Historia de la música

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Historia de la Música. Hace
alrededor de 51 mil años o más
nuestros antepasados inventaron
la música, tribus nómadas
descubren los encantos de la
vida sedentaria. Se afincan en
valles fértiles o fundan pueblos y
luego ciudades. Los pobladores
de algunos valles como el Tigris
y Éufrates, Nilo, Río Amarillo...
fueron los primeros en muchas
cosas: metales, carros de Concepto: Historia de la música.
ruedas, escrituras, aritmética y
música.

Sumario
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 1 Origen de la música
 2 La música en la antigüedad
o 2.1 Clasificación de instrumentos musicales primitivos
 3 La música en la Edad Media
 4 La música en el Romanticismo
 5 Postromanticismo
 6 La Música en el Siglo XX
 7 Desarrollo en la Tecnología
o 7.1 Música Electrónica
 8 Fuentes

Origen de la música
La música tiene su origen en la búsqueda de lenguaje, esto es en la necesidad de
comunicación, las teorías etnomusicológicas formuladas sobre todo a partir del
último tercio del siglo XIX que han tenido que ampliar significativamente en nuestra
centuria el marco cronológico a la hora de determinar la antigüedad del fenómeno
musical del hombre: su capacidad de distinguir diferentes alturas de sonido y la
facultad de proceder a la ordenación de estos, nos remontan a hace unos 40 000
años, cuando el Homo Sapiens era capaz de imitar los sonidos de la naturaleza y
diferenciarlos de los que constituían la estructura de su lenguaje, fue entonces con
el llamado Homo musicus cuando comenzaron a perfilarse las primeras
expresiones musicales asociadas a un hecho colectivo, rituales funerarios,
cacerías y ceremonias vinculadas a la fertilidad, formaban parte de una
cotidianidad de la que la música había entrado a formar parte por derecho propio.

Estudiosos como Leo Frobenius y Constantin Brailoiu nos recuerdan que el

hombre, que concebía el cielo como una bóveda de piedra, deseaba dominar la
emisión de sonidos para que resonara en él todo su territorio.

La música en la antigüedad
Es aquella en la cual las manifestaciones musicales del hombre consisten en la
extereorización de sus sentimientos a través del sonido emanado de su propia voz
y con el fin de distinguirlo del habla que utiliza para comunicarse con otros seres.

Los primeros instrumentos fueron los objetos o utensilios o el mismo cuerpo del
hombre que podían producir sonidos.

Clasificación de instrumentos musicales primitivos

 Autófonos: aquellos que producen sonidos por medio de la materia con que
la que están construidos.
 Membranófonos: serie de instrumentos más sencillos que los construidos
por el hombre. Tambores: hechos con una membrana tirante, sobre una nuez
de coco, un recipiente cualquiera o una verdadera y autentica caja de
resonancia. *Cordófonos: de cuerda, el arpa.
 Aerófobos: el sonido se origina en ellos por vibraciones de una columna de
aire.

Uno de los primeros instrumentos: la flauta (en un principio construida por un

hueso con agujeros).

La música en la Edad Media

La música en la Edad Media se divide en el Período Patrístico (hasta el año 840).
En el Romántico (año 840 hasta el año 1250 en el siglo XII). En el Gótico (1250 a
fín de la Edad Media y 1453, fines del siglo XV). En el Período Patrístico apareció
la Era Cristiana y la Era Media, en esta última la Historia de la música se encuentra
íntimamente ligada a la forma en que se desarrolló la liturgia cristiana, ya que se
consideraba a la música el vehículo por medio del cual los sacerdotes elevaban la
palabra a Dios.
Las diversas formas musicales utilizadas en la liturgia cristiana debieron enfrentar
la existencia de textos y melodías profanas que trataron de penetrar en los oficios
religiosos. Los personajes de la música profana dedicados a la disposición de esta
música fueron:

1. Juglares: músicos ambulantes y plebeyos que divertían en fiestas y

castillos.
2. Los Trovadores: pertenecían a la nobleza y eran músicos y poetas que
inventaban rimas y ritmos.
3. Los Bardos: antecesor de los trovadores que cantaban proezas de sus
héroes valiéndose del laúd.
4. Los ministeriles: verdaderos productores musicales que administraban
música y formaban corporaciones o gremios dedicados a brindar
espectáculos musicales.

En el año 374 a 397 San Ambrosio reunió aquellos signos que debían ser

aceptados en un credo antifonario naciendo así el Canto Ambrosiano. En
el 540 al 604 San Gregorio Magno recopila himnos eliminando los que tenían
origen popular o pagano, dando nacimiento al Canto Gregoriano. Desde su
nacimiento la música cristiana fue una oración que se tenia que cantar con
devoción tal como lo decía San Pablo “Cantando a Dios con vuestro corazón”, así
pues el texto es la razón de ser del canto gregoriano ya que “el que canta reza dos
veces”.

La melodía del canto gregoriano asimila 3 estilos diferentes:

 El Silábico: cada nota representada por una silaba.

 El Neumásico: una misma silaba corresponden a 2, 3 ó 4 sonidos
diferentes.
 Las Secuencias: intercalación de un texto en las notas del aleluya.

El texto es el que da sentido a la melodía y no se puede concebir el canto

gregoriano sin texto, lo que quiere decir que al interpretar el canto gregoriano, los
cantantes han tenido que entender muy bien el sentido del texto. Esta música se
canta a capella sin acompañamiento instrumental, se canta al unísono o lo que es
lo mismo todos los cantores entonan la misma melodía. A esta forma de canto se
le llama Monodia. Se canta con ritmo libre.

La música en el Romanticismo
La palabra Romántico comenzó a utilizarse hacia mediados del siglo XVI. En los
últimos años del siglo XVII, comienza como una reacción contra el clasicismo.

Dentro de los conceptos de un alto idealismo, el romanticismo no solamente

acepta si no alienta la sobreposición de extremos opuestos: amor a la soledad del
individuo y a la vez amor al prójimo; un disfrute de lo exótico junto a una nostalgia
por lo familiar; una afición a lo novedoso y al desarrollo junto con ansia por el
pasado.

El romanticismo es claramente universal y de todo los tiempos y no puede limitarse

a solo un período de la historia. Por una parte, la nueva sociedad del siglo XIX, hija
de las ideas de la revolución francesa, desea liberarse del pasado y, así, conseguir
un arte que exprese el comportamiento y las ideas de su tiempo.

A medida que avanza el siglo XIX, hay una gran influencia, que va creciendo, cada
vez más, de la literatura en la música: en Alemania los poemas de Wolfgang Von
Goethe y Friedrich Von Schiller, fueron utilizados por Schubert, Schumann,
Brahms, etc., para producir una de las manifestaciones musicales-poéticas más
importantes de todos los tiempos, el Lied Alemán. Asimismo escritores franceses y
británicos fueron los inspiradores de diversas obras de Beethoven, Berlioz, Verdi y
otros.

El romanticismo supone el desarrollo de los nacionalismos. Esto se nota en la

acentuación de las diferencias entre los estilos musicales nacionales, y llega a
venerarse a la canción popular como expresión espontanea del alma nacional.

También aparece el drama musical. Hay un sentido profundo y definitivo del

“colorido” sonoro, lo que permite enriquecer el vocabulario musical con los medios
que transforman y amplían el arte sinfónico de los tiempos modernos.

El siglo XIX será el siglo del Piano, gracias a sus posibilidades polifónicas, sonoras
y de virtuosismo extraordinario.

Postromanticismo
Los finales del siglo XIX, y los comienzos del siglo XX fueron testigos de las
últimas etapas del romanticismo, y de la transformación del lenguaje romántico en
el nuevo lenguaje musical. Este movimiento se produjo principalmente
en Alemania. Sin embargo dos fuerzas desafiaban la posición musical en
Alemania. Una era el nacionalismo, y la otra era el surgimiento de una nueva
escuela de composición en Francia. Los últimos 30 años del siglo XIX fueron
relativamente pacíficos en Europa, el comienzo del siglo XX se caracterizo por un
creciente desasosiego social y un aumento de la tensión internacional (La Primera
Guerra Mundial). En el reino de la música hubo tensiones e inquietudes similares,
y durante estos años, concluyó el período clásico-romántico. Uno de los rasgos
característicos de este período en Alemania fue una resurrección del interés por la
Opera sobre el cuento de hadas.

