RESUMEN

El artista desde 1750, era un personaje normalmente de clase media-baja, tenía que
pasar por un periodo de formación, debía hacer un examen de ingreso, y estar cuatro o
cinco año para aprender a ser pintor o escultor. Se había pensado que el arte era
simbolismo matemático, una técnica que se podía aprender. Cuando llegó el siglo XX
esto se dejó de lado, resultaba incoherente. En el siglo XVIII, llegó el momento de salir
a la calle, dejar las aulas para saber cómo es la vida. Un factor importante es el mercado,
tiene una gran dosis de verdad, hay veces que algunos artistas caen en el olvido, al
principio era variado, primero rey, nobles y la iglesia, luego aparecieron los
coleccionistas particulares, y posteriormente las galerías de arte. Finalmente este artista
puede acabar en un museo, este artista necesita una crítica de arte no es lo que se suele
leer en la prensa actual porque detrás hay mucho negocio; el buen crítico de arte es el
que abre caminos a la perfección, tiene que dar razones, claves para que cualquiera
pueda llegar allí y tener una guía. Otro elemento sería el compromiso, el ser humano
está sometido a un ambiente, pueden elegir entre defender, pasar; se ven influidos por
las guerras, revoluciones (hasta que no llegó la revolución solo se pintaba para la
persona como un fiel servidor; comenzamos con Velázquez, con academias protegido
por profesores (Francisco Pacheco), necesita buscar un mercado, Pacheco le introduce
con Felipe IV, se necesitaba que se transmitiese el poder. Pacheco le aconseja en el
1629 vaya a Italia para convertirse en un verdadero artista, cuando vuelve se crea el
salón de reinos (actualmente en Toledo, en un principio estaba en no sé qué del ejército)
para transmitir la idea que España era fuerte (aunque fuese mentira), en la parte de
arriba una serie de escudos para indicar que era un reino compacto. Volviendo a
Velázquez, él no opinaba jamás, su función era organizador de fiestas, cero
compromisos políticos.

La primera vez que el optimismo de la ilustración crea la enciclopedia para concentrar

todo el saber del pasado y el presente, se eligen a los especialistas de cada materia para
escribir sobre su arte. Geauluis David aquí si hay compromiso político, frente a la
exageración de los borbones de la corte él está poniendo austeridad, salen los tres hijos
que se conjuran con el padre aunque tenga que morir por eso; también tiene un boceto
de dos metros donde se nos habla del juramento Juego de Pelota, son retratos para dejar
constancia que estos individuos van a hacer cambiar la historia. David acaba creyendo
como todos que Napoleón es el continuador de la revolución, refleja a un militar con la
mano alzada, cruzando los Alpes de camino a Italia, similar a una escultura griega,
dominando un animal enloquecido (transmisión de la idea de poder). En este mismo
tiempo y por esas misma causas (Ilustración y Revolución), Goya, es el que destaca en
Europa, aspiraba a abandonar la España de Fernando VII y llegar a Francia. Era crítico,
denuncian todos los males de la sociedad, Los caprichos, uno representa a un burro
leyendo un libro, un manera de criticar a los que nacieron en alta cuna; otra es una
crítica a la superstición difundida por la iglesia católica. Fiedrich, La tumba de Hutten,
utiliza ruinas, montañas paisajes para transmitir esa idea de nación, todavía no existe
Alemania como nación política pero si como nación intelectual. Otto Runge, Familia de
Runge, 1806, mostrando distintas generaciones. Se denuncia la indiferencia hacia los
enfermos mentales? En la década de los sesenta llega lo denominado realismo, Courvet
es un tipo de formación rustica, no refinado, que piensa que los pintores es el que se
ocupa de lo que le rodea, la columna que había de Napoleón es ofensiva porque
explicaba la crueldad utilizada en la sumisión de los pueblos. El cubismo, Picasso,
Retrato de Kahnweiler, 1910, siempre se incluía un texto que decía queremos cambiar
la sociedad y luego no se hacía nada, el futurismo algunos si se alistaron a la guerra, el
dadaísmo, luego llega el simbolismo que son época de evasión. La Unión soviética muy
comprometido con la vanguardia, piensa que a una nueva sociedad como la comunista
podía transmitir algo nuevo. V. Tatlin, Monumento a la III internacional, imitación de
Torre Eiffel?

La guerra civil fue internacional en el siglo XX, con revistas, carteles hasta llegar la
televisión. Se intentaron romper las barreras entre artista-aficionado. A partir del año 33
tiene claro que la cultura visual es muy importante para el régimen, empieza a crear un
arte llamado arte degenerado A. Speer, Plan Berlín, 1937-1943. El nazismo tiene un
componente supuestamente glorioso. Una vez pasado este momento, con el comienzo
de la Guerra Fría, el arte era enmarañado para transmitir la situación vivida, a partir de
este momento surge el minimalismo es la aventura anti narrativa, es una presentación en
crudo de una formas. Solo hay un movimiento que tiene de vez en cuando arraigo en la
situación, una crítica social, este es el arte pop, alineación del individuo a través del
consumismo, (estar en un centro comercial dando vueltas); warhol busca un efecto en el
espectador, la multiplicación e una silla eléctrica, es para denunciar esa pena; este tipo
de arte surgió durante la guerra civil. En el 69 se decidió recuperar Picasso muerto en el
63, se dedicó al Guernica. En la posmodernidad el arte se ocupa de opciones que en
cierta medida se entienden como políticas, Salgado por ejemplo Minas. Uno de los
momentos de mayor impacto fueron las invasiones de Irak, Botelo, Escenas de tortura.
Banksy utiliza una forma ya utilizada en los sesenta, son los grafitis pero n lugares
concretos. A. Boetty, Mapamundi, denunciando la política, otro mapamundi de Vik
Muniz, realizado con materiales de desecho denunciando la situación de los países.
Santiago Sierra, Bienal de Venecia, 2003, es el creador que rechazó el premio nacional
de bellas artes, es coherente con su rechazo, le hicieron hacer los pabellones de Venecia
del 2003. Pasamos al señor Ai Wei Wei, “Todo es arte. Todo es política” Frase
profunda que le hizo reflexionar sobre la vida, decidió tirarse desde un acantilado para
demostrar que sabía volar. Baknsy desmontó el ideal Disney.

Tema 1 Introducción: transformaciones en el mundo del arte

Comienza en Francia, con la Revolución francesa y a través de unas nuevas

instituciones de producción artística como las academias como Platón y sus seguidores.
Una Francia que quiere ser el siguiente Imperio Europeo por lo que necesita un nuevo
arte, crear centenares de imágenes. Tenemos a Philibert, el aconsejador de arte de Luis
XIV. Se potencia mucho la academia como un sistema normativo de aprendizaje, el arte
era entendido como una ciencia pura hasta el siglo XX, esto les daba bastante seguridad;
las academias se multiplicaron por todo el mundo, la de San Fernando en la calle
Alcalá, en 1750, los artistas llegaban muy jóvenes, no salían al exterior, había una
asignatura para aprender a dibujar ropajes del clásico, otra de anatomía, el único baremo
era que lo verosímil es bueno. Esta enseñanza muy reglada, llegó a ser muy cuestionada
porque las normas de entrada eran muy severas por lo que se crearon academias
alternativas, ya no se copiaban tanto las estatuas sino cuerpos reales. En 1919 Joaquín
Sorolla era profesor de la escuela de San Fernando, quitó todas las cortinas de la sala
para que entrase la luz, fue muy criticado. Vemos un cuadro en el que aparecen
personas utilizando reglas, compases para medir, vemos un esqueleto, aparece algo que
es mentira, salen haciendo autopsias.

Estas obras académicas no tenían mucha salida comercial hasta que aparecieron en este
momento en 1799 aparecieron los salones en Francia, eran una serie de habitaciones que
en un principio estaban en el museo del Louvre, se le llamaba la sala cuadrada, a partir
de 1737, se hacen más; se crearon jurados para ver si ese cuadro tenía la calidad
suficiente para ser puesto para poner en el salón, son dos factores, tanto calidad como
moral (ej. Un desnudo), eran paisajes, retratos, colocados de una forma peculiar, en
varios pisos, se colocaban según el género, el tamaño…

Denis Diderot es el primer crítico de arte moderno, el primero que se da cuenta de este
lío, escribe par a un grupo más selecto, va a enseñar como criticar una obra de arte
(crítica y teoría del arte) escribe en la enciclopedia. Napoleón III, en 1855 organiza una
gran exposición en París muy conocida donde hay elementos de industria, para enseñar
que parís es la ciudad más importante del mundo, iba a haber cinco salas cada una
dedicada a algo. Pasamos a 1860, el crítico comienza a ser un crítico que se anticipa a
los movimientos, como si fuese un galerista pero sin sus beneficios, CH. Baudelaire, es
un escritor, tiende al romanticismo frente al clasicismo, es uno de los que antes y con
más fuerza que se opone a la fotografía. F. T. Marinetti, piensa que los juguetes pueden
ser una obra de arte, publica un manifiesto del futurismo, antes que hubiese nada del
futurismo, a partir del año 1909 viaja mucho para defender su postura. Llegamos a una
situación que es la actual, el crítico de arte en ocasiones es la estrella, dejándose
influenciar políticamente, moviéndose por criterios estéticos y también es un factor
económico fundamental. Es importante los motivos de inspiración, a finales del XIX y
principios del XX, pasamos al arte chino o japonés papel de envolver objetos, dadaísmo
tal, los enfermos mentales, materiales de desecho. Frente a los artistas de academia,
aparece el arte salvaje, gente que no había aprobado nunca un examen, en España el
mejor ejemplo fue Alberto Sánchez, Maternidad, 1930-1932, sin ninguna preparación,
muchas las hacía con barro, escayola, materiales baratos porque no tenía dinero pero
llego a alcanzar importancia. El arte Bruto, Jean Dubuffet, había visitado centros
mentales para ver como gente sin razón podía pintar. El cómic siempre había tenido un
pequeño hueco en la prensa aunque nunca había alcanzado mayor relevancia hasta que
llega al arte Pop.

Los Clientes del arte: mercado producto

1 Galerías privadas: si no hubieran existido galerías, no hubiera existido el arte

contemporáneo, por ejemplo Miró estaba muerto de hambre y si no le hubiesen
comprado los cuadros... A finales de los años XX, gracias al impresionismo, se
vendieron por miles. Las galerías surgen a finales del S XIX, son centros muy
especiales, a veces eran tiendas (Estudio Nadar, París, fue una artista que fracasó año
74) sin Paul Durand- Ruel no hubiese existido el impresionismo, este hombre tenía un
negocio de trigo, pero tenía unas inquietudes artísticas. Paga un dinero al artista pero se
queda toda su producción (actualmente eso es un delito). Algunos de esos galeristas
eran de origen judío, como ejemplo A. Flechtheim, ya no solo se basa en cubismo,
elementos africanos, sino que tiene sedes en Alemania, también publica un par de
revistas (para anunciar sus galerías); solo publica galerías temáticas como ejemplo la
“Exposición de Beaux Arts” en el 38, es de surrealismo, también la “Exposición Braque
Picasso”, 1915. En Nueva York Julien Levy, solo publica surrealismo, cuando decae
Nueva York se va Los Ángeles, porque esta Hollywood e intenta vender esa idea de
sueño que viene bien allí; Peggy Guggenheim, casada con un surrealista, dice que
Europa se está poniendo peligrosa porque han entrado todos los alemanes, coge todas
sus cosas se va a NY y creara una galería llamada “Arte de este siglo”.

Jason polo mayor genio de la pintura mundial, aquí entran factores nacionalistas, la foto
en la que parece se llama “Los airados”

Josep Dalmau, en España la ciudad más potente en arte contemporáneo era Barcelona,
este señor empezó siendo anticuario, de antigüedades persas para ver qué pasaba, no
tuvo suerte y decidió irse a Paris, dio un volantazo hacia la pintura, esto cambia la
historia del arte de España es quien promociona a Dalí y Miró, fue el primero que hizo
la primera exposición en España de cubismo. En los 30 se le contrata como asesor de
otra galería, gracias a él entran obras de estos señor anteriores.

En Madrid no había galerías, no por falta de dinero, sino porque ese dinero estaba
destinado a cosas políticas, en los años 50 aparece alguna galería, Clan, Buchholz; en
los años 70 se crea una galería especial, “Multitud”, lo forman profesores universitarios,
una especie de barraca de la República. En los 60 aparecen una serie de mujeres
galeristas como Juana Mordó, era muy cruel en sus tratos, otra es Soledad Lorenzo,
hace un año firmo un convenio con Reina Sofía para regalar al Estado Español muchas
obras.

2 Coleccionistas: el coleccionismo siempre había existido pero se hace ilustral en los

años 20, la Sala Matisse en la casa de Schukin. Hay muchos americanos que gracias a la
producción masiva, la electricidad, pero eran igual de paletos a pesar de ser millonarios.
Gertrude Stein viene con su hermano, se convierte en una promotora muy activa, invita
a otras personas de su clase social a ver las obras de Picasso, el primer museo de arte
abstracto se llama ¿. Chester Dale, es un coleccionista, retrato hecho por Dalí con un
rayo de luz hacia su cabeza. Otro caso interesante es el de Patricia Phelps de Cisneros es
la primera coleccionista de arte latino americano.

3 Ferias de arte contemporáneo: La exposición de Arco Madrid, promocionada por el

PSOE, como si fuese una escuela de arte contemporánea para todos. Se dividió en días,
primero para galerías y coleccionistas y luego para todo el público. Como en todas las
ferias hay un comité que pone precio al m 2. Siempre hay un país invitado. Arco tuvo
durante muchos años una pega, por qué no dio el salto hacia Latinoamérica. Hace poco
Basel, Hong Kong, da un salto y hace un triángulo, va hacia China que es donde se
pueden hacer los negocios.

4 Bienales: de vez en cuando estos coleccionistas decidían competir para ver quién era
el más moderno, a finales del XIX surge la Exposición Internacional de Venecia,
primero por Países y luego por artistas. Después EE.UU intenta hacer lo mismo, el
Museo del arte de Carnegie.

5 Museos y centros de arte: La situación española de las últimas décadas, hizo que la
política considerara crear una nueva imagen e España así que empezaron a hacer
exposiciones por cada provincia casi.

6 Fundaciones privadas

Tema 2: el siglo XVIII Neoclasicismo

Está vinculado estrechísimamente con la ilustración, y en muchos aspectos modificaron

los pensamientos. Es ingenua, aquí se pensó que el ser humano llegaría a la perfección a
través de la razón, pero se dieron cuenta que eran necesarios los sentimientos. Desde el
principio acaban siendo muy críticos, saben que no hay una forma muy fiable de
enfrentarse al mundo. Al mismo tiempo que esto se construía en un lugar como
Alemania hay tres o cuatro avanzados que están apostando por el romanticismo. En
definitiva es la recuperación de lo clásico, pero evidentemente no era real. La raíz neo y
clásico son contrarios, hay escultores que empiezan a trabajar con el barro, que tiene
mucho que ver con el romanticismo.

Las tres ciencias (1770) que se van a ocupar del arte son:

 La estética: es una forma distinta de ver el mundo, solo lo podemos aplicar a ciertos
elementos del mundo, belleza. Tiene como un objetivo, el llegar a una
universalización. La estética no sirve para nada en comparación con otros
conocimientos como la ciencia, la matemática. Las cualidades internas por ejemplo
son los colores de la propia imagen, para suscitar en el espectador una emoción. Es
un producto alemán y francés, Bavmgarten dice que es la ciencia del conocimiento
sensible, intenta aunar los dos términos, da primacía a la razón. Para tener esto hay
que tener cierto gusto, una predisposición para lo bello. A nivel popular es la ciencia
de lo bello. M. Mendelssohn Principios fundamentales de las artes y las ciencias, es
el primero que se plantea que el arte no se ocupa de la edición sino de la belleza.
Este señor se da cuenta de que al mirar a un sitio tomamos una decisión (girar el
cuello), la emoción, un tercer paso sería la clasificación y un último paso sería el
placer. Acaba desvelando que el problema es la razón o sentimiento y dónde se
encuentra la belleza, si en el objeto o en el sujeto (va a ir ganando espacio mientras
el objeto queda relegado).
 Historia: al principio solo había descripciones, de qué van los cuadros, se entendía el
arte como la narración de historias. El fundador de la historia del arte fue J. J.
Winckelmann, en 1755 Imitación de las obras griegas, como se puede decir,
desnudándose desde el principio dice que la imitación también es bueno, lo que él
no sabía es que esas formas supuestamente perfectas es que esas imágenes originales
estaban siendo refritas. Este libro es un éxito, dice que el arte clásico se define con
esta frase “Noble sencillez y serena grandeza”. Va a estudiar toda la colección de
esculturas, va a definirlas en términos estéticos y hacer grados de belleza y va a
crear una historia del arte. Escribe otro libro, La historia del arte en la antigüedad,
se apoya en algunos criterios dudosos, el bueno es que hay que describir y comparar
las obras, para ver como la belleza va variando (hay que tener en cuenta que él está
dominado por el prepositivismo, hasta llega a decir que el arte el Grecia era así por
los años al sol y así eran obras duras). La idea organicista la va a copiar
posteriormente Darwin. Antonio Canova, Teseo y el Minotauro, 1781-1783, es
mármol en su mayoría, muy pulido, son cuerpos jóvenes; Canova, Paolina
 Borghese, 1805, Venus y Psique, 1805 (sirve para todos los públicos), Bustos de
Napoleón. B. Thorwaldsen, Jasón y el vellocino de oro 1803, Ganímides y el águila
1817, es la historia de los amores de Zeus de joven. Lessing, Laocoonte 1766, se
descubrió casualmente en 1506, dijo que era el mayor prodigio del arte griego, al
historia es de un anciano sacerdote, con dos hijos con un repertorio increíble de
gestos de dolor, despedida; cuando este señor escribe su texto quiere acabar con los
ideales de la escultura neoclásica, recupera una fórmula muy famosa en el arte del s
XVIII, “Poesis”, estos era un tópico de Horacio, la pintura quiere ser como la
poesía, quiere ver cuál de estas dos artes es superior, hace una estrategia dialéctica
“Querelle”. La poesía, literatura es la descripción de momentos, se ocupa de lo
visible e invisible y la pintura solo describe espacios, solo se ocupa de lo visible.
 Críticos: debemos explicar las relaciones internas de la obra para que la gente lo
entienda. Van a hacer algo importante, crear el gusto; Diderot, 1743 fue el primero
que se dio cuenta de muchas cosas, no solo artísticas sino de civilización. Diderot y
D Alembert les ofrecen un trabajo que rechazan, rompen el contrato. Un proyecto
que dura 21 años Enciclopedia 1751-1772, ellos conocen a la élite mundial, dicen a
cada especialista que se ocupe de lo suyo para crear un diccionario razonable, de los
28 volúmenes, 18 eran dibujos, nunca antes se le había dado tanta importancia al
arte, encontramos colecciones asombrosas. Esta enciclopedia tiene un discurso
preliminar, dicen como es el mundo, ellos dicen “el arte no se mide según la belleza
sino por la mímesis” (1- pintura escultura; 2- arquitectura; 3- literatura; 4- música,
piensa que es la más abstracta). Para ellos predomina la forma al color. Diderot se
inventó la profesión de crítico de arte, en 1699 crearía exposiciones de arte
académico pero que se abriría al público, piensa que el público no sabe, así que
escribe textos llamados salones. “Exemplum virtutis”, escultura y pintura, piensa
sobre todo la pintura, tiene que ser moralizante, desde un nivel inicial en el que la
persona ve el cuadro, lo transmite a la familia, y luego va a la realidad. Boucher,
vemos a una serie de ninfas, Diderot dice el peor de todos es este tipo, porque solo
pinta estos temas y eso significa que está todo el día en los prostíbulos. Chardin,
aparece una pequeña mesa, preparando a una niña para ir a Misa, otro es una
persona jugando a las cartas; Greuze muchachas que están vestidas a la moda
imperio, con pieles rosadas, criaturas inocentes que tienen que enfrentarse a la vida
(pájaro muerto), Boda del pueblo, 1761, esto indica el matrimonio por conveniencia,
poco a poco lo estaban rechazando en la sociedad, en el cuadro aparece el futuro
 novio (no olvidemos que cuando se produce la Rev. Francesa es para ser
igualitarios).

Querelle con Falconet, Milón de Crotona, 1754 le gustan los temas clásicos, decide
enzarzarse en un debate con Diderot, para defender la superioridad del arte moderno
frente a los antiguos. Hay una serie de cerámicas por ejemplo que son muy toscas frente
a pinturas, Falconet, Monumento a Pedro el Grande, con estas pinturas consigue llamar
más la atención, sin embargo Diderot dice que lo clásico es mejor. Finalmente Diderot
reconoce que lo moderno es más chachi, más potente, un siglo mejor para las artes.

Tema 3 arquitectura ilustrada: Piranesi y los utópicos franceses

Piranesi, Ruinas de Roma 1760, él propone que tenemos que dar importancia a la
naturaleza. Monsier de Monville, son edificios destruidos, hay que pensar que la
arquitectura que se había hecho durante el neoclasicismo era muy barroca con dorados,
todo muy recargado. Lo que dicen es que la arquitectura no es el arte de construir sino
pensar la arquitectura. Vitruvio es de la antigüedad y escribió un tratado de 10 libros, es
la gran referencia durante siglos, todos los que querían de arquitectura desde el s I-
XVIII se sabían de memoria este texto. La cabaña Vitruviana, esta idea era muy
sugerente de Daniel Defoe, fue best seller, es un marinero que procede de la
civilización, naufraga y llega a una isla y tiene que empezar de cero, lo primero que se
le ocurre es construir una casa.

 G.B. Piranesi 1720-1778: tiene unos retratos de la época, uno luminoso y otro
oscuro en el que su mirada incita al reto. Ruinas de Roma, vemos un anfiteatro
que en realidad no es tan grande, está lejos de la realidad, también realiza
algunos grabados de grandes avenidas que él ha cuajado de distintas épocas, hay
arquitectura con esculturas, formas raras, circulares… Cárceles imaginarias,
había más gente que empezaba a dudar de la luminosidad de lo clásico, crea una
serie de láminas que tiene muchas escaleras que no se saben a dónde van, hay
algún viajero desprevenido que no sabe dónde va, parece ser el callejón oscuro
de la trastienda. Él también tiene esa idea de lo fantástico, hace jarrones
inspirados en lo antiguo, combinando mil elementos, sin coherencia.
 E. L Boullée 1728-1799: como se quitaban los paradigmas de lo neoclásico
daba lugar a cualquier cosa, se empieza a abrir el gusto. Todo este discurso de
arquitectura de Piranesi llega a los franceses, el primero es este señor. En el
 dibujo sigue señalando la Cabaña Vitruviana. Tenemos unos 100 dibujos en la
biblioteca nacional de París, dibujos sorprendentes, que muchos empezaban a
mirar con nuevos ojos. Cl. Perrault, Columnata del Louvre 1660, a Boulle le
parece mal que el arte de la arquitectura solo fuese para unos pocos que
supiesen arquitectura, así que propone una arquitectura parlante, lo consigue
gracias a unos estímulos como los tamaños impresionantes todos nos sentimos
pequeños, y otro por ejemplo es la repetición de cuerpos geométricos sin
decoración. Este es un ejemplo, Cenotafio a Newton, 1784, porque él fue el
primero que había entendido como funcionaba el mundo; su obra es un lugar de
culto a Newton porque es como un Dios, pero en ese siglo no se podía construir,
supuestamente podía darle el sol, cuando lloviese entraría la lluvia; eligió la
esfera porque es la figura perfecta sin esquinas. Teatro de la Ópera, muchas
columnas, escaleras como las que llevaban a los templos griegos, personas
diminutas… Él va a decir que hay que convertir la arquitectura en la naturaleza,
de manera que cuando entrases lo que vería sería un paisaje. La biblioteca,
como si fuesen 360º, había existido muchas biblioteca imaginarias, pero él
pensaba que el problema es que eran edificios, piensa en un edificio que sea
infinito, es una bóveda de cañón que es un módulo que se puede modificar,
tiene un pequeño problema, la bóveda cañón tiene óculos para la luz natural
pero si llueve caería todo en unos pequeños estanques a modo de Pluvium
romano. Boullée plantea un urbanismo, diferentes centros urbanos donde las
calles serían muy anchas, con buena ventilación (Egipto). Esta última fuente
urbanista es muy del neoclásico.
 Claude Nicolas Ledoux, Albergue para los guardas reales, 1770, este si está
muy implicado con el poder de los reyes, trabaja para ellos, esto le pasara
factura, cuando llegue la revolución. Le encargan arquitectura de producción y
arquitectura de represión. Son arquitecturas especiales, esferas con una entrada
rara. En los 80 se hará famoso por Las barreras 1784-1787, son reales, hubo
hasta 66, son como una especie de Aduanas. Cuando se empezaron a poner
tensos llegaron a ser centros de concentración de personas incluso de
fusilamiento. Ciudad ideal de Chaux 1775-1779, han hecho un representación
con un centro en el que estaba el director, estaba creando el término panóptico
(ver todo desde el mismo punto), tenemos una zona exterior donde estaban los
trabajadores con un lugar de esparcimiento. La casa del director (Gran
 Hermano), con su chimenea, unas columnas casi clásicas, un agujero ahí puesto
sin sentido. A este señor se le encarga todo, donde viven los trabajadores y
donde mueren; Cementerio para la ciudad ideal de Chaux 1775-1779, parece
que no se sabe por dónde ir, hay que ir leyendo, vemos un óculo que es una
pequeña zona de culto, como de recogimiento espiritual. También diseña
incluso un prostíbulo, porque piensa que es una de las necesidades de los
ciudadanos
 Jean Jacues Lequeu, es el más comprometido con la Revolución, incluso estará
al frente de algunas junta de barrio, es también el que más nos anuncia que este
tiempo también entrará en decadencia. Empieza a hacer diseños más compactos
menos ambiciosos Templo de la igualdad, Templo de la Tierra con una
característica principal la esfera exterior está pintada como si fuera un
Mapamundi.

