Modernismo (arte)

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De izquierda a derecha y de arriba abajo: Estación de metro de París Abbesses, de

Hector Guimard (1900); Litografía de Alphonse Mucha (1897); Lámpara de Louis
Comfort Tiffany (1900–1910); Armario de pared de Louis Majorelle; Interior del
Hotel Tassel de Victor Horta (1892-1893).
Modernismo es el término con el que se designa a una corriente de renovación
artística desarrollada a finales del siglo xix y principios del xx, durante el
periodo denominado fin de siècle y belle époque. En distintos países recibió
diversas denominaciones: art nouveau –en Bélgica y Francia, España e
Hispanoamérica–, Jugendstil –en Alemania y países nórdicos–, Sezession –en
Austria–, Modern Style –en los países anglosajones–, Nieuwe Kunst –en Países Bajos–
y Liberty o floreale –en Italia–.

Todas estas denominaciones hacen referencia a la intención de crear un arte nuevo,

joven, libre y moderno, que representara una ruptura con los estilos dominantes en
la época, tanto los de tradición academicista (el historicismo o el eclecticismo)
como los rupturistas (realismo o impresionismo). En la estética nueva que se trató
de crear, predominaba la inspiración en la naturaleza a la vez que se incorporaban
novedades derivadas de la revolución industrial, como el acero y el cristal,
superando la pobre estética de la arquitectura del hierro de mediados del siglo
xix.

Dos ideas son fundamentales para entender la cultura moderna que estaba emergiendo:
la conciencia de que “el futuro ya ha comenzado”, que se relaciona con el concepto
de progreso; y la convicción de que para tener futuro no sirven las pautas o
doctrinas de etapas anteriores, sino que es necesario crear sus propias normas.
Existe la ruptura con el pasado y la apuesta con el futuro desde el mismo presente.

En gran medida estas aspiraciones se basaron en las el trabajo e ideas estéticas de

Claude-Nicolas Ledoux y Eugène Viollet-le-Duc en Francia, y , John Ruskin y William
Morris en el Reino Unido, que proponían democratizar la belleza o socializar el
arte, en el sentido de que hasta los objetos más cotidianos tuvieran valor estético
y fueran accesibles a toda la población, aunque sin utilizar las nuevas técnicas de
producción masiva que impedían el desarrollo del buen hacer artesanal. El
modernismo no solo se dio en las artes tales como la pintura, escultura y
arquitectura, sino también las artes aplicadas o decorativas, en las artes gráficas
y en el diseño de mobiliario, rejería, joyería, cristalería, cerámica y azulejería,
lámparas y todo tipo de objetos útiles en la vida cotidiana, incluido el mobiliario
urbano, que pasó a tener gran importancia (kioscos, estaciones de metro, farolas,
bancos, papeleras, urinarios1). Muchos artistas identificados con el modernismo son
artistas «integrales». Especialmente, en el caso de los arquitectos, no solo
proyectaban edificios, sino que intervenían en el diseño de la decoración, el
mobiliario, y todo tipo de complementos y enseres de uso diario que habían de
contener.

El modernismo no fue unánimemente recibido: una amplia corriente de opinión

identificaba sus formas con el concepto de degeneración (una desintegración
orgánica que corresponde a la desintegración social).2

Las características que en general permiten reconocer al modernismo son:

Inspiración en la naturaleza y el uso profuso de elementos de origen natural pero

con preferencia en los vegetales y las formas redondeadas de tipo orgánico
entrelazándose con el motivo central.
Uso de la línea curva y la asimetría; tanto en las plantas y alzados de los
edificios como en la decoración.
Tendencia a la estilización de los motivos, siendo menos frecuente su
representación estrictamente realista.
Uso de imágenes femeninas en actitudes delicadas y gráciles, con un aprovechamiento
generoso de las ondas en los cabellos y los pliegues de las vestimentas (drapeado).
Actitud tendente a la sensualidad y a la complacencia de los sentidos, llegando
hasta el erotismo en algunos casos.
Libertad en el uso de motivos de tipo exótico, sean estos de pura fantasía o con
inspiración en distintas culturas, como por ejemplo el uso de estampas japonesas.
Aplicación envolvente del motivo tomando alguna de las características
anteriormente mencionadas en contraposición con las características habituales del
elemento a decorar. El elemento destacado de tipo orgánico envuelve o se une con el
elemento que decora.
La derivación de estas características del modernismo o Art nouveau en la década de
1920 dio origen al denominado Art déco, con el que a veces se identifica, aunque
tiene características marcadamente diferentes.