 Richard Strauss (1864-1949), compositor y director de orquesta alemán, y

uno de los orquestadores y polifonistas modernos más excepcionales. Su obra
puede dividirse en 3 periodos: en el primero creo su Sonata para violonchelo y
piano.

En el segundo período perfeccionó el poema sinfónico y creo su famosa obra “Don

Juan”, al Tercer Período pertenecen sus operas “Salome” y “Electra”.

La Música en el Siglo XX
Para comprender la música en el siglo XX, es importante acercarse primero a la
del siglo XIX, y en especial a una corriente llamada impresionismo. Esta corriente
supone una autentica liberación, se va a luchar por una música más individual y
personal, saliéndose para ello de las normas establecidas, la música impresionista
pretende destacar el impacto que provoca la obra al ser escuchada. Se aplican
nuevos acordes, colores y sonoridades. En esta música el sonido va a constituir el
alma de la música.

Claude Achille Debussy.Compositor francés

 Claude Achille Debussy(1862-1918), nacido en Francia generó ideas

completamente nuevas en la forma, la orquestación y fue uno de los
renovadores más eficaces de la Historia de la música en el mundo occidental.

A partir de la ruptura que supuso el impresionismo, el panorama artístico europeo,

lo mismo en arte que en música va a cambiar enormemente. Cada músico tiende a
crear su arte independiente, además los diversos estilos se irán sucediendo a gran
velocidad.
Archivo:Igor-stravinsky.jpg
Igor Fiódorovich Stravinsky.Compositor,Pianista y Director de orquesta

 Igor Fiódorovich Stravinsky(Игорь Фёдорович Стравинский)(1882-1971),

una de las figuras más importantes del siglo XX. Toco en su obra los aspectos
más variados, investigo en todos los aspectos de la música, se subió al carro
del neoclasicismo donde trata de acomodar su música a la de la finales de
barroco.

Si hay algo que caracteriza al siglo XX es la ruptura con la tonalidad “Atonalismo”.
Esta regla consiste en crear una Músicacompletamente distinta, obviando las
reglas que rigieron durante siglos de ceñirse a una tonalidad. Primero se rompe
con la armonía, luego con la melodía, el ritmo y con todo lo establecido.

 Bela Bartok de Szuhafő(szuhafői Bartók Béla) (1881-1945), músico

húngaro, es uno de los músicos que más va a influir en la música del siglo XX.
Bartok consigue unir la música moderna con la tradicional, creando un lenguaje
nuevo.

Mientras tanto en Italia aparecen una serie de músicos que incorporan a su

música, nuevos objetos sonoros: la incorporación de ruidos. Esta corriente se
llamo Futurismo y afecto tanto a la música como a la literatura y al arte. El
futurismo pone como punto de partida el ruido, no el sonido. En Francia mientras
tanto, surgió paralelamente el Bruitismo (del francés Bruit, ruido), que parte de ese
mismo punto.

Desarrollo en la Tecnología
Música Electrónica
La primera manifestación de la música asistida por medios electrónicos es
la Música concreta. Esta música parte del ruido o de los sonidos naturales, al igual
que el futurismo. En 1952, se crea en Alemania el primer estudio exclusivo de
música electrónica. Esta música esta exclusivamente creada con sonidos
producidos electrónicamente y parte de lo que se llama “tono sinusoidal”, un
sonido puro, sin armónicos, que es físicamente desagradable y que hay que
elaborar con aparatos muy complicados.

Entre las primeras obras puramente electrónicas se encuentran Study I y II del

compositor alemán Stockhaussen.

Sin embargo la música electrónica creó descontento en los compositores desde el

principio ya que aunque permitía un control exacto y una precisión absoluta sobre
la obra, este resultaba pobre y parecía carecer de vida. Por ello, muchos
compositores unieron la música concreta y la electrónica, para crear un género que
goza de gran popularidad desde entonces y hasta hoy en día, la música
electroacústica.

El vertiginoso desarrollo de la tecnología a partir de la Segunda Guerra

Mundial trajo como fruto la incorporación de sintetizadores y a la música creada
por computador o música cibernética.

En nuestros días, el panorama musical mundial se caracteriza por un pluralismo

cultural y por la irrupción de las culturas y músicas populares en la vida diaria de
todos. El abismo entre compositor y público es hoy más acusado que nunca y la
música “culta” parece haberse distanciado de los gustos y preferencias del público,
más interesados por las músicas más populares y cercanas, tales como el rock el
pop, etc... A pesar de todo esto no parece probable un cambio de la magnitud que
la música viene experimentando a lo largo de todo el siglo XX. Para que la música
cambie, parece que antes el mundo debe cambiar de nuevo...

Música de Venezuela
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 Primera edición de la zarzuela Alma Llanera, compuesta por Pedro Elías Gutiérrez con textos
de Rafael Bolivar Coronado. El tema musical homónimo Alma Llanera es hoy considerado como el
segundo himno de Venezuela

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Fracción instrumental de Alma Llanera.

La música de Venezuela se caracteriza por mezclar elementos españoles, indígenas y

africanos, típico de ser perteneciente a un pueblo predominantemente mestizo. El género
más representativo del país es el valse y el joropo, que utiliza instrumentos como el cuatro,
el arpa, las maracas y la bandola. El joropo es una forma rural que se originó en
los Llanos y el ritmo ha llegado a consagrarse como la música de identidad nacional, hasta
el punto que se le da la denominación en el exterior a los venezolanos como llaneros. En
Venezuela existen varios estilos de música popular, como la salsa y merengue, que son
comunes a sus vecinos del Caribe.

Índice

 1Música folclórica
o 1.1Gaita zuliana
o 1.2Joropos
o 1.3Merengue venezolano
o 1.4Vals venezolano
o 1.5Música andina
o 1.6Calipso Guayanes o de El Callao
o 1.7La Onda Nueva
 2Música afrocaribeña
o 2.1Otros géneros del folklore
 3Música pop y rock
 4Música clásica
 5Música vallenata
 6Músicos venezolanos
 7Véase también
 8Escuelas y Academias
 9Referencias
 10Bibliografía
 11Enlaces externos

Música folclórica[editar]
Categoría principal: Música folclórica de Venezuela

Gaita zuliana[editar]
Es una música muy popular en Venezuela es la Gaita. Este género, originado en el
estado Zulia, es muy popular durante la época navideña. La gaita, unida al aguinaldo,
conforman la representación nacional de la Navidad venezolana. Esta música folklórica es
una de las principales en este país. Existen varios tipos de gaitas.

