01 001 074 Historia Del Arte PDF

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Historia
del Arte
El Arte en la Prehistoria
EL ARTE PALEOLÍTICO
Paleolítico Inferior.
Período del Paleolítico que duró
aproximadamente desde hace 2,5
millones de años, coincidiendo
con la aparición de las primeras
herramientas creadas por homíni-
dos, hasta hace 120.000 años.
Bisonte, pintura prehistórica de la Cueva de Altamira (Cantabria, España).
El período paleolítico es muy amplio y abarca desde los 500.000 años hasta hace unos 30.000,
aproximadamente. Este segmento de tiempo suele ser dividido en varias etapas (superior,
medio e inferior), aunque se habla de él habitualmente con el nombre genérico de Edad de
Piedra, ya que los restos encontrados de aquel tiempo eran en su mayoría de ese material.
Hasta no hace mucho se pensaba que el hombre del paleolítico inferior no tenía todavía
ningún tipo de vocación religiosa, pero una serie de recientes descubrimientos en la zona de
Sima de los Huesos de Atapuerca, terminaron desmintiendo esta afirmación. Por otra parte,
también se dio origen al pensamiento de que el desarrollo inicial del arte, al que generalmen-
te se lo asoció a la idea de lo trascendente, pudo remontarse a esa etapa.
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En este caso hay que recordar que el hombre de Neandertal ya legó a la humanidad
diversas formas que pueden ser asociadas al arte, aunque estaban limitadas al hecho
de ser objetos de adorno muy rudimentarios. Por este motivo, cuando se pudo hablar
realmente de un afán estético, con características determinadas, fue con la aparición del
Homo Sapiens Sapiens, en el paleolítico superior, hace alrededor de 40.000 años.
Vale señalar que habitualmente se suele utilizar el término de arte rupestre como sinó-
nimo de arte paleolítico, debido a que la gran mayoría de los restos que fueron encon-
trados han sido hallados en cuevas o grutas, tanto sea en yacimientos en el interior o
también en las paredes. De todos modos hay que recordar que no todo el arte rupestre
pertenece a ese periodo ni tampoco todo lo que se hizo en el paleolítico es originario
de las cavernas.
Tal vez en este sentido haya que marcar que uno de los restos de arte prehistórico
más espectaculares y fascinantes que han sido encontrados por diversas expediciones
arqueológicas sean las representaciones de arte parietal, muestras de las que existen
ejemplos sorprendentes en Altamira o en las cuevas de la Dordoña francesa, como Las-
El hombre de Neandertal (Homo

neanderthalensis) es una especie
extinta del género Homo que
habitó Europa y partes de Asia
occidental desde hace 230.000
hasta 28.000 años atrás, durante
el Pleistoceno medio y superior
y culturalmente integrada en el
Paleolítico medio.
Cabeza modelada de un hombre de Neandertal en el Museo de Historia Natural de Washington.ington

El Paleolítico medio es un período
de la prehistoria humana carac- caux. Estas cuevas, en cuanto a lo estético, pertenecen a la escuela franco-cantábrica.
terizado por el predominio de la Estos diseños solían ser encontrados en lo más profundo de las cuevas, más allá de que
cultura Musteriense y del método han sido observadas algunas excepciones, y entre los temas favoritos de las imágenes
Levallois, que consiste en obtener se pueden mencionar los diseños de animales, algunos de ellos extintos como son los
una o varias lascas de forma casos de los mamuts o uros y otros reconocibles en la actualidad. Allí se pueden ver
predeterminada, a partir de una bisontes, caballos, gacelas, osos, ciervos o toros, realizados con asombroso realismo,
preparación particular del núcleo. bien captados en grupo o de manera individual.
Es un período menos extenso Además hay que mencionar que en ocasiones solían incluirse signos como manos im-
que el Paleolítico Inferior y abarca presas a manera de tampón o contorneadas, en este caso se lograba al soplar la pintura
aproximadamente entre los años por la boca a modo de aerosol, todo estos símbolos abstractos o figuras humanas que
130.000 y 33.000 a. C. aparecían en escenas de caza o lucha, donde siempre estaba ausente el paisaje. No
obstante, hay que destacar que estas imágenes tienen un movimiento y una naturalidad
sorprendentes.
La subsistencia del hombre prehistórico estaba basada en la caza y la recolección de
alimentos entre los que había bayas, raíces, entre otros. Por otra parte, hay que señalar
que su actividad cotidiana se desarrollaba en competencia directa con una gran multitud
de especies de depredadores que constantemente amenazaban su vida y de las que, por
supuesto, se tenían que defender. En aquellas sociedades la actividad cinegética tenía
una importancia que quedó patente en la abundancia observada en las representaciones
de estos animales salvajes. A la hora de destacar las formas en las que se ejecutaban las
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imágenes, una de las técnicas más habituales era la pintura, la cual se lograba a partir de
la utilización de pigmentos naturales como el ocre, el carbón o el manganeso, los cuales
daban lugar a colorantes de tonos rojizos, negros o amarillentos. Estos pigmentos natu-
rales eran disueltos en grasa animal y los mismos tenían la característica de que podían
aplicarse con los dedos o con ramas y también fibras a modo de pincel.
En cuanto a las pinturas, hay algunas que son solamente perfiladas o que tienen el
interior decorado, simulando volumen, pero además se da una característica particular
el hecho de que las siluetas siempre aparecen de perfil. No obstante, también se han
encontrado relieves y grabados, por lo que tampoco resulta extraño encontrar pinturas
que han sabido aprovechar resaltes y abultamientos en la roca con el fin de aportar tri-
dimensionalidad a la figura.
Hay por otra parte una gran cantidad de teorías que intentan explicar el significado de
este tipo de representaciones, aunque de todas la más difundida es aquella que sostiene
que su función era propiciar la caza. De todos modos, también se pueden asociar con
un significado religioso o también con una manera de transmitir ritos y leyendas. Sin
embargo, si sólo nos atenemos a la explicación de que servían para propiciar la caza, no
deja de ser curioso el hecho de que los animales más frecuentes en las paredes de las
cuevas no fueran precisamente los más habituales en su dieta. Pero, además, y tampoco
se han encontrado registros de plantas y semillas que también formaban parte de su
alimentación. De todos modos lo que resulta más claro es que por aquel tiempo existió
algún tipo de intención mágica en su creación, por lo que la incógnita continúa abierta.
Por otra parte, más allá del parietal el hombre del paleolítico ha legado a la humanidad
otras manifestaciones de su arte en las formas de objetos rituales decorados, pequeñas
esculturas de animales, adornos personales o deliciosas estatuillas femeninas como lo
es la reconocida Venus de Willendorf o la de Laussel, las cuales tienen atributos sexuales
y formas femeninas (senos, caderas, glúteos) muy resaltados, pero con el rostro apenas
esbozado, y que sirven a manera de símbolo de la fecundidad. A estos restos se asocia
una estratigrafía que resulta por otra parte sumamente útil a la hora de fechar el arte
parietal.
Otra cosa que resulta numerosa son los utensilios de uso cotidiano. Según cuentan
los investigadores, el hombre de aquellos tiempos tuvo que afrontar una larga y difícil
lucha por la subsistencia, por lo que tuvo que idear una serie de herramientas que le
La Venus de Willendorf, es una

estatuilla antropomorfa femenina
de 20.000 ó 22.000 años de anti-
güedad. La obra lleva el nombre
del sitio a la vera del Danubio
donde fue descubierta en 1908
por el arqueólogo austriaco Josef
Szombathy. Es una figura obesa,
de vientre abultado y enormes
senos. Esta imagen de la mujer
gorda que esta completamente
desnuda también era usual en
las esculturas egipcias, griegas y
babilónicas del Período Neolítico.
Estatuilla de Venus de Willendorf, figura obesa, de vientre abultado y enormes senos.
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permitieran resolver las nuevas situaciones que se le presentaban. En cuanto a los restos
que se han encontrado en los yacimientos, los mismos son la respuesta tecnológica a
las adversidades anteriormente mencionadas, la forma en que el ser humano tuvo que
ingeniárselas para enfrentarse al medio y dominarlo.
Palelítico Superior. Por lo tanto actividades como cazar, defenderse de los enemigos, cortar pieles o ramas,
Coincide con los últimos períodos calentarse, posibilitaron que fuera necesario el desarrollo de una serie de técnicas cuyos
de las glaciaciones wurmienses, vestigios son fundamentales en la actualidad cuando se pretende comprender cómo vi-
de clima muy frío aunque con vían, pensaban y sentían los antepasados. De esta forma podemos señalar que han sido
intervalos templados. También encontrados, entre otras, hachas de mano, bastones de mando, lascas afiladas, azaga-
se caracteriza porque las espe- yas o puntas de arpón, elementos que en muchos casos tienen decoraciones geométri-
cies humanas de los anteriores cas como líneas y puntos o también pequeñas incisiones.
períodos, como los Neandertha- De todos modos hay que señalar que los restos más frecuentes son de piedra (espe-
les, comienzan a tener problemas cialmente de sílex o pedernal, una variante del cuarzo) o de hueso. No obstante, cier-
para subsistir y una nueva las tamente aquellos hombres primitivos también usaron madera, pieles, conchas o fibras
comienza a sustituir. Se trata del vegetales, aunque el hecho de que estos materiales sean perecederos genera que sea
hombre de Cro-magnon. menor la cantidad de ejemplos que han llegado hasta nuestro tiempo.
Además hay que manifestar que tampoco han quedado indicios de arquitectura, aunque
se puede llegar a suponer que algunas de las cuevas fueron también santuarios. Aún
así, y dejando de lado el debate sobre si su intención primigenia era mágico-religiosa o
meramente estética, lo real es que los antepasados han dejado muestras de sobra que
nos dejan en claro su sensibilidad artística y su interesante sentido de belleza.
EL ARTE DEL NEOLITICO

Este período de tiempo se extiende, en líneas generales, desde el año 7000 hasta el
2000 antes de Cristo, aunque hay que reconocer que esta cronología varía bastante de-
pendiendo de las zonas. Se ha hecho coincidir su inicio con el momento en que el hom-
bre prehistórico empezó a abandonar su antigua forma de vida nómada y cazadora con
el objetivo de afincarse en torno a un modo de subsistencia sedentario, que estuviera
centrado en lo que es la agricultura y la ganadería.
Hombre agrícola de la Nueva Edad de Piedra (Neolítico).recolectando cereales, estatua.tamaño real.
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Posteriormente lo que fue la unión de una progresiva mejora del clima y la retirada
de los hielos glaciares, obligaron al hombre prehistórico a adoptar nuevas formas de
supervivencia, las cuales dejarán a su vez también su huella en las manifestaciones
vinculadas con el arte. A raíz de esta situación las tribus vieron un aumento del número
de individuos y este terminó desembocando en una jerarquización de la sociedad, como
así también en la aparición de conceptos como fueron la propiedad o el comercio. No
obstante hay que remarcar que la espiritualidad se fue haciendo más compleja, mientras
que el progreso técnico experimentó un notable desarrollo, el cual fue una consecuencia
de las necesidades del nuevo modo de vida.
A lo que fueron toda esta serie de cambios fundamentales para la evolución del hombre
se les incorporó el nombre de Revolución Neolítica y en cuanto a sus resultados los mis-
mos pueden constatarse en lugares tan disímiles como Europa, el norte de Africa, Rusia
o el Próximo Oriente. Obviamente cada zona tiene sus particularidades y sus propios
límites cronológicos, más allá de que en cuanto a sus rasgos generales los mismos son
coincidentes en casi todas ellas.
Durante el neolítico lo que cobra gran importante es la cerámica, debido a que los
grupos sedentarios necesitan una mayor cantidad de recipientes para almacenar los ali-
mentos que iban recolectando o cazando. Si bien estos recipientes no presentan formas
La cerámica cardial se llama así

por la utilización de una concha
marina en su decoración, cuya
cubierta se empleaba sobre el ba-
rro tierno realizando las incisiones
características alrededor de los
recipientes. Este tipo de cerámica
se extendió por el litoral portu-
gués, la zona oriental de Andalu-
cía, la zona levantina y Cataluña.
A finales del quinto milenio, llegó
desde el mediterráneo una cerá-
mica caracterizada por su color
rojo brillante, extendiéndose por
Andalucía.
Cerámica Neolítica, Museo Arquelógico de Córdoba.
complejas en exceso, se trata de vasijas funcionales, las cuales poseen una decoración
geométrica en base a líneas, triángulos o círculos, que terminaron adoptando variadas
tipologías y que tienen una técnica derivada de la cestería. Las mismas son realizadas a
mano, puesto que el torno se empezaría a usar recién en la época de los metales. Luego
de este proceso, se las dejaba secar sin cocerlas en el horno.
Entre los casos de piezas de bello diseño se da en España, con los objetos de cerámica
que eran pertenecientes a la denominada Cultura del Vaso Campaniforme, corriente
que llegará a extenderse por el resto de Europa. Hay que destacar entre las más repre-
sentativas de este periodo a la reconocida cerámica cardial, que estaba decorada con
dibujos realizados a partir de la utilización de la concha de un molusco denominado
como cardium edule. En las sociedades sedentarias, además de la cerámica, comienzan
a sobresalir otras actividades que hasta entonces eran desconocidas como son los casos
de la elaboración de tejidos y el pulimento de la piedra. Con respecto a esta última acti-
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vidad, con la utilización de las piedras más duras se habilita lo que es la fabricación de
herramientas mejores y mucho más eficaces, entre las que se pueden mencionar hachas
y utensilios agrarios. De hecho, es este fenómeno el que termina dando nombre al pe-
riodo neolítico, el cual significa desde lo etimológico “piedra nueva”.
Posteriormente con la aparición de la agricultura se terminó logrando que la vincula-
ción a la tierra se hiciese más fuerte, y que de esa manera comenzaran a desarrollarse
aspectos relacionados con la fertilidad, como así también con los ciclos vegetales o los
fenómenos celestes. En este sentido hay que señalar que se encuentra una gran produc-
ción de estatuillas y relieves asociados a dicho culto, y que generalmente las mismas son
figuras con formas femeninas, también hay embarazadas u otras que tienen atributos
como aves o serpientes y que están decoradas con zigzags y líneas onduladas. En rela-
ción a estas figuras, se supone que tenían como fina el hecho de propiciar las buenas
cosechas.
Por otra parte, se menciona que derivado de la necesidad de conocer de manera más
precisa la naturaleza con el objetivo de sacar más rendimiento al nuevo modo de vida
basado en la tierra, es que termina surgiendo un interés por la naturaleza que a su vez
El dolmen de Poulnabrone cons-

ta de una piedra lisa de tres me-
tros de largo que descansa sobre
otras dos dispuestas a modo de
puerta, y éstas a su vez sobre un
túmulo, que ofrece estabilidad al
monumento, y que en su origen
debía de ser más alto de lo que es
en la actualidad.
El dolmen de Poulnabrone “agujero en la piedra” del período del Neolítico en Irlanda.
da lugar a un incipiente desarrollo de la ciencia. Como resultado de esto tenemos los

calendarios y las mediciones astronómicas y, de hecho, varias de las construcciones de
aquellas épocas han sido reinterpretadas con el paso del tiempo como observatorios y
lugares para realizar mediciones celestes.
En cuanto al final del período neolítico, el mismo vendría signado por un nuevo avance
tecnológico, como lo fueron por aquel entonces el descubrimiento de las propiedades
químicas de los metales y además su posterior utilización para crear herramientas. De
esta forma se daría paso a la edad de bronce, con la que se terminaría dando un paso
fundamental, el cual llevaría a nuestros antepasados a dejar la prehistoria para adentrar-
se en lo que se considera la historia.
No obstante si tenemos que destacar una manifestación que resulta característica del
periodo neolítico, se trata sin dudas del fenómeno del megalitismo, en el cual se agru-
pan una serie de construcciones realizadas con piedras de gran tamaño las cuales se
cree poseían una finalidad funeraria: precisamente el término procede de los términos
griegos mega grande y lithos, piedra. Para la historia, son las primeras construcciones
del hombre prehistórico que han sido presentadas ante nuestro tiempo debido a que
estaban protegidas con capas de tierra y piedras formando túmulos.
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De aquellos tiempos hay varios tipos de monumentos que se pueden distinguir. Por
ejemplo, los menhires o enormes piedras clavadas verticalmente, también estaban los
dólmenes que eran estructuras formadas por varios mehires a su vez rematados por
otras grandes losas horizontales, o además los cromlech, unos círculos formados por
varios de los elementos anteriormente citados y cuyo ejemplo más representativo es
Stonehenge. No obstante, existen también taulas, alineamientos, navetas entre otras,
que son otro tipo de formas para destacar.
En el caso de los sepulcros megalíticos, los mismos solían tener una cámara sepulcral
donde se depositaban los restos humanos que eran, generalmente, inhumaciones indivi-
En el Valle del Rio Gor se en-

cuentra el que es considerado el
mayor conjunto megalítico de
Europa.Gorafe cuenta con 240
dólmenes o sepulcros megalíticos
diseminados por las diez necró-
polis que rodean el municipio, de
los que 198 han sido estudiados y
catalogados.
Sepulcro megalítico de Gorafe en el Valle del Rio Gor, Canada.
duales sucesivas. Por ejemplo, podían presentar galerías o corredores y la mampostería

era utilizada en ocasiones para levantar falsas cúpulas. También, se podían localizar
tumbas en forma de cistas e incluso algunas cuevas artificiales.
Por otra parte hay que mencionar la pintura de este período, que se caracterizaba ma-
yormente por su esquematismo y por su marcado carácter simbólico. Marca, además,
una diferencia con lo que sucedía con el arte parietal paleolítico, ya que esta etapa no
suele representarse en la parte del fondo de oscuras cavernas, sino en las cercanías de
la entrada de las cuevas e, incluso, fuera de ellas, al aire libre. Estas pinturas formaban
parte de la decoración de estructuras arquitectónicas o de esculturas.
Al observar los colores que se usaban por aquel entonces, hay que remarcar que siguen
siendo los mismos que en etapas anteriores, aunque sin embargo ahora la figura hu-
mana está más presente, habitualmente representada de una manera muy esquemática
y generalmente en escenas que pueden ser de caza o domésticas, entre otras. Por otra
parte, en ocasiones se incluyen símbolos solares, estrellas o elementos de la naturale-
za, como así también otros que están asociados al poder o a la fecundidad. Mientras
tanto las representaciones que se hacían de los animales sufrían también un proceso de
abstracción aunque, como solía suceder, la evolución no se daba de la misma forma en
todas las áreas.
PERIODO DE LOS METALES

Lo que tiene que ver con el descubrimiento y el desarrollo de la metalurgia se va dando
progresivamente después de la revolución neolítica.
A su vez, este período está dividido en tres etapas que adquieren el nombre de los
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metales que el hombre fue utilizando con el tiempo. Hay que señalar que la secuencia
evolutiva se da de la siguiente manera: cobre - bronce – hierro. Sin embargo, la velocidad
de la evolución tendría su diferencia según la zona. Por ejemplo en algunos puntos se da
una coincidencia con el inicio de tiempos históricos.
LA EDAD DE COBRE
Sobre la península ibérica, en coincidencia con la introducción de la metalurgia del co-
bre, se da por iniciada la arquitectura dolménica o megalítica. En cuanto a los tipos de
arquitectura megalítica se deben mencionar el menhir, el dolmen y el crómlech.
En cuanto a lo que son las representaciones pictóricas del período inicial de esta edad
de los metales, las mismas se caracterizan por la esquematización de la figura humana,
donde sobresalen especialmente los grandes ojos.
Por otra parte hay que señalar que la cerámica está decorada con estilizaciones de ojos
y ciervos, continuada posteriormente por la magnífica cerámica campaniforme. Esta ce-
rámica tenía grandes labores geométricas, que a su vez estaban inspiradas en temas de
cestería. Quienes se dedicaban a esta actividad son expertos en la metalurgia y también
en prospecciones de yacimientos de plata y oro.
LA EDAD DE BRONCE
La misma se desarrolla en el último tercio del segundo milenio, y especialmente corres-
ponde a lo que fue la introducción de la metalurgia del bronce. Por otra parte hay que
mencionar que se encuentra representada por bellas copas de cerámica de color negro
y alto pie.
Otra actividad destacada fue la arquitectura, la cual está representada por singulares
monumentos entre los que podemos encontrar el talayot o torre troncocónica, la nu-
ragha, la taula y la naveta, que tienen forma de quilla de nave invertida.
Por su parte, una de las manifestaciones más importantes del arte de la Edad de los Me-
tales a nivel europeo la constituyen la orfebrería, con una decoración geométrica. Entre
las manifestaciones más peculiares tenemos los famosos carritos del sol.
LA EDAD DE HIERRO
Esta etapa coincide en Europa
con épocas que resultan plena-
mente históricas (del 1000 al 100
a.C.). A lo largo de este período,
por otra parte, se extiende el arte
decorativo celta, el cual tiene una
inclinación hacia lo curvilíneo.
Una de las piezas maestras de
esta etapa es el célebre escudo
celta del Museo Británico.
Herramientas de hierro, material que posibilitó la creación de herramientas más resistentes y baratas.
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EL ARTE ANTIGUO
ARTE MESOPOTAMICO
La Mesopotamia fue una zona muy conflictiva tanto desde lo político, social y artística-
mente. En cuanto a su historia, la misma es paralela a Egipto, empezando alrededor del
año 3000 a. C. y sus ríos, al igual que ocurría en Egipto, fueron una condición fundamen-
tal para lo que fue su desarrollo.
En general, se trata de una tierra que ha legado mucho, aunque noble es decir que no
tanto como Egipto, debido a que utilizaban materiales más pobres. También, hay que
señalar que fue investigada mucho más tardíamente que Egipto y que además su estudio
no está completo. Por otra parte se destaca que la región no tiene un arte único debido
a las distintas culturas que se fueron asentando en la zona.
Estaban compuestos por una se-

rie de pisos a cada cual de meno-
res planta y altura, y pintados de
distintos colores. Unas escalinatas
permitían la ascensión hasta los
pequeños templetes que los
coronaban. Se convirtieron en los
edificios más representativos de
Mesopotamia.
El zigurat, edificación monumental ligado al templo y dedicado a una divinidad.
GEOGRAFIA
Todo lo relativo a la cultura mesopotámica se desarrolla entre dos ríos, el Tigris y el
Eufrates. En cuanto a su territorio, ocupaba parte de las actuales Siria, Palestina, Iraq,
Arabia Saudita e Irán, limitando al sur por el Golfo Pérsico y al norte por el macizo de Ar-
menia.La Mesopotamia, por otra parte, estaba rodeada por desierto. No obstante, existía
una división entre Baja Mesopotamia, que era más fértil, y Alta Mesopotamia.
En total se pueden mencionar tres principales regiones, las cuales se formaron por aque-
lla época y que pueden ser definidas como Asiria, Akkad y Sumer. Por otra parte, las
principales ciudades fueron: Nínive, Nimrud, Assur, Tell-Asmar, Lagash, Mari, Babilonia,
Uruk, Ur, Eridu, Khorsabad y El-Obeid.
De todos modos hay que recordar que se trata de una zona de paso, cuestión que entre
otras cosas provocó su diversidad, pero además hizo que su cultura se transmitiese a
todo el mundo. Por ejemplo, la Biblia ubica en esta zona el comienzo de la historia.
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HISTORIA
En cuanto a esta época la cronología resulta muy confusa y difícil y la misma es continua-
mente sometida a revisiones. Aquí mencionamos los siguintes períodos:
PERIODO SUMERIO: 3000 - 2350

Los sumerios eran provenientes de oriente, probablemente de una zona montañosa.
Posteriormente se asentaron en la Baja Mesopotamia y procedieron a desecar la zona.
Además, en aquel lugar, llegaron a organizar un sistema de canalizaciones y fundaron
las primeras ciudades. Las primeras noticias de ellos de finales del IV milenio. Se dice
que era un pueblo pacífico que tenía como forma de vida la agricultura. La capital fue Ur
y su organización política era en ciudades estado.
El término sumerio es el nom-

bre común dado a los antiguos
habitantes del sur de la Meso-
potamia por sus sucesores, los
semitas acadios. Los sumerios se
llamaban a sí mismos sag-giga,
que significa literalmente el
pueblo de cabezas negras .
Pictograma grabado en arcilla, principios del cuarto milenio, Arte Sumerio.
PERIODO ACADIO: 2350 - 2150

