Géneros artísticos — 3ºESO

LOS GÉNEROS ARTÍSTICOS

A lo largo de los siglos, el ser humano ha representado de diversas formas la realidad que lo
rodea con una finalidad estética. Estas representaciones, denominadas obras de arte,
tradicionalmente se han caracterizado por ser dignas de admiración. Este concepto apareció en
la Antigua Grecia, cuando surge la figura del artista como una persona extraordinaria, dotada de
unas habilidades privilegiadas capaces de emocionar al público a través de sus creaciones.

Las manifestaciones artísticas más antiguas que conocemos son del Paleolítico superior, hace
más o menos unos 40.000 años. Consisten en su mayoría en pinturas rupestres realizadas en las
paredes de cuevas y pequeñas esculturas de mujeres desnudas talladas en piedra, con
proporciones muy exageradas de senos y caderas respecto al resto del cuerpo. No obstante,
estas representaciones probablemente estuvieran relacionadas con rituales religiosos y no
tuvieran una función decorativa, por lo que no fueran consideradas como obras de arte en su
momento, tal y como las conocemos hoy en día.

Las obras artísticas se pueden ordenar en distintas categorías, según unos rasgos comunes de
forma y de contenido, dando lugar a los diferentes géneros artísticos. Aunque las
representaciones artísticas más antiguas que conocemos se enmarcan dentro de las llamadas
artes plásticas (pinturas y esculturas rupestres), el concepto de género artísticos en mucho más
extenso y abarca otras manifestaciones artísticas, tales como las obras literarias, las obras
musicales, las artes escénicas, la arquitectura, la fotografía o el cine. Este último, a menudo es
conocido como el séptimo arte, ya que tradicionalmente se enumeraban seis géneros artísticos
llamados mayores, o Bellas artes (la pintura, la escultura, la literatura, la música, la danza y la
arquitectura), a las que posteriormente se añadiría el cine en séptimo lugar. A continuación,
vamos a centraros en las artes plásticas.

ARTES PLÁSTICAS

Inicialmente, las artes plásticas eran la pintura y la escultura, considerados tradicionalmente

como dos géneros artísticos distintos, ya que durante mucho tiempo fueron los únicos lenguajes
visuales que se utilizaron en la creación de imágenes. El dibujo era considerado como una parte
de la pintura. Sería en el siglo XX cuando se comienza a englobar dentro de las artes plásticas
otros medios de expresión que incluían nuevos recursos como el sonido, el vídeo, la informática
o la electrónica; dando lugar un término más amplio, el de las artes visuales.

DIBUJO

En general, se considera que el dibujo es una representación gráfica realizada generalmente

sobre una superficie bidimensional y ligera, principalmente el papel, y de dimensiones
pequeñas. Se suele realizar con líneas o por medio de manchas degradadas a modo de sombras
y en un solo tono de color, principalmente el negro.

El dibujo está detrás de todas las demás manifestaciones artísticas visuales, ya que suele
utilizarse como estudio previo antes de realizar una pintura, una escultura, una obra
arquitectónica, o incluso un objeto común de nuestro entorno: todos ellos han sido concebidos
a partir de dibujos previos. De ahí que, en un principio, se considerase al dibujo como una

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disciplina a disposición de otras artes plásticas mayores y no como una manifestación artística
en sí. Con el paso tiempo el dibujo se ha ido revalorizado, para establecerse en la actualidad
como una obra de arte autónoma.

