THE DILLINGER ESCAPE PLAN MOBY DARK TRANQUILLITY

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Nº 131 WWW.ZONAZERO.NET
DISCO DEL MES: SICK OF IT ALL
METALLICA APHONNIC
JARDÍN
DE GIRA: DE LA CROIX
CLUTCH CRIM

U E S O R P RE S A
aTA Q

BARBARIAN SWORDS VIOLENT EVE WILLIS DRUMMOND

Editorial 5150 S.L. no se hace responsable de las opiniones vertidas por sus colaboradores y/o lectores, así como del contenido material redaccional y gráfico por ellos remitido, física o telemáticamente, y aquí reproducido. Foto: letlive. (Barcelona) © Nadia Natario

EDITORIAL
Entre la victoria de Donald, la muerte de Rita, los anuncios de los festivales, el
lanzamiento del disco de Metallica y, como podréis comprobar en la amplísima
sección En Directo, la cantidad de conciertos a los que hemos asistido, este noviembre
ha sido de lo más movidito. Además, hemos estado una semana trabajando casi a
la intemperie porque estaban cambiando todos los cristales de los ventanales de la
redacción. Aun así, aquí tenéis, fiel a su cita, un nuevo número de RockZone lleno de
contenidos interesantes, empezando por el artículo de portada dedicado al sorpresivo
retorno de Avenged Sevenfold. Enjoy!
SUMARIO Nº 131

7 / INTERFERENCIAS 22 / CREEPER

28 / APHONNIC 32 / THE DILLINGER ESCAPE PLAN

38 / JARDÍN DE LA CROIX 44 / MOBY

48 / AVENGED SEVENFOLD 56 / SICK OF IT ALL

60 / THE ELECTRIC ALLEY 64 / DISCO DEL MES

66 / CRÍTICAS 94 / CRIM

100 / DARK TRANQUILLITY 104 / BARBARIAN SWORDS

112 / EN DIRECTO 144 / DE GIRA + AGENDA

 INTERFERENCIAS
TODO LO QUE NO QUERÍAS SABER PERO QUE TE CONTAREMOS DE TODOS MODOS

Editorial 5150 S.L.

C/ Zamora 46-48. 4º 1º B.
08005 Barcelona
Tel: 93 300 66 33
www.rockzone.com.es
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NEW DEL MES_ A DAY TO REMEMBER
Director/Redactor jefe:
Jordi Meya LA BANDA DE POPCORE GANA EL JUICIO CONTRA SU ANTIGUA DISCOGRÁFICA,
Subdirector: Richard Royuela
Redacción y edición:
VICTORY RECORDS, CON LA QUE ESTABA EN LITIGIO DESDE 2011.
Pau Navarra

L
Dirección de Arte y
Maquetación: La historia viene de lejos. En mayo de con Epitaph Records. Todo hacía pensar que
R2D2
2011, A Day To Remember interponía el litigio con Victory se había resuelto en los
Responsable de publicidad:
Álex Tamburini, C/ Zamora 46-48. una demanda contra Victory Records despachos sin hacerlo público, pero sorpren-
4º 1ª B. 08005 Barcelona.
con el fin de liberarse de su contrato. La banda dentemente el 24 de noviembre saltaba la
Tel.: 93 300 66 33 / 638 41 57 03;
editorial5150@gmail.com liderada por Jeremy McKinnon aludía que no noticia de que el caso de sabía resuelto de
Colaboradores:
había percibido los royalties generados por manera definitiva. Así, un juzgado de Illinois
Carles Ramírez, David Garcell,
Jesús Brotons, Pablo Porcar, Samu las ventas de los tres discos que habían edi- había votado unánimamente en favor de A
González, Jordi Pons, Marc López,
tado con Victory, For Those Who Have Heart Day To Remember, entendiendo que con dos
Xavier Iriarte, Andrés Martínez,
Hugo de Cominges, Pau Ardid, (2007), Homesick (2009) y What Separates discos en directo que se habían publicado a
Ignasi Trapero, Toni Castarnado,
Me From You (2010). Según el sello, la banda través de iTunes, sumados a los tres citados
Sandra Astor, Lluís S. Ceprián,
Jordi Forés, Luis Benavides, Eduard estaba intentando fichar por una multinacional, de estudio, ya habían cumplido su contrato de
Petrolillo, Ignacio Reyo, Laura
sin haber cumplido el compromiso de publicar cinco. No sólo eso, la corte también obligaba
Clavero, Kiko Vega, Gonzalo
Puebla, Fer Díez, Toi Brownstone, cinco discos con ellos. En 2013, un juez daba al Victory Records a pagar 4 millones de dóla-
Alejandro Lozano, Karles Sastre,
vía libre a A Day To Remember para autoeditar res a cuenta de royalties impagados y venta de
Eneko Celestino, Jorge Fretes, Abel
Valdelvira, Rocío Sánchez su siguiente disco Common Courtesy, pero aun merchandising. Al día siguiente el grupo emitía
Fotógrafos: Carles Rodríguez,
así, el litigio seguía abierto ya que todavía no un comunicado en el que mostraba su alegría
Alfredo Arias, Eric Altimis, Rubén
Navarro, Nadia Natario, Toni estaba claro si la banda seguía debiéndole a por la sentencia y terminaba diciendo: “Esto no
Villén, Javier Pérez.
Victory dos discos más. Finalmente, el álbum se es sólo una victoria para nuestra banda, sino
Web Rock Zone/Zona Zero:
Ramón Franco (MONs), Rubén publicó digitalmente el 8 de octubre a través también para cada banda a la que han en-
González (krater), Rubén Cougil
de un nuevo sello creado por el grupo, ADTR gañado a lo largo de los años. Lo correcto no
(Kreeper), Jorge Pérez (Fear 57),
Manuel Piñeiro (ManuKn), Marta Records. siempre gana, pero ayer lo hizo”. De momento
Mariño (Smartita), Israel Higuera
La banda de Florida siguió girando y funcio- el grupo sigue adelante y se especula con que
(wirrak).
Foto de portada: DR nando con normalidad y el pasado septiembre podrían visitarnos en alguno de los festivales
editaba su disco más reciente Bad Vibrations, de este verano. Esperamos que si lo hacen se
de nuevo bajo su propio sello y en coalición inviten a unas cañas. Por dinero, no va a ser.

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LO PEOR DE MÍ_ POBREZA DESDE
EL TÍBER

S
egún el Instituto Nacional de Estadística, un 28,6% de los españoles Me gustan las suecas. España se
están en riesgo de pobreza. Entiendo que los datos se refieren exclusi- caracteriza por tener un nivel cul-
vamente a una cuestión económica, porque si hablamos de pobreza tural muy bajo, ya sea en índices
intelectual, me temo que el porcentaje sería mucho mayor. Cada día tenemos escolares y educativos en general
más ejemplos. Un tal Iván Páez acampó, junto a un grupo de amigos, el 22 como en asistencia a eventos en
de agosto en las puertas del Palau Sant Jordi de Barcelona para estar en la vivo. También es un país en el que
primera fila del concierto que Justin Bieber celebró el pasado el 22 de noviem- parece que se olvida de la noche
bre. Tres meses, que se dice pronto. Puedo entender el fanatismo que alguien a la mañana, y es que estamos
pueda sentir por un artista y que llegue a hacer locuras, pero esto me parece cometiendo los errores del pasa-
simplemente de tonto. Y que conste que si fueran Metallica en lugar de Bieber do, una vez más. Soy muy joven
opinaría exactamente lo mismo. Pero si lo de Iván me parece un despropósito, y no pude vivir el auge festivalero
todavía lo es más que haya padres que permitan semejante comportamiento que hubo en nuestro país hace
cuando sus hijos todavía son menores o, peor aún, que lo incentiven yéndose una década, aunque tuve la suerte
ellos mismos a dormir a la intemperie para guardarles el sitio. ¿En qué narices de estar en el primer Sonisphere
piensan? Supongo que semejante ‘educación’ es la que provoca que luego los de 2009 a mis 13 añitos, pero sí
posts de los festivales estén llenos de malcriados y lloricas indignados porque que soy consciente de la historia
no han llevado a tal o cual grupo. Get over it. (JORDI MEYA) y de los agujeros que estos festis
dejaron en los bolsillos de unos
cuantos promotores. Este año tene-

TWITEANOS... INSTANTGRAMO mos el Mad Cool, el Download,

@mariaweasley Mira, yo no puedo
mantener este ritmo de conciertos, eh.
@amindtoremember Están volviendo
a Madrid todos los grupos de
mi adolescencia, ¿QUÉ ESTÁ
PASANDO?
@_mitsukisoul Cuando lloras muy fuerte
porque eres pobre.
@Rockinourdreams Qué feliz e infeliz
soy a la vez.
@xXaddictgamerXx Te lo juro que lloro,
SOAD quiero verlos, ¿alguien viene?
:”(
@MalpasoEd Aprovechad estas horas
apacibles de la noche para echarle un
ojo a la nueva @RockZone.
@JulxFlowers MI CORAZONCITO VA
A EXPLOTAR.
@jesusgc14 Vosotros que manejáis...
¿Es posible que vengan Blink-182 al
Download de Madrid?
Esta foto es de la última vez que Sick Of It All
estuvieron en Barna. Estaba fuera empanada,
esperando a que abrieran las puertas y... ¡Boom!
Salió él, Lou. Charlamos unos minutos, no se
molestó por hacer el selfie y, bueno, una persona
muy simpática y muy pro, como digo yo. Increíble.
Puedo decir lo mismo de Pete, que al final del
concierto me quedé con su pañuelo, una charla
y una foto más de recuerdo. (Daniela González)
*¿Te has hecho una foto con algún
músico famoso? Envíanosla a rockzone@
rockzone.com.es junto con un breve
comentario sobre el encuentro y la verás
publicada en esta sección.
el Resurrection, el BBK, el NOS, el
Azkena, el Barna ‘N’ Roll, el Gas-
teiz Calling, el Leyendas, el Viña,
el Primavera, el Cruïlla, y muchos
más de grande y medio formato.
No hay que ser un lince para ver
el problema, especialmente dentro
del rock. No hay tanto público ni
una economía tan sana para un
overbooking de estas dimensiones
en cuanto a festivales. Esto no
quedará en ‘algunos de los festi-
vales dejarán de ganar tanto’, sino
en ‘algunos de los festivales van a
pinchar’ e incluso en ‘algunos de
los festivales desparecerán’. Así
que mis mejores deseos a cada
uno de esos promotores que, ya
sea por pasión, por dinero o por
ambas motivaciones, están traba-
jando por levantar su marca. Espe-
ro poder leer esta columna tras el
veranito y ver que soy un exagera-
do, aunque tengo mis dudas...
(MARIUS TIBERIAN)

8
ZONA DE OZZYO TEXTOS: JORDI FORÉS, RICHARD ROYUELA, SAMU GONZÁLEZ FOTOS: DR

MASACRE - LA GUERRA
SUCIA EN EL SALVADOR
Mark Danner
(MALPASO)

V
ale, tiene la forma de un
libro, pero lo que hay aquí
se corresponde más con
un trabajo de investigación periodísti-
ca. Casi la mitad de las páginas son
documentos e informes que respaldan las conclusiones a las que
llega Mark Danner en su crónica. ¿Y de qué trata este informe un asesor estadounidense en una entrevista con Mark Danner, “El
tan extenso convertido en libro? Pues de la matanza, a finales Mozote estaba en un área controlada por los guerrilleros. Inten-
de 1981, de casi 800 civiles (la mayoría mujeres y niños) en la tábamos vaciar la zona, sabíamos que no podríamos trabajar
zona de El Mozote a manos del ejército salvadoreño. Se suponía con aquello lleno de civiles, así que decidimos matar a todo el
que era una operación militar contra la guerrilla insurgente que mundo. Eso asustaría a la gente y acabarían huyendo. Se hizo
operaba en esa región, pero el quid de la cuestión está en que más por frustración que por cualquier otra razón”. El objetivo de
el gobierno de El Salvador recibía ayuda económica y militar de los yanquis era claro: evitar el triunfo de la guerrilla comunista e
Estados Unidos y que el batallón que perpetró la masacre había impedir el surgimiento de otra Cuba castrista u otra Nicaragua
sido entrenado por el ejército norteamericano. Como reconoció sandinista. Y lo consiguieron, a sangre y fuego. JF

EL IMPERIO DEL MIEDO

Antonio José Navarro
(VALDEMAR)

A
estas alturas resulta abu-
rrido escuchar cómo el
mundo cambió tras los
ataques terroristas del 11-S, aunque
no por aburrido deja de ser menos
cierto. La economía, la sociedad y
la cultura se vieron afectadas tras la
caída de las Torres Gemelas. Fue una entrada por la puerta
grande a los tiempos de miedo y confusión en los que parece-
mos estar metidos, y pocas artes pueden reflejar un momento así
como el cine de terror. Todos los aficionados al género hemos
sido conscientes del giro que ha dado este tipo de cine, volvién-
dose todo mucho más oscuro y retorcido, y dejando a un lado los
slashers de palomitas -con la saga Scream al frente- que estaban
dominando, hasta el momento de los atentados, el horror mun-
dial. El Imperio Del Miedo es un excelente ensayo que pone, en
unas nada desdeñables 527 páginas, la evolución en la psique
yanqui y en su manera de hacer cine tras los atentados. El autor
Antonio José Navarro no es un recién llegado, y plasma con
puntería milimétrica el cómo y el porqué de esta evolución. Pese a
que las grandes películas de estos últimos años están analizadas,
esto no es un libro de fichas al uso. Todo lo contrario, es un aná-
lisis complejo sobre una sociedad y un género cinematográfico
que ha llegado a unos niveles de crispación que nunca hubiése-
mos deseado ver, al menos en la parte que atañe a la realidad.
Un trabajo que certifica, además, y una vez más, el excelso nivel
que estamos viviendo en cuanto a literatura cinematográfica se
refiere. Libro de referencia desde ya. RR

10
 ABOGADA
SOLTERA
Carmen Costa
y Olaya Valle
(PUSSY CRAZY/AUTOEDITADO)
Premiado como
Mejor Fanzine en
el Salón del Man-
ga de Barcelona
2016, este tomo
promete ser el primero de una serie de histo-
rias paralelas autoconclusivas al webcomic
que sus autoras publican en Subcultura. Sin
necesidad de conocer el material de origen,
este fanzine se disfruta gracias a su tono
erótico, divertido guión, estupendos diseños
y exquisita narrativa donde la sexy Akasha
tratará una y mil veces de lograr que Alejan-
dra firme un pacto con el Diablo, pero los
calores y la picardía de ésta última no se lo
van a poner nada fácil en su tarea. Gozada
para mayores de 18 años. SG
GRAN HOTEL
ABISMO
Marcos Prior y
David Rubín
(ASTIBERRI)
El hotel no es
sino el lugar
en el que la sociedad vive en la actuali-
dad, cautiva por el capitalismo, la deshu-
manización y el ruido mediático. Un atenta-
do durante una manifestación hará estallar
por completo una revolución social que
buscará acabar con los poderes estableci-
dos. Jugando con el formato apaisado y
una narración en varios niveles, los autores
ofrecen un trabajo de corte político, duro,
visceral e impactante en el apartado grá-
fico (soberbio el uso del color) y cargado
de referencias actuales de las que se sirven
para crear un futuro terrible y, para nada,
imposible ni lejano. SG
AUGE Y CAÍDA DE
UNA HISTORIETA
Pablo Vicente
(PLANETA CÓMIC)
Estupendo libro
que nos introduce
en la ‘la historia de-
trás de Bruguera’,
donde se narra la
creación de este gigante editorial patrio y
su posterior caída, llevando a la lucha sin-
dical a sus miles de trabajadores en una
España que no nos debe ser ajena. Aparte,
dignifica mucho el relato laboral de aque-
llos obreros y artesanos de la historieta ante
la maquinaria industrial del momento. Un
documento repleto de información sobre sus
autores, personas clave en la empresa, sus
series, diversas revistas y fundamental para
entender un momento único e irrepetible de
la historia del cómic en nuestro país. SG
MOONGIRL Y
DINOSAURIO
DIABÓLICO: BBF
(VV. AA.)
(PANINI)
Una de las mejo-
res series que en la
actualidad publica
Marvel, alejada
por completo de
su material habitual y que, por suerte, va a
su bola. Una niña inventora y un dinosau-
rio rojo diabólico. ¡Lo tiene todo! La pareja
guionista recupera esta cabecera de Jack
Kirby y le da nuevo sentido de cara al si-
glo XXI, con nueva compañera humana e
historias actuales. Enfocada a un público
juvenil, es una auténtica delicia, sobre todo
por el dibujo de Natacha Bustos. Atención
también a la galería de villanos de este
primer tomo... también de lo mejorcito. SG
SER UN FANTASMA
ES LO MEJOR
Antonio Ladrillo
(FULGENCIO PIMENTEL)
Dentro de su línea
para público infan-
til, este precioso
libro para los más
pequeños es un
regalo excelente
teniendo en cuenta las festividades que se
nos vienen encima. La jornada de un fan-
tasma relatada en hermosas planchas, po-
niendo el punto de humor e intimidad justo
para poder compartir un rato agradable
de lectura con los jóvenes, usando para
ello un estilo visual apoyado en formas
sencillas y colores planos. Por desconta-
do, los seguidores de este artista tienen
una nueva oportunidad de hacerse con
este trabajo editado ahora tanto en caste-
llano como en catalán. SG
STILL LIFE
Luis Bustos
(LIBROS DE AUTOENGAÑO)
Trabajo de narra-
ción experimental
limitado a 250 co-
pias numeradas.
Luis Bustos utiliza
una misma plancha para crear un relato
angustioso en el que dos personajes inmó-
viles comparten un delirante diálogo mien-
tras todo se desmorona. Abierto a interpre-
taciones, Still Life juega con el lector y con
diferentes recursos gráficos (tipografías,
solapamientos...) sobre la misma imagen
para hacer avanzar la historia. Un cómic
arriesgado y valiente en el que uno pue-
de refugiarse en búsqueda de inspiración
mientras su mundo se desvanece. SG
11

POPSTAR
THIS IS SPINAL 4 REAL
E n España pasan cosas
muy raras con las pelícu-
las que las distribuidoras gran-
des no saben dónde meter.
Siempre ha pasado, no hay
más que ver los aterrizajes for-
zosos de los dos primeros films
de Edgar Wright (me enteré de
que podía llevarme a casa el
DVD de Shaun Of The Dead
porque lo vi colgado de unas
pinzas en un quiosco) o lo tar-
dío de algunos estrenos que
llevan tiempo en formato do-
méstico en otros países.
12
DE CINE_ CON KIKO VEGA
El último caso, como casi siem-
pre en una casa grande, en
este caso Universal, es la nue-
va comedia de los grandiosos
The Lonely Island, que ya vieron
cómo su ya clásico Hot Rod se
estrenaba en una única sala,
doblada, casi un año tarde.
Popstar, probablemente la me-
jor comedia del año, ha sido la
última en llegar… mal. La peli
es de Universal, pero sus direc-
tos a DVD los lleva Sony en Es-
paña (también los de Universal)
y, la verdad, prescindir del blu
ray cuando en Alemania lleva
un mes disponible (con español)
y plagada de extras, haciendo
un lanzamiento silencioso sin
material adicional, empieza a
molestar en demasía a los con-
sumidores avispados.
Consejo: Amazon Alemania te
la deja en HD llena de extras
por 5 euros más que nuestro
rancio DVD que ya puedes en-
contrar en las tiendas, aunque
nadie se haya molestado en
anunciarlo siquiera.
Popstar es un falso documental
que traslada toda la mala uva
de joyas eternas como This Is
Spinal Tap al mundo de la mú-
sica del nuevo milenio, esa mú-
sica que hace de gente como
Justin Bieber las estrellas más
brillantes del firmamento. Y se
centra en la caída en desgracia
de Conner4Real (espectacular
Andy Samberg), ex miembro de
los populares The Style Boyz, la
que fuera la banda más famosa
de América años atrás.
Tras un breve y desternillante
resumen (todo en la peli es des-
ternillante a más no poder), nos
situamos en primera fila ante
el lanzamiento de su segundo
disco, el fallido Thriller, Also que
hará descender a los infiernos
al protagonista. A partir de ahí,
una huida desesperada hacia
el frente, con un Conner preocu-
pado por regresar al olimpo del
que han echado a patadas de-
jando a la antes estrella como
un gañán de primera categoría.
Producida por Judd Apatow
(qué bien hace todo lo que no
terminan siendo proyectos per-
sonales de tres horas) y el trío
principal, Popstar es un irreve-
rente batallón de chistes con un
altísimo porcentaje de geniali-
dades humorísticas y auténticos
himnos que no merecen pasar
desapercibidos, destacando
‘Ibitha’, un tema con presenta-
ción incluida que se extraña
de lo raro que hablamos en
España. Como buen (falso) do-
cumental musical, sus escasos
90 minutos (hay otros 45 en el
material adicional que NO en-
contrarás en la edición españo-
la) están plagados de cameos
del mundillo, algunos tan ines-
perados que no los mencionaré
aquí. Claro, también hay una
presencia poderosa de amigo-
tes del humor, casi interminable:
Sarah Silverman, Tim Mead-
ows, Maya Rudolph, Bill Had-
er, Justin Timberlake o el gran
Adam Levine, porque aunque
Maroon 5 nos den igual, el tío
no para de grabar temazos con
los chicos. Y hablando de te-
mazos, ‘Humble’, ‘Mona Lisa’,
‘Bin Laden Song’ o ‘Incredible
Thoughts’ son algunas de las
canciones más redondas del
año. Aunque sean una broma.
¿Se puede ser más enorme
que The Lonely Island? Proba-
blemente no, aunque en Es-
paña nos empeñemos en no
tener ni la más remota idea de
su existencia.
 TOI’S IN THE ATTIC
CAMISETAS DE RUOCK
A migos, el mundo se
acaba! ¡David Bisbal
lleva una camiseta de Guns
N’ Roses! ¡No, no, nooooo!
Un momento, parad los ca-
ballos. Últimamente este tipo
de comentarios se escuchan
por parte del sector rockero,
que se siente amenazado por
la proliferación de camisetas
de grupos confeccionados
por grandes cadenas textiles,
y ofendido por la gente que
las lleva, especialmente cuan-
do se trata de celebrities. De
verdad, ¿acaso os importa
tanto? ¿Sois realmente objeti-
vos? ¡Los cojones! Ya vale de
tanto doble rasero y de tanta
tontería. Os encanta que los
bebés lleven bodies o babe-
ros de los Ramones o AC/
DC, pero os da rabia que
una choni pueda comprarse
una sudadera de Nirvana en
H&M, porque ni siquiera co-
noce al grupo. Entiendo más
de lo que creéis el significado
que tiene llevar camisetas de
grupos, sobre todo cuando
eres un crío en busca de tu
identidad y tu lugar, y por
qué no decirlo, de tu tribu.
Pero a estas alturas sentir in-
dignación por esto me pare-
ce una estupidez. Al fin y al
cabo, en la inmensa mayoría
de ocasiones se trata de ropa
en masa de grupos main-
stream. Porque estaremos de
acuerdo en que Metallica o
Iron Maiden lo son, ¿verdad?
Pues dejad de sentiros tan
especialitos. Os animo a pro-
bar a comprar merchandising
oficial de alguna de estas
bandas en sus conciertos,
o en sus respectivas webs,
vaselina en mano, para que
descubráis lo que es el ver-
dadero dolor. ¿Tener una ca-
miseta de Misfits ‘oficial’ por
18 euros? Francamente es un
chollo. Además, y ésta es la
ventaja definitiva, cuando la
moda se pase y todos esos
fashion victims estén a la caza
de la siguiente tendencia
#neopoppunkmolounhuevo,
todas esas camisetas llenarán
las cubetas de la ropa de sal-
do y os las podréis agenciar
por cuatro perras ¿Qué más
queréis? ¡Viva Zara! ¡Viva Pull
& Bear! Y si no os gusta, em-
pezad a gastaros la pasta en
camisetas de bandas peque-
ñas, que son las que realmen-
te viven del merch.
(TOI BROWNSTONE)
 BIENVENIDOS A SUPERSNAKE, UNA INCREÍBLE PISTA HÍBRIDA DE
SNOWBOARD Y SKATEBOARD EN NIEVE. DISFRUTA DE LO NUNCA
VISTO ANTES CON LAS EXPERIENCIAS DEL SKATER PROFESIONAL
SEAN MALTO, EL SNOWBOARDER OLÍMPICO DANNY DAVIS,
AMBOS RIDERS DE MOUNTAIN DEW Y UNA DOCENA DE
ATLETAS DE ACTION SPORTS HACIENDO POSIBLE LO IMPOSIBLE.

MOUNTAIN DEW, EN COLABORACIÓN CON SNOW PARK TECHNOLOGIES  Y CA RAMPWORKS, PRESENTA LA CREACIÓN DE SUPERSNAKE.
PISANDO FUERTE_ CLOSE TO THE SKY

“HEMOS CRECIDO ESCUCHANDO METALCORE Y MATHCORE, VIVIENDO

SU EVOLUCIÓN HACIA NUEVOS GÉNEROS Y DESCUBRIENDO
MUCHOS OTROS MÁS MODERNOS COMO EL DJENT” ADRI

FORMACIÓN: Lucas Felden (voz), Sergio Pinto (guitarra), Nacho Angulo (guitarra),
José Miguel ‘Jota’ Granja (bajo), Adrián Barrio (batería)

PROCEDENCIA: Madrid

AFINES A: Architects, Volumes, In Hearts Wake

PRESENTAN: The Distant View (Autoeditado)


C
omo tantas otras bandas, Close
To The Sky se formaron a partir
de la insatisfacción que sus
componentes sentían en los grupos en
los que militaban. Con el objetivo de
reinventarse y tirar por derroteros un
poco más actuales, Nacho se vendió
su preciada Jackson y se compró una
guitarra de siete cuerdas. A mediados
de 2013, sólo seis meses después
de su creación y de manera un poco
atropellada, el grupo entraba en The
Metal Factory para grabar su primer
EP, Time Lapse, aprovechando que las
fechas que tenía reservadas el vocalista
Lucas habían quedado libres tras la
disolución de su otro grupo. “Acabamos
muy contentos con nuestro primer trabajo,
no obstante creo que ninguno somos
capaces de volver a escucharlo desde
hace un tiempo”, dice riendo Nacho.
Después de lanzarlo y haber tocado por
toda la Península, su bajista, y un poco
después su batería, decidían dejarlo.
Rápidamente apareció Adrián para
ponerse tras los parches y finalmente
Jota completó la alineación a las cinco
cuerdas. Es con esta formación que Close
To The Sky presentan su primer álbum
The Distant View, en el que han seguido
ya que intentamos escapar al sonido
convencional actual y crear algo nuevo”.
En una escena muy saturada, sobre todo
a nivel internacional, Close To The Sky
esperan llamar la atención con su actitud
valiente y su cuidado directo. “No
tenemos miedo a probar cosas diferentes,
mezclar y salirnos de lo común”, asegura
Lucas, el vocalista, “aunque haya
gente que le pueda chocar escuchar
cosas como por ejemplo los rapeos o
la electrónica mezclándose en el metal
de la forma en que lo hacemos”. A lo
que Adri añade: “Hay que decir que en
el panorama nacional hay muy pocas
intentando buscar un estilo propio que
propuestas que se acerquen a esta
les diera un sonido característico. “Este
fusión musical de metalcore con tintes
proceso de búsqueda fue surgiendo
djenteros, por lo que eso nos plantea
de forma natural a medida que íbamos
la ventaja de ser algo más exclusivo y
creando nuevo material compositivo”,
único. Pero es verdad que también nos
señala Sergio, el otro guitarrista. “Podría
dificulta mucho las cosas a la hora de
decirse que no teníamos una idea muy
encajar en ciertos carteles del panorama
clara (risas), aunque también es cierto
nacional, que es más bien cerrado a las
que hemos introducido una gran cantidad
propuestas diferentes y prefiere lo clásico
de elementos en las canciones que han
o ya conocido”. Como siempre, el mayor
originado lo que es a día de hoy Close
reto es convencer al público autóctono
To The Sky”. En el disco encontramos un
de que se animen a no quedarse sólo
sonido entre el djent y el metalcore, dos
con el producto de fuera. “Estamos
estilos por los que los propios miembros
acostumbrados a ver a la gente pagando
reconocen estar bastante influenciados.
auténticos dinerales por festivales o en
“Hemos crecido escuchando metalcore
conciertos sueltos de bandas conocidas y
y mathcore, viviendo su evolución hacia
luego no ser capaces de apoyar lo local,
nuevos géneros y descubriendo muchos
cuando gracias a redes sociales saben
otros más modernos como el djent”,
perfectamente que hay un producto
explica Adri, el batería. “Siempre nos
bueno”, reflexiona Jota. “Viéndolo así dan
hemos sentido atraídos por el sonido
ganas de hacerse youtuber, pero lo más
de las guitarras del progresivo y las
probable es que nuestra solución pase
afinaciones graves, y yo, personalmente,
por la misma de tantos jóvenes hoy en
me vuelvo loco con esas baterías que
día y toque emigrar, o al menos, dar más
te golpean el pecho a ritmo de breaks
importancia al producto en directo en
dignos de estudio (risas). A pesar de
otros países que en el propio nuestro”.
que usemos elementos de estos géneros
como riffs progresivos o breaks pesados
en compases inusuales, preferimos
no etiquetarnos en ninguno de ellos,
17
 editó sus grabaciones bajo
el título …For The World To
See. Cuando la película vio
la luz, fue muy agradable po-
der juntar el álbum con ella.
En estos tiempos modernos,
con esa necesidad casi vo-
raz de descubrir joyas perdi-
das y vacilar de discos raros,
es casi una necesidad poner
Sentí un apego inmediato a
las canciones. Temas como
‘Keep On Knocking’, ‘Frea-
kin’ Out’ o ‘Politicians In My
Eyes’ me hacen sentir afortu-
nado de que haya podido
disfrutar estas canciones de
hace tanto tiempo, de cuan-
do eran jóvenes punks, y me
hayan tocado con su música,
abierta. Sé que todos ama-
mos a Joey Ramone, Johnny
Rotten y Joe Strummer, pero
Hackney debería de estar ahí
junto a Johnny Ramone, Tony
Iommi o Kurt Cobain.
Llevo escribiendo esta co-
lumna desde hace tiempo y
puede que paséis de página
cuando la veis y no le deis

E
ste mes el escogido
para mi Hall Of Fame
es For The World To
See de Death.
Cuando el documental A
Band Called Death fue estra-
nado en 2012, supuso una
dulce reivindicación para la
banda proto punk de Detroit,
después de décadas vivien-
do en la oscuridad. Death
(no confundir con los pione-
ros metaleros de Florida) era
una banda formada por los
hermanos Hackney, lidera-
dos por David Hackney, y su
historia fue maravillosamente
explicada en la película. Mu-
chos de nosotros metidos en
la música underground, por
mucho que nos guste consi-
derarnos aficionados, no ha-
bíamos oído hablar de esta
banda hasta el año 2009,
cuando Drag City Records
nombres de bandas oscuras pero es triste que Death no una oportunidad a mis elec-
encima de la mesa. Todo el hayan podido disfrutar de su ciones... Está bien, eso ya
mundo parece estar metido momento hasta ahora. es cosa de cada uno, pero
en una carrera con el vecino David Hackney murió en el deberías, NECESITAS escu-
por ver quién descubre ban- 2000, una década antes de char este álbum, de verdad.
das o álbumes olvidados. que todo esto llegase a buen Hazlo sin distracciones. Es la
Casi siempre entiendes por puerto. Cuando te das cuenta única manera de disfrutar su
qué esa formación ha estado de que este álbum fue graba- grandeza.
olvidada... La mayoría son do en 1975, no puedes más Hasta el mes que viene,
una mierda. que quedarte con la boca DANKO JONES
Sin embargo, …For The
World To See de Death me
conmovió de una manera
que ningún álbum lo había he-
cho. Quizás porque podía es-
cuchar las bandas por las que
estaban influenciados desde la
primera escucha, o quizás por-
que el álbum era prácticamen-
te perfecto. Inmediatamente el
disco se metió en mi psique y
era como si lo hubiese estado
escuchando durante años. Así
de buenas eran las canciones
que contenía.

18
 LAS ARNETTE SESSIONS NOS MUESTRAN EL LADO MÁS
CERCANO, ÍNTIMO Y CRUDO DE LOS MÚSICOS QUE SE
ACERCAN A LA REDACCIÓN DE LA REVISTA ROCKZONE.
A PELO, SIN SEGUNDAS OPORTUNIDADES NI EFECTOS ESPECIALES,
ESTE FORMATO NO ES APTO PARA PRODUCTOS PREFABRICADOS,
SÓLO PARA QUIENES DISFRUTAN Y RESPIRAN LA MÚSICA .

>> ZEA MAYS INTERPRETAN ‘ENBATA’ EN LA REDACCIÓN DE ROCKZONE

E
l año que viene los bilbaínos
Zea Mays cumplirán sus veinte
años como grupo. Si el hecho
en sí ya tiene mérito, todavía es más
destacable que su formación se haya
mantenida intacta en estas dos déca-
das. Y mejor aún, Aiora Renteria (voz),
Iñaki Imaz (guitarra), Ruben Gonzalez
(bajo) y Asier Basabe (batería) sienten
la misma ilusión ante su octavo disco
Harro, editado por su propio sello Gar-
den Records, como si fuera el primero.
“Nosotros seguimos en nuestra línea”,
explica Aiora. “A la hora de componer
hacemos las cosas desde un punto de
vista muy egoísta. Primero buscamos
satisfacernos a nosotros mismos, y lue-
go, a los demás”.
Como explican, que el título del álbum
sea Harro, que en euskera significa
‘orgullosos’, refleja perfectamente lo
que sintieron al escucharlo. En él ha-
cen gala una vez más de su valentía a
la hora de evolucionar musicalmente.
El rock rabioso de sus inicios se ha ido
modulando e incorporando sonorida-
des más próximas al pop. “Si segui-
mos los cuatro del principio es porque
hemos sido muy abiertos y hemos
sabido adaptarnos”, apunta Iñaki.
“Normalmente la gente va tirando
cada uno por su lado con sus gustos,
pero nosotros hemos logrado integrar-
los. Por eso es bastante difícil clasificar
a Zea Mays. Podemos tener partes
muy salvajes y otras de lo más pop.
Nunca nos hemos planteado si íbamos
a ser una banda de heavy metal o de
techno dance, simplemente lo que vale
es lo que nos pone la piel de gallina
en el local, y luego lo plasmamos en el
disco”. Al igual que su anterior trabajo
Da, el grupo ha contado con la ines-
timable labor del británico Dave M.
Allen (The Cure, Depeche Mode) como
productor. La estrecha relación que han
desarrollado con el tiempo también es
una de las claves del buen resultado
ofrecido en Harro. “Pasado el primer
o segundo día de incertidumbre, vimos
que había muy buena química”, dice
Iñaki. “A partir de ahí todo fue sobre
ruedas con el anterior disco Da. Por
eso le volvimos a hacer la propuesta
de hacer el nuevo y repetimos. Ha
sido una maravilla. Siempre aprendes
cosas de alguien como él. Tiene 60
años y no ha dejado de producir dis-
cos de todo tipo desde los 80”.
Uno de los temas más llamativos del
nuevo álbum es ‘Orain’, corte que
han presentado con un precioso vídeo
animado que merece la pena ser visto
y en el que canta Santi Balmes de Love
Of Lesbian en euskera. ¿Le darían el
aprobado? “Aprobado no, tiene un no-
table alto o un sobresaliente”, destaca
Aiora. “Teníamos un poco de miedo
porque se lanzó a cantar en euske-
ra. Él también estaba muy nervioso,
porque lo grabó pero no sabía si lo
había hecho bien. Pero nos lo mandó
y estaba muy, muy bien. Hay mucha
gente que vive allí que no sería capaz
de hacerlo tan bien. En 2011 me volví
muy fan de Love Of Lesbian y a través
de un amigo se lo propuso y lo conse-
guimos. Estoy muy emocionada”.

