-Introducción-

-El espíritu barroco se expresa en la música por el gusto del fasto (esplendoroso), de lo
monumental.
-El aspecto más específico del barroco musical reside en el juego de los contrastes. Éstos no
son un mero efecto decorativo, sino que son la manifestación de un conflicto entre dos
fuerzas antagónicas: *La obra barroca es profundamente dramática*.
-En el Barroco la expresión personal ha sucedido a la expresión colectiva del
renacimiento.
-Instrumentación-
Durante este periodo no todos los instrumentos llegan a su madurez en el mismo momento,
ciertos instrumentos viven sus últimos momentos de esplendor, algunos siguen evolucionando, y a
su vez nacen otros nuevos:

- Laúd, clavecín y la viola de gamba (familia viols) viven sus últimos momentos de esplendor.
- Violín sigue perfeccionándose.
- Nace el clarinete y pianoforte (prototipos)

<Familias de instrumentos>

Bronces: “Estos instrumentos plantean problemas de ejecución debido a la inseguridad de la

afinación y entonación”.

- Calidad natural: los instrumentos no poseen válvulas ni pistones, ejecutándose mediante el

control del flujo de aire y de los labios (tonos agudos: labios duros / tonos bajos: labios
sueltos).

- Cada instrumento se gobierna por una fundamental que depende del largo del tubo,
mientras más largo el tubo más baja (altura) será la fundamental.

- Parciales 7,11, 13, 14 naturalmente desafinado.

- Se puede tocar hasta el parcial 21, pero solo pueden llegar al 16. Raramente se llega hasta
más ,,,,,,allá del parcial 12

-corno poseen Crooks: mecanismo que permite al instrumento poseer múltiples

fundamentales.

- CLARINO: sonoridad aguda y brillante, además virtuosa de la trompeta.

Cuerda frotada: “Buena demanda técnica y expresiva, su extenso plan de cuerdas permite el juego
polifónico”.

 Esta familia de instrumentos está representada por las violas y los violines principalmente,
el violonchelo se agrega a finales del siglo XVII, y el contrabajo se agrega reemplazando al
violón italiano (del cual conserva su forma física –prototipo moderno-)
  La violas de gamba: forman una familia completa (viola da gamba <pierna> y da braccio
<brazo>) clasificándose por su tesitura, dessus para designar al soprano y contralto, el
tenor y bajo (viols). Sus funciones eran tanto solistas o como apoyo habitual del bajo
continuo.
 Violines experimentan un crecimiento, aunque su forma parece fijada desde finales del
renacimiento, todavía admitirá varias modificaciones todas estas en la búsqueda de una
mayor proyección.

Vientos madera: durante este periodo experimentan transformaciones que buscaran conseguir
una entonación más precisa y ampliar el número de tonalidades.

 Se compone por la flauta traversa o <flauta alemana>, su sonido suave le confiere

adaptarse a la riqueza expresiva de la viola y del clavecín.
 La flauta dulce es otro instrumento utilizado en este periodo, cual ira cayendo en desuso al
final de la época barroca.
 Oboe nace a mediados del siglo XVII, el bajo de oboe o fagot interviene en la realización
del bajo continuo, sustituyendo a la viola de gamba.

<Conjuntos instrumentales>

El arte musical barroco hizo una clara distinción entre los instrumentos que debían usarse en
conjuntos de cámara, música al aire libre o en la música de la iglesia. En grandes espacios abiertos
se usaban los bronces, el órgano, las cornetas e instrumentos con embocadura de caña (fagot,
oboe, etc.), mientras que en la música de cámara los conjuntos se componían de varias clases de
violas, flautinos, flauta dulce y traversa, laudes y el clavecín <instrumento noble por naturaleza>.
Recién en la segunda mitad del barroco se empezó a agregar la familia de los violines,
<considerados instrumentos propios de lacayos> utilizados para el acompañamiento del baile.
Muchos de estos instrumentos usados en cámara tienen unos hermosos matices proporcionados
por su calidad natural, inexistentes en los instrumentos modernos, que fueron desarrollados más
tarde para ser utilizados en grandes salas de concierto.