La utilización habitual de los términos modernism (en inglés) o modernisme (en

francés) no se refiere a este movimiento artístico, sino genéricamente a las
vanguardias o al arte moderno, dentro de lo polisémico de ambos términos.3

Índice
1 Cronología y evolución
2 El modernismo en las artes gráficas
3 Joyería, cristalería, cerámica, mobiliario y forja modernistas
4 Pintura modernista
5 Escultura modernista
6 Arquitectura modernista
7 Véase también
8 Referencias
9 Bibliografía
10 Enlaces externos
Cronología y evolución

Picaporte de la puerta. Casa-Museo Horta. Bruselas.

Se ha calificado como pre-modernista la decoración mural del castillo francés de
Roquetaillade, restaurado por Eugène Viollet-le-Duc en la década de 1850. Aunque su
propósito era producir una recreación neogótica, lo que se obtuvo fueron unos
frescos con un estilo germinal modernista de movimientos orgánicos, colores y
formas de una gracia innovadora.

A lo largo de la segunda mitad del siglo xix se fue intensificando la tendencia,

visible en movimientos innovadores británicos como los Arts and Crafts de William
Morris o la Hermandad Prerrafaelita. Los patrones del diseño de la arquitectura
victoriana derivaron hacia formas flotantes libres, especialmente en el hierro
forjado que se deja a la vista, se exhibe con profusión y se aprovecha más allá de
su función arquitectónica; o en el uso de grandes piezas de cristal de forma
irregular (vitraux). Algo similar ocurría en los diseños textiles florales.

Ex libris diseñado por Koloman Moser.

El primer diseño identificado inequívocamente con el nuevo estilo es la cubierta de
un libro de 1883 dedicado a las iglesias de Christopher Wren, del diseñador y
arquitecto Arthur Mackmurdo.4
En 1999 Carles R. Ashishibee fundó la Gild and Scul of Handicraft de NEW YORK en
Toynbee Hall (este de Londres), dedicada a la decoracióncita integral de interiores
internos (forja, joyería, esmalte y mobiliario). Tras cerrar en 1897 la Kelmscott
Press de William Morris, Ashbee aprovechó la experiencia de muchos de sus
trabajadores para ampliar su actividad al sector de la imprenta (Essex House
Press). La Guild se trasladó en 1902 a Chipping Camden (Gloucestershire), donde
decae hasta su cierre en 1908.56

La libertad vindicada en la década de 1890 por los grupos de artistas denominados

«secesión» aparecidos sucesivamente en varias ciudades europeas (París —el Salon du
Champs de Mars de 1890, escindido de la Société des Artistes Français—,7 Múnich —la
Münchner Secession, escindida de la Münchner Künstlergenossenschaft, 1892—, Viena —
la Wiener Secession escindida de la Vereinigung Bildender Künstler Österreich en
1897—, Berlín —la Berliner Secession escindida de la Große Berliner
Kunstausstellung, 1898—8) dio sustento ideológico y visibilidad pública al
movimiento.

Entre 1892 y 1893 Victor Horta construye la Casa Tassel. Su taller de Bruselas se
convierte en un centro difusor de la nueva estética en arquitectura y diseño.

Rótulo comercial
El 1 de enero de 1895 un cartel publicitario difundido por las calles de París
representó la aceptación popular del art nouveau en las artes plásticas: era de
Alfons Mucha y representaba a la actriz Sarah Bernhardt en Gismonda.

En 1896 comenzó a publicarse en Múnich la revista Jugend («juventud»), que dio

nombre al estilo en Alemania (Jugendstil).

