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IRRUPCIÓN DE LOS NUEVOS MEDIOS

EN LA EXPRESIÓN ARTÍSTICA.

ZURISADAY KERGUELEN BASA

CÓDIGO: 1064722702

UNIVERSIDAD NACIONAL ABIERTA Y A DISTANCIA

ESCUELA DE CIENCIAS SOCIALES, ARTES Y HUMANIDADES
PROGRAMA DE ARTES VISUALES
09 DE DICIEMBRE 2021
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Tabla de Contenidos

Pág.
Introducción………………………………………………………………………………… 3
Noción del New media en el contexto
local……………………………………………………………….......................................... 4
Artistas Postmedia en Latinoamérica ……………………………………………………. 9
Intersección de lo interactivo ……………………………………………………………… 13
Conclusión …………………………………………………………………………………… 18
Referencias …………………………………………………………………………………… 19
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Introducción

Por medio de la presente se da a conocer lo que tratará el presente trabajo, el cual emplea
en su contenido: noción de nuevos medios en el contexto local, artistas de la postemdia en
Latinoamérica, intersección de lo interactivo; lo anterior dentro del marco de la era digital, los
nuevos medios, y la expresión artística, por lo que iniciaremos dando un concepto acerca de la
definición de los nuevos medios y las características que estos poseen.
Los nuevos medios se definen como objetos a nivel cultural que se desarrollan basado en
la tecnología y comunicación y abarcan varios ámbitos, no solamente el computacional y redes
sino también los procesos en diferentes medios digitales y perspectivas.
"Un nuevo medio podría definirse como cuando algo corrige el tema anterior de otro con
métodos que le son contemporáneos" (Wikipedia, 2011)
Según Manovich, Lev, (2001) existen ciertas formas de entender los nuevos medios, esto a
través de lo que llamó principios, y que desgloso de la siguiente manera:
Representación digital: Convertir cualquier información en códigos.
Modularidad: Al hacerse la información computable ésta puede distribuirse en módulos.
Automatización: Funciones que permiten hacer el acceso del usuario más rápido y
predeterminado.
Variabilidad: Ya no existe una copia igual para todos, sino que ahora puede personalizarse en
tiempo real de acuerdo al gusto de cada persona.
Transcodificación: El contenido mostrado a los usuarios es acorde con su contexto.
Todos estos cambios impactaron en todos los medios diversos y en las personas en general,
uno de ellos y de los cuales especificaremos en este trabajo es las artes, la expresión artística;
desde tiempos remotos el ser humano ha tenido la necesidad de expresarse según los contextos
que le rodeen, así, por ejemplo, en un inicio el ser humano se expresaba mediante jeroglíficos,
y representaciones que con el paso del tiempo fueron cambiando; al llegar a los nuevos medios
el ser humano a través de la tecnología ha evolucionado su forma de comunicarse y así lograr
adaptar su expresión a este. Esta adaptación representó un cambio para los artistas en las cuales
debían adaptar tanto el contexto de sus obras, como la forma de realizarlas y llegar a los
diferentes públicos de manera diferente.
Por lo anterior, se presenta la respuesta a la noción, la conciencia del cambio, y sus efectos
en el contexto local, el impacto en los artistas de Latinoamérica, y la comunicación e
intersección de lo interactivo.
Ya que somos conscientes del impacto de los nuevos medios en el arte analizamos y resaltamos
sus características en los artistas a la hora de representar sus obras, desde la creación como tal
y los materiales, hasta el contexto en el que se crea, y la posterior recepción y participación que
se le da a los espectadores; para lo anterior y luego de una investigación previa, se da las
características de cada temática y se presenta un artista para cada ejemplificación.
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Noción del New media en el contexto local

