Proyecto para la organización benéfica War on Want

realizado por la consultoría de comunicación gráfica

Bond and Coyne. En el diseño de exposiciones, y en
el diseño para organismos artísticos y culturales en
general, suele dejarse cierto margen a los
diseñadores para explorar, mientras que el sector de
las organizaciones benéficas tiende a ser más
conservador y más consciente de la necesidad de
atraer a las masas. Este proyecto es la combinación
de plazos y presupuesto limitados por un lado y
libertad por el otro. War on Want es una organización
benéfica británica que lucha contra la desigualdad, la
injusticia y la pobreza en los países en vías de
desarrollo y que organiza campañas por los derechos
de los trabajadores en colaboración con
organizaciones locales de todo el mundo. La relación
existente entre Bond and Coyne y War on Want
empezó en 2005. - Mike Bond (1977) y Martin
Coyne (1978) fundaron Bond and Coyne Associates
en 2001. Decididos a utilizar sus ideas de diseño para
la resolución de problemas más allá del ámbito del
diseño gráfico, su trabajo abarca desde proyectos de
creación de marcas hasta análisis de la comunicación
para clientes como el Design Council o la British
Heart Foundation.
Los diseñadores que trabajan en los sectores de la
beneficencia o el voluntariado a menudo lo hacen
porque sus valores coinciden con los de sus clientes.

Materiales y fabricación. Cuando cursaban juntos el

máster en el Royal College of Art, Bond and Coyne
trabajaron en un proyecto que ilustra su emprendedor
enfoque hacia los materiales. Utilizando cinta de
seguridad que encontraban en las ventanas de las
tiendas abandonadas, crearon un alfabeto de letras
continuas. Este proceso resultó en una pieza final
que funcionaba simultáneamente como cinta de
seguridad y para transmitir información. Mike y Martin
disfrutan realmente con la naturaleza táctil de los
materiales, y eso se refleja en sus fuentes de
estimulación creativa (los libros y revistas de
arquitectura son una rica fuente de referencia que
consultan con asiduidad). Mike admite que miran
revistas de diseño gráfico, aunque, "más que para
encontrar inspiración, es sólo para saber qué pasa en
el sector".

Más allá del diseño gráfico "No queremos

simplemente crear material bonito y frívolo, queremos
diseñar para aportar cosas positivas también". explica
Mike. Como investigadores asociados del centro
Helen Hamlyn del RCA, cuya misión es investigar las
iniciativas de diseño destinadas a mejorar la calidad
de vida de la gente de todas las edades y
capacidades, conocieron de primera mano las
posibilidades del diseño inclusivo y orientado al
usuario. Trabajaron con IDEO (IDEO es una
empresa de diseño global. Crean impacto positivo a
través del diseño), un influyente grupo de diseño
basado en la investigación, y con el Design Council
(El propósito del Design Council es mejorar la vida
mediante el diseño. Somos una organización
benéfica independiente y asesora del gobierno en
diseño. Nuestra visión es un mundo en el que se
reconozca el papel y el valor del diseño como un
creador fundamental de valor, que permite una vida
más feliz, saludable y segura para todos) en un
proyecto que duró dieciocho meses para analizar el
impacto del diseño de las escuelas sobre el
aprendizaje. Para ello tuvieron que realizar talleres
con alumnos, hablar con tutores y cuidadores, escribir
y diseñar el informe del proyecto y crear el taller
inicial, obteniendo un presupuesto considerable para
llevar adelante las recomendaciones del proyecto.
Uno de los resultados fue el diseño de un pupitre y
una silla escolares nuevos.

