Artes Escenicas en El Espectaculo España PDF

LA FORMACIÓN PARA LAS PROFESIONES
TÉCNICAS DEL ESPECTÁCULO EN VIVO
Instituto Complutense de Ciencias Musicales.

Master en Gestión Cultural
Eloísa Segura Hernández

9ª Promoción 2005 –2007
Diciembre de 2007
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CONTENIDOS PÁGINAS
1. INTRODUCCIÓN.................................................................... 3
1.1. Las Artes Escénicas en el sector cultural............................... 5
1.2. El Espectáculo en Vivo........................................................ 7
2. LAS PROFESIONES DEL ESPECTÁCULO EN VIVO:

CONCEPTOS CLAVE.................................................................. 11
2.1. Tareas, ocupaciones y funciones en las Profesiones Técnicas. 17
2.2. Equipos de trabajo........................................................... 28
2.3. Tipos de organización – Organigramas................................ 31
3. BREVE HISTORIA DE LAS TÉCNICAS

DEL ESPECTÁCULO EN VIVO.................................................... 34
4. LA FORMACIÓN PARA LAS PROFESIONES

TÉCNICAS DEL ESPECTÁCULO EN VIVO................................... 45
4.1. España: Los Certificados de Profesionalidad........................ 47
4.2. El Instituto Nacional de las Cualificaciones.......................... 49
4.3. Europa: Los proyectos FIRCTE y EPTE................................ 53
4.4. El personal docente en la enseñanza para
las profesiones técnicas......................................................... 65
5. PRESENTE Y FUTURO: INNOVACIÓN Y EMPRENDIZAJE...... 67
REFERENCIAS BIBLIOGRÁFICAS............................................ 72
REFERENCIAS WEB................................................................ 73
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1. INTRODUCCIÓN
El presente trabajo pretende mostrar una visión del panorama que

en Europa existe respecto a las profesiones técnicas del espectáculo en
vivo. Centraremos esta visión en un aspecto que creemos es
especialmente interesante y, sin duda, está algo descuidado desde el
plano académico: Cómo se forman los técnicos y qué formación es
necesaria: inicial y continua.
Nos encontramos en un sector, el del espectáculo en vivo que, en

general, presenta una gran problemática que radica fundamentalmente en
la financiación y gestión. En un país como España aún no ha despegado el
concepto de fomentar que las artes sean apoyadas desde lo privado, esto
dificulta aún más las posibilidades de rentabilidad de un sector que ya por
sí mismo suele ser deficitario. La gran baza con la que contamos hoy en
día radica en el hecho de que hay una desmesurada invasión en la
sociedad de cosas materiales que hace que buscar y vivir experiencias sea
considerado un verdadero lujo. Esta es la verdadera razón de ser del
espectáculo en vivo: la vivencia de experiencias.
Sin duda estas problemáticas revierten inevitablemente en las

condiciones laborales de los profesionales del sector. Tanto intérpretes
como técnicos, así como productores y organizadores de eventos lidian a
diario con regímenes laborales que no se adecuan a su situación
específica, horarios muy duros, suplantación profesional (personas no
cualificadas) ...
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La especialización respecto a las profesiones técnicas que se está
viviendo en la actualidad no tiene una vida demasiado larga, sobretodo si
tenemos en cuenta la larguísima historia del espectáculo en vivo.
Solamente desde mediados de los años 90 existen proyectos de

apoyo a la formación para este tipo de profesiones se trata del proyecto
europeo FIRCTE. Del mismo modo se ha llegado a reconocer la
experiencia adquirida por estos trabajadores por medio de certificados de
profesionalidad y se han incluido algunas categorías en el Catálogo
Nacional de las Cualificaciones mientras que se sigue trabajando en otras.
Es decir, se está avanzando pero a pequeños pasos. Tanto en el

reciente Plan General del Teatro como en el Plan Estratégico para la
Cultura en Andalucía, se considera la importancia que reside en la
detección de las nuevas necesidades profesionales que surgen en los
distintos ámbitos del mundo de la cultura y las artes. Estas nuevas
profesiones necesitan contar con una oferta formtiva especializada y
adecuada.
Tal y como plantea el P.E.C.A.:
“Las instituciones son los espacios de participación

cultural más frecuentados por los ciudadanos, es en ellas donde se
produce un mayor intercambio y disfrute de la cultura [...] Para que pueda
de verdad ser así, hay que buscar el perfil idóneo de los nuevos
profesionales que han de guiar sus cometidos. Dibujar las nuevas
estructuras de formación. Tal vez poner las bases de un nuevo cuerpo de
profesionales del sector tanto público como privado, que venga a
acompañar a los que hasta hoy han hecho crecer la institucionalidad
cultural.”
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1.1. LAS ARTES ESCÉNICAS EN EL SECTOR CULTURAL
La aportación del sector cultural al PIB nacional es un signo de la

relevancia que, desde el punto de vista económico-financiero, el sector
cultural tiene en nuestro país. Asimismo, el espectáculo en vivo y las Artes
Escénicas: Música, Teatro y Danza, representan un alto porcentaje de
actividad dentro de dicho sector.
En 2.003 hubo en España 51.354 representaciones, 11.803.408

espectadores y 12.349.030,00 euros de recaudación.
En el 4º trimestre de 2003, el gasto total realizado en Ocio,

Espectáculos y Cultura fue de un 8,93 %. El gasto medio por familia fue
de 389,20 euros y por individuo de 133,39.
De acuerdo con el Instituto Nacional de Estadística, teniendo como

fuente la Sociedad General de Autores y Editores, podemos observar
algunos datos relevantes respecto al sector:
GASTO MEDIO POR

Nº ESPECTADORES ESPECTADOR
AÑO AÑO AÑO

AÑO 2003 AÑO 2004 AÑO 2005 2003 2004 2005
DANZA 1.518.391 1.538.230 1.542.131 13,1 € 11,2 € 12 €
TEATRO 11.803.479 12.929.115 13.424.924 10,5 € 10,7 € 12 €
LÍRICA 1.019.584 1.090.717 1.133.095 31,3 € 31,3 € 33,4 €
MÚSICA
CLÁSICA 4.901.017 5.159.620 5.461.942 7,5 € 7,6 € 8,2 €
MÚSICA
EN VIVO 22.095.430 22.267.964 23.458.441 4,7 € 5,4 € 5,4 €
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Sin duda, las cifras más llamativas en cuanto a número de
espectadores son las referentes a la música en vivo, mientras que, el
Género Lírico despunta en cuanto al gasto medio por espectador.
El sector de Ocio, Espectáculos y Cultura en la Encuesta Continua de

Presupuestos Familiares ocupa la novena posición, por encima del gasto
que las familias hacen en enseñanza, hostelería y restauración, y otros
bienes y servicios.
Nos encontramos ante un sector industrial muy peculiar por lo

complicado de su gestión, financiación y rentabilidad económica.
Pero, a pesar de las dificultades y maravillas que el sector entraña,

existe y, por lo tanto hay gran cantidad de personas que viven de él.
Detrás de los, aproximadamente, veintitrés millones y medio

espectadores que asistieron a algún espectáculo de música en vivo,
encontramos un enorme número de técnicos profesionales que hacen que
dichos espectáculos sean posibles.
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1.2. EL ESPECTÁCULO EN VIVO
Entretenimiento, intelecto, educación, cultura, en directo. Ópera,

música, teatro, danza, circo, performances, videojockeys…el espectáculo
en vivo puede adquirir diversas y muy variadas formas. Se trata de uno
de los productos más peculiares de una compleja industria: el sector
artístico-cultural y de ocio y entretenimiento.
El espectáculo en vivo, como producto en el que la interacción con el

espectador lo hace único e irrepetible, es el resultado del trabajo en
equipo de un colectivo de profesionales que pertenecen a distintos
ámbitos: artístico-creativo, técnico, técnico-artístico y de gestión y
administración.
El concepto espectáculo en vivo es muy amplio; en muchas

ocasiones es utilizado para referirnos no sólo una representación escénica
sino también para acontecimientos que se realizan en directo ante público
como convenciones, actos singulares, mítines, pasarelas de moda, etc.
Como veremos, no es el caso del presente trabajo que se centrará en las
Artes Escénicas.
Suele haber bastante confusión terminológica. Según el Diccionario

de la Real Academia Española, el término espectáculo tiene las
siguientes acepciones:
(Del lat. spectacŭlum).
1. m. Función o diversión pública celebrada en un teatro, en un circo o en

cualquier otro edificio o lugar en que se congrega la gente para
presenciarla.
2. m. Conjunto de actividades profesionales relacionadas con esta

diversión. La gente, el mundo del espectáculo.
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3. m. Cosa que se ofrece a la vista o a la contemplación intelectual y es
capaz de atraer la atención y mover el ánimo infundiéndole deleite,
asombro, dolor u otros afectos más o menos vivos o nobles.
4. m. Acción que causa escándalo o gran extrañeza. Dar un espectáculo.
Principalmente, para nuestro objeto de estudio, nos atañe la

primera acepción. Es curioso, observar como la propia definición implica la
idea de “en vivo”, “en directo”:
“…congrega la gente para presenciarla.”
De la propia definición, podemos deducir ya algunos rasgos

intrínsecos al espectáculo en vivo: la importancia del elemento imprevisto,
la flexibilidad a la hora de reaccionar dando soluciones, lo efímero de la
exhibición, y todo aquello que la famosa frase “cosas del directo” nos trae
a la mente.
Tradicionalmente, el proceso de producción de un espectáculo en

vivo tiene un alto componente de actividad artesanal a diferencia de
desarrollo industrial que sigue la cinematografía y el sector audiovisual en
general.
El producto final condiciona los modos de trabajar de los distintos

profesionales de dichos tipos de espectáculo. Es decir, el iluminador de
teatro realiza distintas funciones de las que realiza un iluminador
cinematográfico y así ocurre con el resto de los profesionales ya sean del
equipo técnico o artístico de la producción.
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En el caso del espectáculo en vivo, el producto se hace para cada
ocasión. Es necesario que cada vez que se realiza la comercialización o
explotación del producto estén presentes la mayoría de los profesionales
que participan en el proceso.
El producto es irrepetible, no hay dos representaciones teatrales o

dos conciertos iguales.
En muchos casos, el espectáculo en vivo se define por oposición al

“espectáculo grabado”. A nivel terminológico y conceptual esta dicotomía
presenta controversia y hace que el grupo nominal “espectáculo en vivo”
resulte redundante.
En primer lugar, una grabación cinematográfica, una película, no es

un espectáculo a menos que se trate de la grabación de un evento
escénico, de una representación teatral, de danza, música o circo. Para
hablar de espectáculo es necesario que sea efímero, que produzca una
experiencia que solo sea retenida de manera sensorial y emotiva por el
individuo que vive como espectador ese momento único e irrepetible.
Cierto es que, hoy en día, es muy común, encontrar proyecciones
audiovisuales como un elemento más en una representación escénica.
Del mismo modo, no consideramos, en el presente trabajo,

espectáculo en vivo una conferencia de tipo académico, político o de
cualquier otro tipo por no estar en el ámbito de lo sensorial y emotivo.
Por otra parte existen un tipo de eventos conocidos comúnmente

como “espectáculos de luz y sonido” que si los incluyo en nuestro objeto
de estudio.
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Teatro, música, danza, circo, performance, espectáculos de luz y
sonido, videojockeys.
En definitiva, la denominación “espectáculo en vivo” es un galicismo

que proviene del llamado “spectacle vivant”. Dicha denominación ha sido
recogida y establecida como forma consensuada por las escuelas europeas
integrantes del proyecto FIRCTE para referirse al conjunto de acciones
realizadas para hacer posible la representación de una obra expresiva que
toma forma en directo delante de un público. Dichas acciones derivadas
de la representación en directo tienen lugar antes (pre-producción /
producción), durante (producción) y después (post-producción) de dicha
representación.
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2. LAS PROFESIONES DEL ESPECTÁCULO EN VIVO: CONCEPTOS
CLAVE
La especialización de las profesiones técnicas en las Artes