En 1897 se inauguró el nuevo edificio de Charles Rennie Mackintosh para la Glasgow

School of Art. Un grupo de artistas de esa ciudad, liderados por Mackintosh e
identificados con el movimiento modernista, se conocerá como Escuela de Glasgow.

Entre 1897 y 1903 funcionó en Barcelona el local Els Quatre Gats, punto de
encuentro del modernismo catalán (allí expuso por primera vez Picasso, en febrero y
julio de 1900).

Primer número de Jugend, Múnich, 30 de mayo de 1896.

La Exposición Universal de París en 1900 significó un hito destacado. Fueron
especialmente impactantes las instalaciones coordinadas (en diseño y color) de
obras de arte junto a muebles y tapices, expuestas por iniciativa de la Maison de
l'Art Nouveau («Casa del Arte Nuevo»), una galería de arte abierta cinco años antes
(1895) en París por el marchante alemán Samuel Bing.9 Al igual que ésta, otras
casas comerciales, como la londinense Liberty & Co.10 (Arthur Lasenby Liberty) y la
neoyorquina Tiffany's (Louis Comfort Tiffany), se identificaron tan estrechamente
con la nueva estética que sus nombres se utilizaron también como denominaciones de
la misma.

El modernismo alcanzó su apogeo en la Prima Esposizione Internazionale d'Arte

Decorativa Moderna («Primera Exposición Internacional del Arte Decorativo Moderno»)
de 1902 en Turín, donde expusieron diseñadores de todos los países europeos.

Hacia la época de la Primera Guerra Mundial (1914-1918), la naturaleza altamente

decorativa del diseño modernista ya había comenzado a ser abandonada en favor de
trazos más simples y rectilíneos, más en armonía con la estética plana y el menor
coste de los diseños industriales. Hacia los años veinte esa tendencia se
concretaría en una nueva etiqueta denominativa: el Art Déco.
El modernismo en las artes gráficas
El modernismo se extendió de manera muy profusa en las artes gráficas, tanto en la
ilustración de libros y revistas (incluyendo la encuadernación, las cubiertas y los
ex-libris) como en el cartelismo (carteles, pósters o affiches publicitarios) y
todo tipo de soportes: postales, paneles decorativos, papel pintado, estampados
textiles, etc.; así como en el diseño de tipos de imprenta.

Muy influyente e imitado fue el
hechos con exquisita delicadeza
femenina como motivo central le
también la clave ganadora de un
ilustradores de la época.
checo Alfons Mucha. La aceptación de sus diseños,
y que incluían en su gran mayoría la figura
ganó trabajos a nivel internacional, produciendo
estilo artístico comercial a imitar por los

Pese a su corta vida, Aubrey Beardsley destacó como uno de los más originales
exponentes del modernismo gráfico, con ilustraciones en blanco y negro de un estilo
personalísimo a la vez que controvertido, por lo irreverente de sus temas.

Otros diseñadores muy importantes fueron Charles Rennie Mackintosh (con el

movimiento de Arts and Crafts), T. Privat-Livemont, Koloman Moser o Franz von
Stuck.

Girasol, de Ephraim Moses Lilien, 1893.11

La recompensa de la bailarina (ilustración para la Salomé de Oscar Wilde), de

Aubrey Beardsley, 1894.

Cartel publicitario para Le chat noir, de Théophile Alexandre Steinlen, 1896.

Portada de Scottish Musical Review, Charles Rennie Mackintosh, 1896.

Bitter Oriental, de Henri Privat-Livemont, 1897.

Portada de Ver Sacrum, de Koloman Moser, 1899.

Cantar de los Cantares, de Lilien, 1900-1.12

Il a été primé, de Javier Gosé, 1914.

Joyería, cristalería, cerámica, mobiliario y forja modernistas

Joya de René Lalique.

Diseño Cyclamen, de Hermann Obrist.

