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Art Nouveau (finales del siglo xix y principios del xx)

El art nouveau (arte nuevo) es un movimiento artístico que surge a fines del siglo XIX y se proyecta
hasta las primeras décadas del siglo XX. Generalmente se expresa en la arquitectura y en el diseño.

Se podría afirmar que es un estilo decorativo desarrollado durante la Belle époque en Europa y
Estados Unidos. Toma su nombre a raiz de una exposición que realiza Munch en la galería parisina
"La maison del Art Nouveau", diseñada por Siegfrid Bing (1838-1905), aunque se conoce con
distintos nombres según los países: modernismo en España, Jugendstil en Alemania, Sezession (en
Austria), Liberty en Inglaterra, Floreale en Italia, modernisme o Estilo modernista en Cataluña etc.

Recurría a líneas sinuosas y composiciones asimétricas. Los motivos más frecuentes eran flores,
hojas y la figura femenina. Se aplicó al diseño de interiores, joyas, forja, vidrio, cerámica, telas y,
sobre todo, a la ilustración, que alcanzó gran popularidad gracias al invento de la litografía.

Una de las características principales del Art Nouveau es que se adapta a las circunstancias de la
vida moderna, por lo que se halla intimamente ligado a la producción industrial, desarrollándose
en dos vertientes: la arquitectura y el diseño gráfico.

Características generales del Art Nouveau:

Se desligó del Simbolismo en busca de una autenticidad de época.

Es el primer movimiento que se desprende casi por completo de la imitación de estilos anteriores.
en busca de la identidad de lo urbano y lo moderno.

Utiliza técnicas que le son propias: la reproducción mecánica, como la xilografía, el cartelismo, la
impresión.

Estéticamente resultan imágenes planas, lineales, ornamentales, que se reducen a una economía
de medios que las dota de singular belleza, se alejan de la figuración para centrarse en el mero
adorno, muy cerca del diseño industrial

A su extraordinaria difusión contribuyó lo agradable y fácil de su lectura, ayudada por el inicio de

la revista ilustrada y las exposiciones internacionales, dos hechos que aparecen en la década de
1890.

La búsqueda de la belleza, asociada al placer, la sensualidad y, por primera vez, el erotismo, es uno
de los rasgos distintivos del art nouveau.

Entre 1892 y 1893 Victor Horta construye la Casa Tassel. Su taller de Bruselas se convierte en un
centro difusor de la nueva estética en arquitectura y diseño.

El 1 de enero de 1895 un cartel publicitario difundido por las calles de París representó la
aceptación popular del art nouveau en las artes plásticas: era de Alfons Mucha y representaba a la
actriz Sarah Bernhardt en Gismonda.
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En 1896 comenzó a publicarse en Múnich la revista Jugend («juventud»), que dio nombre al estilo
en Alemania (Jugendstil).

En 1897 se inauguró el nuevo edificio de Charles Rennie Mackintosh para la Glasgow School of Art.
Un grupo de artistas de esa ciudad, liderados por Mackintosh e identificados con el movimiento
modernista, se conocerá como Escuela de Glasgow.

Entre 1897 y 1903 funcionó en Barcelona el local Els Quatre Gats, punto de encuentro del
modernismo catalán (allí expuso por primera vez Picasso, en febrero y julio de 1900).

La Exposición Universal de París en 1900 significó un hito destacado. Fueron especialmente

impactantes las instalaciones coordinadas (en diseño y color) de obras de arte junto a muebles y
tapices, expuestas por iniciativa de la Maison de l'Art Nouveau («Casa del Arte Nuevo»), una
galería de arte abierta cinco años antes (1895) en París por el marchante alemán Samuel Bing.9 Al
igual que ésta, otras casas comerciales, como la londinense Liberty & Co.10 (Arthur Lasenby
Liberty) y la neoyorquina Tiffany's (Louis Comfort Tiffany), se identificaron tan estrechamente con
la nueva estética que sus nombres se utilizaron también como denominaciones de la misma.

El modernismo alcanzó su apogeo en la Prima Esposizione Internazionale d'Arte Decorativa

Moderna («Primera Exposición Internacional del Arte Decorativo Moderno») de 1902 en Turín,
donde expusieron diseñadores de todos los países europeos.

