Evolución música electrónica cine

La música
La evolución de la música electrónica en el cine
electrónica
en el cine
Música y Cultura de Masas

Luna Guerrero Alcántara
1
Claudia Giráldez Vela
2
Índice
Definición y diferenciación de términos 4

Breve historia de la música electrónica 5
La introducción de la música electrónica en el cine 10
La evolución en el uso de la música electrónica en el cine
a través de ocho películas clave 12
Conclusión. Panorama actual y auge de la música electrónica en el cine 28
Bibliografía 30
3
Definición y diferenciación de términos
Para empezar, es importante diferenciar entre algunos términos a los que nos vamos a
referir a lo largo de este trabajo. En primer lugar, diferenciaremos entre música electrónica
y sonidos de sintetizador, así como los distintos usos que se les puede otorgar en la banda
sonora de una película. En segundo lugar, será pertinente hacer también una
diferenciación entre música diegética y música extradiegética, puesto que los sonidos
electrónicos pueden venir desde dentro de la acción de la historia o desde fuera.
Música electrónica
La música electrónica es un concepto muy amplio, ya que hoy en día la mayor parte de la
música que se produce es, en mayor o menor medida, electrónica. Según la definición de
Herbert Eimert (1955):
La música electrónica está basada en la composición de sonidos generados

electrónicamente hechos audibles por un generador, es decir, grabados en cinta, sin
recurrir a ningún instrumento o micrófono. La música electrónica existe sólo en la cinta (o
en la grabación) y sólo puede ser convertida en sonido por medio de un sistema de
altavoces. (p.2)
A pesar de la antigüedad de la definición, sigue estando vigente por su carácter abstracto.

De hecho, esta definición de Ariel Kyrou (2006: 392), ya del siglo XXI, es muy similar: “La
música electrónica designa, literalmente, a la música de las máquinas […]”.
Por tanto, podemos decir que la música electrónica es toda aquella que haya sido
producida a partir de instrumentos musicales electrónicos y tecnología musical electrónica.
Sintetizador
Atendiendo a la definición de la Real Academia Española, un sintetizador es un
“instrumento musical electrónico capaz de producir sonidos de cualquier frecuencia e
intensidad y combinarlos con armónicos, proporcionando así sonidos de cualquier
instrumento conocido, o efectos sonoros que no corresponden a ningún instrumento
convencional".
4
Los sonidos conseguidos con los sintetizadores se consideran, pues, música electrónica, ya
que son producidos por un instrumento musical electrónico.
Usos en la banda sonora de la música electrónica

La música electrónica tiene la peculiaridad de que su uso en el cine no se limita al
estrictamente musical, en el sentido de acompañar musicalmente una escena, sino que
también es empleado como ambientación y efectos sonoros. En sus inicios era empleada en
películas de ciencia ficción, más concretamente sobre viajes al espacio y visitas
extraterrestres, así como películas de terror. Algunos autores pretendían liberarse de los
sonidos naturales, mientras que otros querían experimentar creando sonidos nuevos
mediante la electrónica. Poco a poco, el uso de la música electrónica como banda sonora
fue consolidándose, elevando algunas obras a la categoría de culto.
Música diegética y música extradiegética

Hemos considerado relevante distinguir entre música diegética (la que pertenece al mundo
de la ficción) y música extradiegética (la que está fuera de ese mundo, añadida
artificialmente al desarrollo de la acción), puesto que en el análisis de la banda sonora de
las películas que aquí realizaremos tendremos en cuenta tanto una como otra.
Breve historia de la música electrónica
Se suele pensar que los comienzos de la música electrónica surgen sobre la década de los
sesenta o setenta, pero realmente no es así. Los orígenes de este tipo de música se
remontan a finales del siglo XIX. El Telarmonio (Telharmonium) o Dinamófono, es el
primer instrumento musical que existió para generar sonidos electrónicos y polifónicos,
creado por el inventor estadounidense Thaddeus Carhill. Este comenzó a trabajar en el
primer prototipo en 1895, el cual era un instrumento electrofónico de tipo
electromecánico, y utiliza rotación de generadores electromagnéticos para así producir
impulsos eléctricos que fueran convertidos en sonidos por receptores telefónicos. El
principio de su funcionamiento consistía en 145 dinamos que, al girar en un sistema de
ejes, inductores y engranajes, producían corrientes alternas de las frecuencias de audio
entre 40 y 4000 Hz. Estas señales eran controladas por un teclado de siete octavas y 36
notas por octava que podía ser interpretado por cuatro manos.
5
La falta de público y los problemas técnicos de la transmisión telefónica fueron sus dos
principales inconvenientes, por lo que en 1918 salió el tercer y último prototipo. Aunque
conservaron el primer prototipo hasta los años 50, en la actualidad no tenemos nada más
que fotografías.
Dos músicos tocando el

Telharmonium en el Telharmonic
Hall
Al otro lado del mundo, el genio italiano Luigi Russolo elaboró la primera composición
electrónica. En 1913 redactó un manifiesto llamado El arte de los ruidos, donde explicaba
que “el arte de los ruidos no debe limitarse a una simple tentativa de reproducción…
Debemos ampliar y enriquecer el campo sonoro”. Luigi Russolo construyó junto con su
amigo y compañero Ugo Piatti una gran máquina a la que bautizaron como Explosionador.
Era un aparato de grandes dimensiones que reproducía sola y automáticamente 10 notas
completas cuyo sonido era parecido al ruido de un motor.
Russolo y Piatti no se centraron en el Explosionador. Trabajaron en la producción de más

máquinas que emulaban los mismos sonidos, generadores de ruido: el Ululador, el
Guglulador, el Silbador, el Crepitador y el Rascador. Con estos aparatos ultimaron la
estructura de una orquesta: Intonarumori.
El Intonarumori está creado por una caja de resonancia de madera de ocho lados. Dentro
de la misma había una rueda de madera o metal que hacía vibrar una cuerda y que estaba
conectada a un parche que trasmitía el sonido a través del altavoz de cartón o bocina de
metal (como los gramófonos) en su lado frontal. El ejecutante giraba una manivela (al lado
o detrás, según los instrumentos) o, en los últimos modelos, presionaba un botón eléctrico,
6
para producir el sonido cuya altura era controlada por medio de una palanca en la parte
superior de la caja. La palanca se podía mover en escalas de tonos, semitonos y
gradaciones intermedias libres dentro de una gama de más de una octava.
Luigi Russolo y Ugo Piatti en el

laboratorio de Intonarumori
en Milan
Estos fueron los primeros dispositivos del género: fue el comienzo para la música
electrónica.
En la década de los años veinte el físico y músico Lev Sergeyevich Termen, conocido en
occidente como Léon Theremin, inventó el aetherophone, nombre que tiempo después
cambió por el suyo mismo, theremín, que es como se conoce popularmente. Este
instrumento fue un aporte fundamental para el género y para confeccionar la
experimentación en el sonido.
Léon Theremin descubrió su instrumento mientras estudiaba las ondas electromagnéticas

por encargo del gobierno ruso. Estaba investigando la detección del movimiento a través
de las ondas cuando descubrió que la presencia de un objeto en un campo
electromagnético alteraba la frecuencia reproducida por el dispositivo. El sonido se
produce por una vibración, la cual se crea por la corriente eléctrica que genera el
instrumento mediante un complejo sistema de válvulas y bobinas. Esta vibración, a su vez,
crea un campo electromagnético en el que las manos del músico interfieren al acercarse a
sus antenas, controlando las oscilaciones de la corriente y creando ondas de sonido. La
corriente que se produce tiene una frecuencia que no capta el oído humano, así que este
7
aparato también mezcla dos corrientes para cambiar la frecuencia y hacerla audible.
Además, la música brota del instrumento sin que las manos del músico lleguen a tocarlo.
Léon Theremin tocando su