El arte de la joyería se vio revitalizado por el modernismo, teniendo a la
naturaleza como la principal fuente de inspiración. Complementaron esta renovación
los nuevos niveles de virtuosismo alcanzados en el esmaltado y los nuevos
materiales como ópalos y otras piedras semipreciosas. El interés generalizado en el
arte japonés y el entusiasmo especializado en las habilidades de metalistería,
fomentaron nuevas aproximaciones y temas de ornamentación. En los dos siglos
previos, el énfasis en la joyería fina se había centrado en las gemas,
particularmente en los diamantes por lo que la preocupación principal del joyero
consistía en proveer un marco adecuado para su lucimiento. Con el modernismo surgió
un nuevo tipo de joyería, motivada y encausada hacia el diseño artístico antes que
en el mero despliegue de las gemas.

Los joyeros de París y Bruselas fueron los que principalmente definieron el

modernismo en la joyería y es en esas ciudades donde el estilo ganó el mejor
renombre. Los críticos franceses contemporáneos eran unánimes al reconocer que la
joyería estaba atravesando una transformación radical y que el diseñador, joyero y
vidriero René Lalique estaba en su centro. Lalique glorificó a la naturaleza en la
joyería, extendiendo su repertorio para incluir aspectos nuevos no tan
convencionales –como libélulas y hierbas- inspirados en sus encuentros con el arte
japonés.

Los joyeros estaban deseosos de establecer este nuevo estilo como una tradición
distinguida y para ello buscaron inspiración en el Renacimiento para sus joyas de
oro esmaltado y esculpido, aceptando además el estatus del joyero como artista más
que como artesano. En la mayoría de los trabajos esmaltados las gemas cedieron su
primacía. A los diamantes se les daba un papel subsidiario en combinación con
materiales menos familiares como el vidrio moldeado, el marfil y cuerno animal.

Louis Comfort Tiffany (diseñador).

Émile Gallé (ceramista y vidriero).
Antonin Daum (vidriero).
Lluís Masriera (joyero, fundición Masriera y Campins).13
Alliance provinciale des industries d'art (École de Nancy).
Carlo Bugatti, mobiliario.14
Louis Majorelle, mobiliario.
Gustave Serrurier-Bovy, mobiliario.15
Jacques Grüber, decorador y pintor de vidrieras.16
Charles R. Ashbee
Jules Brunfaut, arquitecto y decorador.17
Auguste Delaherche, ceramista18
Georges de Feure, pintor, cartelista y decorador.19
Hermann Obrist, escultor y diseñador. Fundó una escuela de diseño en Múnich. Diseñó
los bordados Cyclamen, telas para decoración de paredes con un característico
motivo de curvas (llamadas peitschenhieb en alemán y whiplash curves en inglés;
traducible al castellano como «latigazo» o «curva de latigazo» —Cyclamen es un
género de plantas—).20
Philippe Wolfers, escultor y orfebre.
Antoni Gaudí, Josep Maria Jujol y Lluís Bru desarrollaron la técnica del trencadís,
una personal fusión de la cultura del mosaico y el azulejo.21

Lámpara Dragonfly («Libélula»), de Tiffany.

Copa Rose de France («Rosa de Francia»), de Gallé.

La Química, vidriera de la Cámara de Comercio e Industria de Meurthe-et-Moselle,22

de Gruber.
Alfiler de sombrero de Lalique (Fundación Calouste Gulbenkian).

Servicio de café en Porcelana de Meissen, de Theodor Grust, 1902.23

Porcelana Rosenthal.24

Grand vase aux grillons, de Antonin Daum, École de Nancy.

Salón de Bugatti.

Dormitorio de Gustave Serrurier-Bovy.

Reja del palacio Gresham, Budapest, que desarrolla un motivo decorativo típicamente
modernista: los pavos reales.25

Reja de los pabellones Güell, Barcelona, de Gaudí, que desarrolla como motivo
decorativo la figura de un dragón.

Reja de la Villa Boeschlin, Colmar, de Adolphe Sautier.26

El Drac del parque Güell, de Gaudí.

Trencadís de Lluís Bru en la taquilla del Palacio de la Música Catalana.

Vitral de Jacques Gruber, en el Gran Hotel de la Ciudad de México.

