Educación Artística

El arte es, sin duda, una experiencia individual, social y colectiva. Las
producciones artísticas del pasado y del presente, pertenecientes a diversos
sujetos y grupos sociales, expresan saberes, modos de producción y valores
simbólicos de una determinada sociedad.

La definición de las disciplinas artísticas ha ido cambiando y

reformulándose según el contexto y el centro de poder que se arrogaba la facultad
para definirlas. Así, el concepto de qué es arte y qué no lo es, ha ido cambiando
según la visión y la escala de valores de la época y la cultura en que se
desarrollaron.
A lo largo de la historia, el arte en todas sus manifestaciones
haconstruido conocimiento tratando de interpretar y transmitir conceptos como:
tiempo, espacio y valores sociales. A diferencia de la ciencia que busca explicar
la predictibilidad de los fenómenos, el arte crea imágenes ficcionales a partir
de un discurso metafórico, poético y polisémico. Estas manifestaciones intentan
dar cuenta de conceptos y la manera en la que se construye ese discurso es tan
importante como el mensaje.
Ministerio de Educación de la Nación, 2015. Las Formas del Arte.

Hasta no hace mucho tiempo, las formaciones disciplinares de los docentes

de Educación Artística sólo proponían capacitar en saberes basados en la
transmisión de técnicas. Estas técnicas y los procedimientos compositivos se
pueden aprender investigando en entornos virtuales, a través de
recomendaciones de quienes ya las practican o por la propia experimentación.
Es por ello que esta clase está dedicada al análisis de los mensajes
y discursos estéticos que portan los lenguajes artísticos.

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 Los últimos cien años han producido la más extendida transformación
tecnológica de la historia. Por eso, nos parece sumamente importante analizar
los cambios culturales producidos por la instantaneidad y la simultaneidad, en el
acceso a la información y a las producciones artísticas y culturales
contemporáneas.
Los dispositivos tecnológicos y los medios masivos de comunicación,
modificaron considerablemente la producción, exhibición y circulación del arte,
ampliando las fronteras de acceso y difusión a un gran número de usuarios.
Esta tecnología, que no es mala ni buena, puede tener diferentes usos y fines.
Los medios pueden ser un instrumento de democratización de los bienes
culturales y simbólicos o responder a las reglas del mercado; imponiendo gustos,
estereotipos e íconos estéticos, pensados, diseñados y producidos en grandes
centros económicos, provocando, homogenización cultural y anulando las
particularidades e identidades regionales.

En la actualidad se reconoce que el arte es un campo de

conocimiento productor de imágenes ficcionales y metafóricas, que
porta diversos sentidos sociales y culturales y que se manifiestan a
través de los procesos de realización y transmisión de sus
producciones. Estas últimas se expresan en distintos formatos
simbólicos, estéticamente comunicables que cobran la denominación
de lenguajes artísticos, ya que son modos elaborados de comunicación
humana verbal y no verbal.
Resolución 111/10 C.F.E.

Profundizar en el análisis de la construcción de sentido de los

lenguajes artísticos nos permitirá ayudar a los estudiantes a decodificar los
discursos estéticos y metafóricos que subyacen en las producciones
actuales.

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¿De qué hablamos cuando hablamos de construcción de sentido en las
Artes?
El contexto socio-cultural en el que acontece la actividad humana en la
contemporaneidad, sin dudas ha cambiado sustantivamente en las últimas
décadas. En el presente, los sujetos conviven con los medios de comunicación
social masivos, con diversidad de lenguajes y códigos y con realidades tecno -
producidas. La cotidianeidad desenvuelve innumerables situaciones saturadas de
espectáculos y escenografías: mundos fragmentados cuyos bordes más de una
vez se confunden con la ficción.
Asimismo, los avances tecnológicos y fundamentalmente los de la
comunicación, han acentuado los procesos de globalización y los términos de las
interrelaciones entre las naciones, incidiendo fuertemente al interior de las
mismas. Estas cuestiones no se restringen sólo a determinados aspectos
sociales, sino que se dan en forma integral.
La percepción y la interpretación están íntimamente ligadas a los procesos
de producción artística. Esta última, en tanto, generadora de discursos
polisémicos, nunca es totalmente agotada desde una interpretación literal. Por el
contrario, es propio del arte, eludir, ocultar, sugerir, metaforizar. Por lo tanto, la
actitud interpretativa atraviesa la totalidad del proceso creativo: desde el momento
inicial de la producción hasta que la obra, una vez concretada, inicia el dialogo
con el público.
Los docentes de Educación Artística debemos fomentar en los estudiantes
el desarrollo de la percepción, entendida como el primer acto de conocimiento de
un producto estético.
El proceso perceptivo implica dos momentos, el primero consiste en recibir
un estímulo a través de los sentidos (las imágenes, los sonidos o las sensaciones
externas) y el segundo abarca un proceso interior, involucra elaborar
internamente esa información que llega desde el afuera.
Para no quedarnos sólo en lo superficial de la experiencia estética
debemos involucrar en el proceso de percepción algunos elementos más
complejos como el análisis, la interpretación y la valoración de las