Artista colombiano o colectivo artístico características de una obra enmarcada en
los nuevos medios.
Entre las características de un artista de nuevos medios se puede resaltar:
 Llegar a cualquier parte y darse a varias personas.
Sobre la irrupción de los nodos técnicos de reproducción en los cuales su capacidad de
recolección colectiva, es decir darse a varios sujetos a la vez en varios lugares a la vez.
 Muestran las carencias del mundo actual.
En el siglo XXI la obra de arte coincidía con el mundo en su factura, hoy coinciden con
el mundo en sus carencias, y exclusiones.
Así lo afirma Martín Prada, J. (2013). En Otra época, otras poéticas1
“Los artistas llevan mucho tiempo poetizando la desidentificación formando una vía que
podríamos llamar “poéticas del desarraigo”.
Por lo anterior los nuevos medios van dominando el eje central de las nuevas poéticas.
 Atemporalidad
Las obras poseen una atemporalidad y desde la historia eran un anticipo del futuro, de ahí
que el cine es un ejemplo de ello, este fue evolucionando mostrando la atemporalidad en
algunas de sus obras logrando con el paso del tiempo una interconexión entre pasado,
presente y futuro.
Así lo explica Sardá, R. Roncero, (2015). Comportamientos artísticos en la era de los
nuevos medios.
En el ámbito del arte se ha rechazado la lógica temporal teleológica
por considerarse propia de un pensamiento etnocéntrico. Las teorías
sobre la nueva temporalidad se han multiplicado. Keith Moxey (2013)
en su célebre artículo “Is Modernity Multiple?” hablaba sobre la
apertura de la temporalidad occidental a nuevas concepciones
migradas desde Asia. Christine Ross (2014), por su parte, estudia la
temporalidad como una relación simbiótica entre el pasado, el
presente y el futuro; mientras que Didi-Huberman (2005) ha hecho
hincapié en la heterocronía de la imagen, es decir, en las diferentes
temporalidades contenidas en la misma.
 No se distingue solo en su aparición, sino que cambia así mismo a través del tiempo.
A lo largo de la historia ha construido escenarios posibles para que perduren durante el
tiempo, no congelándose sino, cambiando su forma invitando a experimentar diversas
formas de ser comunicadas para ello se aclara:
La obra de arte, pues, debe ser invitación a la experiencia de formas comunicativas y
de experiencia sutiles y activas, exigentes siempre de interpretación. Sería de hecho posible
afirmar que la relación que establece el espectador con una obra sería un modelo de actuación de
deseable aplicación a todas las circunstancias y momentos de la vida: un tipo de relación que,
trasladada al ámbito de lo social, sería equivalente a la promoción de una ideal otredad radical:
amar la diferencia en vez de simplemente tolerarla. Brea, J.L. (2004). ArteUna. El tercer Umbral.
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 Se caracteriza por ser diferente