instrumento en París durante
su viaje por Europa en los
años 20.
La antena derecha, por lo general en vertical, controla la frecuencia (el tono). Cuanto más
cerca esté la mano, más agudo sonará. Sin embargo, la frecuencia que se obtiene no es
perceptible para el oído humano, así que transforma la señal para hacerla audible y
producir un sonido semejante al de un violonchelo. La antena izquierda, normalmente en
horizontal, controla el volumen. A mayor proximidad de la mano, más bajo es el volumen.
El instrumento tuvo muchísimo éxito. Léon Theremin viajó por toda Europa, llegando a
tocar en lugares como el Albert Hall de Londres y la Ópera de París. Más tarde le invitaron
a un viaje por Estados Unidos, donde se quedó a vivir y oficialmente patentó el theremín.
En Nueva York conoció a Clara Rockmore, que se convirtió en la primera concertista de
theremín.
Este instrumento ha sido de los más influyentes para el resto de la historia, tanto en la
música como en el cine. Ha estado presente en la obra de artistas como Radiohead, Rolling
Stones, Marillion, Cyndi Lauper, King Crimson, Talking Heads, Led Zeppelin, Marilyn
Manson, Pink Floyd, Rita Lee, las Spice Girls, etc. También tuvo su presencia en el cine (la
cual comentaremos más adelante), así como en series de televisión como Los Simpson, The
Big Bang Theory o American Horror Story.
8
A finales de los años 40 aparece el compositor francés Pierre Schaeffer, quien llegó a
realizar música usando simplemente una cinta magnética. Un perfecto constructor de la
experimentación, ya que estuvo en pleno rendimiento creativo. En el año 1952 edita una
sublimación de su obra llamada “En busca de una música concreta” donde recopila toda su
metodología de composición empleando los grandes instrumentos creados en el campo de
la experimentación, como el arco de Duddell, el telarmonio de Cahill, el Theremin, el
electrófono de Mager, las ondas de Martenot y el trautonio de Sala.
1951 es el año que la música electrónica se establece y se declara oficialmente cómo género.
Sus otros precursores fueron los alemanes Robert Beyer y Herbert Eimert. Estos fueron
maestros de otro genio de la experimentación, Karlheinz Stockhausen. El nombre de
Stockhausen es conocido por haber sido el fundamento para la música contemporánea.
Creó, perfeccionó y sincretizó una variedad de complejas composiciones electrónicas,
derivándolo a la vertiente electroacústica. Los principios de los 50 fueron la eclosión de la
electrónica experimental; de Alemania nos trasladamos a Estados Unidos, en Los Ángeles,
dónde nació el padre de la música aleatoria: John Cage. Su música era puro radicalismo,
improvisación, excentricidad y fue un gran aporte para la experimentación sónica.
Desde 1960, la electrónica ya no es del dominio exclusivo de esta música académica y

experimental. Se adentro en un mundo algo más comercial debido a la invención y la
democratización de los instrumentos y herramientas electrónicas. Incluso Ennio
Morricone y François de Roubaix aplicarían conceptos de música electrónica en películas
tan importantes como Por un puñado de dólares, en la que se daría a conocer a Clint
Eastwood.
En la década de los 70, la aparición de Kraftwerk y Jean-Michel Jarre fueron clave para
hacer crecer la popularidad de la música electrónica. Cada vez la tendencia crecía más y
otros rostros más populares hasta nuestros días como David Bowie o el grupo Pink Floyd
fueron claves en la introducción del género.
En los años 80 la música electrónica experimentó un nuevo auge con la aparición del house
y del techno. El sintetizador es el protagonista de esta época, apareciendo el synthpop
(fusión del pop con toques de electrónica, predecesor del electropop), el cual vivió sus
mejores momentos.
9
En los 90 el género ya se encuentra establecido, muchos artistas ya han experimentado con

él en años anteriores. Comienzan a nacer nuevos subgéneros dentro de la electrónica:
desde hard house y el techno al ambient y experimental, y géneros como el trance y el
drum and bass. En esta década la electrónica ya inunda las pistas de baile.
Desde el 2000, la música de baile electrónica (EDM) ha pasado a ser un género popular en
una parte influyente de toda la música comercial. Parte del enorme crecimiento de la
música electrónica se puede atribuir a Internet. La popularidad de sitios web sociales como
YouTube y SoundCloud ha hecho que encontrar música nueva sea más fácil que nunca, así
como la difusión de la música electrónica a nuevos oyentes.
Hoy día es un género totalmente extendido por todo el mundo y de fácil acceso tanto para
escuchar como para producir, gracias a los programas e incluso aplicaciones para móviles,
portátiles, tablets, etc. Se encuentra en un panorama de constante evolución y novedades.
Moviliza a masas y llena festivales por todas partes; de hecho, los festivales más famosos y
que más dinero ingresan son festivales de música electrónica como el Tomorrowland en
Bélgica o el Ultra Music Festival Miami.
Un género musical que sigue en extensión y que ha influenciado a otras artes, como el cine,
casi desde sus inicios.
La introducción de la música electrónica en el cine
El uso de la música electrónica en el cine se remonta cien años atrás, con la invención del
theremín en los años 20. Este instrumento, ya comentado en el apartado anterior, fue
creación del científico ruso Lev Theremin, quien buscaba un medio para reproducir
sonidos que se pudieran escuchar en la frecuencia radiofónica entre diversas emisoras. El
theremín o eterófono se controla colocando las manos en torno a sus antenas, sin
necesidad de tocarlo, provocando un sonido parecido a una oscilación ultraterrena. Este
instrumento sería el precursor de los sintetizadores que aparecerían en los años sesenta.
Uno de los primeros compositores en llevar este instrumento al cine fue Dmitri
Shostakóvich con la película soviética Odna (1931), dirigida por Leonid Trauberg y Grigori
Kozinstev. El theremín fue poco a poco haciéndose un hueco en la banda sonora de
10
películas de terror y ciencia ficción, apareciendo en películas como King Kong (Merian C.
Cooper y Ernest B. Schoedsack, 1933) o The Bride of Frankenstein (James Whale, 1935).
Pero fue en Recuerda de Hitchcock y Días sin huella de Billy Wilder, ambas de 1945,
donde el theremín cobra importancia como un instrumento que podía en sí mismo
sonificar las profundidades de la mente o la inestabilidad emocional de los personajes. La
banda sonora de estas dos películas fueron obra del compositor húngaro Miklós Rózsa,
uno de los pioneros en emplear este instrumento en sus composiciones. Más adelante,
Bernard Herrmann, compositor estadounidense, utilizó en su orquesta dos theremines
para la película de ciencia ficción Ultimátum a la Tierra (Robert Wise, 1951). El theremín
acabó convirtiéndose en un “cliché musical para mostrar las mentes de psicópatas,
monstruos o criaturas extrañas y en películas de ciencia ficción de la década de los 40 y 50,
simbolizando la vida extraterrestre” (Sedeño, 2004: 160). Esto ha resultado tener como
consecuencia la asociación del sonido del theremín a los extraterrestres en el inconsciente
colectivo.
Otro de los primeros instrumentos precursores del sintetizador es el Ondes Martenot u