20
CREEPER

COSAS
EXTRAÑAS
AUNQUE SU PRIMER ÁLBUM NO APARECERÁ HASTA MARZO, CREEPER
LLEVAN HACIENDO RUIDO UNOS CUANTOS MESES. SU RECIENTE PASO
POR AQUÍ COMO TELONEROS DE PIERCE THE VEIL NOS PERMITIÓ
CONOCER UN POCO MÁS DE CERCA A UNO DE LOS GRUPOS MÁS
PROMETEDORES SALIDOS DE INGLATERRA. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR
L
A BATERÍA DE PIERCE THE VEIL
retumba por todos los rincones de la sala But de
Madrid este 31 de octubre. Todavía faltan unas
cuantas horas para que los californianos salten al
escenario, pero sus técnicos ya llevan un buen rato pro-
bando el sonido. Luego llegarán los de letlive. y finalmen-
te será el turno de Creeper, quienes abrirán el concierto.
Es una rutina a la que Will Gould (voz), Ian Miles (guita-
rra), Sean Scott (bajo), Hannah Greenwood (teclados) y
Dan Bratton (batería) se han acostumbrado rápidamente
en la que es su primera gran gira a nivel europeo. Gra-
cias a tres EPs de punk rock con dejes góticos (piensa en
AFI), la joven banda de Southhampton ha generado un
importante seguimiento en los dos últimos años. Y la cosa
todavía va a ir a más cuando el próximo 24 de marzo
aparezca su debut, Eternity, In Your Arms, respaldado por
un sello con los recursos de Roadrunner. Si a través de
sus fotos y sus vídeos Creeper proyectan una imagen
oscura y fría, en persona son todo lo contrario. Son cer-
canos, sonríen y se nota que disfrutan con cada segundo
que viven. Posiblemente, porque como descubrimos du-
rante la entrevista, se habían comido bastante mierda
antes de formar Creeper. Eso, unido a una visión artística
definida, la pasión que transmiten y unos referentes musi-
cales que se salen de lo común, hacen de ellos una ban-
da a la que no perder la pista.
25
Supongo que es muy apro-
piado entrevistaros en el día
de Halloween... ¿De niños
era un fiesta importante para
vosotros?
WILL GOULD “Sí, totalmente”.
IAN MILES “El año pasado dimos un
concierto en Londres la noche de Hal-
loween. Fue el primer concierto en el
que nos dimos cuenta de que había
mucha gente apoyándonos. Mucha
peña vino disfrazada y decoramos el
local, fue muy guay”.
WILL “Disfrazarnos es algo natural
para nosotros. De pequeño siempre
hacíamos fiestas de Halloween con mi
familia. Jugábamos a cosas como co-
ger rollos de papel higiénico y enrollá-
bamos a alguien para que pareciese
una momia. La idea de disfrazarse y
convertirse en otra persona es muy
importante para este grupo. Muchos
chavales nos mandan fotos de sus dis-
fraces con algunos de nuestros perso-
najes. Mola mucho”.
¿Qué importancia tiene todo
el género de terror a la hora
de inspiraros?
WILL “Las películas de terror son muy
importantes para lo que hacemos,
pero en un sentido más amplio toma-
mos elementos del cine de los 80. El
Resplandor es una de nuestras pelícu-
las favoritas”.
IAN “Para mí el cine y la música son
inseparables. De joven descubrí mucha
música a través de las películas de
terror. Son dos manifestaciones artísti-
cas que van mezcladas”.
WILL “Cuando empezamos el grupo
queríamos tener algo diferente y empe-
zamos a componer canciones desde el
punto de vista de un monstruo o de
Freddy Krueger. En nuestra web colga-
mos los carteles de películas que nos
24
gustaban con nuestras letras encima
para reforzar esa idea. Una película
como El Fantasma Del Paraíso fue muy
importante también, o The Rocky Hor-
ror Picture Show”.
¿Habéis visto la serie
Stranger Things?
WILL “No podría ser más perfecta
para nosotros. Mucho de lo que hace-
mos es un pastiche de referencias de
películas famosas y de estilos musica-
les, y esa serie hace lo mismo. Ade-
más, Winona Ryder es una de nuestras
actrices favoritas. Stranger Things enca-
ja totalmente con mis gustos”.
A excepción del single ‘Suz-
zane’, no he podido escuchar
nada de vuestro disco. De he-
cho, no sé ni si está terminado.
WILL “Se está masterizando. Estamos
esperando a tener la versión final. Lo
hemos grabado con la misma gente
que hizo los EPs. La discográfica no
estaba segura porque nunca habían
trabajado con ellos, pero nos dejaron
hacerlo. Creo que no escucharás otro
álbum igual en 2017”.
¿Se parecerá al material que
habéis publicado hasta ahora
o es algo distinto?
WILL “Es diferente. Estoy muy orgu-
lloso de lo variado que es. Dejamos
de ver el grupo como una banda
punk y a verlo más como un vehículo
para probar cosas distintas, no sólo
musicalmente, sino también visual-
mente. Teníamos el aspecto visual,
cinematográfico, muy presente cuan-
do compusimos los temas. Hay uno
que suena a country que canta ínte-
gramente Hanna, nuestra teclista,
pero que tiene un ritmo rápido casi
hardcore”.
¿En plan Tiger Army?
WILL “No, no. Es un poco más meló-
dica. No sabría cómo describirla”.
IAN “Hemos tomado ciertos aspectos
de nuestra banda y los hemos amplifi-
cado. Ya sé que todos los grupos di-
cen eso, pero es lo que hemos hecho”.
WILL “Por ejemplo en los temas hard-
core pensamos en American Night-
mare y Give Up The Ghost. Ésa banda
fue muy importante para nosotros. A
Ian también le gustan mucho Deafheav-
en, así que hay algo de eso. Pero en
el espectro opuesto también nos inspi-
ramos mucho en Jim Steinman. El disco
que hizo con Sisters Of Mercy o sus
discos con Meat Loaf nos inspiraron a
buscar ese sonido grandioso y teatral.
Así que podemos escribir un tema de
hardcore punk, pero pensamos cómo
lo cantaría Freddie Mercury. Algo rápi-
do pero teatral. Es una línea complica-
da que seguir (risas)”.
¡Debéis ser el primer grupo
que entrevisto que menciona
a Jim Steinman como una in-
fluencia directa!
WILL “¡Oh! Para mí es un genio. Me
encanta su trabajo, ya sea con
Pandora’s Box, su disco en solitario
Bad For Good…”.
IAN “Aunque el nuevo que ha hecho
con Meat Loaf es flojo”.
WILL “Sí, es una pena. Cuando yo
era un niño me gustaban mucho los
discos de Phil Spector y en los discos
de Meat Loaf oía mucha de su in-
fluencia. Para mí era como un Phil
Spector del hard rock. Tiene un tema
titulado ‘Dance In My Pants’ del que
tomamos una parte para uno de nues-
tras canciones; es un homenaje total
hacia Jim Steinman pero en un tema
punk. Es una gran influencia para
nosotros”.
 “TENEMOS UNA RELACIÓN DE AMOR/ODIO CON LAS REDES SOCIALES.
A VECES ECHO DE MENOS LOS TIEMPOS EN LOS QUE NO SABÍAS LO
QUE LA GENTE HACÍA CADA DÍA CONTINUAMENTE. NO NECESITO VER
A MI BANDA FAVORITA COMIENDO PIZZA. LO VEO CUTRE”
WILL GOULD

Deberías pedirle que os escri-
ba un tema para vuestro se-
gundo disco.
WILL “¡Nos costaría una fortuna!
(Risas)”.
En las últimas semanas ha-
béis hecho una campaña muy
intrigante en las redes socia-
les. ¿Es una herramienta con
la que disfrutáis trabajando?
WILL “Tenemos una relación de
amor/odio con las redes sociales. A
veces echo de menos los tiempos en
los que no sabías lo que la gente ha-
cía cada día continuamente. No ne-
cesito ver a mi banda favorita comien-
do pizza. Lo veo cutre. Bandas punk
con las que crecimos como AFI o
Alkaline Trio tenían misterio. Es algo
que comentamos con nuestro mána-
ger. Tiempo atrás ibas a un bolo y no
podías creer que tuvieras a ese grupo
delante de ti. Había una mística. Así
que lo enfocamos a ráfagas. Como
decías, hemos hecho una campaña
misteriosa en la que invertimos mucho
tiempo, pero luego podemos desapa-
recer por completo de las redes. Inten-
tamos que la música sea lo más im-
portante. Por eso no ponemos fotos
nuestras en el estudio porque creemos
que escuchar un disco debería ser
algo mágico y sagrado, y no debe-
rías tener una imagen concreta de
cómo fue creado. Uno de los mejores
discos de la historia es Ziggy Stardust
And The Spiders From Mars de David
Bowie. Si hubieras visto a Bowie to-
cando la guitarra en el estudio, toda
su magia desaparecería. Así que tie-
nes que tener cuidado con lo que
compartes. Muchos grupos son culpa-
bles de compartir demasiado. Intenta-
mos que sea algo divertido y creativo
en lugar de obsesivo. Ian y yo ni si-
quiera tenemos cuentas personales”.
IAN “Para nosotros el grupo es un
gran proyecto artístico, así que las
redes sociales son otra plataforma más
que podemos usar. La campaña recien-
te fue un ejemplo de ello”.
También es curioso cómo ha
cambiado la relación de los
fans con los grupos. Ahora
parece más importante ha-
cerse un selfie y colgarlo que
el rato que puedas estar ha-
blando con un músico.
WILL “Sí, nosotros intentamos hablar
con nuestros fans. Me gustaría que
viesen que no estamos obsesionados
con eso. Veo muchos grupos que sólo
se forman para tener presencia en las
redes sociales. Es todo lo opuesto a lo
que somos nosotros”.
IAN “Además, puedes comprar segui-
dores en las redes. No significa nada
que un grupo tenga muchos seguido-
res. Se me hace muy raro cuando veo
un grupo que antes de haber grabado
una sola canción ya tiene todas sus
redes maqueadas”.
WILL “Yo odio cuando los grupos
crean expectativas sin tener nada real
que anunciar o publicar. Si tienes algo,
enséñalo, y si no, cállate. Parte del
motivo por el que empezamos Creeper
es porque la escena punk en Reino
Unido se había vuelto totalmente vacía

25

“PARTE DEL MOTIVO POR EL QUE EMPEZAMOS
CREEPER ES PORQUE LA ESCENA PUNK EN
REINO UNIDO SE HABÍA VUELTO TOTALMENTE
VACÍA Y ORDINARIA. FALTABA MAGIA”
WILL GOULD
y ordinaria. Faltaba magia. Echaba de
menos bandas como T.S.O.L. o los
Misfits, que tenían una imagen. Que-
ríamos ofrecer un espectáculo. Y creo
que, en parte, la culpa de todo eso es
de las redes sociales”.
IAN “Aunque yo creo que también
puedes trasladar esa magia o espectá-
culo a las redes sociales. Al menos es
lo que intentamos. No tienes por qué
presentarte como eres, sino presentarte
como un personaje”.
Por todo lo que decís, está
claro que tenéis mucha ambi-
ción artística. Pero como cual-
quier grupo, al principio de-
bíais ser malos.
WILL “(Risas) Malísimos”.
¿Cómo ha sido el proceso de
aprendizaje para llegar al
punto actual?
WILL “Tuvimos que aprender mucho.
26
Ian y yo llevamos tocando juntos mu-
chos años, pero el resto se unieron a
nosotros. Así que durante mucho tiem-
po nos dedicamos simplemente a crear
una unidad”.
IAN “Nosotros dos habíamos estado
en varias bandas punk y tocado en
squads por toda Europa. Nadie cono-
ce esos grupos y nunca llegamos a
nada, pero con Creeper, desde el
primer momento hubo interés y venía
gente a nuestros conciertos. Nunca nos
había ocurrido”.
¿Y por qué crees que ha pa-
sado eso?
WIL “No tengo ni idea. Supongo que
todos esos años anteriores habíamos
ido trabajando un sonido y Creeper
fue donde todo culminó. En nuestra
ciudad nos conocían por ser gente que
girábamos y deseaban que nos fuera
bien porque saben que hemos trabaja-
do duro y creemos en lo que hacemos.
Así que Creeper empezó a moverse
mucho más rápidamente. Pero a nivel
interno, nos fuimos conociendo a me-
dida que íbamos dando conciertos.
Ha sido muy raro que todo fuera tan
rápido. Para serte sincero, teníamos
clara la música que queríamos hacer,
pero no nos imaginábamos tocando
para más de diez personas. Y no
hubiese importado porque seguiría-
mos haciéndolo aunque tuviéramos
que hacerlo gratis. Esto es nuestra
vida. Por eso es genial poder tocar en
una gira como ésta, delante de tanta
gente. Estamos girando en un autobús
cuando estábamos acostumbrados a
hacerlo en una furgoneta. Estamos
súper felices, no nos tomamos nada
de lo que tenemos a la ligera”.
IAN “Anoche en Madrid me sentí
súper feliz”.
WILL “Era porque estabas borracho
(risas)”.
IAN “Sí, lo estaba, pero estaba muy
lúcido y me di cuenta de lo genial que
era estar tocando aquí, con comida en
el autobús, llevándonos genial entre
nosotros… Nunca hubiera imaginado
que podía ser tan cómodo porque
antes todo era muy duro. Supongo que
tienes que saber lo duro que puede ser
para poder disfrutar de verdad de todo
esto. No habíamos tocado antes en
España, pero lo normal era pasar una
gira comiendo latas de judías y co-
brando 50 euros por concierto”.
WILL “Recuerdo que una vez en Cro-
acia tocamos en un restaurante y de
golpe aparecieron un montón de skins
nazis y empezaron a gritarnos. Las
hemos visto de todos los colores”.
APHONNIC

CUESTIÓN
DE CONFIANZA
CON INDOMABLES, SU QUINTO TRABAJO, APHONNIC ESPERAN SEGUIR
CON LA CURVA ASCENDENTE QUE INICIARON CON EL ANTERIOR HÉROES.
SI EL APOYO RECIBIDO EN SU SEGUNDA CAMPAÑA DE CROWDFUNDING ES
UN INDICADOR DE LO QUE TIENE QUE VENIR, PUEDEN ESTAR TRANQUILOS.
TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR
A
PHONNIC
PODRÍAN SERVIR
de ejemplo para mu-
chos grupos de nuestra escena
que cuando ven que las cosas no
salen como habían planeado,
simplemente tiran la toalla. A los
de Vigo no les fue bien ni a la
primera, ni a la segunda, ni si-
quiera a la tercera... pero Chechu
(voz), Iago (guitarra), Richy (bajo)
y Alén (batería) decidieron persistir
y en 2013 publicaron Héroes, un
álbum en el que subieron su pro-
pio listón trabajando con el portu-
gués Vasco Ramos (More Than A
Thousand, Hills Have Eyes) y que
incluso antes de que saliera, ya
había conseguido un objetivo
importante mediante una campa-
ña de crowdfunding. Más allá del
dinero, que también, fue la co-
nexión directa que la banda esta-
bleció con sus fans la que puso
los cimientos para una nueva eta-
pa en el grupo. La empatía recí-
proca entre los músicos y los se-
guidores se prolongó durante una
gira en la que todos a una canta-
ban nuevas canciones como ‘Jer-
ry’ o ‘Mi Capitán’ y que, posible-
mente, vivió su momento álgido
durante su actuación en el Resu-
rrection Fest el año pasado.
Satisfechos como quedaron,
no sorprende que para su nuevo
álbum Indomables (Maldito)
Aphonnic hayan apostado por
jugar las mismas cartas. De nuevo
Ramos se ha sentado en la silla
de productor y de nuevo han vuel-
to a solicitar el apoyo directo a
sus seguidores mediante otro
crowdfunding aún más exitoso,
algo que les ha permitido, por
ejemplo, contar con Fredrik
Nordström (At The Gates, Architects)
para las mezclas y masterización. Si
encima le ponemos once temas que
perfilan todavía mejor su línea más
melódica sin renunciar a su base de
rock metal, sólo podemos concluir que
esta bonita historia de amor tiene pinta
de prolongarse.
Chechu, no sé si estás de
acuerdo con lo que se decía en
la reseña del disco en el núme-
ro anterior de que Héroes ha-
bía sido una segunda oportu-
nidad para el grupo.
CHECHU “Sí, fue una etapa diferente.
La segunda oportunidad nos vino por
poder trabajar con Vasco (Ramos).
Realmente él ha revolucionado todo lo
que era Aphonnic. Ya no sólo a nivel
de canciones, sino de mentalidad y lo
que era nuestro concepto de un grupo.
Nos ha abierto las miras. Pero bueno,
todo hay que buscarlo”.
Casi parece que Vasco sea un
coach para vosotros... Una
figura más motivacional que
musical.
“Sí, Vasco sirve para todo. No sé
cómo explicarlo. Me decía ‘Chechu,
lo estáis haciendo como lo hacen los
grupos grandes. Venís a trabajar con
un productor grande y de aquí no
pueden salir más que cosas buenas’.
Tiene mucha psicología el cabrón. Y
verlo trabajar es una maravilla. Te
puedo decir que estamos enamorados
de él (risas)”.
¿Superó la repercusión de Hé-
roes lo que vosotros mismos
esperabais?
“Cuando vinimos de Portugal con el
disco, sabíamos que era lo mejor que
habíamos hecho. Pero luego el apoyo
29

del crowdfunding fue lo bonito, porque
era la primera vez que lo hacíamos y
nadie había escuchado nada del dis-
co. Conseguimos 8.000 pavos y estu-
vo de putísima madre, y después los
dos años siguientes fueron guay. El
disco gustó, agotamos en algunas
salas las entradas anticipadamente...
pero la pelea es la de siempre y hay
que intentar abrirte más puertas. Pero
estamos ilusionados, y al final lo que
vale es tirar adelante”.
Pero supongo que el ánimo
antes de empezar a hacer In-
domables debía ser distinto...
“La verdad es que sí. Sabíamos que si
con Héroes había ido bien, con Indo-
mables, que está a la misma altura o
es mejor, el apoyo sería igual. Al pri-
mer Verkami se apuntaron unas 200
personas y en éste más de 500. Tam-
bién sabíamos que con Vasco las co-
sas iban a ir bien, aunque el álbum lo
hicimos de manera totalmente distinta
a los otros”.
¿En qué aspecto?
“En los otros llevábamos muchas co-
sas hechas del local, pero en éste
Vasco dijo de llevar sólo las ideas y
que después ya las definiríamos en el
30
local. Nos daba un poco de miedo
porque no nos gusta improvisar. A
veces no hay tiempo, y te puede salir
bien como te puede salir mal. Pero
Vasco es un tipo increíble y lo asimiló
todo de puta madre. De hecho, que-
daron tres canciones fuera. Él quería
meter 12 ó 13, pero nosotros le diji-
mos que era una sobrada”.
¿Qué ventaja le ve Vasco a
trabajar de esta manera en
lugar de llevar el material ya
cuadrado?
“Él es un tipo que, como dicen en Por-
tugal, ‘le gusta trabajar en la altura’. Le
gusta trabajar en el momento. Cuando
se pone, se centra al 100% y tiene
muchísimas ideas. Igual tú para hacer
una melodía o un riff tardas uno o dos
días, pero él es una fuente continua de
ideas. Es la hostia”.
¿Y las letras también las hicis-
te ahí en el momento?
“Yo los años entre disco y disco voy
apuntando frases sueltas. Igual para
éste tenía 30 folios de frases y después
durante tres meses, todas las putas
noches, intentas hacer un puzzle con
frases que a priori no tienen nada que
ver unas con otras. Es un poco mi fór-
mula. Me encantaría poder trabajar
con otra gente en las letras, porque lo
que importa son las ideas y a veces tú
estás demasiado centrado en ti mismo.
Siempre nos gustó tener una segunda
opinión, pero de momento me las ten-
go que mamar yo solo (risas). En
‘Aquellos Maravillosos’ me echó una
mano mi hermano, que también tiene
un grupo, Dreams Of Dolly Sheep, y
me aportó algunas ideas cojonudas”.
¿Para la grabación fuisteis
todos a Portugal como la otra
vez?
“Fuimos a Portugal en enero de 2015.
Estuvimos una semana y sacamos dos
o tres temas. Pero Vasco tiene un pro-
blema, y es que el hijo de puta está
casi siempre enfermo. Pero la prepro-
ducción la hicimos en Carballiño, en
Ourense, en el estudio de nuestro técni-
co, para sacar a Vasco de su entorno.
Porque allí siempre van a verle muchos
amigos para dar por el culo, y lo que-
ríamos tener en exclusiva. Y como aquí
no conoce a nadie y nosotros vivimos
en Vigo, que está a más de una hora,
pues tampoco venía nadie a vernos y
pudimos currar con tranquilidad”.
¿Y lo grabasteis allí?
“Sí, en los estudios Mafia de nuestro
técnico. Allí no tenemos horarios y lo
hicimos tranquilamente. Luego Vasco
comentó la posibilidad de mandarlo a
mezclar y masterizar con Fredrik
Nordström. Yendo de su mano no ha-
bía problema porque ya había hecho
el último disco de More Than A
Thousand con él. Bueno, es una pasta
para un grupo pequeño como noso-
tros, pero nos arriesgamos y quedamos
muy contentos con el resultado”.
¿Pero lo habéis podido cubrir

todo con el Verkami?
“No, qué va. Nosotros cuando hace-
mos el Verkami ya tenemos invertida
mucha pasta, lo que se intenta es cu-
brir un poco. Pero es una ayuda de la
hostia y además es una manera de
tener a la gente pendiente de lo que
se está haciendo y saber que te están
apoyando”.
Habéis insistido en los coros
épicos en algunos temas. ¿Es
una consecuencia de haber
visto cómo la gente cantaba
los temas de Héroes en los
conciertos?
“Eso fue una idea de Vasco que ya
salió en Héroes. La gente relaciona a
Vasco con More Than A Thousand,
pero a él lo que le gusta es el pop.
Con nosotros encontró un filón porque
él lo que quiere es que se suba todo el
mundo a cantar al escenario. Siempre
dice que esos coros fáciles entran a la
primera. En Héroes funcionó de la
hostia y creo que en Indomables tam-
bién lo va a hacer”.
Además los coros los graba-
ron los estudiantes de un insti-
tuto, ¿verdad?
“Sí, los hicieron gente de Cuarto de la
ESO y Primero de bachiller del IES
Lama das Quendas en Chantada,
Lugo. Fueron 40 chavales de entre 14
y 16, y la verdad es que lo hicieron
de pelotas. Moló mucho. Su profesor
conocía a nuestro técnico y en una
mañana lo grabaron”.
Y de paso tenéis a 40 fans
nuevos.
“(Risas) Eso ya tengo mis dudas. Ha-
bía gente de todo tipo. A algunos les
molaba el reguetón, pero lo hicieron
maravillosamente”.
“VEO UN PAÍS DORMIDO. ES DE LO QUE HABLO
EN ‘HONRADA AVESTRUZ’, AQUÍ LO ÚNICO QUE
SE HACE ES PAGAR Y ESCONDER LA CABEZA”
CHECHU
¿Hay alguna canción del disco
que te toque especialmente de
cerca?
“Sí, la tercera, ‘Cunfía’. Es ‘confía’ en
portugués. Habla de que nosotros
seguimos unidos y eso es lo que impor-
ta por encima de todo. Es una palabra
que cuando fui a Portugal para hacer
las melodías, Vasco siempre me repe-
tía, ‘cunfía, cunfía filho de puta’ (Ri-
sas). Se me quedó en la cabeza y me
ayudó mucho. Siempre me daba con-
fianza. Me gustan todas, pero quizá a
ésa le tengo más aprecio”.
Supongo que en los dos últi-
mos discos te has notado mu-
cho más suelto cantando.
“Sí, lo bueno de trabajar con Vasco es
que te aprieta mucho. He llegado a
tonos que en la puta vida pensaba
que podría llegar a hacer. A nivel per-
sonal estoy contentísimo porque te
sientes más cómodo y haciendo más
cosas”.
Aunque haya melodías más
pop, en las letras sigue ha-
biendo mucha mala leche.
“Sí, y más con cómo está la mierda
de país en el que vivimos. Creo que
la gente tendría que haber enseñado
más los dientes. Vas viendo de todo
en la tele, escuchando barbaridades
en la radio... y todo ese malestar es
el que se refleja en las letras. Veo un
país dormido. Es de lo que hablo en
‘Honrada Avestruz’, aquí lo único que
se hace es pagar y esconder la cabe-
za. Es bastante ridículo. Yo recuerdo
cuando había huelgas, follones y se
conseguían cosas. Ahora no veo eso.
Es la hostia. Aquí se traga con todo y
así nos va”.
¿Cómo ves el futuro de tus
hijos?
“Si te digo la verdad, lo veo bastante
jodido. Como esto no cambie o pase
algo... Yo cuando dicen que se van a
acabar las pensiones pienso que oja-
lá se acaben. Porque si pasa, seguro
que saldrá todo el mundo a la calle.
Si nos ponemos tremendistas, salidas
no le veo”.
Bueno, al menos parece que el
grupo va avanzando. Aunque
lo importante es tener claro
que, al final, esto se hace para
uno mismo.
“Yo sé que no tendré la posibilidad
de vivir de esto, ni me lo planteo.
Pero sí me planteo el respeto que
puedas recibir de los demás. Me
encantaría estar en festivales donde
nunca hemos estado y, si pudiera,
marcharme veinte días a Sudamérica.
Tener un poco de reconocimiento.
Pero esto es como la lotería. Y mien-
tras nos toque la pedrea, seguiremos
jugando (risas)”.
31
THE DILLINGER ESCAPE PLAN

VEINTE AÑOS, SEIS ÁLBUMES, CIENTOS DE

CONCIERTOS DEMENCIALES E INCONTABLES
HUESOS ROTOS DESPUÉS, THE DILLINGER
ESCAPE PLAN HAN DECIDIDO PONER PUNTO
Y FINAL A LA CARRERA DE UNA DE LAS
FORMACIONES MÁS INTENSAS EN TODOS LOS
ASPECTOS DEL PANORAMA EXTREMO. NO SIN
ANTES DECIR ADIÓS CON SU NUEVA BOMBA
DE RELOJERÍA, DISSOCIATION, Y UNA GIRA
FINAL QUE LES TRAERÁ DE VUELTA A NUESTRO
PAÍS EN FEBRERO. TEXTO: GONZALO PUEBLA FOTOS: DR

ÚLTIMAS
PALABRAS
C OMO EN LAS RELACIONES DE PAREJA, cuan-
do llega el momento de separarse, siempre es preferi-
ble hacerlo dejando un buen sabor de boca que no
con el gusto amargo de una fría despedida. La anunciada
ruptura de The Dillinger Escape Plan, seguramente la banda
que más cerca ha estado de llevar un género tan arriesgado
como el mathcore al gran público en los últimos años, no
dejará de ser una triste noticia cuando ésta se produzca,
pero sí será mejor llevada por sus seguidores sabiendo que
a su reciente Dissociation (Party Smasher Inc) le seguirá una
inminente gira de despedida que recalará a finales de febre-
ro en Barcelona y Madrid.
Imaginar los motivos que les han llevado a tomar seme-
jante decisión no debe ser una tarea complicada para cual-
quiera que haya ido siguiendo las andanzas de un combo
en el cual el guitarrista y principal cabeza pensante, Ben
Weinman, ha sido el único superviviente de la formación
original a lo largo de dos décadas de trayectoria. Y es que
como nos reconoce su batería Billy Rymer al responder a
nuestras preguntas (el musculoso vocalista Greg Puciato, el
bajista Liam Wilson y su nuevo guitarrista Kevin Antreassian
completan el resto de la alineación actual), el tener que ex-
primir hasta el limite su endiablada técnica instrumental en
cada nuevo trabajo con el añadido de que cada noche que
se suben a un escenario es un todo o nada en el que pare-
cen al borde de la autodestrucción, es algo que acaba
pasando factura tanto física como mentalmente. Nadie
duda de que el vacío que dejarán será muy complicado
de llenar, pero teniendo en cuenta de que su hoja de
servicios está prácticamente impoluta, el descanso que
todos sus miembros se tomarán una vez acabe su historia
se lo tienen más que ganado.
 “HE ESTADO ATERRORIZADO EN CADA PASO
QUE HEMOS DADO A LO LARGO DEL CAMINO”
Dos meses antes de que el
BILLY RYMER
nuevo álbum saliese a la
venta, anunciasteis que os
separaréis una vez termina-
do el tour de presentación
del mismo. ¿Era una decisión
que teníais tomada desde
hace tiempo?
BILLY RYMER “Para ser claros, el
anuncio fue que acabaríamos el ci-
clo de presentación del nuevo disco.
Tenemos muchos conciertos progra-
mados hasta finales de 2017. Ésa
fue una decisión que tomamos justo
a la mitad del proceso de composi-
ción. Realmente no tengo mucho más
que decir, pero creo que es una bue-
na manera de acabar nuestra carre-
ra haciendo que éste sea nuestro
último álbum”.

Desde entonces hemos leído

distintas versiones sobre si se
trataría de un hiato indefini-
do o una separación comple-
tamente definitiva. ¿Podrías
despejarnos las dudas sobre
si habrá alguna posibilidad
de que volváis en el futuro?
“No he prestado mucha atención a
lo que dice la prensa de nosotros,
especialmente ahora, mientras esta-
mos de gira. Honestamente, me pre-
ocupan más las incontables lesiones
de mis compañeros y que continúen
teniendo una buena salud como ha
sido hasta ahora. Es reconfortante
saber que esto tiene una fecha en la más mayor de todos es Ben, más bien a una cuestión más
que todo acabará y no estaremos que tiene 41 años, y tú tienes compleja?
como Mickey Rourke en la última 31. ¿Debo entender entonces “Es mucho más que eso. El estrés
escena de The Wrestler esperando a que la decisión de dejarlo no que supone crear un disco de este
que alguien muera (risas)”. se debe a un problema de lo grupo es algo que volvería literal-
exigentes que son vuestras mente loca a la mayoría de la gente.
Lo cierto es que aún seguís actuaciones en directo en Hemos pasado un infierno para ha-
siendo un grupo joven. El cuanto a nivel físico, sino cer Dissociation. Ha sido agotador

34

en muchos aspectos, y hasta cierto
punto, incluso traumático. Ciertamen-
te, hay más un sentimiento de alivio
que de arrepentimiento sobre la deci-
sión que hemos tomado”.
Hablando del directo, vuestro
historial médico debe ser es-
calofriante. Me imagino que
os lo han preguntado muchas
veces, pero ¿cuál es la peor
lesión que recuerdas haberte
hecho durante un concierto?
“Puedo decir que soy el más afortu-
nado del grupo en ese sentido. Mi
instrumento es como una especie de
fortaleza para mí. Además, yo no
estoy todas las noches haciendo
stage diving, tirándome desde los
balcones de las salas o colgándome
de una viga del escenario (risas).
Pero en general las peores lesiones
en nuestros conciertos se las suelen
llevar la gente que está en las prime-
ras filas. En alguna ocasión alguien
se ha abierto la frente al ser golpea-
do por un proyectil de madera de la
guitarra de Ben”.
Pasemos a hablar sobre Dis-
sociation. ¿Cuando os pusis-
teis a trabajar en él ya sa-
bíais que sería el último que
grabaríais? ¿Teníais eso en
mente?
“Empezamos a escribirlo en otoño
de 2014, justo cuando regresamos
de las giras junto a Soundgarden y
Nine Inch Nails. Por aquel entonces
ni siquiera pensábamos en ello. Lo
único que necesitábamos era meter-
nos en el local y volver al trabajo”.
Personalmente, creo que el
disco tiene un poco de todas
vuestras facetas: el mathcore
súper técnico marca de la
casa, dejes de jazz, experi-
mentación con la electrónica
como en el caso de ‘Fugue’,
arreglos orquestales en ‘Dis-
sociation’... ¿Era vuestra idea
el hacer una especie de resu-
men de todos los sonidos que
habéis ido aglutinando con el
paso del tiempo? ¿O por el
contrario piensas que no tie-
ne nada que ver con vuestros
anteriores trabajos?
“En realidad es un poco las dos co-
sas. Queríamos explorar nuevos terri-
35
torios pero aun manteniendo nuestro
sello”.
¿Y cómo te afectó el incluir
ritmos electrónicos a la hora
de tocar la batería?
“Creo que el escuchar mucha música
electrónica ha terminado influyendo
en mi estilo, es cierto. Siempre nos
han gustado bandas como Square-
pusher y Aphex Twin. Últimamente he
estado muy metido en el house más
underground y el trance”.
La letra de ‘Dissociation’ me
ha resultado muy llamativa
tratándose de la canción que
cierra el disco. Dice “Finding
a way to die alone, couldn’t
stay for you, is better than
what I was shown, what a
strange way to lose”. ¿Qué
es lo queréis transmitir con
ello?
“Me parece una gran letra que pue-
de tener un significado diferente de-
pendiendo de quién la escuche, ya
sea luchar contra la depresión, pen-
sar en el suicidio, la ruptura de un
matrimonio o una relación, o tal vez
incluso que tu periquito se haya
muerto (risas)”.
Siempre he pensado que de-
béis de ser una de las ban-
das más exigentes del mun-
do para cualquiera de sus
miembros. No sólo por la ex-
tremadamente compleja que
es vuestra música, sino tam-
bién por lo que comentaba
antes de vuestro increíble di-
recto. ¿Cómo te sentiste
cuando te uniste al grupo?
¿Tenías alguna inseguridad
36
por no estar a la altura de las
expectativas?
“He estado aterrorizado en cada
paso que hemos dado a lo largo del
camino. Cuando hice la audición
para entrar, ya sabía la cantidad de
presión que habría incluso si era ca-
paz de dar un solo concierto. Cuan-
do me dijeron que era el elegido
sabía que no había marcha atrás.
Literalmente pasé de trabajar en una
tienda de guitarras a tocar en The
Dillinger Escape Plan. Un mes des-
pués de que me incorporase estába-
mos tocando en el Soundwave de
Australia, en 2009. Hasta ese mo-
mento nunca había participado en un
concierto de esa magnitud. Básica-
mente, fue como si me arrojasen al
océano y ver si era capaz de nadar y
no ahogarme”.
¿Y cuál es para ti la parte
más difícil de estar en Dillin-
ger Escape Plan?
“Algunas veces estoy extremadamente
cansado y realmente quiero irme a la
cama cuando son las cinco de la
madrugada, pero tengo que hacer
una entrevista por email antes de que
amanezca. Aparte de eso, las can-
ciones son jodidamente difíciles de
tocar (risas)”.
Volviendo al tema de vuestra
despedida, la verdad es que
he notado que mucha gente
os va echar de menos cuando
lo dejéis. ¿Cómo te sientes
cuando ves todo lo que ha
conseguido el grupo en estos
veinte años de trayectoria?
“Cuando se trata de algo que consu-
me todo tu tiempo, tanto dentro como
fuera de la carretera y en el estudio,
es difícil de apreciar mientras está
sucediendo. Siempre estamos centra-
dos en lo que está sucediendo en ese
momento en concreto. Estoy seguro
de que, cuando hayan pasado uno o
dos años una vez todo haya termina-
do, todos nosotros tendremos nuestras
respectivas reflexiones”.
Y obviando Dissociation,
¿cuál de todos vuestros discos
es del que te sientes más or-
gulloso o el que consideras tu
favorito?
“Creo que todos son geniales por
motivos propios. Miss Machine fue
con el que me metí de lleno en el
grupo. De los tres que he grabado,
Dissociation es sin duda mi favorito.
Todos estamos orgullosos de él”.
Una vez finalicen todos vues-
tros compromisos con la ban-
da, es de suponer que segui-
réis haciendo música en otros
proyectos. Ben, por ejemplo,
acaba de sacar el disco de
Giraffe Tongue Orchestra y
Greg también tiene a Killer Be
Killed. ¿Creéis que esos gru-
pos tendrán continuidad u os
veremos comenzando otras
aventuras?
“Giraffe Tongue Orchestra y Killer Be
Killed son supergrupos, todos ellos
con miembros en bandas que están
girando activamente. Así que es difícil
de decir, pero todo es posible. Por
otra parte, The Black Queen (proyec-
to paralelo de Greg Pucciato del que
también forman parte Joshua Eustis y
Steven Alexander, ambos miembros
de bandas como Nine Inch Nails o
Puscifer -ndr.) son tres amigos cerca-
nos que viven en Los Ángeles. Han
 “ES RECONFORTANTE SABER QUE ESTO TIENE UNA FECHA
EN LA QUE TODO ACABARÁ Y NO ESTAREMOS COMO
MICKEY ROURKE EN LA ÚLTIMA ESCENA DE THE WRESTLER
ESPERANDO A QUE ALGUIEN MUERA (RISAS)”
BILLY RYMER

creado su propio sonido e identidad.
La verdad es que estoy alucinado con
ellos y espero que continúen hacien-
do música. Si necesitan a un batería
para dar algún concierto, yo conozco
a uno (risas)”.
Como has dicho al principio
de la entrevista, el año que
viene tenéis programada una
gira que servirá para presen-
tar las nuevas canciones de
Dissociation y, a la vez, des-
pediros de vuestro público. De
hecho, en febrero estaréis por
nuestro país... Pero quería
preguntarte, ¿tenéis algo pla-
neado para lo que será vues-
tro último concierto? ¿Sabéis
ya dónde será? ¿Habrá cola-
boraciones o alguna sorpresa
de ésas?
“Aún necesitamos sentarnos a planifi-
car todo eso. Tenemos toda la gira
europea que empieza el próximo mes
de enero. Está pendiente que vaya-
mos también a Australia, el Sureste
Asiático y Sudamérica. Una vez los
tachemos de la lista, probablemente
haremos un pequeño puñado de con-
ciertos de despedida. Tal vez Los
Ángeles, Nueva York y Londres”.
¿Y cómo crees que te sentirás
una vez hayas terminado de
tocar la última canción?
“No puedo decir nada más aparte
de que todo esto ha sido una aventu-
ra y ha merecido la pena. Cuando
llegue ese momento, disfrutaré hasta
el último segundo”.

37
MÚSICA SIN FRONTERAS
JARDÍN DE LA CROIX, UNO DE NUESTROS MEJORES GRUPOS DE ROCK INSTRUMENTAL,
LANZABAN EL PASADO 18 DE OCTUBRE SU NUEVO DISCO CIRCADIA. UNOS DÍAS DESPUÉS
SE EMBARCABAN EN UNA GIRA EUROPEA EN LA QUE OFRECIERON DIEZ CONCIERTOS EN
DIEZ DÍAS EN SEIS PAÍSES DISTINTOS. ELLOS MISMOS NOS CUENTAN LA EXPERIENCIA EN
ESTE DIARIO DE GIRA.TEXTO: JARDÍN DE LA CROIX FOTOS: ANXO OUTEIRAL

L
A GIRA COMIENZA REALMENTE PARA
nosotros, Ander Carballo (guitarra), Pablo Rodríguez
(guitarra), Nacho Hernández (bajo) e Israel Arias
(batería), el día anterior, cuando conseguimos escaparnos
de nuestros respectivos trabajos y de los marrones típicos
que surgen siempre a última hora justo antes de este tipo de
aventuras. Pasamos esa primera noche previa distribuidos
por distintas casas de amigos en Barcelona. Curiosamente,
al día siguiente todos coincidimos en que hemos dormido
bastante mal, y no por falta de hospitalidad en ningún
caso... viéndolo ahora, más bien eran los nervios.
Sin darnos cuenta, en estos primeros kilómetros se es-
tablece una dinámica de furgoneta que se repite como un
patrón durante el resto de gira. Alguien intentando dormir,
alguien que duerme de verdad y lo demuestra estruendo-
samente, alguien hablando sin parar, alguien haciendo
montajes en el móvil con las caras de los primeros y de los
segundos, alguien quejándose de la espalda, música en la
parte frontal que no se llega a escuchar y Mau, nuestro tour
manager alouder, soportando todo estoicamente como el

38
profesor con paciencia infinita al que
le toca llevar a los niños de excursión.
DÍA 1. MONTPELLIER
En cuanto llegamos a Montpellier nos
damos cuenta de una cosa: aquí tener
un nombre francés ayuda bastante y
alguna camiseta nuestra entre los que
esperan por la zona lo atestigua. Tam-
bién nos damos cuenta de otras cosas
que también van a ser una constante
en esta gira: buenas condiciones en
general, camerinos confortables, una
cena consistente y buena (y abundan-
te) cerveza.
El concierto es con Goodbye
Diana, una banda mítica de por allí,
en una sala muy acogedora situada
debajo de una cervecería todavía más
acogedora, y acabamos con buenas
sensaciones para ser el primero del
tour. Terminamos la noche charlando
con descendientes de españoles y dor-
mimos probablemente en el sitio más
hogareño de toda la gira, una casa
enorme con habitaciones temáticas y
un desayuno muy decente, y un patio
precioso donde tomarlo al día siguien-
te. El listón del alojamiento queda muy
alto desde el primer día.
DÍA 2. BARCELONA
La segunda fecha significaba un paso
atrás en términos de kilómetros, pero
todos sabíamos que era por un buen
motivo: estar con Exxasens en su des-
pedida y en nada menos que la sala
Bikini.
El día pasa rápido, la Bikini impre-
siona tanto como esperábamos y sue-
na todavía mejor. No podemos dejar
de tener la sensación de que estamos
en casa cada vez que vamos por allí.
Y nuestro estreno con Aloud no ha
hecho si no confirmar y reafirmar esa
sensación. La respuesta de la gente
es brutal, la despedida con nuestros
amigos de Exxasens es muy emotiva
y por lo destacado del evento, pasan
muchos amigos por el backstage y
por el puesto de merch (que tardamos
bastante en poder desalojar, ya al final
hasta presionados por el equipo de
seguridad).
En este punto empezamos a
darnos cuenta de la importancia de
llevar alguien encargado del merch
para este tipo de giras, y ya a estas
alturas nuestro amigo/sello/fotógrafo
gallego Anxo se había convertido en
una auténtico profesional de montar
puestos increíblemente atractivos en
sitios inverosímiles.
De momento va todo de perlas,
pero muchos de nosotros tenemos la
sensación de que la gira realmente
empieza ahora. La planificación man-
da y en este caso dictaba salir de Bar-
celona a las dos de la mañana recién
salidos del bolo de la Bikini para
plantarnos en Zúrich al día siguiente, a
tiempo para el Bergmal Festival.
DÍA 3. ZÚRICH
Llegamos pasada la hora de comer
española. Con más de doce horas de
furgoneta en nuestros riñones, la sensa-
ción de estar en otro planeta te golpea
con fuerza nada más pisar el suelo.
La organización del Bergmal so-
brepasa con mucho a lo que estamos
acostumbrados... stage managers,
zonas de espera de descanso con
duchas, comida de bienvenida y todo
tipo de comodidades que mitigan la
paliza que llevamos encima. Hacemos
la prueba de sonido en piloto auto-
mático y con verdaderos problemas
de cansancio. Pero al salir vemos una
sala abarrotada (que tuvieron que
cerrar por alcanzar el aforo completo)
de gente muy interesada en lo que
hacemos y acaba siendo uno de los
bolos más memorables de la gira, aun
siendo la actuación que abría el festi-
val. Esto incluso nos da la oportunidad
de pasar el resto del día y comprobar
el buen gusto y el criterio con el que
estaba todo organizado.
Al finalizar nos da tiempo incluso
de disfrutar de algunas bandas de
las que somos seguidores, como
39
65daysofstatic, y de conocer a otras
como Besides o Glaston, que nos
acompañarán más adelante en la
gira. Un lujo poder haber participado
en un festival así.
DÍA 4. POTSDAM
Después de otra buena paliza de fur-
goneta llegamos a Potsdam a tocar en
un pequeño festival con la sensación
de que lo más duro ha pasado en
términos de kilometraje, pero con una
buena paliza a nuestras espaldas.
Es un festival de math e instrumental
organizado en un espacio cultural con
varias salas, restaurante y bar, y zo-
nas exteriores y de alojamiento para
bandas muy bien acondicionado, con
una organización muy amistosa y en
un ambiente muy familiar.
Encontrarnos con un público muy
entregado nos facilita pasar el trago
40
de un concierto al que llegamos
muy cansados y en el que sufrimos
multitud de problemas técnicos, pero
salimos airosos, la gente agradece
el bolo y acabamos con una de las
mejores cenas que hemos tenido en
la gira, y bebiendo cerveza hasta la
madrugada al calor de una hoguera.
Nada mal.
DÍA 5. BERLÍN
En poco más de media hora nos plan-
tamos en Berlín y por primera vez tene-
mos tiempo para hacer algo de turismo
y empaparnos un poco de todo lo que
tiene esta increíble ciudad.
La sala está bastante céntrica y
también tiene alojamiento propio,
lo que facilita mucho las cosas. La
afluencia de público es bastante no-
table para ser la primera vez que nos
plantamos en Berlín por nuestra cuen-
ta. Ayuda el hecho de que algunos
tenemos familia por allí y de compartir
cartel con Besides, un grupo de post
rock polaco bastante interesante que
nos acompaña en el resto de fechas
por Alemania. La sala resulta ser muy
calurosa, igual que la respuesta de
la gente, lo que nos deja un increíble
sabor de boca.
Acabamos la noche plantándonos
en el concierto de Viva Belgrado, nues-
tros amigos y compañeros de sello,
hasta las tantas, y con la agradable
sensación de que es imposible hacer
más cosas en un solo día en Berlín.
DÍA 6. HAMBURGO
De camino nos enteramos de una
sorpresa que nuestros compañeros
de Aloud nos tenían guardada: “Hoy
tocamos en un barco”. La estampa de
banda de rock en la carretera se trans-
forma en la de niños correteando por
una embarcación.
Una vez dentro es imposible nu-
merar todos los tópicos, los camarotes
donde nos alojamos, el rancho mari-
nero que nos sirven de cena, la sala
que, cómo no, se aloja en la bodega
del barco. La sensación de tocar en
un sitio así es indescriptible y bastante
difícil de repetir.
Esta vez son nuestros amigos de
Viva Belgrado los que sufren todos los
problemas del mundo en su concierto,
pero igualmente sale adelante y termi-
na siendo una noche muy agradable,
con todos bebiendo cerveza en la
cubierta y con algunos conocidos y
españoles que viven en Hamburgo
acompañándonos.
DÍA 7. SIEGEN
La gira empieza a pasar factura física
cuando se cumple la primera sema-
na, y más teniendo en cuenta que la
carga y descarga del barco del día
anterior no era precisamente la más
cómoda del mundo. Pero una vez
más Mau sabe cómo levantarnos el
ánimo y antes de llegar ya vamos
sobre aviso de que vamos a tocar en
un sitio muy especial.
El club Vortex es uno de esos
lugares que te hacen sentir como en
casa desde el primer momento. Phill,
su dueño y promotor, intenta progra-
mar una agenda de conciertos muy
arriesgada en un sitio muy poco pro-
picio sobre el papel para este tipo de
bolos, y que ha creado una parroquia
de gente fija que se mostró muy intere-
sada y que llegaron incluso a pregun-
tarnos personalmente por amigos de
Madrid que han pasado por allí con
sus bandas. Uno de los públicos más
interesados y entregados de toda la
gira nos agradece mucho el show con
su entrega y con su correspondiente
cola en el merch, en un concierto don-
de empieza a fijarse otro patrón de
aquí al final de la gira: empezar muy
cansados pero acabar literalmente
tirando los instrumentos por el suelo
gracias al empuje de la gente.
DÍA 8. LUXEMBURGO
Luxemburgo nos recibe con un día
muy agradable y con una sala de
conciertos genial regentada por des-
cendientes de portugueses emigrados.
Un escenario muy pequeño pero
acogedor y una sala donde podemos
descansar y comer tranquilamente nos
ayuda a compensar los esfuerzos de
días anteriores. A parte del público
normal de la sala encontramos que
se han acercado incluso algunos es-
41

pañoles residentes en Luxemburgo y
termina siendo un concierto ameno y
mucho más cómodo que los anteriores,
a todos los niveles (algo que necesitá-
bamos mucho) principalmente gracias
a la organización impecable de Sacha
Schmitz, batería de Mutiniy On The
Bounty, que se ocupaba de montar el
bolo, prepararnos la cena e incluso de
alojarnos en su increíble casa con su
familia. Un oasis en medio del tour.
DÍA 9. BASILEA
La vuelta a Suiza es una incógnita
para nosotros, y mucho más después
de la gran acogida que tuvimos la
semana anterior. Pero una vez más el
sitio tiene unas condiciones envidia-
bles y mucha historia, pues es un re-
cinto por el que han pasado muchas
bandas muy importantes en las dos
últimas décadas.
Compartimos cartel con Glaston,
combo de uno de los organizadores
del festival de la semana anterior,
el grupo más elegante con el que
hemos compartido cartel estos días y
compañeros ejemplares.
Siguiendo la tónica del anterior
concierto, nos sentimos abrumados
por la respuesta de un público que
llena la sala y que responde de una
42
manera a la que todavía no estamos
acostumbrados. Nos comentan a la
salida que mucha gente se había
quedado fuera de bolo que había-
mos dado en el Bergmal la semana
anterior y muchos habían conducido
una hora para poder vernos, lo que
indudablemente te da muchos áni-
mos, especialmente en este tramo
final donde empezábamos a encon-
trarnos muy cansados y con algún
catarro amenazando a más de un
miembro de la formación.
DÍA 10. ANDORRA
Con poco más de un 3% de batería
después de 13 interminables horas
de furgoneta nos plantamos en Ando-
rra para dar el empujón final.
Un auténtico banquete nos espe-
ra al llegar y nos hace olvidar dolo-
res de riñones, gargantas y espaldas
rotas. La gente está muy expectante y
el sitio parece el indicado para de-
jarse llevar, así que decidimos echar
el resto y el público nos agradece
el esfuerzo. Es el final más loco del
tour y queda incluso grabado para
la posteridad. Tenemos tiempo de
relajarnos y recapacitar sobre todo
lo que ha pasado antes de enfilar el
último descanso de la gira.
Llegar de noche nos había impe-
dido darnos cuenta de la majestuo-
sidad del entorno, algo que compro-
bamos de camino a Barcelona para
pasar por el cuartel general de Aloud
Music para despedirnos y agradecer
a nuestros dos escuderos de lujo,
Mau de Aloud y Anxo de Lar Grava-
cions, todo su esfuerzo durante estos
días y volver a Madrid intentando
asimilar entre los cuatro la experien-
cia increíble que han supuesto estos
diez días por Europa.
MOBY

