Montaje

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Para otros usos de este término, véase Montaje (desambiguación).

Mesa de montaje convencional.

El montaje audiovisual es el proceso consistente en unir trozos de película

para crear distintas secuencias, generalmente siguiendo un guion
cinematográfico o idea del director de cine que termina en una producción final.
En vídeo la palabra equivalente es edición, asegurarse de que cada uno de los
detalles necesarios para una puesta en escena estén bien.
Ya que de cada escena se hacen varias tomas, y que existen miles de tomas
diferentes en una película, el montaje constituye una ardua labor. Siguiendo la
trama del guion, el montador, en general, tiene libertad para montar las
diferentes tomas realizadas de una escena de la manera que estime más
apropiada. Asimismo, puede utilizar más o menos metraje de película de cada
toma, y decidir cómo enlazar una escena o secuencia con la siguiente. Por todo
ello se considera que el montaje es una de las disciplinas fundamentales en la
realización de una película.

Índice

 1Primeros experimentos
 2Fundamentos psicológicos del montaje
 3Raccord
 4Postproducción
o 4.1Corte del editor
o 4.2Corte del director
o 4.3Corte final
 5Tipos de montaje
o 5.1Según la totalidad del relato cinematográfico
o 5.2Según la temporalidad
 5.2.1Montaje lineal o continuo
 5.2.2Montaje invertido
 5.2.3Montaje paralelo o alterno
o 5.3Montaje analítico o externo y montaje sintético o interno
o 5.4El montaje imperceptible
o 5.5El montaje sonoro
o 5.6La regla de seis
 6Técnicas de montaje
o 6.1Cortes
  6.1.1El corte sobre la acción (cutting on action o Smash cut)
 6.1.2El corte con inserción (cut away)
 6.1.3Jump cut
 6.1.4Match cut
 6.1.5Corte invisible
o 6.2Transiciones
 6.2.1Fundidos
 6.2.2Encadenado
 6.2.3Barrido
 6.2.4Cortinilla
 6.2.5L-cut
 6.2.6J-cut
 6.2.7Iris
 7El montaje y las metáforas visuales
o 7.1Metáfora orgánica
o 7.2Metáfora inorgánica
 8Programas de montaje, edición y posproducción
 9Véase también
 10Referencias
 11Bibliografía
 12Bibliografía adicional

Primeros experimentos[editar]
Edwin S. Porter es generalmente considerado como el primer cineasta
estadounidense en poner la edición fílmica en uso. Aunque es en Inglaterra con
la Escuel Smith quien fracciona una acciòn, es decir, ejecuta montaje: Las
aventuras de Mary Jane. Porter trabajó como un técnico eléctrico antes de
unirse al laboratorio de cine de Thomas Alva Edison a finales de los 90. Las
primeras películas de Thomas Edison (los cuales la compañía inventó una
cámara de movimientos y un proyector) y otras fueron cortometrajes que fueron
una toma larga, estática y en picado. El movimiento en las tomas era todo lo
necesario para divertir a un público, por lo que las primeras películas,
simplemente mostraban actividad cotidiana, tales como el movimiento
del tráfico en una calle de la ciudad. No había historia ni edición. Cada película
corría tal como era filmada en la cámara. Cuando el estudio cinematográfico de
Edison buscaba incrementar la duración de sus cortometrajes, Edison consultó
a Porter. Porter hizo una película innovadora, Life of an American Fireman en
1903. La película fue casi la primera en tener un argumento, acción e incluso
primer plano de una mano activando una alarma de fuego.
Otras películas siguieron. La avanzada película de Porter, Asalto y robo de un
tren aún se mantiene mostrando en academias de cine en la actualidad como
un ejemplo de primeras ediciones fílmicas. Fue producida en 1903 y fue unas
de los primeros ejemplos de una edición dinámica y llena de acción —
reuniendo las escenas rodadas en diferentes momentos y lugares y para el
impacto emocional no está disponible en un tiro largo estático. Siendo uno de
las primera películas con un guion (director fílmico, editor e ingeniero), Porter
también inventó y utilizó algunos de sus muy primeros (aunque primitivos)
efectos especiales como doble exposición, miniaturas y escenas cortadas.
Porter descubrió importantes aspectos del lenguaje cinematográfico: que la
imagen en pantalla no necesita mostrar una persona completa de pies a
cabeza y que uniendo dos tomas crea un contexto coyuntural en la mente del
espectador. Estos fueron los descubrimientos clave que hicieron posible que
las tomas (en este caso, toda la escena desde cada toma es una escena
completa) puede ser fotografiado en lugares muy diferentes en un período de
tiempo (horas, días o incluso meses) y se combinan en un todo narrativo. Esto
que, Asalto y robo de un tren contiene escenas en estudios de un estación de
telégrafo, el interior de un carro de rieles, y un salón de baile, con escenas al
aire libre en una torre de agua del ferrocarril, en el propio tren, en un punto a lo
largo de la pista, y en los bosques. Pero cuando los ladrones dejaban el interior
de la estación de telégrafo (estudio) y salían en una torre de agua, la audiencia
creía que ellos venían inmediatamente de un lugar a otro. O que cuando se
suben en el tren de una sola vez y entrar en el vagón de equipajes (una serie)
en el próximo, el público cree que están en el mismo tren.
Una vez, alrededor de 1918, el director ruso Lev Kuleshov hizo un experimento
que probó este punto. Tomó un clip de película antigua de un plano en la
cabeza de un actor de Rusia e intercaló una toma de un plato de sopa, y luego
con un niño jugando con un oso de peluche, y luego un plano a una anciana en
un ataúd. Cuando mostró la película a la gente, ellos elogiaron la actuación del
actor; el hambre en su cara cuando miró la sopa, el placer con los niños y la
aflicción con la mujer muerta. Por supuesto, la toma del actor fue años antes
que otras tomas y nunca vio ninguno de esos elementos. El simple acto de
yuxtaposición hace que las tomas creen un relación entre ellas.

Fundamentos psicológicos del montaje[editar]

La sucesión de tomas de una película se basa en la mirada y en el
pensamiento o en otras palabras la tensión mental del espectador. El montaje
tiene un carácter dialéctico: cada toma incluye un elemento que tiene su
respuesta en la toma siguiente. Entonces la tensión psicológica del espectador
es una causa que debe ser satisfecha por la continuidad de tomas. Cada toma
funciona en sí mismo como unidad, pero incompleta. Entonces el relato
cinematográfico aparece como una serie de síntesis parciales.

Raccord[editar]
Es imprescindible crear una cierta continuidad, incluso en montaje paralelo,
llamada raccord. Sirve para situar al espectador en un espacio para no
desorientarlo.
Características:

 Explica una historia eliminando todo lo innecesario y evitando repeticiones

 Crea una coherencia espacial