Por este instante es que hace su aparición la figura de Raigón, quien somete a los sume-
rios con el objetivo de crea un gran imperio, en lo que se considera como una primera
unificación. Raigón se autodenominará como Rey de las cuatro partes del mundo.
No obstante con su hijo nieto, Naram-Sin, en el poder se logró un periodo de esplendor,
aunque el mismo no duró mucho, debido a que los Guti, que eran procedentes de Irán,
invadieron la zona y desplazaron al rey. Sin embargo entre los sumerios aparece la figu-
ra de Ur-Namu, quien dará paso al período posterior.
PERIODO NEOSUMERIO: 2150 - 2015
Durante el período dominado por la III dinastía de Ur se destaca la figura de Judea, que
termina ubicando su capital en Lagash. Más allá de no ser un momento demasiado largo,
es de gran esplendor y muy rico.
Babilonia fue una antigua ciudad PRIMER IMPERIO BABILONICO: 2000 - 1530
de la baja Mesopotamia. Ganó su Procedentes de oriente, tenemos los amorreos, quienes derrotan a los sumerios y luego
independencia durante la Edad se termina asentando en Babilonia. De estos, su monarca más representativo es Ham-
Oscura, tras lo cual se convirtió en murabi y a través de su gobierno se da el momento de mayor esplendor, que fue aproxi-
capital de un vasto imperio bajo madamente hace al año 1750 a.C.
el mandato de Hammurabi (siglo PERIODO DE LOS HITITAS: SIGLOS XV- XII
XVIII a. C.). Luego de destruir Babilonia, los hititas lograron hacerse con el poder. Se los considera
un pueblo guerrero, situación por la que no dejan manifestaciones demasiado importan-
tes en otros terrenos.
SEGUNDO IMPEDIO BABILONICO: SIGLO IX- 626
A través de una gran cantidad de guerras, los asirios se fueron haciendo con el poder y
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crearon un nuevo imperio, el cual se extendió hacia Siria, Palestina, Egipto, entre otras
regiones. En general se trata de un pueblo guerrero e invencible, pero que se ha visto
sometido a numerosos golpes de estado.
SITUACION DE 626-539
En el año en que muere Asurbanipal es el momento en el cual el imperio se disgrega y
queda reducido a la zona de Asiria, pero sólo hasta que Nabocolosal destruye Nínive en
620 a.C. De esta forma se terminó haciendo del poder, hasta que los persas lo destruyan
en 539 a.C.
RELIGION
En el mundo Mesopotámico, la religión domina todo y permanece de manera más o me-
nos inalterable hasta la conquista por parte de los musulmanes. La misma está basada
principalmente en las fuerzas de la naturaleza, las cuales se identifican con los dioses:
el dios del agua es Enlil, el del cielo Anu y el de la tierra Enki. Sin embargo estos dioses,
progresivamente, van tomando forma, en primera instancia con símbolos para acabar
teniendo forma humana. Por ejemplo Anu terminará siendo el dios de los dioses.
Assur (también Ashur) es el ma-

yor dios de Asiria, que no respon-
de a una característica específica,
y no se definía en relación con
algún fenómeno natural con
sucedía con la mayor parte de los
dioses mesopotámicos. No tenía
ningún poder específico, simple-
mente era el rey de los dioses, y el
dios de los reyes.
Assur, el dios de los reyes asirios, ilustración.
Posteriormente a estos sucesos se van a ir configurando nuevos dioses. Es así como

tendremos a la gran diosa Inanna, que más tarde se identificará con Ishtar, que va a ser
la más venerada de todos los dioses. Ishtar es la diosa de la fertilidad y del amor. Por su
parte Sin será la luna y Shamash, el sol. A estos dioses se les van a ir uniendo otros que
van a ser venerados en algunas zonas, como por ejemplo fueron los casos de Assur en
Asiria o en Babilonia.
Más allá de ser extremadamente importante, la religión en la zona de la Mesopotamia no
tiene un desarrollo artístico demasiado importante, como sí ocurrió en Egipto. Los me-
sopotámicos también creen en espíritus maléficos y demonios, creencia que definitiva-
mente sí va a terminar influyendo en el arte puesto que hay numerosas representaciones
artísticas para espantar a estos espíritus. Era necesario espantarlos debido a que, entre
otras cosas, creían que estaban relacionados con diferentes enfermedades.
Por otra parte hay que destacar que tienen un concepto pesimista y negativo de la vida
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en la tierra y también de la de ultratumba. Estas cuestiones explican por qué no existe el

mismo culto a los muertos que el que se daba en Egipto. En cuanto a las ceremonias re-
ligiosas, son muy simples y las mismas estaban basadas en la oración y en el cuidado de
los dioses, cuestiones con las que los sacerdotes van a tener una gran importancia. En
otro orden de cosas, el rey va a ser la figura favorita de los dioses, llegando hasta el pun-
to de que los reyes tomarían uno de los atributos de los dioses, que eran los cuernos.
También ligado a lo que era la religión se daba en Mesopotamia un mundo que tuvo
un gran auge y que tenía que ver con la magia, pero especialmente la que estaba rela-
cionada con la observación de los astros y la astrología. Es de esta magia de la que los
pueblos mesopotámicos tendrían en el futuro un gran conocimiento que transmiten a
otros pueblos.
En cuanto a los templos, los mismos serían grandes complejos que se fueron desarro-
llando a lo largo de las diferentes épocas y hay que destacar que en ellos había una enor-
me burocracia. De todos modos no se trataba solamente de una institución religiosa,
sino además se desarrollaban allí actividades políticas y administrativas. De esta forma,
alrededor del recinto religioso se fueron construyendo una serie de estancias y también
el palacio del rey. Precisamente el monarca es el encargado de construir los templos.
Por lo tanto, el rey-sacerdote es quien ponía la primera piedra de estas construcciones,
algo que para los mesopotámicos era muy importante y tanto es así que han quedado
muchas representaciones de estos episodios.
SOCIEDAD
Por aquel entonces las ciudades estaban aglomeradas en unas ciudades-estado, las cua-
les son autónomas e independientes y se encuentran gobernadas por un monarca que
dirige el ejército, pero además administra la justicia y dirige los ritos religiosos de ma-
nera conjunta con los sacerdotes. El monarca, en ese sentido, es el dueño y señor de
todo el territorio.
Se deben considerar dos tipos de nobleza: por un lado la nobleza cortesana y por el otro
la nobleza empleada, o también en el Ejército o en la administración. Se debe tener en
cuenta también que hay escribas, aunque los mismos no se encuentran representados
Ur-Nammu fue un general

sumerio de Utu-hegal, que se
rebeló y lo destronó fundando
la III dinastía de Ur, con la que
vendría el renacimiento sumerio
y una nueva etapa de esplendor
en Mesopotamia como no se veía
desde Sargón de Acad.
El general Ur-Namu parado a la izquierda, Mesopotamia.
como en Egipto. De todos modos, estos escribas están muy bien considerados y están
ligados al templo. En cuanto a lo que es la clase urbana, la misma se encuentra formada
por mercaderes y artesanos. En la línea inferior, estaban los campesinos y finalmente los
esclavos. En cuanto a la organización, esta sociedad lo estaba desde un principio. Una
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prueba de esto es la legislación que se va conformando desde muy pronto, como por
ejemplo la de Ur-Namu, que resulta la más antigua de la época neosumeria, o por otra
parte también el código de Hammurabi, aunque este era ya de época babilónica.
Hay que considerar que todo este desarrollo de los pueblos se ha podido estudiar debi-
do a su conocimiento de la escritura. Por ejemplo hay conocimiento desde finales del IV
milenio, con los sumerios. En general se trata de una escritura cuneiforme, denomina-
ción que se alcanza por el aspecto de los trazos, los cuales van siendo dados en forma
de cuña. Sobre la aparición de la escritura, la misma lo ha hecho en tabletas de arcilla
blanda y la misma era realizada con un buril o cálamo, elementos con los que se fueron
haciendo trazos, tras lo que se cocinaban las otras tabletas para endurecerlas. Entre
las características, las primeras tabletas eran funcionales y estaban escritas en ladrillos
encontrados en los cimientos de los templos. Posteriormente fueron apareciendo en
relieves, en materiales duros, entre otros soportes.
En cuanto a la escritura cuneiforme, la misma se conoce desde 1802 merced a lo hecho
por Groterfend, personalidad que llegó a descifrar la estela persa de Behistun, la cual es-
El Código de Hammurabi, creado

en el año 1760 a. C. (según la
cronología media), es uno de los
conjuntos de leyes más antiguos
que se han encontrado y uno de
los ejemplares mejor conserva-
dos de este tipo de documento
creados en la antigua Mesopo-
tamia y en breves términos se
basa en la aplicación de la ley del
Talión a casos concretos.
El Código de Hammurabi (detalle) Museo del Louvre, fue creado en el año 1760 a. C.
taba escrita en tres lenguas: persa, acadio y elamita. Hay conocimientos precisos sobre
la existencia de bibliotecas, aunque las mismas han desaparecido. De todos modos se
sabe que la más importante fue la de Nínive.
Por otra parte se debe señalar que el pueblo mesopotámico estuvo muy desarrollado y a
su vez fue dueño de una gran cultura. A ellos se deben adjudicar grandes conocimientos
sobre astrología: por ejemplo sabían de planetas, movimientos, constelaciones, y ade-
más inventaron el horóscopo, entre otras cuestiones.
Otra de sus características como sociedad era que tenían grandes conocimientos de me-
dicina y cirugía, actividades de las que han quedado notas. Entre ellas se debe destacar
al código de Hammurabi.
También fueron sobresalientes sus aprendizajes en cálculo matemático y en operacio-
nes mercantiles. Y por otra parte eran poseedores de grandes textos relacionados con el
mundo de la literatura. Se encuentran en ese marco restos de poemas épicos, oraciones,
textos didácticos, entre otros. No obstante, los tenían siempre con una finalidad prácti-
ca, la cual seguía como objetivo la continua exaltación del poder, de un habitual carác-
ter político y religioso.Finalmente también destacaban en cuanto a las artes plásticas,
aunque hay que señalar que en las mismas no seguían una motivación estética. Es por
este motivo que no se conocen en esta sociedad nombres de artistas, debido a que los
mismos sólo eran funcionales a exaltar al poder con un matiz propagandístico.
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EL ARTE EN EGIPTO
De toda esta época decididamente el arte egipcio es la manifestación artística que más
ha subyugado al hombre moderno. En el caso de la civilización egipcia, hay que señalar
que no sólo creó una arquitectura, escultura y pintura de muy destacada belleza, sino
que además generó toda una cultura que ha sido seguida por investigadores, literatos
y personas del común, y donde fundamentalmente se mezcla lo histórico, lo mítico y lo
misterioso.
Hay que señalar que el arte egipcio está muy relacionado con el medio en el que se
desarrollaba, el cual influía en diferentes aspectos. Por ejemplo, tenemos el medio geo-
gráfico que determina una cultura cerrada generando un arte impermeable a influencias
exteriores. Este arte va a evolucionar muy poco y, en aquellos momentos en que lo haga,
será sobre sus propias formas merced a la falta de comunicación con el exterior.
La Gran Esfinge de Guiza, monumental escultura que se encuentra en la ribera occidental del río Nilo.
Esfinge es el nombre helenizado No obstante, por otra parte, el medio terminará determinando unos materiales que indi-
de un ser fabuloso que se suele can una falta de preocupación por la vida terrestre a la vez que un deseo de eternizar la
representar, generalmente, como moral del difunto y del dios. Es por este motivo que muchas veces el arte está en función
un león recostado con cabeza de templos y tumbas. Y esto se puede relacionar, fundamentalmente, con los dos facto-
humana. Las esfinges fueron res determinantes del arte, los cuales también vienen determinados por el medio, como
ideadas por los antiguos egipcios lo son la monarquía y la religión.
y formaban parte de su comple- De esta manera el faraón (y también los nobles) más los sacerdotes serán los principales
ja mitología; también tuvieron clientes de este arte. Se trata de una expresión áulica y oficial, la cual logra desarrollar-
relevancia cultural en la mitología se en virtud de la religión, fundamentalmente, con la participación del faraón. De esta
de los antiguos griegos. forma se debe considerar que no se trata de un arte autónomo.
Hay que señalar también que el arte egipcio está sometido siempre a normas, y que
por este motivo es muy semejante y monótono, con una forma tan homogénea. En todo
sentido se trata de un arte estereotipado en el que se valora más la precisión del acaba-
do del dibujo que su propia originalidad. Por otra parte, el mismo es de gran carácter
simbólico y mágico.
En líneas generales los artistas egipcios se van a perder en el anonimato, y más allá de
que se conozcan algunos artistas del Imperio Antiguo, los más reconocidos son los que
se conservan del Imperio Nuevo. De los más considerados, tenemos a los arquitectos,
que tenían la particularidad de relacionarse con los clientes. No obstante, los pintores y
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escultores son considerados por su parte como simples artesanos.

Por aquel entonces nos encontraremos con dos tipos de talleres: por un lado tenemos
los oficiales, que están en torno a los palacios y templos, y que es donde se forman los
grandes artistas y obras; y por el otro los privados, que estaban destinados a clientes
que no tuvieran relación alguna ni con la monarquía ni con la religión. Hay que remarcar
de todos modos que de estos últimos se han conservado muy pocas obras, y esto es así
especialmente a que utilizaban materiales más endebles que los que utilizaban en los
talleres oficiales.
GEOGRAFIA
En el caso de la geografía del Antiguo Egipto nos encontramos ante una que es muy sig-
nificativa y que a su vez influirá muchísimo en su arte. Situado en el nordeste de Africa,
Egipto se encuentra muy aislado de otros países por su situación geográfica. En cuanto
a sus límites, los mismos son por el oeste, el desierto de Libia; por el este, el desierto de
Arabia; por el norte, el mar Mediterráneo y por el sur, el macizo de Etiopía y el desierto
de Nubia.
Mientras tanto hay que señalar que se encuentra recorrido de sur a norte por el Nilo,
un río que tendrá muchísima importancia en el desarrollo posterior de esta civilización.
Según Heródoto “Egipto es un don del Nilo”. Precisamente le llaman río de los dioses
debido a su carácter sagrado y que por tal es honrado por los egipcios, dando vida al
valle que se desarrolla a lo largo de él. Con un anchura muy pequeña, de 5 a 30 kilóme-
tros, sus dimensiones van dependiendo de las zonas. Se trata de un río muy irregular en
cuanto a su caudal, y esto es así debido a las lluvias monzónicas, condición que llevaría
a inundaciones que beneficiaban la fertilidad, por lo que se considera que la cosecha
dependía de las crecidas del río, y a su vez también de ella el trabajo y la vida.
El Nilo tomó su actual configu-

ración al final de la Era Terciaria.
Está ubicado al nordeste del
continente, nace en Burundi y
tiene dos afluentes principales,
el Nilo Blanco y el Nilo Azul. El
primero atraviesa los Grandes
Lagos de África, mientras que
el Nilo Azul comienza en el lago
Tana, en Etiopía, y fluye a lo largo
del sudeste de Sudán.
Embarcadero de lanchas en el Rio Nilo, El Cairo, Egipto.
En cuanto a las diversas etapas, desde finales de junio empieza a aumentar su caudal
y el mismo va arrastrando en un principio malas hierbas y más tarde el limo, el cual
termina depositado en el suelo, y es esta instancia la que se aprovecha para la siembra.
Esta situación se da varias veces al año, por lo que Egipto se termina convirtiendo en un
territorio muy rico y fértil.
Con el objetivo de controlar el agua aparecen los nilómetros, que son pozos con señales
para medir el nivel del agua con el objetivo de anticiparse al peligro de inundaciones. No
obstante, en el caso de que estas se produzcan, se construyen diques. Más allá de que
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este sistema provocaba mucho trabajo, su utilización se ha continuado hasta el siglo XX

con lo que fue la construcción de la presa de Asuán en 1902 y 1971.
Por tanto se considera a la sociedad de Egipto como una sociedad fluvial, y esta situación
repercute en el arte: las pinturas y los relieves que se encontraron principalmente en las
tumbas dejan un reflejo de la importancia del río en la vida, el cual era medio para el
transporte, la pesca, entre otras actividades.
Además, hay que señalar que tanto el río como las tormentas, entre otras cuestiones
vinculadas con el agua, influyen en la sociedad creando supersticiones y también una
religión en la que se puede observar cómo los dioses terminan estando vinculados con
fenómenos naturales. Se genera por ese entonces un gran misterio alrededor de la reli-
gión, y por consiguiente la divinidad y el más allá van a regir toda la vida.
Hay que señalar que Egipto está dividido en dos zonas: el Bajo Egipto, que está al norte,
la zona del delta; y el Alto Egipto, que es la zona del sur, a partir de Memphis. Ambos
territorios van a estar representados de forma iconográfica en dos flores: el Bajo Egipto
estará representado por la flor del papiro, mientras que el Alto Egipto se encuentra figu-
rado por la flor de loto.
HISTORIA
La historia de Egipto comienza muy pronto y es muy compleja. Por ejemplo la escritura
aparece en torno al año 3000 y los egipcios atribuían su creación al dios de la sabiduría,
Thot. Por otra parte, consideraban tres tipos de escritura:
El sistema de escritura jeroglífico -Escritura jeroglífica: esta es la más conocida y se trata fundamentalmente de un estilo
egipcio es mixto (ideográfico y monumental (asociada a los monumentos) y se realiza en relieve. Con el tiempo va a
consonántico) y fue usado desde terminar teniendo una interpretación muy difícil: por ejemplo, a veces se puede leer de
c. 3100 a. C. al 400 d. C. El sentido izquierda a derecha y otras veces de modo contrario.
de la escritura es horizontal de
derecha a izquierda, de izquier-
da a derecha, en bustrófedon
y vertical de arriba hacia abajo
comenzando por la derecha y
comenzando por la izquierda.
Sistema de escritura jeroglífico, inventado por los antiguos egipcios para comunicarse.
-Escritura hierática: se trata de una escritura cursiva, abreviada de la anterior, la cual

era más utilizada en la vida común. La escritura hierática aparece en los textos.
-Escritura demótica: más rápida y popular, esta escritura es la que aparece más tardía-
mente y es la que se usa en Egipto hasta cuando se dio la invasión romana.
En el caso de la escritura ha sido un instrumento muy importante para lo que fue el
conocimiento de Egipto. De todos modos no fue hasta el siglo XIX cuando se empieza a
difundir y a interpretar, a partir de la invasión de Napoleón, quien llevó consigo algunos
sabios franceses. Entre los mismos se encontraba Denon, que era un grabador que hacía
una obra ilustrada, la cual será punto de arranque de la egiptología.
Otro elemento fundamental para el conocimiento de la cultura egipcia fue la aparición
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de la piedra Rosetta en una ciudad que estaba cercana a la desembocadura del Nilo, y
que se trata de una piedra de basalto con una inscripción trilingüe: egipcio jeroglífico,
griego y egipcio demótico. Esta piedra reproduce un decreto de Ptolomeo V y fue inter-
pretada por Champolion en 1822. También hay que considerar como fundamental para
el conocimiento de la cultura egipcia la abertura de la primera tumba inviolada en 1923
a cargo de Carter y Carnavon, que fue la de Tutankamón, como así también otras cientos
de excavaciones que se realizan a partir de entonces.
Tutankamón no fue un faraón

notable ni conocido en épocas
antiguas; el tamaño relativamen-
te pequeño de su tumba fue la
razón de que no fuera descubier-
ta hasta el siglo XX. Howard Car-
ter la encontró intacta en 1922.
Su descubrimiento y los tesoros
encontrados en ella tuvieron
cobertura mundial en la prensa y
renovaron el interés del público
por el Antiguo Egipto, convir-
tiéndose la máscara funeraria del
faraón en la imagen más popular.
El rostro idealizado del faraón Tutankamon en el ataúd más interior.
En relación a los pueblos que viven en Egipto son de origen camita y por lo general se
trata de hombres altos, que tenían hombros anchos y con rasgos de raza morena. Por
otra parte, estos pueblos se asientan y se organizan en nomos o cantones independien-
tes, los cuales estaban dirigidos por reyes sacerdotes. No obstante entre ellos va a haber
momentos de lucha, y por este motivo se van a ir configurando en dos zonas, que son
las denominadas dos tierras:
-Reino de Butto: situado al norte de Egipto, se trata del Bajo Egipto. Sus habitantes se
dedicaban a la agricultura y al comercio, y tenía como distintivo una corona truncada y
roja que estaba adornada con la cobra o ureus.
Manetón fue un sacerdote e -Reino de Nejeb o Nekhen: en el sur de Egipto, es el Alto Egipto. La sociedad de este
historiador egipcio de expresión territorio se dedicaba a la ganadería y tenían como característica que era un pueblo más
griega. Nació en Sebennitos (ac- guerrero. El distintivo de este Reino era una corona blanca y alta coronada por un buitre.
tualmente Samannud) en el siglo Tanto la cobra como el buitre son dos animales sagrados y protectores de los egipcios.
III a. C. Su obra mas extensa fué: No obstante, llegará un momento en que los dos reinos se van a fundir, y la fusión ter-
Aigyptíaka. minará el periodo predinástico. Sobre esta fusión, la misma se debe al rey Menes, y a
partir de este momento al monarca se lo va a identificar como “Señor de las dos tierras”.
De todos modos la cronología de Egipto es muy complicada y habitualmente no termi-
nan por coincidir todos los historiadores.
Los estudiosos suelen partir de la cronología que elaboró el sacerdote egipcio del siglo
III a.C., Manetón, quien redactó la historia de Egipto para Ptolomeo II. Esta obra pudo ser
vista durante mucho tiempo en la biblioteca de Alejandría, aunque finalmente se termi-
nó perdiendo con el conocido incendio que la destruyó en el 49 a.C. De todos modos su
cronología como sus apuntes se ha transmitido y conocido con el tiempo.
-3000 – 2800: periodo tinita (Menes y I y II dinastías). Se trata de una etapa funda-
mental para Egipto debido a que es el momento en el que se forma el estado. Y donde
además comienza la escritura y el calendario.
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-2800 – 2040: Imperio Antiguo (III – X). Durante este período la capital se encuentra en
Memphis, ubicada al sur del delta. Si bien las dinastías de mayor esplendor son la IV y V,
es a partir de la VI que empieza un momento de decadencia y uno intermedio.
-2040 – 1580: Imperio Medio (XI – XVII). A lo largo de este periodo la capital se en-
cuentra en Tebas. Se trata bajo todo punto de vista de una época de esplendor en las
dinastías XI y XII. Sin embargo, a partir de ese momento comienza de nuevo un periodo
de decadencia donde se suceden luchas de poder entre príncipes, situación que es apro-
vechada por la dinastía de los hicsos que eran procedentes de Siria. De todos modos son
expulsados y se le da paso al nuevo esplendor.
-1580 – 657: Imperio Nuevo (XVIII – XXV). En esta instancia de la historia de Egipto se
dan cambios significativos. Por entonces destacan las dinastías XVIII (marcada por el
Ramsés II es el tercer faraón de la

Dinastía XIX de Egipto, quien go-
bernó unos 66 años, del c. 1279 al
1213 a. C. Ramsés II es uno de los
faraones más célebres, debido a
la gran cantidad de vestigios que
perduran de su activo reinado.
Algunos escritores creen que es
el faraón mencionado en el
Éxodo bíblico, pero no hay prue-
bas ni documentos egipcios
que lo confirmen.
Escultura faraónica Ramses II, hoy descansa sobre sus espaldas en el museo de Menfis.
reinado de Amenofis IV que cambia la capital a Amarna), XIX (marcada por Ramsés) y XX
con la que se retorna un periodo de crisis.
657 – Amag: Baja Epoca (XXVI – XXX). Por esta etapa hay momentos muy interesantes,
como por ejemplo el periodo saíta, aunque después comienzan invasiones de otros
pueblos.
-AMag - 330 - 30 a.C.: Periodo Hele-nístico (Alejandro Magno y dinastía de los lágidas).
Finalmente Alejandro Magno se hace con el poder y expulsa a los persas. Aproximada-
mente desde el 330 hasta su muerte se da un periodo cultural y artístico que ha sido
calificado como muy interesante. Luego de su muerte, Egipto pasa a poder de Ptolomeo,
que era un lugarteniente del mismísimo Magno y que permanecerá hasta el 30. Sobre el
final destaca Cleopatra VII, quien da un gran empuje a Egipto a partir de la obtención de
un gran poder, aunque en el 31 será derrotada por Roma en la batalla de Accio.
-30 – 395: Egipto romano.
-395 – 642: Egipto bizantino.
-642 – 1805: Egipto musulmán. Este período estuvo dominado por distintos pueblos.
Fue a partir de 1805 que se considera ya Egipto moderno.
ORGANIZACION POLITICA Y SOCIAL