Escalera del Museo de Geología, en Santa María la Ribera, Ciudad de México

Comedor Masson (1903-1906), de Eugène Vallin

Pintura modernista
Véase también: Categoría:Pintores del Modernismo

Friso de Beethoven, de Klimt.

En contraposición tanto al academicismo como al impresionismo, se abandonan los
temas cotidianos por los contenidos simbólicos y conceptuales (un movimiento
simultáneo, postimpresionista, se denomina simbolismo), entre los que destaca la
mujer, con un tratamiento erótico que llega hasta la perversión (un movimiento
simultáneo, muy relacionado, se denomina decadentismo —Félicien Rops, Gustave
Moreau, Odilon Redon—). Técnicamente se insiste en la pureza de la línea (lo que le
da un carácter bidimensional) y la expresividad del dibujo (se ha considerado
precedente del expresionismo posterior), ambas cosas ya presentes en autores
postimpresionistas, especialmente en Toulouse-Lautrec. Las formas orgánicas,
especialmente vegetales curvilíneos y espirales (flores, hojas, tallos retorcidos),
que rellenan todo el espacio (horror vacui, a veces llegando a la teselación) ya
presentes en movimientos ingleses anteriores (prerrafaelismo y arts and crafts), se
convierten en un leit motiv paralelo a las formas decorativas de las artes
gráficas, con las que están estrechamente identificadas, así como con el cartelismo
y la reproducción litográfica. Los formatos preferidos son los alargados y
apaisados.2728

Entre los distintos artistas adscritos al modernismo se encontrarían Gustav Klimt,

Egon Schiele, Max Klinger, Alfons Mucha, Aubrey Beardsley, Henri van de Velde, Jan
Toorop, Franz von Stuck, Kolo Moser, Henri Jacques Edouard Evenepoel, Theodore van
Rysselberghe, Theophile Alexandre Steinlen, Jules Cheret, Leonetto Cappiello,
Adolfo Hohenstein, Aleardo Terzi, Aleardo Villa, Leopoldo Metlikovich, Achille
Luziano,29 Jan Thorn Prikker, Stanisław Wyspiański, Ramón Casas, Santiago Rusiñol,
Joaquín Sunyer, Hermenegildo Anglada Camarasa, Isidro Nonell, Juan Brull, Ricard
Canals, Javier Gosé, José María Sert, Miguel Utrillo y Néstor Martín-Fernández de
la Torre, entre otros muchos.

Véase también: Pintura simbolista

Mascarada, de Jules Cheret.

Melancolía, de Georges de Feure.

Fantasía, de Max Klinger.

Nueva generación, de Jan Toorop.

Mujer con vela, de Alfons Mucha.

Palas Atenea, de Franz von Stuck.

Drei kauernde Frauen, de Kolo Moser.

Weibliches Liebespaar, de Egon Schiele.

El beso, de Gustav Klimt.

Español en París, de Henri Evenepoel.

Magnolias, de Théo van Rysselberghe.

Café Montmartre, de Santiago Rusiñol.

Ninfas del ocaso, de Juan Brull.

Au Moulin de la Galette, de Ramón Casas.

Salón de Crónicas, de José María Sert.

Escultura modernista
La escultura modernista tuvo como tema central la figura femenina en distintas
actitudes.

Más allá de la sucesión cronológica entre art nouveau y art decó (antes y después
de 1920) no hay una nítida separación estilística entre los desarrollos
escultóricos identificables con ambas etiquetas.30 En ambos se utilizaron una gran
variedad de materiales: el mármol para los monumentos de envergadura y el bronce,
el marfil, los metales preciosos (muy a menudo la combinación crisoelefantina de
marfil y oro), la cerámica y el vidrio para las obras de pequeño tamaño, muy
relacionadas con la orfebrería. Entre los principales escultores relacionados con
el estilo aplicado a esa escala menor estuvieron Ferdinand Preiss,31 Demetre
Chiparus, Joseph Lorenzl32 o Clare-Jeanne-Roberte Colinet.33