POSMODERNISMO

La arquitectura no es un lenguaje

Aldo Rosi, diseña un cementerio, Cementerio de San Cataldo 1971, arcos de medio
punto sin columnas, formas cúbicas, piramidales.de AT &T, 1978, que le pasa A este
edificio es que no se puede ver con tranquilidad porque está al lado de otros 20
rascacielos.

P. Johnson, Sede central.

Ch moore, Piazza d´Italia, es muy inspiradora y muy confusa, todo ello en una ciudad
tan extravagante.

J. N. L. Durand, era discípulo de Boullée, realiza unos cursos en la Politécnica de París,

Curso de arquitectura, 1800, hace una peculiar historia de la arquitectura del pasado.

Tema 4 Pintura neoclásica: J. L. David y los ideales de la Revolución francesa

Jacques- Louis David 1748 -1825, inicia una carrera académica al principio, consigue
el gran premio de Roma, él pasa cinco años junto a su maestro, Wiel. La pintura en
aquel momento muy prestigioso por ahora, es un autorretrato de un año muy
interesante 1794 (el año cumbre de la primera parte de la revolución), Napoleón
desconfiaba de este señor, en este retrato sale mirando descaradamente al espectador,
agarrando con fuerza sus armas (prefiere estar en el exilio o en la cárcel porque cree
que el neoclasicismo no es solo el arte sino una forma de política). Vendedora de
amorcillos 1783, nos lo presenta en un entorno supuestamente arqueológico, cree que si
pinta escenarios creíbles, el espectador se sumergirá mejor, sigue siendo un cuadro
convencional a diferencia del que va a pintar de inmediato en 1783, El dolor de
Andrómaca trata otra visión de la antigüedad, con sacrificios, todavía tiene elementos
del barroco. Al principio pintara figuras antiguas pero después en un largo proceso
pintará personas actuales, trata colores oscuros, con exageración en los rostros. Es una
persona que ya está de vuelta en parís, con el pensamiento de que las personas en la
Antigüedad pueden morir por sus ideas, cada vez menos barroco, Juramento de los
Horacios 1784, con un par de metros, impactó mucho por su capacidad de oratoria, es
un cuadro teatral, sabemos que en Roma se había presentado este cuadro, tiene
diferentes problemas compositivos, aparecen como en un relieve, y el grupo de las
mujeres como de forma piramidal. En 1784 lo que dice es que hay que hacer sacrificios
para mantener el Estado. La Muerte de Sócrates 1787 rodeada de la familia, mostrando
una sociedad trágica, hay rostros compungidos ante lo que va a pasar. Muerte de los
hijos de Bruto o el Cónsul Bruto recibe los cadáveres de sus hijos 1789, el grupo
femenino por la derecha ganando protagonismo, con el gesto ante la llegada, a la
izquierda como en penumbra (la historia cuenta el peligro de la distinta interpretación
de las leyes, el cónsul acepta que la ley es más fuerte que la familia). Cuando llegó la
Revolución Juramento del Jeu de Paume, 1791 David es miembro de la convención,
nos quiere contar como un periodista, muestra que el pueblo se levanta. Vemos bocetos
muy concretos en otro cuadro, con el cuerpo muy detallado. David va a realizar tres
cuadros en el 1793, la diosa igualdad, la diosa justicia (esto eran nombres de edificios)
quiera hacer para los tres mártires de la revolución, Le Perrier, es un político angorina,
con una muerte más lamentable, con una postura que recordaba a ciertos cuadros de la
resurrección de Cristo, La muerte de bara, se refiere a un tema, con una austeridad
total, está en mitad de una paisaje raro, sabemos que exterior, él lo que quiere es
centrarse en el cuerpo, aprieta contra el suelo su pecho, esto indica que se tiene que
morir por los signos de Francia. El tercer gran cuadro fue La muerte de Marat, aparece
como un jovencito de 20-30 años, con un tocado exótico, su rostro es desagradable, es
feista, para David es un héroe que va descubriendo los peligros de la Revolución,
cuenta que él cuando está tomando unos baños medicinales, aparece una chica que le
apuñala (posteriormente es sentenciada), antes de convertirse en noticia, quiere entrar
David, tenemos una mancha oscura, no reconocemos ningún interior. María Antonieta
conducida al Cadalso 1793 es uno de los cuadros de verdades eternas, hace caricaturas
de algunos personajes, aquí es donde más cerca está de Goya. Rapto de las Sabinas
1799, cuando salió de la cárcel pintó este cuadro, se estaba interesando sobre el giro
que estaba tomando la sociedad francesa, los primitivos romanos, secuestran a las
mujeres, en este cuadro está representado la lucha de dos tribus, insiste en la necesidad
de sangre aunque ahora busca la reconciliación; de este último cuadro nos fijamos en el
cuerpo desnudo de la izquierda, esto es pintura Pompier, hace una exageración para
burlarse, arriba sale una madre con un niño muerto en brazos (inspiración para
Picasso), al fondo tenemos un montaña que indica que en el neoclasicismo ya no es
tanta grandeza sino que se estás colando otra cosa, lo sublime son aquellos elementos
que provocan en el espectador miedo, la fortaleza que aparece al fondo , también es
sublime. Madame Recamier 1800, también conoce el oficio de los retratos, es una
cortesana que se presenta muy austera, mira al espectador en señal de aprobación, la
parte de arriba muy ceñida. Napoleón cruzando los Alpes 1800, van a llegar Rusia
llegando a su ruina, este cuadro es el más llamativo porque esta pidiendo autoridad,
aquí añade nuevos elementos como el caballo encabritado, esto es una metáfora de oh
qué difícil es dominar el Estado Francés, como sabiendo que entra en la historia. La
coronación de Napoleón, en los siguientes años va conquistando todos lo resortes de
poder en Francia, en 1805, decide cerrar el ciclo y autodenominarse monarca, necesita
crear la idea de genealogía, decide que lo mejor es una coronación; este cuadro nos
enseña Notre Dame por dentro, esta iglesia es los arranques del gótico, era incómodo
para Napoleón porque no representaba sus ideales, en este cuadro el Papa aparece en
segundo plano. Juramento de las águilas 1810, representación de las dos periferias de
Europa, Rusia y España, acabando con ese régimen centralizado, aparecen muchas
figuras a diferencia del anterior, el edificio parece que es nazi, salen con el brazo en
alto saludando, hay un pequeño detalle como si no hubiese querido pintarlo, aparece un
otomano. David a la altura del año diez se está dando cuenta de que la sociedad es más
compleja, también hace otros retratos de Napoleón, todo lleno de telas, abalorios como
monarca y mucho más austero. Leónidas en las Termopilas 1814, ha habido muchas
revoluciones, nos cuenta como bien sabemos que Leónidas con sus trescientos
espartanos había frenado la invasión persa, Francia se convierte en Leónidas y evita
sobre todo a Alemania y en otro lado a Inglaterra, en este cuadro hay alguna referencia
a la Antigüedad. Apele pintando a Compose ante Alejandro. En los últimos años entra
en una fase de melancolía, Napoleón ha sido derrotado y ha muerto, excusas para pintar
desnudos, no cuenta nada el cuadro, nada político. En el momento final Amores de
Venus y Marte 1822-1824, una vuelta al arte cortesano, una Venus filtrado con muy
poca divinidad, es una excusa para colocar un tema erótico. Tuvo su escuela de
pintores, que acabaron haciendo cosas como huellas del rococó

Con David vemos que el neoclasicismo ya se está resquebrajando

Tema 5 Entre el neoclasicismo y el romanticismo: Goya y los visionarios

británicos

Francisco de Goya es el que marca el avance, se convierte casi en el padre de los

modernos, porque ofrece, a diferencia de David, muchos lenguajes, vamos a ver el
expresionista, romántico… Uno de sus primeros autoretratos, es un agua fuerte del
1825 cuando ya ha conseguido escapar a Francia, su padre era dorador y decorador de
estatuas. Para entender a Goya hay que distinguir entre el mito que proviene de algunos
escritores que empezaron a contarnos unas imágenes un poco raras de Goya “” que es
alguien convencido de la época negra de España, lo que hace es política. Tenía un
carácter muy pendenciero, muy violento, tuvo una pelea al parecer por amor, tuvo que
huir. Llega a Madrid intenta entrar en la escuela de San Fernando pero fracasa dos
veces, porque no tenía ningún enchufe, como era una pintura más libre, al final será el
director de allí. Aníbal contemplando Italia 1771, se paga el viaje a Italia, sale
Napoleón cruzando los Alpes, Aníbal contemplando Italia, tiene unos colores azules,
demasiado luminosos, es totalmente antinaturalista, incluso parece una pesadilla o un
sueño, aparece una minotauro. Consigue mucho trabajo, porque se casa con Josefa
Bayeu, Cartuja del Aula Dei 1774, es un encargo de tres escenas de gran altura, pinta
estructuras con color, se controlaba mucho todo el proceso, despliega un conjunto de
varias escenas a veces conectadas con las miradas. Conde Floridablanca José Moñino
1784, es el primer retrato de nivel, es muy interesante, lo vemos en primer término con
un traje rojo, muy rígido, atrás sale Sabatini, sale un arquitecto con los planos del
palacio real, no quería morirse por eso ponía continuamente relojes (paso del tiempo),
no le gusta el retrato, porque es bastante malo, sale un retrato por detrás, otro haciendo
otro cuadro (tres niveles de composición). La familia D. Luis 1784, nos impresiona en
primer lugar la oscuridad, solo iluminada por una luz que tiene que estar por debajo de
la consorte de la casa de verano, hace que los cuerpos parezcan reales en una
habitación. Cartones, la corte había decidido crear su propia empresa de tapices, Santa
Bárbara, primero sobre un cartón hacían un boceto de lo que querían preparar, se lo
llevaban a los reyes y si les gustaba, se llevaba a cabo varios procesos, solo cuando los
pintores tenían honores podían dar su valoración y hacer luego sus cartones. Fue mano
principal en unos 50 de estos cartones. Las cuatro estaciones, Palacio de Pardo 1786,
los cartones se agrupaban, esto es una serie para los príncipes de Asturias, nos presenta
un tema que le va a gustar mucho a Goya, una siesta en el campo, un caballo blanco,
una gran mole al fondo. Para el despacho del Rey en El Escorial 1792, La boda y el
Pelele venía a ser una denuncia de la injusticia de la sociedad, como el matrimonio de
conveniencia, principalmente no porque hubiese cambiado la legislación, sino la
sensibilidad. Son años muy intensos en la vida de Goya siempre es agotadora por la
cantidad de proyectos que protagoniza. Nuevas temáticas para la pintura dejando a un
lado las figuras de estatuas de la mitología, por ejemplo, Capilla de San Francisco de
Borja 1787-1788, uno de los milagros era haber salvado de una especie de exorcismo,
son temas oscuros. Esto que estamos viendo es muy coincidente con El dolor de
Andrómeda de Jacques- Louis David, en ciertos artistas pioneros empezaba a calar los
mismos sentimientos. Goya es ilustrado, afrancesado, El hechizado por la fuerza y El
aquelarre 1798 cuando pinta estas escenas es porque es petición de sus clientes, esta
oscuridad son síntomas de los sublime, (Escena de brujas 1798, Cocina de las brujas
1798, Brujas en vuelo 1798). También es una gran retratista, no en exclusiva para los
reyes, pertenece a otra época con más posibilidades, Duques de Osuna 1788, él ama a
sus retratados excepto cuando es una familia real, se centra en los niños porque él
piensa que son el futuro., 1795, en el 92 sufre una enfermedad que le deja sordo de un
oído, se va a Cádiz e intima con la Duquesa de Alba. Retrato de Jovellanos 1798, en el
momento de su gloria cuando se convierte en ministro de Estado, era un intelectual que
había decidido meterse en la rosa pública, se repite la misma idea de melancolía,
aparece la diosa de la inteligencia. Capricho 43 1798, ya cae del agotamiento, va a ser
la portada de los caprichos. La maja vestida, la maja desnuda 1803-1806, se crea una
maquina que permitía esconder las obras dependiendo del publico que venía (ejemplo
venía un monje pues tenían que quitar los desnudos). Adora a Velázquez, es el primero
que saquea las propuestas de Velázquez, Carlos III 1786, aparece con las armas,
dominando a los animales, diciendo como que es el que manda militarmente; Familia
de Carlos IV 1800, realizado en sus primeras semanas de visita a Aranjuez, los reyes
no se dignaban a largas sesiones de posado, (45 min), algunos ni siquiera posaron, se
tuvo que apañar con grabados, los más relevantes sales por delante, a la izquierda
tenemos al infante, por detrás sale Goya pintando un cuadro que no vemos, esto es un
nivel de refinamiento máximo, hay dos órdenes jerárquicos, en el centro (cercanía de
los pies) los más importante, en el centro María Luisa, con un vestido dorado y blanco,
para algunos es te vestido señala ese impresionismo más amenazador (esto indica la
diferencia), la expresión facial de Goya sale mirándonos para decir así era la familia
real. La carga de los mamelucos (Dos de mayo) 1814, sabía que Napoleón era la
representación de la ilustración, la colaboración de Goya en la guerra era casi nula, se
ve que los grandes cuadros de guerra son mentiras, se ha estudiado hasta las líneas
desde su balcón hasta la puerta del sol, vamos, que se lo inventó porque nunca lo vio
(se pensó que podrían haberse hecho a modo de carteles), él era habilidoso con la
representación de caballos, en primer término un soldado muerto con la cabeza cortada
(representación salvaje de la muerte). Los fusilamientos de la Moncloa (Tres de Mayo)
1814, un tema de muerte, noche, violencia y un tema de pasiones humanas, uno de los
momentos más exitosos del cuadro como describe las posibilidades de sobrevivir, unos
rezando, otros de rodillas. Goya es moderno porque critica la sociedad, Manet llega a
Madrid obsesionado con Velázquez y Goya, son los fusilamientos modernos pero con
la composición muy clara, con Picasso, la Masacre de Corea 1955, con niños (el
mismo número de hijos que tenía Picasso).

Caprichos, 1796-1799 vendida en un sitio cercano a la puerta del sol, donde vendí
alcohol y perfume, con un texto introductorio, es una serie en la que hay subseries, siete
asnerías dedicados a burros (médico que van a matar al maestre) fue uno de los
primeros artistas que utilizado la obra gráfica múltiple, los grabados era ya conocidos.
A la gente no le gustó nada esto, decidió donarlos a la Real Cartografía, así la iglesia no
podía entrar, en 1803 fueron salvados. La segunda serie, Desastres de la guerra 1810,
Enterrar y callar 18, Ya no hay remedio, 19, están muy bien organizados
espacialmente, se ven asesinatos, violaciones, tanto de españoles como de franceses,
Caridad 27, sale echando el cuerpo mutilado a un foso, Esto es peor; la tercera serie se
llama Tauromaquia 1814-1816, en aquella época un torero llamado Pedro Romero
había modernizado los términos de la corrida, es una colección muy divertida en la que
se imagina cómo fue la historia de los toros, aparecen nombres y apellidos de toreros
famosos; en la última serie, llamada Proverbios 1819-1823 esta realiza en los últimos
años de estancia en España, tiene una osna onírica, Disparate del miedo, Disparate
alegre, Pinturas negras,1819-1823 son catorce pinturas al óleo sobre pared, quería
decorar la casa, cubre su vivienda, las dos plantas, las decora de noche (casi no
dormía). Hizo retratos de lujuria, sale su amante, apoyada en una piedra, en principio
dibujó una tumba. Dejó la casa a su hijo Javier, a su vez a su nieto. A mediados del
siglo XIX apareció un francés que pensó que esto tenia mercado en Francia, mandó a
un fotógrafo, encargó a un restaurador que arrancó la pintura de cuajo, y luego la puso
en otro lienzo variando la calidad de los colores (ahora no se hace).

Romanticismo

En Gran Bretaña nació lo sublime, Shakespeare, siempre bien recibido en Gran

Bretaña, Joshep Adison en 1713, escribe un texto que dice que los bello es lo que hace
al ser humano evadirse de la realidad. E. Burke, Indagación filosófica sobre los
orígenes de nuestras ideas acerca de lo bello y lo sublime, como si fuese un manual,
1756. Shakespeare, se pensó que no había existido, decían que era imposible que un
hombre hubiese escritos esos textos, Milton Paraíso perdido, 1667 para muchos es la
representación del demonio, Mc Pherson, Ossian, 1765, dice que ha encontrado en un
lugar perdido en las islas británicas unos textos extraños que está traduciendo.

Definiendo lo sublime:

 Es lo que se opone a lo bello y a lo pintoresco,

 Dimensiones gigantescos algo que le saca del estado de indiferencia,
 La noche, elimina los sentidos
 La violencia
 La muerte
 El ruido
 Ciertos olores como lo nauseabundo, sabores y texturas como puntiaguda que
podría pincharnos

Definimos algo sublime de la historia por ejemplo la revolución francesa.

Ese prerromanticismo se basa en la literatura gótica, de manera muy sabia, llega

hasta hoy. Walpole, Castillo de Otranto 1764 van a aparecer castillos, cementerios,
Lewis, El monje 1796 rechazo de la monarquía; Shelley, Frankenstein o el moderno
Prometeo,1818, aquí se deja de lado esa idea del ser humano perfecto; Stoker,
Drácula, 1897. Conclusión somos ejemplares herederos de lo sublime.

A los pintores se les conoce como visionario, viven en Gran Bretaña, Fussli, el
artista desesperado antes la grandeza de las ruinas antiguas 1778-1780,
comparado con David se deja de lado esa idea, en este cuadro vemos como una
escultura de decenas de metros. La pesadilla 1781, entra por primera vez con este
señor todo ese mundo irracional, lo que escapa a la comprensión, a la
esquematización, este cuadro está en la academia de Londres, provoca un
escándalo, tenemos tres personajes, una mujer sin formas con una posición
angustiosa, sale un demonio apretando justo el diafragma (para visualizar la
angustia que uno tiene cuando sufre pesadillas) y en la parte de atrás tenemos lo que
parece un gigantesca cara de yegua. Luego hay otro cuadro posterior de manera
similar, como si fuese el episodio posterior. Fussli es uno de los grandes pintores de
Shakespeare, Despertar de Titania 1790, salen personajes del bosque, siempre la
cultura popular pensaba que existía pero nadie lo admitía, Dios Thor una serpiente,
todo muy basado en la literatura (se pasó a dibujar divinidades nórdicas) después se
pone en marcha toda un iconografía.

William Blake, es de los primeros que recuperan el arte gótico, en general de la

Edad Media, era algo que se había olvidado con el neoclasicismo, es nudista, tiene
visiones y se atreve a decirlas en público (se le aparece la cabeza de Dios en la
ventana, o el alma de una pulga), publica unos libros que trata los sueños del ser
humano, creer que puede cambiar el mundo y luego no llega a nada, las imágenes
de Blake están encerradas en viñetas. Se inspira en esos manuscritos medievales,
monacales donde ese combina texto e imágenes y que tiene un fuerte valor
decorativo, Europa, una profecía 1794, dentro de este libro vemos un imagen muy
potente, sale un dios sujetando con una mano muy poderosa un compás, está
diseñando el mundo, su barba y melena se mueve muy fuerte, utiliza colores
oscuros. 1794 realiza tres monotipos (grabados de un solo resultado, un plancha y
una copia, después se destruye la plancha), Hecate, sale un burro que está asociado
a la lujuria, sale leyendo el personaje un libro que deja al descubierto el contenido
se ve que son textos del infierno. Nabucodonosor 1795, está en un cueva, escenario
perfecto para estas metamorfosis, se concentra mucho en la mirada, Newton 1795,
lo representa como un joven idealizad, musculoso, en una postura rara, plegado, en
un acantilado o en una cueva. En los últimos años de subida decide ilustrar, Libro
de Jerusalén 1807-1820, El libro de Job 1825 nos tiene que contar siempre
historias, aquí aparece otra vez el demonio, además de demonio lo vemos también
con una identidad propia, La divina comedia, es un grupo de musculosos flotando,
se pinta como si realmente lo hubiese visto.

Flaxman, él había empezado siendo constructor, hacía estelas funerarias al estilo

griego, después deriva hacia el dibujo pero manteniendo esas características de gran
plenitud, diferentes niveles de composición. Se inspira en las grandes epopeyas,
Shakespeare, se interesa mucho por la muerte pero lo pinta de una manera sintética,
Electra encabezando la procesión hacia la tumba de Agamenón 1795, colección de
figuras antinaturalistas, rígidas, no tiene movimiento, no tiene casi volumen (como
espectros). En la búsqueda de algo original en el año 93 se le encarga la ilustración
de La divina comedia: su planteamiento es muy abstracto, elimina todo lo
verosímil, vemos un cuerpo desnudo cayendo, solo en apariencia tienen los
músculos de las esculturas griegas, Lucifer, nos habla de cómo se devoran los
cuerpos, El limbo, utiliza el dibujo igual de los neoclásicos pero ha cambiado el
interés, diseña las nubes como si fuesen líneas, Escalera celestial, salen bajando
unas escaleras del cielo, todo este proceso acaba en Visión beatífica, es todo
abstracto, esta tendencia, lo toma también William Turner.

Tema 6 Nacimiento de la pintura moderna del paisaje: Inglaterra y Alemania

Wiliam Turner, es como el dios de la pintura de paisaje de Gran Bretaña, había

nacido en una familia muy pobre, su padre era barbero, el niño tiene unas dotes que
el padre decide explotarlo económicamente, le pone a retratar vistas de Londres, es
alguien que va a tener mucho éxito y va a viajar, es u pintor de lo sublime y a
menudo cuando pinta paisajes son naufragios. Naufragio 1805, no es solo donde
mueren los hombres sino que allí también se puede hacer una nueva vida, con
naranjas rojos amarillos, por supuesto es donde habita lo sublime marítimo,
pintaban tiburones, para saber que iban a morir y la gente que lo miraba. Aníbal
cruzando los Alpes 1812, los sublime lleva a ordenar los géneros de la pintura,
cuando decide hacer esto, pinta un gran paisaje donde las figuras minúsculas y lo
que le importa más es una borrasca de nieve. En el año18 34, El incendio de la
Cámara de los lores y de los comunes, es de verdad, se quema la cámara, este
cuadro tiene mucho éxito. Cuando va a Italia, no estaba obsesionado con los
palacios concretos sino con la atmósfera, a los ingleses les encantaba Italia porque
les recordaba al clima. Lluvia, vapor y velocidad 1844, está a punto de empezar el
realismo, Amanecer con monstruos marinos 1845.