Lo que fue la organización política y social de Egipto se vio reflejada en su religión tanto
como en su arte. Además hay que mencionar que no se dio una organización política
estable en todos los momentos. Se trata bajo todo sentido de una monarquía absoluta,
la cual estaba dirigida por el faraón, personalidad considerada como un dios y al que se
le representa con una serie de símbolos que resultaban característicos:
-Doble corona, que son las dos coronas unificadas y con la cobra.-Lleva los brazos cru-
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zados sobre el pecho, mientras en una mano sostiene un flagelo (conocido como látigo)
con tres flecos dorados, en la otra un cetro (o cayado) curvado, elementos que repre-
sentan un vestigio de la vida que llevaba en un principio el pueblo egipcio cuando tenía
una característica nómada. Estos, son símbolos que también va a portar el dios Osiris.
-Barba postiza, la cual era puntiaguda, sobresalía y a veces terminaba en una pequeña
curva, y que era utilizada para determinadas ceremonias.
-El nemes, que era una tela rallada que portaba sobre la cabeza y que estaba ceñida so-
bre la frente, cayendo sobre los hombros de forma más o menos triangular. Se trataba
de un atributo que también podían llevar otros miembros de la familia real, aunque con
el objetivo de distinguirlo nada más que el faraón llevará encima la cobra.
El Nemes era un atuendo que uti-

lizaban frecuentemente los farao-
nes egipcios, en sustitución de las
pesadas y voluminosas coronas
ya que, a diferencia de éstas, era
una pieza ligera y cómoda. Según
los textos, era de color blanco
adornado con bandas teñidas
en azul, aunque algunos podrían
haber sido en azul lapislázuli y en
oro, como se muestra en algunas
esculturas, máscaras funerarias
y frescos.
El Nemes, el atuendo lo portaban los faraones en vida para identificarse con una deidad.
En cuanto a las actitudes del faraón, hay que señalar que se rodea siempre de una serie
de personajes que le ayudan a gobernar. Los mismos se encuentran vinculados con la
nobleza y se trata de los que realizan las tareas administrativas y políticas.
Por debajo de estos nobles, una escala social por debajo, se encuentra el pueblo, for-
mado por agricultores, comerciantes y artesanos, entre los que además hay diferentes
categorías y niveles económicos. Por otra parte estaban los esclavos.
Finalmente se debe mencionar a una clase social que tiene un poder extraordinario, la
cual es el clero o cuerpo sacerdotal. Esta clase tiene una gran simbiosis con el faraón,
quien proporciona tierras y riquezas a cambio de mantener la condición de divinidad del
faraón.
Los sacerdotes viven alrededor de los templos, aunque también tienen una gran impor-
tancia en la corte. Entre ellos se dan distintas categorías y sobresale el gran sacerdote.
Tienen incidencia en la educación, ya que las escuelas están cercanas a los templos, y
entre sus tareas está la de encargarse del cuidado de los templos y de las representacio-
nes de los dioses y de las procesiones, entre otras.
Por otra parte hay que señalar que los sacerdotes tenían una vida distinta a los demás:
por un lado comían diferente y estaban obligados a realizar una serie de abluciones,
pero además vestían diferente, con túnicas de lino, algunos con una piel de leopardo
encima y con la cabeza rasurada. No hay que dejar de lado a las sacerdotisas, aunque
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dentro de la sociedad no tendrían tanta importancia. Las mismas se encargaban de

cuidar a las divinidades femeninas y sus templos, a la vez que cantaban y bailaban.
Del grupo de funcionarios que se encontraban relacionados con la nobleza hay que
destacar a los escribas, y se trata por lo general de los personajes más cultos de la
sociedad. Si bien en un comienzo pertenecían a la familia real, posteriormente podían
provenir de cualquier clase social. Se los podía ver muy cerca del rey y también tenían
la función de primeros ministros. Por ejemplo algunos de ellos tenían la doble función
de escribas-sacerdotes.
De todos modos una sociedad que se fue complementando y ayudando unos a otros,
más allá de las diferentes clases, situación que explica su larga duración y el buen
desarrollo que tuvieron las artes.
EL ARTE EN AMERICA
A partir del año 20.000 y hasta el 15.000 a.C. se dio una serie de sucesivas oleadas
de pueblos procedentes de Asia oriental, que llegaron hasta lo que es la actual Amé-
rica del Norte, cruzando el estrecho de Bering, en Alaska. En este contexto se pueden
distinguir dos grandes períodos: por un lado, el arcaico o preclásico, en el que se da
una mejora a la agricultura, y también crece el comercio y domina la figura de los
sacerdotes; mientras que por otra parte, el segundo período es clásico, con grandes
ciudades-estado teocráticas, las cuales estaban gobernadas por un jefe al que se con-
sidera intermediario de los dioses.
Durante este proceso es que evoluciona una variedad de culturas, entre las que en-
contramos Teotihuacán, toltecas, aztecas, olmecas y zapotecas en México; mayas, en
México y Centroamérica; incas y otros pueblos en América del Sur. Más allá de que
estaban signadas por una gran diversidad, se pueden encontrar entre todos ellos
algunos rasgos comunes en lo que tiene que ver con su arte.
Este tipo de estatuas (Chac Mool)

hizo su aparición en Mesoamérica
al inicio del posclásico, y es aso-
ciada a los Toltecas. La mayor par-
te de los ejemplares conocidos
han sido encontrados en lugares
como Tula y Chichén Itzá,
donde se ha encontrado una
docena. El Chac-Mool es la repre-
sentación mas común
entre los mayas al culto del dios
del agua, 300 años de n.E.
Escultura de Chac Mool, el nombre significa “gran jaguar rojo”.
En este sentido, una de las particularidades en común era que no se pretendía refle-
jar la realidad visible, sino el mundo de dioses y espíritus que para estas sociedades
dominaba cada acto de la vida diaria. El arte era tomado como algo colectivo, que era
realizado por el pueblo y estaba destinado a las ceremonias religiosas de la comuni-
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dad. Por otra parte hay que señalar que el ejercicio de las artes y ciencias se encontraba
en poder de los sacerdotes, quienes concedían menor importancia a estas actividades
que a la agricultura.
TOLTECAS
Sobre finales del siglo IX d.C. a partir del reinado de Ce Acatl Topiltzin, es que se lleva
Tula, la capital tolteca, a su máximo esplendor. No obstante, esta brillante civilización
terminará siendo destruida poco después, en el siglo XII d.C., por invasiones chichime-
cas. Las mismas heredarán el gran arte de Teotihuacán, aunque sustituyen esa solemni-
dad por un aspecto lujoso e, incluso y en ocasiones, decorativo.
Asombrados de este refinamiento, los aztecas se hicieron llamar sus descendientes.
Eran poseedores de una arquitectura técnicamente superior, la cual creaba grandes es-
pacios internos que a su vez estaban apoyados en pilares. Por su parte a mitad de cami-
no del pilar y la escultura exenta se encuentran los renombrados atlantes del Templo de
la Estrella de la Mañana. En este sentido es de destacar también la aparición de un nuevo
modelo escultórico, como eran los llamados Chac Mool, que pueden ser identificados
como figuras recostadas.
OLMECAS
Esta sociedad es el primer gran pueblo de Mesoamérica, y se encuentran en la península
de Yucatán, en el extremo oriental de México, desde 1200 a.C. Los olmecas hicieron un
gran aporta, el cual es la “creación” de la planta del maíz, la cual fue obtenida a través
de especies menos nutritivas. Entre las poblaciones olmecas, destacan las de Las Ventas
y el Cerro de las Mesas, en las cuales se han encontrado grandiosas arquitecturas y ade-
más doce cabezas monumentales. Por otra parte hay que mencionar la gran influencia
de los olmecas sobre otras culturas posteriores, como los aztecas y los zapatecas.
El arte olmeca era muy complejo,

tiene muchos elementos que aún
se están investigando. Los más
importantes y conocidos son po-
siblemente las Cabezas colosales
Olmecas, que son un ejemplo
de escultura monumental y una
de sus mejores representaciones
artísticas. Se cree que pueden
representar a guerreros o a jefes.
Cabeza olmeca, muchas de ellas se encuentran en el Museo de Antropología de Xalapa y en el Museo La Venta.
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LOS MAYAS
La historia de los mayas se divide en Imperio Antiguo (siglos IV-X d.C.) y Nuevo (siglos
X-XV d.C.). A lo largo del Imperio Antiguo -que alcanza zonas como el sur de México,
Guatemala, Honduras y el norte de El Salvador- no se pudo dar la centralización, por lo
que termina coexistiendo ciudades-estados independientes. Por su parte el Nuevo Im-
perio presencia la llegada de los mayas al Yucatán; y es este instante cuando aparece el
estado centralizado donde se destaca la ciudad de Chichén-Itzá.
Esta ciudad fue fundada en el año 534 d.C. y los mayas engrandecen a Chichén-Itzá
con una serie de obras entre las que sobresalen la pirámide de Kukulcán (llamada “El
castillo”), y el Templo de los Guerreros, que era de planta circular y era conocido como
“El caracol”. Mientras tanto en lo que tiene que ver con arquitectura, los mayas intentan
escapar de la horizontalidad y amontonan pisos en altura, situación que se puede obser-
var en el Templo del Sol o en Palenque. Son sus características el empleo del falso arco,
llamado así porque en realidad no sostiene la estructura superior. En cuanto a la forma
clásica de la plástica maya, la misma es la estela, la cual se puede ver como decorada
con jeroglíficos y figuras.
AMERICA DEL SUR

Se dieron a lo largo de todo subcontinente una serie de culturas muy variadas desde el
Neolítico. En Colombia, al igual que Ecuador y Perú, la riqueza de las minas genera gran-
des orfebres los cuales alcanzan una fama que dio lugar a la leyenda de un mítico lugar
llamado El Dorado. Como ejemplo de esto tenemos el collar de los talleres Tolimas.
Hacia el siglo IX d.C. las culturas más antiguas son las de Chavín, Tiahuanaco y Recuay.
Posteriormente, poco tiempo después, florecen las culturas nazca al sur de Perú, y Chi-
mú al norte. De igual manera, todas estas culturas quedaron eclipsadas por la ascensión
de la cultura inca.
Fue entonces hacia 1200 d.C. que liderados por Manco Capac los incas se terminan
asentando en las regiones cercanas a Cuzco. Desde ese lugar terminan creando un
Machu Picchu (del quechua

sureño machu pikchu, Montaña
Vieja ) es el nombre contem-
poráneo que se da a una llaqta
(antiguo poblado andino inca) de
piedra construida principalmente
a mediados del siglo XV en el
promontorio rocoso que une las
montañas Machu Picchu y Huay-
na Picchu en la vertiente oriental
de los Andes Centrales,
al sur del Perú.
Machu Picchu, considerada una obra maestra de la arquitectura y la ingeniería Inca.
inmenso imperio (1438-1531), el cual se extenderá entre el sur de Colombia y la parte

central de Chile, contando en su geografía con la enigmática ciudad de Machu Picchu.
Ya en el siglo XVI, Tupa Inca llegará a conquistar los reinos de Quito y Chimú. Con la
llegada de Francisco Pizarro, sobreviene el final del Imperio Inca. El conquistador logra
enemistar a las familias nobles y toma Cuzco en 1533.
Inca significa “soberano” y es la representación de la divinidad en la tierra, con lo que
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terminarán instaurando un absolutismo de origen teocrático. Esta cultura tiene un arte

muy desarrollado, encontrándose rastros de una arquitectura monumental y una serie
de activos talleres de orfebrería. Si se tiene en cuenta la unificación del imperio, sorpren-
de el hecho de que no hayan tenido un sistema de escritura. Con el fin de comunicarse,
desarrollaron un sistema de vías de comunicación de miles de kilómetros.
EL ARTE AFRICANO
ARTE RUPESTRE
-Sudáfrica: unas piedras pintadas hace más de 25.00 años son consideradas las pri-
meras manifestaciones artísticas conocidas. Esto se debe a que durante milenios los
Khosian fueron dejando sus huellas pictóricas en un gran territorio que cubre todo el
Africa austral y zonas del centro del continente. Habitualmente, estas muestras reflejan
escenas de caza
-Sahara: sin embargo las pinturas rupestres de los montes Tassili N’Ajjer (Argelia), en
el desierto del Sahara, resultan mucho más conocidas. Más allá de que los restos ar-
queológicos encontrados den por sentada la presencia humana en la región desde casi
20.000 años A.C., será recién entre 4.000 y 5.000 años A.C. que finalmente aparecerán
En Sudáfrica se encuentran pin-

turas de aproximadamente 3.000
años de antigüedad atribuidas a
las tribus de San, quienes se esta-
blecieron en la región hace unos
8.000 años. Estas pinturas mues-
tran seres humanos y animales,
y posiblemente se hallan relacio-
nadas con prácticas de carácter
mágico para propiciar la caza.
Representación de antiguos habitantes cazando animales.Pinturas rupestres, KwaZulu Natal, Sudáfrica.
las primeras creaciones artísticas. En total se han catalogado más de 30.000 pinturas
y grabados, los cuales abarcan un periodo de 3.000 años (5.000 a 2.000 a.C...), hasta
la final desertización de la región. En el caso de estos grabados, los mismos fueron
realizados por los bereberes del norte, mientras que las pinturas estuvieron a cargo de
artistas pertenecientes a pueblos que terminaron emigrando hacia la cuenca del Niger
tiempo más tarde.
En el caso de las pinturas más antiguas (periodo de Bubalus), las mismas reflejan perso-
nas que todavía se dedicaban en exclusiva a la caza de animales como búfalo, elefante,
rinoceronte e hipopótamo. Posteriormente, durante el cuarto milenio a.C. es que comen-
zaron a domesticar ganado (ovejas y cabras, vacas y camellos), situación que queda re-
flejada en las pinturas del periodo Ganadero, con proliferación de escenas de pastoreo,
más la presencia de animales coetáneos como antílopes, oryx, gacelas o avestruces. De
las épocas que vinieron luego, también se han conservado pinturas con escenas sociales
y una serie de arte mobiliario, entre lo que se puede mencionar huevos de avestruz uti-
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lizados como recipientes para beber y decorados con dibujos geométricos.

Finalmente con la desertización del Sahara y a lo largo de un extenso periodo que puede
abarcar más de 2.000 años, una serie de grupos de estos pueblos nómadas terminaron
emigrando hacia el Este, portando con ellos su cultura y dejando una influencia en las
sociedades emergentes del Antiguo Egipto. De todos modos, daría la impresión de que
otros grupos ganaderos se fueron desplazando hacia el Africa Oriental, aunque no se
han encontrado similitudes estilísticas entre las máscaras del arte del Tassili con las del
Africa Oriental, por ejemplo.
ARTE ANTIGUO DEL VALLE DEL NILO
-Antiguo Egipto y Nubia: los habitantes del delta del Nilo habían empezado a desa-
rrollar, unos 4.500 años a.C., en sucesivos periodos y de forma gradual, una sociedad
mucho más compleja, la cual estaba basada en la organización eficaz de tierra y otros
recursos, mientras que por otra parte desarrollaban habilidades técnicas sofisticadas,
como por ejemplo fue la creación de los principios de la escritura jeroglífica. Poco antes
del 3000 a.C., este proceso terminó con la unificación de todo el territorio bajo un solo
gobernante. Para los egipcios este acontecimiento fue considerado como el principio de
su historia dinástica.
En cuanto a las manifestaciones artísticas más antiguas que se conocen en la región de
Nubia y el Valle del Nilo, las mismas se encuentran identificadas por los tiempos de la
edad de piedra, entre los años 3.050 y 2.600 a.C. Estas expresiones se integran de reci-
pientes decorados, tanto de cerámica como hechos con huevos de avestruz.
Vaso canopo (canope o canópi-

co), es el recipiente, empleado
en el Antiguo Egipto, donde se
depositaban las vísceras de los di-
funtos, lavadas y embalsamadas,
para mantener a salvo la imagen
unitaria del cuerpo. Estos vasos
se introducían en una caja
de madera que, durante el
cortejo fúnebre, era trans-
portada en un trineo.
Vasos canopos, representaban divinidades llamadas Hijos de Horus, protegían su contenido de la destrucción.
A partir de entonces y durante los siguientes 3.000 años, Egipto se convertirá en la
primera potencia cultural y política del mundo, mientras que su influencia se extenderá
a reinos e imperios que nacerían más tarde, como lo fueron los de Grecia y Roma. En
cuanto a sus descubrimientos científicos y logros en el avance técnico, resultaron obras
de ingeniería y construcciones arquitectónicas que, en la actualidad y pasados unos
5.000 años, todavía siguen causando admiración.
Con la llegada al poder de la reina Hatsepsut, en el siglo XV a.C., Egipto logrará final-
mente una estabilidad política interna, mientras que en sus relaciones con los pueblos
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vecinos tendrá la posibilidad de dedicar gran parte de los esfuerzos, que antes se dedi-
caban a guerras internas y conquistas, a su desarrollo económico, comercial y social. De
esta forma, tanto aquel reinado como las siguientes dinastías dejaron una serie de obras
artísticas de las más importantes de todo su legado cultural.
Durante varios siglos, Egipto aspiró al dominio político en todo el territorio de su fron-
tera sur, Nubia, o reino de Kush, según como la denominaban los egipcios. A su vez,
Nubia, continuó siendo el principal proveedor del Imperio de Egipto en relación a mu-
chos de los productos suntuosos provenientes del sur del continente, como por ejemplo
lo eran las maderas preciosas, el marfil, vidrio, oro, entre otros materiales. De igual
Nefertary Meritenmut fue una

reina egipcia de la dinastía XIX, la
Gran Esposa Real de Ramsés II el
Grande, uno de los faraones más
poderosos. Jugó un importante
papel como esposa real, estando
dotada de una brillante mente
política. Fue enterrada en la
necróplis tebana, en una tumba
bellamente decorada.
Nefertari jugando al Senet, juego de mesa originado en el Antiguo Egipto y muy famoso en esa época.
manera, el imperio aspiraba a hacerse con el control de las tierras fronterizas del norte.
Sin embargo no serían las poderosas tropas egipcias las que conquistarían Nubia, sino
que fue una mujer de ese lugar, Nefertit, quien casándose con el rey egipcio Ramsés II,
terminaría haciéndose con el control de ambos reinos luego de la muerte de su esposo.
En cuanto a esta unión, al igual que sucediera doscientos años antes con Hatsepsut, tra-
jo para su tiempo una época de paz que quedó reflejada a su vez en lo que se consideró
como un nuevo esplendor de las culturas egipcia y nubia.
-Egipto griego y copto: ya para 332 a.C, Alejandro Magno controlaba el gobierno de
Egipto y fundaba Alejandría. Prosiguiendo con su avance hacia el interior de Africa, fi-
nalmente fue detenido por la reina Candace de Etiopia. En 305 a.C., el sátrapa (como se
conocía al gobernador persa) Tolomeo I instauró una nueva dinastía la cual transmitirá
nuevas concepciones de origen griego en la cultura de Egipto.
De todos modos esta influencia griega durará hasta el año 31 a.C. año en que Roma,
luego de vencer a Cleopatra VII, toma el relevo en la dirección de Egipto. Tuvieron que
pasar cien años para que una nueva cultura, también proveniente de Grecia pero nacida
en Judea, comenzara a presidir culturalmente Egipto.
Esta será la construcción del Egipto cristiano, espacio que se mantendrá hasta el siglo
VII d.C. que será cuando el Islam, traído por los comerciantes árabes, terminará con
la última dinastía de los que hoy conocemos como la civilización del Antiguo Egipto.
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EL ARTE EN ASIA
Toda la riqueza y variedad del arte asiático antiguo se puede ver y apreciar en piezas
descubiertas en el continente como muebles, esculturas, porcelanas y objetos decorati-
vos .De hecho, un ejemplo del arte oriental de gran pasado son los trabajos en cerámica,
terracota y mármol, como el caso de una escultura budista Bodhisattva sedente sobre
basamento de hojas de loto, de la Dinastía Tang (618-907 d.C.).
Entre las obras descubiertas, también se ha podido ver en diversos museos otro buda de
madera con restos de policromía Khmer, Post-Angkor, Camboya, que está datada sobre
fines del siglo XV. Por otra parte, en lo que tiene que ver con la imaginería religiosa de
los primeros siglos del budismo, hay piezas extraordinarias como por ejemplo el torso
de Buda chino realizado en gris piedra.
Se puede recorrer también el periodo Meiji (1868-1911), en Japón, donde hay esculturas
en marfil como aquella que representa una escena costumbrista, la cual está a su vez
trabajada con finos trazos dorados con incrustaciones Shibayama.
El arte budista tiene su origen en

el subcontinente indio (actua-
les India, Bangladesh, Nepal y
Pakistán) en los siglos posteriores
a la vida de Siddhartha Gautama,
el Buda histórico, entre los siglos
VI y V a. C. Más tarde, gracias al
contacto con otras culturas, logró
evolucionar y difundirse por el
resto de Asia y el mundo.
Escultura en madera policromada, la interpretación china del Bodhisattva, diosa de consuelo y de gracia.
Uno de los segmentos del arte asiático que ha tenido mayor presencia entre los des-
cubrimientos han sido las porcelanas y cerámicas. Representadas en jarrones, tibores,
fuentes y figuras, los cuales constituyen objetos decorativos procedentes tanto de la
antigüedad oriental como de compañía de Indias.
Del siglo XVII, por ejemplo, se conocen porcelanas policromadas de la familia rosa de
la compañía de indias durante la Dinastía Ping en el período Qianlong. Además hay que
mencionar que también hubo gran actividad de artistas plásticos, con nombres tan parti-
culares y reconocidos como Chikanobu Toyohara, Kunisada Utagawa o Yoshitoshi Taiso,
dueños de una exquisita obra gráfica.
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EL ARTE CLASICO
ARTE GRIEGO
Esta expresión floreció en Grecia y otros territorios del Mediterráneo, habitados por los
griegos, durante los siglos VII y II a.C... Por lo general se caracterizaba por su idealis-
mo estético, proporcionalidad, equilibrio de los elementos y también por el interés de
reflejar la genuina expresividad en la figura humana. Es por este motivo, además, que
desarrollaron una gran perfección en el dibujo. Por ejemplo un deporte muy cultivado
por estos pueblos como el atletismo, brindó sus mejores modelos a los artistas. En este
sentido conceptos como la sencillez, el ritmo, la claridad y la unidad terminarán domi-
nando todas sus formas artísticas. Y con esto, por su parte, los griegos alcanzaron sus
mayores logros en artes como la cerámica, la escultura y la arquitectura.
Se debe tener en cuenta que el comienzo del arte griego se da aproximadamente en los
siglos V y IV. El mismo se caracterizó por aportar el mayor sentido de la proporcionali-
dad en sus obras, pero también por expresar armonía y equilibrio de elementos, además
El Gálata moribundo, es una

antigua copia romana en mármol
de una estatua griega ya desa-
parecida, probablemente hecha
en bronce, que fue encargada
entre 230 y 220 a. C. por Átalo I
de Pérgamo para conmemorar
la victoria sobre los gálatas.
La base sobre la que se apoya
actualmente fue añadida tras su
redescubrimiento.
El Gálata moribundo. La estatua muestra a un celta moribundo con gran realismo, especialmente en la cara.
de reflejar una genuina expresión de humanismo. Grecia es una pequeña península si-
tuada al sureste de Europa, pero a pesar de las pequeñas dimensiones de su territorio
nacieron en este país las primeras ideas que dieron forma a la cultura occidental. Es por
este motivo que nuestros conocimientos y modos de pensar son una consecuencia de la
filosofía, la ciencia y el arte proveniente de los griegos.
ARQUITECTURA
No se empleó ni el arco ni la bóveda en lo que es la arquitectura griega y el elemento que
sustentó sus monumentales obras fueron las columnas. En cuanto al sistema de cons-
trucción utilizado, el mismo fue el adintelado. Por orden de jerarquía son de distinguirse
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los templos como exponentes principales, y posteriormente los teatros, los estadios,
las acrópolis, los propileos, los gimnasios y las palestras, las ágoras y los monumentos
funerarios. Por otra parte se debe considerar que los diferentes tipos y formas de co-
lumnas terminaron dando origen a los órdenes arquitectónicos griegos: dórico, jónico
y corintio.
MATERIALES UTILIZADOS
Entre los materiales que utilizaban para construir estos edificios, los griegos preferían el
mármol, el cual era pulido de forma cuidadosa; y también emplearon la piedra.
ESCULTURA
Se debe destacar que la escultura griega no está sujeta ni a reglas ni a convenciona-
lismos. Si bien se dejaba al escultor totalmente libre a la hora de expresarse, pero de
manera común la escultura de los griegos busca y logra la perfección humana, por lo
que la misma exaltando la fuerza física, la perfección de los rasgos, el movimiento y la
expresión de la divinidad. En cuanto a su temática principal, la misma girará en torno a
la figura humana.
Además hay que recordar que la escultura griega pasa por tres períodos o fases evoluti-
vas, cada una con sus características propias en cada una de ellas. Estas son:
-Arcaica: se trataba de una época en donde los escultores buscaban un estilo y una
técnica propios. Por este período aparece la figura femenina y masculina, que si bien
El kurós de Aristodikos, es una