Temas de enseñanza "Me apasiona la educación -

dice Mike- Sirve para mantener vivo el cerebro. Está
muy bien estar en espacios diferentes y pasar de
reunirte con dos o tres clientes al día a tratar con
setenta y cinco estudiantes. Es muy gratificante."
Mike y Martin han dado clases de diseño gráfico
desde que se licenciaron y cada uno imparte clases
un día a la semana en la Universidad de Kingston y
en el Arts University College de Bournemouth,
respectivamente. Para muchos diseñadores, la
enseñanza es una manera útil de complementar sus
ingresos cuando están empezando, pero para Bond y
Coyne la enseñanza se convirtió rápidamente en una
parte integrante de su práctica. Les enorgullece decir
a sus clientes que dan clases, ya que creen que ello
demuestra su compromiso y al mismo tiempo
contribuyen activamente y cuestionan el futuro del
sector.
Divisiones del trabajo Su confianza mutua de tantos
años facilita la negociación de los papeles y de las
responsabilidades. Generalmente, Mike es quien trata
con los clientes y se ocupa de las presentaciones,
mientras que Martin se encarga de la organización
del trabajo. Entre los colaboradores existe un rico
diálogo en el estudio y la oportunidad de contar con
diferentes ideas, perspectivas y puntos de referencia.
Todos hablan de los objetivos de los proyectos, de los
conceptos y de las direcciones generales, pero gran
parte del trabajo práctico,creativo y de diseño está en
manos de Martin y Mark.

Sacar algo de nada - A muchos diseñadores les

gusta trabajar con algunos límites, y en el caso de
Mike y de Martin eso incluye trabajar con limitaciones
presupuestarias. "El presupuesto es una inesperada
fuente de inspiración para nosotros, es como una
especie de reto de crear algo a partir de nada." Martin
cuenta que una de sus inspiraciones en este sentido
es el grupo de diseño Graphic Thought Facility
(Graphic Thought Facility es una consultora de diseño
con sede en Londres con reputación internacional por
sus soluciones apropiadas, efectivas y originales), del
que admiran la versatilidad y capacidad de inventiva,
especialmente en relación con los materiales y los
métodos de producción. Mike afirma que su enfoque
emprendedor es "perfecto para el sector de la
beneficencia, pero que también es bien recibido por
sus clientes comerciales. "Valoran que seamos
capaces de dar más de lo que se pide de nosotros." -

Cada año, War on Want encarga a un fotógrafo ir a

una parte del mundo donde la organización trabaja
para documentar el trabajo que realiza y las historias
de la gente. Su relación con War on Want implica que
en lugar de recibir unas instrucciones concretas, les
dan las fotografías y una idea del presupuesto, del
espacio y de la fecha límite. War on Want deja en sus
manos con total confianza la autoría final y el control
de la interpretación y organización tanto del contenido
de la exposición como de su diseño. Esta exposición
estaba dedicada al viaje del fotógrafo Julio Etchart a
Guatemala, donde, en colaboración con la
organización local Conrado de la Cruz, War on Want
lleva a cabo un proyecto de capacitación de los niños
trabajadores indígenas, cuyos derechos humanos
son comúnmente ignorados y a quienes proporcionan
los servicios básicos y formación.

Richmix es un centro artístico en el barrio del East

End de Londres, que incluye cines, un espacio para
actos, una cafetería y un bar, además de ser la sede
de la emisora BBC Radio London. Promovido como
centro comunitario cultural y creativo informal, el
espacio atrae al tipo de personas que War on Want
considera su público objetivo (personas de entre 20 y
40 años, con intereses culturales, que está al
corriente de los problemas del mundo y que desea
implicarse activamente). Aunque las tecnologías de la
comunicación facilitan que los estudios puedan
ubicarse fuera de Londres, este mundo virtual todavía
tiene límites y Mike y Martin a menudo tienen que ir a
visitar a un cliente o un sitio personalmente. Su visita
a Richmix para ver el espacio de la exposición resultó
crucial: "Empezamos formulando ideas desde el
primer día en que visitamos el centro". En particular,
su visita les dejó claro que debían administrar las
expectativas del cliente. Era evidente que el espacio
no era el adecuado para una "exposición fotográfica
típica", y así de claro se lo dijeron a War on Want "No
es el típico espacio con las paredes blancas para
colgar imágenes, y si es lo que quieren, cambien de
lugar. Pero si realmente quieren hacerlo en este sitio,
deberemos considerarlo de un modo distinto".-