John Constable, también habla de paisaje, pero de manera muy distinta, es hijo de
un terrateniente, lo que va a pintar en ocasiones son sus propiedades, va a decidir
que va a pintar lo que rodea (como un retrato como seña de identidad). Desde 1814
está produciendo cuadros de paisaje de gran tamaño, esto es un camino que
conduce directamente a producir la sensación de estar en el lugar. El carro del heno
1821, un creciente interés por los cielos, al principio se había reducido a formas
geométricas, Catedral de Salisbury 1831 podría ser gótico del siglo XV, construye
su identidad a través de los árboles, le interesan las condiciones atmosféricas. El
caballo blanco 1819, Estudio de nubes 1821-1822, le interesan los cielos, las
condiciones climatológicas. Se inventó un verbo para definir esto, skying. Playa de
Brighton 1824, él no modifica los paisajes es su impresión.

Caspar David Friedrich, se produjo en Alemania algo parecido, unos territorios en

lo que hoy es Dinamarca antes muy vinculados a Prusia es donde nació. Los
ingleses se encargan de cuidar los bosques, Altar de Tetschen 1807-1808, en
principio se ve una cruz, en una montaña y ya, pero resulta que es que acaba
relegando los religioso a la naturaleza, él se formo yendo a unas extrañas
ceremonias que hacían unas especies de misas, en este momento Napoleón está
atacando que va acabar con sus tiempos y algunos ven este cuadro como patriótico,
una llamada a la rebelión. La cruz de la montaña 1807. Lucho contra Napoleón,
recaudó dinero para los ejércitos, El monje junto al mar 1808-1810, un paisaje
blanco, un monje (él mismo), el reconocimiento de la propia cercanía geográfica
hablaba de vida.

Rothko, es un historiador del arte de 1969 que piensa que lo que se ha producido
realmente es un salto de esa tradición nórdica, que le gusta lo sublime y lo que ha
hecho es aplicarlo a unas formas. Hay que tener en cuenta que EE.UU, era el país
de lo sublime.

Friedrich, La abadía en el robledal 1809-1810, son figuras góticas, en este

momento todavía se pensaba que era un elemento alemán. En los años 20 trabaja
muy minuciosamente, cuando ya ah sido derrotado Napoleón pero ya han sido
derrocadas las monarquías, El mar de hielo1823-1824 muestra la esperanza que se
ha hundido, sufrió fuertes críticas, lo más increíble son los colores que son azules
más claros haciéndolos más irreales (sabemos que el río Esla se congeló, esto hacía
tener una visión apocalíptica). Son cuadros capturados como si fuesen trozos de la
realidad más grande. Tres estudios de placas de hielo, parece mármol. Son cuadros
enigmáticos, El coracero en el bosque, es un soldado que va hacia su ruina, es
Alemania, en la Segunda Guerra Mundial, un escritor escribe un texto que parece
que se inspira en esta obra. Tumbas de héroes antiguos, vemos unas tumbas un
monolito, La tumba de Arminius, es casi el primer héroe de la historia romana, es el
primero que se opone a la invasión extranjera, La tumba de Hutten, una figura
vestida con ropa del gótico, con una postura muy melancólica, ruinas invadidas por
la naturaleza, túmulo prehistórico, la nieve implica la connotación de muerte, El
gran vedado 1832, esta combinación de aguas y tierras lleva a pensar en “planeta”,
con unos barcos y un cielo con un color simbólico (siempre juega con la idea del
amanecer), Las edades 1835, es una familia con las ropas típicas burguesas, En el
velero 1818-1819, cuando acaben la catedral el pueblo alemán ya tendría su
símbolos, vemos a este tío con su esposa, es como si fuese una foto, parece que se
van acercando a un perfil de ciudad (se están empezando a construir iglesias).()

Otto Runge, en 1808, piensa en un proyecto, es una de las primeras veces de obra
de arte total, había planteado un lugar donde iba a estar esta imagen entre otras,
Amanecer, 1808, lo que plantea es el conocimiento absoluto del día, con diferentes
elementos del reino natural, personas con flores.

Otto Runge, Amanecer 1808. Otro alemán que repugna el paisaje e inserta personas
humanas, piensa en un proyecto, una de las primeras veces que se habla de obra de
arte en su totalidad. Plantea un lugar en el que iba a estar esta imagen entre otras,
con un ejemplo profano, él iba a hacer la estructura, con planta centralizada, en las
paredes estarían cuatro grandes cuadros, una escultura que él haría, un gran
llamamiento a las artes, plantea el conocimiento absoluto de las horas del días, con
una base un poco mística, las horas del día son un momento cronológico pero
también atmosférico, cambian el aspecto de la imagen que vemos y conecta las
personas y los barcos que van hacia el agua hasta el final, hay esquemas
sorprendentes con unas figuras que son clasicistas y una conexión de diferentes
elementos, seres humanos de los que salen flores, niños que nacen como si fuesen
flores, y una visión panteísta, todo forma parte de un ciclo, que nace, se desarrolla y
muere de la misma manera.

Otto Runge, Los niños Hulsenbeck 1805-1806, pinta muchos niños ya que piensa
que son el pilar de la nación, rodeados de la naturaleza.

Otto Runge, Nosotros tres. El cónsul recibe los cadáveres de sus hijos, frente a
ellos nosotros tres. Eran una excusa para contarnos que era el gran paisaje.

Otto Runge, Mi familia 1806. Morirá pronto, con el que intercambia cartas. Antes
de morir teoriza sobre la esfera de colores, una esfera compartimentada en la esfera,
cada una hace un color con los matices de luz que puede dar sobre los objetos, a
veces se piensa que la esfera, al no tener aristas, es lo que permite el paso sutil de
unas gamas a otras.

En 1910 fallece Runge, y queda Friedrich.

Tema 7 El pleno romanticismo: Baudelarie, Gericault, Delacroix e Ingres

Géricault, Retrato de artista en su estudio, 1812.

Theodore Géricault, Retrato de un oficial de los cazadores dirigiendo una carga

1812, una postura de movimiento, con la carga contra el enemigo, los colores son
muy sorprendentes, naranjas y amarillos y también porque nos habla de un
individuo cualquiera.

Theodore Géricault, Coracero herido abandonado en el campo 1814, derrota por

los franceses, en el congreso de Viena y las batallas no han servido para nada, ya
que Napoleón está exiliado y a punto de morir.

Theodore Géricault, Carrera de caballos libres en Roma 1816. Gana el gran

premio en la academia, la antigüedad no es nada precisa, ya que él coloca unas
columnas detrás, pero nada precioso. El entiende que la pintura es la visualización
de la pintura del ser humano, con caballos, jinetes y seres musculosos.

Theodore Géricault, Carreras de caballos sin jinetes, 1817.

Theodore Géricault, La balsa de la “Medusa” 1819. Un barco de nombre muy
neoclásico, 150 personas abandonadas a su antojo, solo sobreviven 15, de los que
quedaran 10 ya que 5 mueren en Paris, Un cuadro muy recargado de difícil lectura,
con algo barroco y muchas diagonales, en el cuadro algunos están muertos, otros
han sido mutilados a mordiscos, ya que como supervivientes cuentan lo que pasó
detalladamente, todo esto empezó a excitar los ánimos de la sociedad civil contra la
monarquía. Él va a ir a entrevistar a los supervivientes para hacer un retrato de lo
que paso allí, también vio morir a los cinco muertos en Paris.

Frente a los cuerpos musculosos, él está viendo la decadencia, y el estado va a tener

que comprar el propio cuadro, aunque va contra ello. También hay cuerpos de
iconografía cristiana, en Senegal, o los cuerpos desnudos (también fue muy
escandaloso esto), era como romper todas las barreras de la representación, e
iconografías de personas cogiendo a los muertos, también hay algunos dibujos
previos, muy al estilo del Renacimiento de Platón, con manchas de oscuridad y
cuerpos muertos. La idea de dejar unas partes sin hacer y otras muy acabadas
también es muy romántico.

Theodore Géricault, Carreteros en el muelle Adelphi 1821. Viaja a Londres y

descubre ciertas facetas de la perfección y se interesa por escenarios del trabajo, que
son habitantes de aquel Londres con tareas inhumanas, el cuerpo sometido al estrés.

También le interesan mucho los caballos, nadie se había planteado esto en el tiempo
de los neoclásicos, de los caballos le interesa la pasión británica por la carrera, ya
que es el primero que pinta carreras de caballos y las pinta como si los caballos
volaran, esto él lo descubrió unos 70 años antes de que en el año 1978 un británico
hace unas placas fotográficas, para ver como los caballos a pleno ojo vuelan.

Se centra en los fragmentos de cuerpo y también realiza una serie de brazos y

piernas cortadas.

Theodore Géricault, Serie de locos y locas 1822-1823. Son retratos realistas, antes
de que existiese el realismo, acaba con el clasicismo y es romántico, pero expresa el
realismo. Algunos se usan en los libros como ilustración del Romanticismo.

Lo más sorprendente son Los estudios de piernas y brazos, 1819-1823. Que son
cuadros acabados. Gran cuadro ocupado pro extremidades, se acaba el neoclásico.
Se expresan los músculos y tendones, como si fuera una matanza. También es un
paisaje hecho de carne, pero por supuesto no se vendió, aunque la colección está
acabada.

Theodore Géricault, Dos cabezas cortadas 1818, son series con una gran
impunidad, con bocas abiertas y sangre que sale por el cuello, que se representa
expuesta.

Cuando muere ya ha dejado inquieto, el prototipo romántico que se atreve con

temas que nadie había hecho y es muy comprometido.

Ary Scheffer, La muerte de Géricault 1824. Le hace un homenaje, que le

representa con la misma ropa que en su primer retrato. No solo había revolucionado
la pintura cons sus trozos de cabezas y demás, también había no se qué de la
sociedad.

Delacroix, 1798-1863, un hombre de gusto, un hombre de genio, el romanticismo

se identifico con el presente, se fija en ese elemento llamado fotografía. Este señor
muere en el 63, cuando su arte ya no le interesa a nadie, muere convertido en algo
muy extravagante, muy barroco, traicionando las raíces de su vida. Ha dejado una
colección de cuadros inolvidable, no deja a nadie indiferente, es un hijo bastardo de
un ministro francés, está interesado en un principio en lo que existía, había 80
cuadros en lo llamado la galería española, esta transmitía temas como martirios,
escenas de crueldad Dante y Virgilio en el infierno 1822, vemos el tema del pasado,
los cuerpos remiten tanto a los de Miguel Ángel como Rubens y al que fue su
maestro de forma indirecta, él está obsesionado con la fuerza de los cuerpos, esto
venía del neoclasicismo, es una escena de incendio continuo, aparece en la barca
Dante. La matanza de Quios 1824, cuenta un hecho real que él ha leído, es de la
guerra greco-turca, 10000 soldados turcos asesina a 20000 griegos, utiliza un
formato muy vertical, configura un gran tamaño, vemos a moribundos, una madre
muerta y un niño pequeño que se acerca para ver qué pasa, los colores fueron muy
sorprendentes en aquel momento, tanta claridad para contar tanta oscuridad, lo
importante también es que este cuadro se expuso junto a otro cuadro justo contrario
El voto de Luis XIII. Grecia en las ruinas de Missolonghi 1826, en aquel momento
en una Europa con mucho compromiso político y social, vemos una alegoría
femenina, una Grecia que es la ciudad de Missolonghi, los elementos de lo exótico
al fondo a la derecha, este señor era anti-imperialista, la figura está retratada con la
mayor naturalidad posible, algunos elementos de cebo, un brazo que sale de las
ruinas, un cuerpo sin vida. La muerte de Sardanápolo 1827, se le prohibió pintar
temas con tanta violencia (el mismo Estado que lo prohibió, compró el cuadro), hay
animales exóticos, concubinas asesinadas, con posiciones de inquietante
intranquilidad, el cuadro es muy barroco y nos ayuda a abrir horizontes en los
distintos estilos del arte, hay algunos detalles que s ele han ocurrido que piensa que
pueden quedar bien en su fantasía (cama con patas de elefante). La libertad guiando
al pueblo 1830, hay que decir que estos cuadros no son de encargo, es de actualidad
alguien que ha vivido en París y sabe que es lo que ha pasado, se distinguen las
torres de Notre Dame al fondo, está todo lleno de humo, está muy centralizado en la
figura femenina que sigue provocando discusión, vemos un poco una versión
clasicista, sale con la bandera republicana, un gorro frigio, no son bellos, son reales,
se ven todas las clases sociales mezcladas, la burguesía, la masa pintada en un
sentido político, vemos a un fusilado con un blusón blanco, el cuerpo muy moreno,
sus piernas están trabajadas como si fuese un cuadro barroco. Mujeres de Argel
1833, en un recorrido por el norte de África, sabemos que va directamente a Sevilla
y a Cádiz, otros escritores románticos contemporáneos suyos preferían ir a Granada,
le interesa el erotismo diferente, cuando entra en la edad adulta, piensa que los
temas polémicos hay que dejarlos atrás que las pinturas tienen que apartarse de la
literatura. () sale la cabeza más pequeñas, con alguna variación en el brazo o en la
pierna pero básicamente lo está utilizando como plantillas, el mundo de las modelos
seguía vigente y decidían hacer varias poses. Entrada de los cruzados en
Constantinopla 1840, algo que casi nadie más hará, cargarlos de neobarroco, lleva
el romanticismo hacia un aspecto más popular, de nuevo un tema del pasado, muy
rebuscado muy recargado, sigue manteniendo esos sentimientos de muerte,
violencia. Cristo en el lago Genezaret 1854, la pintura religiosa parece un poco
contradictorio con el romanticismo, volvemos al tema del naufragio, vemos a
Cristo. Heliodoro expulsado del templo 1855-1861, una gran iconografía inventada
supuestamente egipcia, mucha matanza, un gran ruido en el cuadro pero no se podía
extraer ninguna conclusión más. Fantin-Latour, Homenaje a Delacroix, cuando
muere quieren que sea recordado, vemos algunos personajes (críticos) vemos al
mismo Eduard Mané. Cezame decide reconocer todo lo que debe su arte, que es
casi todo un arte de vanguardia, Apoteosis de Delacroix, son unas pinceladas muy
compactas con colores muy constatados.

J. A. D. Ingres 1780-1867, coinciden en el tiempo pero muer cuatro años después,

está inspirado por el arte antiguo, Aquiles y Patroclo con los enviados de
Agamenón, va a estar casi 20 años viviendo en Roma, vemos esos cuadros de
cuerpos desnudos con cascos, todo lo que podemos esperar del neoclásico.
Napoleón I en el trono Imperial, 1806, vemos un Napoleón sin sangre, vaciado de
sangre, vemos reflejado toda la monarquía francesa del momento, pero era
República. La bañista de Valpinçon 1808, vemos un desnudo de espalda con un
rasgo exótico, lo que él está vendiendo es la perfección en la representación,
mímesis. Júpiter y Tetis suplicante, 1811, utiliza esos colores de piel para marcar la
claridad, estos elementos de distorsión ya son típicos del romanticismo. Tu
Marcellus Eris, control, mucho detalle del peinado, una escena muy romántica.
Edipo y la esfinge 1808-1825, es un tema que tiene que ver con el saber, es un tema
que tiene que ver también con el cuerpo perfecto o joven, cuerpo contrahecho,
monstruoso cuerpo de mujer, alas, patas de león, vemos en la parte inferior de la
izquierda, unas costillas, un cráneo. El sueño de Ossián 1813-1835, nos habla de las
mitologías del norte, el bardo sale anciano, sueña todo el panteón de dioses sobre
los que escribe. La gran odalisca 1814, cincuenta años antes de que muera, cuerpo
femenino perfecto, todos los materiales, los brillos, la provocación de girarse para
mirarnos. La muerte de Leonardo da Vinci 1818 estilo trovador, es un tema que se
basa mucho en los muebles, los vestidos. Voto de Luis XIII, es un tema que conecta
lo oficial con el pueblo que van a ser masacrados, cortinas falsas que dan lugar al
vacío. La apoteosis de Homero 1827, todo parece clásico, es un novelista, aparecen
personajes de las artes y las ciencias de distintos siglos. Mr. Bertin 1832, muchos de
estos miembros de la sociedad de la aristocracia y tal saben que es el mejor
retratista, es un empresario, parece casi una fotografía, no sufrió con la aparición de
la fotografía porque estaba muy reconocido. Fernando Felipe, duque de Orléans
1842, le pide este retrato, muy encorsetado, muy detallado. Condesa de
Haussonville 1845, siempre va a haber muchos objetos muy dominados, con sus
brillos, con esa perfección igual que Mme. Moitessier, su vestido muy detallado. Es
una gran colorista pero también un gran dibujante, había sido inspirador del
flashmang, La familia Lathière. La fuente, 1856, muchos desnudos, El baño turco,
1859-63, el cuadro era cuadrado pero estaba inserto en un círculo.

Man Ray, El violín de Ingres 1924, con esos elementos de lo exótico de Ingres, el
cuerpo desudo femenino.

Tema 8 La fotografía

La historia de la fotografía, algo que permita fijar las imágenes, William Wollaston,
Cámara lúcida 1807, Joseph Niepce, Cámara oscura 1817, es el autor de la primera
imagen mecánica de la historia de la humanidad, se llamaba heliograbados, Vista
desde su habitación 1820, al principio no se hacían con personas porque se movían
demasiado. Comienza a ser conocido por una grupo de científicos y pintores, cómo
hacer este tipo de imagen, el más conocido será Daguerre, Daguerrotipo, París,
1838, a este tipo de imágenes se les llamaba ópticos, la diferencia entre esta imagen
y la anterior es la definición, los límites ya se ven, es una calle de París, con
bastante profundidad de campo, vemos una persona más o menos con una pierna
levantada. Antes este ultimo señor era pintor de paisajes, le gustaba el ilusionismo,
Daguerrotipo, 1838, vemos bodegones, fotografías, relieve de la izquierda un poco
clásico, lo importante es que todavía no tenían color, Retrato, 1839, se produce una
democratización del cliente. En Londres, Fox Talbot, está intentando reproducir
imágenes con procedimientos similares, a esto se le llamará Calotipo (en griego
calo es belleza), Escalera, 1845, tienen un tono sepia dándole un aspecto más culto
más literario, Retrato, 1845, son perfiles menos rígidos, el calotipo tiene como gran
legado para el futuro es producir masivamente. Este invento acabó siendo la base
para enseñar las cosas sustituyendo a la pintura, si aplicamos unas lentes de
ampliación y reducción podremos ver lo más grande y lo más pequeño, por ejemplo
la luna, con esto la gente se empezó a pensar en la luna, Julio Verne. Margaret
Cameron, 1864, algunos pensaron que por qué no iban a intentar construir, grupos o
parejas, simbolismo de las flores y acaba confundiéndose casi con la pintura. Lewis
Carrol, este señor cogía a las niñas y las disfrazaba, por ejemplo hace parecer que
fuese una pordiosera cuando la niña era de clase emdia-alta. El Pictorialismo es un
término confuso porque no solo se refiere a la pintura sino también a la imagen,
Oscar Rejlander, Tableu Vivant, los dos caminos de la vida la virtud y el vicio, H.
P. Robinson, Últimos instantes 1868, como que se va a quedar solo en la vida, está
todo muy preparado.

Tema 9 Realismo: Champfléury, Courbert, Millet y Daumier

Para algunos va a ser la extinta correspondencia pintar una manzana y va a ser

igual que la manzana, algunos la esencia de la manzana y otros lo que tiene un
destino social político, Gustave Comte, Curso de filosofía positiva 1830, es
discípula de Saint Simón, nos dice que solo podemos teorizar del presente o si
buscamos la verdad en el pasado debemos hacerlo desde un proximidad muy
científica.

Los burgueses cada vez tienen menos importancia la religión, le dan más
importancia a la posesión, sale con su mujer y sus hijos como diciendo que
también son su patrimonio. La crítica hacia el progreso descontrolado y la evasión,
todos estos ya tienen una casa en el campo que eles sirve salirse de esa realidad,
aparece la historia que se amplía mucho, ya no solo de gobernantes, hay algo que se
llama intrahistoria que es las cosas que pasan en la vida, el día a día (introducido
por Unamuno). En Literatura tenemos a Flaubert, Goncourt, Nana dedicado al sexo,
a la prostitución, Germinal que se dedica a los mineros.

Champfléury, era un crítico al que le llama la atención la pintura de los hermanos le

Nain, eras unos pintores como apreciados entonces, piensa que puede ser el anticipo
de una pintura que aún ha salido a la luz, ellos no firmaban de forma
individualizada se basaban en su apellido, son los pintores de los pobres, enseño lo
mal que está la sociedad porque quiero que cambie, no habían seguido las
enseñanzas académicas. Utiliza su investigación para posicionarse en el futuro de la
pintura.

Gustae Courbet, 1819-1877, este es el gran nombre, era un hijo de un terrateniente

muy apagado a la tierra no era solo un contratista de trabajadores normales, es nieto
de un revolucionario de 1793. Autorretrato con perro negro 1842, esos salones a
los que manda su carta también lo hace para promocionarse, lo que vemos en este
cuadro es bastante tranquilo, podemos decir que es pintoresca porque está de caza
con un perro, El desesperado 1845, es una parodia de hacer lo que sea por algo,
Entierro de Ornans 1849, sorprendió por el tema, no era nada glorioso, era una
escena importante para la comunidad rural, como el pueblo entero despide a dos
miembros de su comunidad, pintado sin la luz, es una sucesión de retratos de gente
real pero que a nadie le había interesado, Los picapedreros 1850, va a ser amigo de
socialistas del momento, el siempre jugó un poco la baza de no implicarse de
manera explícita, vemos la estética del feísmo, de lo áspero, de lo rugoso, Las
bañistas 1853, presenta el cuadro en un salón, el jurado se lo acepta, es una escena
extraña, salen dos mujeres a medio vestir en un bosque, hay un pequeña superficie
de agua, algunos dijeron que ahí no se podían bañar, empezaron a pensar que era un
tema del lesbianismo, las críticas que encontramos tienen que ver muchísimo con el
cuerpo de la mujer, empezaron a meter temas de caníbales, también decían que
estaba gordi porque era una mujer, burguesa, vaga, que no hacía nada, la de la
derecha le llamaron percherona, como si fuese un caballo, El encuentro 1854,
Courbet es el de la derecha y por el camino se encuentran con el coleccionista que
le compra el anterior cuadro junto con un amigo, vemos una forma muy precisa en
la configuración pero el cielo tiene un color extraño pero debía ser así porque
quiere mostrar tal y cómo es, El taller del pintor: una alegoría real que resume
siete años de vida como artista, 1854-1855, vemos en el centro a Courbet pintando
un paisaje flanqueado por las dos alegorías de la verdad, de la pureza, la mirada del
niño, a la derecha tenemos los amigos críticos, casi sin verse sale un Cristo
crucificado, detrás del lienzo (hecho aposta), monta como una especie de pabellón
donde va a crear sus obras, lo primero que veían era este cuadro, con unas
dimensiones de 3*6,60, la gente ya no quería ver nada del emperador, Jóvenes a la
orilla del Sena, Mujer con loro, 1866, cuando el pintaba un desnudo lo hacía de
forma muy paródica rompiendo con los cánones de cómo representar a las mujeres
en posición de ofrecimiento, Proudhon y sus hijos 1865, es su amigo, una frase que
dicen sus enemigos es “pobre Prou dhon que ha muerto hace dos meses y le ha
vuelto a matar al pintarle tan feo”, Mujer de la ola 1868, lo compra un húngaro,
luego se hace un copia y sigue circulando, el dice vamos a dejarnos de tonterías, el
principio del mundo comienza ahí (mujer), lo hace siempre de forma directa, no
tiene lecturas interiores, Courbet en Sainte Pelagie 1973, comienza la comuna,
anarquista, él apuesta por romper la columna de Napoleón, La trucha 1873, parece
nada pero es mucho porque era como el gran Courbert que había esas obras tan
impresionantes, venía a ser la sustitución, ya no se van a pintar Papas, ni reyes.
Doumier, hace grabados, es lo complementario a Courbert, es alguien que va a dar
el contrapunto más popular, el publica todo esto en periódicos y revistas, estuvo
trabajando muchos años como abogado, decide hacer algo muy peligroso, amenaza
a los directores de las revistas y etc. Gargantúa 1831, sale París entregando lo que
tiene, del lado de la monarquía vemos los templos triangulares, nadie había
insultado tanto a un monarca en la historia, sale Luis Felipe transformándose la cara
en una pera, hay unos cinco mil, El vientre legislativo 1834, tiene un problema, el
casi a diario iba a las sesiones legislativas, salen las barrigas enormes de los
parlamentarios, es un hombre muy posicionado políticamente, no tiene miedo a la
cárcel, 12 Rue Transnonain 1835, se quemó una casa por culpa de un borracho con
esto está intentado decir que los vicios de uno pueden hacer daño a los demás, Bas
Bleus 1832-1837, sale una mujer con el bebé en la cuna a punto de caerse, pero ella
no le hace caso. Son todo temas muy polémicos, se burla de todo, es una actitud
muy moderna muy iconoclasta, Estafadores 1864, no son estafadores, son personas
que han acudido a un metting político. También hace un conjunto pequeño pero
glorioso, 39 esculturas de los políticos de la época, no sabía hacerlo ero vamos que
le daba ese toque de caricatura que le interesa, El levantamiento 1860, cuando había
épocas en las que no se le permitía publicar lo que hacía era pintar, Don Quijote
1868, hizo algunos cuadritos. Acabó en la más miseria absoluta.