ondas Martenot, inventado en 1928 por el violonchelista francés Maurice Martenot. Este
instrumento era más sencillo de controlar que el theremín, puesto que contaba con un
teclado, y podía además crear efectos. Por ello, el Ondes Martenot se integró más
fácilmente y su contribución en el cine fue mucho mayor que la del Theremín. Fue
utilizado por compositores como Honegger, Varese o Milhaud.
La primera película de gran presupuesto cuya banda sonora fue compuesta íntegramente
por instrumentos electrónicos fue Planeta prohibido (Fred M. Wilcox, 1956) de la Metro-
Goldwyn-Mayer, creada por Louis y Bebé Barron mediante circuitos electrónicos
manipulados.
A mediados de los años sesenta comenzaron desarrollarse dispositivos moduladores de

sonido, los hoy llamados sintetizadores. Los primeros modelos fueron los de Bob Moog y
Don Buchla. Con los sintetizadores, la música en el cine cambiaría para siempre, poniendo
banda sonora a cintas indispensables como La naranja mecánica (Stanley Kubrick, 1972),
compuesta por Wendy Carlos, o Blade Runner (Ridley Scott, 1982), de Vangelis.
Ya en en los años ochenta destacaría John Carpenter, músico y director de cine, tras
realizar con sintetizadores la banda sonora de sus películas Asalto a la comisaría del
11
distrito 13 (1976) y La noche de Halloween (1978). Continuó produciendo música

electrónica para sus películas —La niebla (1980), Escape from New York (1981), La cosa
(1982)…—, así como para otros directores, como en Videodrome (David Cronenberg, 1983)
o Day of the Dead (George A. Romero, 1985).
En esta época encontramos también la versión de 1984 de Giorgio Moroder de la película

muda Metropolis (Fritz Lang, 1927), cuya banda sonora fue reinterpretada para crear una
composición electrónica que le otorgaría una nueva lectura.
Hoy esta práctica se ha llevado a cines de diversas ciudades de todo el mundo como
Santiago de Chile, Madrid, Barcelona o Bilbao, donde la película se acompaña de sesiones
en directo de DJs, siendo un claro ejemplo de cómo el auge de la música electrónica está
revolucionando la escena cinematográfica actual. La música electrónica, por otra parte, se
ha desvinculado al fin de los clichés de la ciencia ficción para al fin formar parte también
de películas de otros géneros.
La evolución en el uso de la música electrónica en

el cine a través de ocho películas clave
Ultimátum a la Tierra (The Day the Earth Stood Still, Robert Wise, 1951) -
Música por Bernard Herrmann
En la película de ciencia ficción de Robert Wise Ultimátum a la Tierra del año 1951, una
nave extraterrestre llega a la tierra con la misión de entregar a los hombres un importante
mensaje. El platillo aterriza en Washington y de él sale Klaatu, un alienígena de aspecto
12
humano acompañado de Gort, un amenazante robot que pone en alerta al ejército. Klaatu
hace una petición a todos los gobernantes del mundo, pero esta es rechazada. Por tanto,
Klaatu decide observar cómo viven los humanos y poder acercarse a los científicos y
mandatarios para entregar su mensaje.
La partitura de esta película fue compuesta por Bernard Herrmann (Nueva York, 1911 - Los
Ángeles, 1975), y fue nominada en los Globos de Oro de 1951 a Mejor música. Herrmann
fue un compositor y director de orquesta que se convirtió en referencia de la música para
cine. Colaboró estrechamente con Orson Welles, con quien debutó en la composición
cinematográfica con Ciudadano Kane (1940) y con Alfred Hitchcock, con quien realizó
algunas de las mejores partituras de la historia del cine, como El hombre que sabía
demasiado (1956), Vértigo (1958), Con la muerte en los talones (1959) y Psicosis (1960),
así como la de The Birds (1963), para la que creó efectos de sonido electrónicos. Trabajó
también con François Truffaut, Brian De Palma y Martin Scorsese, para quien compuso la
música de Taxi Driver (1975).
Para Ultimátum a la Tierra, Herrmann compuso una de las primeras bandas sonoras que
incluyen instrumentos electrónicos (el theremín), “combinando las intervenciones de una
orquesta convencional con las de una sección electrónica” (La Torre, 1994: 52), para con
ello crear una fantasía musical sobre el hombre del espacio. La música debía reflejar una
sonoridad que no se pudiera relacionar como proveniente de la Tierra. Esta es
especialmente relevante en el momento en el que se abre la compuerta del platillo volante.
En las notas se refleja el miedo y la incertidumbre de la gente, incrementando cuando
Klaatu aparece, transmitiendo al espectador una sensación de terror. También sucede
cuando se neutraliza la electricidad en todo el mundo, o cuando un personaje llamado
Helen debe llevar un mensaje a Gort.
Al propio director, Robert Wise, le sorprendió la banda sonora que Herrmann compuso
para su película, “porque no sabía qué equipo electrónico usaban. Aportaba mayor
dimensión y sensaciones a la película. La impresión de otro mundo que necesitaba”.
Escaneando el QR podrás escuchar la pieza

Prelude/Outer Space/Radar incluida en la
banda sonora original de Ultimátum a la
Tierra
13
Planeta prohibido (Forbidden Planet, Fred M. Wilcox, 1956) - Música por

Bebe y Louis Barron
Esta cinta de ciencia ficción de 1956, dirigida por Fred M. Wilcox, es una recreación de la
obra “La Tempestad”, de William Shakespeare. En ella, una nave espacial tripulada por
terrícolas se dirige al planeta Altair IV, gobernado por un expatriado, tras pasar más de un
año vagando por el espacio. Al aterrizar, el comandante Adams y su equipo son llevados a
un paradisíaco escenario por un robot llamado Robby, que les guía hasta la casa del doctor
Morbius, un filólogo. Mientras el profesor les cuenta cómo sobreviven después de la
desaparición del resto de la expedición Belerepheron, Adams y sus ayudantes conocen a la
hija de Morbius, Alta. Finalmente, Adams comunica a Morbius su intención de quedarse
unos días en el planeta Altair IV para reparar algunas averías que ha sufrido la nave.
Bebe y Louis Barron, dos pioneros de la música electrónica, fueron los responsables de
componer la música para Planeta prohibido. Son conocidos por haber realizado las
primeras composiciones de música electrónica en cinta magnética en EEUU (tituladas
“Heavenly Menagerie”) en 1950, y la primera banda sonora de una película íntegramente
electrónica. Bebe Barron (Minneapolis, 1926 - Los Ángeles, 2008) y Louis Barron
(Minneapolis, 1920 - Los Ángeles, 1989), se casaron en 1947, y recibieron como regalo de
boda una grabadora. Abrieron uno de los primeros estudios privados en América e,
inspirados por el libro de 1948 “Cybernetics: Or, Control and Communication in the
Animal and the Machine”, del matemático Norbert Wiener, la pareja empezó a
experimentar creando sus propios artilugios llenos de circuitos electrónicos que
14
empleaban para grabar sonidos en cintas, unos sonidos que parecían de otro mundo. La
sonoridad de los artilugios se basaba en un patrón de actividad propio, parecido a los
comportamientos de ciertos organismos unicelulares. Su técnica consistía en sobrecargar
los circuitos diseñados por Louis, de lo que se obtenían sonidos impredecibles, mientras
Bebe registraba las sonoridades que conseguían y extraía de las cintas los sonidos
generados. Gracias a sus inventos, contactaron con el compositor John Cage a principios
de la década de 1950, con quien trabajaron juntos un año en un proyecto, así como con
otros representantes de la New York School, y llamaron la atención de la corriente musical
de vanguardia. Hicieron también varios cortometrajes experimentales. La vanguardia no
les proporcionaba suficiente dinero, por lo que decidieron aprovechar sus inventos
recurriendo a Hollywood. Se divorciaron en 1970 y, aunque no volvieron a grabar ninguna
otra película, siguieron colaborando hasta la muerte de Louis en 1989. En 1999, Bebe fue
invitada a un proyecto de la Universidad de California-Santa Bárbara utilizando lo último
en tecnología de generación de sonido, el cual terminó en el 2000 y que se llama “Mixed
Emotions”.
Forbidden Planet se trata, como mencionamos anteriormente, de la primera película de