Escénicas en España es, sin duda, un sector en expansión en la
actualidad que, sobretodo, desde el punto de vista de la formación, no ha
recibido suficiente atención en el plano académico y, por lo tanto, se
encuentra necesitado de reflexión. A este respecto y, como veremos más
adelante, tanto las profesiones técnicas para el espectáculo en vivo como
la formación dedicada a ello necesitan más apoyo tanto público como
privado. A pesar de que en algunos casos, las administraciones públicas
incluyen estos aspectos entre sus planes estratégicos y líneas de
actuación, es cierto que aún queda mucho camino por recorrer sobretodo
en nuestro país.
Es bastante sencillo encontrar volúmenes y estudios acerca de los

distintos aspectos de la interpretación actoral o artística en general, así
como sobre cualquier área técnica de la iluminación, el sonido u otras
disciplinas. Pero, es casi imposible encontrar alguna reflexión teórica
específica acerca de las competencias en las que se desarrollan las
profesiones que realizan estas tareas artísticas o tecnológicas e, incluso
aún menos, sobre la oferta formativa existente para aprender estas
profesiones.
Especialmente en el sector de las Artes Escénicas, muchas

profesiones y oficios que, tradicionalmente, se han venido aprendiendo
por medio de la experiencia y en el propio lugar de trabajo, requieren en
la actualidad unas bases teóricas de envergadura y absoluta necesidad.
Esto ocurre tanto en las tareas de Gestión, Producción y Creación como en
las Profesiones Técnicas.
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Estos últimos, los oficios de las Técnicas del Espectáculo en Vivo,
todo lo “que no se ve”, conforma un mundo profesional donde talento
artístico y destreza técnica construyen el puente entre la realidad y su
significado. Es conveniente tener presente en todo momento que estamos
hablando de profesiones muy duras donde el índice de precariedad e
inestabilidad laboral es muy alto. Los técnicos de espectáculos,
habitualmente, trabajan por medio de contratos cortos que cubren
exclusivamente el tiempo que duran los bolos. Asimismo, suelen
desarrollar su labor en horarios difíciles, la gran mayoría de las veces de
noche finalizando la jornada a altas horas de la madrugada y,
probablemente, tras haber desmontado los equipos y puede que
realizando otras labores de esfuerzo físico.
En el presente trabajo se consideran las variedades de espectáculos

escénicos en vivo de música, teatro o danza y se considerarán tanto los
montajes más convencionales desde el punto de vista técnico y / o
artístico así como aquellas propuestas más arriesgadas que hacen uso de
las nuevas tecnologías y los recursos de última generación.
Teniendo en cuenta el creciente desarrollo del sector cultural y de

ocio, así como en el progresivo avance de la tendencia hacia la
especialización en las profesiones relacionadas con el mismo, podemos
decir que, en la actualidad, la literatura elaborada sobre este tema es muy
escasa, y la que existe no está publicada, sino que conforman
documentos de trabajo de instituciones u organismos, como el CTE, IT y
Escénica, FIRCTE, elaborados con un objetivo específico cada uno de
ellos.
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Del mismo modo, existe gran ambigüedad y confusión en cuanto a
los conceptos y términos relacionados con este tema, fundamentalmente a
la hora de trabajar y elaborar organigramas donde se adjudican funciones.
Es conveniente antes de seguir avanzando, hacer referencia a una serie
de conceptos clave para el objeto de nuestro estudio que, en el uso
cotidiano que se hace de ellos, pueden conducir a confusión. Los términos
son los siguientes: Escenotecnia, Tecnología, Tramoya y Tramoyista.
1 ESCENOTECNIA o ESCENOTÉCNICA: A pesar de no estar incluido en el

D.R.A.E., es utilizado por distintos estudiosos entre ellos Cesar Oliva y
Francisco Torres (pág. 171) para referirse a los elementos
escenográficos. También se encuentra en el Abecedario del Teatro con
la siguiente definición:
“Palabra de origen italiano que designa el conjunto de

disciplinas técnicas que entran en juego e la puesta en
escena, es decir, luces, sonido, maquinaria, efectos
especiales, vestuario, utilería, carpintería, maquillaje,
etc.. (In. Stage-craft; Fr. Technique de scène)” (pag. 73)
2 TECNOLOGÍA: Se trata de un término compuesta de origen griego,

ôå÷íïëïãïò, formada por las palabras techne (ôå÷íç, “arte, técnica u
oficio”) y logos (ëïãïò, “conjunto de saberes”). El vocablo Techne hacía
referencia en el mundo griego al “arte de la tragedia”.
Podemos definir como tecnología el conjunto de conocimientos

relacionados con los oficios, procedimientos y técnicas artesanales o
industriales, para fabricar objetos, aparatos y sistemas o modificar el
entorno humano para satisfacer sus necesidades.
En el D.R.A.E. encontramos las siguientes acepciones:
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1. f. Conjunto de teorías y de técnicas que permiten el
aprovechamiento práctico del conocimiento científico.
2. f. Tratado de los términos técnicos.
3. f. Lenguaje propio de una ciencia o de un arte.
4. f. Conjunto de los instrumentos y procedimientos industriales de

un determinado sector o producto.
3. TRAMOYA:
Según el D.R.A.E. (De trama).
1. f. Máquina para figurar en el teatro transformaciones o casos

prodigiosos.
2. f. Conjunto de estas máquinas.
3. f. Enredo dispuesto con ingenio, disimulo y maña.
Según el Abecedario del Teatro: Estrictamente es la maquinaria de un

teatro. Aunque en el mundo escénica es más frecuente el uso de las
palabras maquinaria y maquinista, con el término tramoya se suele aludir
a lo que el teatro tiene de trampa y de artificio. (In. Machinery; Fr.
Machinerie)
4. TRAMOYISTA:
1. com. Persona que inventa, construye o dirige tramoyas de teatro.

2. com. Persona que las coloca o las hace funcionar.
3. com. Persona que trabaja en las mutaciones escénicas.
4. com. Persona que utiliza ficciones o engaños. U. t. c. adj.
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En el caso de estos dos últimos conceptos, a pesar de ser estas las
definiciones reales, en muchas ocasiones, tramoya es utilizado para
referirse a la escenotecnia en su conjunto del mismo modo que tramoyista
es utilizado para hacer referencia a cualquiera de los técnicos del teatro o
del espectáculo
Por otra parte, existen profundas diferencias en las empresas

privadas y las públicas en cuanto a la organización del trabajo, respecto al
reparto de tareas, definición de operaciones y adjudicación de funciones.
Aunque se pueden describir las competencias profesionales de cada

una de las profesiones técnicas, es muy complicado ajustar esas
competencias profesionales a las tareas, operaciones y en definitiva a las
funciones de cualquier trabajo de artes escénicas, de ahí esta “confusión”,
y ambigüedad. En los organismos públicos y grandes empresas prima la
especialización y reparto de funciones sobre las operaciones, y en las
empresas privadas las operaciones sobre el reparto de las funciones y
especialización. No es nada nuevo que las organizaciones grandes suelen
tener estructuras jerárquicas que ocasionan lentitud y carencia del
dinamismo que se requiere sobretodo en un sector como este, mientras
que las unidades estructurales más pequeñas disponen de una mayor
agilidad y adaptabilidad.
La gran variedad de términos, para denominar a las personas que

realizan unas determinadas funciones, se localiza con más intensidad en
los puestos intermedios de las organizaciones de espectáculos en vivo, ya
sean públicas o privadas.
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Esta diversidad en las definiciones viene ocasionada por:
- Ajustes a la capacidad y competencias que pueda tener la persona

que ostenta esa función dentro de la operatividad.
- Distribución de tareas y funciones acordes al personal existente
- Desconocimiento del gestor en cuanto al reparto de funciones

(organización) y competencias de un espectáculo en vivo.
- Peculiaridades de un trabajo que aporte nuevas tareas y continua

redefinición de funciones.
- El extenso abanico de posibilidades en los distintos trabajos de

Artes Escénicas y la no existencia de un documento consensuado donde el
sector tenga definidas todas estas posibilidades.
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2.1. TAREAS, OCUPACIONES Y FUNCIONES EN LAS PROFESIONES
TÉCNICAS
Estas tres palabras tan cotidianas, tareas, ocupaciones y funciones,

en muchas ocasiones se utilizan de forma errónea y conducen a confusión.
Es especialmente importante en el campo de las profesiones técnicas,
que estos profesionales conozcan las diferencias entre dichos conceptos y
tengan conciencia de ellos. ¿Quién hace qué en un espectáculo escénico?
Veamos como definimos estos términos en relación con el técnico de

vestuario de una producción:
 TAREA: Obra o trabajo. Trabajo que debe hacerse en tiempo limitado.

El técnico de vestuario tendrá que realizar las siguientes tareas:
o Pre-producción: Acudir a las reuniones con el director teatral,
resto del equipo, lectura del texto, obra..., documentación
o Producción: seguimiento de ensayos, realizará figurines, bocetos,
consensuará sus propuestas con el director, desarrollará la
realización o adquisición de todos los trajes y elementos textiles
propuestos y consensuados. Asistirá a las pruebas.
o Post-producción: Se encargará de la conservación, almacenaje y
mantenimiento de todo los trajes, materiales y elementos del
vestuario de esta producción en concreto.
 OCUPACION: Nos referimos con este término al trabajo, empleo u

oficio. En el caso del técnico de vestuario, su ocupación consiste en
diseñar y realizar los trajes y elementos de vestuario propios de
actores, actrices, e intérpretes en general.
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 FUNCIONES: Tareas que corresponde realizar a una institución o
entidad, o a sus órganos o personas. Por ejemplo: proveer el vestuario
de los intérpretes o participantes del espectáculo.
Tomemos como ejemplo una organización perteneciente a la