 La terminología todavía no está completamente definida y precisada, los compositores

designaran con el término sinfonía o incluso concierto a cualquier agrupación vocal o
instrumental.
 los conjuntos instrumentales son variadamente intercambiables, siempre y cuando tengan
la misma tesitura. Ej: intercambio entre instrumentos altos (altos de viola, violín oboe,
flauta) o intercambio entre instrumentos bajos melódicos (bajo de viola, violonchelo,
fagot)

Por qué desaparecen:

 la necesidad de un timbre más brillante capaz de oírse en salas más grandes.

 los instrumentistas abandonan los instrumentos complejos y eligen otros más sencillos de
tocar.
 la evolución del lenguaje musical (expansión de orquesta), que hace que los,
instrumentos-puedan acceder a múltiples tonalidades.
 -Nacimiento del estilo Concertante- (1600-1650)
A partir de 1600 se impone en la composición un estilo “moderno” de organización al cual se le
denominó stile concertato, inicialmente esta expresión se aplicó indistintamente a obras vocales e
instrumentales. Según Jacques Chilley (compositor y musicólogo Francés del siglo XX.) lo define
como: <La utilización de varias voces que se hacen oír simultáneamente sin perder su
personalidad>, lo que se opondría al estilo polifónico renacentista en donde las voces <se funden
para formar un conjunto homogéneo>, entonces estamos ahora ante la presencia de la polifonía o
del contrapunto.

*A partir de esto se puede dividir en: estile antico <antiguo estilo renacentista>, y estile moderno
<estilo concertante>.*

<Superior y continuo>

A comienzos del siglo XVII los compositores abandonan el equilibrio vocal renacentista para dar
primicia a una voz superior, o sea <el superius>, la cual está encargada de traducir el texto poético.
La música instrumental asume este principio (de que la palabra y el verbo sea reino y señor del
canto) poniendo en primer plano una o varias partes solistas instrumentales, sostenidas en
segundo plano por un acompañamiento que recibe el nombre de bajo continuo.

- Bajo continuo: su principio consiste en situar bajo la parte superior un Bajo instrumental
monódico, provisto o no del cifrado de acordes. Dibujándose así dos planos sonoros: la
línea melódica, libre, expresiva y virtuosa, y el bajo continuo, soporte armónico y medida
del tiempo. *Se puede observar aquí el gusto por el contraste tan característico de este
arte*.
- El bajo continuo generalmente lo hacía el clavecín y lo doblaba la viola o el fagot.

<Otros tratamientos y acompañamientos con forma variación>

 Bajo Passacaglia: Aquí el bajo es destacablemente una frase melódica <que se puede
variar> y no una mera figura, tradicionalmente se escribe en tres cuartos y en un carácter
lento y grave. Passacaglia y fuga en c menor, Bach.
 Bajo Chacona: Esta preserva el carácter grave y la cifra de tres cuartos, a diferencia del
Passacaglia aquí el bajo tiene una funcionalidad acompañante mediante el uso de la
Armonía <aspecto que se puede variar>
*Es tan sutil la diferencia entre ambas que se tienden a confundir entre si*.
<Síntesis>
La separación de estos dos planos musicales diferentes favoreció a la independencia de la
melodía, ahora en el stile moderno la melodía puede desarrollarse con gran libertad: desvinculada
de los modelos vocales se hace puramente instrumental, caracterizándose no solo por su
estructura, sino que también por las posibilidades técnicas y expresivas de cada familia de
instrumentos. A partir de ahora habrán dos repertorios distintos: uno vocal y otro puramente
instrumental, cada uno con su propio lenguaje.
-Formas instrumentales-
<Suite>
La suite nace de la persistencia de una forma heredada en el renacimiento. Es una obra de multi-
movimientos que consiste en una sucesión de danzas en la misma tonalidad, el uso de una
tonalidad fundamental establece entre ellas una unidad profunda que se refuerza a veces con la
utilización de un solo tema. Las danzas se oponen siempre por su tempo -una danza rápida sucede
una lenta- y su coreografía -una danza de salto: saltarello, gallarda, le prosigue una danza
deslizada: pavana-. Entonces la suite se puede definir como una serie de piezas instrumentales de
caracteres contrastados.