escultura tipo kurós que data del
año 500 a. C. y que fue esculpida
por algún artista de los talleres de
Ática, región de la Antigua Grecia.
La pieza representa a un kurós
(una estatua de un varón joven,
fechada a partir del Periodo Ar-
caico del arte griego (sobre 650 al
500 a. C.). Es un tipo de escultura
que imperó durante los siglos VIII
- VI a. C. El equivalente femenino
son las korai (singular koré).
Kroisos Kourus de anavyso y aristodicos, separados por una generación.
en un comienzo estas figuras eran de tipo hierático, sin movimiento, luego surgieron
ideas de movimiento. Allí los brazos comenzaban a despegarse del cuerpo y a su vez el
rostro expresa una curiosa sonrisa. Estas esculturas eran hechas a manera de ofrenda a
los deportistas y de esta época se pueden identificar a El Kouros de Anavyssos (atleta),
la Dama de Auxirre o Xoana (doncella vestida), la cabeza del caballero Rampios, entre
otras.
-Clásica: significó el período de mayor auge en todas las manifestaciones artísticas y
literarias de los griegos. Por este entonces los escultores lograron la perfección de sus
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técnicas, como así también las mejores piezas escultóricas, marco en el que se observa
la magnificencia de la figura humana. Esta época se pueden considerar dos períodos:
por un lado el que comandó el estilo Sublime, con escultores como Mirón, Fidias y Po-
lícleto; mientras que por otra parte tenemos el estilo Bello, con artistas de la talla de
Scopas, Praxiteles y Lisipo. Ambos estilos tenían características propias.
-Helenista: época correspondiente al fin del arte griego, estas obras toman modelos de
las anteriores etapas, perfeccionándolos y demostrando una gran capacidad de realiza-
ción, a su vez que incorporan al niño como tema. En este caso las esculturas adquieren
características monumentales, dominando lo pintoresco, lo grotesco, lo episódico, entre
otras cuestiones. Por lo tanto, el retrato pasará a ocupar un primer plano. Durante este
período, además, aparecen diferentes escuelas, entre las que se destacan la de Pérgamo,
la de Rodas y la de Alejandría.
PINTURA
Es muy poco realmente lo que se conoce de los pintores griegos. No obstante, por des-
cripciones de algunas pinturas hay un ligero conocimiento de la maestría que se mani-
festaba en los efectos de realismo que producían. La falta de conocimiento tiene que ver
con la pérdida casi total de la obra, y también porque lo que ha quedado son copias y
fragmentos que no dan una idea clara de cómo era aquella pintura.
Entre los artistas se destacan Polignoto, Apolodoro de Atenas, Agatarco de Samos, Zeu-
xis, Parrasio y Apeles.
CERAMICA
Esta etapa constituye, la mejor y más variada expresión en lo que se refiere a decorado
y pintura. Por otra parte esta variedad permite comprender una muy completa evolución
La cerámica griega incluye lo que

comúnmente se conoce como
vasos griegos o pintura de vasos
griegos. Nacida en el Oriente
Próximo, el arte de la cerámica
alcanzó en la Antigua Grecia un
alto nivel de calidad artística.
Constituye un testimonio
fundamental sobre la
vida y la cultura de los
antiguos griegos.
Cerámica griega con motivos del mito de Paris y Helena.Actualmente se encuentra en el Museo Louvre de París.
de su cultura. Esta obra tiene un estilo y técnicas propias, y las mismas se caracterizan
por formas variadas y originales, entre las que predominan los elementos geométricos
que estaban dispuestos en franjas, como así también las tonalidades del barro, desde el
amarillo hasta el gris castaño. También se han visto figuras en rojo sobre fondo negro,
o viceversa, con predominancia de las figuras animales y humanas.
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EL ARTE ROMANO
El mismo surge de las influencias etruscas y griegas, alcanzando su mayor esplendor
durante la época del Imperio. Su desarrollo se dio en Italia desde el año 200 a.C., hasta
el siglo IV d.C.si bien hay quienes lo consideran inferior al arte griego, en realidad resul-
tó más variado y flexible, y en determinados aspectos terminó acercándose más al arte
moderno.
Por lo tanto, fue notable su influencia en el arte de la Edad Media y del Renacimiento.
Entre sus mayores logros se debe considerar el desarrollo de la arquitectura, y fue por
esto que predominaban los dibujos y las pinturas, especialmente los murales.
El periodo de esplendor del arte

romano abarca los dos primeros
siglos del Imperio. Pero ya a prin-
cipios del siglo II de nuestra era,
desde el tiempo de Adriano (año
117), se inicia la decadencia del
buen gusto que se acentúa en el
siglo III y se confirma en el siglo IV
por efecto de cierto barroquismo
o irregularidad y pesadez en los
estilos aunque aumente el fasto y
la magnitud de las obras.
El Teatro de Bosra: una joya romana en el sur de Siria que se ha conservado casi intacto hasta nuestros días.
Entre los temas que abordaban se encuentran los asuntos bélicos, eróticos, marinas,
naturaleza muerta, leyendas heroicas, paisajes y el retrato. Desde el siglo I se observan
dos corrientes pictóricas o estilos: por un lado el estilo Neoático, preocupado por la
forma humana y en el que se resaltaban asuntos de la mitología y la epopeya, mientras
que por otro lado tenemos el estilo Helenístico - Alejandrino, el cual pone de manifiesto
la preocupación por la pintura rural, y en el que se terminarán cultivando el paisaje y las
marinas. Desde comienzos del siglo II hasta el 79 de nuestra época (pintura en Pompeya)
se fueron dando cuatro estilos: incrustación, alejandrino o arquitectónico, ornamental
y fantástico.
Por otra parte hay que considerar que Roma fue un pueblo de labradores, comerciantes
y guerreros. No obstante, demostraron gran interés por las cosas prácticas, a la vez que
sus obras artísticas llevan siempre un sello utilitario. Dominador, fundador de un vasto
imperio, el pueblo romano tuvo como preocupación fundamental el hecho de mantener
un dominio sobre los territorios colonizados, objetivo por el cual terminó movilizando
poderosos ejércitos. Por otra parte, se dio vida durante este imperio a un denso cuerpo
de leyes que reforzó el vínculo entre la metrópoli y las provincias, desarrollando una
gigantesca labor constructiva con un variado repertorio de formas arquitectónicas, las
cuales se encontraban perfectamente adaptadas a sus fines.
Hay que considerar entre sus dos grandes realizaciones, al Derecho y la Arquitectura.
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Aunque de todos modos su mérito principal fue el hecho de haber extendido la civiliza-
ción grecolatina por una vasta parte del mundo conocido.
ARQUITECTURA
La misma tiene una finalidad utilitaria, concebida en función de las necesidades privadas
y públicas. Su objetivo es expresar la voluntad de poder y de mando del Estado romano,
el cual se levanta como rector de la vida privada y pública de sus ciudadanos. Su pre-
sencia es monumental y sus construcciones fueron hechas pensando en la glorificación
de Roma, y con el objetivo de resistir el paso del tiempo. Los arquitectos no buscaban
tanto la belleza como el hecho de ser majestuosos y robustos, por lo que se muestra
en grandes masas sólidas y pesadas. En todo sentido deja expresado el ideal de unifor-
midad del Imperio, que aspira a que todos los pueblos presos de su dominio asuman
una fisonomía material que sea a imagen y semejanza de la urbe. Por otra parte hay que
señalar que en ella se alternan dos sistemas conocidos: el de la columna y dintel, que
era copiado de los griegos; y el arco y bóveda, tomado de los etruscos. Entre sus prin-
cipales monumentos se deben considerar la basílica, las termas, el templo, los teatros,
los anfiteatros, los circos.
LA ESCULTURA
Este arte se mueve entre los polos contrarios de idealismo y realismo, y el retrato se
convierte casi en su tema central. La influencia etrusca se hace presente durante sus
PRINCIPALES CARACTERISTICAS
Tenía un destino utilitario, el
cual se termina cumpliendo en
su función narrativa, honoraria
o descriptiva. Más que un arte
se trata de una artesanía que
se encuentra derivada de las
exigencias religiosas honoríficas o
conmemorativas. Con preferencia
cultiva el retrato, llevándolo hasta
su máxima identificación con el
modelo. Por este motivo se trata
de un arte naturalista. Por último
hay que mencionar que se trata
de una obra anónima.
La loba Capitolina, símbolo de Roma, puede ser el símbolo del traspaso de lo etrusco a lo romano.
comienzos en algunos bronces, pero posteriormente con lo que fue la influencia griega
a partir de los escultores helénicos que vivían en Roma o en la Magna Grecia impulsaron
la corriente idealista. A esto contribuyeron, también, las obras descubiertas en suelo
griego y llevadas a Roma. Finalmente el enfrentamiento de ambas tendencias se advierte
en obras del período republicano.
PINTURA
Las pinturas fueron reconocidas a partir de los frescos hallados en la ciudad de Pom-
peya, los cuales suelen ser copias griegas o elementos decorativos de gracia picaresca
como cupidos, pájaros, cintas o flores. Las temáticas abordadas son los hechos históri-
cos, mitológicos paisajísticos y marineros. Se debe considerar como lo más interesante
de la pintura romana a la técnica, la cual constaba de manchas de color al temple, apli-
cadas con brochazos sueltos, pero sin detallar, muy en el modo de los impresionistas y
con toques de sombra y luz que resultaban efectistas. En la pintura, domina el gusto rea-
lista, por lo que se da que los temas preferidos sean el retrato, la caricatura y el paisaje.
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EL ARTE MEDIEVAL
ARTE PALEOCRISTIANO
Paleocristiano se considera al nexo entre dos grandes etapas de la cultura y el arte occi-
dental, más precisamente la Antigüedad Clásica y la Edad Media Cristiana.
Con el fin de estudiar el arte europeo de la Edad Media resulta imprescindible realizar
un acercamiento al arte paleocristiano, debido a que en este se van a ir gestando dos
manifestaciones artísticas muy importantes como lo fueron el templo basilical y la ico-
nografía narrativa y simbólica del cristianismo.
De esta última manifestación, por ejemplo, sobresale el crismón, elemento que será
ampliamente utilizado durante el periodo romano. Por lo tanto se denomina como Arte
Paleocristiano al desarrollado en las primeras comunidades cristianas de los siglos II y
III, hasta lo que fue la caída del Imperio Romano de Occidente.
Por su parte el arte paleocristiano puede ser dividido en dos grandes periodos:
-Periodo de persecución y clandestinidad (siglos II y III). Durante estos años las comuni-
dades cristianas son perseguidas. Por otra parte, las dos manifestaciones arquitectóni-
cas son las domus ecclesiae y los cimeterios.
-Periodo del gran arte paleocristiano, en tiempos donde el cristianismo era la religión
oficial del Imperio (parte del siglo IV). A lo largo de esta etapa será, en contrapartida, un
arte protegido e impulsado por las grandes jerarquías eclesiásticas de la época.
El crismón más usualmente

admitido es la representación
del monograma de Cristo XP.
Consiste en las letras griegas Χ y
Ρ. Según otras versiones, la letra
Ρ (ro) se sustituye por la letra
Τ (tau) o por una pequeña cruz
latina. El crismón puede comple-
tarse añadiendo otros elementos
como las letras alfa (α) y omega
(Ω) que representan el principio
y fin de todas las cosas, como lo
es también en esta religión Cristo.
Crismon. El cristograma empezó a aparecer en las monedas romanas después del Edicto de Milán (313).
DOMUS ECCLESIAE
Se trató de lugares para la celebración del rito cristiano, por lo que se los debe consi-
derar como equivalentes a las iglesias parroquiales posteriores. No tenían una forma
especial, puesto que para su emplazamiento se utilizaban casas romanas comunes, de
dos pisos, las cuales eran adaptadas a las funciones que necesitaban, dividiéndolas con
tabiques. Las domus ecclesiae solían tener salas para la celebración del acto eucarístico.
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CIMENTERIOS
Así se conocía a los cementerios. Durante esta fase, los entierros cristianos tenían lugar
en dos lugares potenciales: los areae y las catacumbas.
AREAE
Eran lugares donde las tumbas estaban cubiertas por losas. Debido a los rituales fune-
rarios de la época, resultaba frecuente encontrar en ellos salas o lugares con mesas en
las que se celebraban, tras el entierro, ágapes funerarios.
CATACUMBAS
Durante este periodo de clandestinidad, los cristianos encontraron problemas para con-
seguir terrenos donde realizar sus entierros. Cuando por fin las conseguían y se comple-
taban, eran obligados a aprovechar el terreno abriendo galerías subterráneas entrecru-
Las catacumbas son unas galerías

subterráneas que algunas civili-
zaciones mediterráneas antiguas
construyeron y utilizaron como
lugar de enterramiento. Las más
conocidas y las mejor estudiadas
son las catacumbas de la ciudad
de Roma. También son conocidas
las catacumbas de París.
Catacumba de la ciudad de Roma. Las fosas podían ser de dos tipos: rectangulares o semicirculares.
zadas. Si bien se trataba de lugares estrechos, los mismos podían estar decorados. Esto
se daba, particularmente, si el muerto pertenecía a clases adineradas, como lo eran los
patricios romanos. En algunas ocasiones, se llegaban a construir pequeños mausoleos.
ARTE PALEOCRISTIANO EN LOS SIGLOS IV Y V

Debido al cambio que se va a dar en el arte cristiano, el año 311 fue una fecha especial-
mente significativa. Por ese entonces se pasó de un arte típico de comunidades pobres
y semi clandestinas, a un arte monumental y rico.
Fue para esa fecha que se promulgó el primer edicto de tolerancia, el Edicto de Valerio
Augusto, aunque se debe considerar que tendrá más importancia el Edicto de Milán, del
año 313. Este fue acordado con un criterio tolerante, permitiendo el culto cristiano sin
ningún tipo de contrariedad.
Ambos decretos resultaron promulgados por el emperador Augusto Valerio, aunque
luego con el acceso del emperador Constantino al trono se dio un cambio significativo,
más favorable para la iglesia cristiana. Una gran parte de la familia de Constantino se
terminó convirtiendo al cristianismo e incluso se llegan a generar especulaciones so-
bre si el propio emperador no se convirtió durante los últimos años de vida. Pero este
proceso de dignificación del cristianismo terminó en al año 380 cuando el emperador
Teodosio termina proclamando a la Iglesia Cristiana como la iglesia oficial del Imperio.
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A partir de entonces los altos dignatarios cristianos se van a convertir paulatinamente

en autoridades del Imperio, pasando de esta manera las jerarquías eclesiásticas a ocupar
importantes cargos de la administración pública. Es por este motivo que la Iglesia Cris-
tiana pasa gradualmente a convertirse en una institución de poder ligada estrechamente
al emperador y a la administración imperial.
Posteriormente a este paso, y como consecuencia del vínculo de la Iglesia con las altas
esferas de poder, la liturgia cristiana empieza a incorporar elementos característicos del
protocolo imperial. Uno de los mayores cambios es la solemnidad que va adquiriendo
y, en consecuencia, necesitará un nuevo vocabulario artístico que permita la igualdad
de condiciones de los edificios cristianos con los grandes edificios públicos, palacios y
templos de la sociedad romana.
A partir de esta nueva etapa, el arte cristiano es financiado por el alto clero y por las
clases patricias, incluso con el aporte de los grandes emperadores. Como consecuencia
de este alto nivel económico, los romanos pasan a tener un arte con tendencia al lujo
muy considerable, que a su vez estaba realizado con materiales nobles y especialmente
costosos.
En cuanto a las principales manifestaciones de este arte, las mismas van a ser particular-
mente dos: por un lado tendremos la arquitectura eclesiástica, mientras que por el otro
se dará la pintura monumental, la cual se va a plasmar a través de los mosaicos.
LAS BASILICAS
Uno de los principales problemas que se plantea la Iglesia por estos momentos es cómo
hallar un modelo arquitectónico que permita realizar sus celebraciones litúrgicas y di-
versas actividades con toda pompa.
Si bien existen alrededor gran cantidad de edificios que pueden servir de inspiración,
como por ejemplo los propios templos romanos, prontamente se desecha esta idea de-
bido a que por un lado hay planteamientos puramente religiosos y por el otro, porque en
La basílica romana tuvo múltiples

usos, dedicándose a mercado,
lugar de transacciones financie-
ras, culto o, más ordinariamente,
a la administración de justicia;
también se utilizaba como lugar
de reunión de los ciudadanos
para tratar asuntos comunes.
Fachada de la iglesia de Santa Maria del Popolo, situada en la Piazza del Popolo, Roma.
los templos romanos no entra la multitud y en en las celebraciones cristianas sí. Luego
de que el cristianismo pasó a ser legalizado y posteriormente elevado a la categoría de
religión oficial, los cristianos terminaron teniendo una notable influencia política en el
Imperio. Es por este motivo que sus construcciones van a ser de gran calidad y valor.
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Con el fin de construir los templos cristianos, se terminó rechazando el modelo de tem-
plo anterior romano por su asociación al paganismo. Es entonces que se adopta la basíli-
ca, que es un edificio de múltiples usos, puesto que no tenía ninguna función específica
y mucho menos un carácter religioso.
En cuanto a las basílicas romanas, las mismas eran edificios de forma rectangular con
tres o más naves en cantidad impar las cuales a su vez estaban separadas por columnas,
que solían tener una cabecera elevada en relación al resto del edificio y rematada en una
exedra
Los martyria. MARTYRIA Y BAPTISTERIOS

Las primeras manifestaciones Si las basílicas tienen planta longitudinal, la parte central de estas construcciones se
arquitectónicas cristianas de im- va a reservar para los martyria y para los baptisterios, que tendrá a su vez funciones
portancia son también de carác- litúrgicas distintas. En el caso de los martyria, los mismos resultaron construcciones de
ter funerario, como en la pintura. carácter funerario.
Estos monumentos se erigieron -Martyria: en la zona de occidente tenderán a convertirse en plantas de cruz griega y ha-
en los lugares en que los márti- bitualmente estarán unidos a la iglesia, mientras que en la región de oriente adquirirán
res habían sido enterrados o en una gran monumentalidad. Pasarán a convertirse en templos normalmente poligonales
que habían recibido muerte, y y estarán exentos.
son masivamente visitados por -Baptisterios: en lo que es occidente tendrán una planta octogonal y estarán próximos
peregrinos y fieles. a la iglesia, aunque exentos, mientras que por su parte en oriente serán pequeñas salas
con una planta cuadrangular y unidas al templo.
MOSAICOS Y SEPULCROS
Más allá de la arquitectura, el arte paleocristiano tiene como dos de sus más importantes
expresiones artísticas a los mosaicos y la escultura funeraria de los sepulcros.
Hay que señalar que la técnica del mosaico paleocristiano es la misma que en el periodo
anterior, aunque lógicamente tiene modificaciones en lo que es la iconografía. En este
sentido se eligen temas de carácter fuertemente simbólico y religioso.
Mientras tanto en los sarcófagos paleocristianos de los siglos IV y V, en relación a los
que provenían del siglo III que nada más ofrecían aspectos puntuales de la doctrina cris-
tiana, se quiere resumir los principios básicos de la doctrina cristiana en su totalidad.
Sobre la lectura de los sarcófagos hay que decir que la misma se hace de izquierda
a derecha y, si existen dos registros, primero se lee el de arriba y luego el de abajo.
En este mosaico de la iglesia de San Vital de Ravena se representa a la emperatriz Teodora junto a sus sequitos.
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ARTE GERMANICO
Con la denominación arte germánico se engloba el desarrollo artístico que se produce
en el occidente europeo entre lo que fueron los siglos V y XI. Se pueden distinguir dife-
rentes etapas bajo las siguientes épocas:
-Arte de los pueblos bárbaros.
-Arte celta
-Renacimiento carolingio
-Prerrománico español
En cuanto al de los pueblos que invadieron el Imperio Romano Occidental es muy primi-
tivo si se lo compara con el bizantino o el paleocristiano. Se puede hablar en este sen-
tido de un arte rústico, identificable con tribus que apenas sabían representar la figura
humana. Por esta razón es que se encuentra un mayor desarrollo de las llamadas “artes
menores” con la aparición de armas, fíbulas o diversas piezas de adorno terminadas en
oro o plata y que a su vez estaban decoradas con piedras preciosas o vidrios policromos.
El Mausoleo de Teodorico es un
monumento situado a las afueras
de Rávena (Italia) construido por
el rey Teodorico el Grande hacia
el año 520 d.C. con la intención
de que fuera su futura tumba, en
mármol blanco de Istria. Es la más
célebre construcción funeraria de
los ostrogodos.
Tumba de Teodorico, Mausoleo di Teodorico, Ravenna, Emiglia-Romana, Itália
Durante este período se continúa con la construcción de iglesias, de las que apenas
quedan restos de las que tenían características basilicales (Saint Pierre en Vienne o Saint
Laurent de Grenoble) mientras que los baptisterios mantienen la planta centralizada
como el de Saint Jean de Poitiers. Por ejemplo en Italia el arte ostrogodo dejó como
muestra la tumba de Teodorico, edificio que tenía una falsa cúpula monolítica, y además
los restos del palacio del mismo monarca, el cual tenía con una profusa mezcla de esti-
los romano, oriental y bárbaro.
Por su parte el arte celta tuvo un desarrollo particular en Irlanda. Allí los monasterios re-
sultaron un refugio cultural debido a que el país no fue invadido y los monjes tuvieron la
posibilidad de poner en marcha una restauración cultural de la que se pueden destacar
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las miniaturas y orfebrerías. En esta etapa se considera a los códices miniados como el
Evangeliario de Lindisfarne o el Libro de Durrow como sus obras maestras.
La manifestación del renacimiento carolingio comienza desde la coronación de Carlo-
magno como emperador en el año 800. El monarca franco moviliza un importante pro-
grama cultural por medio del cual se recupera la tradición romana. Se ha determinado
que la corte carolingia fue el principal centro de difusión artística, como se puede dedu-
cir al observar la Capilla Palatina de Aquisgran, la cual tenía una planta octogonal y tres
pisos de arquerías que sujetan la cúpula de aspecto bizantino. Otros que destacan tam-
bién son los palacios como el desaparecido de Aquisgran o los de Nimega e Ingelheim,
como así también una serie de destacadas obras de ingeniería donde podemos destacar
el puente sobre el Rin en cercanías a Maguncia.
En cuanto a la construcción de las grandes abadías de Saint-Gall o Fulda, que estaban
bajo las influencias celtas, establecen los primeros pasos del futuro arte románico. Por
ejemplo en la iglesia de Saint Germigny-des-Près se manifiestan influencias visigóticas,
Interior de la Iglesia de Germigny des Prés, Fue construido en el año 806 por el obispo Teodulfo.
El Escorial es un complejo de debido a lo que se puede considerar que la arquitectura carolingia es un crisol de resul-
palacio, basílica y monasterio. tados notables. No obstante hay que señalar que no han quedado muchas muestras de
Comúnmente conocido como el escultura carolingia mientras que en lo que es la pintura sobresale la escuela miniaturis-
Monasterio de El Escorial el pa- ta dedicada a la iluminación de evangeliarios, la cual es responsable de auténticas joyas
lacio fue residencia de la Familia como lo fueron El Escorial o el Otón II.
Real Española; la basílica Generalmente los especialistas coinciden en considerar a España como el lugar en el
es lugar de sepultura de los que “las manifestaciones prerrománicas adquieren una singular importancia”. Los pri-
reyes de España y el monasterio meros momentos de esta etapa serán dominados por el arte visigodo, el cual posee una
residencia actual de los frailes de arquitectura sobria, que está caracterizada por la utilización de la planta rectangular, la
la Orden de San Agustín. bóveda de cañón y el arco de herradura diferente del musulmán. Son buenos ejemplos
de la arquitectura visigoda las iglesias de Santa Comba de Bande (Ourense), San Juan
de Baños (Palencia), San Pedro de la Nave (Zamora) o Quintanilla de las Viñas (Burgos).
Por su parte en lo que es la escultura, sobresalen las decoraciones de los capiteles his-
toriados de San Pedro de la Nave o los motivos geométricos que se pueden observar en
el resto de los ejemplos citados. De lo que es la pintura visigoda no han quedado mues-
tras, aunque se puede considerar como destacables a las miniaturas del códice llamado
Pentateuco Ashburnham, el cual guarda la Biblioteca Nacional de París. También fue un
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apartado interesante del arte visigodo la orfebrería, de la cual sus joyas más destacadas
son las cruces votivas del tesoro de Guarrazar, y entre las que podemos remarcar a la
corona de Recesvinto.
Al visigodo lo sucede el arte asturiano en cuanto a lo que es calidad e importancia a lo
largo de los siglos VIII y IX. En esos momentos, por ejemplo, la mayoría de la península
está ocupada por los diferentes gobiernos de al-Andalus. En cuanto a esta arquitectura,
la misma presenta especial atracción hacia la planta basilical, construyéndose pequeños
edificios de gran altura. Los asturianos utilizan mampostería y sillares a manera de ele-
mentos constructivos, bóvedas de medio cañón que apoyan sobre arcos fajones los cua-
les descargan a su vez su peso en contrafuertes exteriores, arcos peraltados y columnas
que tienen fustes estriados.
El periodo asturiano tiene entre sus obras más destacadas a las iglesias de San Tirso y
San Julián de los Prados en Oviedo, San Miguel de Lillo y el palacio de Santa María en
el monte Naranco. Se suman a estas maravillas que avanzan en el románico, la Cámara
Santa, San Salvador de Valdedios y Santa Cristina de Pola de Lena.
Si bien la escultura asturiana no es muy destacable, por su parte la pintura será de-
terminante como se puede apreciar en el interior de San Julián de los Prados. En esta
edificación las paredes están decoradas con exquisitos frescos, los cuales recuerdan a
la plenitud romana de Pompeya.
EL ARTE PRERROMANICO
El término prerrománico se
aplicaría, en lo temporal, a todo el
lapso comprendido entre media-
dos del siglo V (caída del Imperio
romano de Occidente) y princi-
pios del siglo XI (expansión del
románico), y en lo estilístico, al
arte ostrogodo, godos, carolingio,
otoniano, etc., estando represen-
tado en España por: Arte visigo-
do, Arte asturiano, Arte mozárabe
y Arte de repoblación.
Iglesia de Santa Maria de Bendones, Asturias, prerrómanico asturiano. Siglo IX.
Con lo que fueron las invasiones bárbaras, las tradiciones culturales y artísticas del
mundo tardo romano no cambiaron aunque estos pueblos reforzaron la simplificación
que se producía en las últimas etapas del arte romano. Este aumento de la simplificación
se debe adjudicar en algunos casos a deficiencias técnicas, mientras que por otra parte
a la influencia de las tradiciones locales que estaban asociadas a la más sencilla forma
de vida rural. A esto último podemos calificarlo como el producente de las variantes
regionales que se dan en las manifestaciones artísticas del momento. En cuanto a las
principales variantes artísticas, las mismas serán:
-Hispania: el arte de los visigodos.
-Península Itálica: el arte de los ostrogodos–lombardos.
-Galia: el arte de los merovingios, entre otros.
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ARTE BIZANTINO
Esta cultura estaba asentada particularmente en bases de la antigüedad, aunque profun-
damente cristianizadas. Al igual que en el periodo de Justiniano, la cultura tanto como
el arte bizantino siguen siendo signos externos del poder imperial.
Por su parte la Iglesia se encuentra en vías de separación de Roma. Es a mediados del
siglo IX, el patriarca de Constantinopla Focio, establece la independencia de su sede res-
pecto a Roma, más allá de que la crisis definitiva llegó en el 1054 cuando Miguel Cerula-
rio, también patriarca de Constantinopla, no quiso reconocer la autoridad de los legados
del papa León IX. Es por este motivo que terminará fundando la iglesia ortodoxa griega.
De esta forma se dio la culminación de las diferencias religiosas, políticas y culturales
que se daban entre Roma y el Imperio de Oriente, aunque esta separación no se refleje
en el arte.
HISTORIA DEL ARTE BIZANTINO