Tema 10 Edouard Manet y el impresionismo francés

Manet, va a defender siempre el arte moderno frente al antiguo, quería ser un

antiguo moderno, él empieza a pintar cuadros interesantes en los años 1860,
cuerpos exóticos eróticos, neoclasicismo romántico. La pintura de Manet parece
una exposición franca de los temas. Suele pintar prostitutas, no está pidiendo la
salvación de esas pecadoras sino que está mostrando un aspecto de la realidad. El
gran crítico de Manet fue Emile Zola, 1840-1902, su literatura se llama naturalismo,
como el movimiento de Manet. Victorine Meurent 1862, pintura con muy poco
dibujo donde los colores y la luz están construyendo las formas, ninguna de las
partes acaban de estar rematadas del todo, es el primer pintor del que se habla de
constructor, con el fondo negro, partes del cuadro liquidadas con mucha rapidez, él
está aspirando a hacer la pintura tradicional, esta chica es la modelo de sus grandes
cuadros, iba caminando y vio una belleza singular, tenía una estructura craneal muy
llamativa. El almuerzo campestre, sale ella también, se produce un escándalo de
inmediato, la gente de esa época no sabía apreciar que estaba creando una nueva
pintura, solo se fijaron en el desnudo de la chica, cuando caen esas críticas, Zola le
defiendo diciendo que solo es pintura que quiere mostrar los colores. Este señor
está intentando cambiar el estilo, por ejemplo en este último cuadro se ve que la
mujer del fondo parece que está en línea con ellos por su tamaño. Sale mirando al
espectador, sale una sirvienta negra, esto se sale de lo normal. No nos podemos
olvidar de la aportación de la fotografía, la fotografía erótica no pasaba nada, pero
en la pintura estaba mal visto. Emile Zola 1868, cuando hace menso de un año que
le ha escrito un ensayo monográfico, vemos un boceto de sí mismo al fondo,
influencias del arte fuentes exóticas presentes. Th. Couture, fue su maestro, es un
pintor que hoy en día no emociona a nadie. La Venus del Pardo 1854, una
combinación donde vemos ya mujeres desnudas con algún hombre vestido en un
paisaje, las caras y el cuerpo como muy esbozado. La barca de Dante, esta es la
única obra que le copió a un pintor vivo. Ninfa sorprendida 1859-1861, vemos
como mira al espectador, corta el cuadro. Golfillo con perro 1860, como si fuese
una fotografía, le interesa como ejemplo de espontaneidad. Retrato de los padres
del Artista 1860, es la confirmación del estatus del que procedía, ella sale con más
ternura relacionado con el tema de lo doméstico, sale una caja de conchas porque él
quería ser marinero, hubo una temporada que estuvo viajando por el mundo. El
viejo músico 1862, esto es lo más cerca que está de Courbert, estaba conociendo un
reglote gracias al primer catálogo que se empezó a hacer en Inglaterra, se estaba
poniendo de moda, con diferentes clases sociales. Música en las Tullerías, es un
cuadro muy grande que va a plantear un modo de trabajo que tiene mucho futuro,
durante las dos y cuatro de la tarde para tomar nota del momento, como para darle
más realidad, muchos retratos de la clase alta, no gustó nada, parece muy confuso.
Cristo escarnecido por los soldados 1864-1865, esta obra hace equilibrio con la
obra del Cristo muerto y los ángeles, esperando conseguir un éxito, lo llevó a los
salones, se pensaba que iba a llevar a la Olimpia pero no pegaba con este cuadro.
Critican mucho en este último cuadro es la diferencia del color de la cabeza. Las
pompas de jabón 1867, parece que la cara del niño es muy rugosa pero es que son
trozos de pintura que a modo de collage. La lectura 1865-1873, nadie ve nada en el
impresionismo, no recuerda nada a los pordioseros que hemos visto antes, vemos de
nuevo a la derecha un personaje cortado. Carreras en Longchamp 1867, es un
cuadro interesante, ya hemos visto cuadros de caballos, pero esos son caballos
ingleses, en esto años se copia la moda de París, a menudo tienen que ver con un
dinamismo, un movimiento. Estudio de Batignolles 1870, vemos Manet en el
centro, algunos elementos más o menos mezclando lo clásico lo oriental. El
ferrocarril 1872-1873, aclara su paleta gracia s al influencia de los impresionistas,
es la Francia que ha sobrevivido a la comuna, empieza a reconstruirse comienza un
periodo de apogeo económico, sale la pelirroja otra vez, un elemento es la
contraposición con la espalda de la niña hacia la mujer mirando a la valla, cuando el
presenta esto a sus salones se da cuenta que no debería haber ido por ahí, los
amigos ya crean como salones independientes, quieren estar fuera de lo tradicional,
vemos a La dama con la foca, con el brazo de la niña desproporcionado a modo de
caricatura. Las referencias japonesas, la idea de Geishas, La dama de los abanicos,
con esto nos hacemos una idea que un país es muy elegante. La familia de Monet en
el jardín 1874, lo hace Manet a Monet, tiene unas propiedades, cargados de plantas
exóticas. En todo este proceso el viaje a España es fundamental, los románticos
buscaban los tópicos (toros, gitanos) luego los realistas estaban buscando la verdad,
dice que lo que le impresiona de Velázquez es la suciedad de los pies las manos,
Manet después de los fracasos de la Olimpia etc decide que quiere mejorar su estilo,
visita Burgos, Valladolid, Madrid y Toledo, El Museo del Prado se había
inaugurado en 1819, Velázquez al principio estaba un poco escondido, el director
Jean Laurent saca todo lo de Velázquez y lo pone en la galería principal, Manet
dice que Goya y demases no le llegan ni a la suela de los pies a Velázquez, vemos
batallas, a Las Meninas en el centro. El niño de la espada, no hay nada fantástico,
las sombra de los pies marca la profundidad. Lola de Valencia 1862, ellos creen que
la belleza de una mujer es una, y este tío pinta otro tipo de mujer y le critican
porque dice que además de pintar mal tiene mal gusto para la mujeres. Mlle.
Victorine Meurent, en Traje de espada, los animales están pintados mal, el fondo
no está definido. El torero muerto 1863-1864 es una de las piezas más gloriosas del
momento por la atmosfera del momento. Episodio de una corrida 1864, es un caso
curioso de manipulación física de las obras, Manet lo corta y lo vende por separado
con un tratamiento muy distinto siendo esto un poco enigmático. Cuando llega la
comuna Manet se queda en París y hace una serie de dibujos de trincheras,
amotinamientos. El matador saludando 1866, en mitad de la nada, no nos quiere
contar nada más. El balcón 1868-1869, es una propuesta autobiográfica, nos
presenta a tres personas, la de la derecha es una pianista, atrás tenemos a un
coleccionista, mezcla la pintura española con la japonesa y la holandesa. Hizo muy
poca pintura de historia y religiosa, la historia le llego a él, llega una noticia a París,
han asesinado al emperador Maximiliano, llegó el día de una entrega de premios,
La ejecución de Maximiliano 1868, esto es un tema inspirado por la prensa, es un
tema que se va a trabajar bastante, va a ser conflictivo, vemos un cuerpo de
soldados más definidos, los fusilados en un plano intermedio como si lo fusilasen
hacia el interior, vemos al fondo como una especie de muro con una maraña de
personas. La barricada 1871, está dado la vuelta de izquierda a derecha. Los
últimos años de Manet son años interesantes para la pintura francesa, La escapada
de Rochefort 1880-1881, aparecen propuestas alternativas al impresionismo, es el
simbolismo, este señor es un activista político que había luchado contra Napoleón
III, vemos un poco su retrato pero lo que gane mucho desarrollo es el mar. El
último Manet, Frente al espejo 1877, el espejo es lo que permite la libertad, Nana,
1881, vemos un fondo japonés con grullas, y al lateral vemos un poquito del
proxeneta, fue rechazado así que decidió ponerlo en un escaparate de una tienda
diciendo ¡mira un objeto!, Un bar en el Folies-Bergére 1881-1882, no devuelve una
imagen que no corresponde con la que tenemos frontal, en el lateral aparece un tío,
estamos viendo confusión y reflexión, en este caso concreto junto al resto de
objetos se representa a ella como un objeto más, en el espejo vemos un montón de
gente, y vemos en el lado izquierdo un trocito de los pies de una tía que estaba
dando un poco de espectáculo. La ciruela, 1878, si parecía muy brillante la
modernidad, una obrera que al final del día agotada, muy pobre decide tomarse algo
y fumarse un piti (el presente no es como lo habíamos soñado). Baile de máscaras
en la ópera 1873. El final tiene que ver con lo más esencial, son los objetos, a
menudo con la impresión de zoom, temas que le interesan de composición, de las
diagonales, trabajó durante toda su vida pero sobre todo con estas cosas. Peonias
1864, Ramo de Violetas, todo con mucha luz, un azul muy especial, Manojo de
espárragos 1880, la naturaleza más humilde pintado por el artista más
revolucionario, la gran mancha verde formado por las hojas, la mancha en realidad.
Espárrago 1880, tiene una gama de colores muy pensada, muy trabajada, está en un
plano muy confuso, debe ser una mesa, no hacía mucho tiempo que Emile Zola,
había escrito un libro que había contado las penas de un pintor moderno que no
tenia público, en un momento dado llegara un día en el que una zanahoria estará
preñada de revoluciones, llegara un día en el que cualquier cosa será tan importante
que cambiará algo no sé el qué.

El impresionismo es un término que se fundó para insultar, un crítico decía que nos
están intentando vender algo nuevo pero en realidad es algo malo. Es un
movimiento muy de su época, los impresionistas van a proponer una percepción
muy analítica, la realidad es un conjunto de manchas, luces y colores. Se habla
mucho entonces del ojo mecánico, como una máquina peor ahora con una mano, es
claramente anti-fantástico, anti-evasivo. Emile Zola defendió mucho a los
impresionistas pero finalmente empezó a verlo como algo para pasar el fin de
semana. El dios por decirlo así es Manet, pero el líder es Pisarro. Pissarro y Monet
se conocen, a estos se les une un serie de jovencitos, Pissarro es el primero que
habla de abolir el color negro, diciendo que el color negro absoluto en la naturaleza
no existe, también propone eliminar las sobras oscuras que le parecían demasiado
pasatistas sustituyéndolas por la combinación de colores dando un color más
luminoso (un tono marronáceo). Un libro que se escribe en 1979, escrito por
Cheureul, sugería cosas para la perfección muy nueva, los colores que están
continuos se influyen. Pissarro toma los apuntes al natural y luego lo remata en el
estudio, este señor nace en las Antillas Danesas, llega a París y empieza a pintar
cuadros, se le conoce como pintor del campo, se nos vende una imagen bucólica, al
final de su vida cuando tiene problemas de respiración impidiéndole salir al campo,
aquí se convierte en el pintor de París por excelencia. La casa de Père Galien,
Pontoise 1866, mucho énfasis en la luz, pequeñas pinceladas, el cargar todo a la luz
supone que los perfiles se vayan difuminando. Paisaje cerca de Louveciennes,
1870, los cielos son cada vez más detallados, decide aprovechar en esta época ir a
Londres, se va dando un proceso de la desintegración de la forma, entre estos
señores se mantiene la figura humana. El cristal Palace 1871, vemos las sombras
como más construidas, lo intangible, lo variable de la realidad. Oise 1873, ya están
muy en contacto con Monet, está haciendo propuestas más atrevidas que no tienen
ningún mercado, ningún público, vemos ya una eliminación de referencias, un
principio de abstracción. Calle de Gisors, efecto de Invierno 1872, Calle de la
Citadelle 1873, comienza a centrarse en paisajes normales pero tocados por
fenómenos climáticos, como la lluvia, la nieve. Ellos viven en París, hay algunas
composiciones que siguen colándose estas influencias, Jardín municipal, Pontoise
1874, la distancia que hay entre lo japonés casi en la misma fecha es muy grande,
Campesina empujando un carro 1874, vemos cuadros muy bien centrados, muy
bien encuadrados en los que la naturaleza es la protagonista, Joven con sombrero
1881, al final de su vida cambia el estilo, se fija en algo más concreto, La
charcutera 1883, en unos años llegan unos italianos llamados futuristas y vemos
como algo así.

Claude Monet, tuvo comienzos extraños, es el que va a fundar el grupo, en el 75 va

a proponer otro sistema de exposición, decide exponer las obras de sus amigos en
una sala de subastas bajando el precio muchísimo para ver qué pasaba. Es alguien
conservador, se está viendo influido por Pissarro. El bosque de Fontainebleau
1865, Almuerzo en la hierba 1866, cuatro metro medio por seis, quiere copiar y
superar a Manet, demasiada figura, más importancia a la naturaleza que a las
figuras, sabemos que los amigos le ayudaban a trasladar el cuadro allí. Mujeres en
un jardín, 1867, los tonos muy blancos, con mucho verde para que nos fijemos en
algo. En 1870, va a Londres, conoce a Pisarro, no pinta casi nada, está varios meses
hace cinco cuadros, luego regresa por Bélgica y en unos meses sucede como la
explosión, Argenteiul, El puente en obras 1872, es como si estuviese encima del
agua. Impresión (sol naciente) 1873, esto es lo que le da nombre al grupo, muchos
pensaron que lo que no se puede explicar no merece la pena ser explicado, vemos
unas barquitas en la nada, como si no nos quisiese informar de nada. Regatas en
Argenteuil 1873, se está convirtiendo en manchas de color autónomas que no tienen
relación con el motivo real, las barcas se convierten en una especie de fantasmales
manchas. El puente del ferrocarril, Argenteuil 1874, nos encontramos con unas
columnas de color violeta, siempre habían sido así pero nadie se había atrevido a
pintarlos. En 1880, comienza sus series con un motivo, la primera es Los almiares,
son montones de paja, son 12 cuadros, a diferentes horas del día y en diferentes
épocas del año, las series se van haciendo más complejas, Catedral de Rouen 1894,
tiempo gris, efecto matinal, efecto de sol (se coge un pisito allí y dibuja desde la
ventana), se centra en lo gótico, la catedral es casi el mismo, como si en su cabeza
tuviese una venta y cogiese siempre la misma parte de la catedral. El puente de
Waterloo, sol en la niebla 1903, cuando llega al siglo XX, observa cómo se pinta en
moderno, los primeros Picasso, este cuadro es muy cercano a la abstracción. Vuelve
a Londres a comienzo del XX, luego a Venecia, va a España. La mañana en el Sena
1967, parece un reflejo, sería un todo en la niebla, todo podía ser lo mismo, hay
como una unidad. Las Ninfeas 1897-1898, están vistas de arriba abajo, cuando tuvo
dinero para comprarse una casa al lado de agua se hizo como una barca estudio,
para estar más cerca de la naturaleza que nadie. Ninfeas 1907, va como diseñando
su propio paraíso, va a trabajar de muchas formas con tondo (formato circular), el
fragmento es un término clave a partir de ahora. Ninfeas 1914- 1917. Ninfeas 1914,
va a estar trabajando durante años en esto, dos salas cerca del Louvre, son cuadros
de muchos metros de longitud, rodean al hombre, él sabía que la escala era
fundamental.

Degas, es como el heredero de Monet, eran italianos (funden el apellido) era una
familia de dinero, incluso algunos estaban trabajando en Orleans, Jóvenes
espartanas provocando a los muchachos 1860, se produce de forma humorística
como a las mujeres se le obligaba a hacer deporte, cuerpo nos perfectos. Este señor
es más de interiores, de gente, La familia Belleli 1858-1867, sale su familia, es su
tía que sufría maltrato por su marido, intenta decirnos algo, le interesa la psicología
de los personajes, todo hiper serio, demasiado rigor, la única soltura es la pierna de
la niña, es algo muy sincero del estado de ánimo de su familia. Él irá en contra de
algunos de los dictados del impresionismo, él utiliza el negro, Los músicos de la
orquesta 1868, él pasaba mucho tiempo en los cabarets, él se coloca en cualquier
sitio para tener una visión peculiar del escenario, casi a la altura de los músicos para
que se comprenda como es ese París. En 1872 hace un viaje muy extravagante,
tienen negocios de transacciones de algodón, se va a Nueva Orleans, sale con sus
individuos sus funcionarios, es un claro cronista de la época. Busca temas que
puedan ser muy dinámicos, composiciones donde se transmita esa intensidad, Sala
de danza en la Ópera 1872, ellas tienen un espacio entre ellas, estaba pidiendo
como más jerarquía. Escenas de circo, no se había pintado casi nunca, como si
fuese uno más del público (lo era). Las carreras de caballos era básico en el ocio de
París, Delante de las tribunas 1879, el público compuesto como si fuesen manchas,
se ocupa también del tema del trabajo del sufrimiento como La planchadora,
Bailarinas 1896, es el que más se dedica a la fotografía, está como experimentando
los procesos de revelado, la forma se desvanece no vemos cómo es en realidad,
hace fotografías que le inspiran para hacer cuadros, luego hace fotos a los cuadros y
así es como un ciclo. Muchas de las fotografías se hacían para los desnudos, vuelve
el pastel, da una sensación de atmósfera muy lograda pero que se había olvidado en
el siglo XVIII, salen las mujeres como al comienzo del día y al final de día. Otro
aspecto es que era una maravilloso escultor, el único del grupo, hizo como 150
escultura en arcilla, cera, solo presento en su vida Pequeña bailarina de 14 años
1881, añade un tutu, en una tienda de muñecas compra pelucas, dijeron que debía
estar en un zoológico porque la niña sale feísima; siempre están inacabadas porque
no sabe esculpir pero sí moldear.

Renoir es alguien con bastante riqueza que quiere ser pintor, conoce muy bien las
colecciones del pasado, se junta con estos jovencitos, da muchas importancia al
paisaje será el gran pintor del desnudo femenino. La Grenoullère, los reflejos de la
luz en el agua, las ramas cómo caen, esos trajes de caballero de la clase burguesa,
blancos. La obra que más escandalizadora El Palco 1874 por el efecto Manet, esta
muchacha está expuesta demasiado al público. El columpio 1876, es muy atrevido
por primera vez con una iluminación que parece impresionista pero no lo es. Baile
en el Moulin de la Galette 1876 es criticado porque se ve demasiado ruido, creen
que s un bicho raro en ese grupo de artistas. En la terraza 1879, le va a gustar
mucho las flores pero sobre todo las figuras humanas. Los paraguas 1879, aquí
vemos un cambio, a la derecha tenemos más impresionismo, Rosa y azul 1880,
acepta encargos de retratos como si fuese un autor del pasado, firma para que
salgan guapas las niñas. Mujeres de negro 1885, maneja este registro mas
construido, Muchachas en el Piano 1892, esto es peor porque ya ha doblado la
rodilla porque y ano es algo opción. Desnudo 1875, al principio muy espectacular,
con sus manchas de luz no vemos su cara porque hay tanto contraste. Empieza a ser
conocido por esos jovencitos que están haciendo vanguardia.

Tema 11 La arquitectura durante el siglo XIX: historicismos, eclecticismo y

art nouveau

Karl Fiedrich Schinkel es alguien que tienen mucho éxito en el momento, en este
caso combina propileos y una fachada templaria, tiene un óculo que ilumina la
estructura. Será un arquitecto maldito porque en Berlín habrá edificios parisinos,
proponen un Berlín muy clasicista.

Luis II de Baviera hacía viajes de incógnito con pintores, gastó grandes cantidades
de dinero en convertir Múnich en una ciudad ateniense.
Leo Van Klense, La glipoteca 1816-1834, Propileos 1846 es un conjunto de formas
pero sin espíritu. Walhalla 1830-1842, lo que más llama la atención es el nombre ya
que referencia a la mitología nórdica, está todo lleno de bustos de alemanes
famosos (como si fueran dioses).

Historicismos hubo muchos, Gran Bretaña es considerado el país colonizador y

revolucionador industrial. John Nash utiliza formas que ha visto en la arquitectura
hindú, utiliza muy buenos materiales. El historicismo de este país quería regresar al
gótico.

Thomas Hope, El sueño del arquitecto 1840, hay una confusión de estilos.

Joshep Paxton, Crystal Palace, es el pabellón emblemático de Londres, esto sirvió

para ver qué producían los colonizados, se utilizan placas de vidrio, ya se habían
utilizado las placas de vidrio en estructuras cuyo fin era conservar por ejemplos los
naranjos, esto es una arquitectura funcional la cual será transmitida para la
construcción de la Torre Eiffel.

Francia es el último país donde se ve este historicismo, combinas elementos,

diversas tecnologías… Nadie hasta ese momento se había fijado en los edificios del
pasado Viollet le Duc, Saint Chapelle, este señor propone una combinación de
tecnología e historia, enseña a sus discípulos a rediseñar el mapa.

Eclépticos, Charles Wagner, Ópera, es una arquitectura casi del Estado, el interior
es oculto, constituido por máquinas. Velázquez Bosco, Ministerio de Fomento
1892, vemos dos cariátides, parejas de columnas, está escrito el nombre del edificio
(considerado una blasfemia). En el Retiro vemos los palacios, estos muestran una
clara confrontación del tiempo.

El París de Napoleón III, para dejar su huella en la ciudad decide acabar con toda la
ciudad antigua, echó a los pobres y creó grandes avenidas, esto se lo pide a Baron
Haussmann en 1853.

Los planos de Barcelona 1855, Ildefonso Cerdá, tiene unas diagonales en las cuales
los clientes del modernismo colocan sus viviendas.

En Madrid tenemos la calle Arturo Soria 1886, una propuesta de crecimiento de la

ciudad.
A finales del siglo XIX tenemos un acontecimiento global, las propuesta que hay
son antipasatistas, a París se le propone hacer una plataforma para ver toda la
ciudad, G. Eiffel 1889, lo hace con un lenguaje muy duro, utiliza puente metálicos,
millones de remaches. De inmediato se produce la polémica.

Un año después hubo un incendio en Chicago que destruía el centro de la ciudad, la

tarea de construcción era difícil, Louis Sullina decide construir hacia arriba, se
necesita un estilo nuevo, se construyen Los almacenes Carson Pirie 1899, serán
edificios de oficina, luego viviendas. Esta manera de construir se pasa a Europa, la
utilización de cristal y cemento.