Estatua en homenaje al gaitero Ricardo Aguirre en la ciudad de Maracaibo

El cantautor Ricardo Portillo en el Amanecer Gaitero de 2012

Gaita de Furro

 Tiene un esquema rítmico de 6x8. Es el género musical zuliano más difundido a

escala nacional. La instrumentación con la que tradicionalmente se ha acompañado
esta gaita: Cuatro, maracas, charrasca, tambora y el instrumento básico el Furro,
(también conocido antiguamente como Mandullo) descendiente directo de la
zambomba española.
La temporada gaitera originalmente estaba comprendida entre la víspera del Día de la
Chinita, el 18 de noviembre, este inicio de las gaitas se conocía tradicionalmente como la
Bajada de lo Furros y se prolongaba hasta el 2 de febrero, día de la Candelaria, en el cual
tenía lugar la Subida de lo Furros, es decir se guardaban los instrumentos hasta que
llegara nuevamente la fecha de inicio de la temporada.
Gaita perijanera

 Carece de estribillo fijo, siendo este el motivo por el cual un grupo de

investigadores no la aceptan como gaita alegando que es requisito indispensable de
esta la presencia de un estribillo fijo.
Se turnan todos los asistentes con «versos espontáneos», (son estrofas de cuatro
octosílabos y el coro se repite el segundo y el cuarto después de que el solista los canta),
hombres y mujeres se toman de la mano y hacen círculo alrededor del grupo de músicos,
el círculo avanza e incluso se rompe y se hacen diversas figuras entrecruzándose en el
transcurso del baile.
Gaita a Santa Lucía En la parte Norte de Maracaibo, concretamente en Santa Rosa de
Aguas, El Moján, Sinamaica y sitios cercanos, se ha encontrado un canto al cual los
habitantes de estos sitios le llaman «Gaita a Santa Lucía», y le han conocido en esa
denominación a lo largo de muchas generaciones.
Se canta en modos mayores y según algunos informantes, tradicionalmente se ha cantado
acompañada de: cuatro, charrasca, maracas y furro, no habiéndose incluido la tambora
sino hasta después de la llegada del «Chimbanguele» (del Sur del Lago) a estos sitios.
En toda la zona norte solo se ha encontrado este estribillo:
Canten muchachos con alegría
Que esta es la gaita de Santa Lucía,
Gloria demos a Santa Lucía
Los versos, son generalmente improvisados y tienen la característica de que
el coro responde al revés a lo que el solista dice, por ejemplo:
Solista: Los ojitos de Lucía, parecen dos paraparas…
Coro: Parecen dos paraparas, los ojitos de Lucía…
Se canta en honor de Santa Lucía, generalmente para pagarle
promesas, se confeccionan hermosos altares donde se le rinde culto
con música y oraciones en un novenario comprendido entre el 12 y el
21 de diciembre, (el día de Santa Lucía es el 13), sin embargo, las
gaitas se prolongan más allá de esa fecha.
Gaita de tambora

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Música Tambor del Estado Zulia en el Culto a San Benito de Palermo,
Venezuela.

 Es la evolución del canto de faena femenino; (en el pilón, en la

piedra de moler, en la tabla lavando el río, frente al fogón) las
esclavas eran utilizadas para el trabajo en el hogar y este canto
en el trabajo, es canalizado por los valores culturales Africanos y
logra florecer hasta enfrentarse al urbanismo, quien la reduce a
una simple actividad que se realiza una o dos veces al año.
Se caracteriza porque presenta una tambora con parche en ambos
extremos, sujetos con cáñamo o mecates; y un tamborito igual al
medio golpe del chimbanguele.1
Tamborera Llamada por el cronista e investigador Juan de Dios
Martínez como «La 5.ª gaita», es ciertamente el quinto subgénero de
la gaita zuliana. Surge a principios de la década de 1970 como
resultado de la fusión de la gaita de tambora y los chimbángueles de
San Benito. Su creador fue el célebre cantautor gaitero Nelson
Martínez (1950-1999) (El Rey de las Tamboreras) de la mano con
el Gran Coquivacoa, agrupación gaitera en la cual formaba filas. Su
ritmo es de 2x4 y se ejecutó inicialmente con cuatro, furro, tambora,
charrasca y maracas. Prontamente se le adicionaron el bajo, el piano,
la guitarra eléctrica, las congas, el bongó, el cencerro y hasta metales
(trompeta, trombón y saxofón) y timbales, por cuanto a finales de los
1970 y principios de los 1980 la gaita tamborera fue arropada por la
influencia musical caribeña, en especial de la salsa, todo ello liderado
por los conjuntos gaiteros vanguardistas como Estrellas del
Zulia, Guaco, Santa Anita, Melody Gaita y, por supuesto, Gran
Coquivacoa. La temática es variada y no tiene una temporada
especial para su ejecución.
Joropos[editar]

Interpretación del contrapunteo de Florentino y el Diablo. Caracas, 2006.

Golpe tocuyano o joropo larense.

Artículo principal: Joropo

Joropo Llanero
Manifestación musical oriunda de los
estados Apure, Barinas, Cojedes, Guárico, Portuguesa también
presente en la parte centro-sur de los estados Anzoátegui y Monagas.
De la misma forma, el joropo llanero forma parte de la tradición
folklórica de los departamentos del Meta, Arauca, Vichada y Casanare
en la vecina Colombia. La palabra «joropo» viene del arábigo «xarop»
que significa «jarabe» y está emparentado con los jarabes tapatíos y
sones jarochos de México.
Este tipo de joropo ha sido el más difundido y exitoso comercialmente.
Es interpretado con cuatro, maracas y bandolallanera (cuatro
cuerdas). El Joropo llanero puede ser dividido en pasaje y golpe.
Mientras el pasaje es un género más lírico, el golpe es un género
mucho más recio y rápido. Mientras el golpe usa temas heroicos y
patrióticos, el pasaje le canta al amor y al paisaje llanero.
Entre las especies musicales se pueden citar los siguientes
golpes: Pajarillo, Quirpa, Carnaval, Seis por
derecho, Quitapesares, Guacharaca, entre otros. Algunos pasajes
famosos son Fiesta en Elorza, Caballo Viejo, Traigo polvo del
camino, Romance en la lejanía, La Potra Zaina, Apure en un viaje,
entre otros.
Se ha encontrado en los últimos años con preocupación, que la forma
de vestirse para bailar joropo ha sido invadido sutilmente por vestidos
muy cortos y estilos que poco a poco han desplazado al vestido
floreado y largo tradicional venezolano. Este se ha ido sustituyendo
por uno corto (como el de la imagen) que aunque sigue siendo
colorido, no tiene ninguna relación con el vestido que se ha usado
tradicionalmente. Dicho estilo ha sido adoptados por las jóvenes
ejecutantes y bailarinas.
Otro detalle usado por los cantantes de música llanera en la
actualidad es la bufanda o ruana, accesorios que no forman parte de
la tradición llanera de Venezuela, sobre todo en Guárico, Apure,
Portuguesa y Cojedes; ya que Barinas por su cercanía con los Andes
Venezolanos tienes variantes climáticas distintas a los otros estado
llaneros Venezolanos. (fuente Lic. Vidal Stanly León)
Joropo Central o Joropo Tuyero
Joropo característico los estados de Aragua y Miranda, y de la zona
oriental de Carabobo y norte de Guárico (Venezuela). Mientras que el
joropo llanero se entona con bandola llanera, cuatro y maracas, el
tuyero se entona con arpa, maracas y buche (voz). Al mismo tiempo,
mientras el arpa tuyera usa cuerdas métalicas y de nailon, en el arpa
del joropo llanero todas las cuerdas son de nailon. Otro punto
distintivo entre el joropo tuyero y el llanero es el hecho que en el
primero, el que canta es el mismo que ejecuta las maracas. La pieza
más característica del folklore tuyero, «La revuelta tuyera», consta de
cuatro secciones: La exposición (pasaje), el desarrollo (yaguaso y
guabina), la coda instrumental (llamada «Marisela») y un final
conocido como «La llamada del mono». Los pasajes tuyeros más
famosos son «El Totumo de Guarenas» de Benito Canónico, «El
ermitaño» de Mario Díaz, «Amanecer tuyero» de Cipriano Moreno y
Pablo Hidalgo y «El gato enmochilado» de Fulgencio Aquino.
Joropo oriental
Joropo característico de la región nororiental de Venezuela,
específicamente de los estados Sucre, Nueva Esparta y Norte de
Anzoátegui y Monagas. En este particular tipo de joropo el
instrumento melódico por excelencia es la mandolina o bandolín. No
obstante, la bandola oriental (ocho cuerdas de Nylon), el violín, la
armónica y un pequeño acordeón llamado «cuereta» también tienen
un papel primordial en el folklore musical oriental. El llamado joropo
con estribillo se compone de dos secciones: la primera sección o
«golpe» es tradicionalmente una melodía fija en ritmo 3/4 que es
repetida dos o más veces; la segunda sección o «estribillo» es una
melodía improvisada sobre un ciclo armónico fijo que está a ritmo 6/8.
Cabe destacar que en el joropo oriental, el cuatro y las maracas son
ejecutados de una manera mucho más libre y compleja que en el
resto de los joropos venezolanos. De la misma manera, es importante
mencionar que la tradición musical de la región oriental de Venezuela
posee muchas otras formas aparte del joropo oriental.
Joropo guayanés
Joropo resultado de la interacción de llaneros y orientales en el estado
Bolívar, específicamente en Ciudad Bolívar la antigua Angostura. Es
ejecutado con bandola guayanesa (ocho cuerdas metálicas), cuatro y
maracas. «El seis guayanés», «la Josa» y «el rompe luto» resaltan
entre los joropos guayaneses más famosos.
Golpe tocuyano o joropo larense
Joropo oriundo de la región centro-occidental de Venezuela,
mayoritariamente de los estados Lara y Yaracuy. Es interpretado por
una variedad de cordófonos (cuatro, medio cinco, cinco y seis), que
junto con tambora y maracas producen una sonoridad única entre los
joropos venezolanos. Carota, Ñema y Tajá es el conjunto musical más
prolífico en la interpretación de este género. Famosos golpes
tocuyanos son Amalia Rosa, Gavilán tocuyano y Ramoncito en
Cimarrona.
Joropo andino
Joropo principalmente ejecutado en el estado Táchira y Mérida. Este
tipo de Joropo tiene 2 formas básicas: El Corrido y El Galerón.
Generalmente el joropo andino es mas lento, mas adaptado al paisaje
montañés. Se toca con violín, mandolina, bandolín tachirense,
guitarra, cuatro y tiple. Joropos andinos famosos son el Pato bombiao,
Perra Baya, Guariconga y Molinera.
Merengue venezolano[editar]

