La música (del griego: µουσική

[τέχνη] - mousikē [téchnē], «el

arte de las musas») es, según la
definición tradicional del término,
el arte de crear y organizar
sonidos y silencios respetando
los principios fundamentales de la
melodía, la armonía y el ritmo,
mediante la intervención de
complejos procesos
psicoanímicos. El concepto de
música ha ido evolucionando
desde su origen en la Antigua
Grecia, en que se reunía sin
distinción a la poesía, la música y
la danza como arte unitario.
Desde hace varias décadas se ha
vuelto más compleja la definición
de qué es y qué no es la música,
ya que destacados compositores
en el marco de diversas
experiencias artísticas fronterizas
han realizado obras que, si bien
podrían considerarse musicales,
expanden los límites de la
definición de este arte.
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La música, como toda

manifestación artística, es un
producto cultural con múltiples
finalidades, entre otras, la de
suscitar una experiencia estética
en el oyente, la de expresar
sentimientos, emociones,
circunstancias, pensamientos o
ideas, y cada vez más, cumplir
una importante función
terapéutica a través de la
musicoterapia.
La música cumple una función de
vital importancia en el desarrollo
cognitivo del ser humano. Está
relacionada con el pensamiento
lógico matemático, la adquisición
del lenguaje, el desarrollo
psicomotriz, las relaciones
interpersonales, el aprendizaje de
lenguas no nativas y a potenciar
la inteligencia emocional, entre
otros. Por este motivo, la música
debe estar presente en cualquier
plan educativo moderno y ser
reconocida como una disciplina
imprescindible dentro de la
enseñanza obligatoria.

Prehistoria

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La música prehistórica sólo se

puede teorizar sobre la base de
los hallazgos de los sitios
arqueológicos paleolíticos. A
menudo se descubren flautas
talladas en huesos en los que se
han perforado agujeros laterales;
se cree que se soplaban en un
extremo como el shakuhachi
japonés. Se piensa que la flauta
de Divje Babe, tallada en el fémur
de un oso de las cavernas, tiene
al menos 40 000 años. Se han
recuperado instrumentos como la
flauta de siete agujeros y varios
tipos de instrumentos de cuerda,
como el ravanahatha, de los
yacimientos arqueológicos de la
civilización del valle del Indo.[10]
La India tiene una de las
tradiciones musicales más
antiguas del mundo; las
referencias a la música clásica
india (marga) se encuentran en
los Vedas, antiguas escrituras de
la tradición hindú.

Egipto

Los antiguos egipcios atribuyeron

a uno de sus dioses, Thoth, la
invención de la música, y Osiris, a
su vez, lo utilizó como parte de su
esfuerzo por civilizar el mundo.
La evidencia material y
representativa más antigua de los
instrumentos musicales egipcios
data del período predinástico,
pero la evidencia está atestiguada
con mayor seguridad en el
Imperio Antiguo cuando se
tocaron arpas, flautas y clarinetes
dobles.

Asia
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La música clásica india (marga)

es una de las tradiciones
musicales más antiguas del
mundo.[19] La civilización del
valle del Indo tiene esculturas que
muestran danzas[20] e
instrumentos musicales antiguos,
como la flauta de siete agujeros.
Se han recuperado varios tipos
de instrumentos de cuerda y
tambores de Harappa y Mohenjo-
Daro mediante excavaciones
realizadas por Mortimer Wheeler.
[21] El Rigveda tiene elementos
de la música india actual, con una
notación musical para denotar la
métrica y el modo de cantar.[22]
La música clásica india es
monofónica y se basa en una sola
línea melódica o raga, organizada
rítmicamente a través de talas.
Silappadhikaram de Ilango Adigal
proporciona información sobre
cómo se pueden formar nuevas
escalas mediante el cambio
modal de la tónica de una escala
existente.