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manifestaciones:

 Para analizar es importante observar, escuchar e interactuar con los

elementos constitutivos de la obra para luego poder establecer las
relaciones que existen entre los componentes.
 Al interpretar se deben considerar las características expresivas de los
elementos en función del tema y sus contenidos. Este análisis amplía la
posibilidad de inferir la intencionalidad del autor.
 Valorar una obra conlleva a la emisión de un juicio, luego de situarla dentro
de un periodo histórico, una tendencia, un origen, un género y un estilo
determinados. Para que este juicio de apreciación sea lo suficientemente
profundo es necesario despojarnos de los condicionamientos culturales y
estéticos que nos limitan.

Piedad del Vaticano. 1499. Miguel Ángel Piedad Rondanini. 1562. Miguel Ángel

Las fotografías anteriores reproducen obras de Miguel Ángel Bounarroti y

ambas refieren a La Piedad: momento en que Jesús es descendido de la cruz y
recibido por su madre, María. Las dos son esculturas de bulto redondo, fueron
esculpidas en mármol con la técnica de desbastado de bloque.

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¿Qué las hace tan diferentes? La primera obra fue realizada cuando el autor
tenía 20 años, en el final del Renacimiento e inicio del Barroco. La escultura
responde claramente al ideal estético dominante en esa época. Este canon
clásico de belleza establece: proporciones de medidas humanas, equilibrios de
los pesos compositivos, expresión de tranquilidad y sobre todo, dominio de la
técnica que buscaba la perfección en la representación. Este ideal no permitía
mostrar “imperfecciones” como la vejez, el dolor, la muerte, etc. Por eso vemos a
una joven mujer, de tierna mirada, que sostiene en su regazo a un hombre que
pareciera dormir. El extremo interés en representar con fidelidad los detalles
de los pliegues del manto y la lozanía de la piel se opone a la representación
fidedigna del dramatismo de la escena, negando aspectos como el dolor infinito
que debía estar sintiendo esa madre.
La segunda fue realizada 60 años después, cuando el contexto histórico
había cambiado y, probablemente también, los sentimientos del artista respecto
al tema. Esta obra corresponde históricamente al período Barroco Manierista,
pero es muy difícil encasillarla allí porque no encontramos en la obra las
características fundamentales de este movimiento. Pareciera que el autor se
adelantó aquí cuatro siglos ya que La Piedad Rondanini tiene características
estéticas del Expresionismo de principios del S. XX. ¿Por qué decimos
Expresionismo? En esta piedad el artista priorizó el contenido sobre las formas,
buscó transmitir el dolor de la madre ante la muerte de su amado hijo. En esta
Pietà hay una fusión de los personajes y es difícil dilucidar quién sostiene a quién.
Las líneas y los volúmenes son de una síntesis compositiva que sugiere, con
mínimo tratamiento de planos, el dolor que provoca la escena.

De esto hablamos cuando hablamos de producción de sentido en las artes.

Han pasado casi cinco siglos desde la realización de ambas obras y una de ellas,
la Piedad Rondanini, desconocida para el gran público por que fue negada y
ocultada por la historia del arte hasta casi el olvido. Mientras que la primera, fue
entronizada en El Vaticano, centro de la grey católica y sede papal, como símbolo
del momento más conmovedor y significativo de la cristiandad, transformándose

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con el correr de los siglos en un icono estético y mundial de un acto sublime
y en modelo insuperable de la representación tridimensional de la figura
humana, imponiéndose como arquetipo inalcanzable.