Baile de merengue venezolano en la década de 1920.

En Venezuela existe una enorme gama de merengues -desprendidas,

en su origen rítmico, de la simplificación de las variadas fulías negras
de la costa central del país- que se pueden agrupar en tres grandes
grupos: el caraqueño, el oriental y el larense.
Siendo un género bailable, el merengue venezolano -y sobre todo el
caraqueño- tiene letras de corte costumbrista y picaresco, algunas de
ellas muy subidas de tono, que son el reflejo de las tradiciones, los
personajes y las historias de la época. Cuatro instrumentos solistas
conforman la orquesta que ejecuta el merengue rucaneao: trompeta,
trombón, saxo y clarinete; los cuales son acompañados por el cuatro,
el contrabajo, el redoblante y la charrasca de tapara. La rítmica fue
variando y del reglamentario compás de 2/4, organizado en dos
corcheas y un tresillo de negra, a fuerza de baile y sobre todo de
rucaneo, se llegó al singular compás de 5/8 (5 corcheas), extraña
medida que le da esa cadencia característica que lo diferencia de sus
primos caribeños.
Este merengue rucaneao -cuyo nombre compuesto remite a la
dulcería criolla venezolana: el primero realizado con claras de huevo y
azúcar; el segundo, conocido como rúcano, una golosina gelatinosa
hecha con tuétano de vaca y meladura de azúcar cuajada en forma
cónica (papelón)- era considerado por los conservadores de entonces,
una manifestación vulgar. Tal vez por lo acaramelado de su nombre,
por la impudicia de sus letras o por la forma de bailarlo, que requería
ciertos movimientos acentuados de las caderas y un acercamiento
muy estrecho de la pareja. Por la razón que fuere se prohibió tocarlo,
cantarlo o bailarlo en las casas de familia y salones de baile de
aquella gente respetable. Pero este ritmo de compás mocho, penetró
el gusto de los caraqueños que habitaban en parroquias como San
Juan, La Pastora o San José y fue ganando espacios más allá de los
mabiles (prostíbulos donde se bailaba y se tomaba). Esta forma
musical tuvo su mayor auge entre 1920 y 1940, gracias a los
«cañoneros» como eran conocidos aquellos músicos que sacaron el
merengue de esos locales nocturnos y lo llevaron a las plazas y los
templetes en épocas de carnaval y otras celebraciones populares,
recorriendo las calles acompañados de un artefacto llamado trabuco o
cañón, que no era más que un pequeño tubo de bambú relleno
de carburo de calcioy agua, al que hacían detonar (de ahí el nombre)
para anunciar los temas que iban a interpretar a continuación.
Finalmente, ya entrada la década de los cincuenta, los grandes
salones sucumben y abren sus puertas a este baile caraqueño, que
llegó de la mano de la orquesta de Luis Alfonzo Larrain. El Norte es
una quimera de Luis Fragachán, La pelota del Carey de Lorenzo
Herrera, Carmen la que contaba dieciséis años y Préstame tu
máquina de Balbino García animaron fiestas de matrimonios,
quinceañeras, graduaciones y demás jolgorios capitalinos de la
época, luego este estilo musical cayó en desuso. No obstante, gracias
a la contribución de compositores y músicos de la talla de Carlos
Bonnet, Luís Laguna, Pablo Camacaro, Cruz Felipe Iriarte, Otilio
Galíndez, César del Avila, Ismael Querales, Hely Orsini, Cristóbal
Soto, Adelys Freites, Cecilia Todd, Raquel Castaño, Lilia Vera, Jesús
Sevillano, Ana Cecilia Loyo, Simón Díaz, el Quinteto
Contrapunto, Ensamble Gurrufío, El Cuarteto, Gualberto Ibarreto, Los
Cañoneros y Los Antaños del Stadium entre otros el merengue
venezolano ha recobrado su merecido espacio en la escena musical
venezolana bajo la métrica de 5/8 la favorita de los músicos y
compositores de las últimas décadas.
Vals venezolano[editar]
Aun cuando el vals es un ritmo proveniente de los grandes salones
europeos de los siglos XVII y XIX, una nueva forma de valse surgió
durante la primera década del siglo XIX en Colombia, Ecuador y
Venezuela. Esta nueva forma de vals devino en un aceleramiento en
el ritmo lo que a su vez produjo vertiginosas formas coreográficas en
su baile. Mientras que en Colombia y Ecuador recibió el nombre
de pasillo, en Venezuela conservó el nombre de Valse o Vals
venezolano.
Asi, el vals ha adquirido los instrumentos típicos de cada región
venezolana para su ejecución. Aun cuando este género ha sido
cultivado mayormente en los Andes y en la región centro-occidental
de Venezuela, el vals ha tenido un papel preponderante en la música
regional del centro y oriente de Venezuela. En la región andina, el
violín y el bandolín son instrumentos solistas, acompañados de la
guitarra, tiple y cuatro. En Lara se ejecuta con violín, mandolina,
cuatro y guitarra. La melodía, generalmente en ocho compases, es
entrecortada e insinuante, rompiendo de forma atrevida con la métrica
europea y jugando con los silencios y compases de forma graciosa y
saltarina. Esta influencia del valse llega a los serenateros y
compositores románticos, quienes divulgaron ampliamente el vals-
canción. La estructura musical característica de los valses populares
consta de tres partes. Aun cuando muchos músicos firman sus
composiciones con sus nombres, la mayoría han dejado sus
creaciones en el anonimato.
Entre los más relevantes valses venezolanos de están, Dama
Antañona (Francisco De Paula Aguirre), El Diablo Suelto (Heraclio
Fernández), Conticinio (Laudelino Mejías), Brisas del Zulia (Amable
Espina), Pluma y Lira (Telésforo Jaimes), Como llora una estrella
(Antonio Carrillo), El Jarro Mocho (Federico Vollmer) y los
mundialmente aclamados valses de Antonio Lauro (Nº2 "Andreina",
Nº3 "Natalia" entre otros).
Música andina[editar]

Ensamble Gurrufío. De izquierda a derecha: Juan Ernesto Laya, David

Peña, Cheo Hurtado y Luis Julio Toro.