A. Perret, Vivienda de la calle Franklin 1902, a principios del siglo XX se

empiezan a utilizar esos materiales, vemos una fachada de hormigón que permite
abrir huevos más grandes para ventanas, no consiguió la financiación de los bancos.
Estos materiales permiten plasticidad, dinámica…

Victor Horta, Casa Tassel 1893, se abre una tienda en la que no hay nada que se
parezca al pasado. Trabaja para familias de comerciantes, estos le piden edificios
distintos para diferenciarse de los demás ricos, tienen mucha decoración, quiere
meter dentro la naturaleza para entrar allí y olvidarse de la suciedad de la calle. La
gente empezó a pedir hierro y piedra. El fracaso del modernismo fueron los altos
costes delimitando el arte a los más ricos.

En este entorno destaca Héctor Guimard, utilizaba mucho hierro, por ejemplo El
metro de París.

J. Hoffman, Palacio Stoclet 1904-1911, vemos muy poco colores, muy

volumétrico, no termina de integrarse del todo con el resto de edificios, no hay que
pintar.

En Viena O. Wagner es el maestro, Caja portal 1904-1906, era la forma de

comunicarse, muy repetido, está el nombre de lo que es en la parte de arriba,
también hay algunas figuras, en el interior se utiliza el rigor, mármol con un toque
de fantasía.

Unos de los herederos de Wagner fue Olbrich, Palacio de la secesión 1898, con un
remate en bronce combinando los temas dorados, paredes de mármol.
Adolf Loos, este señor publica una revista, Ornamento y delito 1908, dice que la
arquitectura ha perdido su esencia porque se ha convertido en algo decorativo, la
decoración tiene elementos estéticos. Diseña Looshous, es una edificio para
almacenes, sin nada de decoración, hay mármol veteado (no hay porque mentir). Le
encargan Villa Stein 1910, está en la base del movimiento moderno.

Casa de T. Tzara, lo que nos cuenta es que quiere ser enterrado en una lápida.

Klimt, Palas Atenea 1895, utiliza el oro porque era algo simbólico a la vez que
tenía un valor real. Friso de Beethoven es la composición plástica de la sinfonía de
Beethoven, hay desnudos y la propia figura de Beethoven. Adele Bloch Bauer, le
convierte en un objeto artístico, era una mujer famosilla de la época.

Edgar Schiele es el más gótico del momento, había estado en prisión y en centros
psiquiátricos por violar.

Vamos a Cataluña, Louis cafe restaurant domenech i Montaner, Exposición

Universal 1888, la ciudad había crecido mucho por la industria y el comercio con
América, de 300000 habitantes a un millón provocando disputas políticas. Aquí se
forma un jovencito Gaudí, Palacio de la música Cataluña 1905-1908, utiliza
mucho ladrillo, capiteles, mucho color, bustos, esto se acerca a lo llamado
trencadis. Gaudí era muy místico, estaba en proceso de santificación, combina
tradición y tecnología, altura y modernidad, Pasillo del colegios de las Teresianas
1888, Casa de Batlló 1904-1906, todo lleno de trencadis, el interior tiene una fuerte
influencia medievalista. Casa Milá 1906-1910, es un museo de las innovaciones
tecnológicas, tiene diferentes pisos de viviendas, tiene una terraza espectacular, se
inspira en las olas del mar y en las montañas que hay detrás. Parque Güell 1900-
1914, se había convertido en un lugar peligroso, muy anárquico, se realizaron dos
casas para aislar esa realidad con una terraza en la que se realizaran eventos. La
Sagrada familia 1893-1920 financiada con dinero de los fieles. Palacio Episcopal
de Astorga 1887-1893 quiere recordar a la Edad Media.

Dalí escribe “De la belleza terrible y comestible del Modern Style” 1933

M. Blay “La canción popular 1907, en el Palacio de la música de Cataluña, como

un sueño.
Lautner Esabe, Busto femenino, se le ocurre poner un espejo para acercar los labios
de la misma, es algo sensual.

El modernismo vende democratización pero no, porque a las joyas no puede

acceder todo el mundo. La pintura modernista en Barcelona, estando muy cerca de
París hace que haya una comunicación muy directa. R. Casas, Rusiñol 1889.
Cuando estos exponen en Barcelona incluso se les llama naturalistas. Moulin de la
Galett 1892, la mujer aparece en primer plano, aparece algún objeto. Desnudo
1894, posturas muy difíciles, fue muy criticado por los clásicos. Realiza algunas
cosas de historia como Garrote, con la prisión el ejército, el ajusticiado es el que
menos llama la atención. A este señor se le puede considerar el mejor pintor del
siglo, Portada 1899, esto puede recordar a algo japonés por las plantas por ejemplo.
Este tío se presenta a concursos que organizan empresas famosas, los carteles son
importantes porque se pegan en los sitios creando así la democratización de la
imagen.

Picasso había recorrido el país con su padre. En el año 1899, R. Cassers, hace una
exposición de un número X de cuadros y llega Picasso un año más tarde y lo
supera, pinta madres abandonadas, gente pobre, el tono y el color, un lenguaje muy
sintético Juan Vidal 1894, La flor del mal 1902. La Vida 1903, utiliza un estilo de
azul con cuerpos muy elegantes.

Tema 12 Fin de siglo en la pintura europea: simbolismo, decadentismo y

neoimpresionismo

El simbolismo es un nieto del romanticismo, el gran teórico del romanticismo que

había sido… el gran teórico del simbolismo, es un proceso espiritual y no físico, es
un arte capaz de enseñar lo invisible visible. Quieren que la imagen sea útil para
escapar de la realidad europea dominada por el capitalismo, muchos de los
simbolistas va a echar un vistazo al mapa y pensaron qué países podrían ser el
paraíso, encuentran Brujas y Venecia.

En esos últimos años van a estar los impresionistas, los simbolistas los
academicistas que todavía tenían éxito. La naturaleza ya no es algo que nos es dada,
es un paradigma, volvemos al mito. Las claves para descubrir la esencia de la
existencia, por ejemplo Hércules son es solo Hércules sino que es un búsqueda de la
aventura. Félix Vallotton es el primer escritor del simbolismo, se centraba mucho el
énfasis en los temas más que en los estilos, hay que pintar diferente al
romanticismo, es un movimiento literario tan potente que lo que hace es cambiar
los temas. J. K Huysmans, es un escritor que escribe temas está ambientado en
París, el París más misterioso, le diferencia del aburrido parisino, le gusta Goya, se
va con gente peligrosa, se ha convertido algo muy aburrido el ser burgués. Oscar
Wilde, defiende el hecho de escribir como una creación plástica, escribe un texto
muy conocido como critico de artista, uno defiende que la pintura es mejor que la
escritura, y la literatura es mejor que la pintura, son formas que se quedan ahí
muertas a no ser que un crítico le de vida, defensor de esto último. Joséphin Sa
Péladan es un francés afirma haber tenido visiones de cientos de espíritus selectos.

Puvis de Chavannes, Magdalena y la muerte 1869, pinta frescos grandes en la

pared, el pasado nos puede ayudar a un futuro mejor, este cuadro, una mujer que
había sido prostituta, su remordimiento. La paloma 1870, con una coloración
autónoma, tiene una paloma, mirando al cielo, tiene contenido político peor es muy
sutil, tienes que entender del tema, lo que se imponen son las torres de París; pinta
el cuadro por detrás, el pintor es el que revela la totalidad del cuadro, vemos a la
misma protagonista pero ya con fusil en mano despidiendo a un globo. El estilo de
este tiende a la eternidad, cosas muy rígidas, sin movimiento, La roca blanca, con
una mancha azul, una blanca en el centro, con unos colores muy diferenciados,
tenemos que saber qué nos quiere contar para disfrutar de la obra simbolista. Las
muchachas y la muerte 1872, vemos unas muchachas en el campo pero vemos el
peligro al acabarse el suelo, tendía a utilizar los temas griegos. El pescador pobre
1879, vemos voluntad de seguir, educar, un pescador pobre que asociaríamos a
Jesucristo. El lugar sagrado 1884, siempre son utilizados estos templos clásicos
donde hay mucho desnudo femenino.

Gustave Moreau, alguien que había estado en Italia, cuando va a él no le interesa ni

Rafael ni los primitivos sino el lado oscuro llamado manierismo, cuerpos más
deformados, también estaba interesado en el arte oriental, tratan de otras
coordenadas. Los atenienses entregados al Minotauro, el sacrificio de jóvenes
atenienses que cualquiera asociaba entonces la pesadilla a la muerte, vemos los
cuerpos un poco andróginos. Copia de Sodoma 1897, ese sistema de misterio.
Edipo y la esfinge, y había sido tratado, pero no con las nuevas coordenadas, hay
trozos humanos huesos, Heros y Tánatos. Orfeo 1865, este simbolismo va a buscar
estos temas, va a mentir sobre los mitos eligen los que van a provocar más
escándalo, más provocación, explica el nacimiento de la música porque las partes
de Orfeo aparecen en el río. Rechazó pintar paredes, se le ofreció pintar paredes del
Panteón, Diómedes devorado por sus caballos 1865, es una barbaridad porque
como el rey les había acostumbrado desde pequeños a comer carne humana, por eso
no dejaban que se acercase nadie porque iban a morder. Este señor será el maestro
de Matis, Los ángeles de Sodoma 1872-1875, cuenta unos de los episodios de la
Biblia, por los vicios acabas en la destrucción, vemos unas formas muy oscuras y
una luz que sería una luz de destrucción. Hércules y la hidra de Lerna 1876, va a
estar seis años trabajando en el cuadro, es un tema totalmente de mitología pero que
tiene una lectura histórica muy clara, es como la Francia aguanta a las presiones de
los países germánicos. La aparición 1874-1876 tratado en la literatura, en el
romanticismo, perversión, vemos una interpretación de la Alhambra, es un
fotógrafo que ha llegado a Granada y este tío las ha transformado. El triunfo de
Alejandro Magno 1890, obra muy fantástica. Júpiter y Semele 1895, son
composiciones muy recargadas, muy exageradas para que se pierdan ahí dentro, se
quedó embarazada solo al mirarle.

Odilon Redon, va a trabajar sobre todo con lápices, no pinta casi al óleo, es el que
se empeñó a contar nuestras pesadillas, lo va a hacer con un lenguaje que ojito. Ser
Primitivo 1875, las pesadillas que pinta juega con muchos trucos, diversas escalas,
mucha desnudez en los escenarios. Un mártir 1877, suceden un montón de cosas,
intenta que nos centremos en esa cabeza. Araña que llora, 1881, había unos
jovencitos muy impresionados. Hombre cactus 1881, hay algunas pesadillas con
una capacidad de despertarnos, un cactus que es la planta que se acerca más a las
condiciones más duras. Uno podía pensar que el simbolismo es un complejo de
imágenes raras, Ojos cerrados, 1890, será un retrato de alguien concreto, si está
dormida si está soñando?

Grandville, es el primero que intenta pintar sueños y pesadillas, Crimen y

extrañamiento 1847, nos intenta contar un secreto que no sabemos cuál es.

La combinación de literatura y pintura, el carácter español se asociaba a la

representación dura de la realidad, sin embargo, cuando países como Francia y
Alemania en España, se asocia a un escritor Ramón María de Valle Inclán, lo que le
pasó al simbolismo español le pasó que empezó muy tarde y acabó muy tarde, La
tertulia del Café Levante, sale él en el centro. Fotograma de la película La
malcasada 1926, vemos que s como una iniciación erótica pero en un ambiente
cotidiano como la cocina.

JRT, Mira qué bonita era 1895, vemos el velatorio de una niña, le sale la melena,
vemos al pintor de niño pintado donde la ventana, como la presencia de la muerte.
Vividoras del amor 1906 es un prostíbulo. El pecado 1913 junto con otro cuadro
provocará un escándalo, las ancianas mirando a una mujer desnuda, La gracia
1913-1914, es básicamente un Cristo, es una mujercita cordobesa, llevada por
monjas, una de ellas en una posición sospechosa apoyándose en la rodilla. La musa
gitana 1907, vendría a ser la versión racial, folclórica de la Olimpia de Manet,
vemos que hay una serie de interferencias que ha colocado el pintor como el
guitarrista del fondo, Mujeres sobre el mantón, son nórdicas. Cabeza de Santa 1925
parece viva pero sabemos que está muerta. Cante hondo, 1923-1929, vemos como
la niña de que bonita era, ha crecido con un galgo negro, vemos Córdoba detrás.

F. Beltrán Massés, es el más conocido de una generación muy esplendorosa de una

pintores españoles, La maja maldita

A Miguel Nieto, Valle Inclán publica nada es como es sino como sueña, es una
exaltación de un líder simbolista, acabó de director de… La dama de la Rosa 1910,
de un personaje que tiene mucha influencia pública, Amanecer 1912, en blanco y
negro un tema muy del simbolismo un nuevo día, de la mujer, es un estilo muy
construido muy elaborado.

R. De Egusquiza, quiso ilustrar todas las óperas wagnerianas, Waltan apareciendo

a la Walkiria

M. Viladrich, Mis funerales 1910, un cuadro irracional, es un cuadro muy peculiar

porque se combinan varios retratos reales, vemos un esqueleto femenino con alas de
mariposa, inventa como un diseño de estilo gótico.

N. Martin Fernández de la Torre, Dama del Collar 1913, está proponiendo un tipo
de belleza convulsa
Néstor, La hermana de las rosas, con unos tonos muy naranjas y chillones, un
cuello desproporcionado

E. Chicharro, Las tentaciones de Buda 1922, es una especie de mitología distinta,

perfecto para contarnos el cuerpo femenino sexual en todas las posturas, mujeres
leopardo, mujeres tigre, diosas de manera muy voluptuosa.

J. M. Rodríguez Acosta, Desnudo de la boda de cristal ya ha pasado la Guerra

Civil, muy hiper realista, un cuerpo que está sobre una superficie de agua, cristal,
está apoyada sobre una gran esfera de cristal.

Neoimpresionistas, no existe un lenguaje único, basado en la juventud. Como

renovar lo anterior si nadie sabe qué es lo anterior. Esto nos vende una idea de
ilusión

Cézanne ha surgido como el que aporto el toque constructivo al arte del siglo XX,
“El arte como construcción”. Se fu a París, se quedó en París hasta 1861, le dedica
a Manet, Una Olimpia moderna 1869, es un ejemplo que parece recordar el arte del
pasado, aunque es evidente que no es del pasado, esto tiene el valor de la imagen
nuevo, mezcla la deformación con la idea de mala pintura, se trataba de acabar con
los cánones anteriores no podían pintar correctamente, el aspecto espacial del
cuadro es confuso no sabe configurar las figuras en los espacios, la sábana blanca
parece una montaña. Este señor está obsesionado con la muerte, la violencia, temas
que procedían el maestro en la lejanía, Delacroix, pintaba raptos, violaciones, El
rapto 1867. La magdalena, Mujer estrangulada, una pintura muy potente con
pinceladas muy expresivas muy dramáticas. Apoteosis de Delacroix 1872, vemos
que los colores están clareando, se está produciendo una manera distinta de pintar,
más en bloque, vemos figuras y naturaleza. Utilizará su propio rostro como mapa
del cambio de estilo. Es muy moderno, es el primero, incluso antes que los
impresionistas es que la mejor forma de realizar el estilo es realizar series, Bañistas,
es un tema de Manet, con figuras desnudas en la naturaleza pero utilizado como
excusa para tratar conceptos de disposición, forma, la forma anatómica no tiene la
forma del pasado, las nubes son las peores nubes de la historia, a veces marca con
una línea negra los contornos, como trabaja en series hay cuadros de bañistas con
cuerpos más construidos. Bodegón es la serie en la que puso más énfasis, busca
durante muchos días para ver que hay debajo de la variedad de la apariencia,
organiza sus objetos y luego los pinta, solo la posición de las frutas indican algo, los
jarrones muy construidos, a menudo unos manteles arrugados donde el color blanco
es una utopía, el recurso de colocar una cortina que como tiene hojas representa el
bosque, él se da cuenta que si hiciese un bodegón igual pero cambiando la posición
de una naranja puede cambiar la mirada del espectador fácilmente. A muy finales
del siglo XIX, encontró un galerista (de los cubistas), el gran reto final fue Montaña
Sainte- Victorie, es su zona natal, aquí busca la excusa perfecta para conocer las
formas que subyacen a la naturaleza, la gran piedra puede recordar a la idea de
pirámide, por ejemplo, la corporeidad es diferente arriba y debajo de la montaña.

Gauguin nos lleva hacia lo exótico utilizando color, fue a Taití, esa idea de viaje, es
hijo de un revolucionario de los tiempos de mitad del XIX sale de París, pasa un
tiempo el Lima, esto hace que esté rodeado de cosas que no tiene nada que ver con
Francia, empieza a trabajar en el mundo de bolsa, se había casado muy bien, tenía
cinco hijos, pasa y se va a pintar en 1880, él conoce a Pisarro, no está seguro del
estilo que quiere conseguir así que no le enseña nada a los impresionistas, estaba
harto de las maquinas, de la ciudad, busca una inspiración física, se va a Taití, en
1886, busca donde está lo exótico más cercano, en Bretaña viven como hace siglos,
las ropas típicas son muy pintorescas, sus costumbres son conservadoras, en 1887,
le aconseja que vaya a Nueva Orleans, acaba yendo al Caribe y se pone a trabajar
en la explotación del canal de Panamá, en 1888 vuelve a Bretaña, 1889 visita la
Feria Mundial, quiere sabe como es la realidad de esos seres, está la Torre Eiffel, no
le interesan las partes modernas, ni el hierro, había un suelo metálico y le gustaba el
ruido que producía el calzado sobre ese suelo. Visión después del sermón 1888, es
un lenguaje anticonvencional que puede pintar cualquier cosa, mundos reales con
mundos ficticios, esta gran mancha roja nadie la había pintado, piensa que esto va a
transmitir algo distinto, las figuras se amontonan en altura como las pinturas
románica que había en Bretaña y Normandía. El Cristo amarillo 1889, lo saca de la
iglesia virtualmente, lo coloca en mitad del paisaje muy estatizado, son rojos, las
bretonas por ahí trabajando. Van Goh le insiste en que baje para crear una
comunidad de artistas, le regala La bella Ángela 1889, el retrato está metido dentro
de un círculo, pretende ser como las obras precolombinas, al fondo manchas. En
1991 consigue llegar a Taití, se quedó decepcionado porque era un puertecito
francés con sus coches, su establecimiento de correos, decide adentrarse en la isla y
descubre lo exótico, lo salvaje, adopta las costumbres de las tribus, El mercado
1892, cada vez más atrevido, estas figuras parecen recortadas, recupera una
influencia, el arte egipcio, con este tío se produce la apretura total de fuentes, es
contrario a todas las prácticas necolasicistas. El espíritu de los muertos vela 1892,
aquí hay un libertad de colores. Es escultor y grabador desde 1888, aprende
artesanía, hace jarrones, pinta sus formas, al principio bretonas pero luego cambia,
Sed de misteriosas 1895, Ídolo de la concha 1892, nos interesa esto porque es algo
que era tallado realizado en Taití, va juntado piezas de conchas y dientes reales de
pez. Oviri 1894, nos cuenta una de las divinidades del sitio en el que estaba, con su
poder destructor y fertilizador. Solo cuando muere comienza la leyenda, empieza a
ser visto en Francia y en centro Europa, y todos aquellos que quieran utilizar el
color como grandes manchas irían por él.

Van Gogh, expresionismo, tiene un biografía que explica todo, 1887, vende uno de
los cuadros de la habitación amarilla por 32 millones de euros, fue un colectivo
japonés, será muy conocido por un tipo de pincelada. Quería ser pastor calvinista y
un tío suyo tenía una galería de arte, es alguien muy religioso y tiene que vivir por
sus obras, iba con carpetas de estampa intentando venderlas. Suspende varias veces
el examen para ser pastor, su familia le repudia, llega a un poblado de campesinos,
da todas sus propiedades, vende su cama, duerme en el suelo, empieza a pintar para
desahogarse, Campesina cosiendo 1885 vemos pinturas muy oscuras, mucha
cantidad de pintura. Solo tuvo cinco años de vida, realizó cientos de cuadros, parece
pintura sucia que se va poco a poco purificando. Japonería 1887 es más moderno,
son como los nenúfares Mone, pero con nada de dibujo y mucho color, Père
Tanguy 1887, era un curioso galerista anarquista, intercambiaba botes de pinturas
por cuadros, tenía un aspecto muy rígido. La habitación de Arlès, baja aquí
desesperado y su hermano le da dinero, murió a los pocos días de la muerte de su
hermano, pinta escenas de la misma habitación, al trama va amucha velocidad, es
una representación extraña el suelo está pintado de forma muy libre, solo dos sillas,
luego se volverán a pintar estas dos sillas, La silla de Gauguin 1888 va a clavarle
un cuchillo le corta una oreja y se la da a unas prostitutas, La noche estrellada 1889
vemos que se ha producido una objetivización, las estrellas son curvas y
contracurvas. Los últimos meses consigue el hermano que vuelva al entorno cerca
de París, La iglesia de Auvers- sur Oise 1890, La siesta 1890, Campo de trigo con
cuervos, este es el último cuadro, algunos dicen que esos cuadros estaban indicando
algo ya.

Toulouse Lautrec, es quizá el más convencional el más acomodado, aporta la

importancia de los medios de comunicación masivos, habla de la influencia de
Japón, la idea de dibujo no solo de color. Es alguien que viene de la aristocracia
consolidad, sufrirá dos caídas de caballos, se romperá las dos piernas y se
convertirá en algo extraño, es muy activo. Al principio cosas muy convencionales,
En el circo Fernando 1888, era un circo fijo, la imagen que nos da es muy
dinámica, muy fiel a lo que está sucediendo. En el Moulin Rouge 1892, es muy
lineal muy ornamental con elementos de sorpresa, para sugerirnos que hay un
iluminación que no vemos pero que es muy fantasmal. Los carteles no existieron
hasta finales del XIX, al principio realiza carteles de centros de ocio, estilo
moderno muy de silueta, no vemos ya cosas oscuras, ni volúmenes sino siluetas
recortadas, con tendencia a la caricatura. El aseo, es alguien que realiza varias obras
de pastel, la mujer es la protagonista de sus obras.

Seurat, el arte puede llegar a ser una ciencia, para escapar de tanta indefinición, son
los únicos de todos que tienen un compromiso político claro. Son anarquistas

Seurat, La María en Honfleur, es un personaje muy interesante con poca

producción en global pero muy concienzuda, es el que más nos puede recordar al
impresionismo, si uno cree que hay un método científico todo sería igual, llega a
conclusiones más atrevidas que los impresionistas, todas sus imágenes hablan de lo
estático, lo que no avanza. El baño en Asnières 1883, un tema inocente al principio
pero nada casual es una crítica hacia la burguesía, utiliza el arte egipcio porque son
personas pero como maniquíes. Tarde de domingo en la Grande-Jatte 1884, trabaja
las praderas y las fuentes del agua y luego como que coloca muñequitos. Las
modelos 1886-1888, realmente la modelo porque es la misma pero representada en
diversos momentos, con un aspecto de nuevo muy estático muy rígido, La modelo
de espaldas 1887, son con puntos que se funden en la retina para crear la imagen.
Pintó pocas obras acabadas, pintaba mucho a lápiz, La parada 1889, cuenta otro
momento de vida, el circo llega a la ciudad, hacía una parada y es donde se
intentaba seducir al público, es un boceto previo, se pone en énfasis algo. Le echaut
1890, el anti Touluse, aquí hay mujeres que son construcciones geométricas.
 Signac, El divisionismo sobrevivió hasta la vanguardia, vive hasta el año 1935,
tiene tiempo y originalidad para pintar por ejemplo Fleix Feneón que era un crítico,
abstracto imposible. Su anarquismo se ve en este tipo de representaciones, En el
tiempo de la anarquía 1893-1895, utiliza la fuerza física para cambiar la realidad,
con unas gamas de colores, es divisionismo pero conduciendo hacia otros lugares.