Administración Pública como es el Centro Andaluz de Teatro. Este caso
nos permite observar de manera genérica las funciones de cada sección
técnica:
MAQUINISTAS
 Construcción de las escenografías
 Atención a ensayos
 Atención a las funciones
 Montaje y desmontaje de las escenografías
 Mantenimiento y reparación del material de escenografía y
maquinaria
 Construcción de infraestructuras técnicas
 Asistencia técnica a eventos especiales como ferias y festivales
ELECTRICISTAS
 Mantenimiento y reparación del material de iluminación
 Montaje y desmontaje de los diseños de iluminación
 Fabricación de objetos eléctricos, trucos…
 Atención a los ensayos
 Diseño de iluminación si se le requiere para ello
 construcción de los elementos eléctricos, cuadros de acometida,
mangueras…
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SONIDISTAS
 Mantenimiento y reparación del material propio de sonido: mesa,
etapa de potencia, pantalla acústica…
 Montaje y desmontaje del equipo de sonido necesario para las
producciones y talleres
 Mantenimiento y control del estudio de grabación
 Grabación de los efectos sonoros especiales para las producciones y
talleres
 Construcción de elementos necesarios para el equipo de sonido,
cableado, cajetines distribuidores…
SASTRAS
 Confección y / o adquisición de vestuario
 Control, mantenimiento y reparación del vestuario
 Atención a los ensayos y a las funciones
 Distribución y recogida del vestuario
UTILEROS
 Construcción de utilería
 Ayuda a los montajes y desmontajes de escenografías
 Ayuda a la construcción de escenografías
 Control del almacén de utilería
 Atención a los ensayos y funciones
 Distribución y recogida de la utilería necesaria
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Es muy curioso ver como la heterogeneidad del sector se refleja si
comparamos los programas de mano de distintos espectáculos. Al tener
necesidades diferentes, los recursos tanto humanos como materiales
también lo son.
Una manera de acceder a las distintas formas de definir secciones

en los equipos técnicos de producciones reales, la podemos encontrar en
los programas de mano de los espectáculos De este modo, podemos ver
también algunos casos especiales de necesidades concretas desde el
punto de vista técnico de ciertos espectáculos.
Por ejemplo, en una producción del Centro Andaluz de Teatro con

fines pedagógicos titulada “A la Luz de Góngora”, puesto que los textos
tienen gran relevancia esto se ve reflejado en el equipo. Se han
necesitado muchas personas en relación con la dramaturgia de los textos
así como se menciona la referencia a los autores consultados. Respecto al
equipo técnico se divide de la siguiente manera:
 Iluminación y escenografía  Diseño y construcción de

 Diseño de Vestuario muñecos
 Atrezzo, Regiduría y  Realización de vestuario
Exposición  Maquillaje, peluquería y
 Dibujos originales Polifemo caracterización
y Galatea  Fotografía
 Sastrería  Audiovisuales
 Manager de gira
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En el programa de mano de la producción El Príncipe Tirano se
diferencian tres grupos de profesionales bajo las siguientes categorías:
 Ficha artística: Compuesta por los personajes y nombre de

actores y actrices correspondiente
 Equipo artístico: Con los siguientes puestos:
o Dramaturgia o Espacio sonoro
o Iluminación o Estudio de
o Escenografía grabación
o Diseño de o Tratamiento del
vestuario verso
o Ayudante de o Asesora vocal
vestuario o Asistente de
o Realización de dirección /
vestuario Coreógrafa
o Realización de o Ayudante de
escenografía dirección
o Maquillaje, o Dirección
peluquería y
caracterización
o Audiovisuales
 Equipo técnico:
o Coordinación técnica
o Iluminación
o Sonido
o Maquinaria / Utilería
o Sastrería
o Regiduría
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Desde un punto de vista positivo, las distintas posibilidades que
vemos en estos ejemplos nos pueden mostrar un sector flexible mientras
que la parte negativa nos habla de falta de definición.
Teniendo en cuenta algunos indicadores encontrados en la realidad,

se ha llevado a cabo el cuadro de ocupaciones que podemos ver en la
siguiente página:
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Áreas Unidades Ocupaciones
Productor/a ejecutivo/a
Producción
Productor /a
Gestión Gestor/a Cultural
Producción
Distribuidor/a o agente
Distribución
Promotor/a
Técnica Director/a técnica
Director/a teatral artístico y de
Dirección espectáculos
Director/a musical
Actor/Actriz
Interpretes Bailarín/a
Músico/a
Escenógrafo/a
Creación Diseñador Nuevas Tecnologías
Dramaturgo
Coreógrafos/as
Diseño Compositor/a
Diseñador/a de vestuario
(Figurinista)
Diseñador/a de sonido
Diseñador/a de Iluminación
Coordinación Técnica Coordinador/a Técnica
Regiduría Regidor/a ó jefe/a de escena
Nuevas Tecnologías Técnico Informático
Audiovisuales Técnico/a de audiovisuales
Iluminación Técnico/a de iluminación escénica
Sonido Técnico/a de sonido
Servicios Técnicos Técnico/a Maquinista
Técnico de Utillería.
Maquinaria Escénica
Técnico/a de construcción de
escenografías
Vestuario Técnico/a de vestuario
Caracterización Técnico/a de caracterización
Personal de Apoyo Carga y descarga
Acomodador/a o personal de sala
Jefe/a de sala
Exhibición Operarios/as
Taquillero/a
Seguridad
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De acuerdo con la tabla anterior, realizada con muy buen criterio y
cercanía a la realidad por Chema Rivera. Director Técnico, Director de
Producción y Logística, vemos que las profesiones que cohabitan para
desarrollar un espectáculo en vivo se clasifican en 4 grandes apartados:
 Producción  Servicios Técnicos

 Creación  Exhibición
Por una parte, resulta muy interesante planear sobre estos

conceptos para indagar especialmente sobre los adjetivos técnico y
artístico o creativo en relación con las profesiones del espectáculo.
La polémica está servida. Con la investigación aquí propuesta, se

pretende proporcionar datos que colaboren en el proceso de definición de
dichas categorías.
El término “técnica” no se reserva únicamente a las disciplinas que

manejan tecnologías. Coloquialmente también puede hacer referencia a la
técnica interpretativa: “Esa actriz tiene una técnica muy buena” o “es muy
buena técnicamente”.
Tal vez sea debido a una especie de miedo o inseguridad a la hora

de definir las tareas tanto en el tiempo como en el espacio, pero lo cierto
es que existe un alto nivel de ambigüedad a la hora de establecer y
delimitar los campos de acción de los distintos profesionales de un
espectáculo escénico.
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La consideración “técnico” o “artístico” tiene que ver con quién toma
unas u otras decisiones. El director artístico establece unas líneas
estéticas y conceptuales sobre las que han de diseñarse las luces, la
escenografía, utilería, caracterización… Talento artístico o técnico
dependerá del mayor o menor peso que tenga el director artístico sobre
las decisiones del luminotécnico, técnico de sonido…
Por otra parte, podemos decir que las áreas de Luminotecnia,

Sonido, Audiovisuales, Nuevas tecnologías, Escenografía, Vestuario y
Caracterización constan de una doble vertiente: artística / técnica:
 Ideador o diseñador: directores artísticos, coreógrafos,

escenógrafos, diseñador de nuevas tecnologías, diseñadores de
vestuario y de caracterización (competencias artísticas)
 Realizador de las propuestas de los ideadores-diseñadores:
luminotécnicos, técnicos de sonido o sonidistas, maquinistas,
regidores, sastres, maquilladores, peluqueros....
Volviendo a la tabla anterior, vemos como encontramos las

ocupaciones técnicas repartidas entre las áreas de Producción, Creación y
Servicios Técnicos. En el apartado de Creación se encuentran incluidas en
la opción Diseño.
Las áreas principales de trabajo son las siguientes:
 Iluminación  Escenografía
 Sonido  Utilería
 Audiovisuales  Vestuario
 Nuevas tecnologías  Caracterización
 Maquinaria  Regiduría
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Por una parte, un rasgo común a todas estas disciplinas es, sin
duda, su carácter tradicionalmente artesanal que hoy en día se conjuga
con los avances tecnológicos.
Después de mostrar las distintas posibilidades que hemos visto

acerca de las posibles divisiones de las profesiones del espectáculo, es
conveniente concretar y asociar el concepto “técnico” con “realización”,
“hacer manualmente”, mientras que “diseño” se ha de relacionar con
“creación, arte, idea”.
Como veremos más adelante, la importancia de la formación

específica para las profesiones técnicas radica no solo en las competencias
que permiten que el técnico realice su labor sea cual sea, sino en la
conciencia creada acerca del puesto que ocupa dicho profesional técnico y
dicha labor en el engranaje del conjunto del espectáculo en vivo en su
totalidad.
Las profesiones agrupadas en las técnicas del espectáculo en vivo

son muy variadas en función del área técnica que cubren. La mayoría de
ellas constituyen un oficio y no solamente un puesto de trabajo.
Una parte de los contenidos formativos del perfil genérico de todos

los oficios objeto del proyecto son coincidentes, aunque las formaciones
de los oficios artísticos se sustentan en técnicas y aplicaciones artísticas
muy diversificadas y poco tangenciales. Esta circunstancia no impide que
podamos agrupar el conjunto de los perfiles en dos campos bien definidos:
el referido al “personaje”, (caracterización y vestuario) y el que centra su
trabajo en el “espacio” y su transformación poética y estética,
(maquinaria, construcción de escenografía, iluminación, sonido, utilería).
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26
TÉCNICO
Realizar
Hacer con las manos
ARTÍSTICO Creativo Idea Diseño
1
Diseños realizados por alumnos del curso de Técnico de Vestuario de Escénica
promoción 2006-07 para la indumentaria de la obra La Dama de las Camelias producida
para el taller final de los cursos.
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2.2. EQUIPOS DE TRABAJO
A primera vista, nos encontramos en un campo heterogéneo. Más

adelante veremos como la oferta formativa también lo es.
Hay muchos tipos distintos de equipos técnicos. Veamos algunos

como ejemplo. En el Centro Andaluz de Teatro, la estructura orgánica del
servicio de dirección técnica está definida de la siguiente forma: Existen 6
secciones técnicas:
 Maquinaria
 Iluminación
 Sonido
 Utilería
 Sastrería
 Regiduría
Dentro de cada sección existe un jefe coordinado por el Director

Técnico y el Ayudante del Director Técnico.
Se cuenta con una cantidad variable de recursos humanos

dependiendo de las necesidades de la producción. La plantilla estable está
formada por dos maquinistas, dos electricistas, un sonidista, una sastra, el
ayudante de dirección técnica y el director. En algunas ocasiones, este
número se incrementa hasta 14 o 15 técnicos.
Para garantizar un buen resultado, el equipo está especializado y

formado para cada área.
En el Centro Dramático Nacional, encontramos la siguiente

clasificación de trabajadores. El número indicado entre paréntesis muestra
la cantidad de trabajadores en cada grupo.
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 Director (1)  Oficina Técnica (11)
 Asesora De Dirección (1)  Coordinadora De Producción
 Directora Adjunta (1) (1)
 Director Técnico (1)  Adjuntas A Producción (2)
 Director De Producción (1)  Producción Y Giras (9)
 Director De Comunicación Y  Secretaría (6)
Marketing (1, Empresa  Recepción (3)
Subcontratada)  Regiduría (7)
 Gerencia (5)  Apuntador (1)
 Comunicación Y Marketing  Maquinaria (26)
(5)  Electricidad (31)
 Coordinación Actividades  Audiovisuales (19)
Culturales Y Educativas (1)  Utilería (24)
 Secretaría De Dirección (2)  Sastrería (12)
 Administración (2)  Peluquería (11)
 Contratación (1)  Maquillaje (11)
 Coordinadora Abonos,  Personal De Sala (8)
Taquillas Y Sala (1)  Guardarropa (2)
 Abonos, Taquillas Y Sala (3)
 Taquilla (11)
 Coordinador Técnico (1)
 Limpieza (5)
 Adjuntos A Dirección
 Mantenimiento (1)
Técnica(1)
 Sala De Ensayos (5)
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Esta relación nos indica que de los 234 trabajadores que hay
actualmente en plantilla, 155 pertenecen a una categoría técnica.
Hay equipos técnicos de las dimensiones de un teatro de ópera

como es el Teatro Real de Madrid: 10 grupos técnicos y 221 técnicos en
plantilla. También hay equipos técnicos como los del área de cultura de
algún municipio pequeño donde entre 5 y 10 personas desarrollan las
labores “detrás del telón”. Podemos comparar estos casos con el de una
sala pequeña como por ejemplo Pradillo y ver las diferencias. Lo mismo
ocurre si hablamos de compañías con grandes producciones y uso de
nuevas tecnologías como puede ser la Fura dels Baus en comparación con
Hermanos Oligor por ejemplo.
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2.3. TIPOS DE ORGANIZACIÓN – ORGANIGRAMAS
Veamos el Gráfico que presentan Teresa Valentín y Grego Navarro

en su libro Planificación, Producción y Promoción Teatral, referente a los
Equipos de Trabajo en una Producción Teatral:
EQUIPO DIRECTIVO
Dirección Artística Producción Técnica Gerencia
EQUIPO ARTÍSTICO: AUTORES – DISEÑO – COMPOSICIÓN – INTERPRETACIÓN