Bambuco andino
Siendo típicamente andino (estados Táchira, Mérida y Trujillo), este
género musical se localiza también en los estados Zulia, Lara y
Distrito Capital, encontrándose en éstos últimos bajo formas de
melodías románticas.
La sonoridad de la palabra «bambuco» evoca en la mente del oyente
cierta cercanía con las melodías africanas. Sin embargo, la realidad
es otra: el bambuco es un ritmo acompasado y cadencioso que tiene
su origen en España y América. Su profunda raigambre en el territorio
neogranadino hace que el bambuco trascienda las fronteras y se
arraigue en el occidente venezolano, específicamente en los Andes y
Zulia, donde sufre algunas modificaciones en los compases y
estructura. Cabe destacar que en cada región adquiere un acento
propio de la geografía y las tradiciones.
A decir de algunos musicólogos, el bambuco presenta ciertas
analogías con la habanera, especialmente en los lánguidos matices
del fraseo de sus versos. Sin embargo, mientras la versión cubana
tiene un compás 3/4, el ritmo venezolano es 6/8 (semicorchea-
corchea-semicorchea). Los especialistas recuerdan que las
introducciones e interludios del bambuco emulaban instrumentalmente
los tríos de boleros que colmaron la escena en el siglo XX. Su
estructura musical rompe con todos los cánones, al no estar limitada a
cuatro tonos cíclicos.
En cuanto al acompañamiento, en el bambuco venezolano están
presentes el piano, el bajo y la guitarra, teniendo una característica
especial en la región andina donde se incorporan la mandolina, el
violín, el tiple, el cuatro, bandolín tachirense y la flauta. Los temas de
inspiración son idílicos, nostálgicos y evocadores, con ciertos matices
señoriales y hasta sublimes.
Música campesina

Hombre cantando, acompañado de un cuatro, en las cercanías del Hotel

Humboldt, Caracas, Venezuela

La música campesina es una expresión cultural de los Andes

venezolanos (Estados Mérida, Táchira, Trujillo y parte de Barinas). Se
diferencia de la música llanera en que el güiro sustituye a las maracas
y la guitarra remplaza al arpa. Tanto el cuatro como el bajo son
utilizados en ambas manifestaciones. Alrededor de la década de
1970, el género se fue formando con las primeras agrupaciones y fue
a través de las disqueras Divensa en Mérida, Potosí en Táchira y
Tamarindo en el Vigía, que fue evolucionando y se fue dando a
conocer. Hoy existe una cantidad interesante de agrupaciones
representativas del género en su mayoría en el estado Mérida, la zona
del Mocotíes y los pueblos del sur, aunque existen nuevas tendencias
en la zona del Táchira, destacándose las agrupaciones de Pregonero,
y San Cristóbal, su instrumentación consiste tradicionalmente
en requinto, guitarra, violín, cuatro venezolano y güiro, algunas
agrupaciones fusionan este estilo acompañándolo con percusión
como congas y timbales.
Debido a la proximidad de la región andina con Colombia, la música
campesina venezolana tiene influencias de la carranga y el vallenato.
La música campesina ha alcanzado gran popularidad, además es un
género con una larga lista de agrupaciones. Algunas de ellas han
conocido el éxito a nivel nacional en radio y televisión con uno o
varios de sus pegajosos sencillos hasta el punto de lograr que se
organicen festivales en homenaje a la música campesina, y que se
abran espacios o categorías para galardonar el género en
premiaciones artísticas ya existentes, se destacan entre los grupos
más mencionados: Los Serranitos de América, el Son Sureño, Los
Auténticos Serranitos, Los Chacaritos, Eminente entre otros.
Musica Tachirense de Raiz
2
El término “música tachirense de Raíz” fue implementado a partir del
año 2015 por el Músico Miguel Angel Chacón Acevedo, Director de la
agrupación Los Montañeros y activista del impulso de los
instrumentos Tachirenses y su música; este término se refiere
principalmente a la música de finales del siglo XIX y principios del
siglo XX que marcó la época de oro del bandolín tachirense.
La música tachirense de raíz se compone de varios géneros que se
identifican principalmente por el círculo armónico, el ritmo y el “canto
firme del bandolín”, siendo este último, la melodía característica del
género. En este sentido la podemos dividir en dos grandes grupos; los
géneros que se ejecutan a ritmo de Merengue Campesino y los
géneros que se ejecutan a ritmo de Joropo Andino. Entre los
merengues campesinos más destacados están el pato bombiao,
manzanares y bombarda mientras en el ritmo de joropo andino están
la perra baya, el macayao, guariconga, molinera y guacharaca.
Una importante característica a resaltar es que el canto y la
improvisación de versos son fundamentales en la ejecución de la
música tachirense de raíz ya que esta se desarrolla folkloricamente de
manera colectiva. Esta forma de canto colectivo se conoce como
"canto acomodado", y consiste en que las personas que desean
cantar se organizan alrededor de los instrumentistas, muchas veces
en forma de rueda o circulo, uno a uno van cantando versos que
deben comenzar con la ultima frase de la persona anterior, de esta
manera se va creando una cadena de canto donde la improvisación
juega un papel fundamental, pues los versos deben rimar y tener
relación con el verso del compañero anterior.
Calipso Guayanes o de El Callao[editar]

La agrupación Serenata Guayanesa

Ritmo que llegó a la Guayana Venezolana (Estado Bolívar) de la

mano de inmigrantes antillanos que fueron a trabajar a las minas de
oro del Callao en el siglo XIX. El calypso guayanés de El Callao,
cantado tradicionalmente en inglés, se hace a partir de una batería
rítmica de percusión basada en el bumbac, acompañada de
charrasca, campana o cencerro y cuatro venezolano. Comúnmente se
adiciona teclado, bajo eléctrico, instrumentos de viento, voces
masculinas y femeninas. Woman del Callao es indiscutiblemente el
calipso del Callao más reconocido dentro y fuera de
Venezuela. Serenata Guayanesa junto Un Solo Pueblo y
Convenezuela han sido las agrupaciones que han difundido el calipso
tradicional venezolano fuera de la región del Callao en las últimas
décadas.
La Onda Nueva[editar]
Artículo principal: Onda Nueva
Aldemaro Romero dirigiendo la Orquesta Sinfónica Municipal de Caracas en
la celebración del 50 aniversario de Dinner in Caracas.