Los útiles de trazado más utilizados en el dibujo son:

• el lápiz de grafito, creado en el siglo XVI, cuando se descubre en Inglaterra un material

negro y duro que manchaba fácilmente al tocarlo. No pasaría mucho tiempo entre el
descubrimiento del grafito y la invención de los primeros lápices, cuando alguien tuvo
la idea de envolver este mineral en una funda de madera. En 1565, el alemán Conrad
von Gesner ya había descrito un instrumento así en uno de sus libros. Adema, el grafito
se podía borrar con facilidad, utilizando para ello migas de pan, por lo que el invento
pronto se impondría a la tinta y la pluma utilizada hasta entonces para escribir. El lápiz
tal y como lo conocemos hoy día tiene por inventor al francés Nicolas-Jacques Conté,
cuando, ante la escasez de grafito que había a finales del siglo XVIII, se le ocurrió mezclar
grafito molido y arcilla, dando lugar a una pasta que se cocía para obtener unas barras
que mejoraba al grafito original. El lápiz de Conté fue patentado en 1795.
• el carboncillo, constituido por ramas delgadas de madera que son quemadas
lentamente hasta quedar carbonizadas, dando lugar a las barras de carbón vegetal para
dibujar llamadas carboncillo.
• las cretas, formadas a partir de la roca caliza del mismo nombre. Esta roca blanda y de
color blanco, se amasa con agua y con una goma aglutinante formando la barra o lápiz
que se utiliza para realzar blancos en un dibujo sobre papel de color.
• las sanguinas, que se obtiene mezclando creta con óxido de hierro, de ahí su
característico color rojizo.
• La plumilla, herramienta formada por un mango de madera, plástico u otro material y
una punta hendida de metal que se moja en tinta para dibujar, imitando la función de
las antiguas plumas de ganso utilizadas para escribir.

PINTURA

La pintura es una representación sobre una superficie preferentemente bidimensional, cuyo

rasgo principal y diferenciador del resto de manifestaciones artísticas es la presencia de color.
Si el dibujo era esencialmente era mayoritariamente monocromático, en la pintura el color es el
gran protagonista.

Entre las distintas técnicas pictóricas podemos destacar las siguientes: temple, oleo, acrílico,
témpera, acuarela y pastel. Todas ellas tienen un elemento en común: el pigmento, que es una
sustancia que interviene en su composición y la que le da el color. El otro elemento que
interviene en la elaboración de las pinturas es el aglutinante, un medio fluido que se mezcla con
el pigmento y le da consistencia. Así se obtienen los diferentes tipos de pinturas (Óleo, tempera,
acuarela…). Es decir, los pigmentos son los mismos en cualquiera de las variedades de pinturas,
son las sustancias aglutinantes los que varían, determinando las diversas variedades de técnicas
pictórica. En el caso del óleo, el aglutinante es el aceite, principalmente de linaza, obtenido de
la planta del lino; en la acuarela o la témpera, el aglutinante es la goma arábiga, una resina

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incolora extraída de las acacias; mientras que, en la pintura al temple, el aglutinante más usado
históricamente ha sido la yema de huevo.

Antiguamente, los artistas fabricaban artesanalmente las pinturas con pigmentos que se
obtenían de la naturaleza, a partir de minerales y rocas, principalmente, o a partir de tintes
obtenidos de animales o insectos. En la actualidad estos pigmentos son fabricados
artificialmente en un laboratorio a partir de materiales sintéticos, substituyendo a los pigmentos
naturales que en muchos casos eran difíciles de conseguir y resultaban muy costosos, como el
azul ultramar, un pigmento que se obtenía de una roca semipreciosa, el lapislázuli, que se traía
en barcos desde el otro extremo del mundo, de ahí su nombre de azul ultramar. Esta roca
semipreciosa se extraía de yacimientos situados en Afganistán, en zonas de muy difícil acceso a
más de 2500 metros de altitud. De ahí que fuera tan caro, siendo conocido como el «oro azul».
Este pigmento fue utilizado por los más ilustres pintores, siendo considerado como símbolo de
categoría social no sólo para el pintor que podía permitirse emplearlos, sino para el mecenas
que podía pagar un cuadro en el que se utilizaba dicho color. El maestro Mateo utilizó lapislázuli
para colorear las esculturas de piedra del Pórtico de la Gloria, situado en la entrada de la catedral
de la catedral Santiago de Compostela. El paso del tiempo y la humedad hizo que se fuera
perdiendo esta policromía, que además del preciado lapislázuli contenía pan de oro (lámina muy
fina de oro puro).