Tema 13 La Era de las vanguardias (artes plásticas)

Trabaja con el budismo, abre la vía hacia bauhause, una historia de vanguardia
empieza siempre con esto, Matise y un grupo de amigos que han pasado el verano
en una población costera, por primera vez en un acto público, 1905, la pintura era
todavía demasiado conservadora, en el centro de esa sala un busto clasicista,
alrededor con sillones. El fauvismo podría ser el último neoclasicismo, esto
desapareció muy rápidamente, cada artista tiró cada uno por su lado.

Matisse es el primer gran nombre desde el que se construye una gran columna
artística, con gran color al principio con gran tendencia a la figuración, este señor
fue un instrumento historiográfico al igual que Picasso. La alegría de vivir 1905
muy cercano al simbolismo, está dando otro lenguaje, abandona el divisionismo,
vemos esos parches de color, formas cerradas, multiplicación de desnudos, en el
campo (escapismo). Mujer con sombrero 1905, la polémica viene por los modos de
representación, no aceptaba que una cara tuviese un parche azul al lado de otro
verde, trabaja tanto en la figura como en el fondo. La raya verde 1905, esa idea de
génesis de origen, nunca se había visto algo así, hasta que llega el posmodernismo
en los 60 (aquí empieza a dejar de pensar en la gran originalidad de las
vanguardias). Estudio rojo 1908 es Matisse pintándose así mismo, el entorno es
muy especial porque ella no es un espacio construido sino que es una mancha roja
en la que ha marcado ligeramente rayas que serían sillas. Descubre algo llamado
cartulinas, empieza a hacer collages muy libres.

Derain, todos eran partidarios del color frente al dibujo, en ese momento una visión
dramática del mundo, con una aplicación libre del color (herencia del fauvismo),
esto no se puede fotografiar, tiene la suficiente potencia para que hoy podamos
seguir viendo atractiva esta imagen. El puerto 1904, lo único que importa es la
visión de conjunto final
Vlaminck, son obras que se realizan el mismo año en el que en Alemania un grupo
funda el expresionismo, un alemán puede estar pintando cosas iguales que este tío
en París. Un lenguaje muy espontáneo, La casa azul 1905, la abstracción es la
consecuencia de esto.

Robert Delaunay, Naturaleza muerta con papagayo 1907, expone mucho en

Alemania, es alguien que llega a la abstracción de manera muy tardía.

Alemania que había sido el lugar donde se habían escrito historias sobre el
pesimismo, gran parte de la población se siente incómoda, un grupo de estudiantes
de arquitectos deciden ser pintores, serán el puente del nuevo arte, cualquiera está
invitado, propone ya no solo un nuevo lenguaje sino una nueva percepción del
mundo, esto busca acabar con la civilización, volver a lo primitivo, recuperar las
tradiciones artesanales y artísticas, se produce un revalorización del gótico,
romanticismo, quieren frenar la industrialización. 1905-1913, en el 11 tiene una
etapa cuando no sé quién va a Berlín y se queda fascinado por la metrópolis. Este
grupo no es una máquina de exponer, pero si son constantes, hace mucho grabado
en madera, siempre muy rígido, como máscaras (nos permite hablar de cubismo,
fauvismo).

Kirchner, es alguien que tiene un desenlace interesante en los años treinta cuando el
nazismo persigue a todos los vanguardistas para venderlo a suizos (hipócrita),
abandona el país y se suicida por esta persecución. No persigue las percepciones,
son formas góticas frente a la idea de ciudad máquina de hierro y vidrio. Es una
crítica a la sociedad alemana de los diez. Sus obras tienen que ver con el ser
humano porque quieren vender espiritualidad

Müller, tiene que ver evasión respecto al presente,

Schmidt- Rottluff, ahora se le da la vuelta a los colores

Warringer, en 1907 lee una tesis que se llama abstracción y empatía (proyección
interior, sentimental), lo impresionistas buscan también esto. El Jinete azul, es el
nombre de primera época de Kandinsky, se va a acabar el mundo de las máquinas.

Publican sus manifiestos, tienen sus críticos de arte, su galería se llamara “der
sturm” (la tormenta) esto no era nada casual.
August Macke, vida cotidiana, son maniquíes (crítica a la burguesía).

Uno de los artistas que están en ese Jinete azul, será Klee dando un aspecto casi de
vidrieras, este señor vale para todo, está en los años 40 en EE.UU, era muy libre, si
quieres fantasía, dibujos para niños. Teorizó mucho sobre su arte y se convirtió en
una fuente literaria de primer orden.

Franz Marc, pinta sobre todo animales, esto es normal frente al discurso de la
búsqueda de lo espiritual, en el 11 cambia pero sigue manteniendo esa gama de
colores

Wassily Kandinsky, viaja por Europa hasta que se asienta en Munich, es un proceso
que se simplifica a la búsqueda de la impresión, Jinete Azul, muy simbolista, Nuevo
jinete azul, todavía se reconoce al caballo pero es difícil, no tendrá paralelismo con
el modelo que le ha precedido. En el año 11 aparece las acuarelas abstractas, los
críticos dicen que este tío se equivocó se le movió el cuadro, hará cuadros llamados,
sinfonías, dice que no hace falta saber música para crear alguna sensación pero si se
tiene que saber pintar, al principio serán códigos muy libres, tienen que ver con las
teorías científicas del momento (Einstein). Tipi comentario de mi hijo sabría hacer
esto, siempre ha fallado la educación en lo abstracto, y cuando se hace algo así pues
pasa lo que pasa. Composición 1911, son dos formas de abstracción pero con dos
visualizaciones diferentes, es más fluido.

Hay una arquitectura expresionista, las primeras obras son B. Taut, Pabellón de
cristal 1914 y Pabellón de hierro 1913, no se nos vende un futuro mejor, se ve la
impresión que uno tiene. El gran texto que tiene la arquitectura es este Paul
Scheerbart, “Arquitectura de cristal” 1898, 1914: vivimos en espacios cerrados, se
necesita una arquitectura de cristal, coloreado, que deje pasar la luz del sol y la
luna, ya existen precedentes, invernaderos, botánicos, imagen de Jerusalén Celeste
(ciudad-mundo) la técnica y los materiales (hierro cristal, hormigón la harán
posible, arquitectura móvil.

Ahora que tenemos hormigón E. Mendelsohn era para comprobar si las teorías de
Einstein era verdad o no, Torre de Einstein 1920. Son arquitectos que tienen
práctica, H. Poelzig, Factoría química 1911, con un aspecto siniestro, medieval,
Gran teatro de Berlín 1919 para cinco mil personas, vemos una serie de elementos
que no son funcionales pero si espirituales (introducen la idea cueva). L Mies van
der Rohe, Rascacielos una rascacielos todo de cristal con un aspecto de proa de
barco

MIES VAN DER ROHER.

Rascacielos 1921. Todo de cristal con aspecto de proa de barco. No se llegó a

realizar. Pero si que estaría al frente de bauhaus.

F. HÖGER

Casa de Chile, 1921. Realizada en hormigón, en el interior hay espacio que se

invoca a la naturaleza

CINE ALEMAN EXPRESIONISTA.

Muchos de los quienes fueron escritos por Arol Mayer y Thea von hARbou, lo que
explica la repetición de algunas líneas argumentales.

Temas procedentes de leyendas de la Edad Media y Renacimiento 8vision

misteriosa del hombre y la naturaleza).

El director es la estrella en Alemania, los actores solo encarnan sus intenciones. No

hay sistema de distribución tan duro como en USA.

Ausencia de starsystem que solo aparece con el sonoro (m.Dietrcih, L.harvey)

Paul Wegener, crea la película El Golem en 1915.

Robert wiene, el Gabinete del DR. Caligari 1919. Temas como la manipulación
de la mente de una persona a otra. La película empieza con un sanatorio mental.
Tiene muchos recuerdos. Es un cine de fantasía y ensoñación. Se les pide que
exageren para trasmitir esa tensión.

F.W.MURNAU, Nosferatu, unasifnonia del horror, 1922.

http://youtu.be/1djGyCj1vCk

FRITZ LANG- THEA VON HARBOU, Metropolis

FUTURISMO:

MARINETTI.

Publica un manifiesto en parís. En la primera página de un periódico tan importante

como ese. Ese manifiesto se traduce en muchas lenguas y tiene gran proyección.

En su manifiesto nos habla de una nueva belleza, la de la automóvil, fábrica y

velocidad y que cada ciudadano tendrá que reconstruir su ciudad cada 20 años. Su
manifiesto es traducido por Ramón Gómez de la Serna en España.

Este empieza el futurismo. Son los primeros que realizan las perfomance.

G.A.BRAGAGLIA, CRONOFOTOGRAFIA.

Fotografía en movimiento. Son dos hermanos que utilizan diferentes elementos de

la vida cotidiana para demostrar el dinamismo. Muestra el espiritismo e idealismo.

Umberto Boccioni:

-Electricidad de un jinete 1912.

El futurismo se ocupa de todo.

Hay algunos que piensan que Marinetti es muy conservador. Mussolini es quien
reabre esa nueva orden futurista después de la segunda oleada.

La mayoría de futuristas salían del impresionismo o del simbolismo.

-La ciudad se levanta 1910.

En escultura se crean nueva figuras como:

-Formas de continuidad Espacial 1913.Esta acabado nos recuerda a un robot. Una

propuesta plástica, sin necesidad de interpretación.

-Desarrollo espacial de una botella 1913. Intentan darle movimiento a la obra.

Una recomposición. Si el mundo hubiera seguido como ellos pensaban, el mundo se
habría adaptado a estas formas.
GIACOMO BALLA.

Con sus obras intenta demostrar la continuidad espacial. Intenta sintetizar la

impresión que siga en ese movimiento. Estaría introduciendo una dimensión
temporal.

CARLO CARRÀ

-Homenaje futurista, 1911. Es un collage, que aparece el collage en el siglo X en

Japón, pero que hasta ahora no había tenido existo. Son los trozos de periódico que
cuentan lo que está pasando en ese siglo XVIII. Se refuerza la idea de movimiento
con pintura encima y muestran los torbellinos de este movimiento.

LUIGI RUSSOLO.

Propone una maquina que se activa manualmente y que produciría aleatoriamente

ruidos.

MARIO CHIATTONE.

El futurismo no construyó nada, solo diseño. Todos los futuristas tenían un estilo
macabro, porque entendían limpiar toda la Europa del pasado pero son ellos los que
mueren. Todos habían muerto porque se habían alistado en el batallón ciclista.
Milán se convierte en la capital del futurismo.

Posibilidad de llevar los rascacielos a toda Europa. Los futuristas son los primeros
que enseñan una metrópolis. No existían materiales ni tecnologías para levantarlos.

ANTONIO SANT’ELIA.

Había tenido formación de ingeniero. Propone bloques de viviendas escalonados,

con ascensores que en aquel momento de fascinación para los vanguardistas. Es una
propuesta también para generar energía eléctrica.

ARNALDO GINNA, 1916.

Cine que casi ni existió. La única película que se acepta como futurista es “VITA
FUTURITA” que lo más que tuvo fue el cartel. El cartel es un sol con un caligrama,
que enfoque la película y que quedan minutos que les deja salvados. Empieza a ser
como una propuesta simbolista.

La protagonista es una mujer que pasa por alguna habitación con paredes diseñadas
con formas geométricas. No había nada de vanguardia en eso pero era lo único que
ellos pensaban que estaba bien hecho.

CARLO CARRÀ.

Manifiesto intervencionista 1914. Es un collage. Con diferente modos de

decoración con pentagrama y que hay un optimismo como que por fin empezaba la
fiesta.

La relación entre texto e imagen en el futurismo es importante. Los caligramas

habían tenido un primer momento glorioso de la mano de Apollinare, que es un
crítico que apoya el cubismo. Los caligramas eran texto e imagen, que obligaban al
espectador a reconocer y entender esas palabras. Al principio se jugaba al
desconcierto. Ellos pensaban que las letras podían convertirse en otra cosa y que a
menudo hay muchas onomatopeyas. Ruido del coche, del motor del avión, de la
calle, se intenta ofrecer una experiencia para los sentidos. Como si fuesen el ruido
de un claxon que nos sobresalta.

A.BRUSCHETTI.

La síntesis fascista 1935. Es una obra en la que aparece Mussolini, que muestra
que este arte se vendió a él. Acoge y promociona a los artistas futuristas. Tiene que
ver con la llegada de las tropas a Sicilia y norte de Italia. Es un momento en el que
los futuristas se obligaban cambiar el estilo como las diagonales o imagen
multiplicada como si fuese un fotomontaje, pero también a transmitir ideología de
una forma clara. Se verá un momento en algunos rezos de iglesia.

El mensaje, la forma de representarlo y los iconos de la modernidad, lo son todo en

el mundo moderno, es decir en el futurismo.

CUBISMO.

BRAQUE.
Maisons de l’Estaque 1908. Es un cuadro cubista, que se muestra reducido hasta
lo vulgar. Cuadro que tiene apariencia de cubos, que plantea una nueva visión.
Dudemos de las apariencias, busquemos l esencia de las cosas y esa esencia, no va a
estar en el color sino en la forma. Es un término muy rememorarle. Reduce todo a
figuras y aspectos geométricos. El aspecto exterior puede llevar a la confusión.

Para intentar explicar esas formas, los críticos empiezan a tomar por referencia a
Cezanne, que había empezado por el siglo XX con esta apariencia. Son libros de
pensadores que están preocupados por la misma idea de civilización.

Buscan una verdad esencial.

CEZANNE trabajara para buscar la verdad de las coas, puede tratarse como el
padre del cubismo.

PICASSO.

El cubismo se había inspirado en Cezanne. Que muere en el 1906 y se le dedican en

el salón de otoño una conmemoración 1907 y aparecen una serie de cuadros

Mujer peinándose 1906

Dos desnudos 1906

Las dos mujeres de la derecha se convierten en otra cosa como si tuvieran rasgos
más diagonales y con características cubistas. Están casi esculpidas aunque estén
pintadas.

BRAQUE.

L’Estaque 1908

Desnudo, 1907-1908

En estas obras se produce cierta rebeldía y el cubismo se expande y se desmitifica

y ya no es un secreto contado entre dos sino que ambos ya dejan que se haga
cubismo. Tanto Braque como Picasso tiene una relación cubista.

Las primeras obras del cubismo tienen colores verdes y marrones. Cómo se diseñan
los objetos, visión forzada de los elementos que quieren representar.
PICASSOm

Panes y frutero, 1908-1909

Estudio del Carnaval en bistro 1908-1909. Este es más cubista que el de antes.

En el año 1909, Picasso vuelve a España y da un impulso definitivo a primer

cubismo. Tendría dos etapas hasta el año 11 se llama cubismo analítico y desde el
año 11 se llama cubismo sintético.

En el año 1909, Picasso impulsa el cubismo analítico. HUIDA de la mimesis,

reducción a un problema plástico. Y aspecto exterior, que los realiza Picasso en
Horta de Ebro cuando visita el lugar.

Fernande Olivier 1909. Se elimina la pintura de historia y la pintura religiosa.

Muhos retratos amantes que la transforma en un objeto cubista. Solo quieren que
sea una obra que fuera vista con su efecto plástico. Colore ocres, marrones.

El cubismo escondía una verdad que ha sido revelada por el paso de las décadas. En
el año 7 se hace una exposición a COROT, el autor de las Muchachas con
mandolinas 1870-1875. N permite inspirar algunos temas algunas composiciones
entre figura y formas. Que parte de la obra de Corot.

Los desnudos tendrán larga tradición. Portando la situación y lo que había detrás de
alguno de los cuadros cubistas.

También Picasso, retoma de exvotos iberos y de escultura africana. El descubrió el

arte primitivo estando por parís después de descargar una gran tormenta y se
refugió en un museo donde recogía el arte de las colonias. Había frio fuera y el
ambiente de dentro que no estaba regulado era húmedo por lo que Picasso sufre
como un golpe de calor y entra a ese museo, descubriendo objetos que huelen y que
están formados por elementos reales y pegados. Un mundo muy esencial en el que
Picasso solo ve formas, que no ve la verdad de estas formas, que no son obras que
no tuvieran una función religiosa y Picasso se queda con el aspeto exterior que
puede plasmarse en las obras cubistas.

También crea escultura.

Las señoritas de Avignon, es la obra maestra de Picasso. Ni siquiera con el titulo
se sabe lo que se ve. Propuesta de desnudos primitivo, que son momentos de
interpretación. Esas cabezas tienen que ver con los exvotos iberos y escultura
africana. Tatuaje sobre la piel que produce un levantamiento de la misma. No se
sabe si el cuadro es vertical o cuadrado. Se ven a algunos gestos del cubismo. Es
un cuadro que tiene muchas fuentes de inspiración como por ejemplo las bañistas
de Cezanne o la del greco que se llama Visión apocalíptica. El greco para Picasso
era muy importante y le toma como referencia.

Decenas de estudios para llevar a su cuadro. Había primero figuras que luego
desaparecen. Lo que cuenta es que el cubismo es un proceso mental que tiene
consecuencia plástica. Siempre se reconocen las formas y siempre se pueden ver un
mástil de algún instrumento.

Los cubistas proponen dar la vuelta a todos los objetos y va pintando cada una de
sus caras y luego lo presenta en un aspecto final.

Los números podían tener una función plástica. Empiezan a copiar cabeceras de
periódicos.

CUBISMOS SINTETICO Y COLLAGE.

Ahora se decantan porque Braque pega un trozo de periódico está transmitiendo

más información de la que uno imagina. Todos sabían que era el cotidiano.

Braque será el impulsor de los collages en el cubismo sintético.

Lo que hacía era fingir una madera y luego recrearlo. Es un sistema de

representación del arte.

Se da un momento de molestia visual. Según como se mire el cuadro va a cambiar.

No debemos creer en nada porque un mismo cuadro puede parecer diferente, según
desde donde lo veas.

Los papiers colles, la madera de imitación y otros elementos similares…

El procesos culmina en el año 12 por el formato que tiene es un formato que

podríamos decir que es muy pulcro, ovalado de Picasso que es Naturaleza Muerta
con trenzado de silla. Los cubistas se reunían en esos bares largas horas.
La gente iban pidiendo cafés y aguas y medidas y los cubistas tenían en el terreno
de lo real, un ejemplo claro. La mesa es ovalada y que llega a tener 3 niveles de
realidad. Por una arte esta la zona de pintura de toda la vida pero con formas nuevas
que se meten unas letras del journal de parís, un collage de una tela de rejilla, y en
el propio diseño puede parecer que no hubiese nada detrás del cuadro. Esos puntos
negros juegan con la idea de que a lo mejor no hay nada más. Y el arco que había
sido atacado por los modernos desaparece y aparece una cuerda de madera gruesa
que transmitir momentos de emociones al espectador. 3 niveles de realidad en una
sola obra siempre siendo figurativo.

Fernande 1909. Es una escultura del cubismo que habla de volúmenes.

Guitarra del 1912. Es una guitarra que se juega con su misma percepción.

Copa de ajenjo 1914. Con absenta lo tomaban allí se tomaba con una serie de
elementos, con un azucarillo. Picasso hace una primera copia, que está la forma
plástica, una cucharilla normal de metal y un azucarillo real. Luego edita 6 copas
mas en bronce y sobre ahí empieza a pintar. En total hace 7.

El collage tiene una proyección importante. Construcciones en planos y grandes

zonas como lugares de habitáculo. SchittersMerzbau, Alemania 1943.

En el año 1912, Apollinaire, es un revolucionario de la vanguardia, que publica en

el 13 un libro que se llama Los pintores cubistas pero se subtitula meditaciones
estéticas. El libro es el reconocimiento de que el cubismo se había practicado
masivamente. Se reconocer como pioneros a Picasso y Braque pero luego se abre la
puertas Robert de la una y que había empezado siendo fauvista, pero luego termino
al cubismo. Es fácil pasar del cubismo a la abstracción geométrica.

Se montaron algunas tiendas para difundir el estilo. En Madrid monta Casa Sonia
Qesera en Serrano.

F.LÉGER, Ballet mecánico, 1924.

Tema 14 Fotografía y cine

Cine alemán expresionista

Muchos guiones fueron escritos por Carl Mayer y Thea con Harbou, lo que explica
la repetición de algunas líneas argumentales. Teas procedentes de leyendas, de la
Edad Media y el Romanticismo (visión misteriosa del hombre y la naturaleza). El
directo gestiona todo.

Paul Wegener 1915, El golem cuenta una historia judía en la que una figura
poderosa puede ser constructiva o destructiva, ambientada en la Edad Media.

Robert Wiene, El gabinete del Dr. Galigari, escenario diseñados por un arquitecto,
cómo una persona puede manipular la mente de otra. La película comienza en un
sanatorio mental, es un cine de fantasía no de descripción.

F. W. Murnau, Nosferatu, una sinfonía del horror 1992

Fritz Lang- Thea con Harbou, están trabajando juntos y el trabajo más chachi es
Metrópolis, es una película extraña, con poca lógica, se divide el mundo en estratos.
Estos llegan a Manhattan iluminada, no la ven como una ciudad de hierro.

F. T Marinetti es el padre del cine negro americano, era un poeta simbolista, sufre
una especie de conversión, los museos, la idea decadente de ciudad del siglo XIX,
en el años 9 publica un manifiesto que aparece en primera página de un periódico,
se traduce al ruso, al japonés, al español, nos habla de un nueva belleza, del
automóvil, de la empresa, cada ciudadano tendrá que reconstruir su ciudad cada 20
años. Al año siguiente se le acercan una serie de pintores que ha leído el manifiesto,
se llamarán futuristas, son de los primeros que hacen las performance.

G. A. Bragaglia, Cronofotograía, era esta idea de levantar el espíritu de los

tiempos, son dos hermanos, fotos de la vida cotidiana para mostrar el dinamismo,
pero muestra lo contrario.

Dadaísmo

Se llamarán futuristas de forma lógica, tendrán una serie de actividades muy

complejas como el insultar o agredir al público típico burgués.

 “Una epidemia destinada al derrumbe total de la sociedad” algo heroico y

digno
  Dada no significa nada. Como vuestros paraísos, hay una tendencia al
nihilismo, a lo absurdo, que era una corriente que se había impuesto en
varias prácticas de teatro del siglo XIX. Los dadaístas funcionan de esta
manera ante el anquilosamiento de la sociedad proponiendo un cambio
 Silbad, gritad, partidme la boca, y luego ¿qué? Siempre os diré que sois
unos borregos.

Comenzó en este sitio M. Janco, Cabaret Voltaire 1916, en Zurich conviven

distintas ideas, buscan una especie de café o restaurante que utilizan como lugar de
exposiciones, de actuaciones (origen de la performance), siempre buscan la
alienación del espectador (insultos, arrojar objetos), a veces venden más entradas de
los asientos que hay para provocar ese tumulto, manchan las sillas para esa gente
elegante, en este cuadro está cerca del expresionismo, cubismo, futurismo…

T. Tzara es uno de los principales dadaístas, el hacer el loco por las calles pensaban
que era lo que los artistas hacen, las formas de escritura novedosas, escenografías
distintas, como ellos venían del mundo del teatro había mucho ballet. S. Tauber
bailando con máscara de Janco 1917, se dan cuenta que hay demasiada idolatría a
las mascaras africanas por lo que crean sus propias mascaras con cartulinas, formas
inéditas, M. Janco, Máscara.

Un día en el año 1916 aparece H.Ball en traje cubista recitando su poema Karawane
1916, envueltos en papel metálico, con movimientos rectos, serían soldados, el
escándalo público. M. Janco, Cartel 1918, lo utilizaran para llenarlas de contenidos
expresionistas, abstractas, Ilustración para un libro de Tzara 1916, se trata de
escapar de la normal y del control, Dadaga 1920. Vemos un tipo de escultura que
se llama construcciones estructuras, están realizados con materiales de desecho con
esto proponiendo que cualquier persona que encuentra cosas y las ensambla puede
ser artista, llegan a decir que una obra si se expone en algún sitio o provoca alguna
emoción sería arte. H. Arp Retrato de T. Tazara 1916-1917.