La música clásica china, el arte

tradicional o la música de la corte
de China, tiene una historia que
se remonta a unos tres mil años.
Tiene sus propios sistemas
únicos de notación musical, así
como afinación y tono musical,
instrumentos y estilos musicales
o géneros musicales. La música
china es pentatónica-diatónica,
con una escala de doce notas a
una octava (5 + 7 = 12) al igual
que la música de influencia
europea.

Referencias en la biblia

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El conocimiento del período

bíblico proviene principalmente
de referencias literarias en la
Biblia y fuentes posbíblicas. El
historiador de religión y música
Herbert Lockyer escribió que «la
música, tanto vocal como
instrumental, fue bien cultivada
entre los hebreos, los cristianos
del Nuevo Testamento y la iglesia
cristiana a través de los siglos».
Agrega que «una mirada al
Antiguo Testamento revela cómo
el pueblo antiguo de Dios se
dedicó al estudio y la práctica de
la música, que ocupa un lugar
único en los libros históricos y
proféticos, así como en el
Salterio.

Antigua roma

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La música de la Antigua Roma fue

parte de la cultura romana desde
los tiempos más remotos. Las
canciones (carmen) eran una
parte integral de casi todos los
eventos sociales.[30] El Carmen
saeculare de Horacio, por
ejemplo, fue encargado por
Augusto e interpretada por un
coro mixto de niños en los Juegos
Seculares del 17 a. C.[31] La
música era habitual en los
funerales y la tibia (el aulós
griego), un instrumento de
viento-madera, se tocaba en los
sacrificios para protegerse de las
malas influencias.[32] Bajo la
influencia de la teoría griega
antigua, se pensaba que la
música reflejaba el orden del
cosmos y se asociaba
particularmente con las
matemáticas y el conocimiento.

Edad Media

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La Edad Media (476 a 1400)

comenzó con la introducción del
canto monofónico (línea melódica
única) en los servicios de la
Iglesia católica. La notación
musical se usó desde la
antigüedad en la cultura griega,
pero en la Edad Media, la
notación fue introducida por
primera vez por la Iglesia católica
para que las melodías de los
cánticos pudieran escribirse, para
facilitar el uso de las mismas
melodías para la música religiosa
en todo el mundo católico.[a]
[36] El único repertorio medieval
europeo que se ha encontrado en
forma escrita desde antes del
800 es el canto llano litúrgico
monofónico de la Iglesia católica,
cuya tradición central se llamaba
canto gregoriano.

Renacimiento

La música del Renacimiento (c.

1400 a 1600) se centró más en
temas seculares, como el amor
cortés. Alrededor de 1450, se
inventó la imprenta, que hacía
partituras impresas mucho
menos costosas y más fáciles de
producir en masa.[b] La mayor
disponibilidad de partituras ayudó
a difundir los estilos musicales
más rápidamente y en un área
más amplia. Los músicos y
cantantes a menudo trabajaban
para la iglesia, las cortes y las
ciudades. Los coros de la iglesia
crecieron en tamaño y la Iglesia
siguió siendo un mecenas
importante de la música. A
mediados del siglo xv, los
compositores escribieron música
sacra ricamente polifónica, en la
que se entrelazaban
simultáneamente diferentes
líneas melódicas. Entre los
compositores destacados de esta
época se incluyen Josquin des
Prés, Guillaume Dufay, Giovanni
Pierluigi da Palestrina, Tomás Luis
de Victoria, Thomas Morley y
Orlando di Lasso.

Barroco

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Johann Sebastian Bach fue un
destacado compositor de la era
barroca de la música.

La era barroca de la música tuvo

lugar entre 1600 y 1750, cuando
el estilo artístico barroco floreció
en toda Europa y durante este
tiempo la música se expandió en
su rango y complejidad. La
música barroca comenzó cuando
se escribieron las primeras
óperas (música vocal dramática
solista acompañada de orquesta).
Durante la época barroca, la
música polifónica
contrapuntística, en la que se
utilizaban múltiples líneas
melódicas independientes
simultáneas, siguió siendo
importante.