ANTI
SISTEMA
A SUS 51 AÑOS, MOBY ESTÁ DE VUELTA DE TODO. QUIZÁ POR ESO HA DECIDIDO
DEJAR DE LADO LA ELECTRÓNICA QUE LE ENCUMBRÓ EN LOS 90 Y VOLVER A
LA MÚSICA DE SU ADOLESCENCIA. EN THESE SYSTEMS ARE FAILING LE SACA EL
POLVO A SU GUITARRA ELÉCTRICA Y NOS OFRECE UN DISCO DE ROCK ROBÓTICO
CON DEJES POST PUNK. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR

R
ICHARD MELVILLE
HALL, conocido mundial-
mente con el apodo de
Moby en homenaje a su
antepasado Herman Melville, autor de
Moby Dick, habla y actúa con la tran-
quilidad y lucidez de alguien que no
le debe nada a nadie. Su disco más
célebre, Play, aparecido en 1999,
vendió más de 12 millones de discos
y todos sus temas fueron licenciados
para anuncios, películas y programas
de televisión, proporcionándole incon-
tables ingresos adicionales. En los 20
minutos que hablo con él, me queda
muy claro que tiene la vida resuelta.
Curiosamente, su mayor éxito
llegó después de su mayor fracaso.
Tres años antes de Play había publi-
cado Animal Rights, un disco de rock
alternativo en el que rememoraba
su pasado como guitarrista punk en
Vatican Commandos y que descolocó
a todos los seguidores que había
ganado con su hit ‘Go’ o el disco
Everything Is Wrong que le habían
llevado a ser una de las figuras más
reconocidas dentro de la electrónica.
Por eso ha sorprendido bastante que
su decimotercer álbum These Systems
Are Failing (Little Idiot/Mute/Pias)
sea una especie de secuela de aquel
disco maldito. Posiblemente correrá
su misma (mala) suerte comercial,
pero para alguien que prácticamente
se ha retirado de los escenarios y a
quien no le apetece competir con las
nuevas estrellas del EDM, tiene todo
el sentido del mundo.
La primera vez que te entrevis-
té fue cuando hiciste de telo-
nero de Soundgarden en Bar-
celona en su gira de Down On
The Upside. ¿Qué recuerdas de
aquel periodo?
“Si has leído mi libro de memorias,
Porcelain, sabrás que fue un periodo
muy deprimente. Me gusta mucho ese
disco, Animal Rights, pero no vendió
nada, tuvo unas críticas horribles y
nadie vino a verme durante la gira. En
España, el público de Soundgarden
fue muy educado, pero en otros me
tiraban basura. Además, tenía ataques
de pánico, estaba luchando con mi
alcoholismo, a mi madre le detectaron
un cáncer, así que fue un tiempo muy
oscuro”.
De hecho, en la gira de Animal
Rights también te vi en la sala
Garatge y debía haber cien
personas como mucho. Cuan-
do comparas la crudeza de
una gira así con el hecho de
poder ganar miles de dólares
por una sesión de DJ en una
noche, ¿no te da la sensación
de que hay algo que falla en
este negocio?
“La verdad es que ya no giro. Los
únicos conciertos que hago son bené-
ficos. El único que he hecho para este
nuevo disco fue en el Fonda Theater
de Los Ángeles para recaudar fondos
para una ONG de protección de los
animales. Supongo que podría ganar
bastante dinero haciendo de DJ, pero
prefiero quedarme en casa y ver a mis
amigos, salir de excursión, hacer más
música, escribir libros… El estado del
negocio musical es realmente bizarro.
El otro día fui a ver la Orquesta Filar-
mónica de Los Ángeles interpretando
Beethoven y Chopin, y me puse a
pensar que un violoncelista virtuoso,
con años de estudio detrás, gana en
un año lo mismo que un DJ holandés
de 18 años en una hora. Es muy ex-
traño. Pero si miramos otros aspectos
de nuestra sociedad, pasa lo mismo.
Un jugador de la NBA puede ganar
lo mismo que todos los profesores
de la escuela pública de una ciudad
juntos. Casi puedes decir que cuanto
menos importante es el trabajo de
alguien, más dinero se gana. Y eso
no es bueno”.
¿Lo ves como la demostración
de que el sistema ya ha falla-
do, como apuntas en el título
del nuevo disco?
“Lo veo como una indicación de que
los humanos no están preparados para
vivir en el siglo XXI. Nuestros cerebros
evolucionaron durante miles de años
en un entorno no tecnológico. En el
fondo, seguimos siendo cavernícolas.
Seguimos comiendo tanto como pode-
mos y luchando tanto como podemos
porque es lo que hacíamos hace
50.000 años. El mundo ha cambiado
muchísimo. El subtexto de este álbum
es mirar la antropología detrás de las
decisiones que estamos tomando como
especie. Como especie tenemos que

45
 “SI ALGÚN DÍA ME
VES HACIENDO UNA
RESIDENCIA EN IBIZA
SERÁ PORQUE QUIERO
COMPRARME UNA
CASA NUEVA Y UN
JET PRIVADO (RISAS)”
MOBY
madurar. Tenemos que empezar a ac-
tuar como adultos racionales, no como
niños pequeños petulantes. Las eleccio-
nes en Estados Unidos son un ejemplo
de eso. Hillary es un adulto y Trump es
un niño malcriado”.
¿Y no crees que también es
una cuestión generacional? Tú
tienes 51 años y quizá el mun-
do te parezca más complejo,
pero para alguien que nazca
ahora, éste será su entorno
natural.
“Puede que tengas razón. Mi mayor
preocupación es que las decisiones
que tomamos ahora tendrán un gran
impacto en el medio ambiente. No
tenemos el lujo de poder equivocarnos.
El que haya 7 billones de personas
en el mundo usando petróleo, carbón,
antibióticos, comiendo carne, significa
que el efecto acumulativo hará que los
niños de hoy no tengan un planeta en
el que vivir”.
¿Es These Systems Are Failing
un homenaje a la música con
la que creciste?
46
“Sí. El sonido del disco estuvo total-
mente inspirado en la música con la
que crecí, ya fuera Devo o The Clash,
Killing Joke… música muy entusiasta
que no pide perdón por ello. Pero lo
que me llevó a esto fue la siguiente re-
flexión: soy un músico de 51 años que
no gira, así que ¿para qué hacer un
disco en 2016? Claramente nadie va
a comprar este álbum y no voy a ven-
der tickets, porque no voy a girar, así
que me el motivo para hacer un nuevo
disco obedece a dos motivos. El pri-
mero es que me gustar trabajar en mi
estudio, y el segundo, porque gracias
a publicar un álbum puedo mantener
conversaciones como ésta y hablar de
cosas que me interesan como la políti-
ca, la antropología, la música…”.
También hay algún tema con
dejes de Bowie. Cuando vivías
en Nueva York llegaste a ha-
certe amigo suyo. ¿Es la rela-
ción más significativa que has
tenido con otro músico?
“Sí. Era muy extraño porque Bowie era
mi músico favorito de todos los tiem-
pos. Creo que es el músico favorito
de todo el mundo. Te pueden gustar
los Beatles, los Stones o Led Zeppelin,
pero a Bowie le amas. Era casi como
un dios. Bowie se mudó a la casa de
enfrente donde yo vivía y nos hicimos
amigos, hacíamos barbacoas, nos
saludábamos desde el balcón, pasa-
mos las Navidades juntos. Pero ni por
un segundo podía olvidar que era mi
músico favorito. Era como ser amigo
de un semidios”.
¿Te afectó escribir tus memo-
rias a la hora de componer?
“Escribiendo Porcelain me di cuenta de
lo mucho que me preocupaba por la
gente, por mi carrera, por mis discos
y la cantidad de energía que había
malgastado en ello. En este punto de
mi vida he escogido no preocuparme.
Es muy liberador crear algo y no pre-
ocuparse por lo que ocurre una vez lo
has publicado. Es uno de los grandes
lujos que tengo. Es un lujo poder sacar
un trabajo y que si no vende nada, no
me importe”.
¿Pero has llegado a este punto
porque ya tienes la vida eco-

nómicamente resuelta gracias
al gran éxito de Play o por
simple madurez?
“Supongo que un poco por las dos co-
sas. Llevo una vida muy sencilla. Vivo
en una casa normal en Los Ángeles,
no tengo aficiones extravagantes como
coleccionar aviones o yates, así que
tengo suficiente para vivir y para poder
crear sin tener que pedirle dinero a
nadie. Si decidiera tener una casa de
15 habitaciones en Malibú y un avión
privado, y sólo llevar ropa de grandes
diseñadores, entonces tendría que
empezar a hacer compromisos y hacer
música comercial. Si algún día me ves
haciendo una residencia en una gran
discoteca de Ibiza será porque quiero
comprarme una casa nueva y un jet
privado (risas)”.
¿Es muy distinto hacer un ál-
bum como éste a uno de elec-
trónica pura?
“Yo voy a mi estudio, enciendo mi
equipo y al final no importa si hago
música clásica, electrónica, folk o
un disco de rock como éste, porque
siempre estoy yo solo. Así que soy la
misma persona, en el mismo estudio,
con el mismo equipo, pero el resultado
puede ser muy distinto. Creativamente,
el proceso es prácticamente idéntico.
En el disco anterior trabajé con un
productor, Mark Stent, pero la realidad
es que me gusta ir a mi ritmo y poder
trabajar tarde por la noche o temprano
por la mañana sin depender de nadie.
Me gusta este aspecto monástico de
crear yo solo”.
El disco viene firmado como
Moby & The Void Pacific
Choir. ¿Realmente existe ese
grupo o es producto de tu
imaginación?
MOBY
“Es una historia curiosa. Hace dos
años empecé un proyecto paralelo con
un coro al que llamé The Void Pacific
Choir. Hice un álbum entero en torno a
esas voces, pero cuando lo terminé me
di cuenta de que no era muy bueno.
Así que nunca lo publiqué, pero me
gustaba mucho el nombre The Void
Pacific Choir y decidí usarlo para este
nuevo disco, aunque no haya ningún
coro. Me pareció una manera diverti-
da e interesante de presentarlo con ese
nombre, porque como te decía, tam-
poco iba a significar nada en términos
comerciales”.
En una entrevista con Larry
King dijiste que el secreto del
éxito de la música de baile era
el consumo de drogas. ¿En al-
gún momento has sentido que
la música que hacías era sim-
plemente un vehículo para que
la gente se colocara?
“Es difícil de decir. Claramente hay
mucha gente que escucha música
electrónica y no toma drogas. Pero si
vas a una rave o a un gran club, la
mayoría de la gente altera su química
con drogas o alcohol. Pero yo no
puedo juzgarlo, porque aunque ahora
no consuma drogas, en el pasado he
tomado muchas. Para alguna gente
tomar drogas es muy peligroso, pero
otra puede hacerlo y no tener ningún
problema. No puedo generalizar. Yo
he actuado ante 50.000 personas y
sabía que todas iban colocadas, y a
veces era genial y otras era horrible.
Sólo espero que la gente que toma
drogas tenga mucho cuidado”.
Para terminar te quería pre-
guntar por uno de los puntos
más llamativos de tu carrera,
y es que llegaste a trabajar
como productor durante la
grabación de Chinese Demo-
cracy de Guns N’ Roses. ¿Qué
te pareció el disco una vez se
publicó finalmente? Si es que
lo llegaste a escuchar…
“Sí, lo escuché, y no creo que fuera un
mal disco. Creo que estuve trabajando
con Axl en el 97, quizá el 98, recuer-
do decirle que lo que tenía que hacer
era olvidarse de la electrónica, juntar
a un pequeño grupo en un estudio
pequeño de Nueva York y grabar un
álbum de la manera que hizo Appe-
tite For Destruction. Deshacerse de su
asistente, olvidarse de sus chefs, de
su limusina y todo eso. Creo que si
me hubiera hecho caso, habrían he-
cho un disco genial. Me decepcionó
que no lo hicieran”.
47
 INTELIGENCI A
AVENGED SEVENFOLD

PARA LOS FANS DE AVENGED SEVENFOLD, ESTE AÑO LAS NAVIDADES LLEGARON
ANTICIPADAMENTE. EL PASADO 28 DE OCTUBRE EL GRUPO CALIFORNIANO
LANZABA SIN PREVIO AVISO THE STAGE, SU SÉPTIMO ÁLBUM, DESTAPANDO UNO
DE LOS SECRETOS MEJOR GUARDADOS DEL ROCK. UN MOVIMIENTO AUDAZ Y
ATREVIDO POR PARTE DE UNA BANDA QUE AMARÁS U ODIARÁS, PERO QUE SIGUE
SIN DEJAR INDIFERENTE. TEXTO: JORGE FRETES FOTOS: DR
A RTIFICI AL
A
AVENGED SEVENFOLD les gusta hacer
las cosas a lo grande. Así que, para anun-
ciar la salida de su nuevo álbum, no se les
ocurrió nada mejor que ofrecer un concier-
to en el tejado del icónico edificio en Los Ángeles de
su nueva discográfica, Capitol Records, y retransmitirlo
en directo a todo el mundo vía streaming mediante un
programa de realidad virtual. Aunque se sabía que el
grupo estaba trabajando en el estudio, y ellos mismos
habían filtrado a través de su amigo, el campeón de
wrestling y vocalista de Fozzy, Chris Jericho, una fecha
falsa de lanzamiento con el fin de despistar a su anti-
guo sello Warner Records, con quien andan en pleno
litigio, nadie tenía ni idea de que al día siguiente The
Stage ya estaría en las tiendas. En los últimos tiempos
han sido varios los artistas que han publicado discos
sorpresa, desde Radiohead a Beyoncé, pero nunca
antes un grupo había conseguido coordinar un lanza-
miento digital y físico simultáneamente.
Desde que empezaran en 1999 como una ban-
da más de la escena metalcore de Orange County,
Avenged Sevenfold siempre han demostrado tener una
ambición mucho mayor que sus compañeros de ge-
neración. Mientras otros grupos querían ser los reyes
del Warped Tour, ellos aspiraban
a ocupar el puesto de Metallica o
Guns N’ Roses. Sus primeros discos
ya reflejaban esa ambición, aunque
el grupo todavía no dispusiera de
los medios para llevar a término
todas las ideas que James ‘The Rev’
Sullivan, su batería y principal com-
positor, tenía en la cabeza. Con él
vivieron su ascenso con su segundo
álbum Waking The Fallen, su salto
a una multinacional con City Of Evil
y su proyección internacional con
el disco homónimo de 2007. Por
desgracia, The Rev no llegaría a ver
su consagración con su quinto tra-
bajo y primer número 1 en Estados
Unidos, Nightmare. Pese a que el
grupo tiró adelante con la inestima-
ble ayuda de Mike Portnoy ocupan-
do su lugar, a la hora de grabar
su siguiente disco su vacío se dejó
notar. Hail To The King, pese a con-
tar con algunas buenas canciones,
carecía de imaginación y planteó
serias dudas sobre si, con la muerte
de su compañero, la banda había
perdido su ambición artística.
Tres años después, The Stage es
su contundente respuesta. Si a menu-
do sus críticos ven en Avenged Sev-
enfold un grupo demasiado comer-
cial, dudo que nadie pueda calificar
como tal su nuevo trabajo. Estamos progresiva. Veremos cómo encaja el The Stage ha sorprendido a
ante un disco medio conceptual cuyas público actual, acostumbrado a la todo el mundo, no sólo porque
largas canciones tratan sobre los inte- gratificación instantánea, un trabajo lo habéis sacado sin promo-
rrogantes que plantea la inteligencia que necesita de bastantes escuchas ción o anuncio previo, sino
artificial y el origen del universo, y que antes de poder ser disfrutado de ver- porque suena muy diferente al
cuenta con un monólogo del cosmólo- dad, pero por el momento Avenged material habitual de Avenged
go Neil deGrasse Tyson en la épica fi- Sevenfold han ganado la batalla más Sevenfold. Tú has estado en la
nal de ‘Exist’. En él, M. Shadows (voz), importante: la que tenían con ellos formación desde el principio
Zacky Vengeance (guitarra), Synyster mismos. Tres semanas después del sor- con ese primer Sounding The
Gates (guitarra), Johnny Christ (bajo) y prendente lanzamiento, entablábamos Seventh Trumpet de 2001, y
su nuevo batería Brooks Wackerman conexión con uno de sus miembros has asistido a todas las muta-
han dado rienda suelta a su vena más fundadores, Zacky Vengeance. ciones sonoras de la banda.

50
 estaríamos satisfechos haciendo el
mismo disco una y otra vez. Siempre
quisimos superar los límites”.

The Stage es el primer álbum

que lanzáis con vuestra nue-
va discográfica, Capitol
Records. Se dice que habéis
aceptado menos dinero por
el contrato a cambio de tener
más libertad creativa y po-
der mostrar vuestro punto de
vista, vuestra visión artística.
¿Crees que muchos artistas
hoy día carecen de ese amor
propio o de esa integridad
para hacer lo mismo?
“Por todo lo que he visto te puedo
decir que muchas bandas se han
olvidado de qué va esto de la músi-
ca. Durante mucho tiempo han teni-
do a otras personas susurrándoles al
“CREO QUE LO PEOR QUE PUEDE oído eso de ‘tienes que hacer can-
HACER UNA BANDA ES ECHAR EL ciones de 3 minutos y medio o nadie
las pondrá en la radio’, o también
FRENO Y DECIR ‘ESTA CANCIÓN
aquello de ‘no tienes que gastar tan-
ES DEMASIADO LARGA’. SI VAS A to esfuerzo y tiempo en un videoclip
SEGUIR ESE CAMINO, LO MEJOR ES ya que nadie lo va a ver, ya no hay
QUE TE CONVIERTAS EN ARTISTA DE MTV’. Eso ha llevado, por ejemplo,
POP (RISAS)” ZACKY VENGEANCE a que los grupos hoy en día ya no
se preocupen por hacer vídeos de
calidad. Los grupos tienen miedo a
decir lo que quieren. Especialmente
¿Ya pensabas entonces que el por ejemplo hacer canciones largas y en la música rock, se ha vuelto todo
grupo podría evolucionar en aventureras o canciones más suaves bastante triste. Muchas ni siquiera se
esta dirección? que lleguen al alma de la gente. Lo dan cuenta de que lo están haciendo,
ZACKY VENGEANCE “Totalmente. queremos todo: canciones rápidas, pero yo sí me doy cuenta de lo que
Desde que formamos el grupo nuestro agresivas, pero también canciones ocurre. Por eso queremos ser la banda
primer objetivo fue distanciarnos y dife- tristes... Ya lo teníamos en nosotros en que le haga recordar a los músicos
renciarnos de las demás bandas. Hay el primer disco, y todavía éramos ado- que pueden hacer lo que quieran, que
muchísimas bandas increíbles que ha- lescentes, en canciones como ‘Warm- pueden hacer canciones largas sin
cen música que amamos, y somos fans ness On The Soul’. Teníamos 16 años importarles su duración, que pueden
suyos, pero no queremos copiar lo que e intentábamos gritar como las bandas cantar sobre lo que les dé la gana,
hacen. Queremos hacer algo en lo noruegas de black metal, esas cosas que no tengan miedo de hacer un vi-
que nosotros seamos buenos, como (risas). Ya entonces sabíamos que no deoclip sensacional que amarán sólo

51
 “PERDER A THE REV FUE LO MÁS DIFÍCIL QUE HEMOS TENIDO
QUE SOPORTAR COMO GRUPO, PORQUE ADEMÁS DE SER UN
MÚSICO EXCELENTE, ERA NUESTRO MEJOR AMIGO. NO HABÍA
MANERA POSIBLE DE REEMPLAZARLO” ZACKY VENGEANCE

porque podría cabrear a ciertas perso-
nas o porque MTV no lo vaya a poner
en su parrilla. Los fans estarán allí y lo
verán, lo compartirán entre ellos mis-
mos y lo verán en YouTube. Lo que
importa es que los fans amen lo que
hacemos, no me importa si una emiso-
ra de radio nos quiere o si a un sello
discográfico le encanta. Eso es lo que
quiero que las otras formaciones re-
cuerden, que lo importante es hacer
felices a los fans. Por eso con este dis-
co era muy importante hacer y grabar
exactamente lo que queríamos”.
Estas semanas se ha hablado
mucho de la banda, pero a lo
mejor por los motivos equivo-
cados. Las noticias se centra-
ban en las ventas de The Stage
y de cómo ha sido el disco que
menos se ha vendido del catá-
logo de Avenged Sevenfold en
los últimos diez años, entran-
do ‘solamente’ en el número 4
de las listas Billboard. ¿Te mo-
lesta que se le preste tanta
atención a este tema?
“Para serte sincero, ha sido bastante
molesto, porque lo que queríamos ha-
cer era tomar un gran riesgo y hacer lo
mejor para Avenged Sevenfold. Cuan-
do te encuentras a gente a la que sólo
le interesa hablar de un número de
ventas, te preguntas: ‘¿Quiénes son?
¿De qué lado están?’. Yo personalmen-
te quiero que a las bandas les vaya
bien, que los grupos de heavy metal y
hard rock triunfen, quiero que hagan
felices a sus fans y rompan sus límites.
Si te fijas en el rock y el hard rock de
finales de los 70 o en el metal de los
80, te darás cuenta de que las bandas
hacían cosas muy arriesgadas, con
muchas pelotas, y la gente lo aplau-
día. Era algo enorme, y esas bandas
siguen existiendo a día de hoy... Iron
Maiden aún pueden llenar estadios.
Hoy en día es todo diferente, si una
banda intenta ser ambiciosa, si intenta
grabar un buen videoclip o hacer un
lanzamiento sorpresivo para los fans,
no se valora. No grabamos The Stage
pensando en las cifras de ventas. Por
supuesto que es bueno tener un disco
en el número 1, pero quizás sólo por
el lado divertido de poder chulear y
decir ‘tenemos un número 1’. Pero yo
pienso en ese fan que ahorra hasta el
último céntimo para ir a la tienda, com-
prarse el disco, aprenderse todas las
letras y notas... Eso es lo que busca-
mos. No quiero que me vean como un
número, no quiero que sólo sea
‘Avenged Sevenfold han acabado
cuartos en la lista’, ‘Avenged Sevenfold

52

sólo han vendido tantas copias’. ¿A
quién le importa? Me importa más la
gente que dice ‘Avenged Sevenfold
han hecho algo diferente’, ‘Avenged
Sevenfold han compuesto un disco
increíble’ o ‘Avenged Sevenfold dieron
un gran concierto’. Imagino que mu-
chos medios sólo buscan el click rápi-
do y fácil, e intentan echarnos abajo
en este momento tan emocionante y
lleno de cambios para nosotros. Creo
que ha sido un golpe bajo de muchos
medios de rock y metal, mas conside-
rando que todavía llenamos nuestros
conciertos en todo el mundo”.
Hablemos de la duración de
las canciones. Si tomamos los
tres primeros temas del disco
ya tenemos 20 minutos de
música. El primer single, ‘The
Stage’, dura unos 8 minutos,
algo raro en el mundo main-
stream... ¿Fue algo hecho con
premeditación a modo de
protesta?
“Nos salió de esa manera, todo natu-
ral. Empezamos a escribir riffs y melo-
días que combinaban bien. Todo
fluyó de manera orgánica y los temas
pedían más tiempo, sin sentir que nos
estaban arrastrando hacia un sitio
concreto. Cuando eso ocurre, como
artista tienes que dejarte llevar. Si
estás contento con las canciones, si
van en la dirección que quieres, da
igual si son canciones largas. Si te
sientes feliz con ellas y crees que a
los fans les gustará, entonces es que
estás haciendo lo correcto. Creo que
lo peor que puede hacer una banda
es echar el freno y decir ‘esta canción
es demasiado larga’, porque ¿para
quién es larga? ¿Para la radio? ¿Para
el sello? Si vas a seguir ese camino,
lo mejor es que te conviertas en artis-
ta de pop (risas)”.
El álbum se cierra con la can-
ción ‘Exist’, que podría pasar
por un tema instrumental has-
ta el minuto 7, que es cuando
empiezan las voces. El tema en
total dura unos 15 minutos, el
más largo de vuestra carrera.
¿Se os fue de las manos?
“En realidad esa canción sí fue de las
primeras que planeamos que fuera así
de larga. Queríamos que fuese algo
ambicioso, queríamos darle a los fans
nuestra interpretación del universo des-
de el principio, desde el Big Bang,
cuando los planetas y las estrellas se
formaron... Queríamos ser así de caó-
ticos, con un sonido pesado, agresivo.
Luego viene la parte tranquila donde
el universo se pone en calma y llega-
mos a esta roca que es el planeta
Tierra, y donde se puede habitar. Y en
la parte final queríamos tener un recita-
do de Neil deGrasse Tyson para en-
viar un mensaje a la gente, un discur-
so motivador para ser mejores perso-
nas. Tenemos que aprender sobre no-
sotros mismos y formar un futuro, no
simplemente ser otra especie que se
extingue por su arrogancia. Quería-
mos hacer una canción larga, y defini-
tivamente lo fue (risas)”.
También encontramos una
canción lenta, ‘Roman Sky’,
con mucho sentimiento. Ya es
habitual en los discos de
Avenged Sevenfold tener al-
gún medio tiempo entre tanta
velocidad o agresividad...
¿Crees que sin un tema así un
disco se quedaría algo cojo?
¿Es necesario para dar un
poco de espacio y aire?
“En este punto de nuestra carrera sí
creo que es indispensable, porque de
la misma manera que nos gustan las
canciones rápidas y agresivas, cancio-
nes de metal con elementos de punk
rock o de hard rock, también nos gus-
tan canciones que te hacen sentir de
una manera especial. Temas con her-
mosos arreglos de cuerda, canciones
con letras y melodías que te lleguen al
corazón. Creo que esa dinámica es lo
que hace que nuestra banda sea espe-
cial. Hay bandas que funcionan de
otra manera, como por ejemplo Slayer.
Ellos tocan thrash y es lo que les funcio-
na, es lo que se espera de ellos. Pero
de nosotros se espera que llevemos a
los fans a un viaje, a una aventura. Se
espera que les hagamos sentir de cier-
ta manera, ya sea feliz, cabreado,
triste, curioso o aventurero... para ello
53
necesitas un buen equilibrio de melo-
días y ritmos. Seguiremos haciendo
temas así en cada disco”.
En este álbum debuta Brooks
Wackerman, hasta hace poco
batería de Bad Religion, quien
se ha convertido en nuevo
miembro de Avenged Seven-
fold. Desde la muerte de The
Rev habéis tenido problemas
para encontrar a alguien que
se convierta en parte de la fa-
milia y ya han pasado por los
parches Mike Portnoy y Arin
Ilejay. ¿Cuesta tanto encontrar
a alguien que encaje al 100%
con vosotros?
“El tema del batería ha sido un traba-
jo complicado, al menos hasta ahora.
Perder a The Rev fue lo más difícil que
hemos tenido que soportar como gru-
po, porque además de ser un músico
excelente, era nuestro mejor amigo.
No había manera posible de reem-
plazarlo. Pero vino Mike Portnoy, que
era uno de los músicos más respeta-
dos por The Rev y que obviamente
tiene fama mundial, y nos ayudó
cuando estábamos desesperados in-
tentando terminar el disco. Estábamos
desesperados por sacarlo porque era
lo último en lo que habíamos trabaja-
do con The Rev y significaba mucho
para nosotros. Mike nos ayudó a vol-
ver a levantarnos, fue un tiempo difícil
y muy emocional porque ni siquiera
sabíamos si íbamos a continuar como
grupo. Nos ayudó a encarrilarnos y
siempre le estaremos agradecidos. Lo
que ocurrió después es que sabíamos
que no era una solución permanente.
Queríamos darle la oportunidad a
alguien nuevo, Mike ya estaba esta-
blecido y tenía todo el trabajo hecho
54
en su carrera musical, así que quisi-
mos darle una oportunidad única a
alguien que todavía lo tuviera todo
por hacer en la música. Nos recomen-
daron a Arin Ilejay, que es un batería
increíble y se vino de gira con noso-
tros durante unos años... Le amamos
como persona y como músico, pero
llegó un momento en el queríamos
empezar a componer canciones del
calibre al cual estábamos acostumbra-
dos y él no nos lo ofrecía. Fue allí
cuando hablamos con Brooks, éramos
fans de su trabajo y tenía el estilo que
necesitábamos. Tiene una manera de
tocar similar a la de The Rev, y eso
sólo se consigue criándose con lo que
nos hemos criado nosotros, tocando
en bandas como Bad Religion, Sui-
cidal Tendencies o Infectious Grooves.
Sabíamos que tenía mucho más talen-
to del que estaba mostrando en su
banda actual, así que le invitamos a
ensayar con nosotros y nos demostró
que estábamos en lo correcto. Sus
habilidades son increíbles y nos inspi-
ró a sobrepasar nuestros límites en el
tema compositivo”.
Antes hablabas de la impor-
tancia de los videoclips, y la
verdad es que ‘The Stage’ tie-
ne uno bastante bueno a la
par que polémico. En él os
metéis con el tema de la polí-
tica mundial y en Estados Uni-
dos. Las cosas están bastante
revueltas con la elección de
Donald Trump como presiden-
te... Estos cambios agresivos
de política dieron paso a una
gran corriente artística en la
música en el pasado, sólo
hace falta mirar la elección de
Reagan y el movimiento
punk. ¿Crees que se puede
sacar algo positivo de la elec-
ción de Trump?
“Son momentos preocupantes para los
americanos y para el mundo entero,
porque en realidad no se sabe mucho
de Donald Trump más allá de las bar-
baridades que ha dicho o lo que dice
la prensa de él. El tema está en que
tampoco nadie quería votar a Hillary
Clinton y eso puso a muchas personas
en un aprieto a la hora de elegir.
Nuestro trabajo sigue siendo, sin im-
portar quién sea el presidente, ser
buenos los unos con los otros, tener a
los demás en cuenta y predicar con el
ejemplo. No creo que nadie en Esta-
dos Unidos esté encantado con la
decisión que se ha tomado, pero de-
bemos mirar atrás y ver qué nos ha
traído hasta aquí. Tenemos que saber
que podemos ser representados no
sólo por gente que se merezca nues-
tra confianza, sino por gente que res-
petamos y que puede hacer el mundo
un lugar mejor para nuestros hijos.
Sólo le puedo desear lo mejor, porque
él es el piloto de este avión y todos
nosotros somos los pasajeros. Sólo le
puedes desear cosas buenas, porque
no queremos que estrelle el avión con
todos nosotros dentro (risas)”.
Se ha hablado mucho de la
próxima gira y de que que-
ríais hacer algo realmente ori-
ginal. No estoy seguro de qué
vais a incluir en este nuevo
tour, pero ¿crees que todavía
se puede sorprender al públi-
co con algo nuevo en un
show?
“Creo que sí. Lo que vamos a hacer
a principios de 2017 en nuestra gira
europea es algo que no se ha hecho
 “RECOMIENDO A TODO EL MUNDO QUE VAYA A VER NUESTRA
PRÓXIMA GIRA, PORQUE VAN A FLIPAR” ZACKY VENGEANCE
nunca por parte de una banda de
rock o de metal. No es sólo poner
una gran producción y hacer explotar
cosas, porque eso ya lo hicimos en la
gira de Hail To The King con mucho
fuego de por medio, y fue genial,
pero esta vez será algo tan sorpren-
dente como el lanzamiento del disco.
Creo firmemente que hay cosas que
los artistas pueden hacer y que toda-
vía no se han hecho encima de un
escenario. ¡Ése es nuestro trabajo! ¡Es
lo que tenemos que hacer! Porque si
repites lo mismo una y otra vez, vas
perdiendo ese título de artista. Los
mejores artistas de la historia son
aquéllos que han aparecido con co-
sas nuevas cuando los demás no te-
nían nada nuevo que decir. Reco-
miendo a todo el mundo que vaya a
ver nuestra próxima gira, porque van
a flipar”.
Esta gira europea con Dis-
turbed e In Flames llegará a
principios de 2017, ¿pero es-
táis pensando también en los
festivales de verano? Y si fue-
se así, ¿vais a traer la misma
producción?
“Ahora mismo todavía estamos pla-
neando todo lo que será nuestro
2017, aunque no tenemos todas las
cosas al 100% confirmadas. No te
puedo asegurar que volvamos en ve-
rano, o si será antes o después, pero
volveremos a Europa en 2017. Iremos
a todos los sitios donde no hayamos
ido con la primera gira, y daremos
el mejor show posible para nuestros
fans. Eso quiere decir que todos los
conciertos serán con la producción
completa”.
Ya para terminar, si tu yo ac-
tual le pudiera dar un consejo
al Zacky Vengeance de 15
años que estaba empezando
con Avenged Sevenfold, ¿cuál
le darías?
“Me diría a mí mismo que no tarde
tanto en portarme mejor con los de-
más. He ido aprendiendo a medida
que me he hecho mayor. Cuando
Jimmy falleció hice una retrospectiva
sobre cuando Avenged Sevenfold em-
pezamos a despuntar, cuando empe-
zamos a tener algo de éxito. Todavía
era una persona muy joven, todavía
estaba muy cabreado con el mundo y
sentía que tenía algo que demostrar.
Empecé a pensar en todas las per-
sonas a las que traté mal, a quienes
lastimé o hice sentir mal, y quería
deshacerlo todo. Nunca sabes por
lo que alguien está pasando, yo tuve
que lidiar con la muerte de mi mejor
amigo y fue algo muy doloroso. Por
eso, cuando te estás portando como
un idiota con alguien, piensa que
esa persona puede estar pasando el
peor día de su vida. Debemos intentar
llevarnos bien y tratarnos bien. Todos
merecemos el mismo respeto”.
55
SICK OF IT ALL