Hacia la época de la Primera Guerra Mundial (1914-1918), la naturaleza altamente decorativa del
diseño modernista ya había comenzado a ser abandonada en favor de trazos más simples y
rectilíneos, más en armonía con la estética plana y el menor coste de los diseños industriales.
Hacia los años veinte esa tendencia se concretaría en una nueva etiqueta denominativa: el Art
Déco.

Arquitectura

La corriente del art nouveau explora su influencia no solo en las pinturas, sino que su impacto es
especialmente importante en el ámbito de la arquitectura.

Las primeras aproximaciones a la arquitectura del siglo XX apuntaban a una interpretación

rupturista donde lo ocurrido desde esos años a finales del siglo XIX se veía como un giro radical y
sin retorno respecto a la Arquitectura anterior. Emerge así la idea de un movimiento moderno en
la Arquitectura que supone empezar de cero.

Se hacía necesaria una visión histórica que pusiera el énfasis en los valores más novedosos de las
obras recientes vinculadas a una interpretación comprometida con una apuesta política y social.
Se quería alejar a esa Arquitectura de cualquier vínculo con tradiciones anteriores.

La nueva situación general creada por la revolución industrial y social generó multiplicidad de
nuevos temas edilicios. En el siglo XIX, la iglesia y el palacio perdieron su importancia como temas
principales y fueron reemplazados, a su turno, por el monumento, el museo, la vivienda, el teatro,
el palacio de exposiciones, y el edificio para oficinas. Cada uno de estos temas, así como su
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sucesión temporal, indican el surgimiento de una nueva forma de vida, basada en los nuevos
significados existenciales.

Estas nuevas edificaciones representaba los valores económicos de la nueva sociedad capitalista,
así como sus fuerzas productivas se manifestaban de forma clara en edificios destinados a fábricas,
oficinas y viviendas. A partir de estos avances la reivindicación de la eficiencia y rentabilidad
económica como prioridad insoslayable, se observa una disminución de los patios en la
arquitectura para optimizar lo económico.

El estilo art nouveau en la arquitectura comienza a ser usado y reconocido en el mundo, luego de
que el arquitecto belga Victor Horta (1861-1947) terminara la casa Tassel en 1893.

En México, aún se pueden encontrar en la Ciudad de México algunas obras arquitectónicas de

influencia art nouveau, como el Palacio de Bellas Artes, el edificio del Palacio de Hierro, la Casa
Prunes y el Museo de Geología de la UNAM.

1Vitral de Jacques Gruber, en el Gran Hotel de la Ciudad de México.

Artes fraficas.

El modernismo se extendió de manera muy profusa en las artes gráficas, tanto en la ilustración de
libros y revistas (incluyendo la encuadernación, las cubiertas y los ex-libris) como en el cartelismo
(carteles, pósters o affiches publicitarios) y todo tipo de soportes: postales, paneles decorativos,
papel pintado, estampados textiles, etc.; así como en el diseño de tipos de imprenta.
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Muy influyente e imitado fue el checo Alfons Mucha. La aceptación de sus diseños, hechos con
exquisita delicadeza y que incluían en su gran mayoría la figura femenina como motivo central le
ganó trabajos a nivel internacional, produciendo también la clave ganadora de un estilo artístico
comercial a imitar por los ilustradores de la época.

Pese a su corta vida, Aubrey Beardsley destacó como uno de los más originales exponentes del
modernismo gráfico, con ilustraciones en blanco y negro de un estilo personalísimo a la vez que
controvertido, por lo irreverente de sus temas.

Otros diseñadores muy importantes fueron Charles Rennie Mackintosh (con el movimiento de Arts
and Crafts), T. Privat-Livemont, Koloman Moser o Franz von Stuck.

2 Salome de Aubrey Beardsley

Joyeria

El arte de la joyería se vio revitalizado por el modernismo, teniendo a la naturaleza como la

principal fuente de inspiración. Complementaron esta renovación los nuevos niveles de
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virtuosismo alcanzados en el esmaltado y los nuevos materiales como ópalos y otras piedras
semipreciosas. El interés generalizado en el arte japonés y el entusiasmo especializado en las
habilidades de metalistería, fomentaron nuevas aproximaciones y temas de ornamentación. En los
dos siglos previos, el énfasis en la joyería fina se había centrado en las gemas, particularmente en
los diamantes por lo que la preocupación principal de joyero consistía en proveer un marco
adecuado para su lucimiento. Con el modernismo surgió un nuevo tipo de joyería, motivada y
encausada hacia el diseño artístico antes que en el mero despliegue de las gemas.