La obra de arte, pues, debe ser invitación a la experiencia de formas comunicativas y de
experiencia sutiles y activas, exigentes siempre de interpretación. Sería de hecho posible
afirmar que la relación que establece el espectador con una obra sería un modelo de
actuación de deseable aplicación a todas las circunstancias y momentos de la vida: un
tipo de relación que, trasladada al ámbito de lo social, sería equivalente a la promoción de
una ideal otredad radical: amar la diferencia en vez de simplemente tolerarla.
 Está cargada de simbolismo político
Lo que Según Benjamín logró identificar en cuanto a la reproducción de las masas y
reproducción de la tecnología, podría decirse que la experiencia frente a una obra paso de
ser significativa y artística a pasar a tener un significado político.
Acorde con lo anteriormente mencionado he decidido hablar sobre el artista Álvaro
Barios, artista Colombiano oriundo de Barranquilla, conocido por su heterogénea obra, con un
poco de surrealismo, pop Art y arte conceptual basado en obras de los años 70, en ella logra dar
un simbolismo político, recrea y desafía la imaginación y conciencia, sus composiciones logran
una obra con sentido del humor e intriga, Barrios viajó a Italia donde estudió; tuvo muchas e
importantes exhibiciones a través del mundo logrando que sus colecciones se expusieran en
lugares como el museo de arte de Nueva York, el Centro Wifredo Lam, en Cuba y el museo de
arte moderno de América Latina en Washington, D C.
En 1996 fue lanzado como artista en Bogotá dándole ideas a Marta Traba para la
realización curatoriales, su obra se basa en las tiras de Dick Tarcy, maneja el arte conceptual, su
obra se caracteriza por el uso de dibujo, collage, fotografía. Además, Barrios es considerado un
excepcional dibujante, emplea técnicas como el grabado, es considerado uno de los artistas más
versátiles y singulares en el mundo artístico colombiano.
De acuerdo a lo anterior y basado en especial en algunas de sus obras, en esta ocasión
y de manera más enfática en: La leyenda del sueño, podemos deducir que el contexto de Barrios
iba ligado a la singularidad y lo atemporal por medio de la sustitución presenta una vista
diferente.
Otro rasgo a resaltar en el contexto de Barrios era su capacidad para ser tan versátil en
sus temáticas, basaba su trabajo en investigaciones previas de carácter ocultas para la ciencia,
practicas espiritistas, entre otros.
En el mundo de Barrios, las batallas entre esos dominios sucumben ante el capricho de
la rueda de la fortuna que fluctúa entre lo alto y lo bajo, el bien y el mal, y se reemplazan unos
con otros. Él se adhiere a los poderes del alquimista y a la supremacía de la sustitución. Barrios
nos entrega una mirada del mundo del arte con tonos humorísticos, críticos y celebradores a la
vez.
Una vez mencionado esto podríamos decir que toma la obra de Dick Tarcy y reordena
el valor icónico de cada objeto presentado, se basa en la tira cómica como una base sin intervenir
en sus características y presenta sus ideas subordinadas sobre el arte y la representación, llegando
a la conclusión de que: “Con sus caricaturas, Barrios redefine, inteligentemente, el significado de
la belleza, el contenido y la forma tanto en la historia del arte del siglo XX como en su propia
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producción artística. Barrios transmite, como Duchamp, el júbilo que produce <<arroser la
vie>>”. Álvaro Barrios. (s. f.). Banco de la República.
Ahora veamos de manera más detallada la forma de Barrios llegar a cualquier parte y
darse a varias personas.
El atractivo, que exudan las caricaturas en el espectador, es una cualidad que Barrios
utiliza hoy en su propio beneficio con el fin de insertar el objeto de arte en los variados tipos de
distribución. “. Aunque su preferido era el periódico las tiras cómicas en el periódico (el papel),
Barrios se extiende a otros modos de reproducción, logrando llegar a cualquier parte y a varias
personas. (Sokoloff, A. (s. f.). Álvaro Barrios. Banco de la República.)
De esta forma podemos ver diversas obras de barrios en fotografía, grabado,
ilustraciones, recorriendo diversos formatos y materiales donde se plasman físicos y digitales, el
tamaño de sus obras va desde los más mínimos hasta grandes tamaños, abarcando así diversos
públicos a través del tiempo.
Los grabados populares son el destino último de buena parte de las obras de Barrios,
aunque se produzcan luego de pasado algún tiempo o años después de "los originales". Su
proceso inicia casi siempre a través del dibujo, medio que maneja con gran virtuosismo
desde muy temprana edad y que combina con el conocimiento que tiene de las técnicas
del color y los materiales pictóricos. Del dibujo pasa a la tinta o a la acuarela, llevando la
misma imagen a la pintura y luego a la impresión, con las mismas técnicas de los
periódicos y las revistas, para lograr el producto final de su pieza en tirajes de miles. Lo
que en principio es una obra única en su medio, se despliega en la reproductibilidad de
los medios masivos con las técnicas del momento. L. (2018b). La leyenda del Sueño -
Álvaro Barrios. Esculturas de Colombia.
A continuación, se muestra un ejemplo de sus obras plasmadas en periódico.

Barrios, A. (2018). Shh [JPG].