vidas
ejemplares
SICK OF IT ALL ESTÁN DE ANIVERSARIO. ESTE AÑO HAN CUMPLIDO 30 AÑOS
DE CARRERA Y LO CELEBRAN CON WHEN THE SMOKE CLEARS, UN LIBRO
CONMEMORATIVO QUE VIENE ACOMPAÑADO DE UN EP CON CINCO TEMAS
NUEVOS. UNA EXCUSA PERFECTA PARA VOLVER A CHARLAR CON ELLOS Y
FELICITARLES POR TODAS LAS ALEGRÍAS QUE NOS HAN DADO. TEXTO: DAVID GARCELL FOTOS: DR
H
AY BANDAS QUE,
aunque no mucha gente
citaría entre sus cinco favori-
tas, se han ganado el res-
peto de todo el mundo. Sick Of It All
entrarían en esa categoría. Los más
veteranos quizá les descubrieran con
su debut Blood, Sweat And No Tears o
Just Look Around, otros puede que lo
hicieran a través de la MTV cuando
programaban el vídeo de ‘Scratch The
Surface’ a mediados de los 90, o qui-
zá con discos más recientes como
Based On A True Story o The Last Act
Of Defiance, o incluso a través del
disco tributo Our Impact Will Be Felt
con versiones a cargo de Rise Against,
Pennywise o Hatebreed, pero cualquie-
ra que haya tenido un mínimo interés
en el punk y el hardcore les conoce y
habrá comprobado la increíble máqui-
na que son en directo en alguna de sus
múltiples visitas a nuestro país. Podría
decirse que ya forman parte del paisa-
je, pero como las cosas importantes en
la vida, no hay que darlas por hechas,
y hay que valorarlas mientras existan.
De hecho, ni que sea de manera invo-
luntaria, también tenemos que agrade-
cerles que gracias a ellos tengamos
hoy en día el Resurrection Fest. Fue el
empeño de su director Iván Méndez
por llevarlos a tocar a Viveiro lo que
dio origen al festival hace diez años.
La buena noticia es que a pesar de su
larga trayectoria, Lou Koller (voz), su
hermano Pete (guitarra), Craig Setari
(bajo) y Armand Majidi (batería) no
tienen pinta de querer aflojar la mar-
cha y ya están pensando en su próxi-
mo álbum. ¡A por 30 más!
Muchas felicidades por vues-
tros 30 años, Pete. Para cele-
brarlo habéis publicado When
The Smoke Clears, un libro con
un EP de cinco canciones. ¿De
quién fue la idea de hacerlo?
PETE KOLLER “Mi hermano Lou y yo
queríamos hacer algo diferente y diver-
tido, y se nos ocurrió eso. En un princi-
pio sólo íbamos a sacar el libro, pero
luego pensamos en que estaría bien
ofrecer algo de música también. Yo
tenía tres canciones y Armand tenía un
par, así que como no teníamos suficien-
te material para un álbum nuevo, deci-
dimos dejarlo en un EP”.
En el libro encontramos escri-
tos de músicos como Davey
Havok de AFI, Chuck Ragan de
Hot Water Music o Matt Kelly
de Dropkick Murphys. ¿Son
vuestros mejores amigos den-
tro de la escena?
“Todos los que participan son amigos,
sí. Cuesta un poco pedir este tipo de
favores en plan ‘¿Te gustaría decir algo
bonito sobre nosotros?’ (Risas), pero
todo el mundo respondió muy bien. Al
final sólo utilizamos los textos que eran
suficientemente largos como para que
llenaran una página del libro. Lars (Fre-
deriksen) de Rancid y Tom Araya de
Slayer también escribieron unas líneas,
pero cuando estábamos maquetando
el libro no logramos encajarlo de nin-
guna forma y quedaron fuera. Fue una
pena, pero les estamos muy agradeci-
dos igualmente”.
¿Te sirvió hacer el libro para
reflexionar sobre todo lo que
habéis conseguido?
“La verdad es que con este grupo nun-
ca paramos. Nunca nos hemos dormi-
do en los laureles, simplemente vamos
avanzando. Sabemos que es un gran
logro haber durado tanto, pero segui-
mos pensando en el futuro. Ya estamos
cerrando conciertos hasta finales de
2017 y también estamos componien-
do para el próximo álbum. El tren sigue
avanzando (risas)”.
Lo cierto es que hay grupos
que llegan a los 30 años, pero
entremedio o se han separado
o se han tomado largos des-
cansos. Vosotros nunca habéis
parado.
“Sí, así es. La banda es nuestra pa-
sión, pero también nuestro trabajo.
Todos tenemos familia, casas que hay
que pagar... así que tenemos que se-
guir pagando facturas (risas). Es un
gran trabajo, naturalmente, pero hay
que hacerlo”.
Permíteme viajar al pasado.
¿Cuál fue el primer disco o
grupo que viste que te animó
a coger una guitarra y empe-
zar a hacer música?
“A mi familia siempre le ha gustado la
música. Mi padre siempre escuchaba
música en el coche, mis hermanos ma-
yores siempre traían discos de Black
Sabbath o Rush, y entonces Lou y yo
empezamos a encontrar nuestros pro-
pios grupos, sobre todo de punk y de
heavy metal como Venom o Sodom.
Empezamos a decantarnos por la línea
dura (risas). Y entonces descubrimos
que aquí, en Nueva York, teníamos
nuestra propia escena y empezamos a
ir a conciertos. Veíamos a los tíos de
Agnostic Front entre el público o en el
pit y de golpe se subían al escenario y
eran la banda principal. Pensamos que
era genial y nos dijimos ‘si ellos pue-
den tocar, nosotros también’ (Risas). Y
así empezó todo. De pequeños había-
mos ido a conciertos en arenas, pero
57

fue meternos en la escena local lo que
realmente nos animó a probarlo”.
¿Te costó aprender a tocar la
guitarra o tenías un talento
natural?
“Bueno, no me considero un guitarrista
técnico para nada. Los músicos del
grupo son Armand y Craig. Ellos sí
tienen un talento natural. Yo soy un
aprendiz (risas). Para mí la guitarra es
simplemente un vehículo para expresar-
me. Me cuesta más que a los demás.
Cuando Armand trae una canción
nueva, necesito sentarme y estudiar sus
manos para saber cómo tocarla. Por
eso siempre intento escribir yo mismo
el máximo de canciones, para no tener
que aprenderlas (risas)”.
¿Cómo encontrasteis a Ar-
mand y a Rich Cipriano, vues-
tro bajista original, para for-
mar el grupo?
“En el instituto no había demasiada
58
gente a la que le gustara Motörhead,
GBH o The Exploited, así que tendía-
mos a juntarnos. Armand iba al mismo
instituto que Lou y yo, y la primera vez
que le vimos tenía el logo de Venom
pintado en su chaqueta, así que em-
pezamos a hablar con él. Y luego
Richy vivía en nuestro barrio y a él y
sus amigos también les gustaba esta
música. De hecho, a Craig también le
conocíamos del barrio. Siempre nos
veíamos todos en los conciertos y
luego cogíamos el mismo tren para
volver de la ciudad a Queens, así
que todos éramos amigos”.
Armand dejó el grupo entre
1989 y 1992. ¿Qué pasó?
“Bueeeeno, no tocaba en el grupo,
pero cuando íbamos de gira seguía
viniendo con nosotros (risas). Básica-
mente lo que pasó es que empezó a
pensar que quizá tenía que buscarse
un trabajo de verdad. Es lo que quie-
ren tus padres y lo que parece lo más
“MIS HERMANOS MAYORES
TIENEN TRABAJOS ESTABLES,
PERO TIENEN PROBLEMAS
PARA PAGAR LA HIPOTECA.
SIEMPRE ME DICEN
‘PETE, TIENES EL MEJOR
TRABAJO DEL MUNDO.
NO LO DEJES NUNCA’”
PETE KOLLER
natural de hacer. Nadie se mete en un
grupo de hardcore y piensa en vivir de
ello. Pero luego se puso a trabajar en
una empresa unos años, pero le esta-
ba matando, así que lo dejó. Nuestro
batería en ese momento, Eric (Komst),
tenía problemas con las drogas, y
como te decía, siempre estábamos con
Armand igualmente, y justo en ese
momento estaba trabajando para la
discográfica en la que estábamos, así
que fue muy fácil que volviera”.
¿Y vuestros padres o parejas
nunca os presionaron a Lou y
a ti para que lo dejarais?
“No, nunca. Mis hermanos mayores
tienen trabajos estables, pero tienen
problemas para pagar la hipoteca.
Siempre me dicen ‘Pete, tienes el mejor
trabajo del mundo. No lo dejes nunca’
(Risas). Hace unas semanas estaba en
el aeropuerto y me encontré a los pa-
dres de unos compañeros de clase de
mi hija que son hombres de negocios y
me preguntaron que a dónde iba. Y
les dije que me iba a tocar a Pittsburgh
y Cleveland, pero que me daba bas-
tante palo porque no son los mejores
sitios donde tocar. Y los dos me dijeron
‘tío, daría lo que fuera por ir a tocar a
Pittsburgh y Cleveland en lugar de te-
ner que ir a una reunión’. Así que su-
pongo que tenemos suerte (risas)”.
En 1989 publicasteis vuestro
primer disco Blood, Sweat And
No Tears. ¿Te reconoces en él o
te da un poco de vergüenza?
“No, no. Eso era lo que podíamos
hacer en ese momento. Tocamos con
una entrega total y con toda la pasión
del hardcore. Obviamente la produc-
ción no es muy buena porque no te-
níamos demasiado dinero ni tiempo.
Mi hermano Lou siempre dice que le
gustaría poder volver a grabar las
voces, pero es lo que es. Es un inicio
clásico. Ahora todos sabemos compo-
ner mejor, sacar mejor sonido, sabe-
mos más de producción, pero es lo
normal”.
En 1994 sacasteis Scratch The
Surface con una multinacio-
nal, algo bastante insólito
para una banda de hardcore.
“En ese momento estábamos en Rela-
tivity Records y nos dijeron que iban a
poner nuestro contrato a la venta.
Creo que pedían 20.000 dólares.
Piensa que cuando fichamos con ellos
siendo unos críos, firmamos un contra-
to para diez discos. ¡Era una locura!
Pero no nos importaba una mierda,
no teníamos ni idea del negocio. El
caso es que a los pocos días de po-
nerlo a la venta, Atlantic, Sony, Elektra
y otras empezaron a hacerles ofertas
y pasaron de 20.000 dólares a
250.000 (risas). Al final nos fuimos
con Elektra porque nos reunimos con
el presidente y parecía muy motivado.
En ese momento tenían a Pantera, a
Metallica, así que encajábamos bas-
tante. Lo mejor de todo eso fue el
trabajo que hizo la división europea
del sello porque nos metieron en un
montón de festivales y llegamos a un
montón de gente que no sabía de
nuestra existencia. El empuje que nos
dieron entonces ha durado hasta hoy
en día. Para nosotros fue una gran
jugada”.
¿Crees que más que las can-
ciones o los discos ha sido
vuestro directo lo que os ha
dado una carrera?
“Sí, no hay duda. Hay gente que escu-
cha nuestra música, pero le puede
sonar demasiado brutal. Pero cuando
nos ven en directo, lo entienden todo.
Es una energía incontrolable que libe-
ramos en el escenario. Es furioso pero
divertido. No nos importa lo que nadie
piense. Nunca nos verás dar un con-
cierto de mierda. Y esa actitud creo
que es lo que ha acabado atrayendo
a nuestros fans”.
Tienes mucha razón. La prime-
ra vez que os vi aluciné conti-
go especialmente. Debes per-
der mucho peso, ¿no?
“Oh sí. En la última gira hicimos 18
conciertos en tres semanas y perdí 5
kilos. Cuando llego a casa vuelvo al
gimnasio y como cinco veces al día
para recuperar lo que he perdido y
para prepararme para la siguiente
gira”.
Con los saltos que das, ¿toda-
vía te aguantan las rodillas?
¿Nunca te has operado?
“No, he tenido mucha suerte. También
me cuido mucho. A Craig le operaron
las rodillas en los 90 y no hace mu-
cho se volvió a lesionar y tendrían
que operarle. Pero como no tenemos
tiempo para que se recupere, no va a
hacerlo (risas). Tenemos conciertos y
conciertos (risas)”.
Antes hablabas de los festiva-
les y me imagino que os ha-
bréis encontrado en todo tipo
de situaciones, ¿pero cuál es
la banda más extraña con la
que habéis tenido que tocar?
“Mmm... No sé. Bueno, en el último
Hellfest tocamos después de Foreign-
er. Pensaba ‘¿Cómo narices vamos a
tocar después de ellos? ¡Todas sus
canciones son hits!’. Incluso aunque
no sepas quiénes son, conoces las
canciones. Así que nos estábamos
preparando en el escenario de al
lado y escuchábamos hit tras hit. So-
naban geniales, como si hubieras
puesto un CD. Y luego salimos noso-
tros y empezamos a gritar (risas). Pero
la verdad es que fue genial”.
¿Cuáles son vuestros planes
inmediatos?
“El mes que viene tenemos tres concier-
tos en Nueva York en clubes peque-
ños, uno en Queens, uno en Brooklyn
y uno en Manhattan, en los que sólo
tocaremos canciones de los dos prime-
ros discos y de Scratch The Surface. Ya
están las entradas agotadas. Y luego
en enero nos vamos a Australia con
Refused. Sobre todo vamos a girar
mucho y en algún momento nos pon-
dremos con el nuevo disco”.
59
THE ELECTRIC ALLEY CÁDIZ SE HA CONVERTIDO ÚLTIMAMENTE
EN UNA FUENTE CONTINUA DE BUENOS
GRUPOS. DESDE AHÍ VIENEN TAMBIÉN
THE ELECTRIC ALLEY CON SU SEGUNDO
TRABAJO GET ELECTRIFIED! DISPUESTOS
A REVITALIZAR EL NOBLE ARTE DEL ROCK
CLÁSICO. TEXTO: ANDRÉS MARTÍNEZ FOTOS: DR

SIN
RESERVAS
L
A VERDAD ES QUE
es una lástima lo que está
pasando. Probablemente
estemos viviendo una de
las épocas más brillantes de nuestra
corta historia en esto del rock’n’roll.
En casi todos los rincones del país
surgen grupos de probada calidad
que no tienen nada que envidiar a lo
que nos llega de fuera, pero el públi-
co no parece darse cuenta. Se opta
por reuniones de bandas casi octoge-
narias o, lo que es peor, grupos tribu-
to de artistas que en la mayoría de
los casos siguen en activo. Nos falta
todavía mucha educación en materia
del respeto que se le debe de tener a
los artistas que tratan de componer
música original y que esto siga ade-
lante. A pesar de ello, bandas como
The Electric Alley, formada por Jaime
Moreno (voz), Nando Perfumo (guita-
rra), Sergio Reyes Gamaza (bajo) y
Rafa G. Benítez (batería), insisten y
persisten. Su segundo trabajo Get
Electrified!, además de excelentes
canciones, presenta una producción
excepcional a cargo de Rafa Cami-
són de Estudio Setentaynueve y del
propio grupo, que prueba que en los
últimos tiempos las bandas naciona-
les también se han puesto las pilas en
cuestión de la calidad de sus graba-
ciones. Muy entroncados con el lado
más clásico del rock’n’roll, escuchán-
dolos es inevitable que te vengan a
la mente grupos como The Black
Crowes, los Aerosmith de los 70,
Thin Lizzy o Lynyrd Skynyrd, pero
también mucho blues y grandes canti-
dades de soul. Quizá por ello fueron
uno de los triunfadores del primer día
en la última edición del Calella Rock-
fest. Al parecer, el mismísimo Joe Lynn
Turner les dedicó unos cuantos elo-
gios y los que no habían tenido el
placer de contactar con su música,
se quedaron gratamente sorprendidos
con la calidad de su directo y del
talento que desprenden sus composi-
ciones. Nosotros hablamos con los
andaluces tras la edición de su monu-
mental nuevo álbum, y esto fue lo
que nos contaron.
Felicidades por Get Electri-
fied!, creo que habéis graba-
do un gran disco de
rock’n’roll. En los tiempos
que corren, no debe de haber
sido nada fácil... ¿Habéis
quedado satisfechos con el
resultado final?
NANDO PERFUMO “Muy buenas,
y muchísimas gracias. Hemos queda-
do muy contentos con el resultado,
ha sido un proceso de grabación
muy largo, pero sin duda ha mereci-
do la pena el tiempo y la pasta inver-
tida. Hemos aprendido mucho y se-
guimos aprendiendo día a día al
llevarlo al directo. Ha sido un placer
currar con Rafa Camisón, que ha
producido el álbum con nosotros,
que aparte de un gran amigo es un
músico y productor increíble. Cuando
hay tanta carne puesta en el asador,
hay que preocuparse de que todo
salga bien y él lo hace de maravilla.
Ahora sólo queda que lo disfrute la
gente”.
Quizás lo primero que llama
la atención son los temas más
cañeros. El mismo tema título
me parece un single brutal y
otros como ‘Free My Soul’ o
‘No Reservations’ se te en-
ganchan a la primera, pero
después de varias escuchas y
cuando comienzas a conocer
el disco temas más lentos
como ‘Eagles Fly Solo’ o me-
dio tiempos como ‘Searching
For The Truth’ se erigen casi
como los highlights del ál-
bum. ¿Cómo lo veis vosotros?
“Pues cada tema tiene su historia para
nosotros, como es normal, pero tienes
razón al hablar sobre esos temas que
sobresalen un poco más. Cuando
pulsas play hay canciones que se te
quedan a la primera, y es cierto que
compusimos ‘Get Electrified!’ pensan-
do en un single. Cuando el disco va
creciendo, te vas dando cuenta de
que cada historia tiene algo, y eso lo
hemos querido cuidar mucho. Hemos
querido contar diez historias con rigor,
para que puedan ser bien contadas
en los conciertos. En los bolos lo da-
mos todo por las canciones y las que
has nombrado suelen ser los momen-
tos más emotivos durante las actuacio-
nes, y en cada ciudad encuentras un
sentido para llevarlo a cabo. Aunque
no lo parezca, por lo general la gente
que curra en el rock’n’roll sabe lo que
necesita una banda que ha hecho
muchos kilómetros para llegar a ese
sitio, y el confort que recibes al llegar,
la gente que conoces durante esos
primeros minutos, es muy importante
para lo que va a pasar después”.
Otro de los aspectos que me
ha llamado mucho la aten-
ción es el tratamiento que le
dais a las voces. No sólo es
que la voz de Jaime me pa-
rezca tremendamente pode-
rosa y repleta de matices,
sino que, además, creo que le
habéis dado mucha impor-
tancia a los arreglos y las
61
melodías vocales. ¿Estoy en
lo cierto?
“Sí, hay mucho quebradero de cabe-
za detrás de eso. Nos gustan las
grandes bandas de hard rock, y so-
bre todo los grandes cantantes. He-
mos intentado fijarnos en las produc-
ciones de las grandes bandas, y en
cómo ellos trataban voces, coros,
efectos… todo lo que tiene que ver
con la voz. Seguimos aprendiendo a
utilizar armonías, que es una de las
cosas más bonitas de nuestras can-
ciones, y llevarlas al directo está sien-
do un desafío precioso”.
Para los que no hemos tenido
la suerte de escuchar vuestro
debut, ¿qué diferencias puede
haber entre un disco y otro?
“Las canciones de ambos discos si-
guen una línea bastante parecida,
aunque en Get Electrified! pudimos
contar con más medios y tiempo
para grabarlo. El primer trabajo fue
un homenaje a nosotros mismos y sin
muchas pretensiones, de hecho, hici-
mos 150 discos y tuvimos que reedi-
tar y remasterizar dos meses des-
pués, pero son diez canciones que
seguimos tocando. Backward States
Of Society nos ha enseñado mucho,
y nos permitió empezar a salir a to-
car por ahí, a conocer, un poco,
cómo funciona la industria y a mante-
ner los pies en el suelo. Van quedan-
do pocas copias del primer álbum,
que vendemos principalmente en
nuestros conciertos, y casi la mitad
del set está compuesta por canciones
de ese álbum”.
¿Sería acertado decir que la
música de The Electric Alley
es como hacer un recorrido
62
por seis décadas de
rock’n’roll en el más amplio
sentido de ese término?
“¡Guau! Podría ser osado si sale de
nuestra boca, pero nos encanta el
resumen. Nos influye la música en
general, y de alguna manera, el
rock’n’roll es lo que es, pero funda-
mentalmente es lo que fue. Nos en-
canta escuchar discos completos de
los 70, y por supuesto bandas como
The Black Crowes o Thin Lizzy están
en nuestro pedestal. Como mencio-
nabas, el blues y el soul también
están en nosotros, desde Muddy
Waters a Stevie Ray Vaughan, Nina
Simone, Ella Fitzgerald y Otis
Redding son claves en algunas com-
posiciones. De ahí nuestro amor por
bandas actuales de diferentes estilos
como Slash, Vintage Trouble, Rival
Sons o Blackberry Smoke”.
En la contraportada explicáis
que estas canciones son el re-
sultado de dos años de traba-
jo. ¿Cómo fue la grabación?
“Al principio entramos en el estudio
con la idea de empezar a grabar la
banda sonora del corto de anima-
ción nominado a los Goya A Lonely
Sun Story, que contaba con las voces
de Mario Casas y María Valverde.
Hicimos el tema homónimo, que es el
último corte del álbum, y nos tomó
mucho tiempo porque queríamos or-
questarlo y hacer algo realmente
majestuoso. Contábamos con la su-
pervisión del gran compositor Roque
Baños, director musical del proyecto.
A la hora de mezclar, no fue fácil
encontrar lo que buscábamos, pero
al final dimos con la tecla. Tras todo
esto, seguíamos componiendo y to-
cando canciones juntos, y las sesio-
nes de estudio se alargaron hasta
que tuvimos el disco terminado”.
El álbum lo habéis financiado
con un crowdfunding. ¿Creéis
que es una de las pocas ma-
neras de sacar adelante algo
tan costoso y sumamente
complicado como es lanzar
un disco al mercado?
“Definitivamente, sí. Es la única forma
de hacer partícipe a la gente, y si
eres una banda sin sello como noso-
tros, es la única manera de financiar
un proyecto que necesita tanto cuida-
do. Es un proceso demasiado largo y
arriesgado como para no dedicarle
todo lo que tienes, y no puedes ha-
cer algo a medias, por lo que el pre-
supuesto debe ser respetado. Si la
banda funciona, el objetivo se suele
cumplir, porque la gente confía en tu
dedicación. Eso es precioso, además
hace un año no habíamos girado
tanto como hoy. Así que era un reto
más complejo, pero nuestros seguido-
res se portaron genial y todo salió
como queríamos”.
A pesar de la calidad, a las
bandas de aquí les cuesta
mucho llegar al público. ¿Qué
opináis al respecto?
“Es muy complicado, pero sabíamos
a lo que veníamos y también sabe-
mos cómo está el patio. Nuestro pa-
pel en todo esto es hacer ver a la
gente que venga a nuestros concier-
tos que esto es rock’n’roll de verdad,
que hemos venido a hacerles pasar
una noche de las que te sueles acor-
dar varios meses después y que que-
remos volver a verles en el próximo
show. En ese proceso de reeduca-
ción, hay muchísimo público que
 “NUESTRO PAPEL EN TODO ESTO ES HACER VER A
LA GENTE QUE VENGA A NUESTROS CONCIERTOS
QUE ESTO ES ROCK’N’ROLL DE VERDAD”
NANDO PERFUMO

viene predispuesto a ello, y otra par-
te del mismo a la que hay que volver
a conquistar. Entendemos que nuestra
manera de decir lo que opinamos es,
aunque suene pedante, dar un con-
cierto. Ahí es donde nos dejan de
importar los problemas de la indus-
tria, e intentamos que los presentes
se vayan con la misma sensación”.
Por cierto, ¿me podéis expli-
car qué pasa en Cádiz? Bour-
bon, The Shooters, Atavismo,
The Electric Alley… todos dife-
rentes, pero de una calidad
incuestionable. ¿Hay más
grupos que me pueda estar
perdiendo?
“Está pasando algo parecido a lo
que pasó en otras grandes ciudades
hace varias décadas. Cádiz se en-
cuentra en una zona geográfica muy
castigada por la corrupción, el paro
y otros desajustes sociales. Si a todo
eso le sumamos que el arte ha sido
lo que ha representado siempre al
sur, nos encontramos con un caos
perfecto en el que la ebullición creati-
va da frutos. Podemos hacer una lista
de 15 discos que se han hecho en
2015 y muy probablemente estarían
todos en el top nacional. En serio, es
algo brutal y estamos muy orgullosos
de formar parte de una generación
de músicos que lo han dado todo
por salvar la ilusión por esto. Basta
investigar un rato para darse cuenta
de ello”.

63
 DISCO DEL MES
S
on ocho los años
que han pasado
desde que Metallica
editaran su último trabajo
de estudio -Death Magnetic
se llamaba, por si alguno
lo había olvidado- si no
contamos la banda sonora de
la fallida Metallica: Through
Hardwired… The Never, un EP con
To Self-Destruct material sobrante del anterior
(BLACKENED RECORDINGS/UNIVERSAL) trabajo, Beyond Magnetic,
HEAVY METAL
o, saquen las hachas, el
controvertido Lulu, un trabajo
80 junto a Lou Reed que muchos
fans del grupo desearían que
nunca hubiese existido, pero
al que seguramente el tiempo
pondrá en una posición más
favorable de la que tiene
ahora.
Todo esto significa que,
aunque Metallica no sean la
banda más ágil del planeta
64
–poner en movimiento un
mastodonte como es el
cuarteto no es tarea fácil-,
tampoco es que hayan estado
mirando el techo sin nada
que decir. En todo este tiempo
también hemos tenido el
festival Orion, que no acabó
de cuajar, la película en 3D
de marras y actuaciones por
todo el mundo, incluyendo un
resucitado Big 4, para seguir
manteniendo el estatus de
ser el grupo de heavy metal
del planeta que más tickets
vende, además de preparar
durante los dos últimos años
este esperado Hardwired…
To Self-Destruct. Vamos, que
la maquinaria ha estado
mucho más engrasada que
la frialdad del dato de esos
ocho años entre disco y disco
puede hacer pensar.
METALLICA
Si nos remontamos a Death
Magnetic, allí ya tuvimos
la pista de cómo Metallica
tenían en mente encarar su
futuro asentados como tótem
metálico: volviendo a las
raíces del sonido que les
había hecho grandes después
de desviarse ligeramente
en Load y Reload y más
explícitamente en St. Anger.
Pese a que ahora parece que
se hable de Death Magnetic
con menos entusiasmo que
cuando salió -¡Quién sabe
si pasará lo mismo con
Hardwired… una vez pase
la euforia de la novedad!-,
era un señor álbum que
contenía algunos de los
momentos más inspirados
que había tenido la banda
en muchos años –‘The End
Of The Line’ o ‘The Day That
Never Comes’ eran auténticos
temazos-, y si lo comparamos
con Hardwired…, pese a la
poca perspectiva que todavía
tenemos de éste, no le va a la
zaga en cuanto a calidad.
Por algún motivo, todo el
odio que habían generado
Metallica durante estos últimos
años se ha convertido en
alabanzas, pese a que los
haters siempre estarán allí,
en cuanto hemos empezado
a tener avances de lo que
nos íbamos a encontrar en su
nuevo doble álbum. No era
para menos. Los dos primeros
adelantos, ‘Hardwired’ y
‘Mouth Into Flame’, nos
devolvían a unos Metallica
en plena forma, sonando a la
banda que todos tenemos en
mente y que nos mostraba las
“METALLICA ESTÁN EN FORMA PARA VOLVER
A LEVANTAR EL CETRO DEL METAL”
dos facetas más celebradas
–la de raíces thrash y la
de banda creadora de riffs
incontestables y de vocación
clásica- de la banda. Dos de
sus momentos más inspirados
en décadas. Pero el álbum
es mucho más que eso con
doce temas y 80 minutos de
música. Resumiendo, minutaje
generoso, con los peligros
que ello conlleva.
Y puede que ése sea
probablemente el único lastre
del álbum. El primer CD es
prodigioso. Con un póker
inicial de temas -los dos
mencionados, más ‘Atlas,
Rise!’ con sus deliciosos aires
Maiden y ‘Now That We’re
Dead’- que está altura de los
mejores Metallica, el cuarteto
demuestra que está en plena
forma con James Hetfield, una
vez más, como gran estrella
y el productor Greg Fidelman
sacando la verdadera esencia
de los de San Francisco.
El segundo CD cojea un
poco más, probablemente
debido más a la saturación
sónica que por la propia
calidad de las canciones,
aun siendo inferiores a las
del primer CD. La influencia
Black Sabbath de ‘Am I
Savage?’ o el brío de ‘Spit
Out The Bone’, que cierra el
álbum por todo lo alto, nos
devuelve la atención que en
algún momento se acaba
desviando en canciones
como ‘ManUNkind’, que
nos recuerda demasiado a
lo peor de Load, o ‘Here
Comes Revenge’, que podría
resolverse en la mitad de sus
más de 7 minutos.
Pequeños ‘peros’ que no
deben agriar el buen sabor
que nos deja Hardwired…
To Self-Destruct. Metallica
están en forma para volver
a levantar el cetro del metal,
del que alguna vez pareció
que renegaban. Tenemos a
una banda absolutamente
en paz y conectada con su
pasado y, señores, por mucho
que sea fácil rajar de ellos,
cuando Metallica se ponen
el mono de trabajo y dan un
golpe encima de la mesa, lo
más inteligente que se puede
hacer es dar las gracias con
una pequeña reverencia.
RICHARD ROYUELA
 WILLIS
DRUMMOND

HAS DE SABER...
FORMACIÓN: Jurgi Ekiza (voz, guitarra), Joseba B.
Lenoir (guitarra), Xan Bidegain (bajo), Felix Buff (batería)
PRODUCIDO POR: Burke Reid
AFINES A: Berri Txarrak, Nirvana, Billy Talent
PÁGINA WEB: www.willisdrummond.net
 H
ace dos años, tras
terminar la extensa
gira de A Ala B
(2012), Willis Drummond
anunciaban que se tomaban
un descanso indefinido. El
desgaste de la carretera y una
carrera de toda una década
había pasado factura y el
Tabula Rasa
(AUTOEDITADO)
grupo de Iparralde necesitaba
ROCK ALTERNATIVO coger aire y replantearse su
futuro. Durante este tiempo,
cada miembro se dedicó a
80 otros proyectos musicales (por
ejemplo, su vocalista Jurgi
Ekiza editó un disco en solita-
rio), pero como ellos mismos
cuentan, su amistad no se vio
afectada en ningún momento.
Por eso, cuando un día deci-
dieron volver a juntarse en el
local de ensayo, la mecha de
la ilusión volvió a prenderse
inmediatamente como si nada
hubiese pasado... O casi,
porque al cabo de algunos
ensayos más, Rafa Rodrigo,
el guitarrista, decidió dejar
el grupo. En cualquier caso,
esta pausa les ha sentado
de maravilla y en su quinto
trabajo, Willis Drummond
vuelven con una gran energía
y canciones de nivel. Si en el
pasado tenían debilidad por
los arreglos más complejos en
la tradición del post hardcore
de Washington DC y un punto
caótico, en el nuevo álbum
se han decantado por simpli-
ficar las canciones e ir más al
grano. Casi podríamos decir
que su enfoque se ha traslado
al otro Washington, el estado
norteamericano del noroeste,
cuna del grunge. Es difícil no
pensar en Nirvana cuando
suenan los acordes de ‘Hori
Dena’, ‘Aholkua’ o la línea
de bajo de ‘Joan Ikustera’. Sin
perder su poso punk, las me-
lodías son más memorables y
será difícil que las de los es-
tribillos de ‘Athabasca’ o ‘He-
dea’, que empieza en un tono
bajo para explotar después
de cada estrofa, se te olviden.
La producción del australiano
Burke Reid (The Drones) se
amolda perfectamente a las
necesidades del grupo, foto-
grafiando sin trucos innece-
sarios su sonido de guitarras-
bajo-batería. Esperemos que
Tabula Rasa sirva de trampolín
para que Willis Drummond
sigan ganando fans a este
lado de los Pirineos.
JORDI MEYA

HABLAMOS CON... XAN BIDEGAIN

La percepción es que con A Ala
B habíais llegado a vuestro
mejor momento, y sorprendió
que decidierais parar.
“Igual es que somos muy malos ha-
ciendo promoción (risas). Con A Ala
B tuvimos la suerte de poder girar por
Europa, por el País Vasco, por el Estado,
pero fueron más de 200 conciertos en
dos años, y necesitábamos descansar.
Pero los dos años desde entonces han
pasado rápidos”.
A la hora de grabar un nue-
vo disco, ¿lo visteis como una
oportunidad de hacer algo
nuevo?
“Bueno, cuando una persona deja el
grupo después de tanto tiempo, cambia
el equilibrio. Te encuentras con más
espacio pero también con un sitio vacío.
No puedes seguir como si nada hubiera
pasado. Tabula Rasa es exactamente
eso. Por eso hicimos un álbum rápida-
mente. En tres semanas lo grabamos y
mezclamos. También trabajamos con
un productor para coger aire fresco con
alguien ajeno a la banda”.
A mí me ha parecido como si
tuvierais las ideas más claras.
“Yo lo veo exactamente igual, pero
también creo que estamos llegando a
nuestro estilo propio. En los otros discos
estábamos buscando una manera de
tocar juntos, de componer, y creo que
en A Ala B ya nos dirigimos a nuestro
propio estilo y en éste hemos buscado
más hacer canciones. Nos hemos aleja-
do de los temas de cinco o seis minutos
y hemos ido más al detalle y de una
manera más directa. También nos ayu-
dó bastante Burke, el productor, porque
nos llevó por nuevos caminos”.
En Europa, ¿qué reacción en-
contráis ante el euskera?
“Al principio, cuando salíamos, sobre
todo yo tenía dudas, pero la gente tiene
curiosidad y cuando les explicas un
poco se les abre un mundo nuevo. En
los conciertos, entre canción y canción,
hablamos en el idioma que toque para
que nos entiendan, pero luego, cuando
estamos en el puesto de merchandising,
la gente que se acerca quiere saber
más sobre el euskera. En Francia el eus-
kera es sinónimo de música folklórica,
pero luego se dan cuenta de que hay
muchas bandas, no sólo Willis Drum-
mond, que son buenas, y que hay una
escena muy viva. Pero tampoco somos
los primeros. En su momento ���������
Negu Gor-
riak y Kortatu, y también Berri Txarrak,
dieron a conocer el rock en euskera”.
(JORDI MEYA)

67

DEATHSPELL
OMEGA
The Synarchy Of
Molten Bones
(NORMA EVANGELIUM DIABOLI)
BLACK METAL
90
N
o tenía ni idea de
que Deathspell
Omega estuvieran
trabajando en el sucesor del
impactante Paracletus. Y así,
sin previo aviso, seis años
después de su último largo,
una de las formaciones más
respetadas del underground
blacker nos sumerge otra vez
en su mundo de pesadilla
a través de cuatro nuevas
canciones. Aquí el horror te
sacude desde que el tema
homónimo que abre maldice
tu morada, y como para
recordarte que sí, que son
ellos, esa incuestionable
institución del black francés,
las primeras disonancias del
68
álbum no tardan en aparecer.
‘The Synarchy Of Molten
Bones’ es un negro ciclón
en el que pasa de todo, y la
que la sigue, la omnipotente
‘Famished For Breath’, casi
que lo mismo. A 3.000 por
hora, con un enloquecido
dominio instrumental que todo
lo doblega, este segundo
tema ya deja muy claro que
estamos ante una de los
mejores obras de 2016.
¿Qué habría pasado si los
Satyricon del genial a la par
que incomprendido Rebel
Extravaganza hubieran
seguido explorando esa vía,
retorciendo cada vez más
esa locura vanguardista?
Seguramente la respuesta
la tenemos en un truculento
viaje como ‘Onward Where
Most With Ravin I May Meet’,
que roza el totalitarismo
musical, y ya no digamos en
la recta final de ‘Internecine
Iatrogenesis’. Qué media hora
de disco, por Dios… Es tan
personal y demoníaco lo de
Deathspell Omega que no
es de extrañar que un peso
pesado como Phil Anselmo
haya estado obsesionado
con ellos durante años. Desde
luego, lo suyo ya se enmarca
dentro de la parapsicología.
PAU NAVARRA
IT’S NOT NOT
Fool The Wise
(BCORE)
INDIE ROCK
80
I
t’s Not Not ya sé de
dónde vienen, y no
porque sus miembros
procedan de grupos
como Standstill, Tokyo Sex
Destruction o Dies Irae,
pero aun así, consiguen
sorprenderme hacia donde
me llevan. Es un lugar en
el que, a pesar de las
referencias bíblicas de
algunas letras de su cuarto
disco, y primero en nueve
años, reina el amor libre y
una agradable sensación
de buen rollo, como la que
sientes cuando estás de fiesta
con tus mejores amigos. En
ello tiene mucho que ver
su pasmosa facilidad para
colarte ritmos bailables en
canciones que deben tanto al
post hardcore como al pop
(‘All Vanishes Away’ recuerda
a At The Drive-In haciendo
cumbia) y la incorporación
como guitarrista de un Eric
Fuentes que les ha acabado
por dar ese toque más
accesible en ‘Golden Rule’
o ‘For Who Are You Here
For?’ que ya aparecía en el
último disco de The Unfinished
Sympathy. Alejándose del
caos irreverente de sus
primeros discos, la banda
suena más relajada que
nunca, con un Joel Rojas
acertando en cada melodía,
y el apoyo de unos coros
de lo más gustosos. Que
tenga problemas a la hora
de elegir la etiqueta estilística
que acompaña la reseña de
un disco siempre es buena
señal... Significa que el grupo
en cuestión no se limita a
seguir un patrón más o menos
establecido, sino que tiene un
discurso propio. Eso es justo
lo que me ha ocurrido tras
escuchar Fool The Wise. Al
final me he decantado por
la de indie rock porque es lo
suficientemente vaga como
para que cada uno la pille
por donde quiera. En todo
caso, un gran retorno.
JORDI MEYA
 LA SELECCIÓN
VV.AA.
Merry Jäger Christmas
(JÄGERMUSIC)
POST VILLANCICOS
75
D
esde los clásicos de Elvis Presley o Phil Spector
a más recientes como August Burns Red o Surjan
Stevens, la historia del pop nos ha ofrecido
maravillosos ejemplos de que los villancicos no tienen por
qué ser un coñazo. Jägermusic, el proyecto musical de
Jägermeister, ha querido contribuir a esta tradición editando
su propio álbum de canciones navideñas, que verá la luz
el 16 de diciembre y contará con una edición limitada en
vinilo. Con ese fin, durante dos semanas convocó en La
Atlántida Estudio de Barcelona a diez de las bandas que
colaboran habitualmente en su programa de apoyo a la
creación musical. El resultado es este variado y divertido
Merry Jäger Christmas donde Babywaves pasan por el filtro
lo-fi la emblemática ‘Santa Claus Is Comming To Town’ con
un gusto tremendo, Los Mambo Jambo le ponen rock’n’roll
a ‘Staffansivsan’, un villancico serbio escogido por su
contrabajista Ivan Kobacevic, Los Bengala le prenden fuego
a ‘Ande La Marimonera’ y Holögrama convierten ‘La Nanita
Nana’ en un chorro de distorsión sin perder su melodía.
También Los Tiki Phantoms surfean sobre ‘Fum, Fum, Fum’,
Ocellot riegan ‘A Betlem Me’n Vull Anar’ con zumos
tropicales; Terrier le echan mala baba a ‘Los Peces En El
Río’, The Zephyr Bones se pegan un trip con ‘Carol
Of The Bells’, King Cayman (en la foto y en
el audio) te lleva al infierno con ‘Drummer
Boy’ o Sen Senra hace irreconocible
‘Noche De Paz’... pero acaba con
una gran canción. Un disco con el
que, seguro, lograrás sorprender a
tus invitados en las próximas fiestas y
asustar a más de un cuñao.
JORDI MEYA
 S
i algo bueno tienen
The Pretty Reckless
es su falta de miedo
ante el cambio. Lo fácil
hubiese sido repetir la
fórmula que crearon en
sus dos primeros álbumes,
pero en este tercero, Who
You Selling For, buscan una
THE PRETTY nueva cara. El sonido se
RECKLESS convierte en más bluesero
Who You Selling For y sureño por momentos,
(RAZOR & TIE) Taylor Momsen abandona
ROCK ALTERNATIVO
a ratos su característica voz
rasposa para darle algo más
70 de calidez, y las canciones
escapan del single fácil.
Que nadie se engañe:
siguen queriendo dar esa
imagen de sex, drugs &
rock’n’roll, pero canciones
como por ejemplo ‘Mad
Love’ o ‘Like A Storm’ les
van alejando del estigma
de formación que saca
un sencillo exitoso y luego
desaparece sin dejar rastro
alguno. El trabajo de
M
ucho crédito era
el que debían
recuperar
Avenged Sevenfold tras el
batacazo a nivel de críticas
que se pegaron con Hail To
The King. En aquel disco,
los de Orange County se
dedicaron a copiar sin
AVENGED ningún tipo de personalidad
SEVENFOLD a las bandas que siempre
The Stage había idolatrado, fuesen
(CAPITOL) Metallica o Guns N’ Roses,
METAL
además de entregar unas
canciones muchísimo menos
82 trabajadas de lo que nos
tenían acostumbrados. Como
si ellos mismos se hubieran
dado cuenta de todo ello, en
The Stage, que fue publicado
sin previo aviso a finales
70
Ben Phillips a la guitarra
es extraordinario y da la
impresión que no enseña
todo de lo que es capaz en
The Pretty Reckless, pero el
resultado es cuanto menos
emocionante. Canciones
como ‘Prisoner’ les alejan
bastante del pop rock que
facturaban en su debut Light
Me Up y dan una pista de
dónde han estado picando
para coger influencias
para esta nueva era: el
rock alternativo de los 90
centrándose en los Alice In
del pasado mes de octubre,
parecen dispuestos a
recuperar ese sonido propio
que tan buenos resultados les
había dado en el pasado. Si
tuviera que describirlo muy
resumidamente, diría que este
séptimo álbum vendría a ser
una mezcla entre City Of Evil
y Nightmare. Y buena parte
de culpa la tiene el fichaje
de Brooks Wackerman. El ex
batería de Bad Religion ha
sabido imprimir la pegada
que tanto se echaba en falta
en su anterior referencia y,
secundado por un Synyster
Gates que vuelve a estar
brillante a las seis cuerdas,
firman los momentos más
contundentes del disco como
Chains más comerciales. Los
demonios internos siguen
persiguiendo a Momsen en
una batalla personal entre
ser una celebridad de las
pantallas o una estrella de
la música, algo a lo cual
le puede seguir sacando
partido sin sonar demasiado
trillado. Les ha salido bien
la jugada y dan esperanzas
de convertirse en mucho más
que la banda de la rubia
buenorra que salía en la
serie Gossip Girl.
JORGE FRETES
la rotunda ‘God Damn’,
‘Simulation’ o la inicial ‘The
Stage’. En el otro lado de
la balanza aparecen piezas
más oscuras como ‘Sunny
Disposition’ y sus siniestras
trompetas, la balada ‘Roman
Sky’, con unos bonitos
arreglos de cuerda, o la ida
de olla final progresiva de
un cuarto de hora que es
‘Exist’. Pero me atrevería a
decir que es en los estribillos
de ‘Creating God’ y ‘Higher’
donde están esos posibles
hits que les hagan retomar su
lugar como claros herederos
de los grandes nombres
del género en el futuro
inmediato.
GONZALO PUEBLA

