ESCUELA DE TEATRO LA PLATA

Direccion de Cultura y Educacion, Provincia de Buenos Aires

Cursos: 1er año Actuacion/ 1er año Profesorado.
Docente: Maria Gabriela Suarez
Catedra: Actuacion I
Ciclo lectivo: 2022

TEMA: Biografia Konstantin Stanivslasky

Konstantín Stanislavski (Moscú, 17 de enero de 1863-7 de agosto de 1938) fue un actor, director
escénico y pedagogo teatral ruso, creador del método interpretativo Stanislavski y cofundador del
Teatro de Arte de Moscú.
El Teatro de Arte de Moscú nació en 1898 como un teatro independiente de empresarios y
burócratas, un teatro popular con principios democráticos y mantenido gracias a donaciones. Su
búsqueda estética se posicionaba fuertemente en contra de los estereotipos teatrales tan comunes
en su época (basados en el histrionismo de cada intérprete, la declamación, la representación
artificial y convencional de las emociones humanas) en pos de lo que Stanislavski llama “la verdad
escénica”.
En sus escritos, compuestos por una serie de diálogos entre un maestro y sus alumnxs, Stanislavski
se dedica a sistematizar procedimientos y metodologías que le permitirán a lxs intérpretes la
construcción del personaje.
El trabajo del actor o la actriz debe comenzar por un análisis exhaustivo del texto dramático. A este
momento del proceso creativo lo denomina “ensayo de mesa”. Aquí, el elenco, el director y el equipo
creativo se sientan a realizar la lectura y el análisis del texto dramático, precisando las circunstancias
previas de la obra (la época y lugar en que se desarrolla, clase social de sus personajes,
acontecimientos anteriores al inicio de la pieza) y buscando allí la línea de pensamiento de cada
personaje, la línea de sus imágenes y de sus acciones. Recién entonces se pasa a la práctica de la
escena. La improvisación es el modo en que el actor o actriz tiene para construir su personaje, lo que
le permitirá ir desde el “aquí y ahora” del ensayo hacia las circunstancias de la obra, desde el “yo” del
intérprete hacia el comportamiento, los conflictos de su personaje. La emoción o el sentimiento
(piedra angular en el modo de actuación de la época) dentro de este método es una consecuencia de
las acciones del intérprete sobre su personaje, es decir, el actor o la actriz no pueden sentir a
voluntad.
A continuación, algunos conceptos importantes desarrollados por Stanislavski:

1. Acción:
- Cuanto suceda en el escenario debe tener un propósito, un fin específico.
- La acción puede ser externa o interna: La inmovilidad es el resultado de la acción interna.
- Las acciones no deben estar encaminadas a despertar un sentimiento sólo por el hecho de hacerlo.
El ignorar esa regla sólo lleva a una odiosa artificialidad. Tales sentimientos son el resultado de algo
que se ha desarrollado antes.
- Toda acción debe tener su justificación interior, ser lógica, coherente y real.

2. El “sí mágico'': el “si” actúa como palanca para elevarnos del mundo real a la región de la
imaginación, despertando una actividad interior y verdadera. El “si” permite al actor o actriz
homologar sus propios pensamientos y sentimientos a los del personaje al imaginar qué pasaría si él
o ella estuviera en las circunstancias del papel que debe representar.

3. Circunstancias dadas: Factores que condicionan al personaje y su accionar como el tiempo y

lugar en que vive, su clase social, vínculos que mantiene, su biografía.
4. Imaginación: Toda invención que imagine el actor debe ser plenamente elaborada y sólidamente
construida sobre la base de los hechos de la obra. ¿Qué? ¿Quién? ¿Cómo? ¿Dónde? ¿Cuándo?
¿Por qué? Son las preguntas que el actor o actriz debe hacerse para particularizar la cadena de
circunstancias que justifiquen sus acciones. La imaginación de la escena no debe ser “en general”
sino que debe invitar a la acción, ya sea física o intelectual.

5. Concentración: El actor o actriz debe tener un punto de atención y ese punto no debe estar en la
sala. La concentración construye la cuarta pared (el límite imaginario entre el público y la escena).
Atención exterior:
Punto de atención: El actor o actriz debe escoger un objeto del escenario, de la obra, de su papel o
de la decoración sobre el que concentrar su atención. Ese punto debe ser atractivo para lograr captar
mejor su atención. El ojo del actor o actriz que ve un objeto atrae la atención del público y le indica lo
que debe ver.
Círculo de atención: Consiste en un sector completo, grande o pequeño, que inclute una serie de
puntos independientes. El ojo puede ir de un punto al otro, pero no salir fuera del círculo delimitado.
Esto le permite al actor o actriz estar en “soledad en público” ya que lo separa de la sala el círculo de
atención. A medida que el círculo aumenta, debe ensancharse la supeficie de la atención, pero tan
pronto como la atención vacile debe retrocederse a un círculo menor.
Atención interior: se concentra en cosas que vemos, oímos, tocamos y sentimos en circunstancias
imaginarias. Requiere un poder de concentración más disciplinado porque transcurre en el campo de
las circunstancias imaginarias.
El objeto de atención, ya sea interno o externo, debe ser de interés para el actor o actriz para que le
permita poner en funcionamiento el sistema creador.

6. Relajación: La tensión muscular superflua interfiere en la expresión, si aparece, el actor o actriz

debe poder relajarse. La tensión desaparecerá completamente cuando el intérprete logre creer en la
ficción y justificar dentro de ella su postura corporal, dirigida hacia una acción concreta. Un objetivo
claro y una acción verdadera (reales o imaginario, pero fundado en las circunstancias dadas) pueden
controlar los músculos y ponerlos en correcta tensión o relajarlos.

7. Unidades y objetivos: Para abordar un texto dramático, el actor o actriz debe dividirlo en
unidades, cada una basada en un objetivo creador. Los objetivos deben tener valor dentro de la
esencia del personaje, la cualidad de atraer al intérprete y, sobre todo, ser el germen la acción. Una
vez que se hayan dividido las unidades, se tendrá que nombrar cada una basándose en su esencia.
El objetivo debe expresarse como un verbo y el nombre de la unidad es un sustantivo.

8. Fe y sentido de verdad: El intérprete debe creer en las circunstancias de la obra como si fueran
verdaderas para poder convencerse él mismo, al resto de los actores y actrices y al público. El
sentido de verdad y creencia debe penetrar y justificar todo lo que el actor hace y el espectador ve.