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Como anteriormente fue mencionado, Barrios retoma las obras y la reutiliza sin
cambiar sus características, logrando un intercambio de atributos y formando uno propio. En esta
obra presenta una crítica sobre las carencias que existen en el mundo, en la sociedad, con la
intención de que se logre conocer de una mejor manera, así, logra mostrar su capacidad para
posicionar su obra en los nuevos medios, mostrando las problemáticas de la sociedad,
representándolas con diversos conceptos y símbolos.
Hablando ahora con respecto a lo diferente de la obra de Barrios, esta se presenta de
manera atípica, logrando así atraer al espectador e invitarlo a exigirse en cuanto a su
interpretación, logrando de esta manera disfrutar de lo diverso, acerca de lo anterior se resalta de
su obra lo siguiente:
Pero esta vida de las imágenes colectivas es recreada y compartida por Barrios en algo
más allá de lo normal, expresado y vivido a través del mundo de los sueños. Aquel mundo
onírico del que gustan los poetas, filósofos, magos y oculistas, que sucede en la conciencia
dormida. Desde el sueño emulado, desde la fantasía, Barrios busca penetrar en lo vivido de la
sociedad que nos habita, una crítica, un autoconocimiento de ella. En su juego de transpolar el
tiempo en sus obras recurre a algo semejante a un futurismo arcaico como una crítica desde el
presente, donde el pasado hospeda a lo que la sociedad, en su devenir causal, estaría abocada en
el futuro. L. (2018c). La leyenda del Sueño
Avanzando en nuestro razonamiento, Barrios toma diversos temas, figuras de
diferentes épocas y hace posible que permanezcan durante el tiempo, logrando así una
atemporalidad, un ejemplo de ello está en su obra sueños ilustrados donde retoma figuras de
esculturas antiguas, y la combina con la monumental plaza de Nuevo York y crea lo que podría
verse como una utopía en el tiempo y entre el tiempo directamente, logrando una interconexión
entre pasado, presente y futuro, esto con respecto a su significado.
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Barrios, A. (2018). Soñe que todas las esculturas antiguas se

reunieron, [Ilustración].

Para ir concluyendo y hablando ahora sobre la capacidad la capacidad de la obra de no

solo distinguirse en su aparición, sino que cambia a lo largo del tiempo, la obra de
Barrios nos muestra de manera clara que no se congela si no que cambia su forma,
creando diversas historias posibles invitando a explorar nuevas formas de la historia. Por
todo lo anterior podemos decir que Álvaro Barrios es una artista de nuevos medios,
logrando reunir todas las características en sus trabajos, en su forma de pensar, de
emplear conceptos, de implementar objetos diversos, dándole un sentido matérico a su
obra.
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Artistas Postmedia en Latinoamérica

Para dar respuesta a la interrogante planteada es pertinente aclarar cuales con las
características de un artista postmedia entre las que destacamos:
 No solo se queda en un medio, sino que tiene la capacidad de multiplicar versiones
diferentes de si, y mantenerse en el tiempo.
 No es un rival de los medios analógicos, al contrario, resalta su valor, y prolonga su
existencia. Para ello Rosalind Krauss afirma: “En esta fase se propuso por parte de todos
los medios, ya sea en pintura o fotografía, trabajar especialmente el mundo medial
singular y específico de cada medio respectivo. La pintura mostraba el valor propio de los
colores, el fluir, el gotear, escurrir. La fotografía demostraba su potencia reproductiva y
fiel de la realidad. El cine mostraba su capacidad narradora. El video demostraba la
subversión crítica suya respecto de la televisión como medio masivo. El arte digital
demostraba su potencia imaginativa para los mundos virtualmente artificiales.”
 Puede mezclarse, en esta característica se describe de la siguiente manera: “Esta mezcla
de medios ha conducido a innovaciones extraordinariamente grandes en los medios
correspondientes y en el arte. La pintura se ha revitalizado, por tanto, no por sí misma,
sino a través de la relación con los otros medios. El video vive del cine, el cine vive de la
literatura, la escultura vive de la fotografía y del video. Todos viven de las innovaciones
técnicas digitales. El código secreto de todas estas formas de arte es el código binario del
computador, y la estética secreta son las reglas algorítmicas y los programas. Esta
situación de la praxis artística actual ha sido descrita por eso como la condición
postmedial, porque ya no domina un medio por sí solo, sino que los medios se
influencian y condicionan entre sí. La cantidad de todos los medios constituyen un medio
universal que se contiene a sí mismo. Tal es la condición postmedial del mundo de los
medios en la praxis artística de hoy.”
 La postmedia especifica el medio, es decir que el avance depende del orden y de la
tradición en cuanto a la estética.
 Posee un soporte técnico, puede ser de investigación, sonidos, entrevistas para construir
retratos, entre otros para ello se aclara de siguiente manera: “Implícitamente
reconociendo el hecho de la declaración del postmodernismo en torno a la muerte de la
pintura, así como de la escultura, los artistas que aun encuentran la retransmisión de
algún tipo de medio necesario para la posibilidad misma de significación artística,
necesitan reemplazar los soportes tradicionales de los medios estéticos, ahora pasados de
moda, como el óleo sobre tela, el yeso sobre armadura de metal, o la imagen grabada
sobre bloque de piedra. Para estos fines, han tendido a adoptar lo que necesita llamarse
“soportes técnicos,” para los cuales los géneros comerciales o los objetos podrían servir
como el eje (o el apoyo) de su práctica.”
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Marta Minujín