Escenografía Vestuario Iluminación Sonido Coreografía Música Bailarines Actores
Músicos Cantantes
EQUIPO TÉCNICO: MONTAJE – MANTENIMIENTO

Regiduría Electricidad Sonido Maquinaria Utilería Sastrería Zapatería Peluquería
Maquillaje
EQUIPO ADMINISTRATIVO: CONTACTO CON EL PÚBLICO – CONTROL FINANCIERO

Taquillas Sala Prensa Marketing Contabilidad
En concordancia con la dicotomía de la que hablábamos antes,

resulta curioso el hecho de que el área de Vestuario en el apartado de
“Equipo Artístico” se corresponde con Sastrería y Zapatería en “Equipo
Técnico”. Por otra parte, el Sonido lo encontramos tanto en el Equipo
Técnico como el Artístico.
Como vemos, a pesar de lo que anteriormente hemos mencionado

acerca de la precariedad laboral de los técnicos, hemos de decir que es un
hecho muy común encontrar técnicos de espectáculos que conforman gran
parte de la plantilla fija y / o eventual de teatros y otro tipo de espacios
escénicos a diferencia de los pocos casos de intérpretes artísticos
adscritos a un mismo teatro. Este sería únicamente el caso de actores o
actrices que, además de desarrollar su profesión, son empresarios de
paredes.
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Así, podemos observar por ejemplo el organigrama del Teatro Falla
de Cádiz:
DIRECTOR - GERENCIA
SECRETARÍA ADMINISTRACIÓN TÉCNICO DE ESCENA JEFE DE SALA PROMOCIÓN

Y PUBLICIDAD
ALMACENES MAQUINARIA ELECTRICIDAD UTILERÍA

TALLERES ESCÉNICA LUMINOTECNIA ATREZZO
SONIDO
VÍDEO
CINE
PORTEROS TAQUILLAS CONSERJE LIMPIEZA

ACOMODADORES
Este puede ser considerado como un tipo de organización jerárquica

estándar. Dependiendo del volumen de producciones y de negocio que
tenga la organización se sumaran más o menos trabajadores en cada
grupo así como se irán extendiendo las ramas del organigrama.
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Consideramos que las estructuras de tipo jerárquico no son del todo
óptimas para la producción de espectáculos en vivo. Lo ideal sería una
organización de estructura mixta. Es decir, generar unidades por áreas
profesionales que tengan autonomía a la vez que estén coordinadas.
A pesar de los esfuerzos que se realizan desde la administración

pública por adaptar su burocracia al sector cultural, en la mayoría de los
casos, las estructuras están demasiado jerarquizadas con lo que los
procedimientos son demasiado largos para un tipo de sector que necesita
más dinamismo.
En otro tipo de organizaciones dedicadas al espectáculo en vivo, es

común encontrar la figura de director – gerente de la que dependen otros
dos directores: técnico y artístico. Lo cierto es que hay infinidad de
posibilidades.
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33
3. BREVE HISTORIA DE LAS TÉCNICAS DEL ESPECTÁCULO EN
VIVO
En la historia de las artes escénicas se encuentran muchas

respuestas a las ambigüedades de clasificación entre Técnico y Artístico.
Hay gran cantidad de estudios acerca del desarrollo histórico de las

artes escénicas pero, en su mayoría, se suelen centrar en el aspecto más
literario de dicha evolución dejando un lado las áreas técnicas.
En este sentido, el magnífico trabajo de César Oliva y Francisco

Torres supone una guía indispensable a lo largo de la historia de las artes
escénicas donde si que se refleja paralelamente al hecho literario, el
hecho escénico en su conjunto con referencias indispensables a la técnica.
De acuerdo con Oliva y Torres, entre otros autores, es remarcable el
hecho en que las disciplinas de la Escenografía y el Vestuario tienen
especial relevancia desde los orígenes del Teatro de una manera, en
proporción, bastante similar al modo en que las conocemos en la
actualidad. Sin embargo, la Luminotecnia y el Sonido tal y como hoy los
conocemos sufren sendos hitos a raíz del descubrimiento de la
electricidad. El desarrollo de las técnicas del Espectáculo en vivo ha ido
siempre indisolublemente ligado a la evolución de la tecnología.
Comienza a haber más referencias acerca de las profesiones

técnicas, a partir de la Edad Media. Como ya he mencionado, el diseño y
realización de vestuario y escenografía fueron siempre a la cabeza por no
requerir de tecnologías avanzadas que dependiesen de la electricidad.
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También es cierto que eso no quiere decir que la iluminación y el
sonido no existiesen La mayor agudeza del ingenio se daba en estas
áreas. Las técnicas del teatro siempre han existido, pero, como veremos,
los encargados de su uso y función no han sido considerados como
profesionales especializados hasta bien avanzado el siglo XX.
Ya en lo que es considerado como Pre-teatro, está el “vestuario”. La

primera noción del teatro está en el disfraz. Los cazadores se
caracterizaban de animales y representaban ritos y ceremonias, danzas,
que acompañaban de sonidos.
En la India Antigua había cortinas para ocultar los cambios de

vestuario de los “actores”.
Es muy representativa, como sabemos, la profusión de maquillaje,

adornos corporales y posticería capilar que se utilizaba en el Antiguo
Egipto en las celebraciones rituales en torno a Osiris.
Podemos hablar del emblemático Carro de Tespis griego, así como

de los carros de las procesiones dionisíacas como pre-escenarios y/u
origen de elementos pre-escenográficos.
Es indudable, que habrá que recorrer un larguísimo y, sin duda,

enriquecedor, camino hasta poder hablar con propiedad de las profesiones
técnicas del espectáculo en vivo y llegar a la especialización que podemos
observar en cualquier ficha técnica de un programa de mano actual.
Es curioso, como el origen etimológico del término técnica se

encuentra en el vocablo techne cuyo significado es “arte de la tragedia”.
Lo que nos demuestra que desde la Antigüedad se presenta la interesante
dicotomía arte / técnica.
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Los artilugios de maquinaria escénica se remontan a la época de
Eurípides. Hay constancia de la existencia de una polea móvil situada en el
techo de la escena por medio de la cual los personajes que representaban
dioses eran izados. Del mismo modo se contaba con plataformas elevadas
que simulaban terrazas o escaleras.
Para los efectos de sonido y luz se utilizaban placas que se

golpeaban y antorchas. Tienen también gran relevancia el uso de
máscaras realizadas con enorme destreza por los artesanos.
El origen del espectáculo como sector industrial, como negocio, se

encuentra en la época de esplendor del Imperio Romano. Es entonces
cuando nace un concepto nuevo: el Ocio.
El gran despliegue de la escenotecnia tiene lugar en la Edad Media.

En esta etapa, a pesar de, aparentemente no ser demasiado creativa
debido a la religiosidad que impregnaba todas las obras, sin embargo se
produce un enorme desarrollo en las Artes Escénicas a base de Misterios y
Autos Sacramentales. Un prodigio del espectáculo en vivo es el tradicional
Misteri dÉlx. Este ritual religioso teatralizado tiene su origen en la época
medieval y sigue teniendo vigencia en la actualidad sin cambios
aparentes. Se representa en el interior de la iglesia. El Misteri ya en su
origen incluía varios recursos escenográficos de resultado altamente
efectistas muy avanzados para su tiempo. Algunos de ellos son el araceli y
la granada. El primero de ellos, también conocido como arca del cielo, no
es otra cosa que un ascensor que funciona por medio de poleas. La
granada tiene la forma de dicha fruta y en cuyo interior se pueden alojar
distintos personajes que hacen aparición cuando se abre consiguiendo un
resultado sorprendente especialmente entre el público medieval.
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En el teatro del medioevo, los diseños técnicos permitían una gran
libertad puesto que lo que s perseguía era la espectacularidad, la
representación de lo maravilloso. Tanto el espacio como el tiempo
representado eran inmensos, desde el cielo al infierno y con historias que
duraban muchos años.
Asimismo, la caracterización de los personajes era también muy

pródiga puesto que se trataba de representar dioses, demonios, ángeles...
Es en esta época cuando los escenarios se podían encontrar bien en

el interior de los templos religiosos o bien en las calles y plazas de las
ciudades y pueblos. En este último caso se utilizaban carretas y, en
muchas ocasiones, se daban los “escenarios simultáneos” que consistían
en la representación de cada escena en un carro de modo que el público
podía estar quieto mientras los escenarios se movían o viceversa. Cada
una de estas escenas recibía el nombre de mansión. Había algunas de
ellas profusamente decoradas con todo lujo de detalles decorativos. Este
es el caso especialmente de la mansión que representaba el Paraíso que
solía albergar el árbol de la vida. Un buen ejemplo de la importancia que
en esta etapa recibe la escenotecnia del paraíso la recogen Oliva y Torres
en el siguiente fragmento francés de finales del siglo XII:
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“Para la representación del Juego de Adán y
Eva
Constrúyase el paraíso en un lugar bastante

elevado; que cortinas y telas de seda lo rodeen a una altura
tal que los personajes que en él estén puedan ser vistos por
encima de los hombros; en él se entrelazarán flores olorosas y
ramas de abundante hoja; que contenga diversos árboles de
los que pendan frutos, de modo que el lugar parezca de los
más agradables. Venga luego el Salvador envuelto en una
dalmática, y delante de él estén colocados Adán y Eva; Adán
cubierto con una túnica roja, Eva con vestido de mujer
blanco.”
Es evidente la evolución que, derivada de estas formas de

representación, experimenta la tramoya. En este periodo se utilizaban
cortinas tanto como elemento decorativo como funcional. También se
creaban figuras de animales de cartón-piedra u otros materiales que, en
ocasiones, incluso disponían de mecanismos que les proporcionaban
movimiento Las cuerdas necesarias para realizar vuelos de espíritus y
fantasmas entre otros personajes, estaban cada vez mejor disimuladas.
Había ya un alto nivel de profesionalización entre los escenógrafos de la
época. Pero, en general, eran los gremios y hermandades formadas por la
gente del pueblo los que se ocupaban de las técnicas y aún no existían
conceptos como Técnico de Sonido o Iluminación tal y como los
conocemos hoy en día. Es muy relevante respecto al objeto del presente
estudio el hecho de que en el periodo medieval toda la ciudad participaba
en la preparación y organización del hecho teatral. Por supuesto, aún no
se hablaba de equipo técnico. Los que hoy en día llamamos “técnicos”
entonces eran artesanos y tramoyistas.
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Había cofradías y gremios que se repartían el trabajo. En cualquier
caso, aún no se consideraba el teatro como un negocio.
Respecto a los efectos de sonido y luces, hay evidencia de distintos

tipos de maquinas y artilugios que los producían. Se realizaban sonidos
con agua para evocar el mar o la lluvia así como con fuego para referirse
al infierno. Los efectos de iluminación se realizaban en base a llamas y
superficies doradas que las reflejasen. De una forma muy simple, el color
blanco simbolizaba el día y el negro la noche. No había problema en
representar tormentas y tempestades gracias a las máquinas de truenos.
Del mismo modo, se comienzan a utilizar trampillas en el tablado

que, en combinación con maquinarias específicas, dan lugar a apariciones
y desapariciones cuya ilusión provocaba enorme deleite entre el público
del medioevo.
Es muy interesante el trabajo realizado por el equipo de Antiqua