gran presupuesto con una banda sonora compuesta al 100% a partir de instrumentos
electrónicos, unos instrumentos que estaban todavía lejos de la llegada de los
sintetizadores y samplers. Fue la primera y única banda sonora que los Barron escribieron,
y les costó muchos detractores (aunque también elogios), entre ellos la American
Federation of Musicians, con quien mantuvieron una disputa. Debido a esto, sus nombres
no aparecieron en los créditos, por lo que tuvieron un nulo reconocimiento por su trabajo.
Esto provocó que no fueran nominados a los Oscar ese año. Los sonidos electrónicos de la
película evocan una atmósfera extraterrestre, de otro planeta. El interés de esta banda
sonora reside en los símiles sonoros que los Barron emplearon para dar la sensación de la
desaceleración de la nave espacial que aterriza en Altair IV en “Deceleration”, el aterrizaje
en “The Landing”, las pisadas del monstruo en "An Invisible Monster Approaches", "Giant
Footprints In The Sand", y "Battle With Invisible Monster”, o los temas que recrean la
civilización Krell como "Krell Shuttle Ride And Power Station" o "Ancient Krell Music".

Battle With The Invisible Monster incluida
en la banda sonora original de Planeta
prohibido
15
La naranja mecánica (A Clockwork Orange, Stanley Kubrick, 1971) - Música

por Wendy Carlos
La naranja mecánica es una película de Stanley Kubrick, una adaptación de la novela

homónima de Anthony Burgess.
La historia transcurre en Gran Bretaña en un futuro distópico. Alex (Malcolm McDowell)

es un joven muy agresivo que tiene dos pasiones: la violencia desaforada y Beethoven. Es el
jefe de una banda de jóvenes, que dan rienda suelta a sus instintos más salvajes apaleando,
violando y aterrorizando a la población. Tras haber sido juzgado y condenado a prisión por
sus acciones, acepta someterse a un tratamiento psiquiátrico llamado “Ludovico” a fin de
reducir el tiempo de la condena, tratamiento que aún se encuentra en fase experimental.
Al explorar cuestiones sociales y políticas intemporales, La naranja mecánica reflexiona

sobre temas como la delincuencia juvenil, la psiquiatría, el libre albedrío y la corrupción
moral de las autoridades. Perturbadora y repleta de imágenes crudas de violencia, se ha
convertido en una película de culto aclamada por el público y la crítica y se ha establecido
como una de las obras icónicas de Kubrick.
La música de este filme está compuesta por Wendy Carlos, una reconocida compositora
transexual de música electrónica estadounidense y fue una de las primeras intérpretes
famosas que usaron sintetizadores para la elaboración de sus obras. Carlos ayudó al
ingeniero Robert Moog en el desarrollo de su primer sintetizador comercial. Consiguió
promover esta tecnología, que era mucho más difícil de usar que hoy en día. En el año 1968
comenzó su transición, pero no fue hasta 1979 cuando se anuncio públicamente como
16
mujer. Por ello en muchas de sus obras aparece como Walter Carlos, como ocurre en los
créditos de La naranja mecánica.
Wendy Carlos llegó a ganar tres Grammy en 1970 por su álbum “Switched on Bach”: Mejor
álbum de música clásica, Mejor Interpretación Clásica – Solistas y Mejor arreglo para
albúm. Además, recibió el premio del Salón de la Fama de los Grammy en 1990
reconociendo así la importancia histórica de este álbum.
Después de grabar varios álbumes más como “The Well-Tempered Synthesizer”, “Sonic
Seasonings” o “Switched-On Bach II”, Carlos escribió música de terror para The Shining de
Kubrick, y compuso la partitura para la película de 1982 Tron de Disney, en esta estableció
una mezcla continua entre la orquesta sinfónica y los sintetizadores digitales y analógicos,
abriendo así un nuevo camino para explorar.
La banda sonora de La naranja mecánica está principalmente compuesta por pasajes de

música clásica, tanto en versiones originales como versiones reinterpretadas (la mayoría de
ellas). El tema principal y en el que se centra es la “Novena Sinfonía” de Beethoven, usada
como hilo conductor de la película.
Las piezas que adaptó Wendy Carlos fueron la marcha de la “Música para el funeral de la
reina Mary” de Henri Purcell, una composición del barroco inglés; “Beethoviana”, un
arreglo interpretado en sintetizadores a partir del cuarto movimiento de la cuarta sinfonía
y con un uso de efecto de eco muy marcado que nos hace percibir las sensaciones que
recibe el protagonista; y el final de la Obertura de “Guillermo Tell” de Gioachino Rossini,
para una escena de sexo donde la música está perfectamente sincronizada con el
movimiento de la escena, a gran velocidad, creando así una sensación de agobio acentuada
por el reducido espacio de la habitación donde transcurre la escena.
Carlos también compuso temas originales para esta banda sonora: “Timesteps”, también
creada con sintetizadores y anterior a la película, el cual fue un tema inspirado en la novela
original de la película. La melodía anticipa mediante sonidos atonales, indefinidos y
misteriosos la tortura psicológica a la que va a ser sometido Alex. Esta música, junto con la
escena y las imágenes que se muestran, crean en el espectador angustia y desasosiego,
creando conexión con los sentimientos del protagonista. “Country Lane” es otra pieza
original de Wendy Carlos con la resume el estado de ánimo de toda la película.
17
Además utilizará a autores como Rimsky-Korsakov y su obra “Scheherezade,” Edward

Elgar con “Pomp and Circumstance” en la versión con sintetizadores.
La banda sonora de esta película juega un papel vital. Tiene una función significativa
siempre presente en la relación entre la música y la imagen, reforzando los temas
centrales: la libertad, la violencia y el poder.
El álbum de la banda sonora de La naranja mecánica incluye pistas que se compusieron

para el filme pero que finalmente no fueron usadas.
Escaneando el QR podrás escuchar la banda

sonora completa de La naranja mecánica
Solaris (Solyaris, Andréi Tarkovski, 1972) - Música por Eduard Artémiev
Solaris es una película de ciencia ficción de 1972 dirigida por Andréi Tarkovski que trata
sobre un científico que es enviado a la estación espacial de un remoto planeta que está
cubierto de agua con el fin de investigar la misteriosa muerte de un médico. Es una
adaptación del clásico de ciencia ficción del escritor polaco Stanislaw Lem.
El compositor ruso de música electrónica y cinematográfica Eduard Artemiev (Novosibirsk,