Durante una convalecencia,3 Aldemaro Romero, encuentra la

inspiración para presentar en el año 1968 su creación de una nueva
forma de interpretación de música venezolana, conocida como Onda
Nueva, derivada del joropo e influenciada por el jazz y la bossanova
brasileña. La idea también surge debido a que, hasta entonces, la
música venezolana carecía de movimientos innovadores que la
hicieran modernizarse. Cuando Romero presentó esta idea a su
amigo, el publicista y músico de origen austríaco, ya desaparecido,
Jacques Braunstein, solicitándole su parecer, él respondió que aquello
le parecía "una Onda Nueva", lo cual sirvió de identificación al
movimiento musical desde ese momento hasta la actualidad. Sin
embargo, existe otra versión según la cual el músico Frank Hernández
(colaborador de Romero en los años de vigencia del movimiento)
señaló que el surgimiento de la Onda Nueva se debió a un encargo
realizado por una empresa publicitaria a Romero, que no gustó a esta
empresa, aunque sí a los músicos participantes.4 Según esta otra
versión, el resultado fue aplicado por Romero y Hernández a
"diferentes tipos de música". Sin embargo Hernández reafirmó el
mérito del músico Braunstein, por haber dado el nombre al
movimiento musical. En 1970, durante una permanencia en México,
Romero hace un convenio con la compañía "Discos Musart" para
grabar música mexicana en el estilo de la Onda Nueva respaldando
con orquesta a la vocalista chilena Monna Bell. De esta colaboración,
surgió el LP "La Onda Nueva en México", el cual no contó con
suficiente publicidad al ser boicoteada su distribución por el gobierno
mexicano de la época.5
Luego de la creación de la Onda Nueva, de 1971 a 1973, para
impulsar este género musical Romero creó los Festivales de la Onda
Nueva en los que se presentaron destacados músicos y solistas tales
como Franck Pourcel, Paul Mauriat, Charlie Byrd, Astor
Piazzolla, Juan Gabriel, Armando Manzanero, Consuelo
Velázquez, Augusto Alguero, Eliana Pitman, Trini Lopez, Chico
Novarro, Helmut Zacharias y Marco Antonio Muñiz, además de
artistas venezolanos como Mirla Castellanos, Alfredo Sadel, Carlos
Almenar Otero, Carlos Moreán y Henry Stephen. Estos festivales
significaron un gran esfuerzo económico (más de un millón de la
moneda de ese momento) y organizativo para Aldemaro Romero.
Desafortunadamente, estos festivales carecieron de proyección en el
exterior, por lo que dejaron de existir, lo que no impidió que Romero
siguiera difundiendo hasta donde alcanzaron sus esfuerzos, tanto en
Venezuela como en el exterior los temas que había escrito varios
años antes, adaptados a este movimiento musical.
Música afrocaribeña[editar]
Otro género importado es la salsa cubano-americana, que ha
producido varias superestrellas domésticas, incluyendo a Federico
Betancourt, Oscar D'León, Vladimir Lozano, Alberto Naranjo, Alfredo
"Cutufla" Franceschi, Nelson González Rojas «El Emperador de la
Salsa», Porfi Baloa, Leonardo Pedroza, Carlos Quintana, Erik
Franceschi, Samir Bazzi, Gustavo Aguado6, Wilmer Lozano, Jonathan
Moly, Nano-Gram, Omar Acedo, Victor Mendoza, Oswaldo
Oropeza, Carlos “Nené” Quintero, Natividad Martínez, Alfredo
Naranjo, Tito Madrigal, Joe Ruiz « El duro de la clave»,7 Perucho
Torcatt,8 Sergio Pérez, Tony Monserrat, Frank Fernández «El Rey del
Timbal», Orlando Watusi, Ray Pérez, Carlos Emilio Landaeta « Pan
con queso», Luis «Tata» Guerra, Alberto Slezinger, El Negrito
Calavén, Carlín Rodríguez, Dimas Pedroza, Dimas Chirinos, Ray
Pérez, Evio di Marzo, Mauricio Silva, Sergio Perez, Marco
Toro, Nelson Navas, Nelson Alizo, J.J. Hernández « El Indio de la
Salsa», Benavides, Orlando Poleo, Olinto Medina, Argenis
Carruyo, Carlos Tabaco Quintana, Norka Mendoza y Rogelia «
Canelita» Medina y agrupaciones como La Dimensión Latina, El Clan
de Víctor, Adrenalina Caribe, Nelson y sus Estrellas, Los Satélites, El
Trabuco Venezolano, Orquesta de Instrumentos
Latinoamericanos, Grupo Madera, Los Megatones de Lucho, Pedroza
y sus Caciques,9 Los Adolescentes, Daiquirí, Salserín, Orquesta
Bailatino, Las Soneras, Sonora Tropical, Guaco, Los Dementes, Silva
y Guerra, Los Peniques, Grupo Mango, Naty y su orquesta, Federico y
su combo latino, El Trabuco Venezolano, El Salseto, Cadaver
Exquisito, Orquesta Latino Caribeña Simón Bolívar, Servando y
Florentino, Nelson Alizo y sus Estrellas, La Charanga 80, La
Magnífica de Elio Pacheco, La Pandilla de Albóndiga, Coco y su sabor
Matancero, la orquesta de Andy Durán, Alfredo Naranjo y su
Guajeo, Orquesta Pelinkere, Tabaco y sus Metales y el Sexteto
Juventud.

Oscar de Leon en Darmstadt(Alemania), 2009.

El merengue dominicano, el bolero, la cumbia colombiana,

la guaracha, el son, la rumba, el regueton, están representados por
la Billo's Caracas Boys, la orquesta de los Hermanos Belisario,
la orquesta de Luis Alfonzo Larrain, Los Melódicos, La Pequeña
Mavare, la orquesta Sans Souci, la Sonora Caracas, la orquesta de
Chucho Sanoja, la orquesta de Aldemaro Romero, la orquesta de
Anibal Abreu, la orquesta de Porfi Jiménez, Mario y sus Diamantes,
Orlando y su Combo, Los Ideales, Los Originales, Los Master, Los
Cantores del Trópico, El Sonero Clásico del Caribe, Los
Naipes, Edmundo Ros and his orchestra, Bacanos, Los Hermanos
Rodríguez, El Trío Venezuela, Los Blanco de Maracaibo, Los
Profesionales, La Casino Riverside, La Tremenda, Los Palmers, Los
Fantasmas del Caribe, el Super Combo Los Tropicales , Grupo
A.5, Calle Ciega, Chino y Nacho.10 Entre los cantantes
destacan: Graciela Naranjo, Elisa Soteldo, Adilia Castillo, Alfredo
Sadel, Felipe Pirela, Gisela Guedez, Rosa Virginia Chacin, Annaé
Torrealba, Nancy Toro, Ruth Dimassis, ''«Toña»'' Granados, Antonio
Lauro, Martha Rey, Santiago Tovar, Víctor Piñero, C, Italo Pizzolante,
Gonzalo Peña, Anny Cauz, Veronica Rey, Chico Salas, Víctor
Pérez, Tanya, Manolo Monterrey, Rafa Galindo, Omar Enrique («El
Principe del Merengue»), Luisín Landaez, Emilita Dago, Marco Tulio
Maristani, Natusha («La Reina de la Lambada»), Manuel Enrique
Pérez Díaz, Ely Méndez, Héctor Monteverde, Carlos Almenar
Otero, Eduardo Serrano, Oswaldo Morales, Perucho Navarro, Cheo
García, Luisito García, Miguel Moly, Nelson Henríquez, Aldo
Donà, Pastor López («El Rey de la Cumbia»), Argenis Carruyo, José
Luis Rodríguez, Basil Alexander, Liz, Diveana, Roberto Antonio, Luis
Felipe Gonzalez («El Rey del Porro»), Potro Alvarez, Sixto
Rein, Franco Bellomo, Oscarcito, Chyno Miranda y Nacho entre otos.
Otros géneros del folklore[editar]
Otras formas de música tradicional venezolana son extensivamente
grabadas e investigadas gracias al trabajo de la Fundación Bigott, con
sede en Caracas. La Percusión afroamericana (incluyendo ritmos
múltiples como sangueo, fulía y parranda) es quizás la forma musical
mejor documentada.11 Entre los conjuntos más importantes se
destacan Un Solo Pueblo, Huracán de Fuego, Tambor Urbano, Los
Vasallos del Sol, La sardina de Naiguatá y Grupo Madera. Los artistas
más experimentales de fusión combinan rumba, jazz latino,
el joropo, salsa y otras formas de música latinoamericana.

Música pop y rock[editar]

Artículo principal: Rock de Venezuela

La banda de ska Desorden Público

 La Vida Bohème, representantes del rock venezolano

La música pop y el rock son también muy populares, y varias bandas

y solistas han tenido considerable éxito en el transcurso de los años.
Algunos grupos bien conocidos son las bandas de ska Desorden
Público, Guasacaca Zon, en el pop-rock Caramelos de
Cianuro, Aditus y Témpano, en el dance y el funk Los Amigos
Invisibles (banda más exitosa internacionalmente) y los grupos de
rock ahora extintos, pero muy influyentes, Los Thunderbirds, Los
Impala, Los Claners, Los 007, Los Darts, La ofrenda de Vytas
Brenner, Los Dionys, Azúcar, Cacao y Leche, Syma, Los
Memphis, Sentimiento Muerto y Zapato 3. Recientemente, del 2010 en
delante han surgido nuevas bandas dentro de la escena del rock
alternativo venezolano que han recibido mayor atención internacional,
en especial La Vida Bohème, banda que fue nominada a los Premios
Grammy Latinos. Desde principios de la década de 1990, se realiza
el Festival Nuevas Bandas, que busca agrupar a los jóvenes en torno
al género rock.