Escena S.L. que, tras años de investigación, ha conseguido crear una
muestra itinerante de maquinaria teatral, El Escenario de la Ilusión, con
máquinas de viento, de truenos, de lluvia, luminarias con cilindros... para
acercar al público de hoy ese tipo de recursos con los que se contaba en la
escena barroca.
Con el Renacimiento, llegan los Teatros a la Italiana y los Corrales

de Comedias. Llega también la perspectiva y el punto de fuga a los
decorados así como se comienzan a profesionalizar los participantes, tanto
actores como técnicos.
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Del mismo modo se intenta conseguir fidelidad en el vestuario y en
la simulación de los espacios escénicos. Se consiguen efectos de luces de
colores por medio de botellas de agua teñida alumbradas por antorchas.
Decorados en perspectiva del teatro cortesano:

2
reconstrucción de los bastidores laterales y el telón de fondo
Con el arquitecto Sabattini se establecen las bases para producir

cambios rápidos de decorado.
En Italia, de la Commedia dellárte, lo más representativo

técnicamente hablando es el diseño y realización de los distintos tipos de
máscaras así como del vestuario. Cada vez hay más anotaciones en los
textos dramáticos que hacen referencia a elementos de utilería u otros
aspectos escenotécnicos como por ejemplo en La Piedra Encantada de
Plácido Ardan:
2
Dibujo extraído de la web http://parnaseo.uv.es/ars/tramoya.html
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40
“... Trápola vuelve con una piedra grande (como piedra, se
coge una caja grande y se pinta de color piedra).”
A lo largo del siglo XVII, la escenografía se va haciendo más

compleja debiéndole gran parte de su fulgor a aquellos tramoyistas de
origen italiano.
Propuesta de los tres tipos de decorados fijos de Sebastiano Serlio (1545):

escena cómica, trágica y satírica 3
En los teatros privados de Inglaterra era asombroso la cantidad de

efectos luminotécnicos que eran posibles debidos únicamente a simples
candelas y lámparas de aceite.
3
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41
Este periodo corresponde en el Teatro Español al emblemático Siglo
de Oro. Época que hace honor a su nombre y en la que la polémica estaba
servida. Había un sector de “enemigos del teatro” que se quejaban de una
especie de impureza del hecho teatral puesto que estaba demasiado
adornado por todo tipo de trucos y artimañas. Lo consideraban como una
gran mentira.
Cervantes, sin embargo, no tiene tapujos a la hora de exigir como

son los efectos sonoros y visuales que requiere en uno de sus textos, El
Cerco de Numancia, indica acotaciones como:
“...(hácese ruido debajo del tablado con barril lleno de

piedras, y dispárese un cohete volador)...” ó
“...Escipión se sube sobre una peña que estará allí...”
Hipótesis de escenografía para la representación

de La vida es sueño en un corral de comedias.
Ilustración de Ramón Rodríguez 4
4
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Hipótesis de la fachada del teatro en un corral de comedias con los huecos o nichos. Dos escaleras
laterales o montes. Dos palenques. Tabladillos laterales.
Ilustración de Ramón Rodríguez 5
Por otra parte, el siglo XVII es testigo del nacimiento y desarrollo del
género operístico que, sin duda, supone el máximo esplendor de la
escenotecnia.
A lo largo del siglo XVIII, la escenotecnia sufre un desarrollo

espectacular. Se trata de una serie de recursos absolutamente esenciales
y centrales en el teatro popular, así como para proporcionar los recursos
adecuados necesarios en las comedias de magia o en las de santos. Se
utilizan todo tipo de poleas, grúas y máquinas articuladas que funcionan
por medio de cuerdas para elevar a los actores y hacerlos aparecer o
desaparecer.
5
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Es durante este siglo cuando lo visual va a recibir gran atención
dando lugar a distintos tipos de efectos ópticos como las sombras
chinescas o la linterna mágica, precursores del gran intento que será el
cinematógrafo en el próximo siglo.
El siglo XIX es especialmente importante desde el punto de vista de

la iluminación puesto que en 1822 se usa por primera vez la iluminación
por gas y en 1849 la iluminación eléctrica en una representación. Con este
hecho se abría un mundo de avances para la técnica del espectáculo.
El siglo XX acompaña con los adelantos de la técnica y las

propuestas del teatro de vanguardia así como de distintos espectáculos
escénicos de experimentación que se van a producir sobretodo en la
segunda mitad del siglo. Los avances que tienen lugar para lograr efectos
sonoros y de iluminación son espectaculares. El cine y la televisión
tendrán mucha influencia sobre la escena.
Por fin, después de tan larga trayectoria de las tareas y funciones de

los profesionales técnicos del espectáculo, en la segunda mitad del siglo
XX comienzan a especializarse y a reconocerse de manera profesional.
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4. LA FORMACIÓN PARA LAS PROFESIONES TÉCNICAS Y TÉCNICO-
ARTÍSTICAS DEL ESPECTÁCULO EN VIVO
La formación especializada para las profesiones técnicas del

espectáculo en vivo tiene, sin duda, unas peculiaridades y características
que, hoy en día, hacen de ella un campo de estudio en sí mismo
diferenciado de otro tipo de cursos así como de otro tipo de profesiones.
Como decíamos antes, cada vez es mayor la demanda específica

para la formación de las profesiones técnicas del espectáculo en vivo.
Podemos decir que, en gran medida, parte del futuro del Espectáculo en
vivo depende de la relevancia que adquiera la formación específica
referente a estas profesiones técnicas.
De acuerdo con las peculiaridades de las profesiones del espectáculo

en vivo, en este ámbito de la enseñanza es, especialmente importante
además de la formación inicial donde se establecen los conocimientos y
competencias básicas, la formación continua. Este tipo de profesionales
requieren un reciclaje continuo de sus conocimientos debido a que se trata
de un entorno que evoluciona a una velocidad vertiginosa. Algunas de las
competencias transmitidas son, entre otras: intuición, instinto, iniciativa,
autonomía, capacidad de decisión, inventiva, espontaneidad…
El espectáculo en vivo, puesto que tiene identidad propia, necesita

su propia oferta formativa.
Las profesiones a las que nos referimos devienen de una evolución

tradicional artesanal. Hoy en día, requieren formación inicial técnica
teórica sumada a conocimientos profusos de historia del arte unido a un
aprendizaje sobre el terreno, así como es fundamental dar relevancia a la
práctica del trabajo en equipo.
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El profesional técnico es un artista entre bastidores. Lo podemos
considerar como un puente entre el objeto físico y su significado.
Asimismo, el profesional técnico ha de dirigir sus esfuerzos en dos

direcciones: especialización e interdisciplinariedad.
Como dice la emblemática frase: “El espectáculo siempre debe

continuar”. Esto significa que los implicados en el proceso han de tener
gran capacidad de improvisación y de toma de decisiones.
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4.1. ESPAÑA: LOS CERTIFICADOS DE PROFESIONALIDAD Y LOS
PROGRAMAS FORMATIVOS
En España la enseñanza para las técnicas del espectáculo están

reguladas por el Ministerio de Cultura y el Instituto Nacional de Empleo y
se articulan en base a los certificados de profesionalidad y programas
formativos.
El principal objetivo de los certificados de profesionalidad consiste

en proporcionar información comprobada y consensuada acerca de las
competencias y habilidades de los trabajadores. De este modo se facilita
la búsqueda de empleo así como la inserción laboral. Además se
fomentan la movilidad y la igualdad de oportunidades en el mercado de
trabajo. Estos certificados tienen carácter oficial y validez en todo el
territorio nacional.
El establecimiento a nivel gubernamental de los itinerarios

formativos en la formación profesional vino a responder a principios de la
década de los 90 a una demanda social existente desde hacía bastante
tiempo.
Finalmente, en 1998 quedaron establecidos en el Nuevo Programa

Nacional de Formación Profesional, acordado entre los Ministerios de
Trabajo y Asuntos Sociales, Educación, Cultura y Deporte, las
Comunidades Autónomas y las Organizaciones Empresariales y Sindicales
más representativas, las condiciones de expedición y el procedimiento de
evaluación para la obtención de dichos certificados.
Así se había conseguido poder demostrar las habilidades y competencias
que un trabajador posee habiéndolas adquirido por distintos medios,
sobretodo, a partir de la experiencia, expidiendo un certificado que lo
acreditaba.
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Evidentemente, estamos hablando de una especialización con muy
poco tiempo de existencia. La Ley Orgánica de las Cualificaciones y de la
Formación Profesional, fue aprobada en junio de 2002 y en ella se
establecía la oficialidad de los certificados y su validez en todo el territorio
nacional. La acreditación de las competencias tendrían como referente el
Catálogo Nacional de Cualificaciones Profesionales.
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4.2. EL INSTITUTO NACIONAL DE LAS CUALIFICACIONES
Se trata de un trabajo digno de mención, a pesar de que pueda

considerarse realizado con mayor o menor acierto. En el catálogo
nacional de las Cualificaciones se establecen una serie de familias
profesionales de las cuales las que incluyen a las profesiones técnicas del
espectáculo en vivo son dos: Artes y artesanías e Imagen y sonido.
Actualmente, sólo el área de Luminotecnia goza de la titulación

especializada en espectáculo en vivo reconocida con la categoría de
certificado de profesionalidad. El resto de las profesiones que en el
presente trabajo nos ocupan, bien están actualmente siendo objeto de
estudio para ser incluidas en el Catálogo como es el caso del área de
Utilería, o bien se da por sentado como en el caso de Técnico de Sonido
que no es necesaria la especialización en las artes del espectáculo en vivo.
El Instituto Nacional de las Cualificaciones (en adelante, INCUAL) fue

creado por el Real Decreto 375/1999, de 5 de marzo. Se trata de una
herramienta técnica que se caracteriza por ser independiente en cuanto a
sus criterios. La Ley Orgánica 5/2002, de las Cualificaciones y de la
Formación Profesional, atribuye al INCUAL la responsabilidad de definir,
elaborar y mantener actualizado el Catálogo Nacional de las Cualificaciones
Profesionales y el correspondiente Catálogo Modular de Formación
Profesional.
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49
Del mismo modo, el INCUAL es el organismo encargado de establecer
y definir las medidas necesarias para la regulación del sistema de
correspondencias, convalidaciones y equivalencias entre los tres
subsistemas de FP (reglada, ocupacional y continua), incluyendo la
experiencia laboral.
Con la aparición de los llamados Punto Nacional de Referencia (PNR)

en cada país de la Unión Europea, el INCUAL fue designado como el PNR en
España. La creación de estos Puntos Nacionales de Referencia sobre
Cualificaciones (PNRQ) ha resultado muy útil y ha supuesto un gran avance
para realizar comparaciones y equiparaciones entre las Cualificaciones de
los distintos estados así como de las competencias respectivas.
Por otra parte también existen los llamados Observatorios