1937) fue el encargado de realizar la música para Solaris. Es mayormente conocido por sus
bandas sonoras para Solaris (1972), El Espejo (1975) y Stalker (1979) de Tarkovski,
además de las de Quemado por el sol (1994) y 12 (2007), ambas dirigidas por Mikita
18
Mijalkov. También ha trabajado con el director Andréi Konchalovski. Ha recibido varios

premios a lo largo de su carrera: a Mejor Música en los Premios Nika en tres ocasiones
(1995, 2005 y 2008) y el Premio Especial del Festival Internacional de Cine de Moscú en
2001. Su música se caracteriza por presentar sonidos inusuales, fácilmente discernibles del
entorno sonoro actual por su abundancia de matices y su inexplicable sensación de confort.
Artemiev se formó musicalmente en el Conservatorio de Moscú, en la clase de composición
de Yuri Shaporin. Su encuentro con Eugene Murzin, inventor de uno de los primeros
sintetizadores, le abrió una ventana de posibilidades.
Para crear la banda sonora de Solaris, Artemiev empleó un sintetizador ANS (acrónimo del
oculista ruso Alexander Nikolayevich Scriabin, pionero en la teoría de los efectos
sinestésicos de la música). El único prototipo del ANS fue destruido poco después de
grabar la banda sonora de Solaris.
Tarkovski, de ideas muy claras, encargó a Artemiev que construyera un paisaje sonoro
electrónico que reflejara la superficie amorfa y misteriosa del planeta Solaris, aunque
también le otorgó cierta libertad para enriquecer la película. Artemiev compone a partir de
la película montada, y parte del importante elemento del silencio en el film para componer
la música, consiguiendo que esta se deslice a través de los silencios de la base espacial. El
director, en su libro Esculpir en el tiempo (1991), realiza un comentario acerca de su
trabajo con Artemiev:
La música electrónica muere desde el momento en que se comprende que es electrónica,

desde que se descifra su construcción. Artemiev hubo de pasar por complejísimos
procesos para alcanzar el sonido que buscaba. La música electrónica debe desprenderse de
sus orígenes «de laboratorio», para que pueda ser percibida como una sonoridad orgánica
del mundo. Tiene la capacidad de disolverse dentro del sonido, la de los sentimientos
confusos, de ser como una respiración. (p. 149)
El director pidió también a Artemiev que incluyera en la banda sonora alguna pieza de
Bach, el músico favorito de Tarkovski. Finalmente, el compositor escogió la pieza “Preludio
coral en fa menor”, que evocaría una atmósfera mágica y solemne. Esta pieza es usada,
como apunta Pérez Gómez (2007) en La música y los sonidos de Solaris: Tarkovski y
Artemiev, en diversos momentos de la película: en los títulos de crédito, algunos
19
fragmentos de imágenes del Océano, la escena de la hoguera, la de la ingravidez, o en el

preludio final de la película en la que aparecen de nuevo las algas del principio.
Como vemos, la relación de Andrei Tarkovsi con la música electrónica (y con la música en
general) es especial. Él piensa que, al contrario que la música instrumental, la música
electrónica puede fundirse de manera natural con el ruido ambiente, provocando una
sensación sonora que no tiene una relación tan estrecha con lo que conocemos por
“música” y en la que la memoria afectiva y el inconsciente colectivo nos pueden jugar una
mala pasada. Solaris es un buen ejemplo de cómo Tarkovski concibe el sonido para el cine,
el cual solo debe estar presente cuando sea estrictamente necesario. Y ahí Artemiev jugó un
papel importante del que, sin duda, salió victorioso.

Station incluida en la banda sonora original
de Solaris
Expreso de medianoche (Midnight Express, Alan Parker, 1978) – Música por

Giorgio Moroder
Expreso de medianoche está basada en un hecho biográfico real que ocurrió en 1970: La
historia de Billy Hayes, representado en la película por Brad Davis. Es la historia de un
joven estadounidense que fue detenido en el aeropuerto de Estambul cuando se disponía a
subir a un avión con varios paquetes de hachís. Acusado de uno de los delitos considerados
20
más graves en Turquía, Billy es condenado a cuatro años de cárcel. En prisión sufrirá las
atrocidades propias de un sistema penitenciario brutal e inhumano.
Su banda sonora fue compuesta por Giorgio Moroder, un productor y compositor musical
italiano que innovó la música disco con el uso de sintetizadores en la década de 1970,
siendo el inicio de géneros como el techno. Ha trabajado durante toda su vida con artistas
de gran calibre como Donna Summer, Barbra Streisand, Cher, Elton John, Freddie
Mercury, entre otros, y en la actualidad continúa con las nuevas divas como Britney
Spears, Kylie Minogue, Sia, Charli XCX o Kelis.
Además ha compuesto gran cantidad de bandas sonoras, siendo la primera Expreso de

medianoche. Esta banda sonora fue galardonada en los Oscar y los Globos de Oro por
Mejor Banda Sonora en el año 1978. Fue la primera vez que una composición electrónica
conseguía alzarse con tal premio. También ganó con Flashdance el Globo de Oro a la mejor
banda sonora y con dos Grammy, al mejor álbum de banda sonora y a la mejor
composición instrumental por “Love Theme” de esta misma película, ambos en 1984. En
1986 su canción “Take My Breath Away”, tema principal del filme Top Gun, también
recibió el Óscar a la mejor canción. Y ha compuesto muchas bandas sonoras más como
American Gigolo (1980), Cat People (1982), Scarface (1983), la versión de Metropolis
(1984), The neverending story (1984) y Electric Dreams (1984), todas ellas relevantes para
la historia de la música en el cine.
La banda sonora de Expreso de medianoche es concretamente una gran expresión de

música electrónica y ha pasado a ser una película muy importante históricamente también,
gracias a la música de Moroder. La banda sonora cuenta con dos canciones vocales, que
pasaron a ser éxitos posteriormente. Un tema principal de ritmo lento y con ciertas
influencias árabes que conecta perfectamente con los sentimientos de pesimismo y
nostalgia que invaden al protagonista. Moroder también crea para esta composición un
tema de amor muy en la onda de Vangelis, un tema que ilustra la relación homosexual que
mantiene el protagonista con uno de sus compañeros de prisión. La pieza más famosa de
esta banda sonora fue “The Chase”, el fondo musical de la persecución a Billy en su primer
intento de fuga. Su ritmo dinámico y repetitivo hizo que se convirtiera en un éxito en todas
las discotecas.
21
La película fue un éxito de taquilla y la banda sonora se convirtió también en una de las
más vendidas de todos los tiempos. Pero más allá del éxito comercial el disco de Giorgio
Moroder, este abrió nuevos caminos para la música de cine, cuando lo que se llevaba era la
vuelta al sinfonismo como John Williams en la Guerra de las galaxias. Giorgio Moroder
inició la nueva corriente de la música electrónica en el cine.