TESTAMENT
Brotherhood Of The Snake
(NUCLEAR BLAST)
THRASH METAL
87
E
l inicio de
Brotherhood Of The
Snake ya apunta
maneras, casi que tira de
espaldas. El tema homónimo
que abre fuego nos muestra
a una banda pletórica,
punzante y con un sonido
apabullante. Las guitarras de
Eric Peterson y Alex Skolnick
echan chispas, y la batería
de Gene Hoglan atruena
muy bien secundada por el
bajo de Steve DiGiorgio,
a quien han cuidado y
mucho a lo largo de toda
la producción del nuevo
álbum de Testament. En
‘The Pale King’ volvemos
a encontrarnos con una
banda que exuda fuerza y
confianza, y le meten más
72
y más caña en un tema tan
suyo como ‘Stronghold’ o
un adornado tanque como
‘Seven Seals’. Por cierto, ¿he
dicho ya cuán sobrado va
un jefazo como Chuck Billy
al micro? Si no está en uno
de sus mejores momentos,
poco le falta. ‘Born In A Rut’
echa algo el freno con la
clase que les caracteriza y
un estribillo matador, pero
cuando crees que estás ante
el típico disco donde todo
lo notorio se ha reservado
para los primeros temas,
ojo. ‘Centuries Of Suffering’,
un puñal como ‘Black
Jack’, el trallón de ‘Canna-
Business’ o la espectacular
épica de ‘Neptune’s Spear’
traspasan el ecuador del
álbum con riffs al rojo vivo,
punteados, solos del copón
y mucha mala hostia. Con
su decimosegundo trabajo
Testament ponen el broche
de oro a la racha iniciada
con The Formation Of
Damnation y Dark Roots
Of Earth. Y es que, de las
antiguas grandes bandas
del thrash, ellos son los
únicos que realmente siguen
publicando obras relevantes.
No se puede estar más on
fire que esta gente.
PAU NAVARRA
PLEASE WAIT
Look Around,
See Inside
(VARIOS SELLOS)
POST HARDCORE
78
A
paso lento, pero
seguro. Así
avanzan Please
Wait. Han pasado cuatro
años desde la publicación
de ese maravilloso EP
con cuatro temas titulado
Dirty Little Secret. Lejos de
dormirse en los laureles,
este power trio emocore
de Sant Feliu de Guíxols
ha aprovechado muy bien
todo este tiempo. Han
ganado concursos, han
tocado en festivales con la
flor y nata del underground
e incluso han girado
por el Viejo Continente.
Todo este bagaje, vital
y musical, traspasa los
ocho fenomenales cortes
incluidos en su primer
largo, Look Around, See
Inside. Y es que contiene
muy buenas ideas, que
derivan en momentos
espectaculares, con
esa especial mezcla de
guitarras afiladas y bajo
rotundamente expresivo
(insuperables en ‘Northern
Lights’), con esos gritos
inocentes desde las
entrañas (el lamento de
‘Greetings’) y esos patrones
de batería originales (‘Not
Even Closer’). Se nota la
mano del Santi Garcia,
especialmente en algunas
partes muy No More Lies
(‘Alf’s Swimming Pool’ y
‘Overdose’). Él es uno de
los principales mentores de
la banda, desde el minuto
cero. El otro es Eric Fuentes,
frontman de The Unfinished
Sympathy, quien publica
el primer largo del trío a
través de su sello, Hang
The Dj, con la inestimable
ayuda de otros como
Saltamarges, La Agonía
De Vivir y Caleiah. Para ir
acabando, el disco está
muy bien, pero lo bueno
está por llegar. Tienen
mucho futuro por delante.
LUIS BENAVIDES

MESHUGGAH
The Violent Sleep
Of Reason
(NUCLEAR BLAST)
DEATH METAL PROGRESIVO
80
I
gnoro qué ha llevado a
Meshuggah a grabar su
nuevo álbum en directo,
con todos los músicos
tocando a la vez, en lugar
de su habitual metodología
de trabajar individualmente
sus partes como si de una
cadena de montaje se
tratara. Pero sospecho que
podría ser una reacción a
la nueva escena djent -de
la que extraoficialmente son
los responsables- y cuyas
bandas se apoyan, a veces
hasta en exceso, en las
ventajas que proporciona
la tecnología. Puede ser
su peculiar manera de
decir ‘chavales, a ver si
aprendéis’, o quizá no
tenga nada que ver con eso
74
y simplemente quisieran
divertirse probando
algo nuevo. Y es que en
realidad, ésa es la única
novedad que encontramos
en su octavo disco. Su
personalidad musical
está tan definida que
no sienten la necesidad
de variarla, así que
si estás familiarizado
con su discografía ya
sabes de antemano lo
que encontrarás. Riffs
ultratécnicos como los de
la inicial ‘Clockworks’ u
‘Our Rage Won’t Die’,
grooves que te arrastran y
empujan como los de ‘Born
In Dissonance’ y ‘By The
Top’, la voz gutural Jens
Kidman berreando por ahí,
la incansable resistencia de
Tomas Haake en la batería,
su capacidad para estirar
las notas como si fueran
gomas elásticas en ‘Into
Decay’ y solos de guitarra
que alternan melodía y
disonancia. La precisión
con la que los suecos tocan
sigue siendo inhumana,
pero con este nuevo
enfoque en el estudio han
conseguido que The Violent
Sleep Of Reason tenga un
pálpito orgánico que se
agradece.
JORDI MEYA
BÖLZER
Hero
(IRON BONEHEAD)
BLACK METAL, DEATH METAL
80
A
unque Bölzer me
siguen pareciendo
una de las bandas
más sobrevaloradas del metal
extremo actual, hay que
reconocer que han publicado
un señor primer largo. A algún
pope se le debió ir la mano a
la hora de puntuar sus dos EPs
iniciales, los recomendables
Aura y Soma, y mucha peña
se los tomó como si le fuera
la vida en ello, de acuerdo,
pero con 46 minutos por
delante, los helvéticos sacan a
relucir todo lo que hace de su
propuesta algo tan particular.
Al margen de lo exagerado
que pueda ser que el dúo
cuente ya con decenas de
presencias en los principales
festivales europeos con, hasta
ahora, sólo cinco canciones
en la calle y una demo, es
obvio que este grupo tiene
algo, un raro intangible
bastante atrayente. A través
de un riffing muy black, unas
voces muy personales –a
mí me perdonarán, pero en
algunos estribillos melódicos,
caso de ‘The Archer’, parece
que cante un retrasado- y
arrojándose también a una
sonoridad algo sludge aunque
más asequible que en los
EPs, los de Zúrich presentan
aquí largas composiciones
soberbias como ‘Hero’,
la trepidante y asombrosa
carrera de ‘Phosphor’ o ‘I AM
III’, que pone de relieve su
punto fuerte: el primitivismo,
lo cavernario, pero a su vez,
la originalidad en base a
una economía de recursos
encomiable y dinámica.
Al interludio ‘Decima’ me
remito también, o a otro
corte tan notable como
‘Spiritual Athleticism’. Puede
que ‘Chlorophyllia’ no nos
acabe de convencer del todo,
pero cuidado, que aunque
ni por asomo estemos ante
los nuevos mesías, sí en
cambio tenemos por fin una
demostración real de por qué
Bölzer están dando tanto
que hablar.
PAU NAVARRA
THEWONDERYEARSBAND.COM TINYMOVINGPARTS.COM

NEUROSIS
Fires Within Fires
(NEUROT/POPSTOCK!)
POST METAL
75
A
lo largo de sus
30 años de
carrera, Neurosis
han acumulado semejante
legado y han propagado
tamaña influencia que
merecen haberse ganado
la inmunidad para hacer lo
que les dé la gana cuando
les apetezca. Fires Within
Fires, su undécimo disco de
estudio, no está a la altura
de sus mejores trabajos, ni
tampoco explora nuevos
caminos en una banda
particularmente inquieta,
pero desde luego es un buen
recordatorio de por qué
son tan venerados dentro
y fuera de la comunidad
metálica. En sus cinco cortes
desarrollados a lo largo
76
de 40 minutos, Neurosis
vuelven a demostrarnos
su poderío, cuales dioses,
para desatar tormentas
sónicas y replegarlas hasta
la calma más absoluta.
La fuerza con la que
irrumpen las guitarras y
la voz de Scott Kelly en
el ecuador del primer
tema, ‘Bending Light’, te
levantará literalmente de
la silla. En ‘A Shadow
Memory’ verás relámpagos
y explosiones volcánicas
mientras el tema muta
hacia una pesadilla doom,
y ‘Fire Is The End Lesson’
cuenta con el aliciente de
un intercambio vocal entre
Kelly y Steve Von Till y un
riff circular al final que es
una apisonadora. A partir
de aquí, Neurosis parece
que peguen un volantazo y
nos lleven hacia territorios
más ambientales y folkies.
Von Till usa su registro más
grave, entre Johnny Cash y
Tom Waits, en la hermosa
‘Broken Ground’ -aunque
no tardan mucho en
rajarnos con un poderoso
riff-, al igual que en la final
‘Reach’, donde una guitarra
revolotea por tu oído como
moscas alrededor de carne
podrida.
JORDI MEYA
IN FLAMES
Battles
(NUCLEAR BLAST)
METAL ALTERNATIVO
30
I
gnoro qué pasa por las
cabezas de In Flames.
Con cada disco que
sacan se alejan más de su
base de fans y tampoco
parece que vayan ganando
nuevos seguidores, y pese
a eso, ellos siguen erre que
erre. Puedo entender que
el grupo se cansara, en un
momento dado, del death
melódico y quisiera explorar
nuevos sonidos. De hecho,
su anterior álbum Siren
Charms no me pareció tan
horrible como a la mayoría
y encontré algunos aspectos
interesantes, pero me cuesta
decir lo mismo de Battles.
Los suecos parecen haberse
fijado en el metal alternativo
americano y las nuevas
bandas de metalcore como
espejo en el que mirarse,
pero llegan tarde y mal.
Una cosa es que chavales
de 20 años que crecieron
escuchando a Linkin Park o
Disturbed quieran parecerse
a ellos, pero que hagan
lo mismo unos señores
de más de 40 que en su
día fueron pioneros de un
estilo parece ridículo. Si
piensan que por grabar
con el productor Howard
Benson (Papa Roach,
My Chemical Romance),
simplificar sus composiciones
y meter estribillos melódicos
ya sonarán en la radio y
venderán millones, es que
no tienen ni idea de cómo
funcionan las cosas. Lo peor
es que la banda suena sin
personalidad, incluso da un
poco de vergüenza ajena
cuando intentan sonar como
Bring Me The Horizon en
‘The Truth’ o ‘Here Until
Forever’, y cuando intentan
ponerse un poco agresivos
en ‘Through My Eyes’ parece
un quiero y no puedo.
Apenas salvaría tres o cuatro
temas de la quema (‘Like
Sand’, ‘Battles’, ‘Underneath
My Skin’...), y eso para una
formación como In Flames es
demasiado pobre.
DAVID GARCELL
 HAS DE SABER...
FORMACIÓN: Mike Kinsella (voz, guitarra), Steve Holmes
(guitarra), Nate Kinsella (bajo), Steve Lamos (batería, trompeta)
PRODUCIDO POR: Jason Cupp
AFINES A: Mineral, Matt Pond PA, Joan Of Arc
PÁGINA WEB: www.americanfootballmusic.com

AMERICAN
FOOTBALL

FOTO: ROBERTO PARODI

 E
l debut de American
Football, aparecido
en 1999, quedó en
el recuerdo como uno de los
trabajos más reverenciados
del emo introspectivo. No
fue un súper ventas ni nada
parecido, pero desde luego
caló hondo en cada una
American Football de las personas que llegó a
(WICHITA/PIAS)
EMO escucharlo. Además, el que
se separaran poco después,
Siendo su debut un disco de
culto, darle continuidad tenía
sus riesgos, pero aun así, la
formación original, con la
incorporación del hermano de
Mike Kinsella, Nate, al bajo,
se animó la pasada primavera
a entrar en el estudio, junto al
productor Jason Cupp, para
intentarlo. El pasillo que ilustra
el álbum podría tomarse como
una invitación a instalarse en
We Now? al cantar “Hemos
estado aquí antes, pero no
recuerdo que hubiera un cerro-
jo en la puerta”. La aportación
de Nate con el bajo les da
un empujón, acercándose al
sonido que les escuchamos
en directo; igual de delicado
y elegante, pero un poco
más robusto. Se aprecia es-
pecialmente en ‘Born To Lose’
y ‘Desire Gets In The Way’.

80 sin apenas haber girado,

hizo que el grupo de Illinois
adquiriera una aura mística.
Cuando se reunieron en 2014
para ofrecer tres conciertos
en Nueva York, las entradas
se agotaron en apenas ho-
ras, y eso les llevó a realizar
una gira mundial que aquí
recaló en el Primavera Sound.
la misma casa cuya ventana
veíamos en la icónica portada
de su debut. Y la sensación,
una vez escuchado, es más
o menos parecida. Las nueve
canciones que nos ofrecen
nos resultan inmediatamente
familiares, pero algo ha cam-
biado, como sugiere Kinsella
en el primer tema ‘Where Are
Por lo demás, el álbum resulta
una continuación totalmente
natural de su primer disco con
arpegios lánguidos, una voz
reposada y el tono intimista.
Por no faltar, no lo hace ni la
aparición de la trompeta del
batería Steve Lamos en la final
‘Everyone Is Dressed Up’.
MARC LÓPEZ

HABLAMOS CON... NATE KINSELLA

¿Cuando os reunisteis hace un
par de años para tocar en di-
recto, ya teníais en mente gra-
bar un nuevo álbum o eso vino
después?
“Como sabrás, yo no toqué en el primer
disco, pero me pidieron tocar con ellos
en la gira de reunión. No había planes
más allá de eso, pero después de un
año de tocar en directo nos apetecía
componer algo nuevo, porque podía
llegar a ser aburrido tocar siempre las
mismas canciones (risas)”.
¿Cómo de consciente era el
resto del grupo del culto que
se había creado desde que se
separaron?
“Creo que intuían algo porque cada
año les llegaba un cheque de Polyvinyl,
así que sabían que el disco se seguía
vendiendo. Pero no creo que supieran
del culto o la influencia que habían teni-
do. Fue una sorpresa”.
¿Te fue fácil integrarte para ha-
cer el nuevo álbum?
“El disco fue una colaboración entre to-
dos. Para los demás también había pa-
sado mucho tiempo desde que habían
creado algo juntos, así que era casi
como empezar un grupo nuevo para
todos. Vivimos en ciudades distintas, así
que abrimos una carpeta en Dropbox
y cada uno empezamos a poner ideas
para canciones. Luego nos juntamos e
íbamos probando lo que sonaba mejor
y lo íbamos guardando hasta tener el
disco completo”.
En el primer trabajo no había
apenas bajo. ¿Cuál fue tu enfo-
que para incorporarlo al soni-
do del grupo?
“Sí, en el primer disco creo que sólo hay
bajo en dos temas, así que cuando me
pidieron tocar con ellos, pensé que era
una broma (risas). Para mí era una de
las cosas que los hacía únicos, así que
no tenía muy claro qué hacer para no
cambiar. Así que intenté tocar sólo deter-
minadas notas que ya existían, pero no
añadí nada. Pero para el nuevo disco
cambié la perspectiva, aunque tampoco
metí demasiadas notas porque tampoco
es mi estilo. Sólo quería hacer algo con
buen gusto”.
¿Crees que Mike está disfrutan-
do de esta segunda etapa in-
cluso más que de la primera?
“Creo que sí, no sólo Mike, sino todos.
Están felices de que la gente tenga
ganas de escuchar su música. Mike no
ha parado de hacer música desde que
American Football lo dejaron, así que
haber encontrado el éxito, ni que sea
con un proyecto viejo, le satisface. Estoy
feliz por él”.
(MARC LÓPEZ)

79
 H
ay que pasar de
los medios. Bueno,
de RockZone no
porque lo petamos, pero
en general, tanta saturación
de noticias, premieres del
streaming y tráilers del mega
single inducen, precisamente,
a la desinformación total.
Que si Arctic Thunder era
DARKTHRONE
Arctic Thunder el retorno al crudo y gélido
(PEACEVILLE) black metal de los primeros
BLACK METAL, HEAVY METAL Darkthrone, que si era una
obra maestra… Y al final
74 nada de eso, ni por asomo,
y sin que ello signifique
que estemos ante un mal
álbum. En el nuevo trabajo
del dúo noruego más punk
de la historia tenemos otra
sacada de polla bastante
importante, otro ‘vamos a
hacer lo que nos salga de
las bolas porque nos importa
una mierda si compras o no
nuestro disco’. Servidor, que
ya se lo temía, corrió a por
su vinilo para comprobar
de primera mano qué coño
U
uno empieza
a escuchar el
nuevo trabajo
de The Answer y, en vez
de encontrarse con su ya
habitual hard rock, lo hace
con el tema que da título a
su sexto álbum de estudio,
que se abre a fuego lento,
THE ANSWER más oscuro de lo que nos
Solas acostumbran y con un
(NAPALM) deje a Led Zeppelin, sí,
ROCK
pero a los más místicos y
experimentales. Le sigue una
75 ‘Beatiuful World’ que no
se aleja demasiado de las
intenciones anteriormente
mostradas. Y es que,
efectivamente, los irlandeses
han optado por darle un
muy necesario giro a su
80
habían parido esta vez, y
sí, aquí encontramos cierto
retorno al black en el riffing,
la reiteración (‘Burial Bliss’)
y sobre todo en las voces
agrestes de Nocturno Culto,
pero joder, ni de coña se
puede decir que hayan
abandonado esa vertiente
ochentera y heavy metalera
de sus últimos tiempos.
Así, como en ‘Deep Lake
Trespass’, estamos ante un
híbrido de lo más cabrón.
Que estos 39 minutos
propuesta, a riesgo de
quedarse estancados en una
fórmula que, por otra parte,
nunca se les había dado
mal aunque tampoco les ha
llevado hasta ese público
potencial al que aspiraban
en sus comienzos. Así
pues, Solas se nos presenta
como un disco arriesgado,
que por momentos juega
con la música tradicional
de su tierra (‘Battle Cry’),
se adentra en el folk y el
blues (‘In This Land’, ‘Being
Begotten’, ‘Demon Driven
Man’), tontea con el AOR
(‘Untrue Colour’) e incluso
se atreve con la épica en
‘Thief Of Light’. Tan sólo ‘Left
Me Standing’ y el dueto con
empiecen con el acople que
abre ‘Tundra Leech’ es una
declaración de intenciones,
aunque eso sí, sus posteriores
desarrollos y temas como
‘Boreal Fiends’, ‘Inbred
Vermin’ o ‘Arctic Thunder’
nos indican que Fenriz y
su colega singuen más
interesados en Barón Rojo y
Accept que en Mayhem o
su propia leyenda. Y es que
nadie como Darkthrone para
hacer de Darkthrone.
PAU NAVARRA
Fiona O’Kane en el medio
tiempo ‘Real Life Dreamers’
rompen un poco con el tono
del trabajo y nos recuerdan
a los The Answer que todos
conocíamos hasta ahora. Sin
duda estamos ante una obra
distinta y sobre todo valiente
por su parte. Ahora quedará
por comprobar si a su base
de seguidores termina por
convencerle este repentino
cambio de rumbo o les darán
la espalda. Por mi parte, y
aunque no lo coloco ni de
lejos entre lo mejor de su
discografía, sólo por haberse
atrevido a hacer algo distinto
a estas alturas tienen mi
aplauso y mi respeto.
GONZALO PUEBLA

WOVENWAR
Honor Is Dead
(METAL BLADE)
METALCORE
50
P
ara Wovenwar
fue muy difícil
escapar de toda la
controversia que rodeó a As
I Lay Dying y Tim Lambesis,
encarcelado por intento
de asesinato. Fue igual de
difícil escapar de su sonido
en el disco debut, a pesar
de contar con el vocalista
de Oh, Sleeper, y es que,
después de todo, se trata
de los mismos músicos y
los mismos gustos. Sea
como sea, tampoco era un
sonido 100% fiel a lo que
hacían en As I Lay Dying,
y tampoco lo es en Honor
Is Dead. Si hay que decir
algo en favor de la banda
es que a pesar de jugar
en un terreno con fórmulas
demasiado trilladas, siempre
ofrecían un punto diferente
que los hacía destacar
del resto. Para su segundo
ataque quieren quitarse de
una vez por todas el estigma
de ‘la banda formada por
ex integrantes de’ y dejan
de sonar a AILD para...
sonar a todas las bandas
de metalcore existentes. No
lo hacen mal, simplemente
que no hacen nada que
no hagan ya otras 500
formaciones. ¿El resultado?
Un disco que pasará sin
pena ni gloria. Las líneas
melódicas y limpias (algo
en lo que intentan enfocarse
bastante en este segundo
álbum) son muy predecibles,
y el cambio de la afinación
de las guitarras se pone a
la par de toda la hornada
de metalcore que ha salido
en los últimos cinco años.
Canciones como ‘World On
Fire’ o ‘130’ están tan llenas
de clichés que hubiesen
funcionado en 2005,
pero ahora simplemente
hacen sonrojar a quienes
esperaban algo más de estos
músicos. Si ganan nuevos
fans con este lanzamiento
serán personas que los
tomen como una banda sin
pasado. Si querían empezar
de cero, lo han conseguido.
JORGE FRETES
DARK
TRANQUILLITY
Atoma
(CENTURY MEDIA)
MELODIC DEATH METAL
68
E
staba
entusiasmadísimo
con este nuevo larga
duración de Mikael Stanne y
los suyos desde los avances
que Century Media habían
publicado como parte de la
promoción; temas con algo
de garra y unas melodías
que presagiaban un disco
muy emocional y lleno
de contrastes, matices y
dinámicas. Pero no ha sido
así, o al menos no del todo.
Lo que nos han traído los
veteranos Dark Tranquillity
en este undécimo trabajo es
un disco que tiene algunas
melodías vibrantes, algunas
partes épicas y emocionales
pero que sólo forman
una pequeña parte de un
conjunto un poco soso y falto
de esa magia que hace que
se te erice el vello. Estaba
realmente complacido con
el giro musical a base de
mid-tempos y atmósferas
instrumentales que habían
dado los de Göteborg con
su anterior obra Construct,
y este nuevo trabajo sigue
un poco con la línea
compositiva, pero con un
enfoque menos oscuro y,
sobre todo, sin ese punto
intangible que hace que un
álbum te emocione, te meta
en el mundo que pretenden
crear y te traslade fuera de
tu mesa de oficina o donde
sea que lo escuches. Eso es
lo que busco en bandas tan
melódicas y conceptuales
como pretenden ser estos
Dark Tranquillity del siglo XXI.
Para mí, cada estilo musical,
cada subgénero, tiene un
propósito, y si no se cumple
me decepciona, sobre todo
si esa misma formación ha
conseguido ese cometido
con anterioridad. Entonces…
¿Es Atoma un disco malo?
Para nada, simplemente no
es realmente brillante, y de
una banda con su legado y
expediente sólo esperas lo
mejor.
ABEL VALDELVIRA
81
 D
ado el golpe
mediático que
consiguieron
Suicidal Tendencies al
hacerse con Dave Lombardo
para la batería, no es de
extrañar que en World Gone
Mad el primero que nos
salude sea él en la graciosa
‘Clap Like Ozzy’. Como
SUICIDAL
era de esperar, el ex Slayer
TENDENCIES
World Gone Mad apenas suda a la hora de
(SUICIDAL) cimentar los once temas que
CROSSOVER THRASH
componen la nueva obra
de los de Venice Beach, y
75 es que incluso ‘The Struggle
Is Real’ o el flow de ‘World
Gone Mad!’ parecen
un juego de niños si las
comparamos con cualquier
atropello de la banda
que lo hizo célebre. Así,
afortunadamente, Mike Muir
y su inseparable guitarrista
Dean Pleasants siguen fieles
a todo lo que ha hecho de
Suicidal Tendencies unos
intocables del crossover.
Poco importa que en este
P
asados tres años
desde el lanzamiento
de su anterior
doble álbum Bubblegum/
Bulldozer, el incansable
Devine demuestra cómo su
inspiración para componer
buenas canciones continúa
in crecendo con este noveno
KEVIN DEVINE trabajo. Para esta ocasión nos
Instigator ofrece una versión más corta
(BIG SCARY MONSTERS/PROCASTINATE MUSIC que aquel doble disco donde
TRAITORS)
mostraba sus conocidas
POP ROCK
influencias de Nirvana o Elliot
80 Smith. En los once cortes
presume tanto de su faceta
como líder de la Goddamn
Band como de songwriter,
mezclando melodías
pegadizas con impecables
letras que expresan sus
82
trabajo debuten también Jeff
Pogan a la otra guitarra y
el bajista Ra ‘Chile’ Diaz,
porque la histórica identidad
del combo sigue bien
presente aquí. Al menos eso
denotan canciones como la
citada ‘Clap Like Ozzy’, una
‘The New Degeneration’ que
sólo Muir podría firmar o una
‘Living For Life’ que, pese a
su inicio raruno, acaba por
patear tantos culos como
esperamos. En este corte
todos pegan fuerte, pero hay
que reconocer que el que
más brilla es Lombardo con
pensamientos sobre diferentes
temas, ya sea el 11-S en ‘No
Why’ o el single ‘No History’,
con historias de primera mano
que hacen situarte 15 años
atrás durante un momento; la
brutalidad policial en 2015
con ‘Freddie Gray Blues’, un
blues a su manera, y tal vez
entre las mejores que haya
escrito, con el que dirige
una carta abierta al joven
afroamericano fallecido en
Baltimore desde su posición
de ‘privilegio blanco’ y su
larga tradición familiar de
policías; sus problemas
durante la mala vida en el
facilón y efectivo ‘Daydrunk’;
‘Both Ways’ es el mundo
a su manera entre una
sus redobles y su poderoso
doble bombo. ‘Get Your Fight
On!’, ‘World Gone Mad!’,
‘Happy Never After’ o ‘One
Finger Salute’ tienen calidad,
pero las que más me han
llamado la atención, y para
bien, son las finales ‘Still
Dying To Live’ y ‘This World’.
Ahora creerán que se me ha
ido la pinza, pero a mí sobre
todo me han trasladado al
grunge de la Seattle de los
90. Es precisamente esa rica
musicalidad lo que aplaudo
de este álbum.
PAU NAVARRA
distorsión voluntariamente
descontrolada; ‘Guard Your
Gates’ con unos coros muy
acertados; o su nueva vida
como padre y marido en
‘Magic Magnet’ (el tarareo
para empezar cada estrofa
es inevitable) o ‘Instigator’,
con muy buena madera de
hits; más pastelosas ‘Before
You’re Here’, o ‘No One Says
You Have To’. Terminando
con ‘I Was Alive Back Then’,
el de sangre irlandesa se
despide, acústica en mano,
tras un tema que fácilmente
podría resumir este Instigator
con el que, otra vez, Kevin
Devine ha vuelto a cumplir su
cometido.
ALEJANDRO LOZANO

USELESS ID
State Is Burning
(FAT WRECK)
PUNK ROCK
79
E U
l mundo de la música
es bastante injusto.
Ya puedes componer
grandes canciones como
‘Borrowed Time’, ‘How To
Dismantle An Atom Bomb’,
‘State Is Burning’ o ‘Detune’,
que el público te recordará
siempre como ‘la banda
de Israel que tocaba punk
rock’ y ya está. Sí, estamos
hablando de ellos, de
Useless ID, del grupo israelita
que lleva más de veinte años
en esto y que saca ahora su
octavo LP, grabado en The
Blasting Room por la pareja
de moda, Bill Stevenson y
Jason Livermore. El cuarteto
de Haifa se ha exprimido
para componer 15 nuevas
84
canciones que harán las
delicias de los fans de Bad
Religion, Lagwagon, NoFx
o No Use For A Name.
Según sus propias palabras,
“el objetivo era escribir el
mejor álbum de punk rock
que pudiéramos”, y doy fe
de que lo han conseguido.
Como diría un buen amigo
mío, State Is Burning es
un disco simpático que
contiene, entre otras, varias
curiosidades: por ejemplo,
‘45 Seconds’ es un tema
que dura exactamente eso,
pero el siguiente ‘Without
A Choice’ dura incluso
menos. Y es que el álbum
completo no llega ni a
la media hora, pero si lo
de que hablamos es de
curiosidades no podemos
obviar ‘We Don’t Want
The Airwaves’; sí, lo habéis
adivinado por el título, un
homenaje de principio a fin
a los Ramones, y no sólo
en la música, sino también
en la letra. Si tenéis la
oportunidad, leedla porque
Ishay Berger ha utilizado los
títulos de los discos editados
por el mítico cuarteto de
Queens y muchas referencias
musicales a la hora de
construir el texto.
JORDIAN FO
CROWBAR
The Serpent Only Lies
(CENTURY MEDIA)
SLUDGE, METAL
85
n jodido discazo
de principio a
fin. No sabemos
por dónde empezar a
alabar este nuevo álbum
de Crowbar, pero quizás lo
que está más conseguido
en The Serpent Only Lies es
el sonido de las guitarras
con unos Marshalls más
crujientes que de costumbre.
Kirk y Matt a las seis cuerdas
se han desmarcado del
sonido tradicional de las
guitarras en los discos de
sludge, y suena atronador
(literalmente puedes escuchar
los dedos moverse a través
del puente). Todd Strange
vuelve al bajo, haciendo que
el sonido de las guitarras
suene más gordo aún. No
tiene una labor demasiado
destacable en cuanto a la
composición, pero cumple
su objetivo (hacer que
las guitarras suenen mas
demoledoras en lugar de
acompañar a la percusión).
Windstein había comentado
anteriormente que en este
nuevo álbum quería volver
a las raíces de sus primeros
lanzamientos, y lo consigue
con esa mezcla de thrash y
sludge que empieza por la
estructura de las canciones
(veloces, medio tempos,
pero todas para hacer
headbanging) y termina por
las letras. Olvídate de las
etiquetas, aquí Crowbar se
dedican a pasárselo bien
sea con el estilo que sea.
Lo fundamental es que han
decidido volver a hacer
melodías y ganchos muy
pegadizos para canciones
que a priori estarían
destinadas a picar piedras
en los altares del metal,
convirtiendo a Crowbar en
una experiencia divertida
una vez más. Les ha venido
bien una mirada al pasado
para saber qué los hizo tan
jodidamente geniales en un
principio.
JORGE FRETES

TOTORRO
Come To Mexico
(RECREATION CENTER)
POST ROCK
80
E
n ocasiones, la
originalidad está
sobrevalorada. Me
explicaré. Cuando la banda
te gusta mucho, ¿qué más
da si te recuerda a otras
formaciones que también
te gustan? Me pasó con
los franceses Totorro. Este
cuarteto instrumental provocó
en mi interior sentimientos
encontrados la primera vez
que escuché el presente
Come To Mexico. Su post
rock festivo me recordaba
mucho, quizás demasiado,
a mis admirados And So I
Watch You From Afar del
entretenido All Bright Futures,
publicado en 2013. Según
he comprobado, justo un año
82
86
después, casualidad o no,
estos Totorro abandonaban
el post rock pesado y
gritón de sus EPs previos y
publicaban su primer largo
instrumental, Home Alone.
La influencia de los citados
ASIWYA es innegable, más
si cabe en el presente Come
To Mexico, su segundo
álbum. El parecido en la
dupla inicial, las pirotécnicas
‘Brocolissimo’ y ‘Yaaaago’,
es más que evidente. Dicho
esto, como ya apuntaba,
cuando la banda te pone
las pilas, poco más puedes
pedir. Y esto me sucede
cada vez que me enchufo
los once cortes incluidos
aquí, un disco muy pensado
–¡No hay dos estrofas
iguales!– y ejecutado con
una maestría fuera de toda
duda. Los Totorro bordan los
cambios de ritmo (en ‘Saveur
Cheveux’ y ‘Beverly Pills’
hacen que parezca fácil lo
difícil) y combinan como
nadie partes cerebrales con
otras de auténtico jolgorio
instrumental (la parte final de
‘100% Repos’ y la frenética
‘Gérard Blast’). Son tan
y tan buenos que incluso
ASIWYFA podrían ser fans
de ellos.
LUIS BENAVIDES
MELVINS
Basses Loaded
(IPECAC)
ROCK
60
D
espués de 33
años de carrera y
25 trabajos a sus
espaldas, no seré yo quien
juzgue la carrera de los
Melvins. Pero si dejamos de
lado su indudable legado
histórico y nos limitamos
a valorar lo que ofrecen
actualmente, Basses Loaded
no es de los mejores
álbumes de su discografía.
Tal vez haya influido la
imposibilidad de encontrar
a alguien fijo que se
encargue de tocar el bajo,
por mucho que puedan
contar con las aportaciones
de Steve McDonald o
de Krist Novoselic (hasta
seis músicos diferentes
aparecen en los créditos,
de ahí el título del disco).
Si lo mejor de este trabajo
es la robustez de los riffs
de guitarra, lo peor es
que los de Washington se
muestran irregulares, con
tendencia a la dispersión.
Ejemplos: ‘Shaving Cream’
es una broma de mal gusto,
el punto jazzy de ‘Planet
Distructo’ al principio está
bien, pero después de 6
minutos acaba resultando
excesivo y cansino, el
cariz country de ‘Maybe I
Am Amused’ está fuera de
lugar, y acaban con una
opereta circense bajo el
título de ‘Take Me Out To
The Ballgame’. Opino que
Basses Loaded, más que un
álbum de doce canciones,
es una colección de ideas
y bocetos que los Melvins
deberían haber pulido mejor.
Como curiosidad, Steve
McDonald ha ayudado a
versionar ‘I Want To Tell
You’ de The Beatles, aunque
quizá Buzz Osborne y
Dale Crover harían bien en
olvidarse de las revisiones de
clásicos y deberían centrarse
en fichar a un bajista para
seguir componiendo mejores
canciones.
JORDIAN FO

ASPHYX
Incoming Death
(CENTURY MEDIA)
DEATH DOOM
80
L
a pulsión death de
Incoming Death no
está nada mal, pero
la doom arrasa. Si bien
es cierto que un inicio tan
directo y agresivo como el
de ‘Candiru’ es un agradable
puntapié, lo que más
gozaremos de la nueva obra
de Asphyx lo empezamos
a encontrar en un medio
tiempo como ‘Division
Brandenburg’ y, sobre todo,
en la empalmada ‘Wardroid’.
Y recalco lo de ‘empalmada’
no sólo por el concepto
técnico, porque cómo me la
ha puesto este tema supera
con creces el efecto de medio
frasco de Viagra. El jefe de
Martin van Drunen vocifera
en su salsa con esa garganta
canina y estrangulada que
siempre ha tenido, pero es
que está pletórico en todo
el álbum. No es ninguna
novedad. Puede parecer
que ‘The Feeder’ no aporta
demasiado, pero sus
cambios de ritmo vacilones
y un desarrollo de doom
épico le dan brillo. ‘It Came
From The Skies’ sigue por
la misma senda… ‘Bah,
este riffaco ellos lo hacen
con la punta’, pero cuando
pisan el acelerador… La
leche, otra canción para
tener en cuenta. Eso sí,
como ya anunciábamos,
la lentorra, emocionante
y tremebunda ‘The Grand
Denial’ justifica la leyenda del
combo holandés, y mientras
pasamos por un rápido
trallazo como el corte que
titula esta obra y ‘Forerunners
Of The Apocalypse’ nos
da headbanging, ‘Subterra
Incognita’ evidencia otra
vez su señorío a la hora de
facturar death doom. Debuta
el batería Stefan ‘Husky’, pero
hostias, es que este tipo ha
pillado de maravilla el rollo
primitivo de Bob Bagchus.
Imposible un mejor final que
‘Death: The Only Immortal’.
PAU NAVARRA
GODDAMN
More Human Than Us
(NECROMANCE)
GROOVE METAL
70
H
ace tiempo que dejé
de sorprenderme
de que en este país
surgieran propuestas con
un sonido de calidad, un
proyecto de banda con cara
y ojos y un buen discurso
musical. Esto, hoy por hoy, ya
no es un hecho aislado y hay
una muy buena cantidad de
grupos que facturan trabajos
profesionales. Goddamn
forman parte de ese club
de bandas nacionales
que traen bajo el brazo
argumentos para generar
interés, y lo demuestran con
este sólido debut. El quinteto
nos presenta un trabajo con
todos los elementos presentes
en el metal moderno con
algún toque deathcore que
le aporta una pizca de
brutalidad. La producción le
da un sonido claro, limpio
y un tanto artificial. Si bien
es un sonido explosivo que
da un efecto deslumbrante
al principio, a través de las
escuchas pierde ese fuelle y
deja entrever las carencias
de este álbum. El sonido
se me antoja genérico y
robótico, especialmente
en las baterías, y las
composiciones en ocasiones
acompañan a esa sensación
de haberlo escuchado
antes. Hay algunos riffs que
me recuerdan demasiado
a otras bandas, estructuras
demasiado predecibles y
recursos compositivos de los
que se abusa. Que nadie
se confunda, no es para
nada un mal disco. En él
hay melodías y ritmos que
te harán mover la cabeza,
temas bien estructurados
que funcionarán muy bien
en directo y una producción
que, pese a ser común,
te dejará disfrutar de todo
ello, pero le falta esa
personalidad que seguro
encontrarán en siguientes
entregas, porque calidad no
les falta a los jerezanos.
ABEL VALDELVIRA
87
VIOLENT
EVE HAS DE SABER...
FORMACIÓN: J Jurado (voz), Diego López (guitarra), Krono
(guitarra), Nacho CRD (bajo), Álvaro Rodríguez (batería)
PRODUCIDO POR: Alex Cappa
AFINES A: Gojira, Whitechapel, Meshuggah
PÁGINA WEB: www.facebook.com/violenteve
 S
i alguna cosa no han
tenido los madrileños
Violent Eve desde
que se fundaron en 2009 ha
sido, ciertamente, estabili-
dad. Cambios de formación
continuos y problemas con
su anterior discográfica han
hecho que su trayectoria fue-
A Great Day ra poco menos que caótica
(BLOOD FIRE DEATH)
DEATH METAL, GROOVE METAL e irregular. Pero eso, lejos de
desanimarles o hacerles tirar
la toalla, definitivamente ha
85 producido justamente el efec-
to contrario. Y este A Great
Day, su tercer disco de estu-
dio, es, sin duda alguna, la
confirmación de todo esto.
Repitiendo otra vez produc-
ción y grabación con Alex
Cappa en The Metal Factory,
han conseguido darle la mis-
ma consistencia que su últi-
ma entrega, pero llevándolo
un paso más allá. Y menudo
paso, amigos. Arrancando
con una declaración de prin-
cipios que va directa al es-
tómago como ‘Nihil’ (donde
se aprecia la influencia de
Meshuggah) y continuando
con ‘Harmony’, que sigue la
misma onda pero nos regala
guitarras y ritmos sincopados
más parecidos a Gojira, el
disco avanza sin pausa pero
sin freno sobre la premisa
básica de no dar tregua en
ningún momento. El único
instante de relativa tranqui-
lidad nos lo proporciona la
hipnótica ‘Guiding Lights’,
que supone un nuevo camino
que veremos si son capaces
de seguir explorando en
el futuro, porque realmente
suena fantástica. Pero eso
es sólo un espejismo, ya
que trallazos como ‘Do Or
Die’, donde cabe destacar el
trabajo de J en las voces, o
‘One Enemy’, corte cercano
al math o al metal más mo-
derno, son los que realmente
definen el espíritu de este
trabajo. Y ese espíritu clara-
mente indica que Violent Eve
tienen por delante un futuro
realmente prometedor si todo
lo que les ha pasado no sólo
no les ha desanimado, sino
que les ha empujado a parir
su obra más brillante y so-
bresaliente. Grandes días les
esperan, sin duda.
KARLES SASTRE

