Actividad Didáctica Pagina #179

Desarrolle ejercicios de apreciación artística (considerando cada uno de los

elementos que intervienen en el proceso de apreciación especifica) de las
diferentes manifestaciones de las artes visuales, espaciales o prácticas, las
artes difluentes o de difusión y las artes audiovisuales espacio-temporales o
del movimiento, que estimula el desarrollo de los procesos sensitivos,
perceptivos, creativos y estéticos.

Los 7 elementos del arte que dan forma a la creatividad

En cualquier disciplina, es importante tener una base sólida desde la cual crecer.
En el caso de las artes visuales, es fundamental conocer los elementos del arte.
Estos elementos creativos son esenciales, y entender sus funciones es importante
tanto para los artistas como para los amantes del arte. Cuando tienes un buen
conocimiento sobre los elementos del arte, es más fácil analizar, descifrar y crear
cualquier tipo de obra de arte, desde pinturas y fotografías hasta esculturas y
piezas arquitectónicas.

De hecho, muchos de estos elementos se enseñan en la infancia como parte de la

educación artística básica. Pero aunque los conceptos puedan parecer sencillos,
una vez dominados pueden extenderse y crecer en todas las direcciones,
independientemente del estilo de arte que se esté creando o apreciando. Los
elementos del arte son componentes visuales concretos que funcionan en
conjunto con los principios artísticos que los organizan y armonizan.

La línea, el color, la figura, la forma, el valor, el espacio y la textura son los siete
elementos básicos del arte y a menudo se superponen e influyen entre ellos.
Tanto si se trata de dibujar, pintar, esculpir o diseñar, todos estos componentes
del arte deben tomarse en consideración. Una vez que conozcas estos siete
elementos visuales, te resultará aún más fácil crear tus propias obras de arte.

Dicho esto, los elementos del arte no solo son útiles para los artistas. Cualquier
amante del arte podrá apreciar y encontrar un mayor significado en una obra al
conocer más sobre estos componentes visuales básicos.

¿Cuáles son los siete elementos del arte?

1. LÍNEA

Estas marcas abarcan una distancia entre dos puntos y pueden ser rectas o
curvas. En las artes visuales, las líneas van más allá de marcas y contornos:
también pueden ser implícitas o abstractas. Ya sean bidimensionales o
tridimensionales, no se puede negar que las líneas tienen un gran impacto en el
resto de los elementos del arte. Pueden utilizarse para crear formas y figuras, así
como para dar una sensación de profundidad y estructura. Las líneas son la base
del dibujo y constituyen una poderosa herramienta por sí solas. El uso de
diferentes tipos de líneas continuas, discontinuas, verticales, dentadas,
horizontales cambia drásticamente la psicología de una obra de arte y tiene un
gran impacto en el espectador.

2. COLOR
Al trabajar con el matiz, el valor y la saturación res componentes básicos del color
los artistas pueden expresar una amplia gama de emociones. No hay nada que
cambie más el impacto emocional de una obra de arte que el color. Maestros
como Van Gogh, Monet y Toulouse Lautrec manipularon el color en sus pinturas
para provocar diferentes sentimientos. El color puede utilizarse de forma simbólica
o para crear un patrón. Puede seleccionarse para crear contrastes o para
transmitir un estado de ánimo específico. Un buen conocimiento de la teoría del
color ayuda a cualquier artista a utilizar mejor los colores que tiene a su
disposición.
3. FIGURA
Producto de líneas cerradas, las figuras son bidimensionales, planas y solo tienen
alto y ancho. Las figuras geométricas, como los círculos y los cuadrados, son
matemáticas y precisas, mientras que las figuras orgánicas se inspiran en la
naturaleza y tienden a ser curvas y abstractas. Los collages de Henri Matisse
hacen un gran uso de las figuras orgánicas, mientras que Piet Mondrian es
conocido por su uso magistral de figuras geométricas en sus pinturas. Las figuras
pueden utilizarse para controlar cómo percibimos una composición. Por ejemplo,
los triángulos pueden ayudar a atraer la mirada hacia un punto concreto, mientras
que los círculos representan la continuidad.

4. FORMA

Cuando una figura toma profundidad y se vuelve tridimensional, entonces adquiere

forma. Cilindros, pirámides y esferas son algunas de las formas más comunes,
aunque también pueden ser amorfas. En la escultura, la forma es lo más
importante, aunque puede introducirse fácilmente en el dibujo y la pintura
mediante técnicas de arte en 3D. El escultor barroco Bernini fue un maestro de la
forma, tallando sus esculturas para que pudieran disfrutarse desde cualquier
perspectiva. La forma también es un elemento importante en la arquitectura:
muchos arquitectos aclamados como Frank Lloyd-Wright, Zaha Hadid y Tadao
Ando tienen muy en cuenta este elemento en sus diseños.
5. VALOR
Relacionado con el color, el valor es la claridad y la oscuridad de un color. El valor
más claro es el blanco y el más oscuro el negro, y la diferencia entre ellos se
define como contraste. Jugar con el valor no solo puede cambiar ciertas formas,
sino también influir en el carácter de la obra. El valor es tan importante que los
italianos crearon un término—el claroscuro—que se refiere específicamente al uso
de la luz y la sombra en una obra de arte. El pintor barroco Caravaggio fue un
maestro en el uso del claroscuro en sus pinturas al óleo. El fotógrafo Ansel Adams
es otro artista que utilizó el valor de forma experta para crear composiciones
interesantes en sus fotografías de paisajes.

6. ESPACIO
 Este elemento del arte puede manipularse en función de cómo el artista
coloque las líneas, las figuras, las formas y el color. La ubicación de estos
otros elementos crea el espacio. El espacio puede ser positivo o negativo.
El espacio positivo es un área ocupada por un objeto o una forma, mientras
que el espacio negativo es un área que se extiende entre, a través,
alrededor o dentro de los objetos. Los artistas suelen pensar en el primer
plano, el segundo plano y el fondo de sus obras de arte, colocando a
propósito formas y líneas en todo el espacio para conseguir la composición
perfecta. La sensación de profundidad en las obras bidimensionales a
menudo se consigue mediante la perspectiva, que a su vez puede basarse
en líneas o colores.

7. TEXTURA
La textura es un elemento del arte que también juega con nuestro sentido del
tacto. Se define como una descripción de la forma en la que algo se siente o
podría sentirse. A veces se trata de una textura real que se puede sentir, como en
el caso de la artista islandesa Hrafnhildur Arnardóttir, quien crea instalaciones
artísticas con cabello sintético. Otras veces, la textura es una textura visual
implícita que es bidimensional. Suave, áspera, dura, blanda, peluda, esponjosa y
rugosa son algunas de las diferentes texturas que evocan diferentes respuestas.

Por ejemplo, un artista que busca un resultado hiperrealista querrá que sus nubes
se vean esponjosas, mientras que otro que desea subvertir las convenciones
podría jugar con la textura para crear una experiencia surrealista para el
espectador. El escultor del siglo XIX Antonio Canova era un maestro en este
sentido, tal como lo demuestra su retrato de la hermana de Napoleón: la mujer
descansa sobre un cojín que parece tan suave que es difícil creer que sea de
mármol.