The Chase incluida en la banda sonora
original de Expreso de medianoche
Blade Runner (Ridley Scott, 1982) – Música por Vangelis
Blade Runner está basada en la novela de Philip K. Dick de 1968 “¿Sueñan los androides
con ovejas eléctricas?”. La historia transcurre en el año 2019 en la ciudad de Los Ángeles,
un lugar oscuro y decadente, dominado por enormes rascacielos y grandes carteles de
neón. La poderosa Tyrell Corporation creó un robot llamado Nexus-6, idéntico al hombre
pero superior a él en fuerza y agilidad. Estos robots trabajaban como esclavos en las
colonias exteriores de la Tierra. Después de la sangrienta rebelión de un equipo de
Nexus-6, los Replicantes fueron desterrados de la Tierra. Brigadas especiales de policía, los
Blade Runners, tenían órdenes de matar a todos los que no hubieran acatado la condena.
Pero a esto no se le llamaba ejecución, sino "retiro". Tras un grave incidente, el ex Blade
Runner Rick Deckard (Harrison Ford) es llamado de nuevo al servicio para encontrar y
"retirar" a unos replicantes rebeldes.
22
Su banda sonora fue compuesta por Vangelis, compositor griego que llevó la música creada
con sintetizadores a sus más altas cotas. Desde muy joven cultivó la exploración sonora y
las nuevas tecnologías, de modo que se forjó en el mundillo musical griego una buena
reputación como teclista electrónico, situándose en la vanguardia musical de la época. Se
convirtió a principios de los años 60 con su grupo Formynx en uno de los primeros
músicos griegos en hacer rock. Después de que el grupo se disolviera, Vangelis ingresó en
el mundo del cine, escribiendo y produciendo para otros artistas. Compuso la música para
películas griegas como My Brother, the Traffic Policeman (1963) de Filippos Fylaktos;
5.000 Lies (1966) de Giorgos Konstadinou; y To Prosopo tis Medousas (1967), de Nikos
Koundouros. Pero no sería hasta 1981 cuando se consagraría en la música del cine, con la
película Carrozas de fuego (Chariots of Fire) y con la que ganó un Oscar a mejor banda
sonora.
En 1982 compuso la banda sonora de Blade Runner con la que estuvo nominado a mejor
banda sonora original en los Globos de Oro. Los instrumentos utilizados en la composición
son casi en exclusiva diferentes tipos de sintetizadores, con todas las posibilidades de tonos
y timbres que estos implican. Se pueden escuchar fácilmente las referencias musicales a la
hora de componerla como jazz, blues, sinfonía, techno, motivos árabes y orientales, etc.
ninguna de estas utilizadas gratuitamente, respondendiendo al universo multiétnico,
intercultural e intertemporal que existe en la película. La música en Blade Runner cobra
un gran protagonismo a nivel rítmico, sirviendo como base organizadora de todos los
ritmos, tanto visuales como sonoros. La música de Vangelis contribuiría a elevar la obra de
Ridley Scott a la categoría de película de culto.
Sin duda, este es uno de los discos más importantes en la carrera del compositor. No solo
debido a su gran complejidad y astucia sonora, sino porque fue de los más aclamados por
el público de todo el mundo. El álbum de la banda sonora oficial permaneció inédito
durante doce años, no fue lanzado al público hasta 1994. Y después de este publicaron
álbumes diferentes de la misma banda sonora, edición extendida, ediciones especiales, la
edición completa, e incluso una edición japonesa.
Escaneando el QR podrás escuchar la banda

sonora completa de Blade Runner
23
Trainspotting (Danny Boyle, 1996) - Música por varios artistas
Trainspotting está basada en la novela homónima de Irvine Welsh de 1993. Es la historia

de Mark Renton (Ewan McGregor), un joven que vive inmerso en el mundo de la heroína y
del que se siente tan enganchado que es incapaz de abandonarlo pese a los problemas que
sufre a lo largo de la historia. Junto con sus amigos forman un grupo realmente variopinto,
en el que cada uno tiene sus propios vicios y trata de ayudar a los demás a experimentar y
probar una serie de sustancias de las que apenas tienen constancia.
La película fue muy cuestionada y criticada en su época al considerar que abogaba por el
consumo de drogas. El mensaje no fue entendido correctamente, puesto que el libro y la
película abogaban por lo contrario; pretendían dar un mensaje de esperanza, apostar por la
vida, pero desde el particular y sincero punto de vista de un grupo de drogadictos.
La banda sonora de Trainspotting no está atribuida a una sola persona, sino que son
recopilaciones de varios artistas que dan vida a esta música. Uno de los más importantes
de la película sería Iggy Pop, que interpreta “Lust for Life” en el comienzo del filme,
cuando Mark Renton explica su visión de la vida y las dudas existenciales que se plantea.
La escena fue rodada como si fuese un videoclip, alcanzando así una mezcla perfecta de
imágenes, música y voz en off. Esta canción de poderosa fuerza, junto con el también
poderoso soliloquio de Ewan McGregor en la película, hizo que se convirtiera en auténtico
emblema e himno oficial del conjunto. Esta canción también fue escrita por David Bowie.
24
Otro gran pilar de esta música es la canción “Perfect Day” de Reed, música electrónica, y
con cortes de Britpop, suena en la película cuando Renton sufre una sobredosis casi fatal,
dando así un tono agridulce y conmovedor a la canción.
“Born Slippy” de Underworld fue la canción elegida para los créditos finales, y el bombazo
tanto de la película como de su banda sonora hizo que la discrográfica, Capitol, quisiera
lanzarla inmediatamente como single. Y no se equivocaron, la canción llegó al número 2 en
la lista de los más vendidos, toda una proeza para el techno puro en un momento tan
dominado por el pop.
La banda sonora también contaba con artistas como Blur, Pulp, Elastica, Bedrock featuring
KYO, Primal Scream, Sleeper, New Order, Damon Albarn y Brian Eno. En total, fueron 14
canciones, ninguna de ellas fue para nada una selección arbitraria, sino que construyen un
discurso sonoro único y perfectamente fusionado con el discurso narrativo, imágenes y
diálogos.
El éxito de esta banda sonora fue tal que la discográfica decidió lanzar una segunda banda
sonora al año siguiente, la cual no fue tan bien valorada como la original.
La banda sonora de Trainspotting introdujo a millones de personas en todo el mundo en la

cultura Britpop, la cultura rave y el new wave a través de una mezcla de influencias que
también la llevaron a lo más alto.
Escaneando el QR podrás escuchar el tema

Lust for Life incluido en la banda sonora de
Trainspotting
25
Tron: Legacy (Joseph Kosinski, 2010) - Música por Daft Punk
En esta superproducción cyberpunk de ciencia ficción de Disney, secuela del clásico de

culto Tron (1982), un experto programador llamado Sam Flynn investiga la desaparición
de su padre, Kevin, cuando de repente se encuentra inmerso en un peligroso y salvaje
mundo surrealista, un mundo paralelo en el que su padre ha vivido 25 años. Con ayuda de
una joven, padre e hijo emprenden un viaje a vida o muerte, a través de un sofisticado
universo cibernético.
La producción de la banda sonora de esta película fue encargada al famoso dúo francés de
música dance Daft Punkf ormado por Guy-Manuel de Homem-Christo (Neuilly-sur-Seine,
1974) y Thomas Bangalter (París, 1975). Fue la primera vez que trabajaron juntos para este
ámbito, ya que Thomas, por su parte, ya había compuesto para las películas Irreversible
(2002) y Enter the Void (2009) del director argentino Gaspar Noé (además de para la
reciente Climax del mismo director, estrenada en 2018). El dúo alcanzó una enorme
popularidad en el estilo house a mediados de los noventa en Francia y ha continuado con
su éxito usando el estilo synthpop. También se les acredita la producción de temas
considerados esenciales en el french house. Thomas y Guy-Manuel se conocieron en la
escuela de secundaria Lycée Carnot de París, donde se hicieron amigos y decidieron
empezar una banda en 1992 llamada Darlin’ en compañía de Laurent Brancowitz. Una
reseña negativa de la revista Melody Maker describió sus canciones como “daft punk trash”
(idiota basura punk), la cual encontraron interesante y con la que surgió su nombre Daft
Punk. Darlin’ se disolvió tras lo sucedido, Brancowitz pasó a formar parte del grupo
26
Phoenix y Bangalter y Homem-Christo formaron Daft Punk, experimentando con cajas de