Al contrario de lo que se cree, sentido y significado nunca han

sido lo mismo, el significado se queda aquí, es directo, literal, explícito,
cerrado en sí mismo, unívoco, podríamos decir, mientras que el sentido
no es capaz de permanecer quieto, hierve de segundos sentidos,
terceros y cuartos, de direcciones radiales que se van dividiendo y
subdividiendo en ramas y ramajes hasta que se pierden de vista, el
sentido de cada palabra se parece a una estrella cuando se pone a
proyectar mareas vivas por el espacio, vientos cósmicos,
perturbaciones magnéticas, aflicciones. José Saramago, 1998: 154p.

Lo que el Premio Nobel de Literatura, José Saramago nos dice es que

el sentido de las producciones artísticas se transmite y se expande en
múltiples direcciones. Esto, quizás, es lo más difícil de percibir.

Umberto Eco, experto semiólogo, estudió las posiciones encontradas

respecto a la aparición de multitudes en la vida social, lo que se transformó en
un fenómeno evidente y perdurable luego de la aparición de las tecnologías de la
comunicación. Cuando la industria cultural entra en escena con novedosas
propuestas surge el concepto de cultura de masas. Este término ambiguo
pretende incluir los medios de comunicación audiovisuales (radio, cine y TV) con
la gráfica (diarios y revistas) y a la industria editorial.

De este modo, los medios de comunicación ponen los bienes culturales al

alcance de todos y adecuan el contenido al nivel del receptor. Esto se logra
simplificando y haciendo superficial la asimilación. Este proceso se traduce en
una extensión del campo cultural. Los medios de comunicación se desarrollaron
cuando las grandes masas tomaron protagonismo de la vida pública, impusieron
un lenguaje propio y exigencias particulares. Eco advierte que el modo de
divertirse, de pensar y de imaginar las clases populares es inducido por los
medios y responde a los modos de pensar de la clase dominante. La cultura de
masas ofrece expresiones culturales de la burguesía a los sectores

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populares.
Analicemos, ahora, el surgimiento y la popularización de un conjunto
musical contemporáneo. La agrupación Agapornis, conformada por jugadores de
rugby de La Plata Rugby Club, surge en el 2011 en un viaje a Sudáfrica.
Inicialmente esta agrupación fue concebida para tocar en el tercer tiempo de
los partidos (el tercer tiempo es un clásico ritual y un acontecimiento social
característico de este deporte, practicado mayormente por los sectores
burgueses)
Esta banda hace nuevas interpretaciones de éxitos de otros grupos en un
género que ellos denominan cumbia pop. Como consecuencia de presentaciones
en programas de televisión y participación en redes sociales lograron convocar
a una multitud de seguidores de sectores populares.

Veamos el fenómeno de popularización en otro de los lenguajes artísticos.

El nacimiento de Venus, la reconocida pintura renacentista de Sandro Boticcelli,
ha sufrido innumerables intervenciones con el surgimiento y la masificación de
las TIC.

El nacimiento de Venus. 1484. Sandro Boticcelli

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 Hacer sentido: la expresión quiere decir encontrar la clave de
acontecimientos cuyo significado no es evidente. También quiere decir que se
establecen conexiones, que se hace un sentido, precisamente como se hace algo
nuevo a partir de materiales que se han encontrado o que se han impuesto. Hacer
sentido es una práctica intelectual que, por supuesto, no ejercen sólo los
intelectuales. Aunque los intelectuales hayan tenido como oficio hacer sentidos,
ofrecer explicaciones y discutirlas, la fabricación del sentido es lo que podría
llamarse una práctica cultural tan inherente a la sociedad como los lazos
materiales.
Beatríz Sarlo. Las mejores ideas sin poder

Gun country instalación de Michael Murphy.

Plástico. 2014

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 Fotografías de la misma instalación, desde tres puntos de vista.

En esta instalación se puede observar lo que expresa Beatriz Sarlo al

referirse a hacer sentido y encontrar el significado que a simple vista no es evidente.