Los diseñadores que diseñan una exposición suelen

recibir, por parte del recinto en cuestión, un plano de
planta y un alzado que muestra la superficie del
espacio de exposición además de las ventanas, las
puertas, las salidas de emergencia y las tomas
eléctricas. Esto permite a los diseñadores comprobar
que su diseño encaja y funciona. El plano del espacio
para esta exposición reveló los aspectos tanto
positivos como problemáticos de esta entreplanta. De
las tres posibles paredes, una contenía bastantes
elementos prominentes, como salidas de emergencia,
un armario y una cornisa. La segunda pared estaba
ocupada casi en su totalidad por una larga ventana,
que aportaba una buena luz pero limitaba las
posibilidades de colgar fotografías, y la tercera pared
tenia pendiente y estaba pintada de rojo intenso.
"Salimos de allí siendo conscientes de que teníamos
que construir una galería dentro de otra galería, y
construir literalmente un espacio dentro de otro
espacio. Fue entonces cuando recurrimos al
diseñador en 3D." -
Presupuestos - Diseñar una exposición para una
organización benéfica es diferente a hacerlo con
otros tipos de exposiciones. En el primer caso, el
objetivo suele ser comunicar un problema más que
mostrar objetos, pero el presupuesto también es
significativo, ya que siempre es pequeño. En el caso
de exposiciones en grandes galerías o museos, los
presupuestos pueden llegar a decenas o incluso
centenares de miles de libras. En este proyecto, Mike
y Martin tenían un presupuesto modesto del que eran
totalmente responsables. En este caso, permitió a
Mike y a Martin gestionar el proceso de encargo y
contratación de otros colaboradores y compañías,
como su diseñador en 3D y la imprenta. - Contenido
- El tema y el contenido de las exposiciones varían
mucho, y encontrar formas adecuadas, reveladoras y
atractivas de mostrarlos y comunicarlos es el principal
reto en el diseño de exposiciones. Para una
organización benéfica, una exposición es una forma
de dar publicidad a una causa y de mostrar las
buenas acciones conseguidas gracias a la
recaudación de fondos. A diferencia de las
exposiciones con entrada de pago, esta muestra de
entrada libre tenía que atraer e informar a los
visitantes que pasaban por el centro. Espacio - Tanto
si es grande como pequeño, magnífico o humilde, el
espacio en el que se realiza& la exposición es
claramente una parte crítica de las especificaciones.
Tanto desde lo fundamental, por ejemplo las
dimensiones estructurales y el acceso, como de las
consideraciones sobre el público, el tono y el
ambiente, el espacio de exposición es un elemento
determinante en cualquier diseño. War on Want había
encontrado un sitio nuevo para esta exposición, y
hasta que Mike y Martin visitaron el espacio, sin
haber recibido instrucciones formales, no fueron
conscientes del reto que suponía el proyecto. - Plazo
límite - Los proyectos de diseño de exposiciones en
grandes museos pueden durar de seis meses a un
año desde la fecha del encargo hasta la fecha de
inauguración de la exposición. Este proyecto, en
comparación, fue sumamente corto, ya que entre la
entrega del presupuesto y el visionado privado sólo
transcurrieron tres semanas.
Después de su visita al centro Mike y Martin buscaron
buenas referencias visuales para inspirarse.
Hojeando su colección de libros y revistas de
arquitectura, que abarca diferentes disciplinas de
diseño espacial, incluidos el diseño de tiendas,
comercial y de exposiciones, buscaron métodos y
materiales de construcción que les inspirarán. Como
parte de su investigación Inicial, Mike y Martin
también estudiaron la arquitectura del edificio,
buscando elementos estructurales existentes que
pudieran influir en el diseño y ser utilizados para
anunciar la exposición a los transeúntes.
Consideraron utilizar los listones exteriores, pegar
adhesivos en las ventanas y colgar carteles de los
soportes

Mike considera que estas páginas en las que aparece

un espacio de exposición en la revista internacional
de interiores Frame fueron una "imagen clave" en su
investigación. Atraído por la construcción básica y
estética, sin refinar, Mike se dio cuenta de las
posibilidades de este tipo de estructura, considerando
el potencial de utilizar un entramado abierto como
"estantería para el texto o para colgar las obras".