Este arte constituye uno de los episodios más grandiosos del arte universal. El mismo se
fundamenta en el arte griego y paleocristiano, teniendo grandes influencias orientales,
específicamente de los persas y los musulmanes.
Para lo que eran los templos bizantinos, se usaba con preferencia la planta centralizada
o de cruz griega que tenía grandes cúpulas sobre pechinas. Más allá de que los mate-
En casi todos los casos es fre-

cuente que los templos, además
del cuerpo de nave principal,
posea un atrio o narthex, de
origen paleocristiano, y el pres-
biterio precedido de iconostasio,
llamada así porque sobre este
cerramiento calado se colocaban
los iconos pintados.
Interior de Templo Bizantino decorado con imagenes religiosas entre sus columnas.
riales constructivos no eran especialmente ricos, sí lo era su decoración a base de mo-

saicos y pinturas murales. En estas expresiones podemos encontrar representadas a la
figura humana, solemne y hierática, la cual genera una gran sensación de espiritualidad
la cual será heredada luego por el arte románico.
Los investigadores consideran el arte bizantino en tres grandes etapas:
-Arte protobizantino (527 – 726): en este año aparece lo que ha sido denominado
como la querella iconoclasta. Esta etapa tiene una época dorada que coincide con la
época de Justiniano. En cuanto a la querella iconoclasta, la misma se prolongó entre los
años 726 - 843 y enfrentó precisamente a los iconoclastas contra los iconódulos. Fue
tan violento el enfrentamiento que produjo una crisis artística acentuadísima, particular-
mente en el arte figurativo.
-Primera Edad de Oro Bizantina (913 – 1204): los cruzados destruyen Constantinopla.
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-Segunda Edad de Oro Bizantina (1261 – 1453): allí los turcos toman Constantinopla.
Durante todo este proceso se va a dar algo denominado el cesaropapismo, y que es
una forma de arte que va a ser fundamentalmente áulico, y que estará al servicio del
poder político. En aquellos momentos en que represente al emperador, lo cual era muy
frecuente, será un arte que aparentemente parece irreal, pero que resulta el reflejo de
esa ostentación majestuosa y solemne que poseían los emperadores y los convertía en
símbolos del poder político y religioso.
ARTE Y ARQUITECTURA BIZANTINA: PERIODO PREMEDIEVAL

Los emperadores, pero especialmente Justiniano, dieron uso de la arquitectura como
un instrumento político con el fin de impresionar a los pueblos del interior y a los del
exterior del Imperio. Por este motivo es que se trata de una arquitectura imperial, que
es normalmente costosa debido a que el emperador tenía cómo financiar los gastos ne-
cesarios para su programa constructivo.
Justiniano fue quien buscó a un historiador llamado Procopio con el fin de que relatara
en un volumen cuáles y cómo eran sus construcciones, que tenían por nombre “de edi-
ficis”. Hasta lo que fue la llegada de Justiniano al poder, las construcciones religiosas en
oriente y en occidente se basaron en la basílica romana paleocristiana. De todos modos,
la situación cambió totalmente en el siglo VI.
Por aquel entonces occidente continuó adepto a la basílica, pero la arquitectura justi-
niana rompió con lo que era esta tradición. En cuanto a su gusto, el emperador prefería
La Iglesia de San Salvador en

Chora (Kariye Müzesi) es uno de
los mejores exponentes del
arte bizantino que pueden
encontrarse en el mundo. Fue
construida entre 1316 y 1321
según los planos de Teodoro
Metoquines. Lo más espectacu-
lar de la iglesia son sus frescos y
mosaicos bizantinos, ya que es-
tán considerados como los mejor
conservados del mundo.
Frescos en el interior de la Iglesia San Salvador en Chora, distrito de Edirnekapi de Estambul.
iglesias de planta central y abovedadas, modelo que llegaba como inspiración de aque-
llos edificios del Bajo Imperio Romano. Precisamente estos se habían desarrollado en
torno a salones palaciegos, pabellones de jardín y construcciones funerarias.
Al mando de Justiniano, la planta central cupulada con bóvedas de ladrillo se terminará
convirtiendo en norma para construir los edificios religiosos, de forma independiente
a lo que fuera su función litúrgica. Aparentemente fue determinante para esta elección
la influencia de la liturgia, la cual se había desarrollado en las costas del Egeo (Achei-
ropoietos). La liturgia requería, como función más sobresaliente, la nave central como
lugar exclusivo para el coro.
Se debe considerar que un edificio de planta central no requiere este tipo de separación.
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Entones, la zona central está ocupada con el coro y el deambulatorio por los fieles. Así
se facilita el desarrollo de esta liturgia oriental, la cual se manifiesta diferente a la que
se realizaba en Roma y en parte del occidente europeo.
SANTA SOFIA DE CONSTATINOPLA

Este templo se construyó entre los años 532 y 537, posteriormente a la destrucción de la
primitiva basílica constantiniana y como consecuencia de un incendio que brotó durante
la llamada Insurrección de Nika, en el año 532.
Se trata de una iglesia palatina construida junto al palacio imperial. Como el emperador
pretendía una construcción grandiosa con el fin de manifestar su poder, es que man-
dó llamar a dos ingenieros especializados en construcciones militares puesto que se
consideraba que sólo de esa manera podía ejecutarse una obra con más innovaciones
técnicas que estando a cargo de un arquitecto. Los ingenieros fueron Isidoro de Mileto
y Antemio de Tralles.
En este edificio trabajaron más de diez mil obreros y se conoce, especialmente por Pro-
Los arquitectos de la Santa

Sofía, Antemio de Tralles e Isidoro
de Mileto, cubrieron el edificio,
de planta casi cuadrada, con una
cúpula central sobre pechinas.
Ésta reposa sobre cuatro arcos,
sostenidos a su vez por cuatro co-
lumnas. Dos semicúpulas hacen
de contrafuerte de la cú-
pula central y los muros abiertos
están asegurados por contrafuer-
tes. Posee además unos bellos
mosaicos bizantinos.
Santa Sofía, antigua catedral cristiana de Constantinopla convertida en mezquita en 1453 y en museo en 1935.
copio, que casi todas las provincias del Imperio enviaron sus materiales más preciados
con el fin de decorar la iglesia. Entre su imponente edificación, lo más imponente es
su gran cúpula, la cual se hundió alrededor del año 550. Fue por este motivo que tuvo
que ser reconstruida entre los años 558 y 562 por Isidoro el Joven, que era sobrino de
Isidoro de Mileto.
Se trataba fundamentalmente de un edificio en el que se compatibilizan perfectamente
la tendencia basilical con su sentido dinámico y ritmo longitudinal, además de una ten-
dencia centralizada con la cúpula como elemento principal. En cuanto a la primera cú-
pula, la misma estaba cubierta con un mosaico de oro; mientras que la que quedó como
definitiva, aparentemente, llevaba una enorme cruz como decoración. Resulta evidente
que la iglesia de Santa Sofía no tenía mosaicos figurativos.
Las principales características estéticas de esta basílica son:
-Una serie de materiales ricos y exóticos que buscan el destello de las piedras y de las
teselas de los mosaicos con el objetivo de diluir la estructura arquitectónica y, por otra
parte, crear un ambiente trascendente. Este ambiente, precisamente, tenía que ser ma-
nifestación de Dios y de su segundo en la tierra, Justiniano.
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-Perfección técnica, que se la considere una obra irrepetible en la arquitectura del mun-
do Mediterráneo.
En cuanto al aspecto exterior es similar al de los otros edificios de estilo bizantino:
bajo, voluminoso, con una cúpula que destaca aunque no de manera estilizada, y con
un tambor poco desarrollado. En cuanto a los minaretes, los mismos son producto de
la invasión turca.
Cuando se encuentra en el exte- Pasando al interior de esta iglesia, el mismo es, sin embargo, soberbio. Para entrar hay
rior de las fachadas, como que hacerlo desde un atrio que tiene dos exonártex. La planta es cuadrangular, de unos
pórtico abierto, se llama exonár- 70 metros por 77, y en la que se pueden encontrar dos ejes perfectamente diferencia-
tex. En el caso de tener un dos: este-oeste y norte-sur. En el este-oeste es donde se encuentra el planteamiento ca-
segundo nártex interior, se le racterístico de una planta centralizada, el cual está presidido sobre una enorme cúpula
denomina esonártex. levantada sobre pechinas, que a su vez soporta sobre cuatro grandes pilares. la cúpula
mide 32 metros de diámetro y está formada por 40 plementos curvos, que a su vez cada
uno tiene una ventana que ilumina la nave, pero que además en determinados momen-
tos del año y del día provoca el efecto “cúpula colgante”.
Más allá de la centralización, los ingenieros desarrollaron una serie de elementos que
permitieron la predominación del eje este-oeste hacia el ábside. Para que esto sea así,
lanzaron de pilar a pilar unos muros que cubren totalmente las naves laterales y que
forman arcos sujetos por pilares. Por otra parte, debido al gran tamaño de la cúpula,
transmitieron los empujes a unas semicúpulas, las cuales a su vez los retransmiten a
unos cuartos de cúpulas ubicados en los extremos y con forma de nicho.
A su vez, todo esto termina en un presbiterio conformado por un tramo cubierto por
bóveda de cañón y una exedra semicircular que a su vez está cubierta por una bóveda
de horno, poligonal al exterior. Mientras tanto en el otro extremo hay un tramo cubierto
por una bóveda de cañón hacia el nártex. En cuanto a las naves laterales, las mismas
están cubiertas por bóvedas de arista que alternan con tramos cubiertos por bóveda de
cañón. Estos tramos, además, coinciden con los contrafuertes. La cobertura del piso de
tribuna se hizo a base de pequeñas cupulitas. Y hay que mencionar que se puede obser-
var una enorme diferencia de altura entre las naves laterales y la central.
En cuanto a sus características principales, la iglesia primitiva era prácticamente igual
a la actual. Es por esto que se supone que lo que hizo Isidoro el Joven cuando se hun-
dió la cúpula primitiva fue agrandar los pilares con el fin de que no volviera a ocurrir.
Probablemente, además, en el siglo VII u VIII se añadieron unos enormes contrafuertes.
En cuanto a la decoración del interior se debe a reformas turcas, mientras que por otra
parte la decoración vegetal destaca de manera especial.
IGLESIA DE LOS SANTOS SERGIO Y BACO (CONSTANTINOPLA)
San Sergio y san Baco fueron

durante principios del siglo IV
importantes militares del empe-
rador Maximiano, quien les tenía
en gran estima por la valentía
militar desempeñada en sus
cargos: Sergio como primicerius
(jefe-comandante de la escuela
de los gentiles) y Baco como se-
cundarius. Y fueron martirizados
cuando se descubrió que eran
cristianos.
Exterior de la Iglesia de los santos Sergio y Baco, iglesia ortodoxa. Constantinopla (actual Estambul).
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Se trata de una iglesia que mandó a construir Justiniano cuando aún era príncipe herede-
ro. Se la podía encontrar junto al palacio que habitaba, motivo por el cual por un lado se
trata de una capilla palatina mientras que por el otro es un martirium, ya que guardaba
las reliquias reales.
Esta edificación es de planta centralizada y a su vez formada por un núcleo central
octogonal cubierto con una cúpula, la cual está apoyada en ocho pilares e inscripta en
un cuadrado irregular que forma el deambulatorio envolvente. Por su parte lo que es la
conexión entre el núcleo y el deambulatorio se forma a través de exedras alternadas con
tramos rectos, que a su vez se encuentran configurados por columnas. Estas columnas,
precisamente, sustentan el piso superior (o tribuna) ubicado sobre el deambulatorio,
aunque el gran apoyo son los ocho pilares.
Por otra parte existe en esta iglesia un presbiterio orientado al este, el cual es bastante
profundo y consta de un tramo recto que comunica con el deambulatorio. El mismo se
encuentra cubierto con bóveda de cañón y una exedra, mientras que el deambulatorio
se cubre con bóveda de cañón.
En la zona oeste hay un nártex pequeño, pero que por tratarse de una capilla palatina
seguramente no era necesaria. Sobre el piso de la tribuna hay un tambor horadado el
cual sostiene una cúpula formada por 16 plementos alternos curvos y rectos. En cuanto
a los tramos curvos, los mismos coinciden con el arranque de los pilares; mientras que
los tramos rectos sustentan los arcos. Finalmente hay que señalar que en el exterior se
manifiesta una estética horizontal. En líneas generales se trata de un edificio macizo,
con predominio visual de la cúpula.
IGLESIA DE SANTA IRENE DE CONSTATINOPLA

Esta edificación fue reconstruida alrededor del año 740 tras un terremoto. Sin embargo,
se trata de un edificio del periodo justiniano que se estaba construyendo en el 532.
Tiene una tipología basílica con cúpula, es decir que se trata de una estructura que pre-
La iglesia tiene unas dimensiones

de 100 m x 32m. Posee una plan-
ta basilical romana consistente
en una nave central con dos
laterales dividas por columnas y
pilares. Completan la estructura
el Narthex, galerías y atrio. La
cúpula tiene un diámetro de 15
metros y una altura de 35 metros
con 20 ventanas.
Fachada de la Iglesia de Santa Irene. Desde 1980 se usa como sala de conciertos en el verano en Estambul.
tende imitar a Santa Sofía, pero que se queda nada más que en un ensayo secundario de
basílica presidida por una cúpula central. Hay que destacar, en ese sentido, que Santa
Sofía consigue una conjunción perfecta entre planta centralizada y basilical.
Santa Irene de Constantinopla presenta como gran novedad, en relación a la primitiva
justiniana, tribunas en las naves laterales, aunque todo parece indicar que la estructura
del piso de abajo no tiene demasiadas variantes.
Por otra parte hay que considerar un pequeño nártex y su nave central con tres tramos:
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por un lado el central con la gran cúpula y tramos extremos con bóveda de cañón, lo
que termina contrarrestando con el peso de la cúpula. Mientras tanto, las naves laterales
se cubren con bóveda de cañón. En cuanto al prebisterio, la exedra presenta un perfil
semicircular a su vez que el exterior presenta un perfil poligonal, de la misma forma que
el tipo Egeo.
IGLESIA DE SAN VITAL DE RAVENA

Rávena es el prototipo de ciudad para conocer el arte de Justiniano, porque precisamen-
te la herejía iconoclasta se llevará muchas obras de iglesias de Constantinopla. Mientras,
por su parte, las de Rávena permanecerán intactas.
San Vital de Rávena se convertirá en la iglesia oficial del exarcado bizantino, mientras
que la Iglesia Imperial lo hará del territorio del Imperio Romano Occidental. Esta cons-
La obra se financió con el dinero

del acaudalado banquero Juliano
Argentario, de origen griego
(aportando una cantidad aproxi-
mada de 26 000 besantes de oro),
y fue supervisada por el arzo-
bispo de la ciudad, Maximiano,
quien la consagró en el año 547.
La iglesia de San Vital de Rávena, uno de los templos más importantes del arte bizantino.
trucción se termina entre los años 546 – 548, y está hecha de ladrillo. Se trata de una
iglesia palatina, por lo que como característica se debe señalar su planta centralizada.
En este sentido, también es centralizada porque es una iglesia martirium, semejante por
lo tanto a la de los santos Sergio y Baco.
Hay que señalar por otra parte que la misma está formada por dos octógonos, uno que
se encuentra inscrito dentro de otro. En cuanto al octógono central con pilares, el mismo
se extiende hasta el deambulatorio a través de siete nichos formados por columnas. Se
debe considerar su gran presbiterio en el octógono interior, que a su vez está formado
por dos partes, conformadas en un tramo recto que ocupa la anchura del deambulatorio
y remata en exedra. Por otra parte hay que señalar que está encuadrado en dos peque-
ñas capillas y dos más grandes, las cuales están formadas por un tramo circular y otro
rectangular.
La iglesia de Rávena presenta un atrio y un nártex, el cual a su vez está unido al deambu-
latorio por medio de un ángulo del octógono, creando torreones y espacios triangulares
con el objetivo de unir el nártex con el deambulatorio. Estas construcciones hacen que
el acceso sea particularmente original. En cuanto a la decoración, la misma se hace en
mármoles, mientras que en mosaicos se desarrolla exclusivamente el ábside.
Por sus comienzos, la cubierta del deambulatorio era de madera pero por los tiempos de
la Edad Media se terminó cubriendo con bóveda. Sobre un gran tambor con ventanas se
encuentra la cúpula, que se encuentra sobre la parte central de la planta sobreelevada.
Alrededor de ella tenemos el deambulatorio, el cual tiene dos pisos.
En la continuidad de esta descripción, se debe señalar que frente a lo que es una estética
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horizontal característica de Oriente, por el contrario se tiende aquí a una estética verti-
cal, la cual permite ver cómo podría ser el interior de la Iglesia. Hay que señalar, por su
parte, que el programa iconográfico de San Vital es de una belleza inimaginable.
Desde un punto de vista histórico hay que considerar que el programa se inicia con la
historia de Abraham, debido a que se trata del primer personaje del Antiguo Testamento
que lleva la promesa de su alianza con el pueblo de Israel.
Esta historia continúa con Moisés, el receptor de la Antigua Ley. Posteriormente Jere-
mías, planteando que sus profecías son los eslabones entre la Antigua Ley y la Nueva
Ley de Cristo, termina este proceso con la figura del Cordero, que es un símbolo de la
redención y cuya universalidad queda presente en la epifanía que se veía en el manto
de Teodora.
Por su parte Cristo y los evangelistas que aparecen en el arco triunfal representan a la
Iglesia, entidad que terminará transmitiendo la Nueva Alianza y la Salvación a la Hu-
manidad. Durante todo este proceso histórico la piedad de los hombres se manifiesta
de un modo reiterado: Abraham ofrece a Dios a Isaac; Abel y Melquisedec, por medio
de sus correspondientes ofrendas; Justiniano y Teodora también haciendo presentes y,
finalmente, el propio obispo Eclesio ofreciendo la iglesia.
Al igual que su padre, Cristo premia al hombre piadoso, representado en este plano por
la coronación de San Vital.
SAN APOLINAR IN CLASSE

También en Rávena, por mandato de Justiniano, se construyó esta basílica, aunque se
trataba de una mera imitación de San Apolinar Nuovo. No obstante quedó exenta la to-
rre, que es de planta circular, y tiene un exonártex y tres naves.
Nada más que los mosaicos de los intersticios y de la bóveda de horno son del siglo
VI. En ese sentido, la bóveda está presidida por un enorme clipio, en el cual a su vez se
inserta una cruz gamada sobre un fondo azul con estrellas, y se denomina la bóveda ce-
En el interior de la basílica, las

paredes están desnudas, excepto
la del ábside, cubierto por un
manto polícromo de mosaico,
de distintas épocas.
En el centro de la basílica, en el
lugar del martirio del Santo, hay
un altar antiguo.
En la parte superior de la zona del
ábside, extendiéndose horizon-
talmente por toda la anchura del
arco se representa a Cristo dentro
de un medallón circular.
Nave central de la Basílica de San Apolinar in Classe en Rávena,
lestial. Arriba está la mano de Dios y a ambos lados hay dos figuras, que son los profetas
Elías y Moisés. Se trata de la transfiguración, que es el momento en el que Cristo se va al
monte con tres de sus apóstoles: Pedro, Juan y Santiago. Es allí cuando se les manifiesta
por medio de luces y resplandores como el propio Dios, junto a Elías y Moisés.
En la cruz está repetido Cristo. Por otra parte, debajo hay tres ovejas que son los após-
toles: de esas, la que está sola es Pedro puesto que tiene más importancia. Abajo está
San Apolinar en un paisaje conceptual y rodeado de 12 ovejas, tal vez el conjunto de
los bienaventurados o los apóstoles. En cuanto a San Apolinar, el mismo está en actitud
orante. Por su parte, además de gemas la cruz presenta el rostro de Cristo, situación que
supone la primera vez que aparece una referencia figurativa suya
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SAN APOLINO NUOVO (MOSAICOS)

En esta iglesia se produce un alineamiento de prototipos humanos del hombre cristia-
no. Por ejemplo, están los pliegues muy rígidos y hieráticos que ocultan la figura. Estos
tienen caras sin rasgos verídicos y se trata de un modelo ideal del rostro que expresa
espiritualidad, con ojos muy abiertos y grandes. De las figuras, San Martino es la única
que se diferencia un poco más.
En cuanto a las santas, estas figuras son incluso más estereotipadas y menos volumé-
tricas. Mientras tanto hay que señalar que en ambos cortejos el paisaje es totalmente
estereotipado y se puede ver un telón cromático.
La Basílica de San Apolinar Nuovo

(San Apolinar el Nuevo) se en-
cuentra en Rávena, en la región
de la Romaña, Italia. Se levantó
por voluntad de Teodorico en
505 para el culto arriano de su
gente, aunque fue consagrada al
culto católico en el siglo VI.
Mosaico de San Apolinar Nuovo, Rávena, Italia.
Posteriormente a la querella iconoclasta, se dan tres periodos que corresponden a la

dinastía gobernante en Bizancio:
-Período Macedonio: 867-1057

-Período Comneno: 1081-1204
-Imperio latino de Constantinopla: momento en el que llegaron los cruzados de occi-
dente.
-Período paleólogo: es contemporáneo al gótico.
En cuanto a la arquitectura, hay que decir que predominan dos tipos iglesia: por un lado
la de cruz inscrita y por el otro la de octógono cruciforme. No obstante, en ambas se
da la planta cuadrangular o rectangular, que lleva una cruz inscrita y una cúpula central
como forma de coronación del edificio. Esta condición se debe, fundamentalmente, a
que pretenden que el templo sea un compendio del cosmos creado por Dios. Es por
este motivo que se denominan iglesias microcosmos. En el caso de la cúpula, la misma
simboliza el cielo, mientras que el cuadrado representa la tierra, y finalmente la cruz
es la forma geométrica que funciona a manera de interrelación entre el cielo y la tierra.
Desde el punto de vista de las artes figurativas, se debe señalar que las mismas llenan
en su totalidad los muros de las iglesias, constituyendo una manifestación teológica que
intenta ser el compendio de la fe cristiana. Por lo tanto, buscan representaciones tras-
cendentes y rechazan todo lo que suponga materia. En conclusión, se trata de que todos
los aspectos estilísticos y estéticos aproximen al hombre a lo divino. Por consiguiente
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buscaban la anulación espacial a través de:

-Fondos de oro como telón de fondo. En caso de no haber oro, telones cromáticos.
-Recreación de paisajes y arquitecturas totalmente conceptuales.
-Falta de relación real entre los suelos con los objetos o figuras que se depositan en
ellos.
La plástica escultórica bizantina -Utilización de perspectivas conceptuales: las jerárquicas y las diversas fundamental-
supuso la culminación del arte mente.
paleocristiano, manteniendo sus -Búsqueda de arquetipos intemporales, como las figuras-esquema que anulen el concep-
técnicas y su estética de progre- to de tiempo.
sivo alejamiento de las cualida- En relación a este último punto, era logrado a partir de:
des clásicas: la mayor rigidez, la -Supresión de los moderados, los cuales dan sensación de plasticidad y relieve. Por el
repetición de modelos estereoti- contrario, hay un predominio de la línea.
pados, la preferencia del -Se da una tendencia a figuras muy estilizadas, puesto que la estilización contribuye a
bajorrelieve a las obras de manifestar espiritualidad.
bulto redondo. -Impasibilidad e inmovilidad.
-Las proyecciones de las figuras son siempre en dos dimensiones, las cuales anulan
conscientemente la tercera dimensión.
En forma general todos los programas iconográficos, al igual que los recursos estilís-
ticos, se repiten habitualmente en todas las iglesias. Principalmente esto se debe a la
elaboración, tal vez en la segunda mitad del siglo IX, de un tratado llamado Hermeneia,
por medio del cual se dicta cómo se deben realizar las escenas y cuáles se deben colocar
en cada lugar del templo. De esta manera se dio origen a un proyecto decorativo, el cual
terminará siendo común para todas las iglesias.
Hay que considerar que la Hermeneia no se conserva, aunque se conoce muy bien por-
que en el siglo XIX se encontró un manuscrito que la recogía en un monasterio del monte
Athos, en Grecia. Es en función de la Hermeneia, que las escenas y las figuras disponen
de la misma manera:
-En los muros, el nivel inferior. Deben aparecer exclusivamente allí patriarcas del Anti-
guo Testamento, profetas, apóstoles, mártires y obispos.
-Trompas, pechinas, tímpanos en el nivel medio. Allí se deben dar historias de la vida de
Cristo, las cuales recojan sus momentos más trascendentales.
-Cúpulas y bóvedas de horno en los ábsides, en el nivel superior. En estas figuras se
debe representar Cristo en majestad, la Virgen y los ángeles.
MONASTERIO DE HOSSIUS LUCAS

Se trata de un ejemplo de los dos tipos de plantas que se dieron en Bizancio. La más
pequeña es de cruz inscrita, dedicada a la Virgen Teotocos; la de San Lucas es la iglesia
de octógono cruciforme.
El monasterio de Hosios Lukas

es una verdadera joya del arte
bizantino que guarda mosaicos
hermosos y magníficos frescos.
El museo se encuentra hoy en la
iglesia de forma octogonal, y allí
también funciona un restaurante
donde se alquilan habitaciones.
Monasterio Hosios Lukas, se encuentra a unos 150 km de la ciudad de Atenas, fundado a fines del siglo X.
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LA IGLESIA DE LA VIRGEN
Estamos ante una iglesia de planta con una cruz inscrita en un cuadrado, particularmen-
te prescindiendo de la cabecera y del nártex. En cuanto al tramo central, aparece una
cúpula pequeña y esbelta la cual está soportada por pechinas y por cuatro soportes, en
esta ocasión y generalmente columnas, aunque pueden ser pilares también, los cuales
producen un efecto de ligereza. Por otra parte la cúpula es contrarrestada por las bó-
vedas de cañón, que a su vez cubren los brazos de la cruz. En cuanto a las esquinas,
esos tramos se suelen cubrir con bóvedas de aristas, como en este caso, o también con
pequeñas cupulillas que junto a la principal configuran un modelo de iglesia de cinco
cúpulas, que era una de las características del templo bizantino.
Si se observa al este, se puede hallar una triple cabecera formada por tres ábsides, de
los cuales el central era el más amplio. Su estructura es igual y comprende un tramo
recto, que está cubierto con bóveda de cañón y por otra parte un tramo absidal cubierto
con bóveda de horno. Mientras tanto el perfil de estos ábsides al exterior es de forma
poligonal. Por último mencionar que a los pies aparece un nártex doble, que consta de
seis tramos, los cuales están cubiertos con bóveda de cañón y articulados en torno a dos
soportes centrales, que aquí son columnas.
IGLESIA DE SAN LUCAS

Esta es una iglesia de planta rectangular que está presidida en el centro por una gran
cúpula, la cual se trasdosa al cuadrado en el que se inserta a través de trompas. Por
su gran tamaño, esta cúpula necesita un mayor número de soportes. De esta forma, la
misma se encuentra soportada por ocho grandes pilares, y es por este motivo que se la
llama octógono. Aunque también se la conoce como cruciforme debido a que en los ejes
ortogonales de la planta se pueden ver cuatro tramos más grandes que los restantes tra-
mos de la iglesia, que están cubiertos con bóvedas de cañón o de aristas más elevados
del resto de los tramos, que tienen la función de contrarresto del peso de la cúpula. En
cuanto al tramo oriental se trata del tramo recto del ábside.
La iglesia de San Lucas es una de

las Iglesias del repartimiento, tras
la Reconquista de la ciudad por
parte de Alfonso X El Sabio. Esá
asentada sobre una de las mez-
quitas del antiguo Jerez andalusí.
Uno de los laterales de la Iglesia de San Lucas, en la localidad de Jerez de la Frontera, Cádiz, España.
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Por otra parte hay que considerar que en muchas de estas iglesias, sobre los tramos
laterales puede aparecer una tribuna, mientras que al oeste hay un nártex cubierto con
bóveda de aristas. En cuanto a sus mosaicos, por ejemplo en la bóveda de horno apa-
rece la Virgen Teotocos y en la que cubre el tramo recto, se puede ver el Pentecostés.
Finalmente en las trompas, aparece el Nacimiento, la Anunciación, la Adoración de los
pastores y de los Reyes Magos.
En relación a esta conjunción de temas hay que señalar que se trata del calendario li-
túrgico bizantino. Estas figuras están ambientadas en una gruta, y también aparecen la
Anástasis, el descenso de Cristo a los infiernos, en el tímpano del nártex. Se trata de una
crucifixión con la diesis y Cristo muerto y un sol, elemento que simboliza la naturaleza
divina, y una luna, como la naturaleza humana.
MONASTERIO DE DAFNE
Es una iglesia de cruz inscrita en un octógono de pleno siglo XI. Cuenta con una cúpula
grande y baja, y con mosaicos muy mal conservados. Sobre la cúpula central, aparece el
Pantocrátor, un fragmento del Cristo apocalíptico.
La iglesia principal es un
monumento del siglo XI del arte
bizantino. Posee el conjunto
mejor conservado de mosaicos
del primer período (dinastía
Commena, alrededor del 1100) y
en ellos se puede ver la transfor-
mación de la austera e hierática
imagen de Cristo Pantocrátor
en la cúpula.
El Monasterio de Dafni o Dafne, fue nombrado por la UNESCO como patrimonio de la humanidad.
Sobre quien la diseñó, vale decir que el artista estaba claramente influido por el arte del
bajo imperio: en el dibujo Cristo aparece colérico, al igual que como era representado
Júpiter, y además se puede ver un cierto modelado. En cuanto a la mandorla tiene nume-
rosos colores a modo de arco iris, mientras que en el nártex aparece la Anástasis. Por
último señalar que en una trompa aparece el bautismo de Cristo y que en el tímpano se
da la escena de María presentada del templo.
EL ARTE ISLAMICO
Durante este periodo destaca la arquitectura por sobre las demás artes, y tanto la mez-
quita como los palacios sobre las demás construcciones. Resulta muy abundante la
decoración, aunque hay que considerar que son escasos los motivos figurativos y se
fundamentan en los abstractos: en este caso vegetales, geométricos y caligráficos.
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PINTURA, ESCULTURA Y ARTES SANTUARIAS

Nunca tuvieron gran desarrollo en el Islam las artes figurativas, más por prejuicios so-
ciales que por una prohibición expresa del Corán. Hay que señalar que lo que el Corán
condena es la idolatría y no la representación figurativa. Esto quiere decir que hay una
falta real de pintura y escultura, aunque no es absoluta.
En cuanto a pintura tenemos que destacar la miniatura persa, que de la misma manera
que la de los cristianos, decora libros, de literatura y científicos, y el Corán. Los motivos
pueden ser tanto religiosos como de la vida palaciega y sus placeres, mientras que se
La antigua Mezquita de Córdo- trata de la mayor fuente de imágenes figurativas del islam que se conoce. Los siglos X y
ba, convertida en el siglo XIII XI son sus épocas de esplendor.
en la actual Catedral de Santa Por ejemplo en lo que es la miniatura se distinguirán tres escuelas: la árabe, la persa y
María de Córdoba, constituye el la turca. En cuanto a la árabe aparece en el siglo XII en torno a Iraq. Proporciona un tes-
monumento más importante de timonio acerca de las costumbres de la época, y en ese contexto sobresalen obras como
Córdoba, y también de toda la los Autómata de al-Jarizi, obras de medicina atribuidas a Galeno o Dioscórides, como así
arquitectura andalusí, junto con también el libro de fábulas de Calila y Dimna, y libros de aventuras. Aunque, sobre todo,
la Alhambra. destaca el Libro del arte veterinario.
En cuanto a la segunda escuela, la persa, es recién a partir del siglo XIV que tiene una
influencia oriental, especialmente china. Sobresalen el Bestiario de Ibn Bajtista, el Libro
de los reyes y el Tratado de anatomía de las constelaciones. Posteriormente, en el si-
glo XVI, es que se conoce la figura de Bezad, la cual crea la escuela bezadiana, movida
reconocida por sus obras de género y los retratos. Finalmente mencionar a la tercera
escuela, que es la turca, que surge a partir del siglo XIII. La obra más representativa es
El libro del saber de los aparatos mecánicos.
Mezquita de Córdoba, convertida en el siglo XIII en la actual Catedral de Santa María de Córdoba, España.
En el arte islámico predominan los motivos geométricos, con colores planos y vivos y
líneas negras. Uno de los motivos más característico es la caligrafía, que se completa
con frases del Corán. De todos modos la escultura es todavía más escasa. Es un arte que
se reduce a las artes menores: cerámica, vidrio, marfil, cofres, etcétera. No obstante,
existen relieves con motivos geométricos y caligrafía, que se pueden encontrar en puer-
tas y paredes y encuentran su ámbito en la élite social islámica, la cual gusta del lujo.
-Cerámica: comienza en el período abasí, con la ciudad de Izmir como el principal centro
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productor y donde se fabricaron los primeros azulejos decorados.

-Marfil: destacan los cuernos de carácter decorativo y finamente labrados.
-Vidrio: aparecen nuevas técnicas, como el soplado y el vidrio pintado.
-Madera: este material se trabajó con mayor profusión, puesto que las obras estaban
destinadas a la talla de alminares, tribunas, mihrabes, armarios y recubrimiento interior
de cubiertas.
-Metales: sobresale el bronce, con el que se producen motivos animales, los cuales ser-
vían como objetos de vajilla o de uso religioso.
-Tejidos: estos eran los más representativos. Para tal fin, utilizaban todo tipo de telas,
aunque gustaban particularmente de la seda, y las alfombras y tapices.
ARQUITECTURA
Es la representación artística por excelencia del islam, la cual a su vez goza de una no-
table uniformidad, más allá de la variedad de influencias que recibe, e incluso a lo largo
del tiempo. En este sentido los musulmanes adoptaron y adaptaron todos estos elemen-
tos de forma creativa, de acuerdo a sus necesidades y concepción del mundo. Se des-
taca sobre todo la exuberancia decorativa, geométrica, epigráfica y vegetal, de lacería
y mocárabes. En cuanto a los almohades, estos utilizan paños de sebja, una retícula de
rombos de trazos lobulados o mixtilíneos. El espacio se decora completamente debido
al horror vacui, la cual es una decoración notablemente abstracta. Finalmente la celosía
se utilizará para cerrar vanos.
No se puede dejar de mencionar

que además hay arcos entrela-
zados y superpuestos. Y que las
cubiertas son de poco peso, fre-
cuentemente de madera y plana.
Finalmente señalar que también
hay bóvedas y cúpulas, y que se
utiliza la bóveda de cañón y de
arista, pero también la gallonada
o la esquifada.
La Alhambra, la fortaleza roja, es una de las atracciones españolas más visitadas.
Hay que señalar que las construcciones son de escasa altura y que tienen una perfección
matemática. En este sentido predominan los volúmenes cúbicos y geométricos, donde
destacan sobremanera las cúpulas. Para este objetivo se utiliza todo tipo de materiales,
aunque generalmente se usa un poco la piedra, salvo en Egipto y Córdoba, y se prefiere
la mampostería y el recubrimiento con yeso. En cuanto a soportes, se utiliza tanto el
pilar como la columna, caracterizándose por ser delgados, bajos y de poco peso. Como
coronación, las columnas llevan capiteles con decoración geométrica, que pueden ser
novedosos, como por ejemplo el capitel nazarita, el de avispero o el orden corintio esti-
lizado, que finalmente se termina convirtiendo en el capitel islámico.
Mencionando los arcos, se usan de todo tipo, pero se prefiere y perfecciona el arco de
herradura y el peraltado. Con frecuencia los arcos están lobulados, pero también hay
arcos de herradura apuntados, mixtilíneos, entre otros. Los mismos se encuentran de-
corados con mocárabes, festoneados o angrelados.
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TIPOLOGIA DE EDIFICIOS
A lo largo del siglo XII, por influencia turca, comienza la tradición de los mausoleos, los
cuales tenían además patio cuadrado y cubierto con una cúpula. Entre otras característi-
cas tienen una cámara para el sarcófago y otra para orar.
La madraza se encuentra junto a la mezquita, aunque también se la conoce como escue-
la coránica. La misma consta de un patio central al que dan las aulas de los estudiantes
y una sala grande, de forma rectangular, llamada al-quaah.
El Taj Mahal es un complejo de

edificios construido entre 1631
y 1654 en la ciudad de Agra. Es
considerado el más bello ejemplo
de arquitectura mogola, estilo
que combina elementos de las
arquitecturas islámica, persa,
india e incluso turca.
El Taj Mahal, fue nombrado una de las Siete Maravillas del Mundo Moderno.
Otras construcciones que se hicieron fueron fondas para viajeros, las cuales venían pro-
vistas de un patio alrededor del cual se organizaban las dependencias. Estas fondas
eran fundamentales en las travesías del desierto y las mismas estaban compuestas por
un gran espacio amurallado con patio interior, además de galerías, establos, almacén y
otras dependencias.
Por otro lado tenemos las atarazanas, que eran los lugares donde se construían los bu-
ques, motivo por el cual requieren grandes espacios próximos al mar. En su totalidad se
trata de una gran nave cubierta con madera.
Los baños, también conocidos como haman, tratan de imitar las termas romanas puesto
que tienen la misma estructura, con piscinas de agua caliente, fría y templada. Estos
espacios están ricamente decorados y se encuentran cubiertos por una cúpula calada,
con el fin de que entre la luz.
En cuanto a los edificios civiles, el que sobresale es el palacio, el cual se encuentra divi-
dido en tres partes, cada una con una función diferente y además estructurada alrededor
de un patio. Por un lado tenemos la mexuar, que está dedicada a la administración de
justicia y a las audiencias; la sala del trono que es el quaat al-arsh. Además está el salá-
mlik, espacio reservado a las ceremonias importantes y que además era la parte pública
de la casa. Por su parte el harén son las habitaciones privadas, y allí se encuentran los
jardines y los baños.
No hay que dejar de señalar la vivienda común, la cual se construye en torno a un patio
sin vanos al exterior. De todos modos los pocos que hay están cerrados por celosías. En
cuanto al patio, el mismo tiene una fuente o pozo, el cual está rodeado por pórticos. Se
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trata en todo sentido de una casa pensada para la vida privada.

También se construyeron puentes, alcazabas, alcázares, acueductos, hospitales, y todo
tipo de edificios, los cuales hacen posible la vida en la ciudad.
Por su parte la ciudad islámica es una zona muy característica. Allí encontramos la medi-
na, que es el núcleo central de la vida urbana y donde se construyen la mezquita mayor
y el zoco o mercado. Las ciudades tienen un trazado de calles irregular, con numerosos
callejones sin salida y adarves. Por ejemplo no ha plazas y los barrios tienen especiali-
dades en diferentes profesiones, cerrando sus puertas por la noche. Sobre esta última
característica de agrupación de edificios y oficios en ciertas calles, permite una fuerte
segregación espacial en la ciudad.
LA MEZQUITA
Este es el edificio fundamental. Básicamente tiene un patio con una fuente central, el
cual se encuentra rodeado por un pórtico cubierto. También hay un gran salón cuadra-
do, que funciona como sala de oraciones, que tiene un muro orientado hacia La Meca,
con el mihrab, que es un nicho muy decorado; el mimbar o púlpito de predicaciones; y
la macsura, también conocido como un espacio reservado al califa. Sin contar los mina-
retes que están adosados al patio.
Si bien en el islam no es necesario ir a la mezquita para rezar, sí está establecida la
costumbre de acudir a ella a la oración del mediodía del viernes, motivo por el cual se
justifica la construcción de mezquitas de grandes dimensiones. A diferencia de otras
religiones, esta construcción no es un lugar sagrado en el que reside Alá, por lo que no
se guardan en ella estatuas de santos. En líneas generales es un lugar de oración donde
se reúne la umma y donde además se escucha el sermón del imán.
Hay que señalar que existen tres tipos básicos de mezquita:
-Mezquita hipóstila: este es el primer modelo, el cual se concreta en la época omeya y
tiene un gran número de columnas perpendiculares a la alquibla, aunque pueden ser
también paralelas. En cuanto a la cubierta, la misma es plana y de madera.
Asentada sobre los terrenos que

ocupó la visigoda Basílica de San
Vicente; iniciada por Abderra-
mán I; ampliada por Hisham I,
Abderramán II y Abderramán III;
engrandecida y embellecida por
Alhaken II; concluida por Alman-
zor; transformada en Catedral en
el siglo XIII y en parte destruida
durante el siglo XVI para construir
una nave cristiana bajo el
reinado y el auspicio del em-
perador Carlos I.
Columnas de La Mezquita. Con 23.400 metros cuadrados, fue la segunda mezquita más grande del mundo.
-Mezquita de ivanes: desde el siglo X aparece asociada a la madraza. Su elemento di-

ferenciador es el iván, un espacio cuadrado que habitualmente tiene cúpula, y que se
encuentra abierto al exterior por uno de sus lados.
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-Mezquita de planta centralizada: la misma se encuentra cubierta por una cúpula. Este
tipo de mezquita aparece luego de la toma de Constantinopla a manos de los turcos,
quienes toman la Iglesia de Santa Sofía como modelo. El edificio completo, incluso el
patio de abluciones, está cubierto por una cúpula.
LA PRIMERA ETAPA
El lugar donde están los monumentos más interesantes de este período es Siria. Por
ejemplo en Damasco se instala la dinastía omeya –además de ser su capital-, que es la
primera dinastía de califas y en este territorio se nota el influjo de Bizancio. Hay que
señalar que los omeyas trataron de islamizar los territorios conquistados, y con tal fin
utilizaron el arte, construyendo edificios en todas partes con un aspecto similar al del
islam. Para obtener esto se aglutinaron elementos típicos de la cultura local y de la cul-
tura árabe, de Bizancio, que era la más prestigiosa de la época.
La Mezquita de la Roca, tam-

bién llamada Mezquita de Omar
cubre y acuna la Roca sobre la
cual Ibrahim, padre de todos
los judíos y de todos los árabes,
estuvo a punto de sacrificar a su
hijo Ismail, y desde donde el Pro-
feta (sws) inició el mijray (el viaje
nocturno). Por ello es considera-
do como uno de los principales
santuarios del Islam.
La Mezquita de Omar, templo islámico situado en Jerusalén, en el centro del Monte del Templo.
Mientras tanto en Damasco destaca su mezquita, la cual fue construida entre el 706 y
el 714. En su totalidad se trata de una mezquita hipóstila, la cual tiene una planta en
forma de T. El edificio posee naves paralelas a la alquibla y cuentan con una altura nota-
ble, condición que le otorga al conjunto una sensación de espacio amplio. Por otra parte
hay que considerar su decoración exterior extremadamente rica, hasta llenar todos los
huecos del muro.
La construcción de esta etapa utiliza cúpulas y una profusa decoración con coloridos
mosaicos. De todas estas edificaciones la más representativa es la mezquita de Omar
(687-692), también llamada Cúpula de la Roca, que estaba en Jerusalén. La misma tiene
una planta central que está cubierta con una cúpula y a su vez rodeada por un deambu-
latorio. Tiene una decoración abundante, tanto en el exterior como en el interior. Hay
que marcar que en realidad se trata de un edificio conmemorativo, el cual fue construido
donde se supone que está enterrado Omar. Los templarios fueron quienes la tuvieron
su sede principal en Jerusalén, motivo por el cual su modelo terminaría influyendo en el
arte cristiano.
Por esta época también son notables los palacios sasánidas, con sus salas abovedadas
como por ejemplo el palacio de Qusair Amra y el de Jirbat al-Mafyar. Estas construccio-
nes, por ejemplo, se encuentran en el desierto y alejadas totalmente de las ciudades.
Para el siglo VII será derrocada la dinastía omeya y se entronizará la abasí. En el 762 al-
Mansur funda Bagdad, conocida como la ciudad de la paz, y allí se traslada la capital del
califato. Sus creadores pretenden hace de ella un modelo de belleza, y por este motivo
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la llenan de monumentos, usando con este fin usan adobe o ladrillo. En cuanto a la ar-
quitectura hay que remarcar que las columnas fueron sustituidas por pilares, mientras
que los revestimientos con mosaicos dieron paso al yeso labrado. De todos modos, lo
que es el aspecto resultante no se diferencia mucho de lo anterior.
Ya en el siglo IX, en el año 836, se construye la ciudad de Samarra, muy cercana a Bag-
dad, que casualmente llegó a rivalizar con esta. En este lugar se fija el tipo de mezquita,
la cual tiene patios cuadrados rodeados de pórticos y a su vez una serie de salas divi-
didas en naves por pilares, como por ejemplo la mezquita de Mutauakil. Otro elemento
que aparece son los alminares, que tienen una rampa espiral, y que se encuentran ins-
pirados en los zigurates persas. En el caso de Bagdad tanto como Samarra son ciudades
de nueva planta, motivo por el cual se exige un esfuerzo de planificación. Además, estas
dos ciudades son ejemplos claros del urbanismo islámico.
Llegando al siglo X se instala en Egipto la dinastía fatimí y funda al-Qahirah, donde fi-
nalmente se construirá la mezquita de Ibn Tulum, que tenían patio y soportales, aunque
en este caso utilizando columnas en lugar de pilares, arcos apuntados y lobulados, y
también teniendo una cúpula en el mihrab. Hay una segunda mezquita que se construye,
la de al-Hakim, donde se vuelven a utilizar pilares y se cubre el mihrab con una cúpula
sobre trompas. La misma tiene un minarete escalonado, que tiene un cuerpo inferior
de planta cuadrada y también otro superior octogonal. Por otra parte en la decoración
aparecen los mocárabes.
Durante esta época, además, es donde se crean las formas básicas del arte islámico, las
cuales posteriormente se difundirán por todo el mundo adaptándose a las característi-
cas de cada lugar.
LOS SELYUCIDAS Y LAS FORMAS PERSAS