ritmos y sintetizadores, grupo con el que han pasado a la historia de la música electrónica.
La banda sonora de Tron: Legacy es un ejemplo de convergencia entre lo clásico y las

nuevas tecnologías en cuanto a la composición de música para cine. En el proceso de
creación contaron con el compositor clásico Joseph Trapanese, quien habló de la
experiencia:
“Hacer esto parecía complicado al principio, pero realmente fue algo sencillo. Estuvimos
en un espacio cerrado los tres por casi dos años y fue un trabajo realmente arduo. Durante
todo el proceso creativo ellos jamás se olvidaban de la orquesta y yo siempre tenía la
música electrónica en mi cabeza. Fue una continua traducción entre los dos mundos”.
El resultado es una mezcla de música electrónica y orquestal, que da cuenta de la

importante influencia que ha llegado a tener la tendencia de la música electrónica en el
cine. En la banda sonora de Tron: Legacy encontramos por una parte temas íntegramente
instrumentales como Outlands, otros puramente electrónicos como Derezzed, y otros en
los que estos dos estilos se combinan para crear piezas como Disc Wars o TRON Legacy
End Titles.
Esta colaboración entre lo clásico y lo moderno, según explica Ferré Luparia (2013), viene
a decirnos que las nuevas tecnologías son una herramienta más para crear, al igual que han
sido las usadas en el pasado, y que aunque los resultados sean tan diferentes en su
contenido, siguen siendo creaciones, que es lo que siempre han sido en su esencia.
Por otra parte, el hecho de que un grupo cuyo trabajo está fundamentalmente a producir
para la industria musical y no para la cinematográfica es también significativo y un indicio
de la influencia de la música electrónica en nuestros días.

TRON Legacy End Titles incluida en la banda
sonora original de Tron: Legacy
27
Conclusión. Panorama actual y auge de la música

electrónica en el cine
La música electrónica en el cine se introdujo hace casi un siglo, cuando aún ni siquiera
recibía tal nombre y cuando el cine prácticamente acababa de nacer. Sus primeras
inclusiones en el cine fueron fruto de la experimentación, cuando los cineastas más
atrevidos buscaban nuevos sonidos que trascendieran la música hasta entonces conocida,
ligada a lo terrenal. Poco a poco, y gracias al avance de la tecnología, la música electrónica
fue colándose más y más en las producciones cinematográficas de directores como Andréi
Tarkovsi, John Carpenter, Ridley Scott o Danny Boyle. En la actualidad encontramos
algunos directores cuyo cine va siempre al son de la música electrónica, como son Gaspar
Noé, Nicolas Winding Refn o Xavier Dolan.
A partir del 2000, aproximadamente, y sobretodo desde 2010, se produce una explosión de
bandas sonoras creadas a base de música electrónica, tantas que es prácticamente
imposible abarcarlas todas. No obstante, mencionaremos algunas a continuación:
The Beach (Danny Boyle, 2000)

Bronson (Nicolas Winding Refn, 2008)
The Social Network (David Fincher, 2010)
Drive (Nicolas Winding Refn, 2011)
Under The Skin (Jonathan Glazer, 2013)
It Follows (David Robert Mitchell, 2014)
Victoria (Sebastian Schipper, 2015)
Arrival (Denis Villeneuve, 2016)
BPM (Robin Campillo, 2017)
Climax (Gaspar Noé, 2018)
Uncut Gems (Josh y Benny Safdie, 2019)
Se producen también películas y documentales centradas exclusivamente en la música

electrónica, como Human Traffic (1999), 24 Hour Party People (2002), Party Monster
(2003), Berlin Calling (2008), The Sound of Belgium (2012), Eden (2014), I dream of
wires (2014), Le Choc du Futur (2019), Beats (Brian Welsh, 2019)…
28
También observamos que el uso de la música electrónica en el cine ha pasado de ser algo
relacionado con la ciencia ficción y el cine de culto para ser incluida en producciones de
todo tipo, desde películas independientes hasta superproducciones de Hollywood.
Otra apreciación a señalar son las referencias a los orígenes, utilizando en muchas
ocasiones sintetizadores y la estética de colores vivos y brillantes que nos dejó el cine de los
ochenta, donde la música electrónica en el cine comenzó a obtener un mayor
reconocimiento.
El cine siempre ha sido y será un reflejo de la sociedad, así como de su evolución cultural,
social y tecnológica, y el uso de la música electrónica en el cine es un claro ejemplo de ello.
Cada vez tiene más seguidores y cada vez es más influyente, tanto en el propio mundo de la
música como en el de otras artes, llegando al punto en el que la música actual es
eminentemente electrónica. Nos encontramos en una era en la que el foco de producción
de música electrónica se desplaza a las redes sociales, en las que miles de jóvenes (y no tan
jóvenes) suben a diario sus creaciones. Lo mismo ocurre con el cine, debido a la facilidad
que existe hoy en día para distribuir obras audiovisuales a través de Internet. Habrá que
prestar atención a cómo se desarrollan los eventos, pero todo apunta a que nos espera un
futuro repleto de creaciones impactantes tanto en el ámbito visual como en el sonoro.
29
Bibliografía
Herbert, E (1958). Qué es la Música Electrónica. Recuperado de https://