Diseñar para organizaciones benéficas - Tono de

voz - Un aspecto importante en casi todos los diseños
es encontrar y proyectar un tono de voz adecuado
(identidad de la marca), pero esto adquiere una
relevancia particular cuando el cliente es una
organización benéfica. El diseño gráfico desempeña
un valioso papel en el sector de la beneficencia y, en
la mayoría de los casos, se utiliza para comunicar
problemas, dar publicidad a campañas y pedir apoyo.
Todavía persiste la percepción de que el diseño
gráfico puede constituir un despilfarro para una
organización sin ánimo de lucro que recauda fondos,
pudiendo transmitir un mensaje erróneo sobre sus
cuentas y sus prioridades. Aunque deseen la
confianza que puede generar un buen diseño, las
organizaciones benéficas pueden querer evitar
proyectar una imagen que podría ser interpretada
como demasiado empresarial o pulida, o alejada de la
realidad de la causa que representan. Bond and
Coyne han creado una identidad visual característica
para War on Want (guerra contra la necesidad), que
Mike describe como "relativamente valiente", con
letras en negrita y colores de marca fuertes como el
rojo y el negro. Aunque resulta adecuada para la
naturaleza de las campañas de esta organización
benéfica, su imagen pública debe ser considerada
con sensibilidad. "Debemos asegurarnos de que no
les hacemos parecer militantes en ningún sentido."
Mike y Martin son conscientes de que su diseño para
War on Want refleja el compromiso de la organización
benéfica y no parece demasiado sofisticado ni pulido.
Por esta razón, han evolucionado hacia una estética
práctica y de baja tecnología en su trabajo para ellos:
"Cuando vemos el uso de un material, sabemos que
encaja con su marca". Es importante que el lenguaje
visual de War on Want sea coherente en todos los
diferentes actos y artículos que diseñan.
Pensaron en utilizar tarimas de madera como bases
para las estructuras independientes. "Nos habría
gustado utilizar tarimas de verdad, recuperados, pero
no tenían la calidad suficiente." Así pues, Steve
diseñó y construyó su propia base a partir de esta
idea. Se usó madera no tratada para transmitir la
sensación industrial poco pulida que estaban
buscando.
Se pretendía colocar las barras transversales al azar,
pero habrían terminado restringiendo demasiado la
colocación de las imágenes. En el diseño final, los
ángulos y posicionamientos de las barras
transversales de cada estructura fueron los mismos,
creando un entramado más consistente para colocar
las imágenes. Las fotografías también eran de
distintos tamaños y, una vez colgadas, se lograba
igualmente una sensación de aleatoriedad. Las
fotografías grandes siempre llegaban a dos
travesaños, de manera que era fácil colgarlas de
forma totalmente segura, pero para las imágenes
más pequeñas los diseñadores tuvieron que tener en
cuenta los puntos de contacto exactos entre las
imágenes y los refuerzos transversales.
Estos dibujos muestran el diseño de las estructuras
incluía barras horizontales, que no sólo reforzaban la
estructura sino que servían como punto de sujeción
de las fotografías.

Diseño de exposiciones - En términos generales,

las exposiciones pueden clasificarse en tres
categorías principales: permanentes, temporales e
itinerantes. Cada una de ellas marca diferentes
requisitos y especificaciones de diseño. En el caso de
las exposiciones permanentes y de larga duración, el
diseño y la construcción deben ser duraderos. En el
caso de una itinerante, el diseño debe ser un
conjunto de piezas que se puedan montar en
diferentes lugares y se debe tener en cuenta la
logística y el precio del transporte. En este caso, una
exposición corta y temporal, Mike y Martin estuvieron
trabajando con un presupuesto pequeño y unos
plazos apretados que impusieron que el diseño fuera
eficaz económica y logísticamente. Con sólo un día
para instalar la exposición, tenían que sacar el
máximo provecho del período de tres semanas de
que disponían para el diseño y la producción.
Tuvieron que asegurarse de que su diseño se podría
desmontar también en un solo día. -Diseño en 3D -
Lo más habitual es que los diseñadores gráficos, y el
diseñador en 3D sean complementarios en el diseño
de una exposición, aunque este último tome el
mando. Esto especialmente, en las exposiciones de
grandes galerías o museos, donde el diseñador en
3D puede aplicar sus conocimientos especializados y
donde sus amplias responsabilidades pueden incluir
no sólo el diseño y la construcción del espacio, sino
también la organización y exposición de los objetos y
la implantación de la normativa de salud y seguridad.
Muchos diseñadores en 3D son arquitectos y su
trabajo puede incluir espacios estructurales
complejos. Conscientes de las dimensiones
pequeñas y de la naturaleza del espacio de
exposición en Richmix, Mike y Martin encargaron el
trabajo al diseñador en 3D y de productos Steve
Mosley.