Mara Minujín nacida en Buenos Aires, Argentina en 1943, destacada por su “arte mediático”,
es una artista multifacética, que no solo se centra en un método de expresión de su arte, sino que
se extiende a otros medios, como la escultura, la ilustración, la pintura, exposiciones al aire libre,
performance, obras, masivas, fotografía.

Por otra parte, analizando su obra se describe como un tipo de arte conceptual y postmedial,
relacionado con la filosofía, lingüística, tautología, centrada en la ideología de querer mejorar las
condiciones de la sociedad que se encuentran en estado de precariedad, la idea principal es
mostrar a través del arte la vida urbana y sus grandes problemas morales en cuanto a
problemáticas sociales.

Las características de sus obras son descritas de la siguiente manera:

Marta Minujín es un personaje clave en esta dinámica. Transgresora y tenaz, excéntrica y

siempre dispuesta a derribar los cimientos que soportan lo convencional, sus trabajos son
radicales y sorprendentes… se revela como un personaje de carácter público, rebelde, lúdico y
popular, signos que no eclipsan un tremendo rigor intelectual en cada creación pues la artista es,
en palabras de Noorthoorn, “un ejemplo de método, precisión, resistencia, generosidad y espíritu
crítico” Noorthoorn, M. & Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires. (2010, diciembre).
Entre las obras a resaltar se encuentra varias, la mayoría de sus obras son representativas, en esta
ocasión he querido seleccionar la siguiente:

Nombre: Colchón (Eróticos

en technicolor)
Fecha:1964
Período: Arte Siglo XX -
XXI (1945-actualidad)
Escuela: Argentina S.XX
Técnica: Témpera,
gomaespuma
Objeto: Instalación
Estilo: arte pop
Género: objeto

Marta Inés Minujín. (2015). [Jpg].

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Soporte: Sobre tela y gomaespuma