La Mesopotamia deja de ser en el siglo IX el centro creador y difusor de la arquitectura,
dando lugar a otras regiones. Por ejemplo en el caso de Persia las plantas de las mez-
quitas empiezan a ser cruciformes, de cruz griega. Por otra parte se generalizan los
monumentos funerarios, con torres de planta poligonal. En este tiempo se hacen cons-
trucciones en ladrillo, pero sobre un zócalo de piedra, mientras que la cubierta exterior
es piramidal, aunque la misma oculta una cúpula en el interior.
Las atalayas se levantaban aleja-

das de las poblaciones, en zonas
altas, para mejor visibilidad y
nunca una aislada, sino formando
redes de atalayas a una distancia
suficiente para poder mantener
la comunicación y el contacto
visual entre ellas. De esta manera,
se alertaba el peligro de una ata-
laya a otra, por cristales o humo,
durante el día y de fuego durante
la noche y se enviaba el mensaje
a las fortificaciones principales
donde se preparaban las tropas
más cercanas.
La torre de Arrebatacas, Se construyó con mampostería irregular y argamasa mezclada con piedras.
Entre los edificios más destacados, sobresalen el mausoleo de Ismail ibn Ahmad y la
mezquita de Isfahán. Además se da origen al tipo de mezquita ivanes, que está asociada
a la madraza y sobresalen los típicos alminares cilíndricos. Otro tipo de construcción
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que comienza a hacerse habitual son las torres, que surgen como edificaciones inde-
pendientes, entre ellas la torre atalaya y la columna triunfal, como la de Gazni, que era
de planta estrellada.
A partir del impulso de las cruzadas comienzan a aparecer diversas dinastías locales,
motivo por el cual las ciudades empiezan a amurallarse. En este sentido, el siglo XIII
resulta el de las grandes invasiones mongolas de Gengis-Khan, quien finalmente será
detenido por los turcos mamelucos. De esta manera hacen su ingreso las formas turcas,
las cuales se terminan de imponer en Egipto con la mezquita de madraza con patio cen-
tral y los sepulcros con cúpula.
Por ese entonces, además, se da un cierto barroquismo decorativo a partir del contacto
con Bizancio y es que por otra parte se empieza a cubrir la madraza con una cúpula. El
material de construcción por excelencia de ese período termina siendo la piedra.
LOS OTOMANOS
Osmán I se hace con el poder en 1299 y termina fundando la dinastía de los otomanos,
La Mezquita de Solimán I fue quienes acabarán por conquistar Bizancio en 1453. A partir de entonces en la mezquita
construída entre los años 1520 verde de Nicea se observa la continuidad de las formas precedentes, aunque desde el
y 1566 por orden de Solimán I, siglo XIV se crea un nuevo estilo. Por entonces se da un desarrollo de la cúpula y se uni-
más conocido como Solimán el fica la madraza con el resto del edificio, a partir de un sistema de cúpulas a la manera
Magnífico, uno de los sultanes de Santa Sofía de Constantinopla. De este modo nace la mezquita de planta centralizada.
otomanos más ricos y poderosos Por ese tiempo se construyen las mezquitas de Solimán I, la del príncipe y la mezquita
de la historia, quién encomendó azul. El diseño de mezquita turca se difunde hacia Oriente y, en una medida menor,
al reconocidísimo arquitecto hacia Occidente. La estructura tiene en el centro la cúpula, la cual permite la entrada de
Mimar Sinán su diseño. luz, motivo por el cual se termina realzando la armonía y la belleza de las proporciones.
La Mezquita de Solimán I, también llamado Solimán el Magnífico.
INDIA Y PERSIA
Durante este período es que se terminan fundiendo los elementos turcos con la tradición
persa. Por entonces, los edificios civiles y religiosos de Isfahán son las mejores construc-
ciones. En este marco hablamos de mezquitas con cúpula, palacios con pórticos, kioscos
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y estanques en los jardines, entre otras dependencias. Además sobresale la decoración

en cerámica y porcelana, y en cuanto a su arquitectura se usa con profusión el arco
apuntado y peraltado. En cuanto al centro de la vida islámica en la India es Delhi, ciudad
en la que se encuentra la gran mezquita de Qutbudin Aibak, la cual fue construida sobre
un antiguo templo hindú.
Pasando a los siglos XIV y XV, ya estamos hablando de una época de emperadores solda-
dos, quienes construyen grandes palacios como por ejemplo el de Tugluq. Otro espacio
que sobresale es la mezquita de Jami, que tiene una nave central abovedada y cúpulas
en las alas laterales.
Por su parte el siglo XVI es de una fuerte influencia persa, momento en el que se constru-
ye la mezquita del viernes de Delhi. En esta época sobresalen los mausoleos, como los
de Akbar o el Taj-Mahal en Agra, que tiene la cúpula más perfecta del mundo.
OCCIDENTE: AL-ANDALUS
En la zona de Occidente hubo dos centros que se influyeron mutuamente: uno de ellos
es Túnez y el otro es al-Andalus. Por ejemplo en al-Andalus se desarrolla un arte original
e independiente de Oriente. En este caso la originalidad proviene de sus contactos con
la cultura hispanorromana y visigoda, pero además del conocimiento del arte romano y
del románico.
EL PERIODO CORDOBES
Se considera a este período como uno de los más esplendorosos del ate islámico. El
mismo tiene influencias hispanorromanas, sirias y bizantinas y se desarrolla entre los
siglos IX y X, momento en el cual en Occidente todavía no había aparecido el románico.
La ciudad - palacio de Medina

Azahara, a 7 Kms. de Córdoba,
fue levantada por orden del califa
cordobés Abderrahman III en el
siglo X (entre los años 936 y 976)
para ser la capital del Califato, re-
sidencia real y sede del gobierno
con el fin de reflejar el esplendor
del califato y todo el lujo.
La ciudad de Medina Azahara, sus obras duraron algo más de 25 años.
Entre los elementos que más se pueden observar, se emplea allí el muro de piedra con
sillares bien labrados, el hormigón y la mampostería. Aunque también se da la aparición
del ladrillo y el yeso.
Por este tiempo el soporte preferido es la columna con fuste y capiteles de estilo hispa-
norromano, donde además destaca el orden corintio estilizado, que de manera conjunta
con Abderramán II se convierte en el capitel islámico. Posteriormente Abderramán III
construirá Medina Azahara, lugar en el que se emplea el capitel de avispero.
En cuanto a los estilos arquitectónicos aparece el pilar compuesto de planta cuadrada
o cruciforme, que lleva columnas adosadas. Además se superponen los soportes para
ganar altura, los cuales se ejecutaban poniendo una columna sobre un pilar o sobre
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otra columna. En el caso de los capiteles, los mismos llevan encima amplios cimacios,
lisos o decorados con forma geométrica, donde precisamente se apoyan los arcos de
herradura.
Durante esta época se da el arco de herradura, que es de origen visigodo, aunque en
Córdoba se estiliza y perfecciona, haciéndose un poco más peraltado. Además, desde
este lugar se difunde a todo el mundo islámico que lo termina adoptando como una de
las señas de identidad de su arte y cultura. En el caso de los arcos de herradura, los más
cerrados se hacen en el siglo X: por ese entonces también aparecen arcos lobulados de
tres o cinco lóbulos. Mientras que las dovelas son decoradas, en principio se alternan las
dovelas blancas y rojas, para más tarde alternarse dovelas decoradas y lisas.
Bóveda de crucería califal: es la

formada por el cruzamiento de
arcos que no pasan por el centro,
es decir, que no convergen sino
que se cruzan recorriendo la cú-
pula de uno a otro lado. También
se puede denominar bóveda de
nervios, bóveda nervada, y bóve-
da de arcos entrecruzados. Típica
del arte hispanomusulmán y en
especial de periodo califal.
Bóveda de nervios califal, Capilla de Villaviciosa, Mezquita de Córdoba.
A veces, los arcos se entrelazan para formar especies apuntadas y mixtilíneas. Se debe
considerar, no obstante, que el arco es un elemento arquitectónico exento, motivo por
el cual se puede superponer y yuxtaponer. Hay que señalar además que los mismos no
forman bóvedas, sino que son perpendiculares al muro formando vigas para sostener
una cubierta plana, o también una falsa bóveda de crucería. Por este tiempo también se
da una combinación del arco y el dintel. Por ejemplo el arco puede ser un elemento deco-
rativo o un elemento de descarga, mientras que el arco forma parte del muro y enmarca
con un alfiz, elemento que generalmente está decorado.
En cuanto a la cubierta la misma suele ser plana o una falsa bóveda, la cual termina
dando como resultado una bóveda gallonada que tiene forma de huso y una decoración
abundante. En este sentido no faltan ejemplos de bóvedas de cañón y de arista, donde
la más original termina siendo la bóveda califal, la cual se encuentra formada por una
serie de nervios entrecruzados que dejan un espacio central, lugar en el que se ubica
una bóveda gallonada.
Por otra parte hay que considerar como muy característicos a los modillones, que son
elementos voladizos sobre los que se asienta una cornisa o alero, o también los extre-
mos de un dintel, mientras que por otra parte destacan las almenas escalonadas que
rematan los edificios. En este sentido hay que remarcar también la decoración, que es
compleja y variada. En este orden se utilizan todos los convencionalismos de la decora-
ción musulmana. La misma se realiza en mármol, estuco, alicatado y mosaico.
En cuanto a los edificios más representativos de este período tenemos la mezquita de
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Córdoba, la cual tiene una larga historia constructiva y resulta un compendio de todo
el arte. Por otra parte se puede mencionar también al palacio de Medina Azahara. En el
caso de la mezquita de Córdoba esta construcción responde al modelo hipóstilo con una
sala de oración de once naves perpendiculares a la alquibla. Además, la misma consta de
dos pisos: por un lado el inferior, que tiene una columna con un capitel corintio estiliza-
do sosteniendo arcos de herradura, junto a las dovelas que alternan los colores blanco y
rojo; y por otra parte el piso superior, donde se pueden ver pilares que se apoyan en las
columnas y a su vez sostienen arcos de medio punto.
Pasando a lo que es el palacio de Medina Azahara, hay que indicar que el mismo fue
enviado a construir por Abderramán III en el 936, como palacio califal y centro del poder.
Es una auténtica ciudad privada, que se encuentra rodeado por una muralla. En el inte-
rior hay diversas terrazas y alrededor una serie de jardines, desde los cuales se articulan
los edificios. Por otra parte hay que señalar que los muros de piedra fueron cubiertos
con mármol y con una decoración muy estilizada.
Finalmente se puede hablar de la mezquita de Bad al-Mardum, en la actualidad conocida
como ermita del Cristo de la Luz, el castillo de Gormaz y del puente sobre el Henares
en Guadalajara. Por este tiempo fueron abundantes las alcazabas que formaron la línea
defensiva del Califato.
EL PERIODO DE TAIFAS
Las taifas fueron hasta treinta y La descomposición del califato de Córdoba y la aparición de las taifas, terminaron favo-
nueve pequeños reinos en que reciendo la Reconquista, abriendo como consecuencia un período de inseguridad, pero
se dividió el califato de Córdoba a su vez de un gran intercambio cultural. Esta época es conocida como la del románico
después del derrocamiento del pleno y por entonces se popularizan las formas califales. Por entonces todos querían
califa Hisham III (de la dinastía imitar el esplendor de Córdoba, pero carecían de su dinero, por lo que utilizan materia-
omeya) y la abolición del les pobres pero que parecían de buena calidad. Por entonces predominaban el ladrillo y
califato en 1031. la mampostería, los cuales estaban recubiertos con yeso y estuco, y también con pintura
de esmalte. El de entonces era un arte muy decorativo y efectista, donde se deja entrever
la influencia mudéjar.
Por esta época otra cosa que surge es el arco mixtilíneo, que tiene zonas curvadas y rec-
tas, quebradas, de un alto valor decorativo. Además hay que señalar que se comienzan
a entrecruzar los arcos, dándose incluso la aparición de arcos ciegos. Este tiempo es
considerado como la época “barroca” del período califal.
Patio del Palacio de Torre Tagle, este se caracteriza por su arquería superior, Construido en 1735.
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Hay que remarcar que la mayoría de las mezquitas de taifas han desaparecido, sobre
todo por la pobreza de los materiales y porque fueron convertidas en iglesias cristianas.
De todos modos hay que señalar que se conservan mejor los palacios, y especialmente
los edificios militares, alcázares, alcazabas, murallas, torres, entre otras edificaciones.
Otras que destacan son la aljafería de Zaragoza, las murallas de Almería o las alcazabas
de Málaga y Granada.
LOS ALMORAVIDES Y LOS ALMOHADES

Luego del período de taifas el poder político se traslada al norte de Africa, junto con
los integrismos religiosos. Se trata de la época de las mezquitas de Argel y Fez, en las
que tienen preponderancia los edificios religiosos, las mezquitas de carácter austero.
En este caso los modelos arquitectónicos no son solamente los de la tradición andalusí,
sino que también se dan en el norte de Africa. Durante la cristiandad empieza a surgir
el arte gótico.
Dos elementos que se usan mucho son el ladrillo y la mampostería. Por entonces se en-
riquecen las techumbres con mocárabes y los decorados son de yeserías. El pilar, hecho
de ladrillo, es el soporte por excelencia. El elemento decorativo por excelencia es el arco,
con abundancia de arcos ciegos, entrecruzados, lobulados, generalmente de herradura y
apuntado, y enmarcado por un alfiz. De todos modos hay que señalar que predomina lo
constructivo sobre lo decorativo, y en este período se termina diluyendo el horror vacui.
Para la decoración, un elemento que se usa mucho es la cerámica vidriada, la vegetal y
el recubrimiento con paños de sebja en el período almohade.
Un Alcázar es un tipo de edifi-

cación, similar a un castillo o un
Palacio, construido por los árabes
en lugares estratégicos con el
fin de proteger a las personas de
sangre real o a los gobernadores
de las plazas. Su nombre provie-
ne de la palabra árabe, al-qasr.
El de Sevilla junto con el de
Segovia y Toledo es uno de los
más importantes.
Entrada de un Alcazar de Sevilla estilo almohade. Se utilizaba mucho ladrillo, yeso, argamasa y madera.
ARTE ROMANICO
Durante los siglos XI y XIII, a lo largo del período que se conoce como Baja Edad Media,
se formó en Europa un arte al que se le dio el nombre de Románico. Esta calificación
hacía referencia a la fuente en que tenía su origen, que es el arte de Roma, del que tomó
tipos de edificios y técnicas constructivas. A este arte se lo denominó románico por la
semejanza con el vocablo romance, el cual dio origen a los idiomas derivados del latín.
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Por lo tanto el arte románico es fruto de la combinación armónica de diversas influencias

como la romana, prerrománica, bizantina, germánica, árabe, entre otras. A estilo se le
dan tradicionalmente una serie de características generales, como por ejemplo la solidez
de la construcción, la gran anchura de muros para resistir las fuerza y tensiones de la
estructura, el uso del arco de medio punto y bóveda de medio cañón, como así también
la escasez de vanos y cierta tendencia a la horizontalidad frente a la verticalidad del
En el pórtico occidental de la gótico, más allá de que esto sea bastante cuestionable.
iglesia abacial de Conques, una En cuanto a esta corriente artística lo más atrayente fue sin dudas la combinación de
profunda superficie abovedada formas arquitectónicas de gran equilibrio y elegancia, si se tiene en cuenta su sencillez,
en plena cimbra acoge el tím- sentido de la simetría y orden, además de la utilización de esculturas de una extraña
pano del Juicio final, una de las belleza, las cuales se encuentran muy alejadas de los cánones clásicos. En cuanto a esta
obras mayores de la escultura ro- escultura, la misma es empleada para transmitir mensajes catequéticos y simbólicos a
mánica . Con una anchura de 6,70 aquellos que supieran leer en la piedra las enseñanzas de las Sagradas Escrituras.
metros por una altura de 3,60 Las mejores catedrales e iglesias de aquellos tiempos reflejan en las fachadas, tímpanos
metros, acoge nada menos que de puertas y ventanas, capiteles de columnas y canecillos, todo un apasionante mundo
124 personajes en un estado de teofánico en el que se combinan detallados episodios del Antiguo y Nuevo Testamento
conservación realmente notable. con escenas repletas de misterio, en las que aparecen monstruos fabulosos que persua-
den obsesivamente del peligro del pecado y sus consecuencias. Además en las grandes
iglesias y catedrales de las rutas de peregrinación se puede observar otro motivo recu-
rrente, que es el Juicio Final en que Cristo en Majestad aparece en los cielos rodeado por
el Tetramorfos, dispuesto a hacer justicia entre justos y pecadores. Sin dudas, una de
sus mejores materializaciones es la puerta principal de Conques.
Tímpano de la portada de la catedral de Conques, Francia.
Hay que señalar que la distribución geográfica de este arte es muy amplia, la cual alcan-
za buena parte de Europa, especialmente con una muy alta densidad de construcciones
en el norte de España, Francia, Gran Bretaña, Alemania e Italia, incluso llegando hasta
las regiones más septentrionales y orientales del continente.
Este estilo ha despertado gran interés en las últimas dos décadas, las cuales han permi-
tido que se divulguen las construcciones más importantes. No obstante, un viaje por co-
marcas rurales en estas regiones permitirá al viajero una serie de incontables sorpresas
que depara este arte. Por otra parte hay que señalar que en la evolución de este estilo se
distinguen, normalmente, tres fases.
-Arquitectura: como son los monasterios y los conventos los que la impulsan, se trata
de una arquitectura religiosa, de creación monástica. El edificio más típico es la Iglesia,
construcción que expresa el ideal de austeridad y recogimiento por una parte, mientras
que por otra de disciplina y penitencia. Mirándola desde el punto de vista técnico, la
misma pertenece al grupo de arquitecturas de arco y bóveda, debido a que son estos sus
elementos funcionales básicos. En cuanto a su apariencia, la misma es robusta y pesada,
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mientras que el principio de sustentación es estático, debido a que enfrenta masa contra
peso. Finalmente hay que señalar que presenta un exterior sobrio, de muros desnudos y
lisos, los cuales se encuentran interrumpidos nada más que por los elementos de refuer-
zo, que terminan siendo incorporados a la estructura. Otros elementos constructivos
para mencionar, entre otros, son el contrafuerte, las columnas, los pilares y las cúpulas.
Escultura: este arte se encuentra subordinado a la arquitectura, que es quien determina
los lugares y espacios que deben cubrirse por medio de relieves o estatuas. Además, su
finalidad no es artística sino didáctica: la motivan el hecho de dar a conocer a los fieles
las figuras y verdades sagradas para su instrucción religiosa. También cuentan con una
estilización y desproporción, ya que las figuras no guardan las proporciones naturales.
Otra cosa llamativa es que tampoco guardan la debida perspectiva ni la relación de ta-
maños que deberían tener. En el caso de los relieves, la diferencia de tamaño significa
la importancia del personaje. En cuanto a su composición simétrica, las escenas se com-
ponen guardando una relación simétrica. Por su parte, en los tímpanos la composición
tiene como eje la figura de Cristo.
Pintura: esta disciplina en su estilo románico tiene un desarrollo notable, debido a que
las vastas extensiones de pared lisa eran útiles a la decoración pictórica. Por este moti-
vo, también, la pintura era un arte subordinado a la construcción. En ella se puede notar,
Esta representación, ofrece una

bellísima composición sobre
la Epifanía del Señor, en la que
de una manera muy evidente,
se reproduce en los rostros de
los magos las tres edades del
hombre, juventud, madurez y
ancianidad, y en la que las
tonlddes azules en los fondos,
transmiten el gusto refinado
del que se designa con el nombre
de Maestro de Navasa .
Pintura en mural de la iglesia de Navasa (Huesca) S. XII.
por otro lado, una fuerte influencia oriental a través del arte Bizancio, sobre todo si se
observan la falta de perspectiva, los colores planos, la composición simétrica, la rigidez
de las figuras y la inexpresividad de los rostros, los cuales muestran siempre su mirada
asombrada.
El fresco es la técnica empleada durante este período, con notables ejemplos como las
iglesias románicas catalanas que tenían fulgentes colores y motivos abstractos de signi-
ficado simbólico. También se deben considerar las iglesias italianas, donde las pinturas
de escenas religiosas muestran cierto empeño en copiar la naturaleza con fidelidad.
PRIMER ROMANICO
El mismo nació en el norte de Italia y se extendió por el sur de Francia y norte de Catalu-
ña y Aragón. Evolucionó a lo largo de todo el siglo XI y comienzos del XII.
Como característica se debe mencionar que aquí se emplea la piedra escuadrada, pero
no pulida, con cabeceras de semitambor adornadas con arquillos y bandas, que estaban
rítmicamente dispuestas. Por su parte, los templos se cubren con bóvedas pétreas de
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cañón y horno, mientras que sus naves son más amplias y elevadas que los edificios
prerrománicos precedentes. Por entonces se empleaba el pilar y no la columna, y no hay
una figuración escultórica.
Estas construcciones tenían una belleza y un valor histórico, pero además una combi-
nación con un marco geográfico inigualable, como por ejemplo los valles pirenaicos,
elementos todos que han hecho de este estilo uno de los más visitados.
SEGUNDO ROMANICO
Nacido en Francia y difundido al principio por el Camino de Santiago, se trata de la fase
más noble del estilo, dueña de una gran belleza y equilibrio de formas. Se trata en todo
sentido de un estilo armonioso y pleno de escultura en canecillos, capiteles tímpanos
y otras partes de la arquitectura, la cual es sobria aunque de una gracia y equilibrio no
alcanzados en otros estilos.
Las principales estaciones del Camino de Santiago son las primeras que van a ver levan-
tar las primeras iglesias y monasterios en este estilo puro y consolidado. Datan de este
periodo la catedral de Jaca, la iglesia monástica de San Martín de Frómista, la basílica de
San Isidoro de León y las primeras piedras de la catedral compostelana.
TARDORROMANICO
Se trata de una evolución tardía del estilo, la cual se da a partir de mediados del siglo
XII y comienzos del XIII, y donde en lo arquitectónico se combinan formas románicas
con otras que son decididamente góticas. En toda Europa esta última fase presenta dos
variantes muy diferentes:
-Románico de características preciosistas: aquí el tardorrománico evoluciona hacia for-
mas más recargadas y preciosistas. Hay que señalar que por un lado el dominio de la
arquitectura y escultura permite inventar o desarrollar volúmenes nuevos, motivo por
el cual la escultura se termina despegando del carácter simbólico y se acerca al natura-
lismo.
Esta fase final del románico en Francia condujo a la construcción de templos espectacu-
lares por su estilo barroco. Entre las diferentes construcciones, el ejemplo más estereo-
tipado es la iglesia de Notre Dame.
La Catedral de Notre Dame es el

mayor reflejo de la arquitectura
de la época de la Edad Media,
ligada al esplendor gótico y como
un nuevo enfoque de contacto y
ascenso espiritual. Sus vidrieras
luminosas, esculturas de mons-
truos, laberintos enigmáticos
trazados en el pavimento y otros
elementos, hacen que estas ca-
tedrales góticas constituyan una
enciclopedia de símbolos que
resultan fascinantes de descifrar.
La Catedral de Notre Dame, París. En francés significa “Nuestra Señora” y hace referencia a la Virgen María.
-Románico de influencia cisterciense: se da el caso de los monasterios cistercienses,

los cuales tuvieron un desarrollo espectacular a lo largo y ancho de Europa durante el
siglo XII y parte del XIII. El foco de irradiación fue nuevamente Francia, donde se va in-
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troduciendo en oposición al barroquismo. Por ejemplo los monasterios de los “monjes

blancos” se construyen de acuerdo a una gran sobriedad ornamental.
En este período se debe destacar que las escenas bíblicas y sobre todo el bestiario me-
dieval fueron prácticamente erradicados de la escultura. Por contrapartida, su arquitec-
tura es de gran calidad, con naves grandes y espaciosas, y donde se emplean abundan-
temente las innovaciones vanguardistas de la época, como por ejemplo el arco apuntado
y las bóvedas protogóticas.
Se verá entonces, por influencia de estos monasterios, iglesias no monasteriales en
todas partes que siguiendo los preceptos cistercienses de monasterios cercanos se ter-
minan sumando a esta sobriedad de líneas, con ejemplos como los que se dan en la
provincia de Guadalajara.
ROMANICO MUDEJAR
Se trata de un estilo exclusivamente español, donde se combinan formas estructurales
románicas con decoraciones musulmanas que eran propias de los alarifes mudéjares.
Estos alarifes, por su parte, se iban quedando en los territorios conquistados por los
cristianos a los musulmanes.
El mudéjar es un arte que utiliza

los sistemas arquitectónicos del
románico y del gótico, pero a los
que aporta los elementos
decorativos musulmanes. Sus
materiales son el ladrillo y el yeso,
junto con la madera, para
las armaduras de la techumbre.
Iglesia de Santiago del Arrabal, Toledo.
Si bien se indica que el origen de estas construcciones hay que buscarlo en constructo-
res musulmanes de Toledo, los investigadores indicaron que los primeros edificios se
construyeron en Tierra de Campos, en las provincias de León y Valladolid.
Posteriormente a esta época se extiende al territorio que en la actualidad ocupan las
provincias occidentales de Castilla y León, con la mayor densidad de estas construccio-
nes en la comarca llamada Tierra de Pinares, territorio que se encuentra en cercanías de
Valladolid, Salamanca, Avila y Segovia.
En cuanto a sus volúmenes, los mismos son básicamente iguales que los románicos de
piedra, que se encuentran limitados por las diferencias de material. En este estilo se da
mucho uso al juego de arcos ciegos, alfices, frisos de esquinillas o ladrillos a sardinel
para adornar los muros, aunque hay que señalar que se pierde la figuración escultórica,
tan querida y recreada por el románico pétreo.
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ARTE GOTICO
Cuando se habla de gótico, se hace referencia a un término peyorativo empleado desde
Giorgio Vasari (1511 ‒ 1574) fue el Renacimiento por el historiador italiano Giorgio Vasari, quien caracterizaba de esa
un arquitecto, pintor y escritor forma al arte medieval ubicado desde el fin del Imperio Romano de Occidente y el propio
italiano. Es célebre sobre todo por Renacimiento.
sus biografías de artistas italianos, A partir de esta denominación, el arte gótico se convertiría en el arte de los godos o
colección de métodos, anécdo- de los bárbaros, contraponiéndose al arte sabio clásico. De todos modos, desde el ro-
tas, rumores y leyendas recogidas manticismo del siglo XIX, el arte gótico es considerado una de las manifestaciones más
en su libro Vida de los mejores sublimes de la arquitectura que se han dado en todos los tiempos.
arquitectos, pintores y escultores Se debe saber que el gran arte gótico nació en Francia en la segunda mitad del siglo
italianos, fuente primordial para XII. Si bien se considera habitualmente su comienzo en la reconstrucción del coro de la
el conocimiento de la historia del iglesia abacial de Saint-Denis, prontamente las grandes fábricas góticas avanzaron con
arte italiano. rapidez en Chartres, Bourges, Paris, Reims, entre otras ciudades.
La anunciacion del ángel Gabriel a la virgen, pintura de Simone Martini, temple sobre tabla.
La escultura gótica evolucionó Hay que señalar además que el concepto estético y espiritual que anima al románico, a
desde un estilo alargado y rígido, partir de una racionalización e intelectualización de las formas geométricas, las cuales
aún en parte románico, hacia un son tendientes al equilibrio y armonía, finalmente dejan paso a un nuevo concepto de
sentimiento espacial y naturalista la Jerusalén Celeste.
a finales del siglo XII y principios El nuevo arte gótico se ha destacado por un simbolismo deseoso de verticalidad y de luz,
del siglo XIII. La influencia de las a su vez aprovechando algunos adelantos constructivos. Estos, específicamente, van a
esculturas griegas y romanas que permitir la desmaterialización de las estructuras, el vaciado de la piedra y su sustitución
aún se conservaban se incorpora- por vidrieras, con el objetivo de crear un ambiente novedoso en su totalidad con relación
ron al tratamiento de las telas, las al románico.
expresiones faciales y la pose.
GOTICO CLASICO EN EL AMBITO RURAL
Entre los siglos XIII y XIV se da el desarrollo geográfico del gótico clásico de una manera
muy irregular puesto que, como se ha visto a través del trabajo de los investigadores,
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responde a complejas estructuras iniciadas por maestros extranjeros y desarrolladas en

las grandes ciudades.
En cuanto al ámbito rural, el románico y mudéjar perduraron hasta el siglo XIII, y los tem-
plos construidos bajo estos fundamentos cubrían fácilmente las necesidades de culto
de las pequeñas aldeas. Es por este motivo que, salvo algunas comarcas, especialmente
en la provincia de Burgos en España, el gótico rural apenas prolifera en estos primeros
siglos.
LAS CATEDRALES DEL GOTICO FINAL