La introducción de los pigmentos sintéticos actuales hizo que, además de abaratar los costes de
producción, se evitasen unos procesos artesanales de elaboración de las pinturas que podían
llegar a ser perjudiciales para la salud, ya que se utilizaban materiales tóxicos que, además de
causar diversos problemas medioambientales, podían resultar venenosos para los seres vivos si
eran inhalados o ingeridos. Es el caso del rojo bermellón obtenido a partir del cinabrio, mineral
rojizo muy valioso y muy venenoso, debido a la presencia de mercurio en su composición. El
mayor yacimiento del mundo de este mineral está en nuestro país, en las minas de Almadén en
Ciudad Real, las cuales han sido explotadas ininterrumpidamente durante más de dos mil años,
desde la época romana hasta su cierre definitivo en 2003. Tristemente, durante gran parte de
este tiempo, esta mina fue explotada por esclavos y prisioneros, que fueron obligados a trabajar
en un ambiente altamente tóxico, donde la probabilidad de morir era muy alta (en torno al 40%).

Entre los pigmentos obtenidos de animales o insectos, mencionar al rojo carmín, que se obtenía
a partir de un insecto originario de América, la cochinilla. Este pequeño parasito que vivía en los
cactus, se dejaba secar al sol y luego se trituraba para obtener una tonalidad rojiza muy intensa.
En un principio se usaba como tinte para los tejidos, pero tras el descubrimiento del nuevo
continente, los artistas europeos lo adoptaron de inmediato. Esto dio lugar a un fructífero
comercio que produjo una gran riqueza para la Corona española, que lo exportaba a Europa,
llegando a conocerse como rojo español, un producto de lujo muy apreciado por la aristocracia.
Los españoles mantuvieron el secreto de su procedencia, de ahí su alto precio, solo superado
por el oro y la plata. Caso singular es el del amarillo indio que se conseguía a partir de orina de
las vacas que habían sido alimentadas con hojas de mango, lo que provocaba una orina de un
color amarillo muy intenso. Esta orina se dejaba secar y con el sedimento que quedaba se
formabas unas bolas malolientes que se molían para obtener un polvo precioso de color amarillo
dorado. Este proceso de obtención se acabó prohibiendo por razones de protección de la fauna,
ya que las hojas de mango resultaban tóxicas para las vacas: les producía un cálculo renal que

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provocaba que la micción fuera muy dolorosa. Se dice, incluso, que las vacas sólo podían orinar
si se les hacía un masaje en la zona en cuestión, y las patadas que daban los animales, a veces
hacían tumbar los cubos donde se recogía la costosa orina.

De todas las técnicas pictóricas existentes, cabe destacar la pintura al óleo, que hacia finales del
siglo XV se establecería como la técnica más utilizada para la pintura. Hasta entonces, la pintura
al temple era la técnica dominante. Sin embargo, esta tenía un gran inconveniente: el
aglutinante formado por una mezcla de huevo y agua hace que la pintura se seca con rapidez,
lo que obliga al artista a trabajar a gran velocidad y con precisión, sin apenas tiempo para
retocar. Este inconveniente también está presente en otra de las principales técnicas pictóricas
de la historia del arte: la pintura al fresco, también conocida como pintura mural. Se llama así
porque la pared a pintar se cubre con varias capas de cal, y cuando la última capa está todavía
húmeda, es cuando se pinta sobre ella con pigmentos puros mezclados en agua, sin necesidad
de aglutinante. Así los pigmentos quedan integrados químicamente en la propia pared, lo cual
ha aumentado mucho su durabilidad con el paso del tiempo.