HABLAMOS CON... DIEGO LÓPEZ

¿Qué supone A Great Day en
vuestra evolución musical?
“Para nosotros significa haber encon-
trado al 100% lo que queremos hacer,
con total libertad y totalmente satisfechos
con nuestro trabajo. Hemos aprendido a
mirar todos en la misma dirección, algo
que creemos vital en una banda y de lo
que deberíamos habernos dado cuenta
antes. Si te gusta la música no puedes
parar de evolucionar. El siguiente tra-
bajo que hagamos se podrá parecer a
éste o no”.
En vuestros temas aparecen
influencias de estilos muy dis-
tintos dentro del metal. ¿No os
gusta casaros con ninguno?
“Sencillamente no, no nos gusta, para
nosotros no tiene sentido cerrar las
miras y coartar la libertad musical, eso
es como cortarte las alas a ti mismo. Si
haces deathcore debes llevar dilatas,
muchos tatuajes, el corte de pelo del
momento y hacer la misma canción diez
veces en tu disco; si haces thrash lo mis-
mo con un chaleco de parches y elásti-
cos… y no. Algunos nos dicen que be-
bemos de muchos estilos, otros que no
hemos encontrado nuestro camino por el
mismo motivo aunque coinciden en que
el álbum, a pesar de eso, suena muy
homogéneo, y ése es nuestro camino,
ése es nuestro logro y lo que queremos.
No vamos a seguir un estilo concreto ni
una moda nunca, nos perjudique o no.
Hacemos lo que somos y así será hasta
que dure la banda”.
Habéis vuelto a trabajar con
Alex Cappa como productor.
¿Qué os aporta?
“Nos aporta todo lo que necesitamos
en la parte técnica en cuanto a sonido
se refiere, nos proporciona un ambiente
de trabajo distendido y divertido a la
vez que profesional y serio. Hace que
nuestra música suene como queremos,
nos pilla cerca y nos lo podemos permi-
tir económicamente”.
En el videoclip de ‘Harmony’
contáis con el actor Víctor Sevi-
lla. ¿Es colega vuestro?
“Le conocimos unos días antes de ro-
dar el videoclip en una fiesta, salió la
conversación de que íbamos a rodar
uno y, sin esperarlo ni solicitarlo, se
ofreció a protagonizarlo de manera
gratuita. Sin salir de nuestro asombro
aceptamos y tuvimos un actor profe-
sional trabajando en nuestro videoclip,
haciéndolo como ninguno de nosotros
o nuestros colegas hubiera podido ha-
cerlo. Así que muy agradecidos hacia
él. Respondiendo a la pregunta, no, no
era nuestro colega antes de rodar el
videoclip… ahora sí lo es”.
(DAVID GARCELL)

89

BELLAKO
Extinction
(AUTOEDITADO)
HARDCORE, CROSSOVER
70
T
ras la polvareda que
Bellako han levantado
con su tour junto a
Crisix tocaba reafirmar su
dominio estatal sobre el
hardcore con un álbum que
por fin les posicionara donde
se merecen. En mi opinión, los
de Mataró lo han conseguido
a medias. ‘El Nieto’ empieza
como un cañón, está claro,
aunque no acabo de entender
por qué la batería está tan
depurada en un disco suyo,
y por su parte, el tonelaje de
‘Manos Arriba’ te sienta de
maravilla. ‘En Nombre De
La Muerte’ también golpea
duro y a la mandíbula, es
uno de los momentazos de
este trabajo. Seguro que
‘Planta Madre’ con Sagan
90
de UMMO y DJ Bezpalov
les ha hecho mover el cucu
a la generación YouTube,
y sí, viva la coña, pero la
verdad es que ante algo
así la vieja guardia sólo
puede esbozar una mueca
de desaprobación. ‘Humo’
es concisa y destructiva,
objetivo 100% cumplido,
como en ‘Posesión /
Obsesión’, pero en ‘Has
Venido’ nos los encontramos
dirigiendo su rabia hacia el
crossover, donde yo no los
disfruto tanto. ‘Extinction’ es
tralla de la buena, aunque
a ‘420’ no le encuentro
el sentido. ¿Para qué ese
interludio, hacia dónde nos
lleva? La única función de
Bellako debería ser hacernos
papilla, nada tendría que
desviarles de ese cometido.
Si no fuera porque en ‘THC’
Juli de Crisix y Adri de Crim
aportan sus gargantas, lo
cierto es que la canción no
llamaría mucho la atención.
Suerte que ‘La Ciudad’ sube
el listón justo al final, porque
si en apenas 26 minutitos
hay tres o cuatro cortes que
no te dicen demasiado,
cuidadito. Sinceramente,
para mí Bellako, cuanto más
cerca del hardcore puro,
mucho mejor.
PAU NAVARRA
PELANDER
Time
(NUCLEAR BLAST)
FOLK, ROCK
80
E
l nombre de Magnus
Pelander debería
de haber sido uno
de los más destacados de
este 2016 y, sin embargo,
me da la sensación de que
ha pasado prácticamente
inadvertido para la gran
mayoría. Y básicamente eso
se debe porque al señor
no le ha dado la real gana
el promocionar una obra
maestra del nivelazo de
Nucleus como es debido,
renunciando incluso a ofrecer
conciertos sin dar ningún
tipo de explicación. Misma
suerte parece que correrá
este Time, primer disco en
solitario del genio detrás
de Witchcraft, y que por
otro lado no hace más que
confirmar su espléndido
estado de forma. Este álbum
vendría a complementar
a Nucleus, siendo la otra
cara de la moneda, pero
conservando toda la magia y
misticismo que guarda la obra
del sueco. Si el quinto trabajo
de Witchcraft nos llevaba de
la mano por los infiernos a
ritmo de doom metal, Time
se encarga de recuperar
los pasajes acústicos que
caracterizaban sobre todo
sus primeros discos, con esa
ambientación que nos hace
pensar en oscuras historias
de hechizos, dragones
y caballeros armados
con espadas. No cuesta
mucho pensar en todo ello
escuchando piezas como
‘Umbrella’, ‘The Irony Of
Man’ o la propia ‘Time’, en
las que Pelander se basta y se
sobra con su guitarra acústica
para llenar de fantasía sus
canciones. En momentos
puntuales se ayuda de
arreglos de cuerdas, pianos,
alguna eléctrica o coros
femeninos que enriquecen el
resultado aun manteniendo
ese toque austero a la par
que cálido. Nadie debería
pasarlo por alto.
GONZALO PUEBLA

MORTSUBITE
Deimos
(COMPAÑEROS DE TUMBA)
DEATHCORE
75
T
ercer trabajo de los
burgaleses, tercer
asalto que supone
un salto cualitativo notable
en materia de producción,
consiguiendo una aleación
entre los instrumentos y sus
dos vocalistas mucho más
compacta y cremosa que
en su anterior disco Black
Nécora. MortSubite invocan
al dios griego del terror
a base de deathcore con
guiños al groove americano
y detalles melódicos que
aportan algo de frescura a
unas composiciones que, en
general, pecan de planas
y poco dinámicas. En
ocasiones da la sensación
de que el combo nacional
quiere escapar de la
senda del deathcore más
convencional y tópico,
pero que no acaba de
conseguir este propósito
con autoridad. Si bien la
propuesta en este nuevo
álbum se nota mucho más
madura y elaborada que
en sus anteriores trabajos,
todavía no han dado ese
paso para encontrar su
propio sonido e identidad y
eso lastra la experiencia del
oyente que, a veces, tiene la
sensación de haber oído ese
riff, ese puente o ese cambio
de ritmo en algún otro lugar.
Si bien hay excepciones
dentro del álbum que
dejan entrever que la
formación camina por la
senda correcta que les hará
crecer, como es el caso de
la canción homónima que
cierra el álbum, creo que la
banda necesita otro trabajo
para acabar explotando y
desarrollando esas facetas
y lograr convencernos de
que no es otra banda más
dentro de su género. De
la misma forma, eso sí hay
que decirlo: si disfrutas con
el aplastamiento y los medio
tiempos en plan tanque,
desde luego lo vas a pasar
bien con MortSubite.
ABEL VALDELVIRA
WARDRUNA
Runaljod – Ragnarok
(INDIE RECORDINGS)
FOLK, AMBIENT
75
C
on más atención
mediática que
nunca e incluso un
tour europeo en marcha,
el ilustrísimo Einar Selvik
nos brinda ahora Runaljod
– Ragnarok, su tercera
obra dedicada a las
runas escandinavas. Sin
duda, su participación
en la serie Vikings les ha
dado un nuevo público,
mucho más mayoritario,
aunque espiritualmente los
black metaleros siempre lo
sentiremos como algo muy
nuestro. Esta vez sin Gaahl,
el noruego intenta aportar un
trabajo de contrastes, donde
la destrucción de todo es
también un nuevo comienzo.
Eso sí, aquí oscuridad y luz
no acaban de equilibrarse,
quizá hay demasiada
de la segunda, aunque
seguimos abstrayéndonos
en otro álbum netamente
folk y ambient como sólo
Wardruna pueden publicar,
un retorno a un pasado que
algunos se resisten a dejar
atrás, invocando viejos
poderes con instrumentos que
el mismo Selvik ha llegado
a reproducir en caso de ya
no existir. Si el ritual de ‘Tyr’
no llega a enamorar, luego
‘UruR’ despliega ya toda
la grandeza de Wardruna.
Cuesta reprimir las lágrimas
ante ‘Isa’, un monumento que
pone en evidencia la riqueza
de recursos, sobre todo
vocales, con los que cuentan
ahora. ‘MannaR – Drivande’
y su réplica ‘MannaR – Liv’
no me han acabado de
convencer, sobre todo la
segunda ya está en esa
frontera con el new age para
sexagenarios, y lo mismo
me ocurre con ‘Wunjo’. No
peques de asequible, Einar,
porque en cambio en ‘Odal’
ese coro infantil, que seguro
significa el renacer de la
vida, sí queda sensacional.
Pese a todo, seguimos
estando ante un genio.
PAU NAVARRA
91

KISS
Kiss Rocks Vegas
(UNIVERSAL)
ROCK
70
C
ómo se supone que
le tenemos que decir
a un grupo que mejor
lo deje ya? ¿Está la opinión
de un fan de siempre lo
suficientemente autorizada
como para pedir el retiro?
¿No es lícito que uno haga
con su vida o carrera lo que
quiera? ¿Cómo vas a parar
si todavía eres una máquina
de facturar dinero aunque tus
tres generaciones siguientes
no se vayan a gastar lo que
ya has ganado? Preguntas
todas éstas que encajan al
abordar lo que son Kiss en
el año 2016. Sus fans –la
mayoría- de toda la vida no
pueden aguantar el circo
en el que se ha convertido
la formación desde hace
82
92
tiempo y no encuentran
adjetivos suficientes
para mostrar el odio que
profesan por Tommy Thayer
y, en menor medida, Eric
Singer, y lo poco que
sienten la banda Stanley
y Simmons. En algunos
momentos de Kiss Rocks
Vegas cuesta no darles
la razón –hay algunas
interpretaciones que
sencillamente son indignas
de ellos-, pero Kiss siempre
han sido algo más que una
banda de rock y ahí es
donde sabes que, hagan
lo que hagan, el tinglado
está a prueba de bomba
y siempre generará un
mínimo entretenimiento
garantizado. Viéndolos
actuar ves que a cualquiera
de los cuatro le gustaría
estar en otro lugar, pero
cuando eres capaz de
aguantar el DVD de un
tirón o cómo los niños les
ven esa magia, aun con
esta versión edulcorada,
que tú les veías cuando
eras como ellos, es que
todavía algo queda ahí.
Son Kiss, y eso en sí ya es
toda una declaración de
principios. El gran timo del
rock’n’roll, y entiéndase en
el mejor de los sentidos.
RICHARD ROYUELA
CLOSE TO THE SKY
The Distant View
(AUTOEDITADO)
METALCORE, DJENT
60
N
o creo que haya
nada peor en el
mundo musical
que, cuando acabes de
escuchar un álbum por
primera vez, tengas la
sensación de que no
necesitabas escucharlo
completo, ni tan sólo un
50%, para hacer la crítica.
Los jovencísimos madrileños
Close To The Sky nos
proponen en su disco debut
un álbum de metalcore
moderno, ése que juguetea
con sonoridades djent y
progresivas en las que se
adhieren tintes electrónicos,
de lo más estándar y falto
de personalidad. Cada riff,
cada melodía vocal, cada
breakdown, ya han sido
oídos en otras formaciones
del estilo. Es difícil innovar
en la música, pero estos
chicos no se han esforzado
ni lo más mínimo en tener
personalidad. Dicho esto, el
disco suena como un trallazo
en toda la cara, con un
sonido nítido y cuidado en
una producción que no tiene
nada que envidiar a bandas
con muchísimos más medios
y presupuesto, y eso, junto a
su corta edad, juega mucho
a su favor. Es de esos casos
que dan rabia al encontrarse
una gran calidad de
ejecución y capacidad
para autoproducirse de una
manera tan satisfactoria
al servicio de una burda
copia a combos ya
establecidos. Ojalá se dé
cuenta este quinteto que
copiar a los grupos que te
gustan no te va a realizar
como formación y en una
próxima entrega nos den
composiciones más frescas e
impredecibles, porque seré
el primero que me baje los
pantalones para aplaudirles
bien fuerte. Close To The Sky
tienen calidad a raudales,
lo que necesitan son ideas
propias.
ABEL VALDELVIRA

CRUZ
Culto Abismal
(VARIOS SELLOS)
DEATH METAL
75
C
ruz tienen las cosas
claras y se están
moviendo bien. Ni
corto ni perezoso, nada
más publicar su debut Culto
Abismal ya se largaron
por Europa en una gira
de lo más punki, y no
precisamente corta. Sellos
tampoco les faltan, pues
cuentan incluso con el apoyo
de los polacos Selfmadegod
para el formato CD, así que
si te estás preguntando si
realmente valen la pena…
¡Aaarggh! Si lo tuyo es el
death metal de Estocolmo
de toda la vida, hijo mío,
has triunfado. En ‘Mundos
Disformes’ ya dan buena
muestra de su soltura
por estas latitudes, pero
siguiéndola ‘La Caza’,
estos catalanes ya te
dejan muy claro que aquí
no habrá tregua alguna.
‘A Cops De Destral’, ‘La
Pitjor De Les Plagues’ o la
estampida de ‘Intruso’ son
riffs suecos a destajo, y con
una sonoridad profunda y
muy noventera, parece que
se hayan largado a una
mazmorra atestada de ratas
para grabar este trabajo
junto a Javi Félez, para que
luego remate la faena un
mastering en los Audiosiege
de Pórtland. Disfruta de
este ‘tupatupa’ que apenas
cesa, del grumo que estas
canciones rezuman, esnifa
su aroma crustie, no seas
tonto… Con un terrorífico
Javi a las voces, ‘Tumbas
Ciclópeas’ y la cabrona
de ‘Pesanta’ elevan el nivel
de esta obra, y de qué
manera. En serio, si estos
dos cortes no consiguen
hacerle estallar la cabeza a
cualquier obseso de Grave,
Entombed, God Macabre
o Carnage, os juro que
me corto por fin las manos
y dejo de soltar mierda
en esta revista. Gente, no
nos engañemos: dar a los
metalheads lo que quieren
nunca falla.
PAU NAVARRA
TANO!
Tano!
(VARIOS SELLOS)
PUNK
80
E
l boom de los dúos
formados por un
guitarra y un batería
comenzó hace tiempo,
mucho tiempo. Nos
podríamos remontar al debut
homónimo de los The White
Stripes, publicado en 1999.
La pareja más rojiblanca
del indie rock quizás no
fueron pioneros de nada,
pero encarnan al power duo
más popular o célebre. A
partir de aquí empezaron a
surgir más y más defensores
del formato como No Age,
Two Gallants o Japandroids,
y Tano! son los últimos
en subirse al carro, cada
vez más abarrotado, y
también son una auténtica
apisonadora de dos piezas,
y menudas piezas. Por un
lado, Oskar Garcia, guitarra
y cantante, de Hürricade,
una de las mejores bandas
de post hardcore que ha
parido Catalunya en los
últimos diez años. Por otro,
Víctor Álvarez, una bestia
a la batería, aunque ahora
sea más conocido por sus
labores como cantante
y bajista de Anchord.
La primera referencia de
Tano!, grabada en riguroso
directo por Santi Garcia
en Cal Pau Recordings,
contiene diez escupitajos
de punk afilado y retorcido
con toques experimentales,
muy hipnóticos, berreos en
catalán, con unos títulos
impagables que evocan
violencia cinematográfica
(‘Quentin Tarantino’
y ‘Takeshi Kitano’),
ocultismo (‘La Torre De
Les Bruixes’, ‘L’Ànima En
Pena’) y cachondeo (‘Jano
Montano’), entre otras
muchas cosas. Saltamarges,
hogar de Anchord y
Hürricade, coedita esta
primera referencia con
regusto fugaziano con
otros dos sellos DIY como
La Agonía De Vivir y Krims
Kramz. Imprescindible.
LUIS BENAVIDES
93
CRIM

UNA
CANCIÓN
Y UNA
PROMESA
POCOS DISCOS DE PUNK ROCK MEJORES QUE
BLAU SANG, VERMELL CEL VAN A APARECER
ESTE AÑO. SUS CANCIONES INCITAN A
LEVANTAR LA VOZ Y LOS PUÑOS AL MISMO
TIEMPO QUE APELAN A TU INTELIGENCIA.
SI TODAVÍA NO CONOCES A CRIM, YA HA
LLEGADO EL MOMENTO.
TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR
A L CONTRARIO DE LO QUE OCURRE
con el rock euskaldun, los aficionados catalanes
siempre nos hemos sentido un poco huérfanos
con los grupos que cantaban en nuestra lengua. La ex-
plosión del llamado rock català en los 80, que culminó
con ese concierto en el Palau Sant Jordi con Sopa De
Cabra, Els Pets, Sau i Sangtraït en 1991, pudo tener su
importancia a nivel sociológico, pero musicalmente deja-
ba bastante que desear. Por suerte, en los últimos años,
la situación ha empezado a mejorar significativamente
y a nivel underground han surgido grupos que sirven
de contrapeso para la corriente más mainstream y pop
que representan bandas como Manel o Els Amics De Les
Arts. No hay duda de que los tarraconenses Crim son la
punta de lanza de esta nueva escena, básicamente cen-
trada en el punk rock y el hardcore, que no condiciona
su discurso musical al idiomático. Su debut homónimo
en 2014, con himnos tan potentes como ‘Castells De
Sorra’, ‘Desperta’ o ‘Tarragona Dorm’, enganchó a fans
de Social Distortion, Rancid o Cock Sparrer, pero, más
importante si cabe, a muchos adolescentes que lucen
con orgullo sus camisetas y cantan sus estribillos como si
 “YO CREO QUE HACEMOS LO QUE HACÍAN THE CLASH.
TODO EL MUNDO SABÍA DE QUÉ PIE CALZABAN, PERO
no hubiera mañana. Dos años des- NO TENÍAN NECESIDAD DE HACER UN PANFLETO”
pués y tras haber compartido esce-
QUIM MAS
nario con Bad Religion, Negative
Approach o The Last Resort, Adrià
Bertran (voz, guitarra), Quim Mas
(guitarra), Javi Dorado (bajo) y Marc
Anguela (batería) vuelven con su
segundo álbum Blau Sang, Vermell
Cel (Tesla/BCore), con el que revali-
dan su gran estado de forma. La voz
rota de Adri sigue sonando como un
baño de escupitajos llenos de reali-
dad, los riffs de guitarra te inyectan
energía y esos coros hooliganeros te
atrapan por completo.
Marc y Quim, también miembros
de los muy recomendables The Gun-
down, se acercaron a nuestra redac-
ción unos días antes de la salida de
su nuevo álbum para contarnos algu-
nos detalles de su creación y cómo
están viviendo el fenómeno que han
generado.

A nivel musical diría que Blau

Sang, Vermell Cel es un disco
continuista, pero quizá más
cuidado. ¿Estáis de acuerdo?
MARC ANGUELA “Nuestra inten-
ción era seguir la misma línea, pero
hacerlo mejor, con los temas más
trabajados, con más recursos”.
QUIM MAS “No hemos ido a bus-
car un cambio de sonido. Los temas
los hemos hecho con el mismo proce-
dimiento de siempre”.
Suele decirse que tienes toda
la vida para componer tu pri-
mer disco, pero sólo un año
para hacer el segundo. ¿Ha-
béis sentido esa presión?
QUIM “Con el primero, desde que
empezamos Crim hasta que graba-
mos el disco, pasaron tres años. Hay
temas muy antiguos, de las demos
que Adri grababa él solo, algunos
en los que yo todavía no estaba,
otros en los que ya estaba, y lo
metimos todo. En este caso, todo se
compuso ya pensando en que iba a
ser para el nuevo álbum”.
MARC “Pero la manera de hacer los
temas fue exactamente igual. Incluso
pensábamos en qué posición ocupa-
rían en el disco. Luego siempre hay
canciones que quedan mejor y otras
peor, pero la idea era hacer muchos
temas. Al final hicimos 13 con la
idea de dejar doce, pero no pudi-
mos quitar ninguno. 13 es un número
de mierda, pero bueno (risas)”.
¿Os sorprendió la repercu-
sión de vuestro primer traba-
jo? Porque prácticamente no
existíais antes.
QUIM “Sí, éramos un grupo maque-
tero. Nos sorprendió mucho. Cuan-
do salió la demo ya nos sorprendió
que llegara a gente más allá de
Tarragona y Barcelona, pero con el
disco no esperábamos más que lo
compraran los colegas de siempre y
diéramos los mismos conciertos de
siempre. Pero de golpe vimos que a
la gente le gustaba. Nos pasó algo

96

que nunca nos había pasado antes:
normalmente en los conciertos ves a
la misma gente y conoces a los que
llevan tus camisetas, pero ahora ya
no. Ahora ves a gente con camisetas
de Crim o cantando tus temas que
no conoces de nada”.
MARC “El otro día mi prima me
envió una foto de dos chavales de
16 años de su clase con camisetas
de Crim. O un colega nos dijo que
en el Resurrection había más camis
de Crim que de S.A. (risas)”.
Habréis vendido más camise-
tas que discos.
MARC “Sí, muchas más. Sólo mode-
lo de la soga igual hemos vendido
500, pero tenemos muchos modelos.
Y tenemos que hacer más (risas)”.
¿Tenéis alguna idea del por-
qué de este auge?
QUIM “Mi teoría es que encontrar
un grupo que cantara en catalán
haciendo punk rock o música ca-
ñera, que no tuviera un contenido
súper político y que tuviera estribillos
coreables, era casi imposible. No-
sotros hemos tenido grupos durante
muchos años y nunca nos habíamos
planteado hacer un grupo en cata-
lán, aunque lo hablemos entre noso-
tros, porque lo asociábamos a hacer
letras que fueran un panfleto o esa
puta mierda de la segunda Nova
Cançó Catalana o como lo que
quieras llamar”.
MARC “Adri y yo venimos del hard-
core y Quim y Javi vienen más del
oi! y del street punk, pero nunca nos
hemos querido posicionar política-
mente. Las letras podrían ser de un
grupo de hardcore, hablan de expe-
riencias, de la escena, de amores y
desamores y de injusticias sociales.
Al principio el grupo éramos los tres
compañeros de piso, Adri, Javi y yo,
Quim vino después de la primera
maqueta. Estaba muy bien ser tres,
pero vimos que si le metíamos la gui-
tarra de Quim iba a ser la hostia. Los
primeros tres temas eran en inglés,
pero un día iba conduciendo y sonó
un grupo en catalán y pensé ‘¿Y por
qué no probarlo?’. Lo hablamos y
decidimos intentarlo. De hecho, Javi
es castellanohablante, pero también
él dijo que sí”.
QUIM “Yo creo que ha sido una
casualidad”.
MARC “Al final cantar en tu lengua
es más fácil. Es más fácil hacer la
letra, es más fácil transmitir y no te
tienes que preocupar tanto por afinar
porque sale de manera más natural.
Si quieres transmitir sentimientos can-
tando en inglés, no es tan sencillo”.
Aunque rechacéis esa etique-
ta política, quizá mucha gen-
te que os sigue os la atribuye
por el simple hecho de cantar
en vuestra lengua.
MARC “La quieren ver. Nosotros
tenemos nuestras ideas, pero nunca
se nos ha pasado por la cabeza ha-
97
cer un grupo político. Mi infancia
musical empezó con NoFx o Pen-
nywise, que hablan de injusticias,
pero no de política. Si me tengo
que mojar e ir a una manifestación,
lo haré, pero a nivel personal, no
de grupo. No somos abanderados
de nada”.
QUIM “Yo creo que hacemos lo
que hacían The Clash. Todo el
mundo sabía de qué pie calzaban,
pero no tenían necesidad de hacer
un panfleto”.
MARC “Los temas hablan por sí
solos, no hay que buscar más. Yo
creo que algunas letras de Adri
son más de izquierdas simplemente
escupiendo mierda sobre el siste-
ma que las de grupos que explíci-
tamente son antifascistas”
QUIM “Hay una letra del nuevo
disco, la de ‘No Hi Serem’, que
habla de todo esto. Va por la
gente que tiene dificultades para
entendernos”.

Para mí quizá la gracia es

que el idioma no presupo-
ne que vuestras influencias
sean de grupos que canten
en catalán, sino que vienen
de Social Distortion, Cock
Sparrer o Hot Water Music.
QUIM “Ésa era la idea del grupo,
y quizá es la clave para haber
llegado a más gente. Con muchos
grupos en castellano pasa un poco
lo mismo, parece que todo venga de
Rosendo. Pero Crim ha salido en un
momento en el que hay otros grupos
como The Anti-Patiks o Col·lapse que
hacen rollo californiano o hardcore
de Washington en catalán, cuando
siempre se había hecho en inglés.
También están Els Dröpools que
hacen street punk. Parece que se ha
perdido el miedo a hacer la música
que te gusta en tu lengua. Yo me
alegro mucho”.
MARC “Es que el rock català hizo
mucho daño porque parecía que
tenías que sonar a Sopa De Cabra,
Sau o Els Pets. También es cierto que
decir tacos en catalán y que suene
bien no es fácil (risas). Pero Adri lo
consigue”.
Cuando os he visto en con-
cierto impresiona ver cómo
la gente se sabe las letras
enteras. Casi parece que en
el nuevo álbum los estribillos
estén pensados para que la
gente los cante.
MARC “Sí, tal cual (risas). Creo que
Adri siempre intenta que cada can-
ción sea un himno. Se pone el listón
muy alto”.
QUIM “Yo creo que si nos va mejor
que con grupos anteriores es porque
la gente se puede aprender las letras.

98

En inglés es más difícil. Esto entra fá-
cil, es gaseosa. Si escuchas el disco
cinco o seis veces, ya te las sabes”.
Pero también es porque no
tenéis miedo de hacer melo-
días, ¿no?
MARC “Básicamente viene por las
influencias del oi! y el punk inglés”.
QUIM “Al final es lo que pone las
pilas a la gente. A mí me encanta”.
Y los propios coros a cuatro
“AHORA VES
A GENTE CON
CAMISETAS DE CRIM
O CANTANDO TUS
TEMAS QUE NO
CONOCES DE NADA”
QUIM MAS
voces ya animan a cantar.
QUIM “Sí, es la fórmula. No es que
lo pensemos matemáticamente, pero
es lo que nos sale. No me entra
en la cabeza que sólo cante uno
(risas)”.
El hecho de sacar el disco con
BCore supone pasar a otro
nivel. ¿Han crecido vuestras
expectativas?
QUIM “Nosotros siempre hemos
estado muy empeñados en hacerlo
todo nosotros. Nos ofrecían ayuda y
decíamos que no (risas). Nos hace-
mos los diseños, las camisetas, nos
grabamos e hicimos un sello para
poder editarnos. Pero llegamos a
un punto en el que era difícil seguir
así. Uno de los aspectos claves es la
distribución que BCore tiene. Nos lo
tuvimos que pensar. Podíamos haber
seguido igual, pero veíamos todo el
trabajo que nos venía encima y de-
cidimos adaptarnos a la nueva situa-
ción del grupo. Todavía nos estamos
adaptando (risas). Pero el álbum sale
compartido con nuestro sello Tesla
porque no podemos desprendernos
del todo”.
MARC “Hasta ahora el grupo siem-
pre ha sido autosuficiente. Si ganá-
bamos 200 euros en un concierto, lo
invertíamos en hacer camisetas y con
lo que sacábamos de ahí, podíamos
comprar unos micros, y así. Nunca
hemos tenido que poner dinero del
bolsillo. Crim lo paga todo, aunque
nosotros no tenemos ni un duro (ri-
sas). Para nosotros irnos a grabar
una semana con Santi (Garcia) es
como irnos de vacaciones pagando
Crim (risas)”.
¿Y qué pasa con The Gun-
down, vuestra otra banda?
MARC “Gundown está parado
porque Crim está muy activo, pero
queremos grabar. Estamos haciendo
temas para grabar el año que viene.
Los otros miembros tienen que resig-
narse porque nosotros no tenemos
tanto tiempo”.
99
DARK TRANQUILLITY

EL DAÑO ESTÁ HECHO

 PRECURSORES DEL CONOCIDO COMO ‘SONIDO GÖTEBORG’, DARK
TRANQUILLITY ESTÁN DE VUELTA CON SU NUEVO ÁLBUM ATOMA. UN POTENTE
TRABAJO QUE DEMUESTRA QUE LOS SUECOS NO ESTÁN DISPUESTOS A VIVIR
DE RENTAS. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR
H
ACE DOS AÑOS,
Dark Tranquillity cum-
plían sus bodas de pla-
ta como grupo. Una
prueba de que, si bien nunca alcanza-
ron la popularidad de coetáneos suyos
como In Flames o la reputación de At
The Gates, la calidad de su death
melódico ha conseguido suficientes
adeptos para proporcionarles una ca-
rrera duradera. Pero mientras otras
bandas con trayectorias parecidas
empiezan a intentar vivir de la nostal-
gia, el grupo, que en la actualidad
forman Mikael Stanne (voz), Niklas
Sundin (guitarra), Anders Iwers (bajo),
Martin Brändström (teclado) y Anders
Jivarp (batería), todavía siente el impul-
so creativo para hacer nueva música.
Atoma (Century Media), su undécimo
álbum, fue grabado en el estudio de
Brändström con el fin de trabajar a su
ritmo, sin ningún tipo de presión añadi-
da a la que ellos mismos se imponen.
Y es que, por lo que nos cuenta su
vocalista, incluso los grupos veteranos
sufren de insomnio ante el reto de com-
poner nuevas canciones que conden-
sen agresividad, poesía y su voluntad
de experimentar.
En una banda con una carrera
tan larga como la vuestra,
¿cuál es la mayor motivación
a la hora de empezar un nue-
vo álbum?
MIKAEL STANNE “Diría que la prin-
cipal es ‘¿Podemos hacerlo? ¿Pode-
mos hacer otro disco que nos satisfa-
ga?’. Al final se trata de intentar hacer
algo mejor, expandir nuestro sonido y
al mismo tiempo, conservar lo que ya
nos gusta de él; encontrar nuevas ma-
neras de hacerlo, encontrar melodías
más potentes que tengan un mayor
impacto. Es un gran desafío y no es
fácil de conseguir. No hemos descu-
bierto todavía el secreto para hacer
nueva música. Es algo que nos sigue
preocupando. Nos preocupa mucho
(risas). Seguimos pasando noches en
vela pensando en cómo mejorar las
canciones. Y lo odio (risas). Porque
cuando llevas 200 tomas de una can-
ción porque quieres que sea perfecta,
acabas odiándola (risas). Lo más im-
portante es hacer algo nuevo que te
llene tanto como lo que hiciste hace
diez o quince años atrás. Quieres vol-
ver a sentir esa chispa creativa que te
haga feliz. A nivel personal, una de las
cosas que más llena es el trabajo en
equipo. Igual presentas un tema y aca-
ba siendo algo totalmente distinto gra-
cias a las aportaciones de cada uno.
Ir construyendo a partir de una idea
simple y acabar con algo enorme. Eso
me gusta mucho. Y también ver cómo
hemos progresado. Hace veinte años
estábamos en el garaje de mis padres
y ahora estamos en un estudio con el
mejor equipo del mundo. Es algo que
valoramos mucho”.
Por lo que dices, la motivación
es mejorar lo que habéis he-
cho, pero ¿sientes que todavía
tenéis algo que demostrar al
mundo exterior?
“No lo creo. Tiene que ver con noso-
tros mismos. Obviamente sientes algo
de presión porque éste es nuestro un-
décimo disco y tienes que demostrar
que sigues siendo relevante y que tie-
nes algo que ofrecer. Sería bastante
fácil juntar cuatro riffs y pegar cuatro
gritos, pero el listón que nos hemos
puesto es mucho más alto que eso.
Creo que nuestras expectativas son
mucho más altas de las que pueda
tener la gente de fuera”.
Deberías estar feliz, porque el
álbum transmite esa exigencia
e ilusión.
“Muchas gracias. Creo que eso es
muy importante, que puedas sentir esa
emoción porque le hemos puesto todo
nuestro corazón. Si te hace sentir algo
me hace muy feliz porque no es fácil.
Hoy en día las grabaciones se hacen
en un entorno muy estéril y no es senci-
llo conseguir esa energía que poda-
mos tener en directo”.
Y ya no sólo en la grabación,
sino en la propia composi-
ción. Cada vez más los gru-
pos trabajan enviándose ar-
chivos por internet y a veces
se echa de menos ese senti-
miento de estar cinco perso-
nas creando juntas.
“Sí, yo también lo noto a veces. Cuan-
do un grupo es realmente bueno mere-
ce la pena grabar en directo. Pero a
nivel práctico está claro que hacerlo
101
 “PODEMOS TOCAR EN TODO EL MUNDO, PERO NO TENEMOS LA PRESIÓN
DE COMPLACER AL GRAN PÚBLICO. EL QUE TENEMOS LO HEMOS IDO
CULTIVANDO A LO LARGO DE VEINTE AÑOS Y SIGUE AHÍ”
MIKAEL STANNE

por separado tiene muchas ventajas.
En nuestro caso, nos conocemos tanto,
que creo que podemos hacerlo sin que
se pierda la esencia. Los dos Anders,
bajista y batería, tocaron mucho juntos
antes de la grabación para tener una
base realmente sólida. Es una cuestión
de experiencia”.
Personalmente, ¿qué querías
o necesitabas decir en este
disco?
“No es que sintiera que tenía que gri-
tarle al mundo, pero desde luego es
una forma de expresión y de desaho-
garte. Es una manera de sacar la ener-
gía negativa, la rabia y la frustración
que no te deja dormir. Mucha de la
negatividad de estos dos o tres últimos
años viene por la situación global, por
el creciente conflicto entre ideologías,
por el auge de políticos intolerantes…
Pero también puede venir de una sim-
ple discusión con un amigo o por ver
cómo nos tratamos los unos a los otros.
La idea de que por ser de un lugar
determinado no puedas tratar bien a
alguien de otro es terrible. Nos fijamos
en las diferencias en lugar de en lo
que nos une. La xenofobia y la intole-
rancia son muy destructivas. Desearía
que pudiésemos superar toda esa men-
talidad tribal. Da un poco de miedo.
En nuestro pequeño país, Suecia, ves
cada vez más esa rabia contra los
inmigrantes. En lugar de sentir empatía
por esa gente y verlo como una oportu-
nidad para abrir la mente, la gente se
pone a la defensiva. Es muy triste. Así
que básicamente el disco refleja mi
cabreo con la gente (risas)”.
Desde luego hay una falta de
empatía absoluta. Cualquiera
que estuviera en la situación
de un refugiado esperaría que
alguien le ayudara.
“Sí. Quizá en Suecia es porque nunca
hemos sufrido una guerra. Nunca he-
mos sido atacados por otro país. Qui-
zá la paz nos ha hecho peores (risas).
No tenemos ni idea de lo que puede
sentir un refugiado. Vivimos en una
burbuja y la gente sólo quiere proteger-
la. Para mí todo esto no es una cues-
tión política, sino de pura humanidad”.
Volviendo a la música, ¿a es-
tas alturas os sigue influyen-
do algo nuevo que podáis es-
cuchar o básicamente es vues-
tro propio legado el que os
influencia?
“Seguimos abiertos a cualquier cosa,
pero es difícil romper con lo que eres.
Una de las cosas que dijimos cuando
nos pusimos a componer hace año y
medio fue que intentáramos alejarnos
tanto como pudiéramos del sonido de
Dark Tranquillity. Ésa fue la premisa.
Pero por supuesto a medida que vas
avanzando acabas sonando a Dark

102

Traquillity porque es quienes somos.
Tenemos un cierto estilo que tenemos
muy interiorizado. Pero al menos, creo,
tuvimos la actitud correcta para poder
evolucionar”.
Una cosa que me ha llamado
la atención las últimas veces
que os he visto en directo es
que sonreís mucho y se nota
que lo estáis pasando bien.
¿Crees que quizá antes mante-
nías una pose más seria que
fuera más acorde con vuestra
música?
“Quizá en las dos primeras giras inten-
tábamos mostrarnos más serios y con
el tiempo nos fuimos relajando. Supon-
go que no tenemos miedo de mostrar-
nos como somos. Creo que nos comu-
nicamos mucho mejor con el público
también. Esa relación con el público
es de las mejores cosas del mundo.
Poder tocar esta música oscura que
trata temas profundos ante un público
que los entiende es fantástico. Miras
a alguien a los ojos y ves que te en-
tiende. Supongo que eso es lo que
me hace sonreír. Ves que funciona.
Además, estar de gira es bastante
estresante, te pones nervioso antes de
salir al escenario, así que cuando
finalmente sales a tocar, te relajas”.
Empezasteis el grupo siendo
muy jóvenes y ahora tenéis
un catálogo que muchos gru-
pos sólo alcanzan al final de
su carrera. Pero me imagino
que vosotros todavía sentís
que el final está lejos.
“Bueno, a veces me puedo sentir muy
viejo (risas). Creo que todavía tene-
mos por delante algunos de nuestros
mejores años. Ahora mismo estamos
ensayando y pensamos que va a ser
DARK TRANQUILLITY
una gira fantástica. Creo que esta-
mos más en forma que hace diez
años (risas). Cuando era un crío y
veía a un grupo que tenían 30 años,
pensaba ‘¡Dios, qué viejos!’ (Risas).
Pero ahora sales de gira y ves grupos
que son mayores que nosotros y toda-
vía rockean, y piensas que todavía
tienes mucho por delante. Es inspira-
dor. Siempre nos hemos sentido como
una banda joven, porque quizá em-
pezamos un par de años más tarde
que otras bandas de Göteborg. Pero
claro, cuando tienes 14 años, dos
años son muchos. No sé, creo que
ese sentimiento de ser la banda joven
nos sigue acompañando, aunque ya
no lo seamos. A menos que perdiera
la voz y cantara horrible, no creo
que me retire en los próximos veinte
años (risas)”.
Y por otro lado, estáis en una
posición en la que ni sois un
grupo underground ni uno
que tenga la obligación de
vender millones para poder
alimentar una gran maquina-
ria. ¿Estás contento con cómo
se ha desarrollado vuestra
carrera?
“Sí, me gusta mucho la trayectoria
que hemos tenido. Siempre hemos ido
progresando y nunca hemos tenido un
disco que explotara comercialmente y
que tuviéramos que igualar su éxito
después. Me gusta que podamos
tocar seis nuevas canciones en cada
gira y nadie se queje. Eso es bastante
raro. Podemos tocar en todo el mun-
do, pero no tenemos la presión de
complacer al gran público. El que
tenemos lo hemos ido cultivando a lo
largo de veinte años y sigue ahí. Cla-
ro, sería genial ganar más dinero,
pero al final no se trata de eso”.
Más dinero, más problemas...
“(Risas) Sí, eso es lo que dicen, pero
es verdad. Me gusta poder tocar en
locales donde la gente te puede ver
de cerca, lo hace más especial. Me
gusta que mantengamos los pies en el
suelo. A veces tocas en una pequeña
ciudad en Estados Unidos y nadie
viene a verte, y al día siguiente tocas
en una sala llena. Y además, algunas
veces esos conciertos que parecen
que van a ser un desastre se acaban
convirtiendo en los mejores de la gira,
porque las 200 personas que hay
ahí, lo dan todo. Es una cura de hu-
mildad y hace que aprecies más
cuando las cosas salen bien”.
103
BARBARIAN SWORDS