En la segunda mitad del siglo XIV, pero sobre todo en las primeras décadas del siglo
XVI, se da una revolución política y económica en Castilla con lo que fue la conquista
de Granada, la unificación política y colonización de América, situación que permite la
construcción de gran cantidad de templos de un estilo gótico muy tardío y decadente, el
cual es un gótico florido y flamenco que cristaliza en el estilo “isabelino”.
En relación a estos templos y a su estilo gótico florido, se puede decir que en ocasiones
fundieron con las primeras manifestaciones renacentistas. Desde el punto de vista ar-
quitectónico se terminan generalizando las bóvedas de crucería compleja que tenían por
otra parte arcos combados y terceletes.
De todos modos, a diferencia de lo que ocurría con el gótico clásico, este sí alcanza
extensamente el mundo rural, más allá de que en numerosas ocasiones lo haría en ver-
siones muy simplificadas.
Por otra parte no se debe dejar de mencionar que se continúan erigiendo catedra-
les en esta etapa llamada gótico final, como por ejemplo ocurría con las naves de la
catedral de Palencia, la catedral Nueva de Salamanca y la de Segovia, en lo que sería
la fase final de este estilo en España.
La Catedral de Palencia es un
edificio gótico, con elementos
decorativos renacentistas, ba-
rrocos y neoclásicos. Es apodada
popularmente como La bella
desconocida , por no ser tan
conocida como otras grandes ca-
tedrales castellanas, aun cuando
se trata de una gran construcción
que atesora en su interior una
importante cantidad de obras
de arte de gran valor. Sus más de
130 metros de largura la
convierten en una de las mayo-
res catedrales de España.
Interior de la Catedral de Palencia. España. El 1 de junio de 1321 se colocó la primera piedra.
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EL ARTE
DE LA EDAD MODERNA
EL RENACIMIENTO
Este movimiento comenzó orientado por artistas e intelectuales en Italia, quienes bajo
el signo del Humanismo construyeron un renacer de las artes en el que los asuntos re-
presentados se liberaron de los vínculos del concepto de vida cristiano desde un punto
de vista ético y estético. Para quienes estaban en este movimiento el arte ya no era un
servicio anónimo, que se ofrecía a Dios y a la iglesia, sino que se trataba de un himno
personal que se hacía en alabanza a la belleza. De este modo se logra perfeccionar el
dibujo y se utiliza también como base de la pintura. Florencia fue la cuna del Renaci-
miento: desde sus inicios la pintura no pudo desprenderse de la influencia gótica, pero
progresivamente fue evolucionando hacia un nuevo concepto de belleza.
El fresco se encuentra pintado

sobre la pared de la Capilla Bran-
cacci, en la iglesia de Santa María
del Carmine en Florencia, Italia.
Representa una famosa escena
en la Biblia, la expulsión del Paraí-
so que se narra en Génesis.
Expulsión de Adán y Eva del Paraíso terrenal, fresco del artista Masaccio.
En cuanto al dibujo, allí los cuerpos terminan adoptando formas naturales, volviéndose
plásticos. En estas obras se tiene como objetivo destacar la expresión facial, que en
determinados momentos revela los grandes conflictos del alma. Como ejemplo de esto
veamos la expresión de desesperación que Masaccio le dio a Eva en su renombrado
cuadro Expulsión de Adán y Eva del paraíso. Ya para el siglo XV adquirirá preponderan-
cia el retrato, debido a que las personas pudientes gustan de retratarse de busto o en
medallón. Fue por este motivo que muchas personas quedaron labradas en madera. Una
cuestión que no se daba muy a menudo era la presencia de desnudos, entre la profusión
de vírgenes y santos. La sensualidad apenas se vislumbra en algunas representaciones
del arte eclesiástico, como por ejemplo aquellas que hacen referencia a mártires y pe-
cadores.
En un comienzo la mayoría de las imágenes que hacían referencia a la carne pecadora
estaban ubicadas en la periferia de grandes escenas decorativas, en las cuales el artista
tenía más libertad de expresión. Sin embargo para el siglo XIV, estos temas se interpre-
taban por medio del desnudo femenino. El Renacimiento tenía entre sus representantes
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más significativos a Sandro Botticeli, Miguel Angel Buonarotti, Durero, Tintoretto, El

Greco, Leonardo da Vinci y Rafael Sanzio. Entre estos, por ejemplo De Vinci destacó más
como dibujante, puesto que a través de este arte realizó sus famosos estudios anató-
micos. Se trataba de dibujos plenos de rasgos finos aunque firmes, sobresaliendo las
expresiones humanas, pero además en los que se puede apreciar que están envueltos
en una sutil aureola de luz difusa.
El nombre de Renacimiento hace alusión al renacer o volver a nacer de la cultura greco-
latina, que este movimiento quiso suponer. La cultura greco-romana había sido despla-
zada en la Edad Media, época en la que lo novedoso era el arte gótico y bizantino. Sin
embargo en Roma estas nuevas concepciones artísticas, que estaban enmarcadas en el
acto religioso, no tenían mayor auge. Esta situación se daba, preferentemente, porque
los recelos de los sabios humanistas orientales que emigraron a esta ciudad luego de la
caída de Constantinopla. Tras ser rechazado el estilo gótico y bizantino, y consideradas
las antiguas formas greco-romanas, apareció el arte del renacimiento, que se terminaría
expandiendo por toda Europa, especialmente en Francia, Inglaterra, Alemania y la Pe-
nínsula Ibérica.
PRINCIPALES CAUSAS
-Conservación en universidades y conventos medievales de manuscritos muy valiosos,
pertenecientes a autores griegos y romanos.
-Se usaba el latín como lengua culta, lo cual hacía posible la lectura de las obras clásicas.
-La existencia en tierra Italiana de ruinas romanas, las cuales debían despertar en los
curiosos la necesidad de conocer la civilización que había levantado tales monumentos.
-La invención de la imprenta, elemento que fue fundamental en la difusión de los escri-
tos de los poetas, filósofos y sabios de la antigüedad y también de los modernos.
-Los descubrimientos geográficos, sumados al avance de las ciencias naturales y el pro-
greso de las técnicas, los cuales inspirarían una confianza ilimitada en el poder de la
inteligencia humana, a la vez que estimularían la acción.
El David es una escultura de

mármol blanco de 4,1 m.[1] de
altura realizada por Miguel Ángel
Buonarroti entre 1501 y 1504 por
encargo de la Opera del Duomo
de la Catedral de Santa María del
Fiore de Florencia. La escultura
representa al Rey David
bíblico en el momento
previo a enfrentarse con
Goliat, y fue acogida
como un símbolo de la
República de Florencia.
El David, una de las obras maestras del Renacimiento según la mayoría de los historiadores.
CARACTERISTICAS GENERALES
-Búsqueda de una belleza ideal, debe estar ajustada a cánones dictados por la razón.
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-Creación de obras que tienen una claridad y perfección, atributos exigidos por la razón
universal y que le dan validez permanente.
-Se imita a la arquitectura y la escultura de Grecia y Roma.
-Se busca la serenidad y el equilibrio que proceden de la armonía del todo.
ETAPAS DEL RENACIMIENTO

-Pre-renacimiento o Trecento: se da durante los siglos XIII y XIV y coincide con el período
gótico europeo.
-Quatrocento: el mismo llega hasta finales del siglo XV y su centro cultural es la ciudad.
-Cinquecento: abarca todo el siglo XVI y su cabeza es Roma.
ARQUITECTURA
Esta disciplina empleó los órdenes clásicos, como el jónico, corintio y dórico, combinán-
dolos en un mismo tipo de construcción. No obstante, no lo hizo tal y como aparecen en
la arquitectura grecorromana, sino al amparo de la inventiva y originalidad del arquitec-
to renacentista. De esta forma fue que se dio el estilo “colosal”, que era propio de esta
actividad.
A partir de este nuevo acontecer arquitectónico se le terminará dando mucha importan-
cia a la arquitectura civil, por medio de la cual se construirán los Palacios Municipales
que tienen como característica presentar un aspecto de fortaleza. Por ejemplo el Palacio
La catedral está decorada con

obras de artistas como Ucello,
Dona-tello, Nanni di Bianco y
Ghirlandaio. Tiene 155 metros de
longitud máxima y 107 de altura,
y es, junto con las de San Pedro
de Roma, San Pablo en Londres
y la catedral de Sevilla, una de las
mayores del mundo. Constituye
un ejemplo de la transición entre
el mundo gótico y el nuevo espí-
ritu renacentista.
La catedral de Florencia, la cúpula fue diseñada por el arquitecto y escultor Brunelleschi.
de Habitación, que es de inventiva renacentista y tiene en su exterior una forma de

cubo con tres pisos, que además termina con una cornisa. También estaban las villas,
espacios que fueron construidos en las afueras de Roma, y cuyas edificaciones tenían
enormes pabellones con terrazas, escalinatas y patios internos, además de jardines y
parques.
Otro aspecto para destacar es la arquitectura religiosa renacentista, la cual utiliza en sus
inicios la planta de la basílica cristiana. De todos modos, el centro incorpora una mayor
relevancia por el uso de la cúpula, que desplaza a la ojiva gótica y presenta las famosas
aberturas circulares conocidas como ojos de buey. Sobre los elementos constructivos,
hay que manifestar que los muros son de ladrillo o sillería, tienen una apariencia robusta
y que las bóvedas usadas fueron las de “cañón seguido”, “rincón de claustro”, “de arista”
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y la “cúpula”. Por otra parte se utilizan arcos de medio punto y las ventanas, por su parte,
suelen tener formas varias: rectangulares, gemeladas, con alfeizar saliente o en forma
de tabernáculo.
Por su parte, en lo que tiene que ver con la decoración de las obras arquitectónicas, se
observa que se emplearon varios elementos, entre los que podemos mencionar:
-La escultura: en sus inicios esta cubre toda la superficie de los monumentos, a manera
de manto sutil. Posteriormente se realizan esculturas en bulto, las cuales adornan el
conjunto arquitectónico. Y por último hay una gran profusión de éstas, mientras envuel-
ven completamente el conjunto lineal arquitectónico.
-La policromía natural: esta técnica consiste en la utilización de diversos materiales natu-
rales que, al ser combinados, reflejaban una diversidad de tonos. Por ejemplo se puede
mencionar la combinación del mármol blanco de las paredes con la piedra de los muros.
-El esgrafiado: el mismo se da al realizar sobre las paredes finos relieves pintados con
dos colores.
-Frescos y mosaicos: estos elementos llenan las cúpulas y paredes interiores de la cons-
trucción, empleándose una diversidad de tonos. Especialmente estos hacían de cada
construcción algo muy llamativo.
-Frontones: de inventiva romana, los mismos estaban colocados casi siempre sobre
puertas y ventanas. Habitualmente son rectilíneos, aunque en ocasiones pueden ser
triangulares o curvilíneos.
-Pilastras: se trata de columnas colocadas de manera contigua a una pared. Tienen sus
orígenes en la arquitectura romana.
Busto de Filippo Brunelleschi.
ARQUITECTOS RENACENTISTAS
Es conocido, sobre todo, por su
trabajo en la cúpula de la catedral
En Italia podemos mencionar a:
de Florencia Il Duomo. Sus pro-
»Filippo Brunelleschi
fundos conocimientos matemá-
ticos y su entusiasmo por esta
»Donato Bramante da Urbino-
ciencia le facilitaron el camino
en la arquitectura, además de
»Rafael Sanzio
llevarle al descubrimiento de la
perspectiva cónica. Fue contem-
»Miguel Angel Buonarroti
poráneo de Leon Battista Alberti,
Ghiberti, Donatello y Masaccio.
En España podemos mencionar a:
»Diego de Siloé
»Juan Herrera
En Francia podemos mencionar a:

»Salomón de Brosse
ESCULTURA
Se puede ubicar como el origen de la escultura renacentista al siglo XIII, en Toscana, con
la presencia el escultor Incola Pisano. Este artista se encarga de esculpir del púlpito del
baptisterio de la catedral y además se trata de un escultor que se atreve a expresar la
ruptura con la severidad bizantina y con las ideas artísticas del arte gótico. Sin embargo,
su obra quedará aislada.
En los siglos XIV y XV comienza la época de mayor furor de la escultura renacentista,
momento en el que se advierte:
-Energía puesta en la naturaleza y el desnudo idealizado o natural.

-Una expresión de los sentidos y pasiones humanas.
-La reinterpretación moderna de los cánones clásicos.
-Temáticas diversas, donde se aborda la mitología, religión, historia, leyendas, entre
otras cuestiones.
En cuanto a la escultura renacentista se trata del primer medio expresivo que reacciona
contra el estilo gótico y además presenta diversa variaciones de acuerdo con el siglo en
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que se desarrolla. Por ejemplo durante el siglo XIII se denominó Epoca Arcaica, mientras
que los siglos XIV y XV Epoca Clásica, y finalmente el siglo XVI Epoca Barroca.
EL MANIERISMO
A partir del saco de Roma de 1527, el renacimiento supera su fase más clásica con el
objetivo de experimentar con más libertad formal, pero además con la intención de des-
pegarse de equilibrios y proporciones. Esto lo hace exagerando los rasgos, mechando
rupturas e inversiones del orden lógico y de los órdenes gigantes, pero también formas
dinámicas como la serpentinata. De esta forma se dio paso al humor o a guiños intelec-
tuales e iconográficos sofisticados.
Pintura de la Ultima Cena, Obra de Francesco Bassano el joven, Manierismo.
Luis de Morales (1509 - 1586), Durante este tiempo los longevos Miguel Angel y Tiziano continuaron su obra, al mismo
es un pintor español de estilo tiempo que las nuevas generaciones de artistas imitaron su maniera, la cual estaba casi
manierista. Debido a la fama que divinizada por los primeros historiadores del arte como Vasari; pero también desarrolla-
disfrutó en vida y a la predilec- ron su propia creatividad.
ción por temas religiosos en sus En el resto de Europa se difunde un estilo italianizante, el cual adquiere en cada zona
obras, fue llamado «El divino una serie de características peculiares. Por ejemplo en Francia se da la escuela de Fontai-
Morales». Desarrolló su actividad nebleau, con pintores como François Clouet, escultores como Jean Goujon, Ligier Richier
en un relativo aislamiento en o Germain Pilon y el embellecimiento de los elegantes châteaux de la Loire. Por su parte
Extremadura, si bien sus obras se en España aparecen los escultores Alonso de Berruguete, Diego de Siloé, Juan de Juni o
distribuyeron por la península. Gaspar Becerra; los pintores Luis de Morales, Juan de Juanes, Navarrete el Mudo o Alonso
Sánchez Coello; y los arquitectos Pedro Machuca, Rodrigo Gil de Hontañón, Alonso de
Covarrubias o los Vandelvira.
También hay que señalar que en el Flandes, que estaba dividido por la revolución que
trajo la reforma protestante, aparecían artistas como Quentin Metsys, Antonio Moro o
Karel van Mander; mientras que en Alemania hay que mencionar a Lucas Cranach el Jo-
ven o Hans Holbein el Joven; y finalmente en Inglaterra a Iñigo Jones.
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EL BARROCO
En sus más amplias manifestaciones artísticas se trata de un fenómeno complejo de
índole social, político y religioso. En este sentido hay que señalar que el barroco es la
continuación al manierismo italiano que se mantiene durante la primera mitad del siglo
XVI. Si bien el manierismo empieza a utilizar los cánones clásicos con artificiosidad, por
su parte el barroco que le sucede deja a un lado la serenidad clásica para expresar un
mundo que está en movimiento y agitación de los sentidos. Por lo tanto, hay que desta-
car que la tendencia del barroco es a la exageración y a la ostentación.
En contraposición con lo ocurri-

do en Italia y especialmente en
Francia la escultura española es
preferentemente religiosa .Apa-
rece en Retablos, en imágenes
y sobre todo en los pasos de la
Semana Santa.
Rostro de Cristo muerto, de Gregorio Fernández, escultura barroca española.
ORIGEN
Se suele señalar que el arte barroco es el arte de la contrarreforma, y que el mismo se
desarrolló con el objetivo de reaccionar contra la severidad e iconoclastia del protestan-
tismo. Fue por este motivo que la Iglesia Católica alentó la edificación de templos con
profusión de escultura.
Por otra parte, durante esta etapa también se solicitó a los artistas alejarse de los temas
paganos que tanta aceptación habían tenido durante el Renacimiento, como así también
evitar desnudos y escenas escandalosas.
En relación a la influencia de la Iglesia sobre los artistas, tanto en las artes visuales como
en la música, iba dirigida a emocionar y enardecer la devoción mediante estímulos psi-
cológicos. Si bien se trataba de normas conservadoras y austeras, las mismas derivaron
en este arte suntuoso y recargado llamado barroco.
CAUSAS SOCIALES Y PSICOLOGICAS

Durante el siglo XVII se dieron guerras y hubo gran violencia, como en pocas fases de
la historia europea. Por entonces la vida se veía frecuentemente atormentada en dolor y
muerte, y por este motivo era más necesaria que nunca la exaltación de la vida agitada
e intensa para el hombre barroco.
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A través de este contexto se terminaba experimentando el empuje de amar las pasiones

de la vida, como así también el movimiento y el color el cual era tratado como si fuera
una representación teatral. En efecto, se ha indicado que en las artes plásticas, el barro-
co pretende reproducir la agitación y lo vistoso de la representación teatral.
De la misma forma que una representación dramática se sostiene en un decorado visto-
so y efímero, la arquitectura barroca subordina todo a la decoración, la cual ha de tener
un dejo de espectacularidad.
Otra de las características de este arte se manifiesta en la arquitectura, escultura y la
pintura, que es el juego de las sombras. Bajo estos conceptos estéticos resultan muy
importantes los contrastes claroscuristas violentos, condición que podemos apreciar
fácilmente en la pintura, pero además en la arquitectura. Es en esta actividad donde
el arquitecto barroco juega abruptamente con los volúmenes, a su vez con numerosos
salientes que terminan provocando juegos de luces y sombras.
EL ROCOCO
Este estilo nace en Francia a principios del siglo XVIII y luego se desarrolla durante los
reinados de Luis XV y Luis XVI. Para los historiadores ha sido considerado como la culmi-
nación del barroco, aunque se trata de un estilo independiente que nace como reacción
al barroco clásico que había impuesto la corte de Luis XIV. A diferencia del barroco, el
rococó se caracteriza por la opulencia, la elegancia y además por la utilización de colo-
res vivos, los cuales terminan contrastando con el pesimismo y la oscuridad del barroco.
El Barroco es uno de los capítu-

los más importantes y amplios
dentro de la Historia del Arte. El
Barroco no sólo hay que enten-
derlo como un estilo artístico,
sino también como una forma
de vida. El arte barroco comien-
za entre el siglo XVII y XVIII en
Italia, se distinguen tres periodos:
primitivo, de 1580 a 1630,
pleno, de 1630 a 1680, y rococó,
de 1680 a 1750.
Embarque para Citerea, de Antoine Watteau (1684-1721).
Se trataba básicamente de un estilo aristocrático, el cual revela el gusto por lo elegante,
lo refinado, lo íntimo y lo delicado. Además se da una gran armonía con la vida despreo-
cupada y agradable que la sociedad desea, mientras se logra desentender de cuestiones
religiosas. Es también considerado como un arte mundano, que no tiene conexión con
la religión y que aborda temas de la vida diaria. Por otra parte, no logra simbolizar nada
social ni espiritual, y sólo se destaca por una gran superficialidad.
Por todas estas características mencionadas, se dice que el rococó es un arte frívolo,
exclusivo de la aristocracia. Su difusión se dio rápidamente por otros países europeos,
especialmente en Alemania y Austria, y posteriormente se continuará desarrollando has-
ta la llegada del neoclasicismo.
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DEFINICION
En cuanto al término, el mismo proviene de la palabra francesa “rocaille” (piedra) y “co-
quille” (concha), ambos elementos de una gran importancia para lo que era la ornamen-
tación de interiores.Resulta fundamental para este estilo la decoración, la cual procede
de una manera completamente libre y asimétrica. Además se evidencia su predilección
por las formas onduladas e irregulares, a la vez que predominan elementos naturales
como las conchas, las piedras marinas y las formas vegetales.
CARACTERISTICAS
En cuanto a la arquitectura, los edificios mantienen un trazado externo simple, más
allá de que en el interior la decoración propenda al desborde. Por otra parte, este estilo
impone la acumulación de elementos decorativos basados en líneas ondulantes y en la
asimetría. En cuanto a sus diferentes formas, será muy remarcado el gusto chino, el cual
ingresó a Europa con las piezas de porcelana, telas o lacas, y que finalmente servirá para
decorar los salones occidentales con sus temas más representativos.
Finalmente en lo que es pintura, los temas más abundantes son las fiestas galantes y
campestres, además de las historias pastoriles, las aventuras amorosas y cortesanas. De
composiciones son sensuales, alegres y frescas, predominan en el rococó los colores
pasteles, suaves y claros. En cuanto a la inspiración, la mujer se ubica en el centro, ya
que es la figura bella y sensual.
EL NEOCLASICO
A partir de la nueva atracción que sugiere el mundo clásico, es que se motiva la aparición
del neoclásico, pero además del interés por la arqueología, las excavaciones de Hercula-
no y Pompeya y también el rechazo hacia las formas del barroco.
En cuanto a su inspiración, la misma se da en los monumentos de la antigüedad greco-
rromana. Su concepto de belleza está basado en la pureza de las líneas arquitectónicas,
en la simetría y en las proporciones, las cuales se encuentran sujetas a las leyes de la
medida y las matemáticas.
Otra característica del neoclásico es que aparece como una reacción contra los efectos
decorativos del barroco y el rococó. Durante este movimiento se da un gusto por la sen-
cillez, con un predominio particular de lo arquitectónico sobre lo decorativo.
El neoclásico, por otra parte, utiliza elementos básicos de la arquitectura clásica, como
lo son las columnas, de órdenes dórico y jónico, frontones, bóvedas, cúpulas, entre
otras construcciones.
La puerta de Brandeburgo, obra

del arquitecto Carl Gotthard
Langhans, es una construcción en
piedra arenisca de 26 m de alto,
65,5 m de ancho y 11 m de largo
según el estilo del Neoclasi-
cismo temprano. Recuerda a los
propileos de la Acrópolis de Ate-
nas. Posee cinco zonas de paso,
de las cuales la central es la más
ancha, con dos puertas menores
a los lados.
La Puerta de Brandeburgo, uno de los principales símbolos tanto de la ciudad como de Alemania.

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