Selección de las imágenes - Es muy poco habitual

que los diseñadores gráficos elijan las imágenes o los
objetos que deben incluirse en una exposición y que
tengan un papel de coordinación como el que
tuvieron Mike y Martin en este caso. Para ellos, que
les dieran este nivel de decisión en el contenido era
un reflejo de la confianza que habían construido con
War on Want. Mike comenta "Es el único modo en
que podía funcionar. Ellos saben que tienen apuros
con el presupuesto, el tiempo y los recursos
humanos, y en cuanto a la toma de decisiones
creativas tienen la confianza de saber que pueden
relajarse y dejarlo en nuestras manos". Aunque tanto
el fotógrafo como War on Want realizaron una
primera selección de las fotografías, Mike y Martin
recibieron ficheros digitales de cada imagen para
hacer su propia selección. Les dieron libertad no sólo
para elegir qué imágenes incluir, sino también para
decidir a que tamaño se debían imprimir. -
Presentación - En la mayoría de los proyectos de
diseño de exposiciones, los comisarios y los
diseñadores en 3D trabajan estrechamente en la
disposición de los objetos en exposición, que puede
ser ecléctica e incluir de todo, desde imágenes u
objetos estáticos a películas o experiencias
interactivas. Esta exposición era puramente
fotográfica, lo cual permitió a Mike y a Martin enfocar
la presentación de las fotografías de forma similar a
la composición de las páginas de un libro o una
revista. Elegir el título - En este punto, la exposición
todavía no tenía título. Mike y Martin creían que era
necesario que lo tuviera antes de empezar a
seleccionar imágenes. "Para nosotros, todo giraba en
torno al hecho de que a los niños se les arrebataba la
infancia. Así, sugerimos que ese fuera el tema: quitar
la infancia o impedir la infancia. Después de una
reunión que War on Want tuvo con Julio, decidieron
que el título sería Childhood, Interrupted (Infancia,
interrumpida)."

Martin fue el encargado de seleccionar y diseñar la

presentación de las imágenes. Intentando identificar
primero una historia, sobre el que basar su selección
y concepto de diseño, imprimió vistas en miniatura de
cada imagen para tener una visión general. El
proceso de edición de las doscientas imágenes
originales, hasta reducirlas a veintiocho, duró tres
días. En lugar de elegir por tema o historia, la
selección final de Martin estuvo orientada en gran
medida por las relaciones estéticas y los ritmos de los
colores y la composición que podía establecer entre
las fotografías.

Era esencial establecer la configuración de las

estructuras antes de poder empezar a plantear la
presentación de las fotografías. Cada hilera estaba
formada por varias estructuras. Mike explica que "lo
plantearon como páginas de una revista" al ir
considerando qué imágenes poner una al lado de
otra.

Por la forma en que las estructuras estaban

construidas, las imágenes no podían colocarse en
cualquier lugar. Cada una debía fijarse de forma
segura en los travesaños, pero además la naturaleza
"transparente del diseño hacia necesario considerar
el posicionamiento de las imágenes tanto desde
delante como desde detrás. La alineación
compensada de anversos y reversos creaba una
composición asimétrica y dinámica, que invitaba al
visitante a moverse por todo el espacio e ir
descubriendo las imágenes mostradas en los lados
de las estructuras.
El fotógrafo, estuvo contento de que Mike y Martin
decidieran la selección, la secuencia y el tamaño de
su trabajo. "Creo que en algunas de sus exposiciones
anteriores simplemente tomaban sus fotografías y las
colgaban en la pared. Parecía emocionado al
comprobar que nosotros tratábamos sus fotografías
de un modo diferente." Los plazos para tener las
imágenes impresas, montadas y entregadas a tiempo
eran muy apretados. En proyectos anteriores, Mike y
Martin habían comprobado la precisión de los colores
de las impresiones fotográficas, pero en este caso
"no tuvimos el lujo de disponer de tiempo". En lugar
de eso, el fotógrafo les pasó los ficheros en alta
definición y con balance de color.