‘
NO HAN DEJADO INDIFERENTE A NADIE. SU SEGUNDO LARGO WORMS HA
SERVIDO PARA PONER DE ACUERDO A TODO EL MUNDO EN QUE, AHORA MISMO,
A BARBARIAN SWORDS HAY QUE TOMARLOS MUY EN SERIO. AL EXTREMO DEL
EXTREMO. TEXTO: ANDRÉS MARTÍNEZ FOTOS: LIBER ÁLVAREZ
S
ÓLO UNA ESCUCHA
al irreverente Worms (varios
sellos) y sabes que estás ante
algo grande, y eso en una
escena como la del metal extremo,
plagadita de medianías con solamente
imagen, es de agradecer. Por momen-
tos los altavoces parecen a punto de
explotar y da la sensación de que no
sólo no se autocensuran a la hora de
sonar tan viscerales, sino que incluso
potencian esa característica. De nuevo
los estudios Moontower, con la sabidu-
ría de Javi Félez (Graveyard) como pro-
ductor, fueron la escena del crimen en
la que Von Päx (voz), Voice of Noise
(guitarra), Steamroller (guitarra), Panzer
(bajo) y Joe Beltza (batería) sometieron
sus instrumentos y sus cuerpos y mentes
para conseguir un sonido abrumador
que, sobre todo en los temas más
doom, es espectacular. Pero no le qui-
temos espacio a la banda con nuestras
vacías impresiones, dejemos que sea
el enajenado Von Päx quien que nos
cuente qué diablos han pretendido
este quinteto de la Catalunya profunda
grabando una salvajada como ésta. La
palabra es suya.
A tu modo de ver, ¿cuáles
son las diferencias entre el
anterior Hunting Rats y este
Worms? Mi impresión es que
vuestro primer disco fue como
un esbozo de lo que queríais
hacer y, con este segundo,
habéis encontrado definitiva-
mente el camino a seguir. ¿Es-
tás de acuerdo?
VON PÄX “Bueno, la creación de
un álbum y tu posterior evolución du-
rante los años venideros no suele ser
algo premeditado, simplemente van
ocurriendo cosas que te hacen pro-
gresar. Incluso a una banda como la
nuestra parece haberle pasado esto,
por desgracia… Lo que sí es cierto
es que, comparado con éste, Hunting
Rats parece una bromita ingenua, y
mira que sigue siendo mucho más
extremo de lo que mucha gente está
dispuesta a sufrir… A mi modo de ver,
todos los cabritos que me acompañan
en Barbarian han mejorado con sus
instrumentos, cosa que me cabrea
sobremanera… Es lo que tiene llevar
dos años y pico más de ensayos…
Ahora cada uno conoce mejor su
rol en el grupo y qué debe aportar
musicalmente hablando; estamos mu-
cho más seguros en nuestras facetas,
vamos. Yo por ejemplo he ampliado
mi registro al micro, soy capaz de
algunas tropelías que antes no podía
ni imaginar, y además Worms es la
primera grabación con Joe Beltza tras
los parches, sin duda el batería más
talentoso que hayamos tenido. ¡Es
incluso demasiado técnico para no-
sotros, a veces tenemos que frenarle!
(Risas) Creo que en Worms lo doom
es más doom y lo black es más black,
y eso puede apreciarse en un mismo
tema, con el consiguiente daño cere-
bral para el oyente, claro…”.
El nivel de violencia tanto so-
nora como líricamente es mu-
cho más alto en estas nuevas
canciones… ¿Cuánta importan-
cia le dais vosotros al concepto
extremo? ¿Habéis desechado
alguna canción por no sonar lo
suficientemente brutal?
“Por supuesto que sí, pero ocurrió
con Hunting Rats, no con Worms. En
este disco ya gozábamos de plenos
poderes en esta faceta. Barbarian
Swords nos creamos para conseguir
algo muy concreto: fundir lo más ca-
nalla y abrasivo del black metal con lo
más desquiciado y desesperado del
doom, y nada cambiará nunca eso. Es
nuestra razón de ser, no intentar sonar
lo más extremos posibles sería faltar a
nuestros principios fundacionales. Ser
lo más ofensivos y putrefactos que po-
damos, o no ser. Si de pronto nos blo-
queáramos y ya no nos salieran más
canciones así, dejaríamos la banda
inmediatamente. Ya no tendría ningún
sentido, ya no seríamos nosotros. Con
el debut recuerdo ‘Immortal Victory’, un
tema completo que decidí tirar entero a
la basura porque me sonaba a power
metal, a Stratovarius… El resto de la
banda quería incluirlo en el disco, pero
ahí usé mi derecho a veto, como en la
cochina ONU. No podía tolerar eso.
Menuda tiranía tenemos impuesta yo y
mi hermano Voice of Noise… (Risas)”.
¿Cómo se graba una bestia-
lidad así? Por ejemplo, escu-
cho las voces de ‘Requiem’ y
no puedo imaginar cómo se
puede registrar algo tan sal-
vaje. Por cierto, si tuviera que
quedarme con algún tema
105
favorito, sin duda éste sería
el elegido… ¿No crees que
es la composición que mejor
define la barbarie sonora que
practicáis?
“Sí tío, estás en lo cierto, para mí
‘Requiem’ es lo mejor que ha parido
nunca Barbarian Swords, eso es lo
que practicábamos en nuestros tiem-
pos más remotos… Simplemente nos
reuníamos, pillábamos un pedo de
aúpa, Voice se inventaba un riff que
se repetía infinitamente, y con un ritmo
mortecino nos explayábamos minutos
y minutos en un mantra diabólico…
Yo me pegaba, me tiraba por el suelo
en una agonía sin fin... Ya era hora
de que plasmáramos eso en una de
nuestras obras, y quiero que ése sea
nuestro camino a seguir con el tercer
álbum. Veremos si lo logramos… Res-
pecto a la voces de ‘Requiem’, te diré
que fueron totalmente improvisadas,
me puse ante el micro sin ninguna no-
ción de qué cojones iba a ocurrir. Lo
di todo, me golpee, estaba fuera de
mí… Por supuesto vocifero cosas en
inglés y pueden llegar a entenderse,
pero fue totalmente al libre albedrío,
sin ninguna puta letra a la que ceñirse.
Somos Barbarian Swords para hacer
cosas como éstas, ¿dónde coño está
escrito que debas plantarte al estudio
con todo súper medido, sin dejar lugar
a la anarquía? A la mierda con todo,
qué cojones… En esa oda a la pu-
trefacción también se unió Zé Pekeño
para dar con la primera colaboración
en un disco nuestro. Creo que juntos
conseguimos un bonito dueto (risas)”.
Por cierto, hablando de tus
textos… La última vez que ha-
blamos me comentaste que no
habías incluido las letras de
Hunting Rats en el artwork
106
porque no querías acabar en
la cárcel. Aun sin tenerlas en
mis manos, creo que las letras
de Worms son todavía más
hirientes. Háblanos de tu filo-
sofía a la hora de escribir tus
canciones y, de paso, sácanos
de dudas y dinos si esta vez
por fin se van a incorporar
como parte indispensable de
vuestra música.
“Esta vez estarán disponibles las letras
en todos los formatos del disco, sí,
pero no por ganas mías, sino por razo-
nes estrictamente estéticas. Joder, no
puedes irle a un sello y decirle que vas
a pasar de meter las letras cuando
quieren un libreto de 12 páginas en el
CD, o debes sacar un doble vinilo
gatefold… ¿¡Cómo carajo llenas todo
ese espacio!? Quedaría de lo más
feo, así que podréis leerlas, pero pura
y simplemente por esa razón, porque a
mí me importa una puta mierda que
estén disponibles o no. Luego, que sea
lo que el falso Dios quiera… (Risas)
Suelo escribir las letras a mi aire, no
necesito que me pasen un tema com-
pleto para ello. Luego las adecuo,
claro, pero en general se ciñen a mi
estado de ánimo. Cuando estoy a
punto de cometer una masacre, harto
de convivir con la asquerosa sociedad
occidental y siendo totalmente cons-
ciente de mi patética condición huma-
na, es entonces cuando fluye mi lírica.
Por ejemplo, ‘Ultrasado Bloodbath’ la
creé entera en mi cabeza volviendo
del Netherlands Deathfest en avión.
Me cago en su puta madre, me tocó
al lado un gordo repugnante que enci-
ma iba de guapo, ¡se pasó todo el
jodido viaje haciéndose selfies, ponien-
do morritos ante la cámara! Luego
delante tenía una puta familia feliz,
todos con sus ricitos rubios y risueños…
Había una niña apestosa con un tim-
bre tan agudo que me venían arcadas,
y su jodido padre no dudaba en tocar-
me con el codo para jugar con ella en
el pasillo. Hijos de la gran puta, desee
con todas mis fuerzas que esa colec-
ción de infectos gusanos padeciera el
peor de los tormentos imaginables, y
de ahí surgió toda la canción. Es mi
venganza, mi violación en masa y
justiciera. Lo que le deseaba a toda
esa gentuza vomitiva. Tras terminar el
disco me he dado cuenta de que, o
bien están escritas todas en primera
persona, o directamente en imperativo.
No soy precisamente un Shakespeare,
voy a la oración simple y a infligir el
mayor daño posible. Worms le canta
a la guerra eterna contra todo signo
de fe, idealismo, ética, moralidad o
religión de este planeta, a la venganza
sangrienta, a la persecución cruel y sin
cuartel de todos tus enemigos. Quere-
mos reducir este puto mundo a ceni-
zas, la humanidad es un cáncer a erra-
dicar a base de sexo anal por la fuer-
za y decapitaciones sumarísimas. Mis
letras son nihilistas hasta las últimas
consecuencias, misantropía exacerba-
da. A sangre y fuego, sin piedad”.
En mi opinión, el black fue
una de las últimas corrientes,
digamos, vírgenes de la esce-
na rockera. Era realmente in-
dependiente, sorprendió a
todo el mundo llevando el me-
tal un paso más allá y obvia-
mente parecía que era un esti-
lo que no iba a caer en las
fauces del corporativismo.
¿Crees que el mensaje o la
filosofía real del black metal
se ha perdido por el camino
entre shows cada vez más
elaborados y bandas más
 “BARBARIAN SWORDS NOS CREAMOS PARA
CONSEGUIR ALGO MUY CONCRETO: FUNDIR LO
MÁS CANALLA Y ABRASIVO DEL BLACK METAL
CON LO MÁS DESQUICIADO Y DESESPERADO
DEL DOOM, Y NADA CAMBIARÁ NUNCA ESO”
VON PÄX
preocupadas en ofrecer espec-
táculos impactantes en lugar
de centrarse en la música?
“El black verdadero sigue siendo tan
subterráneo y minoritario como siem-
pre, aunque todos esos emocores e
indies de mierda que creen estar man-
cillándolo escuchando Deafheaven o
Wolves In The Throne Room no sabrán
nunca a qué puertas llamar para for-
mar parte de nuestro culto. En su ce-
guera ecléctica pueden creer que tie-
nen algo que ver con nosotros, pero
por suerte, este territorio les sigue estan-
do tan vedado como siempre. Por su-
puesto hay que hurgar y no quedarte
en el catálogo de Nuclear Blast, pero
hay infinitos sellos y distris repartiendo
material de primera de forma global,
así que aunque Behemoth o Inquisition
metan peña en una buena sala de
Barcelona, el universo del black metal
es tan vasto y gigantesco que eso no
pasa de mera anécdota. Y ojo, que
celebro que a estas bandas les vaya
bien, Inquisition son de hecho uno de
mis grupos fetiche, pero todavía hay
toneladas de formaciones que escapan
a las masas… y a casi todo. Eso en el
aspecto musical, pero en el ideológi-
co, yo por mi parte echo en falta el
peligro y la irreverencia en el metal
extremo, y sobre todo en el black. Hay
mucho progre metido a metalhead y
demasiado puto hippie meón intentan-
do arreglar el mundo desde una plata-
forma que no creo que sea la idónea,
pero bueno, que también sigue exis-
tiendo mucha peña auténtica que de-
sea ver a toda la cristiandad ardiendo
en enormes piras funerarias, y lo quie-
ren de corazón”.
Son tres sellos de otras tantas
nacionalidades los que se en-
cargan de lanzar en los distin-
tos formatos esta bomba so-
nora. Las negociaciones no
debieron ser fáciles, ¿y por
qué tres sellos?
“Pues sí que fueron fáciles, fue un ‘sí a
todo’ por su parte. Más complicado
fue ir hablando con todo el mundo que
nos hizo una oferta, pero estos tres
107
sellos nos propusieron algo chulo sólo
48 horas después de haber escuchado
nuestro playlist privado, y al final fue
con los que nos quedamos. Son tres
sellos para diversificar la promoción y
la distribución del disco. Estamos ha-
blando de puto underground, así que
si Cimmerian Shade Recordings tiene
mayor influencia en Estados Unidos,
Satanath Records en la Europa del Este
operando desde Rusia y The Ritual
Productions influye en la Europa Cen-
tral desde Holanda, multiplicas bastan-
te tu exposición en todos estos territo-
rios, con tus consiguiente posibilidades
de poder tocar ahí algún día gracias a
su trabajo con nosotros”.
Antes hablábamos de ‘Re-
quiem’, pero en el otro lado
de la balanza podríamos si-
tuar a ‘Carnivorous Pussy’,
uno de los temas más cerdos
y demacradamente punk que
108
he escuchado en mucho tiem-
po. ¿Cómo surge una compo-
sición así?
“Pues surge en el tren, rumbo al primer
día de grabación de Worms en los
Moontower Studios. Deambulábamos
por ahí muertos de sueño, era un jodi-
do sábado a las ocho y poco de la
mañana, y como siempre, mi hermano
se inventó un riff y lo empezó a tara-
rear. Nos fuimos sumando todos entre
risas histéricas y así, en 20 minutos,
terminamos la canción, letra incluida.
Teníamos el disco completo, pero falta-
ba la macarrada punk a lo ‘Putrid
Whore – The Holy Church’ o ‘For My
Honor’ del debut, así que con ‘Car-
nivorous Pussy’ saldamos nuestra cuen-
ta con la versión más cerda y sinver-
güenza de Barbarian Swords. El título
es un poco homenaje a la banda de
brutal death Carnivorous Voracity, ya
que por aquel entonces estaba bastan-
te enganchado a su último álbum”.
La portada también mola mu-
cho. Salvaje y destructora, es
la imagen perfecta de lo que
te vas a encontrar dentro.
Para ser una banda tremenda-
mente underground, cuidáis
cada detalle. Una producción
cruda pero extremadamente
currada, un bonito artwork…
Realmente estar en lo más
profundo de una escena oscu-
ra no quiere decir que seas
deliberadamente cutre.
“Pues no, para nada, tú lo has dicho.
Las portadas de Barbarian Swords
están muy pensadas, es algo demasia-
do importante como para cedérselo al
mero azar, y más tal como está la mú-
sica hoy en día, que desgraciadamen-
te todo parece entrar por los ojos…
Con Hunting Rats queríamos el logo
ahí bien tocho, en un incunable, para
que se viera bien quiénes éramos y en
qué antigua tradición nos enmarcába-

mos. Para Worms tuve claro que debía
aparecer un tirano despellejando infec-
tos cristianos esclavizados, una imagen
preciosa que resumiese a la perfección
el contenido del álbum. En blanco y
negro, cuidando los detalles con rojo a
lo Sin City, algo sobrio y con clase.
César Valladares ha logrado justo lo
que teníamos en mente. Es el puto amo
y un soldado leal”.
Dime unas cuantas bandas
nacionales con las que os sin-
táis cercanos tanto en sonido
como en filosofía, porque ¿sois
conscientes de que incluso
dentro de la escena extrema
del país sois un rara avis?
“Somos como un jodido islote minúscu-
lo, sí… En sonido te diría que a ningu-
na, en filosofía quizá a Teitanblood,
Muert, Sacrificio, antes con Proclama-
tion. La guerra por la guerra, putrefac-
ción y odio hacia toda forma de vida.
Podríamos encajar en un show con
Balmog por la vertiente black, con Tort
ya hemos tocado por el lado doom,
Onirophagus quizá, pero la verdad, el
black doom no es algo extendido en
este lodazal en el que vivimos, y aun-
que por fuera empiezan a haber más
bandas así, tampoco se comen un
torrado… como nosotros, vaya”.
Porque ésta es otra historia
que te encuentras con excesiva
asiduidad… Si te mueves den-
tro del underground parece
que esto te dé la excusa per-
fecta para lanzar mediocrida-
des y de paso quejarte de lo
mal que está todo. Evidente-
mente, las cosas, sobre todo si
eres de aquí, no son nada fáci-
les, pero ¿no crees que en ge-
“VAYAMOS A POR TODOS LOS PUTOS
GUSANOS Y SUS FAMILIAS. QUE LE JODAN
A LA JUSTICIA, QUEREMOS VENGANZA”
VON PÄX
neral se llora demasiado y se
trabaja muy poco?
“Por supuesto, tienes toda la razón. Yo
no diría mediocridades en lo que a
música se refiere, porque aquí tene-
mos auténticas bandazas, pero sí que
está lleno de lloricas y vagos que no
mueven un puto dedo para que sus
creaciones lleguen lo más lejos posi-
ble. Es un síndrome que sobre todo
observo en las generaciones que cre-
cieron en los 80 y los 90, ya no en
los chavales que entraron en la música
hacia los 2000. Bien, dicha genera-
ción, que suele ser la adscrita al extre-
mo old school, se cree que grabando
un disco y sacando 500 CDs ya está
todo hecho, y nada más lejos de la
realidad. Debes invertir en una promo-
ción fuerte, ya sea económicamente o
echándole todas las horas que requie-
ra eso. Puedes ser un mánager con
patas, como la peña de Graveyard,
Obsidian Kingdom o Wormed, pero si
no lo eres, recurre a una agencia.
Con un poco de suerte tu discográfica
puede ocuparse de ello, pero tampo-
co es lo normal a no ser que esté algo
establecida. Para que te hagas una
idea, para conseguir nuestros contra-
tos me puse en contacto con 115 se-
llos de todo el mundo, todos con su
mail personalizado, su press kit en
castellano o inglés, y luego vinieron
las negociaciones con todos los intere-
sados… Total, que durante todo el
verano aparqué mi vida social y labo-
ral, dedicándome entre seis y ocho
horas al día para conseguir lo mejor
para Worms. Y eso que seguimos
siendo una banda ultra subterránea
que no pinta nada, ¿eh? Pero trabajar
duro y de forma metódica no te aleja
del underground, aunque es la única
forma de asomar un poco el hocico…
En este país primero es quejarse, soltar
el rollazo filosófico en Facebook, y
luego a ver si alguien me monta algo,
y así nos va. Igual alguien se cree que
Immortal o Darkthrone llegaron a
Peaceville u Osmose por la puta cara,
no te jode… Al igual no había ahí una
mente pensante y todo un aparato de
management detrás… Barbarian
Swords hacemos doom metal, black
metal, funeral doom, las ramas más
minoritarias del metal extremo, como
es obvio nadie nos hace ni puto caso,
pero no tengo ningún derecho a que-
jarme. Nadie me ha puesto una pisto-
la en la cabeza para tocar este estilo,
yo me he metido solito en este sarao.
Si quisiera aplausos haría power bara-
to o thrash para calimocheros”.
¿Qué ha cambiado en la ban-
da desde que empezasteis
hasta ahora? Debéis ser de los
pocos que, con el tiempo, en
lugar de aburguesaros cada
vez estáis más locos...
“Desgraciadamente, creo que nos esta-
mos profesionalizando. A veces me
veo preocupado por algunas cosas
que en nuestros inicios habría sido
motivo de monumental colleja. ¡Tene-
mos hasta una cuenta bancaria para el
grupo! De hecho, me he estado ras-
cando los huevos cuatro años y medio,
pero cuando salimos de Moontower
con Worms terminado vi que, aunque
suene presuntuoso, teníamos algo to-
109

cho entre manos, totalmente exporta-
ble, y que ya era hora de ponerse a
currar en serio por esta banda. Si esta-
mos más locos o no, espero a verlo
durante la gira de presentación… De
momento con Barbarian he ido a heri-
da o contusión bestia por show, así
que veremos cómo tengo la azotea
este próximo 2017… Por lo demás,
todo igual: atronar lo más gorrinos y
lacerantes que podamos, beber cerve-
za como si por suerte no hubiera un
mañana, flotar entre los porrazos de
Steamroller y armarnos de paciencia
con las gilipolleces de Panzer, nuestro
bajista… por el momento”.
Por cierto, ¿cómo se sigue la
evolución desde fanático del
power metal hasta ser uno de
los vocalistas más hirientes y
blasfemos del black metal?
“Maldito insecto, ésta te saldrá
cara… (Risas) Bueno, debo decir que
aunque fuera un jodido experto en
power metal, mi relación con el me-
110
tal extremo es tan antigua como esa
pasión. Otra cosa es que en mi ni-
ñez y adolescencia me entraran más
esos sonidos, pero estar en contacto
con el black, death y doom hasta la
revolución final lo he estado siempre
por influencia de mis hermanos, bási-
camente. De la misma forma, aunque
mi vida sólo gire en torno al metal
extremo hoy en día, nunca he rene-
gado de esos sonidos, igual que del
metal clásico de toda la vida. Por
otro lado, tu afirmación sobre mis
labores como cantante las veo un
pelín exageradas… Es cierto que mi
aportación a Worms da miedito,
pero cuando veo a Marduk en direc-
to o a otra de estas bandas clásicas,
joder, eso sí es un brutal y letal cho-
rrazo blacker, y encima que se pue-
de repetir a lo largo de una gira de
varios meses… Sinceramente, creo
que mi voz no aguantaría ese ritmo
ni de coña, al menos ahora”.
Por último, ésta quizás sea
una pregunta muy típica,
pero me muero por saber tu
respuesta… ¿Qué pretende
conseguir Barbarian Swords?
O mejor aún, ¿cuál fue el
propósito de Barbarian
Swords al venir al mundo?
“El propósito ya te lo conté antes,
rendir pleitesía a los dioses oscuros
del metal extremo, sonar lo más
extremos posibles uniendo de la
forma más inquietante y mórbida
black y doom, y respecto a qué
pretendemos… Personalmente, te-
niendo en cuenta que sólo me junté
con mi hermano en el comedor de
su casa para ver si podía cantar
black, tras una demo, dos álbumes
y tres contratos discográficos, creo
que ya me puedo dar por bastante
más que satisfecho. En términos musi-
cales, aspiramos a lograr vuestra
sodomía sónica, y si tras un disco
nuestro decidís dejar este mundo por
la vía rápida, tanto mejor. El universo
no nos necesita, el ser humano no
llega ni a insignificante e intrascen-
dente mota de polvo en el imperturba-
ble vals del cosmos. Odio la humani-
dad, te odio a ti y deseo que tu livia-
na existencia termine pronto. Que la
santa cruzada contra toda la escoria
judeocristiana que intenta alienarnos
se esparza por el mundo, y antes de
dejarlo, no te prives de reventarle la
cabeza a todo aquel asqueroso homí-
nido que te haga la vida un poco
más desagradable. Vayamos a por
todos los putos gusanos y sus fami-
lias. Que le jodan a la justicia, quere-
mos venganza”.
¿TE VA LA TRALLA?

A VER SI
TIENES
HUEVOS
A VENIR
 WHILE
SHE SLEEPS
28 DE OCTUBRE DE 2016
SALA COPÉRNICO, MADRID
TEXTO: GONZALO PUEBLA FOTOS: ERIC ALTIMIS (BARCELONA)

120
L
legaba a Madrid el primero de
uno de los muchos y diferentes
Routes que el Resurrection
Fest está programando a modo de
calentamiento antes de la edición del
próximo año. En esta ocasión, los
protagonistas fueron While She Sleeps,
quienes precisamente regresaban a
nuestro país después de haber dejado
con ganas de más a quienes les
vieron el pasado verano en Viveiro.
Y lo hacían muy bien acompañados,
primero con unos Dawn Of The
Maya que salieron a escena ya con
muchísima gente dentro de una sala
que colgó el cartel de ‘no hay billetes’.
Con Colossal recién salido del horno,
los pamploneses dispararon nuevos
temas (‘Ivory Crown’, ‘Colours Of Life’)
sin olvidarse de clásicos propios como
‘The Age Of Darkness’. No terminaron
de tener el mejor de los sonidos
posibles, pero viendo la reacción
que provocaron entre el público y las
tablas que demuestran, uno podría
pensar que estábamos ante una banda
internacional de primer nivel dentro su
estilo. Con la peña igualmente motivada
aparecieron los casi desconocidos
Blood Youth, una joven formación
procedente de Harrogate, Reino
Unido, quienes pisaban por primera
vez suelo español con esta gira. No
así su cantante Kaya Tarsus, quien
recordó en el día de su cumpleaños
su estancia hace un par de años
por nuestro país reconociendo que
aquel viaje le salvó la vida. Dudo
que su metalcore genérico se la vaya
a cambiar a alguien, pero desde
luego supieron conectar con una
audiencia que ya abarrotaba una
Copérnico que se quedó enana. Con
puntualidad británica, los de Sheffield
abrían fuego sin miramientos con
‘Brainwhased’ y desde aquel instante
la pista entró en ebullición. El grupo al
completo es capaz de sacar un sonido
abrasivo de sus amplificadores y en
la garganta de Loz tienen un auténtico
cañonazo de voz. No faltaron sus
característicos sing alongs en trallazos
como ‘This Is The Six’, ‘New World
Torture’, la estrenada ‘Civil Isolation’
o una loquísima ‘Seven Hills’ con
Loz cantando mientras era llevado
en volandas por el público. Hasta
recuperaron ‘Crows’ de su primerizo
EP The North Stands For Nothing para
deleite de los más fieles, antes de que
en ‘Our Legacy’ el guitarra Mat Welsh
se diese otro paseo entre el público
para llegar hasta la barra, pillar un
tercio y regresar al escenario. Y por
si todo lo anterior no fue suficiente,
la invasión final con ‘Four Walls’ se
encargó de resumir lo que había sido
el concierto: un verdadero triunfo.
Dudo que hubiese un momento mejor
que éste para pillar a While She
Sleeps en directo, ya asentados y
a punto de grabar su tercer disco
de manera independiente antes de
pasar a un nuevo nivel. Y es que si
gente como Bring Me The Horizon o
Parkway Drive han sido capaces de
llenar grandes recintos, ellos deberían
ser los siguientes.
113
 PIERCE
THE VEIL
2 DE NOVIEMBRE DE 2016
SALA RAZZMATAZZ 2, BARCELONA
TEXTO: DAVID GARCELL FOTOS: NADIA NATARIO

120

C
omo aquellos niños que
pegan el estirón, Pierce The
Veil han experimentado un
gran crecimiento a raíz de su último
disco Misadventures. Si en anteriores
visitas habían ejercido de teloneros de
A Day To Remember y Bring Me The
Horizon, en esta ocasión les tocaba
a ellos oficiar como anfitriones. Por si
verles con su espectáculo completo
no fuera atractivo suficiente, su actual
gira iba a servir también para que
dos interesantes bandas debutaran
en nuestro país. En primer lugar los
británicos Creeper, quienes aunque ni
todavía han publicado su primer álbum,
ya contaron con el apoyo de unos
cuantos fans. Con una sobria puesta en
escena pero con ganas de gustar, el
sexteto comandado por Will Gould se
mostró seguro sobre las tablas, y temas
como ‘Black Mass’ o su nuevo single
‘Suzanne’ caldearon bien el ambiente.
Su concierto, aunque breve, auguró
buenas sensaciones.
Más de uno, y de dos, y de tres,
CREEPER
tenía más ganas de ver a letlive. que
a los propios Pierce The Veil. Su fama
de banda arrolladora les precedía,
y aunque supongo que lo suyo sería
verles a ellos solos y en una sala
más pequeña, tuvimos una buena
degustación de lo que son capaces.
Con un sonido endurecido respecto
al que han ofrecido en su último disco
If I’m The Devil..., el grupo de Los
Ángeles logró que sus 45 minutos de
set pasaran como un suspiro. El gran
responsable de ello fue Jason Butler,
un frontman como la copa de un pino,
que no para quieto y que no dudó
en saltar del escenario para meterse
dentro de una de las barras laterales
para seguir a su puta bola. Si a eso le
añades canciones tan buenas como
‘Renegade 86’, ‘A Week Ago’, ‘Muther’
o ‘Good Mourning, America’, el
resultado es un concierto casi perfecto.
Pese a ello, no lograron robarles la
noche a los cabezas de cartel. Pierce
The Veil cuentan con un público que
se entrega desde el primer segundo,
LETLIVE.
además de con la parafernalia propia
de los grupos grandes con plataformas,
cañones de humo y lluvia de confeti,
que sirven para disparar aún más la
adrenalina. ‘Dive In’ sirvió de punto de
lanza de un repertorio que no olvidó
sus principales hits y que también tuvo
su momento unplugged con ‘Kissing In
Cars’. Vic Fuentes, Tony Perry y Jaime
Preciado no pararon de correr, saltar
y animar al público para que cantara
con ellos, como en ‘Floral & Fading’, un
tema que todavía no entiendo cómo no
han lanzado como single. Su híbrido
de metalcore para todos los públicos
y punk pop con temas tan pegadizos
como ‘The Divine Zero’, ‘Hell Above’ o
‘Bulletproof Love’ es pura vaselina y se
entiende que triunfe entre la parroquia
más joven. En ‘Tangled In The Great
Escape’ contaron con la colaboración
de un Jason Butler que lo dio todo, y la
fiesta terminó con las eufóricas ‘Circles’
y ‘King For A Day’. Con conciertos así,
parece que el reinado de los de San
Diego apenas acaba de empezar.
115
BEHEMOTH
27 DE OCTUBRE DE 2016
SALA RAZZMATAZZ, BARCELONA
TEXTO: LAURA CLAVERO FOTOS: CARLES RODRÍGUEZ

120

Q
ue un grupo de blackened
death metal sea capaz
de llenar una sala como
Razz 1, a pesar de presentar su
formato reducido, dice mucho de
cómo Behemoth está consiguiendo
volver a acercar un estilo underground
a un mayor público. Ese espíritu de
grandiosidad y ambición fue lo que
demostraron los polacos en Barcelona.
A pesar de ser de una de las bandas
más de moda dentro del panorama
black metal, la propuesta de Mgla no
obtuvo todo el reconocimiento necesario
por culpa de una puesta en escena
excesivamente sobria. Los compatriotas
de Behemoth, completamente
enmascarados y enfundados en sus
capuchas, permanecieron hiératicos
bajo la luz azul mientras ejecutaban
impecablemente un repaso a su
discografía, con especial énfasis en su
último y magnífico Exercises in Futility.
Una experiencia hipnótica, casi como
un mantra, poco apta para aquellos
que no hubieran escuchado sus
MGLA
excelentes trabajos con anterioridad.
Cambio total de tercio para recibir a
los segundos invitados de la noche.
Secrets Of The Moon se mostraron
mucho más entregados con el público.
Lástima que su black metal ocultista de
medio tiempos y su puesta en escena
resultasen ligeramente anodinos.
Con los primeros acordes de ‘Blow Your
Trumpets Gabriel’ aparecía en escena
un encapuchado Nergal sosteniendo
una antorcha en cada mano ante un
pedestal con dos impresionantes cobras.
En lo alto del escenario, la batería
de Inferno, flanqueado por Orion y
Seth sobre los pódiums laterales. Tras
un soberbio inicio, se dedicaron a
desgranar, uno a uno y siguiendo el
orden del disco, todos los temas de
su último y aclamado The Satanist. Un
recorrido en el que disfrutamos con
momentos salvajes en cortes como ‘Ora
Pronobis Lucifer’ hasta otros mucho más
íntimos, como Nergal ofreciendo la
comunión a las primeras filas en ‘In The
Absence Ov Light’. Todo para alcanzar
SECRETS OF THE MOON
un final épico con ‘O Father O Satan
O Sun!’, en el que la formación volvía a
su posición original vistiendo sus túnicas
y máscaras adornadas con su icónica
cornamenta, mientras se disparaban
unos cañones de humo.
En la última parte retomaron su faceta
más cruda y directa, repasando varios
temas de sus anteriores trabajos. Nergal
aprovechaba para agradecer al público
su asistencia tras siete años desde
su última visita a Barcelona con un
temazo como ‘Conquer All’. Y así fueron
cayendo ‘Slaves Shall Serve’ o ‘At The
Left Hand Ov God’, para terminar con
‘Chant For Ezkaton 2000’. Una lástima
que no dieran cabida a otros de sus
cortes más populares. A pesar de ello,
nos deleitamos con un deslumbrante
espectáculo visual y sonoro
perfectamente milimetrado, demostrando
que es posible aunar calidad musical
con teatralidad sin provocar vergüenza
ajena. La constatación de que estamos
ante una banda en el punto álgido de
su carrera.
117
 BILLY TALENT
20 DE NOVIEMBRE DE 2016
SALA BARTS, BARCELONA
TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: TONI VILLÉN

120
D
espués de haberme
sorprendido muy gratamente
con su nuevo disco Afraid
Of Heights, y de haberme saltado
su anterior gira, la verdad es que
tenía ganas de volver a ver a Billy
Talent. Y no era el único, pues la sala
Barts rozó prácticamente el sold out.
Como entrante teníamos a los también
canadienses The Dirty Nil, que este
año descubrimos con su atractivo
debut Higher Power. En la línea de
unos Ash más punk, dejaron un buen
sabor de boca con temas como ‘No
Weaknesses’ o ‘Zombie Eyed’ y las
buenas maneras de su vocalista y
guitarra Luke Bentham. Además, que se
atrevieran con una versión de ‘Inmigrant
Song’ de Led Zeppelin y salieran
indemnes, les hizo ganar puntos. Estaría
bien poder verles en una sala pequeña
la próxima vez. Acostumbrados a
tocar en pabellones en su país, a Billy
Talent eso es justo lo que les debió
parecer la sala Barts, aunque eso no
significó que se guardaran nada en el
tintero. Empezando a piñón con ‘Devil
In The Midgnight Mass’ se metieron al
público en el bolsillo desde el minuto
uno. Vestidos todos con camisas
rojas a juego, Ben Kowalewicz lucía
también un chaleco blanco del que no
tardaría mucho en deshacerse, pues la
temperatura seguiría subiendo con ‘This
Suffering’, ‘Big Red Gun’ y la siempre
efectiva ‘This Is How It Goes’. Ian D’Sa
a su derecha y Jonathan Gallant a
la izquierda no abandonaron ni un
momento su posición, pero llenaron
la sala con un potente sonido. A
la batería, dada la baja de Aaron
Solowoniuk, por desgracia todavía
ausente por culpa de una esclerosis
múltiple, encontramos a Jordan Hastings
de Alexisonfire, que cumplió más que
bien con su papel. Pero más que los
músicos en sí, el protagonismo del
concierto recayó en sus canciones.
Después de cinco discos, Billy Talent
han acumulado tal colección de hits
que tienen asegurada la atención del
personal, ya fuera con el medio tiempo
‘Rusted From The Rain’, ‘Surrender’, tema
que no era consciente de que fuera
tan y tan popular, o ‘Saint Veronika’.
Después de ésta interpretaron ‘Rabbit
Down The Hole’ de su último disco y
Ben alertó de que era la primera vez
que la tocaban en directo, aunque les
salió más que bien. A partir de aquí
una recta final de lo más caliente con
‘Surprise, Surprise’, ‘Afraid Of Heights’,
‘Louder Than The DJ’, ‘Devil On My
Shoulder’ (con un solo extendido de
D’Sa y la participación del público)
y ‘Red Flag’. Tras cambiar el telón
gigante de fondo con la portada de su
último disco por uno con simplemente
el nombre del grupo, recuperaron
‘Try Honesty’ de su primer álbum y
nos remataron con ‘Fallen Leaves’ y
una mortífera ‘Viking Death March’,
que provocó un espontáneo circle pit.
Prometieron volver pronto, así que les
tomamos la palabra.
119
 AMON
AMARTH
12 DE NOVIEMBRE DE 2016
SALA RAZZMATAZZ, BARCELONA
TEXTO: PAU NAVARRA FOTOS: NADIA NATARIO

120
TESTAMENT
E
n la salida de emergencia del
fondo de la sala grande de
Razz, donde acabé ‘viendo’
el show de Amon Amarth, un veterano
metalhead reflexionaba en voz alta, no
sin indignación. ¿Cómo era posible que
en los últimos meses hubiera asistido a
los sold outs de Avantasia, Slayer, los
hermanos Cavalera y éste, y en todos
ellos se diera un aforo distinto? Desde
luego, da para pensar, porque no
sólo está en juego la comodidad del
asistente, sino la seguridad de todo el
respetable.
Sólo con pisar las tablas, Grand Magus
ya me emocionaron. Mi fe en este
trío ha sido siempre inquebrantable,
así que verlos por fin tocar aquí ante
semejante gentío fue una pasada. A
decir verdad, el escenario se les hizo un
pelín grande dado que tampoco es que
vayan muy sobrados de carisma, pero
igualmente, los muchos congregados
recibieron de fábula el true heavy metal
de ‘Varangian’, ‘Steel Versus Steel’, ‘Iron
Will’ o ‘Hammer Of The North’. Que la
peña los despidiera coreando por todo
lo alto el trozo más épico de ésta última
seguro que no lo olvidarán jamás.
Para Testament quizá todavía no
estaban las 2.300 personas que
finalmente vendrían al concierto, pero
poco faltaba. La sala se puso como
loca para recibir a Chuck Billy y los
suyos, y aunque la primera ‘Brotherhood
Of The Snake’ sonó muy enlatada,
pronto todo se puso en su sitio para que
nos pasaran por encima. Temazos de
sus tres últimas obras como ‘The Pale
King’, ‘Dark Roots Of Earth’, ‘Stronghold’
o la fantástica y final ‘The Formation
Of Damnation’ molaron cacho, pero
la cosa se puso de verdad al rojo vivo
en cuanto entonaron ‘Disciples Of The
Watch’, ‘The New Order’ o ‘Into The
Pit’. Ver tocar a esta peña siempre es un
espectáculo.
‘The Pursuit Of Vikings’ para empezar.
Zasca. Discurso en catalán del crack
de Johan Hegg, la batería a una altura
de miedo reposando sobre un enorme
casco vikingo. Luces de lujo, ‘As Loke
Falls’, ‘First Kill’, ‘The Way Of Vikings’
con dos guerreros repartiéndose
mandobles… Hasta aquí todo perfecto
con los suecos, apretadito como una
GRAND MAGUS
sardina sin poder rascarme ni la nariz,
pero perfecto. Fue ir a refrescarnos el
gaznate y cagarla para el resto de
show. Imposible volver a acceder a
la pista. Casi contorsionándome para
verles entre columnas, pasando al piso
de arriba a comprobar cómo estaba
la cosa, para acabar casi fuera del
recinto, más allá de la mencionada
salida de emergencia. Así pudimos
disfrutar mínimamente de ‘Cry Of The
Black Birds’, ‘Deceiver Of The Gods’,
‘One Thousand Burning Arrows’, ‘Father
Of The Wolf’ con Loki paseando por
ahí… Para mí, demasiados elementos
hollywoodienses, aunque no se puede
negar que la pedazo de sierpe
Jörmungandr ocupando el escenario
en la última ‘Twilight Of The Thunder
God’ fue un puntazo increíble. Son
una máquina de crear hits. Ahora
mismo, una cojonuda banda de heavy
metal con guturales, pero no se dieron
las condiciones para gozarlo con
‘Runes To My Memory’ o ‘Guardians
Of Asgaard’. Seguro que Amon
Amarth dieron un bolazo, aunque yo
no pude disfrutarlo.
121
 PANIC! AT
THE DISCO
2 DE NOVIEMBRE DE 2016
SALA RAZZMATAZZ, BARCELONA
TEXTO: MARC LÓPEZ FOTOS: ERIC ALTIMIS

120
A
unque parezca mentira,
ésta era la primera vez que
Panic! At The Disco pisaban
Barcelona y sólo su segunda visita
a España. Ignoro cuál había sido el
motivo de tan pobre balance, pero
eso hacía de ésta una noche especial.
Que además fuera un concierto
gratuito patrocinado por una compañía
telefónica hacía la situación aún más
inusual. Es posible que de haber sido
un concierto de pago hubieran llenado
la sala igualmente como habían hecho
en Madrid la noche anterior, pero
no dejó de llamarme la atención que
Brendon Urie haya conseguido reflotar
la banda -o más bien, la marca, ya que
sólo queda él como miembro original-
ganándose una nueva generación de
fans que apenas habían empezado a
andar cuando salió su debut A Fever
You Can’t Sweat Out en 2005. Lo que
está claro es que estamos ante unos
Panic distintos. Con su anterior disco,
Too Weird To Live, Too Rare To Die!,
Urie apostó de pleno por hacer un
pop bailable, con influencias del hip
hop y la electrónica, y la jugada le
salió bien, pues con el más reciente
Death Of A Bachelor ha conseguido
su mayor éxito. Por tanto, no es de
extrañar que su actual espectáculo
se centre sobre todo en los temas de
esta nueva etapa y sólo acudiera muy
puntualmente a sus primeros discos,
algo que no pareció molestar a nadie.
Con una cuidada y elegante puesta en
escena y la inclusión de una sección
de vientos, Urie consiguió recrear ese
universo de Las Vegas que envuelve
su último trabajo, y si su objetivo era
que la gente bailara y se divirtiera,
lo logró con creces. Arrancando con
‘Don’t Threaten Me With A Good’,
‘Vegas Lights’ y ‘The Ballad Of Mona
Lisa’ el nivel de entusiasmo se situó
en lo más alto desde el principio y
durante una hora y media no decayó
ni un momento. El público cantaba y
cantaba como si fuera un miembro
más del grupo, y Urie parecía casi
sorprendido ante tanto cariño. La
verdad es que el tipo es un performer
de primera. Canta magistralmente y
sabe combinar su pose de estrella
con una gran cercanía. Especialmente
efectivas fueron ‘Emperor’s New
Clothers’, ‘Crazy-Genius’ y ‘Miss
Jackson’, aunque seguramente
cuando más flipamos todos fue
con su impecable interpretación de
‘Bohemian Rhapsody’ de Queen, que
ya grabaron para la banda sonora
del blockbuster Escuadrón Suicida.
Después de mostrarnos su faceta de
crooner en ‘Death Of Bachelor’ y
cerrar con la animada ‘La Devotee’
con una voltereta en el aire del
cantante, volverían con un bis en la
que por fin descargaron su primer hit ‘I
Write Sins Not Tragedies’ y finalmente
‘This Is Gospel’ y ‘Victorious’. Un final
de lo más apropiado, pues define
perfectamente cómo debe sentirse Urie
después de cada concierto.
123
TWIN ATLANTIC
18 DE NOVIEMBRE DE 2016
SALA ARENA, MADRID
TEXTO: RO SÁNCHEZ FOTOS: ANTHONI GRANDE