Los joyeros de París y Bruselas fueron los que principalmente definieron el modernismo en la
joyería y es en esas ciudades donde el estilo ganó el mejor renombre. Los críticos franceses
contemporáneos eran unánimes al reconocer que la joyería estaba atravesando una
transformación radical y que el diseñador, joyero y vidriero René Lalique estaba en su centro.
Lalique glorificó a la naturaleza en la joyería, extendiendo su repertorio para incluir aspectos
nuevos no tan convencionales –como libélulas y hierbas- inspirados en sus encuentros con el arte
japonés.

Los joyeros estaban deseosos de establecer este nuevo estilo como una tradición distinguida y
para ello buscaron inspiración en el renacimiento para sus joyas de oro esmaltado y esculpido,
aceptando además el estatus del joyero como artista más que como artesano. En la mayoría de los
trabajos esmaltados las gemas cedieron su primacía. A los diamantes se les daba un papel
subsidiario en combinación con materiales menos familiares como el vidrio moldeado, el marfil y
cuerno animal.

3Épingle à chapeau de Lalique

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Pintura

En contraposición tanto al academicismo como al impresionismo, se abandonan los temas

cotidianos por los contenidos simbólicos y conceptuales ntre los que destaca la mujer, con un
tratamiento erótico que llega hasta la perversión (un movimiento simultáneo, muy relacionado, se
denomina decadentismo —Félicien Rops, Gustave Moreau, Odilon Redon). Técnicamente se
insiste en la pureza de la línea (lo que le da un carácter bidimensional) y la expresividad del dibujo
(se ha considerado precedente del expresionismo posterior), ambas cosas ya presentes en autores
postimpresionistas, especialmente en Toulouse-Lautrec. Las formas orgánicas, especialmente
vegetales curvilíneos y espirales (flores, hojas, tallos retorcidos), que rellenan todo el espacio
(horror vacui, a veces llegando a la teselación) ya presentes en movimientos ingleses anteriores
(prerrafaelismo y arts and crafts), se convierten en un leit motiv paralelo a las formas decorativas
de las artes gráficas, con las que están estrechamente identificadas, así como con el cartelismo y la
reproducción litográfica. Los formatos preferidos son los alargados y apaisados.

Entre los distintos artistas adscritos al modernismo se encontrarían Gustav Klimt, Egon Schiele,
Max Klinger, Alfons Mucha, Aubrey Beardsley, Henri van de Velde, Jan Toorop, Franz von Stuck,
Kolo Moser, Henri Jacques Edouard Evenepoel, Theodore van Rysselberghe, Theophile Alexandre
Steinlen, Jules Cheret, Leonetto Cappiello, Adolfo Hohenstein, Aleardo Terzi, Aleardo Villa,
Leopoldo Metlikovich, Achille Luziano, Jan Thorn Prikker, Stanisław Wyspiański, Ramón Casas,
Santiago Rusiñol, Joaquín Sunyer, Hermenegildo Anglada Camarasa, Isidro Nonell, Juan Brull,
Ricard Canals, Javier Gosé, José María Sert, Miguel Utrillo y Néstor Martín-Fernández de la Torre,
entre otros muchos.
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4 Weibliches Liebespaar, de Egon Schiele.

La escultura modernista tuvo como tema central la figura femenina en distintas actitudes.

Escultura

Más allá de la sucesión cronológica entre art nouveau y art decó (antes y después de 1920) no hay
una nítida separación estilística entre los desarrollos escultóricos identificables con ambas
etiquetas. En ambos se utilizaron una gran variedad de materiales: el mármol para los
monumentos de envergadura y el bronce, el marfil, los metales preciosos (muy a menudo la
combinación crisoelefantina de marfil y oro), la cerámica y el vidrio para las obras de pequeño
tamaño, muy relacionadas con la orfebrería. Entre los principales escultores relacionados con el
estilo aplicado a esa escala menor estuvieron Ferdinand Preiss Demetre Chiparus, Joseph Lorenz o
Clare-Jeanne-Roberte Colinet.
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5 Maleficia por Philippe Wolfers (1896)