es.scribd.com/document/259626850/Eimert-Que-Es-Musica-Electronica
Kyrou, A. (2006) Techno rebelde. Un siglo de músicas electrónicas. Recuperado de
https://www.traficantes.net/sites/default/files/pdfs/Techno%20rebelde-TdS.pdf
La Torre, J.M. (1994). El sonido de la ciencia-ficción. Nosferatu. Revista de cine.
(14):51-53. Documento descargado de: http://hdl.handle.net/10251/40888
Pérez-Gómez, M.Á. (2007). La música y los sonidos de Solaris: Tarkovski y
Artemiev. Recuperado de https://dialnet.unirioja.es/servlet/articulo?codigo=2655051
Reddell, T. (2018). The Sound of Things to Come: An Audible History of the Science
Fiction Film. Minneapolis: Universidad de Minnesota.
Sedeño, A.M. (2004). La música contemporánea en el cine. Revista Historia y
Comunicación Social, 9, 155-162. Recuperado de https://dialnet.unirioja.es/servlet/
articulo?codigo=1075303
Enlaces:
https://dle.rae.es/?w=sintetizador
https://uncoolmgz.com/cuando-el-cine-descubrio-el-sintetizador/
https://www.djbroadcast.net/article/125290/from-producer-to-scoring-films-electronic-
music-the-big-screen
http://www.soundslikeburns.com/history.html
http://curtocircuito.org/es/blog/36/nostalgia-sintetizada
https://www.filmaffinity.com/es/film201269.html
https://www.biografiasyvidas.com/biografia/h/herrmann.htm el 1 de febrero de 2020.
http://www.labutaca.net/bso/ultimatum-a-la-tierra-bernard-herrmann-no-es-solo-
hitchcock/
http://www.sensacine.com/peliculas/pelicula-6703/
https://elhype.com/las-primeras-bandas-sonoras-musica-electronica/
https://www.npr.org/templates/story/story.php?storyId=4486840&t=1580636925383
http://www.audionautas.com/2010/09/louis-bebe-barron-forbidden-planet-ost.html
https://es.wikipedia.org/wiki/Eduard_Art%C3%A9miev
30
https://www.imdb.com/name/nm0005949/bio?ref_=nm_ov_bio_sm
http://www.electroshock.ru/eng/edward/
https://archialpizar.wordpress.com/2015/06/11/andrei-tarkovski-y-la-musica-electronica/
https://www.superiorviaduct.com/products/eduard-artemiev-solaris-original-soundtrack-
lp
https://blog.opensistemas.com/tron-legacy-la-banda-sonora-que-hermano-estilos/
https://es.wikipedia.org/wiki/Daft_Punk#Filmograf%C3%ADa
http://www.notodoesindie.com/2018/02/los-origenes-la-musica-electronica/
https://www.youtube.com/watch?v=IC3KMbSkYNI#action=share (primer instrumento)
https://sononews.com/telharmonium/
http://www.futuremusic-es.com/mil-anos-de-musica-electronica-telharmonium-de-
thaddeus-cahill/
http://ortizmorales.info/Publicaciones/LosIntonarumorideRussolo.pdf
http://musiki.org.ar/Intonarumori
https://retina.elpais.com/retina/2019/03/04/talento/1551715762_093063.html
https://www.hoyesarte.com/evento/theremin-historia-del-instrumento-intocable/
https://los40.com/los40/2019/03/11/musica/1552329955_189270.html
http://www.notodoesindie.com/2018/02/los-origenes-la-musica-electronica/
https://www.actualdj.com/historia-de-la-musica-electronica/
https://www.vice.com/es_co/article/53agdb/conoce-a-wendy-carlos-una-madrina-
transgnero-de-la-msica-electrnica
http://www.wendycarlos.com/biog.html
https://uvadoc.uva.es/bitstream/handle/10324/18473/TFG_F_2016_160.pdf?
sequence=1&isAllowed=y
http://www.iesfraypedro.com/files/musica/musica-cine-naranja-mecanica.pdf
https://www.last.fm/es/music/Giorgio+Moroder/+wiki
https://cadenaser.com/programa/2015/02/28/notas_de_cine/1425117342_913536.html
http://www.bsospirit.com/comentarios/bladerunner.php
http://themoviescores.com/biografia-vangelis/
https://i-d.vice.com/es_mx/article/8xg9gv/trainspotting-uno-de-los-ms-grandes-soundtracks-
del-cine-contemporneo
31
http://www.elespectadorimaginario.com/pages/junio-2010/cinerama/trainspotting.php
https://www.revistagq.com/noticias/articulo/trainspotting-banda-sonora
http://www.sensacine.com/peliculas/pelicula-14788/
32

Evolución música electrónica cine

Cargado por

Información del documento

Título original

Derechos de autor

Formatos disponibles

Compartir este documento

Compartir o incrustar documentos

Opciones para compartir

¿Le pareció útil este documento?

¿Este contenido es inapropiado?

Copyright:

Formatos disponibles

Evolución música electrónica cine

Cargado por

Copyright:

Formatos disponibles

La música

La evolución de la música electrónica en el cine

Música y Cultura de Masas

Definición y diferenciación de términos 4

Definición y diferenciación de términos

La música electrónica está basada en la composición de sonidos generados

A pesar de la antigüedad de la definición, sigue estando vigente por su carácter abstracto.

Usos en la banda sonora de la música electrónica

Música diegética y música extradiegética

Breve historia de la música electrónica

Dos músicos tocando el

Russolo y Piatti no se centraron en el Explosionador. Trabajaron en la producción de más

Luigi Russolo y Ugo Piatti en el

Léon Theremin descubrió su instrumento mientras estudiaba las ondas electromagnéticas

Léon Theremin tocando su

Desde 1960, la electrónica ya no es del dominio exclusivo de esta música académica y

En los 90 el género ya se encuentra establecido, muchos artistas ya han experimentado con

La introducción de la música electrónica en el cine

Otro de los primeros instrumentos precursores del sintetizador es el Ondes Martenot u

A mediados de los años sesenta comenzaron desarrollarse dispositivos moduladores de

distrito 13 (1976) y La noche de Halloween (1978). Continuó produciendo música

En esta época encontramos también la versión de 1984 de Giorgio Moroder de la película

La evolución en el uso de la música electrónica en

Escaneando el QR podrás escuchar la pieza

Planeta prohibido (Forbidden Planet, Fred M. Wilcox, 1956) - Música por

Forbidden Planet se trata, como mencionamos anteriormente, de la primera película de

Escaneando el QR podrás escuchar la pieza

La naranja mecánica (A Clockwork Orange, Stanley Kubrick, 1971) - Música

La naranja mecánica es una película de Stanley Kubrick, una adaptación de la novela

La historia transcurre en Gran Bretaña en un futuro distópico. Alex (Malcolm McDowell)

Al explorar cuestiones sociales y políticas intemporales, La naranja mecánica reflexiona

La banda sonora de La naranja mecánica está principalmente compuesta por pasajes de

Además utilizará a autores como Rimsky-Korsakov y su obra “Scheherezade,” Edward

El álbum de la banda sonora de La naranja mecánica incluye pistas que se compusieron

Escaneando el QR podrás escuchar la banda

Solaris (Solyaris, Andréi Tarkovski, 1972) - Música por Eduard Artémiev

El compositor ruso de música electrónica y cinematográfica Eduard Artemiev (Novosibirsk,

Mijalkov. También ha trabajado con el director Andréi Konchalovski. Ha recibido varios

La música electrónica muere desde el momento en que se comprende que es electrónica,

fragmentos de imágenes del Océano, la escena de la hoguera, la de la ingravidez, o en el

Escaneando el QR podrás escuchar la pieza

Expreso de medianoche (Midnight Express, Alan Parker, 1978) – Música por

Además ha compuesto gran cantidad de bandas sonoras, siendo la primera Expreso de

La banda sonora de Expreso de medianoche es concretamente una gran expresión de

Escaneando el QR podrás escuchar la pieza

Blade Runner (Ridley Scott, 1982) – Música por Vangelis

Escaneando el QR podrás escuchar la banda

Trainspotting (Danny Boyle, 1996) - Música por varios artistas

Trainspotting está basada en la novela homónima de Irvine Welsh de 1993. Es la historia

La banda sonora de Trainspotting introdujo a millones de personas en todo el mundo en la

Escaneando el QR podrás escuchar el tema

Tron: Legacy (Joseph Kosinski, 2010) - Música por Daft Punk

En esta superproducción cyberpunk de ciencia ficción de Disney, secuela del clásico de

Phoenix y Bangalter y Homem-Christo formaron Daft Punk, experimentando con cajas de

La banda sonora de Tron: Legacy es un ejemplo de convergencia entre lo clásico y las

El resultado es una mezcla de música electrónica y orquestal, que da cuenta de la

Escaneando el QR podrás escuchar la pieza

Conclusión. Panorama actual y auge de la música

The Beach (Danny Boyle, 2000)

Se producen también películas y documentales centradas exclusivamente en la música

Herbert, E (1958). Qué es la Música Electrónica. Recuperado de https://

También podría gustarte