Profesionales. Se trata de otro instrumento también incluido en el INCUAL
cuyo objetivo consiste en investigar las distintas familias profesionales que
constituyen el Catálogo y realizar estudios de la realidad social en relación
con las profesiones. El Observatorio desarrolla informes de manera
periódica con la información recabada acerca de la evolución y
configuración laboral y formativa de las familias profesionales.
En marzo de 2004, se aprobaron los Principios comunes europeos

para la validación del aprendizaje no formal e informal en todos los países
de la Unión Europea. De esta manera se fomenta la equiparabilidad y la
aceptación de la diferencias entre los Estados miembros así como el
intercambio y la transferencia y aceptación de los resultados educativos y
formativos en distintos entornos.
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50
Desde entonces existe un documento llamado suplemento cuyo fin
es informativo. En él se muestra una descripción detallada de la
cualificación obtenida por el titular de un Certificado profesional, Título de
técnico o Técnico superior de formación profesional y Título universitario.
De este modo se facilita la comprensión por parte de posibles
empleadores o instituciones de otro país, del contenido del título o
certificado, en términos de las competencias que incluye.
Actualmente, respecto al Catálogo Nacional de las Cualificaciones

Profesionales, la situación en la que se encuentran las áreas técnicas
mencionadas anteriormente como susceptibles de adquirir consideración
específica para el espectáculo en vivo es la siguiente:
ILUMINACIÓN: Es el área que goza de mejor situación en este sentido

Desde el año 2004, existe una Cualificación Profesional con el título de
Luminotecnia para el Espectáculo en Vivo. Está incluida en la familia
profesional de Imagen y Sonido con una duración de 700 horas.
SONIDO: Desde 1997 existe la cualificación titulada Técnico de Sonido,

también incluida en la familia de Imagen y Sonido. Esta titulación abarca
tanto el Sonido desde el punto de vista de los espectáculos en vivo como
para producciones grabadas. Por ahora no hay ningún proyecto para
reconocer a los técnicos de sonido especializados en el espectáculo en
vivo.
VESTUARIO: Actualmente se está realizando el contraste externo para el

reconocimiento del Certificado de Profesionalidad con el título de
Realización de Vestuario para el Espectáculo.
CARACTERIZACIÓN: No existe el reconocimiento de una titulación

específica de esta disciplina para el espectáculo en vivo.
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MAQUINARIA: No existe aún el Certificado de Profesionalidad en esta
disciplina. Existe el itinerario formativo requerido para obtener el
certificado de Decorador de Escenarios. Actualmente no se está
trabajando en el desarrollo de un Certificado de Profesionalidad para el
área de Maquinaria.
UTILERÍA: Actualmente se está trabajando en el desarrollo e inclusión de

este Certificado de Profesionalidad en el Catálogo Nacional de las
Cualificaciones.
REGIDURÍA: No existe oferta formativa a este respecto específica para el

espectáculo en vivo. Los itinerarios formativos en el curso de Regidor
están bastante orientados al medio televisivo.
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4.3. EUROPA: LOS PROYECTOS FIRCTE Y EPTE
Se trata de dos proyectos complementarios:
 Formación Inicial y Reconocimiento de las Competencias de las

Profesiones Técnicas del Espectáculo en Vivo
 Estancia en Prácticas de los Técnicos del Espectáculo
Durante el desarrollo de las distintas ediciones del FIRCTE, distintas

Instituciones y Organismos han participado. Algunos de estos centros han
actuado como oyentes y / o colaboradores y otros han trabajado en el
desarrollo y redacción de los textos.
Como hemos mencionado, además de la colaboración de diversas

organizaciones, han sido once escuelas adscritas a teatros europeos, las
que han participado de forma más activa bajo el liderazgo del Institut del
Teatre de la Diputación de Barcelona como socio fundador, en la redacción
y desarrollo del Proyecto Europeo FIRCTE.
Se puede decir que este proyecto surge a nivel europeo

paralelamente al desarrollo a nivel nacional de los Certificados de
Profesionalidad Oficiales. Así pues, a lo largo de la década de los 90 se
detecta la necesidad de la existencia de un espacio europeo para el
fomento y desarrollo de la formación y cualificación profesional de las
profesiones técnicas del espectáculo en vivo.
Se trata de un proyecto adscrito al marco del Programa “Leonardo

da Vinçi” de la Unión Europea. El Programa Leonardo da Vinci sigue una
línea de acción para la aplicación de una política de formación profesional
homogénea y consensuada para la Comunidad Económica Europea.
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Las 11 escuelas a las que arriba se hace referencia son las
siguientes:
 ESPAÑA:
o Institut del Teatre (Tarrasa – Cataluña)
o Centro de Tecnología del Espectáculo (Madrid)
o Escuela de Avilés (Avilés – Asturias)
o Escénica Programa de Estudios Técnicos (Granada, Málaga,
Sevilla – Andalucía)
 FRANCIA:
o Centre de Formation Profesionelle aux Techniques du Spectacle
(Bagnolet)
o Institut Superieur des Techniques de spectacle (Avignon)
o Ecole Superieure dárt dramatique – Theatre National de
Strasbourg (Estrasburgo)
 ITALIA:
o Teatro alla Scala (Milán)
 POLONIA:
o Stary Teatr
 PORTUGAL:
o Escola de Formaçao Teatral do Centro Cultural d Évora (Évora)
 REINO UNIDO:
o Rose Bruford College (Londres)
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Las reuniones de estas escuelas europeas comenzaron a tener lugar
durante el año 1995. El Proyecto Europeo FIRCTE, Formación Inicial y
Reconocimiento de las Competencias de las Técnicas del Espectáculo en
Vivo, se ha venido desarrollando a lo largo de 4 ediciones o micro-
proyectos: FIRCTE I, II, III y IV. El último de estos ha concluido durante
el presente año 2007.
En el FIRCTE I se trataron los siguientes oficios: Maquinaria

escénica, Iluminación, Técnicas de Sonido y Regiduría.
Por otra parte el FIRCTE II se ocupó de las disciplinas de Realización

de Vestuario, Caracterización Escénica, Construcción Escenográfica y
Utilería.
En el FIRCTE III se trabaja sobre las prácticas en el aula y en la

empresa y se recogen datos de la realidad en este ámbito con la intención
de proporcionar herramientas útiles para facilitar y mejorar el desarrollo
de las prácticas así como de las asignaturas teórico-prácticas.
El trabajo del FIRCTE IV estuvo especialmente orientado a la

Evaluación y a la Docencia.
El objetivo principal de este proyecto que ha sido implementado por

medio de reuniones, talleres y seminarios en las distintas ciudades
europeas participantes consiste en establecer un consenso a nivel europeo
acerca de las competencias y habilidades que han de tener los
profesionales técnicos del Espectáculo en Vivo y, por lo tanto les han de
ser transmitidas en la formación específica existente al respecto.
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Una nueva disciplina que se está intentando implantar y cuya
demanda va en aumento es la del Técnico en Audiovisuales para el
Espectáculo en Vivo. A un nivel aún más especializado y minoritario
existen áreas como pintura, escultura, zapatería, sombrerería o armería
escénicas.
Otro de los objetivos del proyecto FIRCTE consiste en proporcionar

un tipo de formación absolutamente orientada al mercado de trabajo real
En la actualidad, la formación especializada, ha de aunar la tradición
milenaria artesanal con la tecnología más puntera. De este modo estará
proporcionando individuos con perfiles idóneos para las exigencias del
mercado laboral en el sector del espectáculo en vivo.
El Proyecto FIRCTE se centra en la Formación Inicial y contempla la

necesidad de la Formación Continua de estos profesionales que se ven en
la obligación de acudir a recibir formación de reciclaje de sus
conocimientos.
Este proyecto europeo aúna teoría y práctica así como técnica y cultura e
historia del espectáculo.
Es muy importante tener en cuenta que, a lo largo de la historia,

nunca ha existido un título que acreditase los conocimientos que dichos
técnicos debían poseer. La única forma de saber si el profesional era el
idóneo era demostrando las capacidades. Del mismo modo, los miembros
de FIRCTE también han contemplado otro dato relevante y es que, en este
campo hay ciertos conocimientos que, únicamente, se pueden adquirir de
forma práctica.
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Como vemos no estamos hablando únicamente de puestos de
trabajo sino de oficios, profesiones.
Como veremos, el desarrollo de cursos formativos para las profesiones

técnicas del espectáculo cuenta con características peculiares y
significativas que le confieren su propia idiosincrasia y singularidad.
El trabajo eminentemente teórico desarrollado en el FIRCTE además

de llevarse a las aulas, adquiere un cariz aún más práctico en el EPTE, de
estancias en prácticas.
CENTROS DE FORMACIÓN MIEMBROS DEL FIRCTE
FRANCIA
 Centre de Formation Profesionelle aux Techniques du Spectacle

(Bagnolet)
Este centro comienza a desarrollar su labor formativa para el

espectáculo en vivo en 1986. Entre las disciplinas que contempla se
encuentran las de Escenografía, Dirección técnica, Iluminación, Prevención
de riesgos, Regiduría y Sonido.
Al igual que en el resto de las escuelas francesas, se reconoce la

titulación de acuerdo con la VAE, validación de la adquisición de
experiencia, similar al sistema de certificados de profesionalidad en
España. También, como es la tendencia general en Europa, los cursos se
financian por medio de las matrículas de los /as alumnos / as así como de
ayudas gubernamentales.
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 Institut Superieur des Techniques de Spectacle (Avignon)
El ISTS fue creado en 1987. Ofrece cursos en Gestión de

producción, gestión de recursos humanos, Prevención de riesgos,
Escenografía y técnicas de representación gráfica, maquinaria,
electricidad, sonido y diseño de Iluminación. Las titulaciones están
reguladas por la VAE.
 Ecole Superieure dárt dramatique – Theatre National de Strasbourg

(Estrasburgo)
Este emblemático centro europeo de producción y formación teatral

y escénica abrió sus puertas en 1954. Además de tener un amplio
programa de estudios de interpretación artística, sus alumnos /as pueden
estudiar Escenografía, Iluminación, Regiduría y Sonido. Los cursos
largos tiene una duración de 3 años pero también se realizan módulos
cortos en estas mismas disciplinas.
La interrelación entre los estudios artísticos y técnicos es muy

fuerte. En cada edición de los cursos de 3 años de duración, 45 alumnos
son admitidos de los cuales 24 son actores. Cada alumno participa en todo
el proceso de producción aunque más específicamente en su disciplina
principal. Reciben mucha importancia de las nuevas tecnologías. Este
centro está adscrito al Ministerio de Cultura del que recibe ayudas
económicas.
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ITALIA
 Fondazione Academia dÁrti e Mestieri dello Spettaccolo - Teatro alla

Scala (Milán)
La aportación más importante que este centro ha hecho en el

FIRCTE ha sido destacar las necesidades formativas específicas de un
gran teatro de Ópera.
Entre sus enseñanzas se puede aprender Escenografía,

Escenografía Informática, Iluminación, Regiduría y Vestuario. Todo ello
orientado siempre en este caso hacia la producción operística.
POLONIA
 Stary Teatr
Se ha incorporado recientemente por lo que su aportación ha sido

sobretodo valiosa en cuanto a la IV edición del FIRCTE acerca de la
evaluación de la docencia.
PORTUGAL
 Escola de Formaçao Teatral do Centro Cultural d Évora CENDREV

(Évora)
Este centro más que una escuela es un espacio de acción y agitación

escénica. Tiene su inicio en 1975 y, desde entonces ofrece programas de
formación inicial para técnicos del espectáculo. De forma muy conveniente
compagina este tipo de programas con los estudios de interpretación
artística.
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Podemos decir que la Escola de Évora está especializada en el área
de las marionetas. Este centro invierte recursos en el desarrollo de una
bienal internacional de marionetas que tiene lugar en Évora donde se
incluye un Seminario internacional sobre la problemática de la marioneta.
Asimismo se esfuerzan en la recuperación de marionetas del Alentejo.
Entre otras actividades edita una revista cultural llamada Adagio,

realiza producciones dramáticas, organiza el encuentro de teatro ibérico
en colaboración con el instituto internacional de teatro del mediterráneo
IIT de Madrid,
REINO UNIDO
 Rose Bruford College (Londres)
Comienza su labor en 1950. Se trata de uno de los centros más

avanzados en cuanto a las características de su oferta formativa. En este
centro se pueden adquirir titulaciones a nivel universitario (Bachelor BA)
en Vestuario, Diseño de Iluminación, Programación de Iluminación,
Tecnología Musical, Sonido, Vídeo y Regiduría. Las titulaciones son
expedidas por la Universidad de Manchester así como por la London
Metropolitan University y el National Council of Drama Training.
Los cursos para obtener estas titulaciones tiene una duración de 3

años. En este mismo centro hay también enseñanzas de interpretación
artística con lo cual se suelen realizar colaboraciones entre los distintos
programas.
La financiación de este centro se lleva a cabo con los ingresos de

matrículas además de los apoyos de organizaciones tanto privadas como
públicas.
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ESPAÑA
 Escuela Superior de Técnicas de las Artes del Espectáculo (ESTAE).