Modernismo, «mediterraneísmo» y «noucentisme»

A pesar de su oposición al modernismo, contra el que pretende explícitamente ser
una reacción en un sentido «humanista» y «clasicista», tampoco es muy evidente en
las formas la diferenciación entre la escultura «modernista» y la noucentista o
«mediterraneísta», que surge en la primera década del siglo xx y se define
estéticamente en relación con Aristide Maillol (su obra La Mediterranée, de 1905) y
el movimiento estético en torno al crítico Eugenio D'Ors (Josep Clarà, Manolo
Hugué, Enric Casanovas, Julio González, Pablo Gargallo, Cristino Mallo, etc.),
muchos de cuyos componentes evolucionaron hacia las vanguardias. El mediterrenaísmo
o novecentismo también tiene una vertiente pictórica (el propio Maillol, José María
Sert, Joaquín Sunyer, Joaquín Torres García).3435

En distintas naciones europeas se han identificado como modernistas o art nouveau a

varios escultores de finales del xix y comienzos del xx: en Bélgica36 a Fernand
Dubois y Egide Rombaux, en Austria3738a Gustav Gurschner; en España39 a Venancio
Vallmitjana, Agapito Vallmitjana, José Llimona, Enrique Clarasó, Eusebio Arnau,
Miguel Blay y José Clará; y en Polonia40 a Xavery Dunikowski.

Maleficia por Philippe Wolfers (1896)

La diosa, de Clarà (1909).

Fuente de la doncella, de Llimona (1925-1931).

Dona en repòs («Mujer en reposo»), de Hugué (1925).

Monumento de los caídos en la I Guerra Mundial. La empresa Rombaux-Roland los hizo

por toda Francia.

Tumba de la madre de Gurschner.41

Arquitectura modernista
Artículo principal: Arquitectura del Modernismo

Théâtre de l'Athénée (París)

Las primeras aproximaciones a la arquitectura del siglo XX apuntaban a una
interpretación rupturista donde lo ocurrido desde esos años a finales del siglo XIX
se veía como un giro radical y sin retorno respecto a la Arquitectura anterior.
Emerge así la idea de un movimiento moderno en la Arquitectura que supone empezar
de cero.

Se hacía necesaria una visión histórica que pusiera el énfasis en los valores más
novedosos de las obras recientes vinculadas a una interpretación comprometida con
una apuesta política y social. Se quería alejar a esa Arquitectura de cualquier
vínculo con tradiciones anteriores.

La nueva situación general creada por la revolución industrial y social generó

multiplicidad de nuevos temas edilicios. En el siglo XIX, la iglesia y el palacio
perdieron su importancia como temas principales y fueron reemplazados, a su turno,
por el monumento, el museo, la vivienda, el teatro, el palacio de exposiciones, y
el edificio para oficinas. Cada uno de estos temas, así como su sucesión temporal,
indican el surgimiento de una nueva forma de vida, basada en los nuevos
significados existenciales.

Estas nuevas edificaciones representaba los valores económicos de la nueva sociedad

capitalista, así como sus fuerzas productivas se manifestaban de forma clara en
edificios destinados a fábricas, oficinas y viviendas. A partir de estos avances la
reivindicación de la eficiencia y rentabilidad económica como prioridad
insoslayable, se observa una disminución de los patios en la arquitectura para
optimizar lo económico. 42
Para referirse a la arquitectura que emerge desde finales del siglo XIX se emplea
el calificativo de “Moderna”. En este caso, hace referencia a la levantada desde el
Art Nouveau y las propuestas hasta la década de los años 60 del siglo XX. La
arquitectura del Movimiento Moderno hace una apuesta decidida a favor de
determinadas corrientes y tendencias en gran medida relacionadas con las
vanguardias artísticas.

