“EL METODO DE LAS

ACCIONES FISICAS ”

Konstantín Stanislavski

Síntesis de “El método de las acciones físicas”

por

Claudia Mercedes
100183376
28/3/2019

Actuación
sección 01
Profesora Julissa Rivera
El método de las acciones físicas

El actor es la clave en el teatro y Stanislavski lo sabía así que partió sus estudios de este en su tarea
creadora. Busco las claves del comportamiento creador del actor y fue configurando lo que hoy se
conoce como método de Stanislavski. Que es una serie de etapas diferentes entre si que científicamente
muestran los aspectos mas importantes del recorrido que tienen los actores hacia la transfiguración
escénica. Dentro de esta búsqueda se puede hablar de dos etapas esenciales en la creación del personaje
según Stanislavski. La primera es partiendo del estudio racional del texto hacia la encarnación del
personaje y el segundo conocido como el método de las acciones físicas elementales que parte del
conocimiento orgánico del ambiente teatral y luego incorporar el texto en la etapa de encarnación o
caracterización. El núcleo esta dado por la acción física como punto de partida y por el reconocimiento
implícito de la improvisación que adquiere relevancia en el trabajo del actor y el sentido de su empleo.

El método de las acciones física se basa en hacer que el actor experimente mediante la interpretación
del papel emociones semejantes a las que experimenta el personaje que realiza, para esto recurre a
ejercicios que estimulan la imaginación, la capacidad de improvisar, la relajación muscular, las
respuestas inmediatas a situaciones imprevistas, la reproducción de emociones experimentadas en el
pasado, la claridad en la emisión verbal, entre otros ejercicios. El actor debe vivir una acción, no
representar una ficción, debe realizar sus acciones como cualquier ser humano lo haría en la realidad.
Stanislavski trataba de conseguir que los actores reprodujeran en ellos el mundo emotivo de los
personajes para que este fuera proyectado en el espectador como una experiencia verídica, sin la
teatralidad artificial y denomino ese efecto como “realismo psicológico”. Después de arduos estudios y
trabajos llego a la conclusión de que el actor que eran capaces de recordar sus propios sentimientos y
experiencias y los cambiaban por los de los personajes, podían establecer un vinculo con el publico.
Los elementos claves del método son: la relajación, la concentración, la memoria emocional, las
unidades, los objetivos y los superobjetivos.

Uno de los problemas principales que persigue el sistema es la estimulación espontanea de la creacion a
cargo de la naturaleza orgánica y del subconsciente. De traer emociones que remonten a la accion del
ahora y buscar profundamente en el subconsciente esas situaciones que han generado determinadas
emociones para usarlas a favor de la interpretación. Cualquiera que sea el papel que interprete el actor,
lo debe hacer como si fuera el mismo, bajo su responsabilidad, de la mano de su conciencia. Pero si el
actor no se ha encontrado a si mismo, o se pierde en el papel, mata al mismo tiempo al personaje que
debe interpretar y le roba de sus sentimientos vivos. Por eso debe interpretar el papel como si fuera el
mismo, aunque tenga lugar sin las condiciones fijas que ha detallado el autor, de esa misma forma debe
sentirse en el papel y si lo consigue no tendrá problemas con la interpretación.

Stanislavski fue uno de los primeros en reconocer la universalidad de las técnicas empleada por los
grandes actores y formulo un sistema moderno para abordar la actuación, que lo llamo la técnica
vivencial. Esta difícil técnica permitía a los actores repetir su trabajo escénico sin tener que esperar la
inspiración. Mas tarde, tras la revolución de Rusia de 1917, exploro las posibilidades de un teatro
improvisado. Intento dar a los interpretes medios artísticos que le permitieran abordar un texto de
acuerdo a las motivaciones del personaje, que anteriormente se encontraba bajo el control del director.

También se mencionan los principales puntos del sistema de interpretación y entrenamiento del actor,
que son:
-La lucha contra el cliché, la mala teatralidad y la búsqueda de la singularidad del personaje, alejado de
los estereotipos. Stanislavski va en contra de la rutina, de los clichés convencionales y estereotipados,
el histrionismo, los efectos fáciles y la mentira teatral, la falsa emoción. Se permite desarrollar una
investigación meticulosa y el actor trabaja desde un principio con objetos reales, que son parte
integrante de la acción en escena.
-Necesidad de encontrar la voluntad del personaje para motivar la interpretación.
-La creación de un ambiente favorable a la emoción escénica, para desencadenar una emoción autentica
en el actor. No basta con el maquillaje, vestuario, escenografía precisa y objetos reales, pues el actor
debe lograr el realismo de su personaje mas profundamente, desde la verdad interior.
-La búsqueda del subtexto yacente en la obra para interpretar lo que se halla entre lineas, en los
silencios, de modo que el texto se enriquezca.

Stanislavski el actor ideal se perfecciona a lo largo de toda su carrera profesional y cuida sus principios
éticos para favorecer su estado emocional y creador. Hablo de ciertas características que todo actor
debería tener en su forma de ser, actuar e interactuar con el mundo que lo rodea, a lo cual le llamo la
ética del actor que consiste en:
-Observación de una disciplina estricta, que exige cualidades morales, tanto en la vida como en el
trabajo. Integridad, sencillez y modestia.
-El actor no puede ser un ignorante, debe ser una persona culta e interesada en el arte y en la
civilización.
-No puede tener rivalidades mezquinas con sus compañeros ni competiciones profesionales.
-Debe tener cualidades imaginativas y temperamento personal, pero en la actuación debe fundirse en el
conjunto.
-El actor debe aprender a mirar, escuchar, a comprender la belleza.

A nivel emocional el actor no debe entregarse sin control, debe dominarla. “Cuando uno siente
realmente, la impresión producida en el publico es mediocre; cuando uno se domina sin abandonarse
por completo, se tiene mas éxito”. Aunque, el actor que se controla demasiado corre el riesgo de
bloquearse en todas sus emociones. Para evitarlo es necesario que determine los actos precisos antes de
ejecutar la acción, que conozca los objetivos concretos del personaje (porque esta ahí, porque
interviene, que quiere conseguir de los demás, que hace para conseguirlo), interioriza la biografiá del
personaje (comportamiento, pasado, presente de la acción), el actor hace “como si” de modo que entra
en un estado psicológico que desencadena en el sentimiento real.

El actor debe usar la memoria emocional. El recuerdo de una vivencia personal semejante lo ayuda a
experimentar en el escenario una emoción análoga a la del personaje. Se recurre al engaño para
provocar una emoción sincera. Para todo esto también es necesario el apoyo externo (maquillaje,
vestuario, caminar, comportarse como el personaje), los actos físicos externos desencadenan la
emoción siguiendo el principio psicológico de que se comienza llorando y se acaba triste. Debe tomar
conciencia de algo mas allá de las palabras: actos realizados, recuerdos evocados, movimientos,
accesorios que se manipulan, constituyen el subtexto que ocasiona los sentimientos.