
resignación, heroísmo. Los soldados franceses son
presentados como figuras no humanas que
representan máquinas de matar. El uso de una gama
cromática reducida (ocre, negro, blanco y rojo) y las
pinceladas largas y abiertas potencian el dramatismo

ANÁLISIS CONCEPTUAL

El cuadro del 3 de Mayo de 1808 representa un

momento histórico de la Guerra de la Independencia
Española, cuando los españoles se rebelaron contra
las tropas francesas de Napoleón. Goya ofreció al
regente, el cardenal Luís de Borbón, la posibilidad de
perpetuar estas acciones a través de su pincel. El tres
de mayo hizo pareja con El dos de mayo, conocido
también como La carga de los mamelucos.

La acción se sitúa en la montaña del Príncipe Pío de

Madrid, y se incluyen figuras de una mujer y un fraile
para añadir realismo a la escena, porque las mujeres
debían añadirse a la lucha y fueron también víctimas
de la represión, y porque aquella noche fue fusilado
FICHA TÉCNICA el eclesiástico Francisco Gallego y Dávila.

Autor → Francisco Goya La figura del hombre con los brazos en cruz se
Cronología → 1814 relaciona con la crucifixión de Jesús, los colores
Técnica → óleo sobre tela amarillo y blanco simbolizan la Iglesia, y la luz es una
Estilo → neoclásico metáfora de la asistencia divina a los represaliados.
Tema → histórico-alegórico
Se desconoce cuál fue la función original de estos
Localización → Museo del Prado
cuadros, aunque se ha especulado que podrían haber
CONTEXTO sido utilizados para decorar un arco de triunfo o
conmemorar el Dos de Mayo.
Este cuadro fue realizado en 1814. La obra de Goya,
en sus diferentes etapas representa la sociedad MODELOS E INFLUENCIAS
cortesana y burguesa del siglo XVIII con la que el
En el cuadro de Goya "El dos de mayo de 1808", el
pintor entró en contacto gracias a su posición
pintor aragonés aborda el espíritu de denuncia de la
relevante como pintor de la cámara del rey Carlos IV.
guerra y del invasor francés, recogiendo la herencia
En los ambientes artísticos predominó el gusto por las
de la crudeza de los martirios de santos propia de la
formas neoclásicas academicistas. Concretamente el
tradición barroca y utilizando un dramático claroscuro
contexto de este cuadro se enmarca al inicio del siglo
de la pintura española e italiana del siglo XVII.
XIX cuando España vivía la esperada llegada de
Además, convierte la imagen heroica del
Fernando VII una vez terminada la guerra de la
Neoclasicismo en un icono romántico de los que
Independencia.
luchan por la libertad.
ANÁLISIS FORMAL Este cuadro influyó en obras posteriores como El
La composición se divide en dos grupos: a la fusilamiento de Maximiliano de Manet y La matanza
izquierda se encuentra una hilera de personas que de Corea de Picasso, quien también denunció los
han sido, son o serán ejecutadas, mientras que a la horrores de la guerra en su famosa obra Guernica.
derecha se encuentra el pelotón de soldados
dispuestos en diagonal. La luz que ilumina a los
personajes de la izquierda y deja en la penumbra a
los soldados de la derecha, refuerza la diferencia
entre los dos grupos.

La figura con los brazos abiertos enfrentándose a los

soldados se convierte en el punto focal de la obra,
alrededor del cual se distribuyen las otras figuras.
Una raya del horizonte alta hace que el espectador se