El problema de secado rápido del temple o el fresco quedaría resuelto con la pintura al óleo,
pues al utilizar aceite como aglutinante, el tiempo de secado de la pintura es mucho más lento,
permitiendo trabajar con mayor minuciosidad. Sin embargo, no todo son ventajas, ya que la
pintura al óleo resiste peor el paso del tiempo. Con los años, los colores se cuartean y van
cambiando su tonalidad, siendo necesario realizar complicados trabajos de restauración. Esto
no sucede con la pintura al fresco ni con el temple, cuyos colores han permanecido más estables
a lo largo de los siglos.

Un claro ejemplo de cómo afecta el aceite a la conversación de la pintura lo vemos en dos de las
más importantes pinturas murales de la historia: la Ultima cena de Leonardo da Vinci y el techo
de la Capilla Sixtina de Miguel Ángel. En el primer caso, da Vinci decidió no usar la técnica del
fresco tradicional, creando un tipo especial de temple, más grasiento, obtenido al mezclar los
pigmentos con yema de huevo y aceite. Esto le permitió alargan los tiempos de secado, pero, en
contraposición, la pintura ha sufrido un gran deterioro con el paso del tiempo. A pesar de los
esfuerzos de los expertos y arduas tareas de restauración, la pintura que podemos apreciar hoy
en día dista mucho de la de la obra maestra realizada entre 1495 y 1498. Pocos años después,
entre 1508 y 1512, Miguel Ángel realizaría una de las más impresionantes pinturas al fresco en
el techo de la Capilla Sixtina del Palacio Apostólico de la Ciudad del Vaticano (Roma). Aunque el
tiempo también le ha afectado, la restauración que se realizó en la década de 1990 ha
recuperado el esplendor de esta creación excepcional.

Galicia cuenta con un conjunto excepcional de pinturas al fresco en la en la Ribeira Sacra, en la

iglesia de Santa María de Nogueira de Miño de Chantada, cuyas paredes interiores han
guardado ocultas bajo una capa de cal unos frescos de la época renacentista. Una reforma
realizada en la década pasada volvió a descubrir unas pinturas que, realizadas en la segunda
mitad del siglo XVI, permanecieron ocultas durante siglos, contribuyendo así a la buena
conservación de lo que se conoce como la Capilla Sixtina gallega, por la calidad y el tamaño de
sus frescos

Volviendo a la pintura al óleo, aunque ya existía desde la antigüedad (las pinturas al óleo más
antiguas que se conocen son del siglo VII), sería a principios del siglo XV cuando la técnica se

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perfecciona, gracias a pintor holandés Jan Van Eyck (1390-1441), el primer gran maestro que
pinta con colores al óleo. Según cuenta la leyenda, cierto día el joven Van Eyck comprobó
disgustado como se había cuarteado una pintura realizada al temple y tratada con aceite,
después de dejarla secar al sol. Esto propició que el joven pintor buscara una pintura al aceite
capaz de secar a la sombra con la suficiente lentitud de secado como permitir el retoque.

En cuanto a los soportes a utilizar en la pintura, destacar el lienzo (tela de lino, de algodón o de
cáñamo, principalmente), el soporte por excelencia de la pintura al óleo, aunque también se
suelen utilizar tablas de madera, cartones. Para técnicas como la témpera, acuarela, lápices de
color, ceras y pastel el soporte más habitual es el papel.

ESCULTURA

A diferencia de los anteriores, la escultura es una representación volumétrica en tres

dimensiones. Podemos diferenciar dos tipos de esculturas claramente diferenciadas: los relieves
y las esculturas de bulto redondo.

• Los relieves se caracterizan por están integrados en un muro, de forma que solo pueden
ser vistas de frente. No tienen parte posterior, ya que están adosadas al muro que las
sustenta. Este tipo de esculturas suelen estar ligadas a la arquitectura, adosadas a
elementos arquitectónicos como arquivoltas, capiteles o frisos.
• Las esculturas de bulto redondo, también llamadas esculturas exentas, se pueden
observar desde diferentes puntos de vista. A menudo el espectador pude moverse a su
alrededor y observarla desde varios ángulos.