Naturalmente, la relativa continuidad con los sistemas tradicionales no excluye que

el arte de construir se transforme en este período y que surjan nuevos problemas,
como que por ejemplo, la revolución industrial modifica la técnica de la
construcción, aunque sea de modo menos espectacular que en otros sectores. Los
materiales tradicionales, como la piedra, los ladrillos, la madera, se trabajan de
modo más rentable, distribuyéndolos de modo más práctico. A estos se añaden otros
nuevos materiales, como el hierro colado, el vidrio y, más tarde, el cemento. Los
progresos de la ciencia permiten utilizar todos estos materiales del modo más
conveniente y medir su resistencia. La difusión del espíritu científico y la
aspiración de los arquitectos a verificar los límites de empleo de los materiales y
sistemas tradicionales de construcción, estimulan distintas investigaciones
experimentales.

La búsqueda científica trabaja, por otra parte, en la técnica de la construcción,

modificando los instrumentos que han de servir para proyectar. Las dos principales
innovaciones tienen su origen en Francia también en este caso: la invención de la
geometría descriptiva y la introducción del sistema métrico decimal.

Escalera del Hotel Tassel Victor Horta (Bruselas)

Fachada de la casa Batlló de Antonio Gaudí (Barcelona)

Parque Güell de Gaudí (Barcelona)

Economato Militar de Enrique Nieto y Nieto (Melilla)

"Majolikahaus" de Otto Wagner (Viena)

Edificio de la Estación Central de Praga de Josef Fanta

Buenos Aires - Monserrat - Edificio Otto Wulf - 200604 Edificio Otto Wulf|
Monserrat_(Buenos_Aires), Ciudad Autónoma de Buenos Aires Confitería El Molino,
Buenos AiresConfitería del Molino, Ciudad Autónoma de Buenos Aires

Véase también
Belle Époque
Modernismo catalán
Modernismo melillense
Modernismo madrileño
Modernismo valenciano
Modernismo en Alcoy
Modernismo en Milán
Modernismo (literatura en español)
Secesión de Viena
Sezession
Joven Polonia
Referencias
Noticia Archivado el 18 de noviembre de 2011 en Wayback Machine. de los urinarios
modernistas de Camps Elisis, Lérida, de Francesc de Paula Morera i Gatell.
José Deleito y Piñuela, 1902. El concepto de «degeneración» proviene del libro de
Max Nordau Entartung (Berlín, 1892). Ambos citados en Lily Litvak, op. cit. pg. 113
El texto de Deleito era respuesta a una pregunta planteada como encuesta: ¿Qué es
el modernismo y qué significa como escuela dentro del arte en general y de la
literatura en particular, de la que se publicaron 25 respuestas (en la revista
Gente Vieja, 30 de abril de 1902). Por lo menos la mitad de las respuestas eran
censuras negativas (Belém Clark de Lara, La república de las letras: asomos a la
cultura escrita del México decimonónico, UNAM, 2005, ISBN 9703210880, pg. 541
Charles Harrison, ¿Qué es el modernismo?, en Modernismo, Encuentro, 2000, ISBN
847490577X, pg. 6 y ss.
en:File:MackmurdoWren1883.gif Pevsner, Nikolaus (1975). Pioneers of Modern Design.
Harmondsworth: Penguin Books. p. 90. ISBN 0140204970.
Ashbee en Jean-Paul Midant, Diccionario Akal de arquitectura, 2004, ISBN
8446017474, pg. 63.
Toynbee Hall
Toynbee Art Club (club fundado en 1886 por Ashbee)
Fuentes citadas en en:Toynbee Hall
Auguste Dalligny, Société Nationale des Beaux-Arts - l'Exposition du Champ de
Mars, Journal des Arts, 16 May 1890; Paul Bluysen, Le Salon du Champ de Mars - IV,
La République francaise, 23 June 1890.
Peter Paret, The Berlin Secession. Modernism and its enemies in Imperial Germany,
Harvard University Press 1980
Martin Eidelberg and Suzanne Henrion-Giele, Horta and Bing: An Unwritten Episode
of L'Art Nouveau, The Burlington Magazine, vol. 119, Special Issue Devoted to
European Art Since 1890 (Nov., 1977), pp. 747-752. Fuente citada en en:Maison de
l'Art Nouveau
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Fuente citada en en:Liberty (department store).
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Bibliografía
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