Afirma Mike "Tuvimos que hacer que el espacio de la

exhibición se viera desde los bares y cafés del piso
inferior, y sabíamos que para conseguirlo debíamos
hacer un diseño gráfico llamativo". Eso les llevó a la
idea de crear letras para el panel del título de la
exposición. "Las unidades modulares son realmente
como un entramado en 3D.

La tarea de dibujar las letras a medida recayó en

Mark, que empezó trabajando en dos versiones. Una
era tridimensional, pero Mark Cambió la perspectiva
de modo que el punto de vista fuera más bien plano.
Esta visión aplanada de las letras simplificaba las
letras, pero conservaba el detalle gráfico de las juntas
de las estructuras en 3D superpuestas. Esta decisión
se tomó bastante apresurada en el proceso de
diseño, ya que desde la preparación de los primeros
dibujos hasta la entrega de las letras acabadas en
Illustrator pasó sólo una tarde. Aunque Mark creó
solo las letras necesarias para el título, afirma:
"Hubiéramos podido seguir y hacer todos los
caracteres".

Por casualidad, la pared del entrepiso estaba pintada

en rojo. Fue "pura casualidad" que ese rojo se
pareciera tanto al rojo de War on Want. Colocando las
letras diseñadas para la ocasión sobre el rojo,
explotaron esta coincidencia y utilizaron la repetición
del color para puntuar el espacio y llevar a los
visitantes a través de la exposición. "Queríamos algo
relativamente cerca del borde del entrepiso y
sabíamos que teníamos que poner algo enfrente de
la gente para atraerla cuando subiera las escaleras."
Mike y Martin se encontraban en situación de poder
decidir no incluir pies de foto en las imágenes de la
exposición. Consideraron que no eran necesarios
porque la naturaleza directa de las fotografías hacía
que cualquier información complementaria fuera
innecesaria. Desde el punto de vista del diseño
gráfico, Mike reconoce que "fue una ventaja que
pudiéramos colocar el texto en una única zona en
lugar de tenerlo repartido por toda la exposición",
evitando así un excesivo desorden visual.
Diseño gráfico de la exposición En la mayoría de
los proyectos de diseño de exposiciones, el papel del
diseñador gráfico es desarrollar el lenguaje y la
identidad visual del acto, manteniendo siempre un
diálogo con el diseñador en 3D y los comisarios de la
exposición. Ello puede incluir todos los elementos
gráficos de la exposición, desde los paneles de
información, las etiquetas y rótulos de los objetos,
hasta los correspondientes materiales impresos,
catálogos y folletos de la galería. Crear una identidad
visual llamativa para esta exposición era importante
para llamar la atención y atraer a los visitantes hacia
el espacio de arriba, que podía pasar fácilmente
inadvertido. - Acceso y no exclusión. Los
diseñadores también deben tener en cuenta
cuestiones como el acceso y la no exclusión. En el
Reino Unido, la ley contra la Discriminación por
Razón de Minusvalía establece claramente que los
espacios y la información en el ámbito público deben
ser accesibles para todo el mundo. En el diseño
gráfico de exposiciones, esto significa tener en
cuenta las fuentes, el tamaño y el espaciado de las
letras, así como el color y la altura a la que se
cuelgan los textos. También puede significar
considerar formatos alternativos de transmisión de la
información, incluyendo imágenes en movimiento y
sonido. El blanco y negro es la combinación de color
más legible y cualquier combinación alejada de esta
reduce la legibilidad, en cuyo caso el diseño deberá
compensarlo de otras formas. Uno de los retos que la
DDA lanza a los diseñadores gráficos es cómo evitar
que los resultados parezcan demasiado similares.
Otras consideraciones que afectan a la accesibilidad
incluyen la altura y visibilidad de los objetos y la
iluminación. Los diseñadores en 3D, los diseñadores
gráficos y los comisarios comparten la
responsabilidad de cumplir con estos requisitos.