Como sabemos, el Arte a lo largo de la Historia ha cumplido funciones

sociales, mágicas, políticas, religiosas y estéticas Por lo tanto, ha sido el vehículo
ideal para la transmisión y propagación de concepciones éticas y estéticas En
definitiva, de valores que conforman las identidades culturales de las
comunidades.

Le Corbusier decía que una de las funciones de la arquitectura era la

de conmover, pero que también debía servir. El concepto de utilidad, sin
embargo, no es inmutable y abarca un sentido muy amplio: la arquitectura es
útil cuando nos protege de la intemperie, también cuando da albergue a un dios
y cuando expresa el poder de un Estado. La misma posibilidad de conmover es
una de las caras de la utilidad y esta función estuvo siempre condicionada por
los cánones estéticos y por los intereses de los círculos de poder de la época en
la que fueron realizadas. En las siguientes imágenes vemos dos construcciones
con particulares diseños.

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 Templo Expiatorio de la Sagrada familia. Burj Khalifa, Dubai. 2010. Adrian Smith
Barcelona. Antoní Gaudí
La primera es el Templo de la Sagrada Familia destinado a la práctica
religiosa, está fuertemente influida por las características del arte gótico, con
torres ahusadas, arcos ojivales, vitrales de colores y fachadas con intrincados
detalles. Según las palabras de Antoní Gaudí: el templo, en su conjunto, además
de la utilidad de celebrar el culto divino, representa plásticamente las verdades
de la religión y la glorificación de Dios y de sus santos.
El segundo edificio, el Burj Khalifa, fue diseñado por Adrian Smith. Es el
rascacielos más alto del mundo, con sus 828 metros de altura y sus 163 plantas
desafía varias de las leyes de la física. Esta estructura de hormigón armado busca
conmover a los ojos del mundo. Su monumental diseño escalonado contrarresta
los fuertes vientos del desierto e intenta posicionar mundialmente a la ciudad
de Dubai como un punto turístico de atracción y lujo.
El arte puede "decir sin decir" y esta transmisión va predeterminando
el gusto y la ideología de los individuos.
Hoy, los medios de comunicación masivos son los grandes transmisores
de la información a la que accede la mayoría de los espectadores, como dice

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Stella Martini, ellos condicionan y seleccionan cómo y qué realidad mostrar. La
mayoría de las producciones artísticas que consumen nuestros estudiantes
son "enlatadas" en los grandes y lejanos centros de poder, como las películas de
Walt Disney Pictures: desde el añejo Mickey, pasando por el Pato Donald y su
familia, Bambi, la Cenicienta, Blancanieves y los 7 enanitos, La Sirenita,
Rapunzel, hasta la actual Princesa Ana de Frozen; o de superhéroes de
“Hollywood” como el viejo Superman, El Increíble Hulk, Batman, El Capitán
América, Rambo, Terminator, El Hombre Araña, El Hombre de Acero,
Transformers, Rápido y Furioso; y por último las producciones musicales
distribuidas por los grandes sellos discográficos: Justin Bieber, Miley Cyrus,
Dady Yankee y Maluma por citar algunas.
Es así que alguien pensó por nosotros y sin conocer el contexto decidió
qué entretiene y complace a niños y jóvenes de nuestro entorno.

Inducimos y entrenamos a los niños y jóvenes a percibir diferencias de

matices, formas, color, texturas, tonos, ritmos, sonidos, calidades de movimiento,
acentos, timbres, sensaciones físicas y emocionales, por citar algunas. Pero,
¿analizamos con nuestros estudiantes el "sentido" al que aluden
Beatríz
Sarlo y José Saramago?
Cuando preparamos el telón, las tarjetas de invitación, los suvenires para un
acto escolar o armamos un friso para adornar el aula, cuando seleccionamos
una obra de teatro para ser representada, cuando pensamos la coreografía para
un baile, cuando acompañamos a los estudiantes a seleccionar el diseño de

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remera y de la bandera de la promoción, cuando elegimos un video o una película
como herramienta pedagógica, ¿reflexionamos, analizamos y somos conscientes
de la producción de sentido que conlleva la selección de un determinado producto
artístico? o ¿lo hacemos influenciados por los medios de comunicación o “ medios
de persuasión” como expresa Saramago?

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