Entre las principales técnicas escultóricas podemos destacar las siguientes:

• La talla. Utilizada desde épocas prehistóricas, está considerada como el paradigma de

la técnica escultórica. La escultura se forma a partir de un bloque sólido de un material
que suele ser duro y pesado (piedra, mármol, madera…), al cual se le va quitando la
parte innecesaria hasta conseguir la forma deseada. Es un proceso complejo que
requiere mucho tiempo y esfuerzo en su elaboración.
• El modelado. Esta técnica utiliza materiales blandos y flexibles a los que se puede dar
forma sin dificultad, añadiendo o quitando materia, lo que permite una ejecución
rápida. La cera y el barro son los principales materiales utilizado en el modelado. El barro
tiene la ventaja de que, una vez finalizada la escultura, se puede cocer para incrementar
su resistencia.
• El vaciado y la fundición. Ambas suelen utilizarse como una prolongación del modelado,
ya que las esculturas modeladas suelen ser muy frágiles. Primero se hace el vaciado de
la pieza, mediante la construcción de un molde en negativo de la escultura modelada.
Después se procede a la fundición de un metal, principalmente el bronce (aleación de
cobre y estaño), que se vierte dentro del molde. Finalmente, el metal fundido se
endurece al enfriarse, obteniéndose una copia idéntica a la escultura previamente
modelada, pero de mayor resistencia. Además, esta técnica posibilita la reproducción
de varias copias idénticas a partir de un mismo molde.
• La forja y la soldadura. Estas son técnicas muy utilizadas en las esculturas metálicas y
suelen utilizarse conjuntamente. En la forja, el metal se calienta hasta volverse dúctil,

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de forma que se pueda deformar golpeándolo con fuerza. En la soldadura las piezas
metálicas se unen mediante la fusión de sus bordes.
• El ensamblaje, también llamado construcción. Consiste en la unión de elementos
diversos, no necesariamente del mismo material. En muchos casos, estos elementos son
objetos cotidianos, no artísticos, que son desprovistos de su utilidad originaria y
elevados al estado del arte. Esta técnica surge en el siglo XX y tiene tienen como punto
de partida el collage, técnica pictórica creada por Pablo Ruiz Picasso a principios del
siglo pasado que consiste en pegar papeles y otros materiales diferentes sobre una
pintura. En ensamblaje sería como un collage tridimensional. Los materiales
tradicionales de las técnicas anteriores dejan paso a la expresividad que supone la
creación de un objeto nuevo a partir de otros que ya existen.

GRABADO

El grabado es una técnica gráfica considerada indirecta, ya que primero se trabaja sobre una
superficie rígida llamada matriz, que después de ser entintada con un rodillo, es transferida por
presión a otra superficie más ligera, principalmente el papel.

Esto hace que el grabado posea una gran peculiaridad sobre el resto de las artes plásticas: la
seriación o imagen múltiple de una misma obra. Una vez realizada la matriz se puede repetir su
impresión cuantas veces se quiera. Estas impresiones en papel se llaman estampas, y para su
obtención se suele utilizar una máquina llamada tórculo, el cual está formado por un rodillo muy
pesado que presiona la matriz entintada sobre el papel, que se ha previamente humedecido
para la mejor absorción de la tinta.

Podemos diferenciar tres grandes grupos de grabados: en relieve, en hueco y en plano

GRABADO EN RELIEVE
En este caso se trata de excavar en la matriz los blancos de la imagen y dejar en relieve las
superficies que resaltarán con el entintado. Sería como dibujar con blanco sobre negro, pero en
lugar que utilizar un lápiz para dibujar es necesario trabajar con herramientas cortantes, como
gubias, que permitan extraer la parte de la matriz que va a quedar en blanco.

Las xilografía o grabado, cuya matriz es una plancha de madera; y la linografía o grabado en
plancha de linóleo son los más habituales.

GRABADO EN HUECO
Es el procedimiento contrario al anterior. Se trata de arañar la matriz y en los huecos que se
abren se deposita la tinta, que por medio de una fuerte presión se trasladará al papel. Como
matriz habitual en este tipo de grabados se utiliza el metal, de ahí que esta técnica también se
le llama calcografía.