Medidas:160 x 88 x 24 cm.
Esta escultura colgante está construida con resortes gruesos que la sostienen, realizada en
algodón, y pintada con témperas fluorescentes, las cuales van rellenas con goma espuma, los
colores que lo componen son vibrantes.
Su relación se describe por la curadora Maria Jose Herrera, del museo de Bellas Artes
en Buenos Aires Argentina:
Mecerse en estas esculturas rememoraba el rebote sobre un cotín, como se llama en
lunfardo a la cama. En años de proclamación de liberación sexual, la incitación a
“revolcarse y vivir” era una consigna provocadora también por el uso del lenguaje
popular. Las citas al lunfardo, la jerga baja, el lenguaje del tango, se reiteran en la obra de
Minujín.
Herrera, M. J. (s. f.). Colchón (Eróticos en technicolor).
De acuerdo a Marta sus obras siempre van más allá de una representación, ella
ensambla pinturas, con las misma figuras y colores realiza, dibujos, esculturas textiles, y por
último construye una estructura habitable con colchones, esto le brindaba al espectador la
necesidad de recorrer las obras para entenderla y así experimentar la vivencia de la artista; a lo
que se le llama “vivir el arte”
En Eróticos en technicolor los distintos volúmenes blandos, orgánicos, se anudan,
interpenetran, en alusión a dos cuerpos durante un acto sexual. La provocación del tema
se veía intensificada en el título con la inclusión del término technicolor: como en las
películas de entonces, el technicolor ofrecía fidelidad a la realidad. Minujín tomó el
atractivo de ese reclame de la cultura popular cumpliendo, irónicamente, con una de las
tradiciones más añejas del arte, la de ser reflejo de lo visible. de Cultura, G. D. S. S. D. D.
L. D. D. D. E. |. (s. f.). Colchón (Eróticos en technicolor). Museo Nacional de Bellas
Artes.
En consecuencia, Marta Minujín reúne las características de un artista postmedia
dado que sus obras no solo se quedan en un medio, sino que tiene la capacidad de multiplicar
versiones diferentes de si, y mantenerse en el tiempo. No es un rival de los medios
analógicos, al contrario, resalta su valor, y prolonga su existencia, puede mezclarse entre
artes, técnicas y materiales, especifica el medio en cuanto a su orden y estética, y posee un
soporte técnico en base a como se había mencionado anteriormente las grietas de la sociedad.
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Intersección de lo interactivo
Acerca del arte interactivo y la interactividad como tal, el arte interactivo se describe como el
tipo de arte en el cual se involucra al espectador en el proceso de función de la obra. Entre sus
características podemos resaltar que puede ser en un espacio físico a modo de instalación o
meramente digital, a menudo usa medios electrónicos, para controlar los movimientos y las
acciones del espectador el cual se refleja en la obra.
De esta manera González, P. (s. f.). Sobre Interactividad en el Arte digital. Resalta:
El arte como creación libre reflexiona sobre la experiencia del sujeto en el mundo y explica el
entorno donde obra y sujeto conviven. Y tal como sostiene V. Flusser el arte se basa en el
dialogo con otros sujetos y se construye como comunicación. De esta manera podemos decir que
el sentido de las artes debemos buscarlo en las funciones que estas desempeñan en las
comunidades y en su capacidad llegar a establecer un diálogo con los observadores puesto que es
a través del proceso comunicativo que aporta conocimiento.
Por ello mismo se busca la complicidad con el espectador, la participación de este en la
recepción de la obra mediante su implicación en la construcción de la misma.
González, P. (s. f.). Sobre Interactividad en el Arte digital
De acuerdo a lo anterior se presenta el siguiente artista el cuál analizaremos para mostrar
como su obra hace una representación directa de lo que sería el arte interactivo.
Rafael Lozano-Hemmer
Nació en 1967 en la Ciudad de México, estudió Química y física en la Universidad de
Concordia de Montreal, Canadá, a pesar de venir de una familia de artistas, Hemmer decidió
estudiar química y física, al estar siempre rodeado de coreógrafos, bailarines, actores y demás
empezó a ayudar a construir las escenas y crear escenarios performáticos; con el tiempo se
convirtió en un artista electrónico con un interés en la tecnología la arquitectura y el
performance. Su fuerte es la realización de instalaciones a gran escala, en ellas fusiona
espectáculos de luz, sonidos, y efectos especiales, en su mayoría estos de carácter interactivo en
la cual incluye la participación de los espectadores a través de sensores, espejos, detectores, entre
otros. Sus proyectos son presentados mayormente en museos y espacios públicos, y enfatizan
principalmente en el control que el espectador ejerce sobre los medios que componen la obra.
De esta manera Hemmer es considerado uno de los artistas más interesantes e innovadores por
lo que su obra e inspiración se describe de la siguiente manera:
Inspiradas en una extraña fantasmagoria, sus instalaciones lumínicas de gran
formato (que integran algunas de sus piezas más famosas) parecieran monumentos a
mundo extraterrestres y han sido comisionadas para muchos espacios y sucesos. El
trabajo de Rafael Lozano-Hemmer también sobresale en su producción audiovisual que
incluye videos interactivos, robótica, fotografía e instalación sonora. Pero su uso de la
tecnología tiene una finalidad especial y también noble: la rehumanización del sujeto (de
su público, tal vez) a través de la tecnología contemporánea y la necesaria vinculación
con la máquina que esto supone. Así su arte es público pero intimista, además de
probarse profundamente evocativo.
M. (2018, 9 enero). MXCity
Por otro lado, hablando sobre la obra, y la percepción de ésta a través de la información que
brinda para su compresión, podemos decir que esta es clave para poder comprenderla, sin
embargo, en el arte interactivo no hay un tiempo para aprender ni para leer un manual sobre la
obra, así lo afirma (Csikszentmilhayi, 20014). De esta manera el espectador solo tendrá una
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percepción de la obra desde la parte práctica, logrando una especie de comunicación entre el
público y la obra, conforme a esto González, P. (s. f.). Sobre Interactividad en el Arte digital.
Universitat Oberta de Catalunya, resalta:
Desde esta influencia el espectador ya no se concibe como el perceptor pasivo, sino que la
percepción está en el centro de la practica estética hacia una estética cibernética donde se
producen sistemas interactivos que propician una especie de comunicación estética entre el
público y el programa, una especie de juega que puede ser llevado a término mediante pantallas,
proyecciones y otros medios, tal como dice Franke.
Las artes, entendidas ya no como creadoras de objetos exhibitivos sino como generadoras de
comportamientos, de situaciones a partir de las cuales es posible generar nuevas formas de
relacionarse con el mundo y la realidad, buscan también establecer esos espacios de
comunicación entre hombre, máquina y sociedad generando nuevas interfaces como elementos
de conexión que facilitan el intercambio de datos.
González, P. (s. f.).
Dicho lo anterior, detallándonos más en el desarrollo de la obra de Hemmer, cada proyecto
realizado por el artista lleva detrás una compleja elaboración dado que emplea programación,
ingeniería, exploración de ideas históricas o científicas, entre otros, un ejemplo claro de ello, se
aprecia en su obra llamada:
Primera Superficie realizada en el 2012.