En 1913 llega la vanguardia a EE.UU, es un movimiento que no es grupal porque

como eran anárquicos (París, Alemania, Barcelona) es un lugar de locos,
producción en serie de muchos objetos que se pueden utilizar, era un público de
mentalidad más abierta. Richard Boix, NY Dada Company 1921, como burla para
las obras anteriores, la manzana de Eva por ahí colgada, vemos un grupo de
personas que son artistas americanos importantes, Mar Ray va a ser el fotógrafo y
Martley.

M. Duchamp como llega a EE.UU en 1917 era un pintor poscubista, futurista,

piensa que no tiene sentido seguir con los mismos formatos, mismo conceptos,
incluso el se traviste, M. Duchamp como Rrose Sélavy 1920, se da cuenta que con
el lenguaje se puede jugar. Desnudo bajando una escalera 1911-1912, el de la
derecha es una cronofotografía del movimiento que ya casi está anunciando el
cinetismo total con ese movimiento. Hacia el año 1916 se piensa que diseña,
ensambla, conceptualiza Rove Sellete, se refiere a rueda y taburete, Roussel era uno
de los dramaturgos que estaba jugando con las palabras (homenaje al modo de
escribir), él había puesto así los objetos para sentir el placer de ver como se movía
la rueda, esto se conoce como el primer Ready-made. Fuente 1917, su obra más
conocida, aprovecha una rendija legal porque era una agrupación de artistas
modernos dice que a cambio de dar una inscripción de un dólar puede llevar la obra
de arte que quiera y presenta esto un urinario firmado R. Mutt, lo que hace es
desconcertar al espectador y nadie se da cuenta que se está riendo de ellos, tiene un
aspecto fálico que llama más la atención, esta obra se considera la primera obra de
arte conceptual. Poco tiempo después, 1919, compra una postal de Monalisa y le
pinta un bigote, algunos crítico se escandalizan, como se atreve a manchar la
imagen del gran renacentista Leonardo Da Vinci. Taller de Dichamo en NY, deja de
limpiarlo ().

La gran obra es El gran cristal componentes sexuales, todo estaba cuando lo hizo
perfecto, en 1923 en su traslado se da un golpe, y se agrieta y piensa que ha sido el
destino.

H. Hoch La hermosa muchacha, utiliza el símbolo de la rueda pero elimina el resto,

hay pelucas, bombillas, intenta denunciar. Amor 1931, son formas raras pero
siempre reconocibles, es un desnudo pero formado por diversas partes.

R. Hausmann, La cabeza mecánica 1919 Es un ensamblaje de piezas para criticar

como el occidental solo confía en medidas y cree que puede controlar la realidad a
través de esto, parece my clásico pero al final es un resultado absurdo criticando así
el momento absurdo que están viviendo como es la guerra así como sus
consecuencias.
G. Grosz J. Heartfield, Obra maestra corregida 1920 intentamos corregir nuestra
mentalidad por una firma, cuando vemos una obra en un museo que no nos gusta
pero vemos que es de Miró por ejemplo pues cambiamos nuestro parecer.

Surrealismo

En 1921 se produce el deslizamiento sutil desde el dadaísmo hacia el surrealismo,

dada vende anarquía y el surrealismo vende jerarquía.

Klinger, El guante 1881, es la primera vez que una obra se centra en un objeto, se
centra en la clase alta sale una dama que se le cae el guante Conde de
Leautréamont, es una obra donde un joven desaparece y no se sabe más de él, esto
surrealista buscan ese impacto en el espectador. Se apoyarán mucho en la idea de
objeto prefabricado que nos ayuda a mantener una conexión.

Breton en 1921 decide dar un golpe de Estado, Proceso a Barrès invita a todos lo
dadistas a un juicio simbólico, Barrès aparece como si fuese un muñeco hay dos
opciones, finalmente gana Breton y sus compañeros y da lugar al surrealismo.

Escribe dos manifiestos:

 Vuelta a la infancia, al anti utilitarismo, defensa del artes de los enfermos

mentales. Lucha contra el Imperio de la lógica
 Creo en la futura armonización de estos dos estados, sueño y vigilia, en una
especie de realidad absoluta, la sobrerrealidad o surrealidad
 Automatismo psíquico puro por cuyo medio se intenta expresa,
verbalmente, por escrito o por cualquier otro modo, el funcionamiento real
del pensamiento

 Politización el surrealismo pretende ante todo provocar una crisis de

conciencia del tipo más general y grave posible.
 El acto surrealista más puro consiste en bajar a la calle, revolver en mano,
disparar al azar, mientras a uno le dejen a la multitud.
Crean exposiciones de objetos muy variados, por ejemplo M. Duchamp, Bola
suspendida, Tanguy, El tabernáculo 1929 es un objeto inútil totalmente salvo para
despertar la imaginación del que lo viese.

Dalí, Objeto de funcionamiento simbólico, mete trozos de revistas porno, Busto

retrospectivo de Mujer 1933, es un busto de tienda algo que existía en las tiendas
parís, coloca dos mazorcas con forma fálicas, en el cuello sale Chaplin en una
especie de cinta (tiene una obsesión con las hormigas y los saltamontes) hay algo
nuevo es el uso de un objeto orgánico que se estropea con el paso del tiempo. Los
surrealistas se dan cuenta que los nombres de calles son tan surrealistas como Calle
de Transfusión de sangre.

V. Brauner, Lobo-mesa 1939-1947, no es funcional porque si me siento me muerde

el zorro.

Picasso, Cráneo de toro 1946, es un silla y un manillar que decide darle otra
realidad, A. Masson, Dibujo automático, ya empezaba tiene una conexión con el
azar muy claro realidad

Herni Micheaux, en esos estados de trance realiza dibujos fuera de conciencia

Max Ernst, otra técnica Frottages es como cuando éramos pequeños cogíamos una
moneda y poníamos un papel y pintábamos encima.

Test de Rorschach 1921, es un método que está a mitad de camino entre lo

científico y los fantástico, permitía que la realidad es distinta para cada personas.

Decalcomanías ¿Lo que hace Oscar Domínguez interviene sobre ello, pinta un
puente tal.

Fumages se hace con soportes que son bastante gruesos y se aplica la llama de una
vela, con esto se produce una serie de manchas que pueden ser retocadas.

Breton, Cadáver Exquisito, tiene que ser figurativa, no puede ser abstracto, que siga
un eje, el que acaba un dibujo haga unas líneas de conexión

No nos hablan de collage ni fotomontajes pero que transmiten es una idea irreal,
Brassai, París de noche 1933 vemos el tranvía que está iluminado ciertas luces
André Kertzs, reflexiona sobre las apariencias y sobre lo que son las cosas, todo
está en l mirada, hay formas escondidas que dependen de la mirada, por ejemplo el
desnudo femenino, lo deforma y lo convierte en algo monstruoso.

Man ray, el gran fotógrafo del surrealismo, americano que vive casi siempre en
París, es alguien que está muy en contacto con la sociedad de artistas, es más
experimental que los que hemos visto, puede trabajar la manipulación de la imagen
creando paisajes muy sorprendentes, uno podría ver unos gigantescos labios en el
cielo, Solarizaciones. Meret Oppenheim 1933, le pide que haga una especie de de
performance, le hace que coja una rueda otra vez ese aspecto de la modernidad,
maquina y humano.

Hans Bellmer es un artista alemán inspirado en el surrealismo, tiene serias dudas

sobre ese conducto falso de la percepción, quiere reflexionar sobre el cuerpo, no el
maniquí pero si las muñecas, compra muchas, empieza a articularlas creando
monstruos y para añadir más inquietud a las imágenes resultantes exculpe rostros lo
más creíble posible. A veces en lugares misteriosos como bosques, o dentro de una
casa.

La última creación fue el cine, cómo grabamos los sueños, Buñuel y Dalí: no
aceptar idea ni imagen alguna que pudiera dar lugar a una explicación racional,
psicológica o cultural, abrir todas las puertas a lo irracional, no admitir más que las
imágenes que nos impresionan, sin tratar de averiguar.

La ultima vanguardia de todo el periodo nos quiere contar realidad frente a ese
sueño, revolución frente a un grupo de burgueses, al principio la Unión soviética se
plantea varias vanguardias, la dinámica de poder va a acabar entregando la escena
artística a unas zonas del realismo de lo más natural a lo más conservador, tuvo
consecuencias graves la Unión Soviética quería difundir la revolución a todos los
países, K. Malevich, Exposición 0, 10 en San Petersburgo, momento posterior a la
abstracción, aquí vemos lagunas imágenes de esa exposición, dominio de las formas
geométricas básicas, quieren eliminar todo lo demasiado humano, los colores
básicos, es la primera propuesta eficaz de la abstracción como el gran arte del siglo
XX. La sociedad Rusa era analfabeta en su mayoría, pensaron que no sabían leer
por lo que empezaron un lenguaje nuevo, el blanco pureza, negro el vacío, el rojo es
la revolución, aquí hay un cuadro colgado en una esquina, con esto nos cuenta el
arte de los iconos, como los iconos ortodoxos y bizantinos, en la cultura ortodoxa
tenían un valor sagrado real. Cuadrado blanco sobre fondo blanco 1918 este señor
llega al final a la abstracción pura, aun hay diferencia entre fondo y forma. Casa
roja 1932, Autorretrato 1933, nunca dejó de creer en su lenguaje aunque no lo
puso mucho en práctica. Malevich de cuerpo presente en su apartamento,
Leningrado 1935 hasta la muerte es la propuesta de este señor, de hecho, sus
seguidores llevaban un brazalete con un cuadrado negro sobre un fondo blanco,
frente al suprematismo está el constructivismo, un lenguaje geométrico pero con
cabida al texto, al lema del régimen, mayor experimentación dinamismo.

Constructivismo, Popova, la mujer rusa había avanzado muchísimo más, un

lenguaje futurista, cubista porque al final lo que se está vendiendo es la visión
plástica de la dialéctica de la vida anterior hacia una vida superior.

Tatlin, está en París, se cuela en el taller de Picasso, le inspira lo que estaba

haciendo, hace una serie de esculturas relacionadas con ello, vemos cosas de chapa
clavados, es un arte que como no busca un mercado no debe adaptar su lenguaje a
las layes. La gran obra es Monumento a la III Internacional 1920, es un homenaje
a la revolución pero también un espacio, con engranajes, con una antena de radio,
son los primeros que utilizan la comunicación masiva, se parece demasiado a la
Torre Eiffel, tiene un aspecto institucional, lo interesante es la escala, si se hubiera
hecho hubiese sido increíble, acabó teniendo sus versiones cutres, acabó siendo
paseado como si fuese un santo. Un nuevo mundo de formas de arquitecturas,
Antena de radio Shabolobka Moscú, es una gigantesca antena pero lo que es
opcional es la malla que produce esas imágenes tan moderna cuya función es ser
una antena. Los hermanos Vesnin Diario Pravda (proyecto) vemos formas
rectangulares, se comenta las noticias del periódico, es un lugar delicado para la
ortodoxia comunista.

En 1925 Melnikov, le concede el primer precio a Pabellón de la URSS una

gigantesca escalera, elementos de cristal, distorsionados, vendiéndonos que una
sociedad nueva necesita cosas nuevas.

El proyecto que gana es El proyecto Palacio de los soviets 1931 de B. Lofan

importancia de la geometría, es una gigantesca imagen de Lenin.
Pabellón URSS en Feria Mundial de NY 1939, cuando llegan las trabajadoras
americanas, se dan cuenta cuando ven esto ven que comparten igualdades a pesar de
ser ellas muy modernas, aquí la URSS había cierta simpatía con Alemania, lo que
sucede de inmediato empieza la guerra en Europa, en el año 40 el pabellón
desaparece y aparece el no sé qué de cultura popular yankie.

A. Deineka carrera hemos pasado de la austeridad de Malevich, todavía es

moderno, salen más o menos perfectos, los solo perfectos pueden tener la
hegemonía mundial.

Gregor Shegal, líder, maestro, amigo, sale Lenin en grande como estatua, Stalin
atiende con ese supuesto calor humano que nunca tuvo.

A. Rodchenko es el fotógrafo que triunfa en España, hace muchos montajes,

carteles con rostros, se le verá también en la ilustración de algunos proyectos

G. Klucis, El partido es el espejo de las masas 1934, hoy en día en asunto de esto
es que lo que llena las ciudades son carteles de las marcas, el formulismo ha
sustituido al comunismo.

El cine es el gran proyecto porque se podía expandir de formas más fácil que las
esculturas o pinturas, era un lenguaje universal. Lenin decía de todas las artes, el
cine es para nosotros la más importante 1922. Se acaba la comedia romántica, y se
resarza la idea de partido, morir por su idea, la industria se monopoliza, solo hay
una productora (mensaje de no hay grietas).

Las características generales del cine soviético: rechazo de la narración burguesa y

su exceso de frivolidad, cine al servicio de la revolución (didáctico y funcional),
reflexión teórica de mucho calado y primera escuelas de cine del mundo
experimentación a todos os niveles.

Lek Kuleshov, este es el padre del cine soviético, tiene que ver con el poder que
tiene la asociación de las diferentes imágenes en la mente del espectador, lo que
hace es el mismo rostro de este tio en imágenes diferentes. Creo algo llamado el
laboratorio experimental de cine.

Dziga Vertov Experimenta con algo que se llama cine ojo, reparte a mucho tio de
cámara para que grabe todo aquello que le parece significativo, Cine de verdad.
 Pudovkin es un director de cine menos experimental pero utiliza montaje para
reforzar ciertos aspectos de la película, tiene claro todos los planos, la iluminación.
La madre 1926 había que combinar aspectos sensibleros, lucha sindical…

Sergei Einstein, el gran director de cine es este, la imagen es perfecta, empezando a

hacer la película, antes no lo hacía nadie, convierte al director de cine en creador en
dos momentos, la huelga acaba en EE. UU, como premio se le paga una estancia en
México y en EE.UU va a estar enseñando menos montaje, es su primera película
moderna con todo esto de despiece de plano que hemos visto antes para
conmemorar los primeros veinte años de la revolución. ¡Qué viva
México¡ Alexander Nevski, las películas que le dejan hacer son cada vez más
Stalin, decide no seguir al servicio de las ideas que le han impuesto

15. El arte del periodo de entreguerras: los totalitarismos

En estos momentos se habla del individuo y la masa, la sociedad del momento

evoluciona hacia el totalitarismo. El concepto de masa adopta muchos términos
atendiendo a diferentes connotaciones. Para desarrollar este tema, el elemento
fundamental es pensar que el mundo ha cambiado y que la conciencia de la población y
sus dirigentes están cambiando.

En este momento tenemos dos grandes pensadores que son exponentes a nivel nacional:
Ortega y Gasset y Walter Benjamin. Diferentes obras de ambos autores suponen
grandes máximas en el mundo del arte.

Uno de los rasgos principales de este momento se podía entender bajo el término
megalomanía.

Heinrich Hoffmann es un fotógrafo que decide ser el retratista oficial de Hitler, antes de
esto había hecho fotografía publicitaria. Apuesta por imágenes que pretendan convencer
a los espectadores de que su retratado es una persona por encima de los demás, en sus
fotos representa gestos muy firmes, mirada siempre fija…

El propio Hitler había querido ser artista, pero fue rechazado en la escuela de Viena ya
que sus obras no llegaban al nivel artístico. Sobre todo, hace producciones en acuarelas
muy pasadas a su momento ya que tenían un estilo muy academicista.
Desde los años 20, cuando el partido de Hitler va cobrando fuerza, se crea una comisión
artística encargada ya de emplear el arte como medio de propaganda política. El mundo
del arte en el nazismo reza bajo un sistema organicista donde tanto el propio arte como
el hombre son elementos que se pueden corromper y degenerar, de ahí que Hitler
quisiera eliminar todo aquello posiblemente degenerado.

En el año 33 Hitler alcanza la cancillería alemana y en el 35 muere el presidente de

Alemania, quedando él como única figura representativa alemana. En el año 37
comienza a materializarse la confrontación entre “degenerados” y arios tras una
exposición con dos vertientes, arte alemán regido por los símbolos del nazismo mundo
clásico, todo muy ordenado… y por otro arte degenerado, muchas de las obras de este
arte degenerado que no encontraban su sitio en el mundo alemán acabaron en el
comercio internacional. Se entiende por arte degenerado todo aquello que se salga del
sistema academicista.

Hitler y su equipo propusieron “El gran Berlín” tenía como finalidad la de reformar toda
la ciudad convirtiéndola en la nueva Roma y adatándola a la nueva demanda social del
aumento de población. Esta nueva ciudad estaba dividida en dos grandes avenidas que
se encontraban en la puerta de Brandemburgo que a su vez conectaba con estaciones de
tren y encontraba en el medio monumentos colosales. Finalmente, no se llegó a hacer
nada de todo esto. Con estas ideas de megaconstrucciones, también pretendía que si en
algun momento el imperio nazi caía, todo el mundo pudiera ver la grandeza de estos en
sus edificaciones.

Algunos de los edificios que sí se construyen son:

La cancillería, llena de símbolos imperiales, pocas ventanas, predominio del uso del
hormigón, grandes escaleras, conjuntos muy compactos que dieran sensación de
grandeza frente al hombre.
Estadio Olímpico (1936) realizado por Speer-March, era un lugar donde demostrar las
teorías de la superioridad racial y toda la capacidad de producción alemana.

El Lichtdom, en Núremberg, es una construcción hecha a base de cañones de luz que

proyectaba luz hacia arriba levantando un muro lumínico que impactaba a todo el
mundo que lo viera.

I.Salinger es el pintor del nazismo, algunas de sus obras so El juicio de Paris, en esta
adaptación del mito clásico es el pueblo quien elige la belleza absoluta de la mujer.

“Campesina” Bernhard Dörries, es una pieza donde vemos una combinación muy
típicamente alemana, el hombre dentro del mundo natural y paisajístico., “La última
granada de mano” Elk Eber, es una obra que refleja el cambio que experimenta el arte
una vez estalla la guerra, pues se ve la voluntad de los individuos de querer morir por
Alemania.

En cuanto a la fotografía, nos quedan pocas imágenes y producciones fotográficas nazis,

el gobierno sobre todo se centra en el cine pues era la mejor manera de hacer promoción
del régimen, uno de los directores de cine más destacados en el mundo nazi es Veit
Harlan o Leni Riefenstahl. A menudo estas películas recurren al sentimentalismo,
muertes de niños, hambre.. todo recuperado y salvado gracias al nazismo.

“El triunfo de la voluntad” es la gran primera producción alemana, producida en el 1935

pretendía no tanto exaltar al régimen sino centrarse más bien en la figura del Führer.

“Olimpia” de L. Riefenstahl es una película en la que se ruedan las olimpiadas de Berlin

del 36. Se pretede exaltar la figura de la belleza de los atletas y la festividad del pueblo.

FASCISMO ITALIANO:
El arte del fascismo italiano es muy parecido, triunfa también el megalomalismo de la
mano de Musolini. Musolini construyó una mitología sobre su persona para dar la
imagen que él mismo quería. Nunca se publicó su fecha de nacimiento porque siempre
pretendía dar la imagen de hombre joven y fuerte. Su medio de propaganda preferido
era la fotografía. Llego incluso a tener el apoyo de la iglesia católica.

Para poder promocionar el arte y oficializarlo crea la LUCE, un instituto de arte donde
se estudiaban todos los códigos artísticos.

Se defiende en general promover una iconografía clásica que llegue incluso a

confundirse con el arte propiamente romano. Ej: “El condotiero”

Musolini hizo mucho por el cine, además de la escuela de arte, creó productoras de cine
que se han seguido usando a posteriori, e incluso promovió premios cinematográficos
como la Nostra de Venecia. Una de las películas más conocidas es “Camisa Negra”
donde se exaltaba uno de los símbolos del fascismo italiano.

Tema 16 Después de 1945 y hasta 1960

El Impresionismo abstracto, ya que el Impresionismo nunca había sido abstracto, venía

del mismo sitio, pero habían acabado siendo modelos diferentes. Acaban convenciendo
a los lectores de que el dinero no se puede gastar solo en musicales y en teatro, sino
también en comprar arte americano.

En los últimos años 50 se organiza una exposición para el resto de Europa, es un

proceso que comienza en los 40, que a finales de los 50 ya está agotado, que va a
aglutinar tanto el arte, que van a tener muchas tendencias nuevas y contradictorias.  (La
galería de Art of this century cerró en 1947)

Es un arte de pintores, realizada por un grupo de jóvenes que no tenían posibilidades

económicas y a los que el estado federal dio trabajo en diferentes proyectos, sobretodo
hace murales.

Son emigrantes o exiliados que vienen de cualquier parte como Armenia, otros vienen
de Holanda, destaca porque no son de EEUU. Se manipula el mensaje para decir que
son únicamente estadounidenses.
 1. Action painting (pinturas de acción o gestual), los artistas sudan para hacer la
obra de arte como muestra de nerviosismo, como obras que se compararon con
los campos nucleares, destructivas y poco uniformes. Reutilizan técnicas como
el dripping (que era que un artista sumergía un pincel en un bote de pintura y lo
dejaba caer por el cuadro) el pouring (chorreo de pintura, con una gran
manifestación), o el all over (formatos cada vez más grandes, que eran cuadros
de una parte infinitos).

2. El segundo grupo de artistas hará algo que se llama pintura de campos de color,
mas heredero de tradiciones europeas, también abstracta, interpretado de una
forma más lírica y metafísica. Había un líder, en los años 40 habrá un reportaje
que lo compare con Picasso, además preguntar que si Jackson Polo era el pintor
vivo más importante.

All over

Jackson Pollock 1950 es algo que nos muestra algo infinito, primero eran pequeñas
galerías y posteriormente se harán públicas. El pintor vivo más importante sí por
supuesto. En las obras primerizas se ven muchos restos de Picasso, las formas
figurativas más expresionistas, había tenido otra formación. Le interesaban sobre todo
los navajos donde el líder espiritual bailaba alrededor de un trozo de tierra, crea
imágenes de la nada que sirven para toda la comunidad. Llega un tipo de expresión
nueva que atrae la mirada del público snob, compran un arte cuya crítica es el futuro

Los irascibles 1950, es un colectivo que se llamaron así mismo los irascibles, personas
de la escuela de NY, esta fotografía intenta resistirse a la institución arte. Estaba
planteando esa propuesta de rebeldía, intentan que no hagan la exposición, les
denuncian, ellos se defienden diciendo que son los descendientes de los vanguardistas.
Había crítico que pensaban que era absurdo, no creían en esto.

Robert Motherwell es en esta pintura de esfuerzo físico, es el más cercano a nosotros en

1930 hacía pintura abstracta pero en 1938 estando en San Francisco escucha un
combatiente de la República española y decide que él pertenece a la República española.
Se tira años haciendo formatos enormes Elegía a la República española, se acercó al
Museo del Prado y lo que le gustó fue lo oscuro, después fue a las cuevas de Altamira,
son casi 150 cuadros, es un arte de política e interesante. En 1965 hubo una serie, Serie
Lírica compra 1000 hojas de papel larose, las coloca en un gran taller y al sonido de una
música de jazz trabaja semanas, utiliza materiales muy grasos por lo que se expande
creando sus formas (pintura automática).

Frank Kline parecen muros pero tienen las ventajas de ser cuadros pudiendo ser
transportados, siempre en blanco y negro con aspecto de ideogramas orientales. Arshile
Gorky, mezcla de Picasso, Miró….

Mark Rothko, en 1960 un historiador de arte contempla obras de este y del

romanticismo alemán, y saca que toda la teoría de lo sublime en algún momento había
dado el salto al atlántico y había desembocado en el último país de lo sublime EE.UU.
lo que hace son cuadros de gran tamaño, porque así él me domina a mí, si es pequeño
yo domino al cuadro, organiza el cuadro a franjas, es inestable dejando la huella del
artista. Capilla Kansa que se le encargó, es espiritual pero no está adscrita a ninguna
procesión de Fe es un lugar de descanso, con grandes formatos y azules.

David Smith, sorprende, explica por qué no hay más escultura opta al final por una
estructura abstracta.