En grabado en hueco más sencillo es la punta seca, donde se utiliza un punzón fino a modo de
lápiz para dibujar líneas rayando la superficie metálica del a matriz.

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Otros procesos más complicados, como el aguafuerte o la aguatinta, utilizan ácidos corrosivos
que actúan sobre la matriz de metal, creando pequeños surcos o mordeduras en su superficie,
donde luego se depositará la tinta.

En el aguafuerte, primero se cubre la plancha metálica de la matriz con un barniz que evita la
corrosión, para después dibujar arañándolo con un punzón. De esta forma los trazos arañados
quedarán desprotegidos y serán mordidos por la acción del ácido, mientras que las partes
protegidas por el barniz quedarán en blanco en la estampa final.

En la aguatinta se aplica una capa de polvo de resina y se calienta para que de este modo los
grumos de resina queden adheridos a la plancha de metal. Al aplicar el ácido éste morderá las
zonas sin resina aislando el resto. El polvo de resina genera una textura granulada que permite
conseguir muchas tonalidades intermedias de grises.

GRABADO EN PLANO
En esta técnica no se produce ninguna incisión sobre la matriz, la superficie permanece plana.
Son procesos más complejos que requieren el uso de maquinaria específica para la obtención
de las copias.

Los más utilizados son la litografía o grabado sobre piedra y la serigrafía o grabado en pantalla
de nailon.

ÚLTIMAS TENDENCIAS DEL SIGLO XX

En la actualidad, los géneros tradicionales explicados anteriormente han dado paso a nuevas
manifestaciones artísticas que aprovecha los avances técnicos para crear otras formas de
representación, caracterizados por la interacción de diferentes lenguajes para expresar las ideas
y sentimientos de sus creadores.

Estas corrientes artísticas contemporáneas se encuadran dentro del llamado arte conceptual,
donde lo esencial es la idea que da lugar a la obra de arte, no el objeto artístico en sí, que queda
relegado a un segundo plano. El arte conceptual utiliza materiales muy diversos y poco
habituales en el arte tradicional, como fotografías, imágenes en movimiento, sonido,
documentos escritos, e incluso objetos de uso cotidiano que no se consideran artísticos.

Dentro del arte conceptual encontramos manifestaciones como la performace, el happening, las
instalaciones o el videoarte.

PERFORMACE Y HAPPENING
Son manifestaciones artísticas que no pretenden ser una representación sino una acción
realizada por el artista u otros participantes, donde el público es parte del espectáculo y que
habitualmente se realiza en directo. La performance suele ser un acto organizado en el que no
intervienen los espectadores, mientras que el happening es un evento improvisado que exige la
participación del público. Ambas son manifestaciones multidisciplinares, que reúnen varios
medios de expresión, no solo de las artes plásticas, sino que abraca otros géneros como el
teatro, la danza, la poesía o la música, entre otros.

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INSTALACIONES
La instalación artística es un género tridimensional que se desenvuelve en un sitio específico,
generalmente en espacios interiores, y que se realizada con los más variados materiales, medios
físicos, visuales o sonoros, incluso en ocasiones intervienen otras disciplinas artísticas como la
fotografía, el videoarte o la performance. En la mayoría de los casos permite una interacción
activa con el espectador, para despertar sentimientos o reflexiones.

VIDEOARTE
Su característica principal es el uso de imágenes en movimiento y de sonido, sin respetar las
convenciones del cine tradicional. El videoarte no suele tener una narrativa clara, ni centra su
atención en los diálogos de los personajes, incluso puede prescindir del uso de actores.

Habitualmente se combinarse con otros medios de expresión artística. Muchos artistas difunden
en videoarte sus performances grabadas en el momento de su realización en directo. La
grabación en vídeo de una instalación artística es una forma muy común de videoarte en la
actualidad.

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