Instalación de la exposición - Gestionar el proyecto

del diseño de una exposición requiere una
planificación y una coordinación minuciosas. Una vez
que el concepto ha sido desarrollado y el diseño
representado en los planos, la construcción debe
tener en cuenta los plazos de realización de las
diferentes fases del proyecto. El diseño y la
construcción deben ir de la mano para ser
completados dentro de un plazo de tiempo concreto.
La mayoría de las decisiones relativas a cómo colgar
e instalar los diferentes elementos, así como la
colocación de los objetos, se toman de antemano. En
una galería, los objetos suelen ser prestados y se
marcan ciertos requisitos y condiciones, como la
distancia a la que deben estar del espectador. La
instalación puede ser un proceso largo y pesado, ya
que colgar objetos valiosos exige precisión y cuidado,
y a menudo llevar guantes blancos. Las grandes
galerías o instituciones tienen un equipo de
instalación interno, pero en este caso esta tarea
recayó en Steve y su socio, que trabajaron junto con
Mike y Martin. - Preparación de las fotografías - Las
fotografías llegaron al lugar de exposición el mismo
día en que se debían colgar, y la principal
preocupación de Mike en las fases finales del
proyecto era que llegaran a tiempo y que fueran de
buena calidad. Decidieron realizar las fotografías en
impresión Lambda, que utiliza tecnología láser para
producir impresiones fotográficas a partir de archivos
digitales aporta una mayor nitidez y precisión del
color que con otros procesos de impresión. Las
impresiones fotográficas se pueden montar sobre
Foamex rígido, o imprimirse directamente sobre
cartón, MDF o aluminio.

Mike y Martin fueron los responsables de organizar y

presupuestar todos los aspectos de la exposición,
incluida la impresión de las fotografías. "El
presupuesto tenía que cubrirlo absolutamente todo, la
impresión, el montaje y la entrega de las fotografías,
todos los materiales, la construcción, las horas de
Steve y también el velcro para colgarlo todo."

Inauguración de la exposición. La exhibición

privada suele ser la primera vez que los diseñadores
ven su exposición en funcionamiento y llena de
público.. A Mike le gusta ver el espacio animado por
los visitantes: "Es el típico momento en que la gente
te felicita, y aunque lo hicimos entre todos, fui yo
quien tuvo el momento de gloria", - Para su cliente, la
exhibición privada ofrece una buena proyección en la
prensa y oportunidades de hacerse publicidad, y
representa una forma directa de informar sobre los
cambios positivos que logran las organizaciones
benéficas. Para este acto, War on Want trajo a una de
las chicas guatemaltecas beneficiaria del proyecto en
Londres. Ello contribuyó en gran a hacer reales a las
personas y las vidas que el proyecto ha cambiado, y
a mejorar el conocimiento y la concientización del
trabajo que realiza War on Want. Esto fue importante
para las personas que les apoyan y también para los
políticos y los que elaboran las políticas, que fueron
invitados por War on Want para apoyarse en su
influencia y presionen para cambiar las Cosas.
La exposición se ajustó al presupuesto y a los plazos
pero, como afirma Mike, "no podía ser de otra forma".
Aunque estas limitaciones añaden presión, Bond and
Coyne disfrutan con este tipo de trabajos, tanto por el
valor que tienen para War on Want como por la
oportunidad que representan de probar cosas. "Si
existe un tipo de proyecto en el que estemos
dispuestos a invertir, es en este. De hecho, nos
hubiera gustado invertir más en ello y cobrar menos
dinero nosotros, pero en realidad contamos una
cantidad para cubrir nuestro tiempo, hasta cierto
punto, y el resto lo gastamos en la producción,
porque siempre quieres tener los mejores resultados
posibles." - Mike admite con satisfacción: "Estamos
realmente satisfechos con los resultados, y el cliente
también. Creo que quedaron impresionados con lo
que fuimos capaces de hacer con el espacio y el
presupuesto que nos habían dado. El centro dijo que
nunca antes había visto un uso más exitoso de ese
espacio. También pudimos desarrollar nuestra
relación de colaboración con Steve. Vamos a seguir y
a intentar encontrar juntos más trabajos de este tipo,
probablemente a una escala mayor".

Como diseñadores habituales de War on Want, Mike

y Martin son conscientes de la posibilidad de que este
acto permanezca vivo más allá de las fechas de la
exposición: "Nos aseguramos de guardarlo todo
fotográficamente para tener material por si surgen
nuevas oportunidades de utilizarlo".

Como diseñadores habituales de War on Want, Mike

y Martin son conscientes de la posibilidad de que este
acto permanezca vivo más allá de las fechas de la
exposición: "Nos aseguramos de guardarlo todo
fotográficamente para tener material por si surgen
nuevas oportunidades de utilizarlo".