Se seleccionan unas cuantas obras de estos artistas, van a estar meses viajando par a
llevar la idea de NY que es democrático a diferencia de los europeos. Motherwell
mandó una revista a España les dirán que ellos no han estado en la guerra que no han
visto los campos de concentración así que deciden responder, desde este momento habrá
polémica entre abstracto NY e informalismo

Jean Fautrier, Serie de rehenes 1943-1947, vemos algo figurativo, es como la huella que
deja una mancha, habla casi de lo que fue un tiempo humano y ahora es una especie de
masa. También son esculturas donde se ve lo salvaje, lo primitivo, es una piedra que ha
encontrado a la que ha golpeado para hacer una especie rostro. Utiliza materiales
encontrados de los vertederos, lo artístico ya no solo queda en manos del artista.

Jean Dubuffet va a crear una nueva categoría de arte Art Brut, el arte despreciado desde
entonces (arte infantil, enfermos mentales, aficionados, culturas primitivas) estará en su
museo en Suiza. Cabeza 1959, ha habido como una gran mentira en la visión del arte,
nos han querido vender que el arte es el resultado de una técnicas, se encuentra con esta
raíz y que puede tener un aspecto antropomorfo. La osa 1950 aspecto infantilista con
esa desproporción, en ocasiones muy arañado, muy explosivo. Si existe alguien que no
haya visto nunca nada puede influir en una imagen, por ejemplo los enfermos mentales,
el arte de los niños. Cree que el arte no puede salir de la nada. Hombre manchado 1955
L´Hourloupe 1963, tiene que ver con una llamada de teléfono coge unos bolígrafos de
colores y empieza descontrolado, creación automática pura de nuevo que es una
tradición surrealista. Esta ultima aba metiéndose en las ciudades, en este arte posterior
al 45 se tiene muy presenta que es la sociedad quien merece un arte.

Georges Mathiu, Francia es la principal víctima junto a Alemania, llegó a hacer algunas
performance con sus cuadros, invitó a cientos de personas para que viesen como lo
hacían. Esto implicaba un desgaste físico muy grande.

En España hay mucho informalistas, hay mucho italianos aprovechando las ruinas por
ejemplo Alberto Burri utiliza muchos plásticos, los quema y la llama deja unas formas
muy contrastados muy dramáticos. Inicia artilleras, las va a cortar, las va a quemar,
también coge maderas que trata con agresividad. Es la misma idea de los americanos.
Creta blanca 1970, y ano es la representación sino la materialidad de la obra, utiliza
caolín que tiene mucha agua pero se agrieta de forma independiente, incluso imágenes
con las grietas.

El paso 1957 en Madrid, recorrió toda Europa muy inspirado por los anteriores, los más
conocidos son Antonio Saura.

Millares Pictoriografía canaria 1951, Arpilleras comienza a trabajar en un estilo cada

vez más tenso, con gotitas de pintura, chorros pero también mallas fundidas con
alambres, para recuperar la leyenda brava.

Antoni Tàpies es el más famosos de nuestra historia del arte, Goya como inspirador,
Collage de arroz y cuerdas 1948, todavía aquí no es informalista, mezcla granos de
arroz es una locura.

Tema 17 El arte pop y la posmodernidad. Nuevas formas de Expresión visual:

videoarte, instalaciones, performances…
R. Hamilton ¿Qué es lo que tienen los hogares actuales? 1956 es el arte pop, arte
incluido especialmente por los medios de comunicación, pensaba que la obra de arte era
mercancía, valor de cambio, valor de uso. Permite que los jovencitos ingleses hagan lo
que quieran. Tenemos un futurista a la izquierda, van en cueros con atributos
inesperados, todos los electrodomésticos que iban a crear una vida mejor (mentira) lata
de jamón cocido. En la parte posterior tenemos la ciudad saliendo la primera película
sonora en un cartel de un edificio.

Eduardo Paolizzi es escocés de padres italianos que incluso en los cuarenta empieza a
hacer collage a partir de elementos de revistas populares, el arte se convierte en un sitio
de distracción de evasión. Es alguien que empieza a hacer cierta escultura El último
ídolo 1963.

P. Blake En el Balcón mezcla pintura figurativa pero esto no se confunde con lo

anterior, mucho corte de periódico. Juguetería 1962 es una instalación en la que hay una
puerta de verdad y a su lado un escaparate de juguetería. Es una complejizacion porque
dice que nosotros somos ese universo de imágenes que nos rodean

D. Hockney, decide ir a la costa oeste americana fascinado por la cultura pop, mezcla
elementos abstractos figurativos El gran chapuzón 1967.

Desde finales del siglo XIX había grandes almacenes, la televisión, en color desde los
60. Hay algunos traidores como J. Johns Tres banderas 1958 trabaja haciendo símbolos
de la cultura americana, la estrategia de la repetición tienes consecuencias psicológicos
claros, cuando pinta una bandera que parece desgastada por el tiempo Bandera sobre
blanco.

Rauschenberg desde época muy temprana, Odalisca recortes de revistas, una gallina
disecada para crear una nueva escultura que no tiene nada que ver con el pasado. Es el
primero que hace obras de arte serigrafías, utiliza las hojas de fax sabiendo que la tinta
es muy inestable por lo que irá cambiando con el tiempo.

Warhol, sale disfrazándose como homenaje a Duchamp porque está en la base del pop, a
estos se les llamará neodadadistas. Cogerá cajas de pastillas de lavadora y las pondrá en
una galería como si fuese una escultura, juega con la serigrafías con la Sopa Campbell
habla de miseria económica porque siempre esto ha sido lo más barato. Botellas de
Coca- Cola 1962 habla del mismo objeto diferentes funciones, los nazis creían en la
Coca- Cola él no, la empresa envía mensajes de amistad, felicidad. Ya no son unos
jovencitos urbanos banales, en este caso al multiplicar la escena y ponerla de color
naranja, va a la obsesión. En la feria mundial del 64 Los 13 hombres más buscados
1964, nos habla de la violencia de la sociedad americana, el miedo que viene asociado
al uso de arma, la transformación de una sociedad a otra, también se atreve con un tabú
esto son los demonios de la sociedad. Si ya hemos considerado que cualquier imagen
puede ser imagen de objeto artística, cualquiera es capaz de hacer imágenes. J.M.
Basquiat 1982 estas manchas extrañas en la mitad derecha, es orina, el mercado y ano
es que se haya vuelto loco, el arte pop es muy experimental. Sleep 1963 sin actores sin
montaje, rechazando todo lo que tenía que ver con las películas, esa tendencia al
nihilismo, es un rodaje de uno de sus novios mientras se echaba la siesta, noción
convencional de arte ya no está. Hace una habitación que tiene dos ventiladores
orientados hacia lugares concretos, son globos.

Fue a un galería y vio esto y se dio cuenta que le habían adelantado Roy Lichtenstein
Look, Mickey 1961, un Mickey Mouse, combinación de texto e imagen como son los
cómics y publicidad, colores planos. Díptico de Eddie 1962 primer plano, los
bocadillos, acaba teniendo un tirón popular muy grande. Whaam! 1963.

El pop tiene muchas opciones fue enriqueciéndose con los años, por ejemplo james crea
imágenes de tamaño muy grandes formado por fragmentos inconexos, Te amo junto a
mi Ford.

M. Ramos busca productos de consumo cotidiano Lucky Lulu Blonde 1965

Abandona las imágenes se centra en el poder popular de las palabras de las letras Love
1967

Tom Wesselmann Naturaleza muerta 20 1962 un collage por la derecha con produstos
del momento.

C. Oldelburg es el gran escultor del pop él trabajara como nuestra percepción de los
objetos como las texturas de los objetos si las cambiamos cambia nuestra percepción del
objeto Mostrador de lencería mallas metálicas que imitan ro interior femenina. Inodoro
duro 1966, incluso va teniendo encargos públicos.
G. Segal combina vaciados en yeso y escayola al no pintarlo da esa sensación, en bares
nocturnos Cinema 1963, es un cuerpo pictórico, escultórico incluso se puede incluir
luces de neón. La silla de Picasso 1973 coloca a una mujer en este estilo de vaciado
junto a una construcción que recuerda vagamente, conmemorar la muerte del
malagueño.

Marisol una artista latina La visita busca esa combinación de objetos encontrados con
impresiones mucho más realistas, produce un estado extraño de no saber muy bien qué
es.

En España hubo mucho pop, nació en 1960 pero está Franco vivo, se tiñe de posiciones
izquierdistas Eduardo Arroyo, escapó a París, él utiliza el código del popo para crear
debate con temas de conciencia General 1963 formaba parte de una serie de cuatro
dictadores, portugués, Hitler y Musolini. Se crea una cosa llamado acrílico que tiene
otro acabado El minero Silvino Zapico es arrestado por la policía 1967, vemos una
descripción bastante realista con introducción de códigos sorprendentes. Tina 1968 era
la mujer de un minero a la que se le condena socialmente con un rapado de cabeza, con
todos los signos de lo español y en la parte de la derecha vemos una banda que recuerda
al luto pero tiene los colores de España, con una peineta riéndose de los típicos
españolistas. Desde París Arroyo se reía de todo, dice que el artista tiene que opinar de
lo que sucede Retrato del enano S. de Morra, bufón de Corte nacido en Cadaqués en la
primera mitad del XX 1970, vemos un este de Velázquez convertido en un bufón lleno
de chapas.

En Valencia se forma un equipo, Equipo Crónica, utilizan el acrílico y muchos collages,

va quedando de ellos Manolo Valdés, Vietnam 1966 nos recrea un fotomonataje de una
revista, es una denuncia de la nueva guerra de EE.UU. La inauguración 1969, es el
conde duque de Olivares, nos lo presenta de forma divertida pero con un fondo de
gloria, todo símbolos de lo español, es una imagen muy fresca. El Guernica intentan
convencer a Picasso para que cerrase heridas, fue abortada más bien por los familiares
de Picasso, El intruso 1969, repartiendo justicia con algunos elementos de anatomía del
pasado. Homenaje sin Picasso vuelve a la idea del mito español, es una foto de familia
con elementos del Guernica. Antes de morir Franco, son condenados, hay una gran
campaña para evitarlo pero no lo consigue, Variaciones sobre el edredón 1975 vemos
un paredón en el fondo acercándose a la metafísica, vemos la fecha del fusilamiento.
El pop después del franquismo pierde su esencia, Equipo realidad juega un poco con la
crítica al imperialismo, consumismo, con el pozo el petróleo (América).

Minimalismo

Otra opción es el minimalismo es un término desgastado del mal uso, desde

colecciones de moda hasta pintura de un templo, arquitectura, fotografías posmodernas,
fue una última vuelta de tuerca a todos los procesos geométricos. B Nerman hace como
un Rothko, no invita a pensar que cualquier cosita en una superficie cambia nuestra
visión.

D. Judd Stack 1968 el arte ya no es una cuestión de pulso o de emoción sino una
propuesta muy fría, solo hace estantes de vidrio, es como una nueva escultura, D. Judd
vemos cubos en una heladería pero corrados de espejo que permite la multiplicación de
lo que le rodea, siempre acabados muy limpios industriales, tenemos construcciones
monumentales.

Carl André algunas de ellas estaban creadas con materiales metálicos, Suelo de Zinc y
Plomo 1969, siempre es un módulo geométrico, Objeto de madera 1964, utiliza el
mismo módulo pero las organiza de forma distinta. Silencio 2005, si multiplicamos en
módulo lo situamos en un sitio concreto el resultado es bastante sugerente.

Sol Lewitt, Estructura 11 1985, para esto ya el minimalismo, la cultura popular está
bien cerrada.

D Flavin utiliza recursos nuevos como el neón, Sin título 1987, al agrupar las luces de
neón pueden crear efectos de escultura del pasado Instalación 1974, si lo hacemos
profundo.

R. Serra empezó haciendo cosas como Caja de naipes, son láminas de acero, les
aplicaba ácidos y que presentaba de forma inestables apoyado en la pared con un
lenguaje contradictorio en ese aspecto. Tenderá a formatos más grandes.

Land art o Earth art

El Land art o el Earth art, en la épcoa de los hippies en la b´ñusqueda d e un nueva

armonía con la naturaleza que si nos damos cuenta siempre es el fondo de los cuadros,
siempre había sido despreciada, ahora va a ser el protagonista, se utiliza la tierra, es el
tiempo de EE.UU en la Revolución del 68. Tiene que ver sobre algunos libros que se
escribieron Levi Strauss dice que el hombre primitivo no era menos inteligente que
nosotros sino que tenía menos medios. Esto no se vende, siempre están lejos, juegan
mucho con lo misterioso. Es una producción venerable de la interpretación del mundo,
perfecto para huir ese discurso de lo material

G. Metson todas estas prácticas son de los años 60, se repiten, nacen en América,
Renacer 1969, es muy simbólico juega con los conceptos de lo femenino y masculino,
símbolos de movimiento como círculos espirales.

R. Smithson defiende el concepto de utopía el mundo es conjunto lleno de energías,

plantea un proyecto muy ambicioso quiere utilizar materiales de la naturaleza para crear
sobre ella algo simbólico, el Estado de Utah, tiene condiciones extremas la salinidad del
agua por ejemplo, hace una espiral, forma primitiva que habla de movimiento, está
conectado con una de las leyendas, los antiguos pobladores pensaba que debajo del agua
había un conducto que conectaba con el Océano Pacífico. Con el tiempo la sal modificó
el aspecto de la obra. Hizo un contrato de arrendamiento por este espacio en el año 90 se
acababa el plazo, así que la final se resolvió creando una institución que cuida el legado
de un artista, actualmente no se puede tocar. Este señor trabaja mucho con la idea de
vertido, es un artista que piensa mucho la obra, no la hace Casa parcialmente enterrada
1970 está inspirada en una situación de Islandia, la lava de los volcanes entraba en la
casas y los destrozaba todo, lleva varios camiones con toneladas de materiales hasta que
la casa se derrumba, con esto crea conciencia del poder de la naturaleza. Vertido de cola
orientado 1969 a la crítica de la industria que por obtener más beneficios es capaz de
destruir el medio en el que está. Non-site intenta concienciar con espejos y piedras las
presenta así como desordenadas buscando el contraste entre lo natural y lo industrial.

M. Heizer vaciar la naturaleza de los materiales de las que está compuesta critica las
razones del ser humano afecta al desarrollo natural del entorno.

N. Holt Tubos solares 1973 ha colocado en una posición nada casuales ocupan justo los
cuatro puntos cardinales, espera que la naturaleza haga alfo con ellos, a ciertas horas
como en los atardeceres, algún momento en verano, tiene agujeros en la parte de arriba.
Anillo anual 1995 se nos plantea lo mismo cúpula con formas abiertas permite y
obstaculiza la entrada de luz.
R. Long algo tan sencillo como marcar un anillo de tiza permite ver los riesgos que
tiene la condición humana, nos obliga a seguir la raya. Una línea en Escocia 1981
vemos como una especie de azar pero de manera intencionada, son azules típicas de
Escocia y las selecciona por lo que hay algo de intromisión. Círculo de Berlín han sido
fotografiadas, para saber exactamente la posición de cada una de ellas para que cuando
acabe la exposición se puedan quitar, las obras de arte los son cuando lo dice el artista.
Pinta una galería de arte, dos metros de tierra y sitúa un cristal que separa al público de
la galería

W. de María Campo de relámpagos 1977, sabe que aquí hay muchos rayos, es como
que el artista convoca a la naturaleza, en una extensión concreta sitúa diversos postes
metálicos, espera hasta que hay una tormenta. Lo que se vende son las fotografías del
proyecto.

Christo, es un artista de origen búlgaro, empezó haciendo empaquetados de revistas par

hablar un poco de la noción de los objetos y el uso que se le da, en 1962 interviene en
un paisaje urbano, consigue autorización para acortar una calle de París para llenarla de
bidones, son de diferentes colores. En los acantilados coloca una tela naranja, corta la
visión de lo que ha sido siempre la naturaleza, vemos el estudio orográfico de las
actitudes del paisaje. Reichstag empaquetado 1993, empaquetarlo significa poner más
relieve en ese tipo de discurso, Islas rodeadas, Miami sabe que es un lugar muy
especial, con un urbanismo muy colorido que tienen muchas pequeñas islas, rodea con
plástico impermeable, dando mucha actualidad en lo que ya no se fijaba nadie.
Banderas en Central Park 2005, esta es su última obra, colocan miles de banderas,
definiendo itinerarios propios, rediseñan el paisaje se financió con la venta de las
banderas.

A. Ibarrola, Bosque de Oma 1983, con mucha mitología donde viven personajes
ancestrales, lo que hace es pintar los árboles con colores, ETA destruyó algunos árboles,
hubo muchas fotografías de esto destruido. Se reconstruyó y se volvió a pintar y se
mantuvo el espíritu. Los cubos de la memoria, esto es un espigón con estos cubos de
hormigón que tiene una función son estéticamente horribles, los integra.

Miguel Ángel Blanco es alguien que hace unos cinco años intervino en el Museo del
Prado, tenía que elegir esqueletos de animales, de cabras, delfines. La Biblioteca del
bosque, recorre las sierras de Madrid selecciona elementos naturales, los organiza en la
caja, un paisaje a pequeñas escala, la tapa está cubierto de una foto de un tronco

JAVI

Porfetas y teoricos

Ihab Hassa propone una vuelta al inicio, vuelve al inicio. Umberto Eco es decisivo en
este contexto, escribe El nombre de la rosa y en una entrevista que le hacen l eprguntan
que piensa del posmoderno: estamos en una situación en la que se había hecho el
monocromo, ya se había convertido la destrucción en obra de arte, ya se había mutilado
cuerpos, solo quedaba volver hacia atrás 8clave del posmoderno. La película tiene
muchos momentos posmodernos como el rechazo a lo académico

Carlos Thiebaut Historia de las ideas estéticas 1996: es un proceso de

desdiferenciación, pluralización de los lenguajes no hay perfiles claros, en este proceso
lo que pasa es que se pierde el individuo en provecho del conjunto metalenguaje,
desvanecimiento del individuo y el colapso de la historia y de la narración, ya no hay
historia con mayúscula, se ha perdido el afán de narración y lo que nos ha quedado son
micronarraciones.

Srhek viene de un mundo de leyendas, de mundos populares, es una ficción dentro de la

ficción, es una de las primera películas con muhcas secuelas.

Cine posmoderno

 Alteración del discurso temporal lógico

 Mezcla de géneros
 Desmitificación de héroes Brokeback M.
 Montaje rápido y barroco Slumdog Millonaire
 Espectáculo y visual Moluin Rouge
 Sexo, violencia drogas
 Remakes, seuelas, precuelas
 Gran Relato Petite Histoire

Truffat La noche Americana, era un director, quería hacer un metalenguaje, una película
dentro de una película
Karel Reisz, La mujer del teniente francés, narración en los tiempos, saltos temporales
que sorprenden mucho

Quentin Tarantino, trabajó durante años en un videoclub, había visto cine de todo tipo.
Pone mucho interés en el lenguaje, Malditos bastardos, hay una reunión con la actriz,
empiezan a discutir sobre los acentos alemanes entre unos y otros, como se pone tres
con los dedos Los odiosos ocho

El género coral

Paul Thomas Anderson, Magnolia 1999, os finales inesperados que se resuelven de

forma absurda.

Tim Burton es un director de animación que siempre visita el pasado Ed Wood sobre
alguien que no era nadie, ya no son grandes historias.

S. Coppola, Las vírgenes suicidas, María Antonieta.

La arquitectura es muy popular convirtiendo al arquitecto en algo importante, ya no en

Europa sino en otros centros de poder económico, no solo un edificio sino urbges.la
arquitectura era mas fácil que escultura o pintura, podemos atacar al enemigo sabiendo
quien es. R. Koolhas un proyecto en Córdoba muy polémico en la orilla del
Guadalquivir hacer un Palacio de Congresos, La ciudad del Globo Cautivo 1972, es
como una plataforma por encima del planeta, ara estos posmodernos se podría hacer
arquitectura expresionista, con tal de que llame la atención l aarquitectura estará
justificada.

Robert Venturi escribe una libro Aprendiendo de las letras, se planteó que había una
verdad en ese urbanismo tan alocado de Las Vegas, hace un dibujo en el hay cada con
forma de pato, es una lucha contra la pérdida de la notoriedad. Cuando hacía
arquitecturas es coherente con lo que decía Casa de Vanna Venturi 1964 no hay nada de
simetría, coloca diversos bandos, coloca un zócalo remitiendo al barroco, con un tejado
a dos agua rematado en terraza. Patio Franklin 1972, le encargan un proyecto para
conmemorar a Franklin, decide hacer un museo bajo tierra y levanta el armazón de ese
edificio solas, es solo esqueleto lo que se ve.
P. Johnson era el responsable de una exposición que hubo en el Moma, le encargan un
rascacielos, Sede Central de AT y t 1978 referencia clasicistas muy claras, repetición del
mensaje acabando en un templo griego, es arquitectura simbólica.

Norman Foster, Hall del Museo Británico 2001, es uno de los grandes arquitectos del
posmoderno, se pierde lo artesanal, lo que se impone son los sistemas informáticos, lo
que hace es que esa ampliación llena de color blanco la cubre con un techo moderno.
Torre Agba se impone como una escultura, producto tecnológico, es tan espectacular en
tamaño, formas, que se convierte en emblema compitiendo con La Sagrada familia.

Site, Supermercados BEST 1975 encargó a un grupo de arquitectos, arriba tenemos la

ficción de un ruina, por dentro los supermercados BEST eran muy aburridos, por fuer
llamaban la atención.

Ch, Moore, Piazza d´Italia 1976, le pide una edificio que sea de convivencia, lo que
hace ee un popurrí con citas que remiten a edificios que están en Italia en una
acumulación de formas que no tiene ninguna función, solo representativa, en los
medallones imitando a los romanos pone su cara, columnas con elementos de aluminio,
en el suelo a dos colores.

F. Genhry, es el más famoso, empezó tarde, Casa Genhry, su casa con las paredes que
no cierran espacios sino superficies, un discurso muy laberíntico. Guggenheim Bilbao
1997, lo que parecía una locura se ha convertido en una forma de actuar. Al principio se
criticó pero ahora ha cambiado, ha conseguido cambiar la imagen del País Vasco en el
mundo.

F. Louis Vuitton, París 2014 expresión del lujo, que fantástica experiencia.

J. Stirling, galería estatal de Stuttgart, uno entra ne la zona central que va caminando y
ve unas columnas que solo se ve la parte de arriba, estaturas al aire y el suelo.

Foster, Reichtag edificio emblemático de poder del siglo X, piensan las autoridades que
en el nuevo Berlín debe haber algo que les represente, la cúpula de cristal, transparencia
que se extiende hacia el suelo. Es un mensaje político a través de la maravilla
tecnológica.

I. M. Pei Galería Nacional de arte, Washignton 1978, R. Meier, MACBA, ese color rojo
la representa.
D. Liebe Museo judío es un edificio con unas fachadas pa raque entre la luz en lugares
concretos, con quince metros de altura para que siente la angustia de pueblo judío, es
una arquitectura que renuncia a todo salvo la actitud del mundo judío.

La fotografía

A menudo el artista posmoderno es el que elige y el que descarta.

Diane Arbus, es una de las que s efija en pequeñas historias, Niño con una granada en
Central Park 1962, Trilliza en su habitación 1963, la importancia del yo y de lo
exagerado tiene bastante eco (identidad).

Sherrie Levine Según Walkers Evans es apropiarse de fotografías históricas. After

Degas 1995, se plantea que mucha gente no va a ir a los museos europeos.

Cindy Sherman es un personaje fundamental en la fotografía posmoderna, se basa en el

disfraz, se fotografía en películas de cine negro, como replanteamientos de su propia
imagen distorsionada, fotografías de cuadros famosos de la antigüedad, se puede
convertir en este feo de Caravaggio, la realidad se diluye en otras posibilidades.

Yosumasa Morimura, es un japonés, se disfraza del Che, Frida Calo, cuadros de Goya

Joan Fontcuberta, Fauna secreta 1987 es una exposición se inventa imágenes, la

fotografía había nacido como una máquina de registrar lo real sin ningún tipo de
intromisión, vamos a hacer una alegoría de lo que creemos. Deconstruyendo a Osama
2007 los seres humanos que piensan en las encarnaciones del mal con el paso del
tiempo se convierten en iconos.