Entre los compositores

importantes de la época barroca
se encuentran Johann Sebastian
Bach, Georg Friedrich Händel,
Georg Philipp Telemann y Antonio
Vivaldi.
Clasicismo

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1. Luigi Cherubini
2. Carl Philipp Emanuel Bach
3. Joseph Haydn
4. Johann Christoph Friedrich
Bach
5. Ludwig van Beethoven
6. Franz Xaver Richter
7. Wolfgang Amadeus Mozart
8. Luigi Boccherini
9. Carl Friedrich Abel
10. Christoph Willibald Gluck
11. Maria Anna Mozart
12. Johann Christian Bach

La música del período clásico

(1730 a 1820) tenía como objetivo
imitar lo que se consideraba los
elementos clave del arte y la
filosofía de la Antigua Grecia y
Antigua Roma: los ideales de
equilibrio, proporción y expresión
disciplinada.[d] La música del
período clásico tiene una textura
más ligera, clara y
considerablemente más simple
que la música barroca que la
precedió. El estilo principal fue la
homofonía,[38] donde una
melodía prominente y una parte
de acompañamiento de acordes
subordinados son claramente
distintas. Las melodías
instrumentales clásicas tendían a
ser casi vocales y cantables. Se
desarrollaron nuevos géneros y el
fortepiano, el precursor del piano
moderno, reemplazó al
clavicémbalo y al órgano de la
época barroca como principal
instrumento de teclado, aunque
este último siguió utilizándose en
la música sacra, como las misas.

Romanticismo

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La música romántica (c. 1810 a

1900) del siglo xix tenía muchos
elementos en común con los
estilos románticos en la literatura
y la pintura de la época. El
Romanticismo fue un movimiento
artístico, literario e intelectual que
se caracterizó por su énfasis en la
emoción y el individualismo, así
como por la glorificación de todo
el pasado y la naturaleza. La
música romántica se expandió
más allá de los estilos y formas
rígidos de la era clásica hacia
piezas y canciones expresivas
más apasionantes y dramáticas.
Compositores románticos como
Richard Wagner y Johannes
Brahms intentaron aumentar la
expresión emocional y el poder
en su música para describir
verdades más profundas o
sentimientos humanos. Con
poemas sinfónicos, los
compositores intentaron contar
historias y evocar imágenes o
paisajes utilizando música
instrumental. Algunos
compositores promovieron el
orgullo nacionalista con música
orquestal patriótica inspirada en
la música folclórica. Las
cualidades emocionales y
expresivas de la música llegaron a
prevalecer sobre la tradición.

Siglo XX y XXI

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En el siglo xix, una de las formas
clave en que las nuevas
composiciones se dieron a
conocer al público fue mediante
la venta de partituras, que los
amantes de la música aficionados
de clase media tocaban en casa
en su piano u otros instrumentos
comunes, como el violín. Con la
música del siglo xx, la invención
de nuevas tecnologías eléctricas
como la radiodifusión y la
disponibilidad de discos de
gramófono en el mercado masivo
significó que las grabaciones
sonoras de canciones y piezas
escuchadas por los oyentes (ya
sea en la radio o en su
tocadiscos) se convirtieron en la
principal vía para aprender sobre
nuevas canciones y piezas. Hubo
un gran aumento en la escucha
de música a medida que la radio
ganó popularidad y los
fonógrafos se utilizaron para
reproducir y distribuir música,
porque mientras que en el
siglo xix, el enfoque en las
partituras restringió el acceso de
la nueva música a las personas de
clase media y alta que podían leer
música y poseían pianos e
instrumentos, en el siglo xx,
cualquier persona con radio o
tocadiscos podía escuchar
óperas, sinfonías y grandes
bandas en su propia sala de estar.
Esto permitió a las personas de
bajos ingresos, que no podían
pagar una entrada para un
concierto de ópera o sinfónico,
escuchar esta música. También
significaba que las personas
podían escuchar música de
diferentes partes del país,
además de diferentes partes del
mundo, incluso si no podían
permitirse viajar a estos lugares.
Esto ayudó a difundir los estilos
musicales.