120
E
sa misma mañana, vi a dos
chicas hacer cola en la puerta
de la sala cerrada a cal y
canto, acurrucadas en el suelo y
pasando frío. ‘Son muy fans’, dije para
mí, pero no lo entendí del todo hasta
que no acabó el concierto. Horas más
tarde, ya dentro y a pocos minutos de
que los teloneros pisasen el escenario,
el público era una manifestación de
sudaderas con capucha, flequillos
imposibles, y padres, bastantes padres.
22 años y me sentí mayor.
Éramos pocos incluso cuando Twin
Atlantic empezaron con ‘Gold
Elephant: Lady Alligator’, apenas
unas filas frente al escenario y
algunos observadores a bastante más
distancia. A la banda escocesa no le
importó, textualmente, una mierda, y el
cantante y guitarrista Sam McTrusty lo
dejó claro no sólo con sus palabras,
sino también con su actuación.
Twin Atlantic moló, creo que ésa es la
palabra exacta. Tienen una suerte de
frontman que rebosa actitud y conecta
con su público casi de manera
instantánea. Se acerca, les mira, les
canta y se hace tangible. Además de
presentar algunos –y no demasiados–
temas del nuevo disco GLA, les dieron
un buen repaso a sus anteriores
trabajos Free y Great Divide, pero
ignorando por completo su debut. GLA
mantiene el frenetismo del estudio en
el directo, y la suma de Ross McNae
al bajo y Craig Kneale en la percusión
funcionan con mucha consistencia.
La canción ‘Free’, junto a ‘Heart And
Soul’ y ‘Brothers And Sisters’ –estas
dos últimas en el encore– tienen
aires de grandeza sobre el escenario
como si de épicos himnos se tratase,
y en esos momentos es cuando más
piensas que las ausencias se están
perdiendo algo y que la sala debería
estar más llena. También en ‘Crash
Land’, cuando Barry McKenna cambió
su guitarra por un violoncello eléctrico
y McTrusty regaló una delicada
interpretación con la acústica a sus
fans. Porque eso fue la cita con Twin
Atlantic, un concierto para fans que
corean tanto las nuevas canciones
como las de otros discos y se quedan
afónicos, los que se abalanzan sobre
McTrusty cuando acaba el concierto
con ‘No Sleep’ tocando entre el
público y los que estiran sus brazos
intentando rozarle como a un ídolo de
masas, aunque esta vez la masa fuese
sólo una pequeña dosis.
Puede que no te dejen con la boca
abierta, pero suenan convincentes
hasta si vas con mirada escéptica.
Eres testigo de un artista que toca
los últimos acordes tirado en el suelo
del escenario después de haber
entregado el alma con una actuación
que pisa fuerte, dispara y acierta
con la interpretación de la banda y
consigue que disfrutes.
125
MAX & IGOR
CAVALERA
8 DE NOVIEMBRE DE 2016
SALA RAZZMATAZZ, BARCELONA
TEXTO: ABEL VALDELVIRA FOTOS: CARLES RODRÍGUEZ

120
L
a sala grande de Razzmatazz
presentaba un aspecto
estupendo en cuanto a asistencia
cuando Crisix salieron al escenario.
Sabiendo que éste era un gran
momento para ellos, se propusieron dar
un gran espectáculo visual haciendo
uso de su habitual energía en directo y
exhibiendo todas sus posturas subidos
a sus ‘ego-risers’ que mostraban las
palabras “Psycho Crisix World”. A
lo largo de la actuación el sonido
fue mejorando y, a mitad de su set,
consiguió un nivel óptimo que nos
permitió disfrutar de su thrash metal que,
aunque algo genérico, despliega una
energía brutal. Se les notan las tablas y
que disfrutan con su show, consiguieron
animar al público hasta el punto de
abrir una brecha por toda la sala para
provocar un enorme wall of death. Su
setlist repasó temas de sus tres álbumes
y culminó con el clásico de la banda
‘Ultra Thrash’.
Los hermanos Cavalera salieron al
escenario abrazados por una prematura
ovación del público. Un Max Cavalera
pasado de peso entraba al ruedo
con un trote patoso que dejó ver cuál
era su estado de forma. Los primeros
acordes de ‘Roots Bloody Roots’
desataron la locura de un público
predispuesto a pasarlo bien y, sobre
todo, a disfrutar de la música que se
cruzó con ellos veinte años antes. Así,
con la inestimable ayuda de la gente,
el cuarteto cumplió con su guión pese al
deplorable estado de su frontman, que
parecía cansado y falto de energías. El
concierto se fue sucediendo dejando
una y otra vez en evidencia al estado
vocal de Max, pero el público fue
muy benevolente y demostró toda su
pasión ayudando todas las veces que
el show estaba a punto de venirse
abajo. El resto de la banda también
fue un gran aliado, Mark Rizzo es
un guitarra notable, Igor Cavalera
defendió los temas con solvencia
y Johnny Chow lo acompañó
perfectamente dando solidez a la
base rítmica. Fueron cayendo uno a
uno y en el mismo orden del álbum
todos los temas que componen ese
mítico Roots amenizados por partes de
espectáculo como ver a los hermanos
compartir ritmos, con Max tocando
el berimbau, o un solo de guitarra de
Mark Rizzo que dio un respiro a sus
compañeros para afrontar la recta
final del concierto. Varias versiones y
una atropellada repetición de ‘Roots
Bloody Roots’ pusieron el broche final
a la floja actuación. Hay que tener
respeto por la figura de Max Cavalera
y el legado que ha dejado en el
mundo del metal, pero quien diga que
asistimos a un show a la altura del
precio de la entrada tuvo un ataque
de nostalgia que no le dejó ver lo
que ocurría sobre el escenario. Yo vi
una buena formación tras una estrella
sin brillo que todavía no se ha dado
cuenta de que no puede masacrar su
recuerdo de esta manera.
127
THIS WILD LIFE
29 DE OCTUBRE DE 2016
SALA RAZZMATAZZ 3, BARCELONA
TEXTO: MARC LÓPEZ FOTOS: NADIA NATARIO

120
JOAN QUERALT
D
a un poco de pena que dos
músicos como Kevin Jordan y
Anthony Del Grosso tuvieran
que recurrir al manido truco de colgar
versiones de otros artistas más famosos
que ellos en YouTube para captar la
atención del público. Pero así funciona
el negocio hoy en día y, puestos a
ver el vaso medio lleno, al menos ha
servido para que This Wild Life tengan
ahora la oportunidad de demostrar
su validez con sus propias canciones.
Barcelona era la tercera parada de
su gira española después de Madrid
y Manresa, así que las dudas que
pudieran tener antes de pisar nuestro
país ya se habían disipado. Como nos
confesaron después, no esperaban ni
que veinte personas les conocieran por
aquí, pero fueron unas 200 personas
las que se acercaron a Razzmatazz 3
para disfrutar y, sobre todo, cantar sus
emotivas canciones. La noche también
sirvió para que muchos descubrieran
a Joan Queralt, un cantautor local
que se metió en el bolsillo al público
con su gran voz, una técnica increíble
usando la guitarra como instrumento
de percusión y un repertorio a medio
camino entre Ben Harper y Chris
Cornell. Delicioso.
El mismo adjetivo podría usarse
para lo que unos minutos después
nos ofrecieron Anthony y Kevin, con
el apoyo de un tercer músico que
alternaba teclados, percusión y bajo.
Empezando con ‘Pull Me Out’ de su
último disco Low Tides y siguiendo
con ‘Over It’, uno de sus temas más
conocidos de su debut Clouded,
enseguida comprobamos que la voz
de Kevin suena clavada al disco y
que es su compañero el que aporta
la parte visual al concierto con sus
brazos llenos de tatuajes y una mayor
movilidad en el escenario; aunque
a pesar de un sencillo pero efectivo
juego de luces, This Wild Life es un
grupo más pensado para entrar por
los oídos que por la vista. Si bien su
repertorio tiende a la suavidad, en
directo saben jugar con diferentes
intensidades, subiéndola con la
animada ‘History’ o ‘Hit The Reset’,
usando como intro la sintonía de
Stranger Things, o bajándola con
la preciosa ‘Just Yesterday’, casi a
capella. También me gustó el detalle
de que metieran un trocito de ‘Stressed
Out’ de Twenty One Pilots al final de
‘Ripped Away’. Como era de esperar,
el momento de mayor comunión con el
público se vivió cuando interpretaron
su famosa versión de ‘Sleepwalking’
de Bring Me The Horizon y el final
con su single ‘Falling Down’, para la
que Del Grosso se quedó a gusto
aporreando la batería y que tuvo
a todo el mundo cantando esos
pegadizos ‘uoh, uoh, uohohoh’ del
estribillo. A poco que tengan un poco
de suerte, no me extrañaría que la
próxima vez que los veamos sea en
salas más grandes. Desde luego,
potencial no les falta.
129
 ALTER
BRIDGE
5 DE NOVIEMBRE DE 2016
SALA RAZZMATAZZ, BARCELONA
TEXTO Y FOTOS: NADIA NATARIO

120

E
s genial ver como la base
de fans de Alter Bridge va
creciendo con cada disco.
Aunque en lugares como Reino
Unido, ya son una banda de arenas,
es reconfortante saber que siguen
acercándose a nuestro país pese a
no tener un público tan masivo. Pero
soy optimista, y pienso que algún día
los acabaré viendo tocar en el Palau
Sant Jordi. Esta noche lo hice en un
Razzmatazz hasta los topes, que
tampoco está nada mal. Pero primero
era el turno de los neozolandeses Like
A Storm quienes nos calentaron con su
post grunge. La parte más interesante de
su set fue ver a Chris Brooks, el cantante
y guitarrista, usar un didgeridoo en
algunos temas (‘Chaos’, ‘Enemy’, ‘Love
The Way You Hate Me’). Nunca había
visto a una banda de rock usar un
instrumento aborigen australiano. Los
siguientes eran los legendarios Living
Colour, y como dijo Myles Kennedy “es
un verdadero honor tenerlos en la gira”.
En 1989 tuvieron un gran éxito en la
MTV con su fusión de metal, funk, jazz,
hip hop y rock. Después de haberse
separado en 1995 y reunido en 2000,
fue un placer verles en directo. Los
neoyorquinos ofrecieron un set enérgico
con temas antiguos como ‘Middle Man’,
‘Desperate People’, ‘Ignorance Is Bliss’,
‘Funny Vibes’, así como una versión de
The Notorious BIG ‘Who Shot Ya?’, y
otra poderosa de Nirvana, ‘In Bloom’,
terminando con ‘Type’ y el hit que les
hizo famosos ‘Cult Of Personality’.
Alrededor de las 21.20 h. una intro
dramática avisó al público de que
Alter Bridge estaban a punto de salir
al escenario para empezar con la
brillante ‘The Writing On The Wall’. A
continuación asistimos al que Myles
Kennedy calificó como el concierto
más largo de su historia. He estado en
muchos conciertos suyos en los últimos
años y siempre es una experiencia
estimulante. Sigo pensando que Myles
es uno de los mejores cantantes de
todos los tiempos y su carisma y
encanto están a la altura de pocos. El
LIVING COLOUR
sonido fue fenomenal y nunca había
escuchado una voz que sonara tan
clara en Razzmatazz. Combinada con
los riffs poderosos y los solos matadores
de Mark Tremonti, su show fue estelar.
El repertorio fue una mezcla de temas
favoritos como ‘Come To Life’, la potente
‘Cry Of Achilles’, ‘Ties That Bind’, una
acústica ‘Watch Over You’ por parte de
Myles; por supuesto la épica ‘Blackbird’,
’Metalingus’ y ‘Waters Rising’ con Mark
tomando el micro. También hubo un
buen puñado de temas nuevos como
la balada optimista ‘My Champion’,
‘You Will Be Remembered’, ‘The Other
Side’, ‘Crows On A Wire’ y el estreno
en directo de ‘Poison In Your Veins’. La
noche terminó con ‘Show Me A Leader’
y ‘Isolation’. Tenía muchas ganas de
escuchar ‘This Side Of Fate’, ‘Cradle
To The Grave’ y ‘Islands Of Fools’ en
directo, mis tres temas preferidos de
su nuevo disco, pero por desgracia
no las tocaron. Ojalá que caigan a
la próxima. Aún así, salí de la sala
completamente eufórica.
131
 PIXIES
20 DE NOVIEMBRE DE 2016
SANT JORDI CLUB, BARCELONA
TEXTO: LUIS BENAVIDES FOTOS: CARLES RODRÍGUEZ

120
L
os duendecillos de Boston
volvían a Barcelona con
nuevo disco bajo el brazo,
el entretenido Head Carrier, su sexto
trabajo de estudio, pero sacaron la
artillería pesada en cuanto subieron
al escenario del Sant Jordi Club.
Empezaron con la surfera e instrumental
‘Cecilia Ann’, ideal para calentar los
dedos, y siguieron con las pretéritas
‘Nimrod’s Son’ y ‘Mr Grieves’, ambas
publicadas a finales de los 80. La
archiconocida ‘Where’s My Mind?’
no se hizo esperar para delirio de los
asistentes y armaron una buena fiesta
en cuanto Frank Black se arrancó
a cantar “Vamos” con su divertido
spanglish fronterizo. Joey Santiago y su
guitarra eléctrica, totalmente poseída,
se encargarían de rematar la faena.
Con semejante arranque, incluida una
versión del ‘Winterlong’ de Neil Young,
quedaba claro que la presentación de
Head Carrier era algo secundario.
Salieron a ganar, con un repertorio
envidiable y mucha profesionalidad:
30 canciones, en su gran mayoría
hits, uno detrás de otro, en apenas
hora y media. Las joyas de Doolittle,
posiblemente su mejor disco, no
podían faltar en este autohomenaje.
Así, se sucedieron ‘Here Comes
Your Man’, ‘La La Love You’ (con
el batería David Lovering como
estrella indiscutible), ‘Crackity Jones’,
‘Hey’, ‘Gouge Away’, ‘Tame’ y una
sorprendente versión lenta de la genial
‘Wave Of Mutilation’. Sólo pudimos
echar en falta ‘Monkey Gone To
Heaven’, y ni eso. Los abuelos del
indie rock estaban dando un concierto
notable y, lejos de perder fuelle,
hicieron gala de un estado de forma
envidiable. Fue entonces cuando el
líder de la banda, vestido para la
ocasión con un traje negro que hacía
honor a su apellido artístico, cambió
la guitarra acústica por una Telecaster
y atacó con fiereza ‘Bone Machine’.
Luego llegarían ‘Planet Sound’ y, sobre
todo, la aclamada ‘Debaser’, que
sonaron más contundentes que nunca
en la parte final de su recital.
La última vez que pudimos verlos fue
en el Primavera Sound del 2014.
Entonces prácticamente se estrenaba
Paz Lenchantin como bajista de los
Pixies. Ahora es pieza fundamental
por su precisión a las cuatro cuerdas,
por su elegante puesta en escena y
por sus coros. El resto de la banda
no esconde su debilidad por la ex
componente de A Perfect Circle y
Zwan en las entrevistas, y tampoco en
el escenario. Al acabar ‘Hey’, justo
antes del obligado bis, dieron las
gracias al público y los tres varones
de la banda señalaban una y otra vez
a la encantadora bajista de origen
argentino. Con ella volvió la calma
a la banda y con ella cantando
‘Into The White’ se despidieron de
Barcelona. Una enorme bola de humo
blanco se apoderó del escenario
y desaparecieron mientras tocaban
esta cara B. Luego, ni rastro. El truco
es barato, pero la magia de sus
canciones es innegable.
133
 ENSLAVED
30 DE OCTUBRE DE 2016
SALA RAZZMATAZZ 2, BARCELONA
TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: ERIC ALTIMIS

120

D
espués de su gran actuación
en el último Resurrection Fest,
apetecía ver de nuevo a
Enslaved en el entorno de una sala a
sus anchas y sin el sol pegándoles en
la cara. La noche podía tomarse como
una doble celebración. Por un lado, la
de su pasado, dado que se cumple su
25 aniversario como banda, y por otro,
la de su presente, con el buen momento
exhibido en su último disco In Times.
Quienes esperaban un viaje a fondo
en su catálogo más antiguo y vikingo
quizá quedaron algo insatisfechos, pues
el grupo centró el repertorio en su etapa
más progresiva, pero creo que hacen
bien los noruegos en no lanzarse de
pleno a la nostalgia cuando todavía
tienen cosas por ofrecer.
No me dio tiempo a cazar a Oceans
Of Slumber, pero sí a los extraños
Ne Obliviscaris. El sexteto australiano
convenció con su original sonido en
el que unen liricismo y metal extremo.
El contraste de registros entre los
guturales de Xenoyr y la voz limpia
de Tim Charles, además de las
exhibiciones de éste último al violín,
les dan un toque muy personal sin
renunciar a la contundencia ni a la
épica.
Sin apenas parafernalia escénica y con
las luces rojas dominando el ambiente,
Enslaved saltaron a escena y arrancaron
con ‘Roots Of The Mountain’ de Ritiir,
un buen ejemplo de su evolución. De
primeras aquello sonaba un poco
embarullado, con el efecto bola
propiciado por los blast beats y la voz
del grandullón Grutle quedando un
poco ahogada. La cosa fue mejorando
y en ‘Ruun’ empezamos a notar que
el teclista Herband Larsen también
estaba presente con sus voces limpias.
También empezó a brillar Arve Isdal,
y no sólo sus músculos, que una vez
más exhibió desprovisto de camiseta,
sino por la perfecta ejecución de sus
solos. La siguiente parada nos llevó a su
álbum Vertebrae con una ‘The Watcher’
NE OBLIVISCARIS
que ejemplifica esa épica feroz y
melódica que ahora les caracteriza, y
seguidamente a la fulgurante ‘Building
With Fire’ de su última referencia.
‘Ethica Odini’, con Grutle y Larsen
repartiéndose el protagonismo vocal,
fue el punto de inflexión con el que
consiguieron que el público se volcase.
Nada mejor que una referencia a
su primera etapa como ‘Fenris’ para
mantener la tensión y desatar el
headbanging. El pulso bajaría un
poco con los tintes psicodélicos de
‘The Crossing’ y ‘Ground’, que dieron
paso a un prescindible solo de batería
de Cato Bekkevold. Tras una última
visita a In Times con la furiosa ‘One
Thousand Years Of Rain’, Enslaved
sacaron del baúl de los recuerdos
‘Allfáðr Oðinn’, un arrollador misil que
fue todo un homenaje a las raíces
que en su día inspiraron a Grutle y
su inseparable socio Ivar Bjornson.
Esperemos que el matrimonio siga por
muchos años más.
135
INQUISITION
2 DE NOVIEMBRE DE 2016
LA [2] DE APOLO, BARCELONA
TEXTO: PAU NAVARRA FOTOS: CARLES RODRÍGUEZ

120

I
nquisition, Rotting Christ, Mystifier
y Schammasch partían, a priori,
como los tapados en esta brutal
campaña de shows a la que nos
ha sometido Madness Live! en las
últimas semanas, pero ojo, que como
demostraron sobre las tablas, su
alianza pintaba a cartelón y eso es
justo lo que fue. A mí personalmente
me sobraban los griegos, pero vista
con qué efusividad vivió el público su
descarga, está claro que muchas de las
más de 200 personas que se acercaron
hasta la pequeña de Apolo vinieron
principalmente atraídas por ellos.
A muy temprana hora Schammasch
empezaron a desgranar su fantástico
nuevo trabajo Triangle. Es uno de los
discos del año, y como ya hicieran en
el pasado Move Your Fucking Brain,
demostraron que en directo también
saben captar toda tu atención con
acertados juegos de luces, misticismo
y mucho más humo del que cualquier
recinto pueda absorber. Mediante
temas como ‘Metanoia’ consiguieron
separarnos cuerpo de alma invocando
su black trascendental. Cambio de
tercio con los legendarios Mystifier.
Siendo unos perfectos heraldos de ese
black maníaco tan suramericano que
se tira de cabeza al war metal, los
brasileños nos despedazaron con toda
una lección de extremismo de tiempos
muy, muy remotos. Con su look muy
Blasphemy, Beelzeebubth nos abrió en
canal con su guitarra, mientras el bajista
y cantante Sorcerer Do’Urden le daba
de vez en cuando al arcaico teclado
para convertir su bolo en toda una
delicia. No es muy común encontrarse
con bandas tan guarras y unders en
este tipo de packs, así que sobra decir
cuánto disfrutamos de ellos.
En mi opinión Rotting Christ hace
demasiado tiempo que perdieron el
norte, deambulando entre musculación
y esteroides helénicos para dar con
obras tan ridículas como Rituals, justo el
álbum que nos venían a presentar. Es
normal que, si su música actual me da
risa, me arrancaran carcajadas durante
su show, una caricatura de Manowar
con satanismo barato. Por supuesto que
ejecutan a la perfección sus canciones,
sólo faltaba dada su infinita simplicidad,
ROTTING CHRIST
pero es tan impostada su pose que
cualquier persona adulta sólo puede
tomarse sus conciertos a cachondeo.
Uh, ah, uh, ah… a tu puta casa.
Tras los machos alfa tocaba una banda
de verdad, una de mis favoritas sin
duda. Aunque algo ha cambiado
en Inquisition… La voz de Dagon no
sólo presenta un registro mucho más
grave, aunque en podredumbre y
moco sólo Abbath parece vencerle,
sino que la velocidad más primitiva
parece haberle ganado la partida a
los medio tiempos también en vivo.
Pese a ello, el dúo dio rienda suelta
a un sonido apabullante en un show
sin altibajos, que tan pronto asaltaba
su nuevo álbum como su venerado
Ominous Doctrines Of The Perpetual
Mystical Macrocosm con ‘Command
Of The Dark Crown’, ‘Hymn For A Dead
Star’ o la irresistible ‘Desolate Funeral
Chant’. Cañones de humo directamente
encarados al respetable, la implacable
batería de Incubus iluminada de forma
demoníaca… Hay que ver cuánto han
crecido desde sus visitas al Moog o la
sala Monasterio. Menuda autoridad.
137
NEVER SAY DIE! TOUR
20 DE NOVIEMBRE DE 2016
SALA RAZZMATAZZ 2, BARCELONA
TEXTO: PAU NAVARRA FOTOS: ERIC ALTIMIS

WHITECHAPEL

V
isualicen por un momento
su estilo favorito, y luego
imaginen que un día se
alinean los planetas y vienen de gira
tres de sus máximos exponentes…
más cuatro bandas extras. Y después,
que el promotor está loco y lo sirve
por unos 27 euros y medio. Bien,
lo que para los melómanos sería
una majadería, un brote de histeria
colectiva, un sold out fijo, resulta que
para los hijos de papá del deathcore
es caro. Tras diez años de carrera,
ver por primera vez en nuestro país a
uno de sus nombres más relevantes,
Whitechapel, más toda una revelación
como Thy Art Is Murder, además de
unos fijos como Carnifex y otros tantos
combos hasta llegar a un total de siete
bandas, pues se ve que por esta cifra
es pedirle demasiado a la escena más
gris, chabacana y frívola del metal
contemporáneo. La sudadera Volcom
o la Play 4 que no falte, no me quites
los tatuajes hasta el esfínter, el iPhone
de 800 eurazos, venga a hoodies
de Suicide Silence a 40 pavos o
gorras planas a 35 ó 60, pero ojo,
eso de ir a conciertos, joder, eso ya
no va conmigo. El deathcore es todo
imagen, es irrelevante, sus grupos
no pueden ni vender música en sus
puestos de merch, y Phil Bozeman y
sus secuaces vinieron a Barcelona a
certificar su defunción ante una Razz 2
a poco más de la mitad de su aforo.
Que la vieja guardia jamás le haya
dado una oportunidad me empieza
a parecer un acierto. Le vieron el
plumero de lejos.
Polar inauguraron el retorno a las
raíces del Never Say Die! con
un tópico tras otro y un volumen
exagerado, pero como animaron
CARNIFEX
de lo lindo a la chavalada, todos
contentos. Make Them Suffer gozaron
de trillones de ayudas desde la
mesa, pero el colmo fue que su único
guitarrista hiciera rotar su instrumento
sobre el cuerpo varias veces y el riff
no se resintiera ni un ápice. ¿Os creéis
que soy gilipollas? Buen sonido en
una propuesta muy Bleeding Through,
aunque no supe determinar qué era
real y qué obra del técnico. Tras ellos,
el combo que saca discos de mentira,
Fallujah, siguió con la impostura en un
triste concierto. Al menos tiraron de su
repertorio más trallero para evitarnos
la siesta prematura, pero sólo se oyó
una batería trucada, de aquellas con
rebote para que parezca que toca un
cyborg, la voz y, de vez en cuando,
las guitarras ambientales. Vais de
Origin con Dream Theater, pero no
llegáis ni a estafa. La propuesta de
139
OBEY THE BRAVE
Obey The Brave surge de juntar Terror
y Madball con las ganas de rapear
de todo un Despised Icon, y añadirle
además una pátina metalizada muy
Hatebreed. El resultado es lo que
quiere la gente: caña y breaks con
estribillos fáciles. No se salieron del
guión, siendo todo un ejemplo de
profesionalidad. Si hay ganas de
fiesta, ‘Raise Your Voice’ o ‘Full Circle’
no fallan.
Fue salir Carnifex y demostrar que
cualquier formación que hubiera
tocado antes era una broma. Siendo
crueles, podemos afirmar que el
festival itinerante empezó con ellos.
140
Por fin melenas, molinillos cervicales
de verdad y perfecto trato instrumental.
¿Qué diablos practican ahora? ¿Black
melódico, deathcore, brutal death?
Poco importó. Dieron miedito en un
bolo desgarrador, y es que hay que
ver cómo le da Scott Lewis al micro…
A ver si algún día abandonan las giras
para críos y entran de una vez en el
circuito de metal extremo para adultos.
Los mejores del día. Thy Art Is Murder
son fríos sobre las tablas, pero su
propuesta habla por sí sola. Son la
tralla hecha grupo. Desde ‘Holy War’
hasta la última ‘Reign Of Darkness’,
hicieron temblar el recinto con su
THY ART IS MURDER
burrada terrorífica. Con una puesta
en escena sobria, Whitechapel
dejaron que toda la atención se
centrara en su frontman en vez de dar
un show adrenalítico. Es sensacional
comprobar cuán compacta suena la
formación, conjuntada al milímetro
pese a contar con tres guitarras.
Estábamos pensando que tampoco
nos habíamos perdido nada del otro
mundo todos estos años, pero los de
Knoxville decidieron enfilar la recta
final de su descarga con la esperada
‘Possession’, ‘This Is Exile’ y ‘The Saw
Is The Law’. Un bonito epitafio para
una escena muerta.
 BILLION
DOLLAR FEST
5 DE NOVIEMBRE DE 2016
SALA BÓVEDA, BARCELONA
TEXTO: ANDRÉS MARTÍNEZ FOTO: CRISTIAN BERTOLO
L
a idea era excelente: reunir a
una serie de bandas de gran
calado, con diferentes estilos
pero un concepto parecido. Todas
ellas con bagaje, actitud, talento y
experiencia para mirar de tú a tú a
cualquier medianía de fuera que te
venden a precio de oro, demostrar
de una vez por todas que aquí, no
sólo tenemos grupos de alta estofa,
sino que estamos viviendo una época
de especial relevancia con una gran
cantidad de nombres que están
ofreciendo calidad por toneladas.
El rock de guitarras sin fecha de
caducidad sería reivindicado por todo
lo alto y los encargados de hacerlo
serían una tríada difícilmente superable.
Saturna y su proto hard rock serían los
encargados de abrir fuego. Enfrentados
a un público que en su mayoría no era
el suyo, salieron victoriosos gracias,
sobre todo, a las superlativas canciones
de su último largo Saturna III. La
incorporación de Jimi como guitarrista
y cantante les ha dado otro aire,
Oscar, el otro hacha nuevo, también
ha incorporado nuevas sonoridades
y la banda es hoy toda una realidad.
Me reconfortó ver la sonrisa de Rod, su
bajista, tras la interpretación de ‘Birds
In Cages’. Se lo estaban pasando
bien y lo trasmitieron al público. Los
aragoneses de la Kleejoss Band sin
embargo parecía que jugaban en casa.
Con una audiencia casi entregada
desde el principio nos estamparon
su rock americano de alto octanaje
con una solvencia y una elegancia
sorprendente. Se notaba que River
Sound Unleashed había calado entre
la gente allí asistente. Temas como
‘The Wire Walkers’ o la deliciosa
‘Plasticland’ fueron coreadas hasta el
límite ante la cara de satisfacción de
la misma banda, que quizás no se
esperaba una respuesta tan entusiasta.
La asistencia podría haber sido mayor,
pero no era cuestión de quejarse,
pues la oferta esa noche en la Ciudad
Condal era brutal y la sala, en general,
ofrecía un buen aspecto. Se estaba
poniendo la primera piedra a un
proyecto que había empezado con
esperanzadora aceptación. Había que
seguir celebrándolo. Era el turno para
Schizophrenic Spacers (en la foto).
Su cantante, Sergio, fue el ideólogo
y organizador de toda la movida, y
como es habitual en ellos, salieron a
matar. Algunos lo pasaron muy bien con
alguna de esas versiones que llevan a
su terreno de manera impecable. Y sí,
‘Helter Skelter’, ‘Working Man’ o ‘Don’t
Believe A World’ sonaron maravillosas,
pero yo me quedo con canciones tan
superlativas como ‘Collector’ o ‘Sick
Minds’, pequeños clásicos, e incluso con
algún futuro incunable como ese ‘Night
Squirrels’ que estrenaron en primicia y
que formará parte de su nuevo largo
a grabar ya mismo al lado de Hendrik
Röver. Una mega jam con miembros
de las tres bandas sobre el escenario
machacando el ‘My Generation’ de
los Who rubricó una preciosa velada
que ojalá tenga continuidad en el
futuro. Nosotros estamos seguros de
que sí. Estas iniciativas son buenas,
necesarias para la salud de nuestra
música, y para que la rueda no pare
de girar. Billion Dollar Fest, quedaros
con el nombre: quizás vosotros seáis
los próximos en tocar.
141
BRITISH LION
7 DE NOVIEMBRE DE 2016
SALA TÓTEM, VILLAVA
TEXTO Y FOTOS: EDUARD TUSET

120
T
ocar con British Lion no es
lo mismo que tocar con Iron
Maiden. Steve Harris aprovecha
el formato más rockero posible para
acercarse lo máximo al público durante
el show y, cómo no, después de él. Lo
ves disfrutar, cantar todos los temas,
animar al público y jugar con sus
amigos que le acompañan en el grupo.
Aún no ha sacado su nuevo disco, pero
ya desde el segundo tour de 2015 va
probando temas nuevos, y esta vez lo
hizo con cinco o seis, todavía en fase
de rodaje, que probablemente acaben
en ese esperado segundo álbum.
El concierto lo abrieron sus amigos de
Voodoo Six, que son los afortunados
que más han teloneado a Iron Maiden
junto a The Raven Age estos últimos
años por razones que todos los fans
de Maiden de verdad saben. Hicieron
un bolo mucho mejor que las últimas
veces que les vi en la gira del Maiden
England. Un buen show, pero lo que
todo el mundo quería ver era a Steve
enfundado con su bajo Fender con
los colores del West Ham. Y con
sólo salir al escenario ya tuvo a las
250 personas que había en la sala
dominadas. Empezó con ‘This Is My
God’ y ‘Lost Worlds’, y la sorpresa
más grata fue que mucha parte del
público ya se sabía los temas y los
cantaba, algo que hasta ahora no
había visto en directo con British
Lion. De su primer disco, quizás los
que mejor sonaron fueron ‘These Are
The Hands’, el coreado ‘Us Against
The World’ y ‘Judas’. De los nuevos,
‘Father Lucifer’ creó sorpresa, pero
‘Spitfire’ nos recordó a unos Thin
Lizzy por sus bajadas y subidas y
‘The Burning’ tiene esas melodías
espaciadas que muchas bandas de
rock aportan a sus composiciones y
donde los guitarristas David Hawkins
y Graham Leslie pueden dejarse ir sin
problema. Destacó también ‘Guineas
And Crowns’, donde el bajo de Harris
marca el inicio de la canción, y se nota
que el cantante Richard Taylor está
cada vez más cómodo en el escenario.
Una tema que, como la mayoría
de esas nuevas canciones, mezcla
la esencia de titanes del rock como
UFO o Thin Lizzy, pero que Harris
lleva a un nivel propio y exclusivo. Y
obviamente, para finalizar el show ‘Let
It Roll’ de UFO y su tema ‘Eyes Of The
Young’, que tuvo al público totalmente
sumergido en él.
Mr. Steve Harris no tiene necesidad de
hacer este tipo de giras, pero las hace
porque se lo pasa bien, y eso se nota.
Si no, esperad después de cualquier
concierto suyo y veréis cómo se hace
fotos y firma todos los discos que le
llevéis, ya tenga delante 150 personas
o diez. Es lo que tienen muchos genios:
son seres especiales que hacen sentir
feliz a los meros mortales con sus
creaciones y gestos.
143
 DE GIRA
8 DE DICIEMBRE ZENTRAL (PAMPLONA)
9 DE DICIEMBRE SALA APOLO (BARCELONA)
10 DE DICIEMBRE LA RIVIERA (MADRID)
C
ómo te sientes el día
después de la victoria
de Donald Trump?
NEIL FALLON “Tengo el estómago
revuelto. El nuevo gobierno me acojo-
na. Pero lo que me asusta es que se ha
abierto la veda para el hipernaciona-
lismo, el jingoísmo, el racismo, el ma-
chismo. Estas cosas siempre han estado
ahí, pero ahora parece que mole ser
una de esas personas... Incluso que
esté de moda. No creo que haya
nada malo en amar a tu país, pero
cuando ese amor se manifiesta odian-
do a la gente que ‘no son de los nues-
tros’, entonces entramos en un terreno
muy peligroso. Odio decirlo, pero creo
que la situación va a empeorar mucho
antes de que pueda mejorar”.
En ‘X-Ray Visions’ menciona-
bas “los espíritus enfadados
de Ronald y Nancy Reagan”
en una estrofa. ¿Tenías un
presentimiento de lo que iba a
144
pasar cuando lo escribiste?
“(Risas) No tiene nada de psíquico.
Necesitaba algo que rimara con ‘over-
taken’ y de repente ‘Ronald Reagan’ me
vino a la cabeza. Espero que no fuera
una premonición, porque la última estro-
fa acaba con ‘ruinas’”.
Psychic Warfare se editó hace
poco más de un año. ¿De qué
te sientes más orgulloso de él?
“Estoy orgulloso de las canciones.
Creo que escribimos algunas de las
mejores canciones de nuestra trayecto-
ria en ese disco. Hay más satisfacción
artística que comercial, pero no puedo
mentir, me hizo sentir muy bien que el
disco llegara al número 1 de las listas
de Billboard de rock. Nunca había-
mos conseguido eso cuando estába-
mos en multinacionales”.
¿Entonces prestas atención a
las listas, las críticas…?
“Mira, si Psychic Warfare no hubiera ni
CLUTCH
entrado en las listas, sentiría lo mismo
por el álbum. Creo que antes que
nada un artista tiene que sentirse orgu-
lloso del trabajo que hace. Y siempre
pienso que hay margen para mejorar,
lo cual es bueno. Hace mucho tiempo
que dejé de prestar atención a las crí-
ticas, fueran buenas o malas. A veces
una mala crítica existe porque el perio-
dista se levantó de mal humor ese día.
¿Por qué dejaría que un amargado me
amargara a mí? Y las buenas críticas
pueden darte una falsa sensación de
satisfacción. Si al grupo nos gusta el
disco, entonces estoy convencido de
que a los fans de Clutch les gustará,
porque en realidad no somos dema-
siado distintos”.
No habéis parado de girar
desde que salió el disco. ¿Cuá-
les han sido los puntos álgidos
para ti?
“Ha habido muchos, pero destacaría
dos. El primero fue tocar en Le Traben-
 AGENDA DICIEMBRE
do en París una semana después de lo de Bataclan. Nadie
sabía qué esperar. Pero al final fue un concierto increíble.
Muy emotivo. Hubo momentos que me dejaron sin palabras.
A veces las cosas más sencillas, como tocar rock’n’roll o bai-
lar, pueden significar muchísimo para el artista y el público.
El segundo fue tocar en el anfiteatro de Red Rocks, en Colo-
rado, con Mastodon. Hemos tocado en muchos lugares en
todo el mundo, pero Red Rocks es distinto a todo. El lugar
estaba a rebosar, el clima era perfecto, y habiendo vivido
en Colorado hace unos años, vi muchas caras conocidas.
Fue una de esas noches en la que todo cuadra, y poder AIRBOURNE 5 BILBAO, 6 MADRID, 7 BARCELONA
tocar en un sitio tan grande me dejó alucinado”. THE AMITY AFFLICTION 21 BARCELONA, 22 MADRID

Este año también has publicado un disco con
tu otra banda Dunsmuir, con Vinny Appice de
Black Sabbath o Heaven And Hell, Brad Davis
de Fu Manchu y Dave Bone de The Company
BRUJERIA 6 VALENCIA, 7 VALLADOLID, 8 A CORUÑA, 9 OVIEDO,
10 VITORIA, 14 ZARAGOZA, 15 MURCIA, 16 MADRID, 17
BARCELONA, 18 MALLORCA
CALIBAN + SUICIDE SILENCE 3 BARCELONA, 4 MADRID

Band. ¿Cómo fue trabajar con alguien como
Appice?
“Vinny es un tipo súper humilde. Tiene un gran sentido del
humor y es un gran profesional. De vez en cuando nos con-
taba alguna anécdota en plan ‘Esto me recuerda aquella
vez que Ronnie…’, o ‘Geezer solía decirme…’, y entonces
pensaba ‘Oh mierda… ¡Está hablando de esos tíos!’. Era
fácil olvidarse del pasado de Vinny, porque es tan tranqui-
lo... Y Dios, el tío nunca le pega flojo a los parches. ¡Nun-
ca! Incluso ensayando un ritmo de lo más simple te volaba
la cabeza”.
A lo largo de los años has aparecido también
en discos de Mastodon, Soulfly, Therapy?…
¿Recibes muchas ofertas para hacer colabora-
ciones? ¿Qué deben ofrecerte para dar el ‘sí’?
“Siempre es un orgullo que te lo pidan. La mayoría de
colaboraciones han sido con bandas o músicos con los
que había girado. Pero también he dicho que no. Muchas
veces. La mayoría de veces porque simplemente no tengo
tiempo. Y también ha habido una... o veinte, en la que sim-
plemente no soportaba la música. He escrito muchas letras
a lo largo de los años y creo que ha hecho que mucha
gente piense que me resulta fácil. Pero puedo comerme la
cabeza durante días, incluso semanas. Y si me tienen que
salir canas por culpa de las letras, prefiero que me salgan
por hacer letras para Clutch”.
(JORDI MEYA)
CAPTAIN IVORY 1 BARCELONA, 2 CASTELLÓN DE LA PLANA,
3 MURCIA, 4 ALDEMAYOR DE SAN MARTÍN, 5 LEÓN, 6 SEVILLA,
8 OURENSE, 9 CANGAS, 10 ZAMORA
CRYSTAL CASTLES 5 BILBAO, 9 MADRID, 10 BARCELONA
THE DAMNED 13 BARCELONA, 14 VALENCIA, 15 MADRID,
16 VITORIA, 17 GIJÓN
DEAD BY APRIL 13 MADRID, 14 VALENCIA, 15 BARCELONA
FRANK CARTER 2 BARCELONA, 3 MADRID
FREEBORN BROTHERS 1 SANT FELIU DE GUÍXOLS, 2 GAVÀ,
3 BARCELONA, 4 VILLAFRANCA DEL CID, 7 VALLADOLID,
8 PLASENCIA, 9 BÉJAR, 10 BOULETA
JAIN 3 BARCELONA
THE LAST VEGAS 1 ZARAGOZA, 2 VITORIA, 3 BILBAO
MICAH P. HINSON 27 SANTIAGO DE COMPOSTELA,
28 PAMPLONA, 29 ARRASATE
MONSTRENAUT 14 BARCELONA, 15 MADRID,
16 SAN SEBASTIÁN, 17 MUNGIA
MOONSPELL 6 MURCIA, 7 MADRID, 8 BARCELONA
NICK LOWE 10 SEVILLA, 12 BARCELONA, 13 MADRID,
15 SAN SEBASTIÁN, 16 GIJÓN
OCEAN COLOUR SCENE 1 BARCELONA
PEACHES 1 BARCELONA, 2 MADRID
ROBERT ELLIS 14 BARCELONA, 15 GIJÓN, 16 OURENSE,
18 ZARAGOZA

ROOSEVELT 6 BARCELONA, 7 MADRID

SAXON 16 BILBAO, 17 MADRID, 18 BARCELONA