- no es posible saber, con certeza, a qué atenerse en lo que atañe al tempo. Pues es muy
probable que las danzas lo varíen según el país y la época a la que pertenecían.

- A mitad del siglo XVII se estableció como estándar la estructura de -allemande, courante,
zarabanda y giga-. A este núcleo se pueden añadir también diversas danzas, una segunda
allemande o courante, un bourre, gavotte, y el minueto que experimenta una amplia
difusión.
- Preludio, obertura y fantasía fueron añadidos como introducción para expandir la forma
de la suite.
- Según el teorista Johann Mettheson los caracteres variaban en: el minueto era regocijo
moderado, la gavotte de exultante felicidad, el bourre de satisfacción, la courante de
esperanza, la zarabanda de ambición y la giga podía variar entre enojo hasta
impredecibilidad.
- A comienzos del siglo XVII los progresos de la construcción instrumental y a las crecientes
exigencias del público en cuanto a la calidad de la interpretación, se produce una división
en la danza de concierto y la danza de baile, es decir, las danzas que se escuchan y las
danzas que se bailan. Las danzas interpretada y no bailada, libre de la exigencia de la
coreografía se hace cada vez más compleja para desarrollarse hacia la expresión y el
virtuosismo, además pierde su carácter funcional para construir una obra en sí misma.

https://www.youtube.com/watch?v=k4cVrWQPXI0 analizar

<Concierto grosso>

El concierto grosso es una forma instrumental fugada que no se debe confundir con el concierto,
más tardío escrito para un virtuoso solista acompañado de la orquesta. El origen del concierto
grosso se debe a la curiosidad que los compositores de mediados del siglo XVII sintieron por el
efecto que se podía obtener oponiendo entre sí dos grupos instrumentales, uno pequeño y uno
grande.

- El grupo pequeño nombrado concertino podía formarse por cualquier combinación de

instrumentos, a gusto del compositor, en cambio
- El grupo pequeño consta de un diálogo entre el concertino y el grupo instrumental grande
o tutti.
*Otras formas incluyen la sinfonía, el concierto y la sonata*.

https://www.youtube.com/watch?v=6yZaYMfNyfo

<Interpretación>
La partitura es un auténtico código que hay que descifrar, sólo se indica el esquema melódico
general, sostenido o no por un bajo cifrado. Son los instrumentistas quienes deben determinar el
buen tiempo, adornar la línea, variar las repeticiones, restaurar la frase, la dinámica y
articulación, e incluso realizar el bajo. Se impone así un verdadero trabajo de recreación mediante
la improvisación, Por lo que el intérprete debe tener un conocimiento profundo de la obra y de la
sensibilidad de la época.
https://www.youtube.com/watch?v=nkomXfvrhrE (video explicativo.)
El tempo lo decidía el intérprete y este siempre era basado en el ritmo; el ritmo antiguo es muy
distinto al moderno, y este se repite compas por compas mientras no se cambie el signo de
tiempo.
La base para el tempo era el “tiempo común” (“C”) lo cual tenía como figuras predominantes a las
negras, corcheas y semicorcheas, y basado en este combinación el tempo se decide entre 40 y 60
Bpm. Ahora bien si una pieza mantiene el mismo signo de principio a fin, y no presenta
semicorcheas (a excepción de las que sirven como ornamentación), las corcheas serán las notas
rápidas del compás y el tempo será entre 80 y 120 Bpm (Fritz Rothschild, musicólogo).