Institut del Teatre (Tarrasa – Cataluña)
Como ya hemos dicho, la ESTAE es la entidad fundadora del

Proyecto FIRCTE. Adscrita al Institut del Teatre de Barcelona, ha
desarrollado una importantísima labor a favor del reconocimiento de las
competencias de las especialidades técnicas para el espectáculo en vivo.
Entre su programa formativo, hay una distinción entre estudios oficiales y
propios. En los estudios oficiales se contemplan disciplinas artísticas y
entre ellas la de escenografía. Se trata del tipo de formación académica
oficial regulada por el Ministerio de Educación del mismo modo que las
Escuelas Superiores de Arte Dramático.
Entre los estudios propios se encuentra el Título de formación

profesional en Técnicas de las Artes del Espectáculo en las distintas
especialidades: Luminotecnia, Maquinaria Escénica, Sonido y Vestuario. Se
trata de un certificado que goza de un gran reconocimiento en el sector y
que está demostrado por el alto nivel de inserción laboral de sus alumnos
/as.
La financiación en este caso se produce al igual que en la mayoría
de los casos europeos, con los ingresos de matrícula así como con apoyos
estatales. Del mismo modo ocurre en el siguiente caso.
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61
 Centro de Tecnología del Espectáculo (Madrid)
Desde su inicio en 1988, ha venido formando a centenares de

técnicos que actualmente se encuentran trabajando en gran parte gracias
a estos cursos.
Entre sus programas se encuentran: Caracterización, Iluminación,

Maquinaria escénica, Producción y Gestión, Sonido y Vestuario.
Según la duración de los mismos, hay dos tipos de cursos:
 Cursos de ciclo largo: 1400 horas (18 meses)

 Cursos de ciclo corto
 Escuela Taller de Técnicas del Espectáculo (Avilés – Asturias)
Esta escuela está especializada en la formación ocupacional inicial

de técnicas de las artes del espectáculo. Podemos decir que este centro
cubre el área de influencia del Norte de España.
 Escénica Programa de Estudios Técnicos (Granada, Málaga, Sevilla –

Andalucía)
Tiene su inicio en 1999. El proyecto curricular o trayectoria

formativa de los cursos del Programa de Estudios Técnicos combina los
programas desarrollados en el FIRCTE y los de la Consejería de Empleo en
sus programas de Formación Profesional Ocupacional.
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Los cursos subvencionados por la Consejería de Empleo son los
siguientes: Caracterizador, Técnico de Sonido, Luminotécnico, Decorador
de Escenarios y Técnico de Vestuario. Estos cursos suelen tener una
duración aproximada de entre 350 y 860 horas. Estos cursos son gratuitos
para los / as alumnos / as, los cuales han de estar desempleados como
requisito imprescindible.
En escénica también se ofrecen los llamados cursos monográficos

que suelen tener una duración aproximada de 50 horas y versan sobre
temas más específicos de las áreas arriba mencionadas. Así, podemos
encontrar cursos dedicados al uso de mesas de sonido o iluminación
específicas así como de posticería o elaboración de títeres. El importe de
matrícula de estos cursos suele ser bastante asequible puesto que, en
parte reciben apoyo de la Consejería de Cultura de la Junta de Andalucía.
En las 3 sedes que escénica tiene en Andalucía se combina el

programa de estudios técnicos con el de estudios de interpretación
artística realizando colaboraciones ocasionales.
COMPARACIONES Y CONCLUSIONES
Desde el punto de vista de la estructuración y contenidos de los

programas, todos estos centros siguen las competencias planteadas en
FIRCTE. Los itinerarios formativos en todas estas escuelas se articulan de
una forma u otra en torno a las siguientes áreas de conocimiento en
relación con la disciplina correspondiente:
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 Área 1. Cultura Del Espectáculo
 Área 2. Bases Científicas Y Técnicas
 Área 3. Infraestructura, Instalaciones Y Equipos
 Área 4. Técnicas Y Procesos Aplicados Al Espectáculo
 Área 5. Gestión Y Producción De Espectáculos
 Área 6. Seguridad. Prevención De Riesgos
 Área 7. Orientación Laboral
Respecto a la gestión financiera, hemos de decir que en Europa se

combinan tres fuentes principales de recursos económicos:
o ingreso de matrículas de los alumnos
o patrocinadores y otros apoyos privados
o subvenciones y ayudas públicas
En España esa es también la tendencia y así se gestionan también la

ESTAE y el CTE. Escénica aún se financia con fondos públicos a excepción
de ingresos de matrícula para los cursos monográficos.
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4.4. EL PERSONAL DOCENTE EN LA ENSEÑANZA PARA LAS PROFESIONES
TÉCNICAS.
Debido a la tradición artesanal, el aprendizaje de estos oficios se ha

venido realizando durante mucho tiempo basándose en la relación
maestro – aprendiz. Al tratarse de la enseñanza de profesiones, los
docentes suelen ser técnicos del espectáculo.
Al igual que ocurre con la formación para otro tipo de profesionales

técnicos como puede ocurrir, por ejemplo, en el sector de la automoción,
en el caso que nos ocupa, los docentes han de ser, por una parte, técnicos
y profesionales del mundo del espectáculo en vivo y, por otra, deben
contar con aptitudes pedagógicas. Programa de formación de formadores.
Por lo tanto, cuando hablamos de formación en el sector del espectáculo n
vivo no nos referimos únicamente a los / as alumnos / as, sino que los
docentes también deben convertirse en alumnos a menudo.
DOCENTES
=
Especialistas en la disciplina
+
Habilidades pedagógicas
+
Conocimiento del currículo
+
Deseo de enseñar
+
Entusiasmo por su oficio
Hay algunas materias en las que no es tan necesario tener un

profundo conocimiento del mundo del espectáculo, como en otras. Como
hemos dicho, el FIRCTE contempla la importancia del enseñanza por
medio de la práctica.
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65
Para ello, los cursos incluyen los llamados “talleres” donde por
medio de la simulación de la realidad, los / as alumnos / as realizan una
auténtica inmersión en el mundo laboral de los técnicos. Es la manera de
actualizar la relación ancestral entre el maestro y el aprendiz.
Por todo esto, como decíamos antes, los profesores suelen ser
profesionales en activo capaces de trasladar su entorno real de trabajo al
centro de formación. Se han de preocupar de estar siempre “a la última”
siendo conscientes de que el campo de las técnicas del espectáculo sigue
una evolución vertiginosa enmarcado en una época que lo es aún más.
Se trata también de un tipo de formación donde los llamados

profesores colaboradores adquieren una especial relevancia. Esto se debe
a que cada titulación está compuesta por distintas áreas o módulos y cada
área a su vez suele combinar una serie de distintas disciplinas que es
donde entran en juego los profesores colaboradores así como las clases
magistrales.
En el proyecto FIRCTE se contemplan dos tipos de docentes: Tutores

y Colaboradores. Los derechos, deberes y competencias de unos y otros
están perfectamente definidos en los documentos que resultaron de las
reuniones FIRCTE. En general, los tutores son los encargados de definir la
trayectoria formativa siempre apoyándose en los marcos legislativos con
los que cuenta cada país al respecto.
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66
5. PRESENTE Y FUTURO: INNOVACIÓN Y EMPRENDIZAJE
Tal y como hemos podido ver, aún queda un largo camino por
recorrer para que las técnicas del espectáculo y sus profesionales estén
enmarcadas en un campo de consenso y derecho unánime.
El Plan General de Teatros, en adelante PGT, concluido en mayo de

2007, es una herramienta crítica y alentadora a este respecto. Este útil
documento realizado por las Asociaciones Profesionales del Sector Teatral,
denuncia dos de los problemas más acuciantes del sector: la precariedad
de las condiciones laborales y el alto índice de desempleo.
Por una parte, como recurso para la mejora en las condiciones

laborales de estos profesionales, el PGT contempla entre sus objetivos
prioritarios la elaboración de un convenio laboral general que regule y
articule el desarrollo de estas profesiones de una manera lo más
homogénea y consensuada a nivel nacional.
Por otra parte y lo que nos parece, sin duda, loable y justo, es la
relevancia que adquiere la formación dentro del citado documento. Y es
que la Comisión de Estudio de las Asociaciones Profesionales del Sector
Teatral reconoce en la formación una clave fundamental para la mejora y
desarrollo del sector de cara al futuro.
En el PGT, se hace referencia a la formación artística como un tipo

de enseñanza que tiene más difusión y aceptación que la técnica, pero
aún así, ninguno de los dos tipos recibe un apoyo estatal coordinado y
reglado.
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67
Del mismo modo, es indiscutible que se trata de un problema con
raíces profundas en las estructuras formativas del país. El PGT propone
una revisión desde el origen. Para llegar a tener una enseñanza superior
reglada en las artes y técnicas del espectáculo en vivo, se reivindica, muy
acertadamente, la inclusión y asimilación de las enseñanzas teatrales de
forma rigurosa como parte del currículo de la enseñanza infantil, primaria
y secundaria obligatoria. Es absolutamente necesario que se lleve a la
práctica la cláusula a del apartado 4.2.1.
“Convocar urgentemente una mesa de trabajo tripartita entre

responsables de Cultura (INAEM y consejerías de las Comunidades
Autónomas) y profesionales del teatro para niños, en la que se estudie la
mejora, en el currículo vigente, de la formación en lenguaje teatral y
práctica expresiva. Temas esenciales de este análisis ha de ser la
definición clara y precisa de los requisitos mínimos definidos a los que
debe ajustarse la impartición de la asignatura: objetivo, profesorado,
contenidos de la asignatura, estudio de la historia y teoría de la
representación teatral, lectura de textos, desarrollo de talleres, asistencia
organizada a espectáculos...”
Es, sin duda, esta, una propuesta necesaria que conduce