El enfoque de la música artística

en el siglo xx se caracterizó por la
exploración de nuevos ritmos,
estilos y sonidos. Las
consecuencias de la Primera
Guerra Mundial influyeron en
muchas de las artes, incluida la
música, y algunos compositores
comenzaron a explorar sonidos
más oscuros y ásperos. Los
compositores utilizaron estilos
musicales tradicionales como el
jazz y la música folclórica como
fuente de ideas para la música
clásica. Ígor Stravinski, Arnold
Schönberg y John Cage fueron
compositores influyentes en la
música artística del siglo xx. La
invención de la grabación de
sonido y la capacidad de editar
música dio lugar a un nuevo
subgénero de la música clásica,
incluidas las escuelas de
composición electrónica
acusmática[41] y música
concreta. La grabación de sonido
también fue de gran influencia en
el desarrollo de los géneros
musicales populares, porque
permitió que las grabaciones de
canciones y bandas se
distribuyeran ampliamente. La
introducción del sistema de
grabación multipista tuvo una
gran influencia en la música rock,
porque podía hacer mucho más
que grabar la interpretación de
una banda. Usando un sistema
multipista, una banda y su
productor musical podrían
sobregrabar muchas capas de
pistas de instrumentos y voces,
creando nuevos sonidos que no
serían posibles en una actuación
en vivo.

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Algunos músicos expositores del
jazz. En sentido horario, desde
arriba a la izquierda: Louis
Armstrong, Charlie Parker, Ella
Fitzgerald y Aretha Franklin.

El jazz evolucionó y se convirtió

en un género musical importante
a lo largo del siglo xx y durante la
segunda mitad de ese siglo, la
música rock hizo lo mismo. El
jazz es una forma de arte musical
estadounidense que se originó a
principios de siglo en las
comunidades afroamericanas del
sur de Estados Unidos a partir de
una confluencia de tradiciones
musicales africanas y europeas.
El pedigrí de África Occidental del
estilo es evidente en el uso de
notas de blues, improvisación,
polirritmos, síncopa y la nota
swing.

La música rock es un género de

música popular que se desarrolló
en la década de 1960 a partir del
rock and roll de la década de
1950, el rockabilly, el blues y la
música country.[43] El sonido del
rock a menudo gira en torno a la
guitarra eléctrica o acústica y
utiliza un fuerte ritmo de fondo
establecido por una sección
rítmica. Junto con la guitarra o los
teclados, el saxofón y la armónica
de estilo blues se utilizan como
instrumentos solistas. La sección
rítmica tradicional de la música
popular es la guitarra rítmica, el
bajo eléctrico y la batería.
Algunas bandas también tienen
instrumentos de teclado como
órgano, piano o, desde la década
de 1970, sintetizadores
analógicos. En la década de 1980,
los músicos pop comenzaron a
usar sintetizadores digitales,
como el Yamaha DX7, cajas de
ritmos electrónicas como el
Roland TR-808 y dispositivos de
bajo sintetizado (como el Roland
TB-303) o teclados de bajo
sintetizado. En la década de
1990, se utilizó una gama cada
vez más amplia de dispositivos e
instrumentos musicales de
hardware computarizado y
software (por ejemplo, estaciones
de trabajo de audio digital). En la
década de 2020, los
sintetizadores de software y las
aplicaciones de música de
computadora hacen posible
productores de dormitorio para
crear y grabar algunos tipos de
música, como música electrónica
de baile en su propia casa,
agregando instrumentos
muestreados y digitales y
editando la grabación
digitalmente. En la década de
1990, algunas bandas de géneros
como el nu metal comenzaron a
incluir DJ en sus bandas. Los DJs
crean música manipulando
música grabada en tocadiscos o
reproductores de CD, usando un
mezclador de DJ.