Lozano Hemmer, R. (2012). Rafael Lozano-Hemmer, "First Surface, [Jpg]. RAFAEL

LOZANO-HEMMER.
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Nombre:
Primera superficie
Año de creación:
2012
Técnica:
computadora, Kinect, proyector, metal, motor, Procesador Arduino, Espejos de superficie
frontal
Dimensiones: soporte de pared 72 x 44 x 30 cm
imagen 175 x 122 cm

La obra se describe de la siguiente manera:

Dos espejos de superficie frontal están suspendidos de un hilo y se mueven con el flujo de
aire y con un pequeño motor. Proyectada en la pared detrás de los espejos hay una representación
virtual en tiempo real del público visto desde la perspectiva de los espejos. El público se
representa como siluetas estampadas en 3D ancladas en un prisma de referencia que gira con los
espejos. La pieza es un "apocatoptron" (derivado del griego Apo- para "lejos de" y katoptron,
para "espejo") un intento de construir una perspectiva artificial sobre el sujeto reflejado.
Rafael Lozano-Hemmer - First Surface. (2012). RAFAEL LOZANO-HEMMER.

Avanzando en nuestro razonamiento, podríamos argumentar que la obra de Hemmer,

es una muestra del acercamiento del término interactivo y su instauración en el arte
digital, como diría Vázquez Zapata, I. (2015): en La interactividad como
arte, Icono 14, volumen (13):
Existen experiencias que incorporan componentes narrativos en instalaciones complejas que
compiten performativamente con las formas tradicionales del espectáculo cultural. La variedad y
complejidad del arte interactivo está vinculada con la incorporación de los avances tecnológicos
en una forma que sea accesible para quienes lo contemplan. Esta relación debe ser analizada para
comprender la diversidad que fundamente la interacción de la obra de arte y la complejidad de
los procesos entre creadores y espectadores.
Vázquez Zapata, I. (2015
De esta manera la obra de Hemmer y su relación con la tecnología representa hasta donde se
ha logrado llegar, un punto donde el espectador tenga un vínculo con la obra; lo cual en palabras
del mismo artista sería: “No se me ocurre ninguna disciplina plástica que no valore o incluso
presuma de desarrollar un cierto conjunto de herramientas o lenguaje tecnológico. Desde la
pintura hasta la escultura, todo tiene relación con las herramientas o mecanismos para plasmar
conceptos, sensaciones y preguntas. Siempre digo que trabajo con tecnología porque es algo
inevitable, es el lenguaje de la globalización y forma parte de nosotros mismos.”
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A continuación, se presenta imágenes de muestra de la obra:

Rafael Lozano-Hemmer, "First Surface, Shadow object 3", 2012

Rafael Lozano-Hemmer, "First

Surface, Shadow object 3", 2012.

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Conclusiones

En conclusión, podemos decir que los nuevos medios trajeron consigo diversos cambios, y en
la expresión artística lograron cambiar por completo la forma de ver, de interpretar, de crear y de
percibir el arte, así, por ejemplo, en el contexto local, los nuevos medios fue una forma de
expresar mediante el arte las carencias del mundo actual, dándole un simbolismo político, a las
obras y uniendo objetos de diferentes épocas, lo que lo hace atemporal. De igual forma, para los
artistas es una nueva forma de inmortalizar el arte puesto que aparte de la temática, y del impacto
que causo en la sociedad; le brinda a los artistas la posibilidad de que sus obras no queden en un
medio sino multiplicar versiones diferentes entre sí, y llegar a diferentes públicos; lo anterior
probablemente sea causa para pensar que los medios analógicos quedaron atrás y que los nuevos
medios están en contra, sin embargo, los nuevos medios no están en contra, sino que resaltan su
valor y prolongan su existencia. De esta manera el artista puede pasearse entre artes, técnicas, y
materiales teniendo como soporte técnico las grietas de la sociedad y como lienzo una gran
variedad de medios.
Al mismo tiempo, con los nuevos medios llego la interactividad en las obras y la intersección
que estas produjeron entre sujeto y obra; por lo anterior el arte le brinda al espectador la
oportunidad de convivir con la obra, se tiene una comunicación, se vive la capacidad de
establecer un diálogo con los observadores a través de procesos comunicativos y que aportan
conocimientos. Esto resalta una de las tantas cualidades del arte y la fusión con los nuevos
medios; en conclusión, la expresión artística y los nuevos medios es un nuevo modo de ver y
expresar sentimientos, emociones, pero también problemáticas, además de esto le sede el control
al espectador haciéndola parte de si mismo, logrando así incluir y de alguna manera acercarnos
más al arte.
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Lista de Referencias

Ávila, N. (2013). Interactividad y arte interactivo. La realidad virtual inmersiva.

https://www.researchgate.net/publication/

39283866_Interactividad_y_arte_interactivo_La_Realidad_Virtual_Inmersiva

Alsina, P. (2010). Sobre la interactividad en el arte digital.

https://aipo.es/articulos/3/59.pdf

Álvaro Barrios. (s. f.). Banco de la República. Recuperado 27 de septiembre de 2021, de

https://www.banrepcultural.org/alvaro-barrios/textos4.html

Alvaro Barrios. (1945). NH Galeria. http://www.nhgaleria.com/alvaro-barrios

Barrios, A. (2018). Shh [Jpg]. https://esculturasdecolombia.blogspot.com/2018/11/la-leyenda-

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Barrios, A. (2021). «Sueños Ilustrados» [JPG]. https://tienda.artedos.com/collections/artista-

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Brea, J.L. (2002). La era postmedia. Recuperado de http://fba.unlp.edu.ar/lenguajemm/?

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de Cultura, G. D. S. S. D. D. L. D. D. D. E. |. (s. f.). Colchón (Eróticos en technicolor).

Brea, J.L. (2004). ArteUna. El tercer Umbral. Estatuto de las prácticas artísticas en la era

del capitalismo cultural. Recuperado de https://www.arteuna.com/CRITICA/J-L-Brea.htm  

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