Los Amigos Invisibles, grupo de dance, funk y fusión

En el género del Heavy metal, a finales de los años 1970 y principios

de 1980 se inició un poderoso movimiento que perdura hasta nuestros
días. Entre las bandas más reconocidas podríamos citar a
Resistencia, Grand Bite, Torre de Marfil, Tinajas y Krueger entre otros,
todo ello sin dejar de mencionar a los míticos Power age de Paul
Gillman y Arkangel de Freddy Marshall, considerados como los padres
del Heavy Metal en Venezuela y la banda de mayor proyección
internacional en este estilo musical.
El movimiento musical contemporáneo ha visto florecer a un grupo
importante de propuestas que han abierto nuevos espacios dentro la
música venezolana. Adicionalmente, entre los solistas se han
destacado Melissa («la Reina del Rock») en el new wave, Frank
Quintero en el pop, Horacio Blanco en el ska, Guillermo Carrasco en
el rock alternativo, Aguilar en el synth pop, Agni Mogollón en el soft-
rock, Paul Gillman en el rock metal, Asier Cazalis y Pablo Dagnino en
el rock post-punk, Colina en el reggae, Jean Carlo De Oliveira (metal
progesivo), Hernán "Eddie" Hermida en el heavy metal y Pablo
Manavello en el pop-rock.
A finales de los años noventa un muy fuerte movimiento de música
electrónica se extendió por el país. Varios grandes
festivales multimedia tomaron lugar, tales como Caracas no Duerme,
AX, Petaquire, Dermis Tatú, y Mare Nostrum. Estos eventos
combinaron música con video y performances de artistas venezolanos
tales como Luis Poleo, Oswaldo Grillet, Frank Wow, Cayayo
Troconis y Sony. Las principales bandas/DJ de esta era son Ojo
Fatuo, DJ Oddo y DJ Wyz.
A partir del 2000 hasta el presente se desarrolla un movimento
musical de diversos estilos underground incluyendo grupos
como: Malanga (pop rock), Masseratti 2lts(downtempo), La Vida
Boheme (post-punk), Lmca (Electronic/Synthpop/post-
punk/experimental), Viniloversus (indie rock), KP-9000 (trip hop), La
Seguridad
Nacional, Cardopusher (breakcore), Nuuro (IDM), Patafunk (Tropical/f
unk), FamasLoop (trip hop), Candy 66 (metal progresivo), Los
Mentas (Rockabilly), Todosantos (nu rave/indietronica), Jimmy
Flamante (breakbeat), Los Pixel (funk), Las
Americas (shoegazing), Los Javelin (surf
rock/rockabilly), Dondi (downtempo), Retrovértigo (post-rock), Lis
(instrumental rock), Tercer Cuarto (alternative metal), Panasuyo (neo-
folklore), Los Dólares (crust punk), Charliepapa (rock de
garage), Pacheko (dubstep), Leo Vargas y sus Mestizos (rock
folk). Gran Radio Rivieria (Rock), Nzila Afrobeat Project (Instrumental).
En relacion al rap y el hip-hop, se destacan Perucho
Conde, Akapellah, Lil Supa, Canserbero, One Shot, Dame Pa'
Matala (fusión de ritmos venezolanos con hip hop).
Algunos músicos baladistas venezolanos, como Alfredo Sadel, Mirla
Castellanos, Mirtha Pérez, Mirna Ríos, Mayra Martí, Delia
Dorta, Nancy Ramos, Cherry Navarro, Héctor Cabrera, Carlos
Almenar Otero, Jorge Rigó, Elisa Rego, Antonietta, Lila Morillo, Patty
Ross, Arelys, Lorenzo Herrera, Henry Salvat, Ofelia, Gloria
Martín, Lilia Vera, Alí Primera, Rudy Márquez, Néstor Daniel
Hoyer (Los Terricolas), Los Tres Tristes Tigres, Devorah Sasha, Rudy
Hernández, Gualberto Ibarreto, Mireya Delgado, Luis Oberto, Emilio
Arvelo, Jose Antonio Bordell, Gimeno, Armando
Biart, Marlene, Roberto Luti, Ricardo Montaner, Natacha Guevara,
Carlos Bereciartu, Raul Naranjoconocido como “El pirata de la
canción”, Miguel Itriago, Leonel Ruiz, Amilcar Briceño, José Luis
Rodríguez «El Puma», Joel Pineda, Eleazar Agudo, Guillermo
Dávila, Los Terrícolas, Franco De Vita, Juan Galea, Yordano, Luz
Marina, Pecos Kanvas, Hanny Kaouan, Roque Valero, Rudy la
Scala, Luis Silva, Victor Muñoz, Servando y Florentino, Carlos
Baute, Henry Stephen, Kiara, Karina, Mariana Vega, Laura Guevara,
e Ilan Chester han ganado gran popularidad en otros países
latinoamericanos.

Música clásica[editar]
Categoría principal: Compositores de música académica de Venezuela

Venezuela también ha producido compositores clásicos, tales

como Teresa Carreño12(renombrada pianista de talla mundial), Monica
Celegon, Felipe Larrazábal, Reynaldo Hahn (director de la Opera de
París), Augusto Brandt, Prudencio Esaá, Juan Bautista Plaza, Juan
Vicente Lecuna, Franco Medina, José Antonio Calcaño, Víctor
Guillermo Ramos Rangel, Jose Clemente Laya, Evencio
Castellanos, Gonzalo Castellanos Yumar, Inocente Carreño, Modesta
Bor, Ángel Sauce, Nazil Baez Finol, Daniel Milano,13 Rafael
Rengifo, Moisés Moleiro, Antonio Estévez, y Vicente Emilio
Sojo (conocido por sus contribuciones a la musicología y la educación
musical). Roberto Ruscitti siguió los pasos de Sojo. Entre los cultores
del vals venezolano se encuentra Antonio Lauro, considerado uno de
los mejores a nivel mundial interpretando y componiendo obras para
la guitarra al igual que Raúl Borges, Alirio Diaz, Rodrigo Riera, Ruben
Riera, Luis Zea, Luis Quintero y Rómulo Lazarde.
En 1954 Caracas fue la sede del I Festival de Música Latinoamericana
donde se escuchó el estreno mundial de la Sinfonía India, de Carlos
Chávez; la Cantata Criolla, de Antonio Estévez; las Bachianas N° 5
para soprano y cellos, de Heitor Villa-Lobos.14
Venezuela alberga una red nacional de conservatorios y escuelas de
música.1516 También hay escuelas e institutos privados donde destaca
el Colegio Emil Friedman de Caracas. Entre los institutos de estudios
superiores en música o que tienen un departamento de música se
encuentran la Universidad de las Artes, cuyo departamento de música
es el antiguo Instituto Universitario de Estudios Musicales;
la Universidad Central de Venezuela, que otorga diplomados en
interpretación musical y posgrados en musicología, incluyendo
doctorados; la Universidad Simón Bolívar, cuyo departamento de
música otorga el grado de Magíster en Música en diversas áreas
(Composición, dirección orquestal, dirección coral y educación
musical), la Universidad de los Andes y desde 2011 la Universidad
Centroccidental Lisandro Alvarado, la cual otorga una Licenciatura en
Música gracias al convenio con el Conservatorio Vicente Emilio Sojo.