directamente a la situación existente hoy en día en otros países europeos
como son Reino Unido o Francia. Ese es el nivel de desarrollo que un país
como España debería tender a emular. Como hemos descrito en el
apartado 5 del presente trabajo, en el país anglosajón hay una gran
variedad de oferta formativa en cuanto a los estudios técnicos y, entre
otros, un individuo puede obtener un nivel universitario, Bachelor, en
distintas disciplinas como son el Diseño de Iluminación, Escenografía,
Vestuario...
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68
Coincide en el caso británico el hecho de que exista un nivel
universitario para el aprendizaje de las técnicas del espectáculo a la par
que existen gran cantidad de apoyos y una gran oferta formativa para
desarrollo de técnicas teatrales a nivel infantil, para los young learners.
No creemos que este sea un hecho producto de la casualidad. Gran
Bretaña es una nación en la que la tradición teatral ha gozado siempre de
buena fama social y de élite cultural, de delicadeza y educación, donde no
se ha relegado y exigido que la cultura se financie únicamente de las
arcas del estado sino que la participación privada ha tenido peso en ella.
Cierto es que, en España hay un único caso que podemos

considerar de una rareza absoluta y gran interés, que son los cursos de
técnicas el espectáculo desarrollados en el colegio de Sant Carles del
municipio de Sant Joan en la isla de Ibiza, destinados a niños de entre 6 y
14 años, donde se trabajan las disciplinas de escritura de guiones,
escenografía, sonido e iluminación.
Es absolutamente demostrable que se está recorriendo el camino y

que se ha producido un avance pero lo cierto es que, hoy en día, los
tiempos cambian a una velocidad tan vertiginosa que es necesario correr
mucho para ir al ritmo de los demás. Es decir, hace 20 años, en España
no existía ningún centro especializado en formación para las profesiones
técnicas del espectáculo en vivo. Hoy en día, como hemos visto hay 3
grandes centros, pero, sin duda, los avances tecnológicos han crecido de
una manera desproporcionada en comparación.
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69
Desde la iniciativa pública, como hemos visto, se contempla y
reconoce la necesidad de conocer los nuevos perfiles profesionales
demandados por la sociedad de hoy en día que camina a pasos
agigantados. Así se expone desde la Consejería de Cultura en el recién
presentado Plan Estratégico para la Cultura en Andalucía.
Otra vía parte de la Consejería de Innovación, Ciencia y Empresa

desde la que se apuesta por la cultura del emprendizaje. Existe un Centro
Andaluz de Emprendedores (CADE) con el objetivo de fomentar la
creación de empresas por medio del asesoramiento específico para las
artes escénicas y el espectáculo. Iniciativas de este tipo se están creando
en las distintas comunidades autónomas.
En relación a lo que aquí estamos exponiendo y teniendo en cuenta

que históricamente la trayectoria de nuestro país en cuanto a la
participación privada en el sector cultural y artístico revela un alto índice
de pasividad, entonces, probablemente la clave resida en que las
iniciativas privadas tiren de carro de lo que las administraciones públicas
contemplan en sus líneas de actuación.
Las ayudas públicas, como en muchos otros casos, deberían

fomentar más bien el desarrollo de iniciativas de gestión privada y, en
este sentido, sin duda un sector como el de las artes y la cultura sería
muy propicio para ello por lo que ya hemos referido en varias ocasiones,
se trata de un sector deficitario por naturaleza como ya demostraron
Baumol y Bowen en su día.
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En conclusión, por lo que se refiere a la formación para las
profesiones técnicas para el espectáculo en vivo, desde el panorama de la
situación actual, se deben perseguir dos objetivos:
 Conseguir reconocer a nivel europeo las disciplinas del espectáculo en

vivo como familia profesional en si misma con sus titulaciones y
competencias perfectamente definidas de modo que quien acredite
esas titulaciones tenga libertad y movilidad laboral en todo l territorio
de la Unión europea.
 Gestionar la formación oficial no solo desde administraciones públicas
sino también por medio de acciones privadas y mixtas.
Por último, es oportuno dejar abierto un debate que tiene que ver
con el momento en que vivimos.
Por una parte, un rasgo común a todas estas disciplinas es, sin
duda, su carácter tradicionalmente artesanal que hoy en día se conjuga
con los avances tecnológicos. De este hecho se deriva un discurso similar
al que surgía en la revolución industrial de siglo XVIII en Inglaterra: “¿Se
quedarán los individuos sin trabajo porque serán sustituidos por
máquinas?”, “¿Son capaces las máquinas de impregnar ese detalle con el
que los humanos hacen ciertos trabajos?”. Lo cierto es que el uso
artesanal que hace el teatro y sus “operarios” de las máquinas y nuevas
tecnologías para conseguir un producto único e irrepetible, hacen muy
difícil concebir un espectáculo sin la empatía que se produce entre todo el
equipo humano y técnico a la hora de la representación: hombre, máquina
y adaptación a los nuevos tiempos.
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71
REFERENCIAS BIBLIOGRÁFICAS
 Echarri, M., y San Miguel, E., Cuadernos de Técnicas Escénicas.

Vestuario Teatral, Ñaque, Ciudad Real, 2004.
 Gómez de la Iglesia, R., (coord.), Economía Social, Nuevos Yacimientos
de Empleo y Desarrollo Local, Xabide, Vitoria, 2000.
 Gómez de la Iglesia, R., (coord.), Público y Privado en la Gestión
Cultural, Xabide, Vitoria, 2000.
 Larriba, M.A., Cuadernos de Técnicas Escénicas. Sonorización, Ñaque,
Ciudad Real, 2004.
 López de Guereñu, J., Cuadernos de Técnicas Escénicas. Decorado y
Tramoya, Ñaque, Ciudad Real, 2005.
 Moreno, J.C., Cuadernos de Técnicas Escénicas. Iluminación, Ñaque,
Ciudad Real, 2004.
 Navarro, G., y Valentín, T., Planificación, Producción y Promoción
Teatral, Centro de Documentación Teatral, Consejería de Cultura de la
Junta de Andalucía, Ciudad Real, 1998.
 Oliva, C., y Torres, F., Historia Básica del Arte Escénico, Cátedra,
Madrid, 2005.
 Portillo, R., y Casado, J., Abecedario del Teatro, Centro Andaluz de
Teatro, Sevilla, 1992.
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72
REFERENCIAS WEB
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http://www.abtt.org.uk/
 Centre de Formation Profesionelle aux Techniques du Spectacle,
http://www.cfpts.com/
 Centro de Tecnología del Espectáculo (C.T.E.), http://cte.mcu.es/
 Consejería de Cultura de la Junta de Andalucía,
http://www1.ccul.junta-andalucia.es/cultura/web/publico/index.jsp
 Consejería de Empleo de la Junta de Andalucía,
http://www.cem.junta.andalucia.es/empleo/www/index_tematicas.php
 Departamento de Historia de la Arquitectura Escénica,
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 Ecole Superieure dárt dramatique – Theatre National de
Strasbourg, http://www.tns.fr/
 Escénica. Programa de Estudios Técnicos,
http://www1.ccul.junta-andalucia.es/cultura/escenica/
 Escola de Formaçao Teatral do Centro Cultural de Évora,
http://www.evora.net/cendrev/
 Escuela Superior de Técnicas de las Artes del Espectáculo
(E.S.T.A.E.), http://www.diba.es/iteatre/
 FIRCTE, http://www.diba.es/iteatre/
 Instituto Nacional de Estadística, http://www.ine.es/
 Institut Superieur des Techniques de Spectacle, http://www.ists-
avignon.com/
 Instituto Nacional de las Cualificaciones,
http://www.mec.es/educa/incual/
pdfMachine
73
 Plan Estratégico para la Cultura en Andalucía (P.E.C.A.),
http://www.fica2007.es/
 Ley Orgánica de las Cualificaciones y de la Formación
Profesional,
http://noticias.juridicas.com/base_datos/Laboral/lo5-2002.html
 Rose Bruford College, http://www.bruford.ac.uk/
 Stary Teatr, http://www.stary-teatr.krakow.pl/
 Teatro alla Scala, http://www.teatroallascala.org/
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74

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LA FORMACIÓN PARA LAS PROFESIONES

TÉCNICAS DEL ESPECTÁCULO EN VIVO

Instituto Complutense de Ciencias Musicales.

Eloísa Segura Hernández

2. LAS PROFESIONES DEL ESPECTÁCULO EN VIVO:

3. BREVE HISTORIA DE LAS TÉCNICAS

4. LA FORMACIÓN PARA LAS PROFESIONES

5. PRESENTE Y FUTURO: INNOVACIÓN Y EMPRENDIZAJE...... 67

El presente trabajo pretende mostrar una visión del panorama que

Nos encontramos en un sector, el del espectáculo en vivo que, en

Sin duda estas problemáticas revierten inevitablemente en las

Solamente desde mediados de los años 90 existen proyectos de

Es decir, se está avanzando pero a pequeños pasos. Tanto en el

Tal y como plantea el P.E.C.A.:

“Las instituciones son los espacios de participación

La aportación del sector cultural al PIB nacional es un signo de la

En 2.003 hubo en España 51.354 representaciones, 11.803.408

En el 4º trimestre de 2003, el gasto total realizado en Ocio,

De acuerdo con el Instituto Nacional de Estadística, teniendo como

GASTO MEDIO POR

AÑO AÑO AÑO

El sector de Ocio, Espectáculos y Cultura en la Encuesta Continua de

Nos encontramos ante un sector industrial muy peculiar por lo

Pero, a pesar de las dificultades y maravillas que el sector entraña,

Detrás de los, aproximadamente, veintitrés millones y medio

Entretenimiento, intelecto, educación, cultura, en directo. Ópera,

El espectáculo en vivo, como producto en el que la interacción con el

El concepto espectáculo en vivo es muy amplio; en muchas

Suele haber bastante confusión terminológica. Según el Diccionario

(Del lat. spectacŭlum).

1. m. Función o diversión pública celebrada en un teatro, en un circo o en

2. m. Conjunto de actividades profesionales relacionadas con esta

4. m. Acción que causa escándalo o gran extrañeza. Dar un espectáculo.

Principalmente, para nuestro objeto de estudio, nos atañe la

De la propia definición, podemos deducir ya algunos rasgos

Tradicionalmente, el proceso de producción de un espectáculo en

El producto final condiciona los modos de trabajar de los distintos

El producto es irrepetible, no hay dos representaciones teatrales o

En muchos casos, el espectáculo en vivo se define por oposición al

En primer lugar, una grabación cinematográfica, una película, no es

Del mismo modo, no consideramos, en el presente trabajo,

Por otra parte existen un tipo de eventos conocidos comúnmente

En definitiva, la denominación “espectáculo en vivo” es un galicismo

La especialización de las profesiones técnicas en las Artes

Es bastante sencillo encontrar volúmenes y estudios acerca de los

Especialmente en el sector de las Artes Escénicas, muchas

En el presente trabajo se consideran las variedades de espectáculos

Teniendo en cuenta el creciente desarrollo del sector cultural y de

1 ESCENOTECNIA o ESCENOTÉCNICA: A pesar de no estar incluido en el

“Palabra de origen italiano que designa el conjunto de

2 TECNOLOGÍA: Se trata de un término compuesta de origen griego,

Podemos definir como tecnología el conjunto de conocimientos

2. f. Tratado de los términos técnicos.

3. f. Lenguaje propio de una ciencia o de un arte.

4. f. Conjunto de los instrumentos y procedimientos industriales de

Según el D.R.A.E. (De trama).

1. f. Máquina para figurar en el teatro transformaciones o casos

2. f. Conjunto de estas máquinas.

3. f. Enredo dispuesto con ingenio, disimulo y maña.

Según el Abecedario del Teatro: Estrictamente es la maquinaria de un

1. com. Persona que inventa, construye o dirige tramoyas de teatro.

Por otra parte, existen profundas diferencias en las empresas

Aunque se pueden describir las competencias profesionales de cada