Concierto en el Centro Nacional de Acción Social para la Música en Caracas

A partir de los años sesenta con la llegada del compositor greco-

venezolano Yannis Ioannidis y la creación del Instituto de
Fonología por el maestro Antonio Estévez, la composición musical
tiene un gran desarrollo y se da inicio a la música contemporánea.
Entre los más destacados exponentes de este tipo de música se
encuentran: Alfredo del Mónaco, Servio Tulio Marín, Miguel Noya,
Alfredo Marcano Adrianza, Emilio Mendoza, Miguel Ángel
Fuster, Juan Carlos Núñez, Diana Arismendi, Domingo
Hindoyan, Eduardo Marturet (quién es sobre todo un director de
orquesta internacional), Alfredo Rugeles, Adina Izarra, Adrián
Suárez, Federico Ruiz, Hildegard Holland y Ricardo Teruel, entre
otros.
El Sistema de Orquestas Juveniles e Infantiles de Venezuela es una
obra del Estado venezolano fundada por el maestro José Antonio
Abreu, en el año de 1975, para la sistematización de la instrucción y la
práctica colectiva de la música a través de la orquesta sinfónica y el
coro como instrumentos de organización social y desarrollo
comunitario. Conocido también como El Sistema, comprende una red
de 120 orquestas juveniles y 60 orquestas infantiles, con un número
de aproximadamente 350.000 jóvenes dedicados a la música.
Entre los prominentes músicos y compositores que han estudiado,
fundado o impartido clases en estas instituciones se
encuentran: Alberto Grau, María Guinand (una de las fundadoras y
coordinadoras de la Maestría de Música de la Universidad Simón
Bolívar), Ricardo Teruel, Adina Izarra, José Francisco Del
Castillo, Gabriela Montero, Sir Augusto Ramírez, Judith
Jaimes, Carlos Riazuelo, Inocente Carreño, Maurice Hasson, Gonzalo
Castellanos Yumar, Eric Colon, Felipe Izcaray, Jesús
Hernández, Frank di Polo, Abraham Abreu, Aldo Abreu, Humberto
Bruni Lamanna, Josefina Benedetti, Alfredo Rugeles, Abraham
Abreu, Aquiles Baéz, Jaime Martínez, Alexis Cárdenas, Gabriela
Montero, Carlos Duarte, Pedro Saglimbeni Muñoz, Cecilia de
Majo, Juan Carlos Núñez, Huáscar Barradas, Pedro
Eustache, Edicson Ruiz, José Antonio Abreu, Benjamín Brea, Carmelo
Cacioppo (músico).

Música vallenata[editar]
El vallenato es un género musical de la Costa Caribe de Colombia. En
un principio, el vallenato era exclusivamente apreciado por extranjeros
(colombianos radicados en Venezuela), sectores populares y estados
limítrofes con Colombia, teniendo como referentes principales en
los años 80´s a Diomedes Díaz y al Binomio de Oro, este último era
invitado continuo al programa de Venevisión "Super Sábado
Sensacional".17 Gracias a Carlos Vives y su álbum Clásicos de la
Provincia, el vallenato entró en todas las clases sociales de
Venezuela. Es el único país fuera de Colombia donde el Vallenato
Nueva Ola se escucha fuertemente gracias al público juvenil
(con Silvestre Dangond como referente), mientras que los de mayor
edad prefieren el Vallenato Comercial o Yuca (con Diomedez
y Rafa Orozco como abanderados) y el Vallenato Romántico. Incluso,
existen grupos y artistas vallenatos de Venezuela que son populares
en el país como Los Diamantes del Vallenato, Vallenato 24K, Cristian
Daza y sus Infieles y Pedro Manuel (los dos últimos, populares
también en Colombia), así como cantantes colombianos radicados en
el vecino país como Jei Cardona.18

Músicos venezolanos[editar]

El cantautor venezolano Simón Díaz, uno de los mayores exponentes de

la música tradicional venezolana.
 Aldemaro Romero dirigiendo la Orquesta Sinfónica Municipal de
Caracas en la celebración del 50 aniversario del disco Dinner in Caracas.

Categoría principal: Músicos de Venezuela

Pedro Elías Gutiérrez es el compositor de la zarzuela Alma

Llanera con textos de Rafael Bolivar Coronado estrenada el 19 de
septiembre de 1914 en el Teatro Municipal de Caracas. El tema
musical homónimo Alma Llanera es hoy considerado como el
segundo himno de Venezuela.
Juana María de la Concepción, conocida comúnmente como Conny
Méndez,19 nació el 11 de abril de 1898 en Caracas. Fue una
compositora, cantante, escritora, caricaturista y actriz que produjo
más de 40 composiciones, como por ejemplo: Yo soy
venezolana, Chucho y Ceferina, La Negrita Marisol, Venezuela habla
cantando, entre muchas otras.
Aldemaro Romero2021 fue un prolífico compositor. Fusionó muchos
géneros musicales que van desde el jazz, pasando por la música
caribeña hasta valses venezolanos y trabajos sinfónicos, lo cual
ayudó a modernizar la música tradicional venezolana. De esa manera,
creó un estilo que él mismo denominó Onda Nueva.22
Músicos y compositores venezolanos notables son, entre muchos
otros: César del Avila, Isabel Aretz, Alfredo Sadel, Simón Díaz, Hugo
Blanco, Eneas Perdomo, Armando Molero, Billo Frometa, Chelique
Sarabia, Anselmo Lopez, María Luisa Escobar, Ed Calle, Luis Mariano
Rivera, Ángel Custodio Loyola, Manny Delgado, Luis Cruz, Ignacio
"Indio" Figueredo, Benito Quirós, Alí Primera, Gloria Martín, Cristóbal
Jiménez, Emilio Muñoz Barrios, Vinicio Adames, Alexis
Cardenas, Andres Barrios, Tulio Enrique Leon, Jorge Guerrero, Italo
Pizzolante, Luis Felipe Ramón y Rivera, Fredy Reyna, Jacinto
Pérez «El Rey del Cuatro», José Ramón Villarroel “El Huracán del
caribe”, Vladimir Ludovic, Cheo Hurtado, David Peña, Hernán
Gamboa, Ivan Perez Rossi, Miguel Siso, La Pia Paez, Gualberto
Ibarreto, Juan Carlos Salazar, Ulises Acosta, Caterina Lescano, Luis
Castro«El Rey del Bordon» , Prisca Dávila, Carlos Bereciartu, Lilia
Vera, Victor Cuica, Beto Valderrama, César Prato, Anselmo López «El
Rey de la Bandola», Eudes Balza, Rafael Brito, Huáscar
Barradas, Edy Marcano, Eduardo Betancourt, Luis Gómez-
Imbert, Gustavo Morantes, Benjamín Brea, Ezequiel Serrano, Roldán
Peña, Gerardo López, Alí Agüero, Renato Capriles, Renato
Salani, Leonard Jácome, Miguel Ángel Fuster, Marek Jan
Wesolowski, Ed Calle, Eduardo Lanz, Eduardo Serrano, Henry
Martínez, Glenn Tomassi, Álvaro Paiva, Elvis Cano, José
Sifontes, Reyna Lucero, Agni Mogollón, Fernando Osorio, Cecilia
Todd, Roberto Todd, Telesforo Naranjo, Vytas Brenner, Gerry
Weil, Xulio Formoso, Edmundo Ros, Saúl Vera, Francisco
Pacheco, Édgar Quintero, Reynaldo Armas, Alexis Rossell, Vidal
Colmenares, Maruja Muci, María Teresa Chacín, Leonor
Fuguet, Enrique Hidalgo, Juan Vicente Torrealba, Laudelino
Mejias, Gilberto Mejias Palazzi, Pablo Schneider, Orlando
Flores, Rubén Cedeño, Otmaro Ruiz, Enrique Atencio, Rudy
Regalado, Pablo Gil, Antonio Naranjo, y William Naranjo así como los
grupos Serenata Guayanesa, Los Cuñaos, El Cuarteto, Medio
Evo, Los Guaraguao, Los Pájaros, Un, dos , tres fuera, Los
Chamos, Grupo Unicornio, Los
Terrícolas, Guaco, Alondra, Acuario, Trio Venezuela, Los Cuatro, C4
Trío, Los Hermanos Naturales, Voz Veis, Vocal
Song, Urbanda, Quinto Criollo, Los Hidalgo, Ensamble Gurrufío,
y Maracaibo 15 entre otros.