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Apuntes-Introduccion Al Arte PDF
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c. Primeras conclusiones
La función del arte.
El lenguaje artístico.
El contexto de la obra de arte.
El valor de la obra de arte.
d. El concepto de Arte
El término arte procede del término latino Ars. En la Antigüedad se consideró el arte
como la pericia y habilidad en la producción de algo. Es sólo a partir de finales del siglo XV,
durante el Renacimiento Italiano, cuando, por primera vez, se hace la distinción entre el
artesano y el artista (artesanía y bellas artes) y, por ello mismo, entre el artesano, productor
de obras múltiples, y el artista, productor de obras únicas. Es también en este periodo cuando
se crea un lenguaje articulado para referirse al exterior y no a la representación formal.
Quedando clasificadas las artes liberales (las actuales bellas artes) en tres oficios: escultores,
pintores y arquitectos.
Es a finales del siglo XVIII y, sobre todo, a mediados del XIX (primera
industrialización) cuando se da una verdadera oposición entre el producto artístico (trabajo
global con carácter exclusivo) y el industrial (trabajo parcelado y producido en serie). En este
periodo se dio un notable incremento de las colecciones privadas, se crearon las primeras
academias de arte (sin acceso para las mujeres hasta principios del s. XX) y los primeros
museos. Surgió la idea de patrimonio con la aparición de los primeros museos (nacidos, en
muchos casos, de las colecciones reales) y los ‘especialistas’ como críticos, galeristas y
coleccionistas.
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colegios... Aunque siempre hubo quienes, dotados de una excepcional maestría, gozaron de un
reconocimiento y hasta de un estatus privilegiado. Fue el caso de los escultores griegos Fidias
y Praxíteles, de Leonardo da Vinci y Miguel Ángel o, más tardíamente, de Goya o Picasso, por
citar solo unos pocos ejemplos.
Con todo, no cabe duda de que los artistas se fueron desligando lenta pero
progresivamente del yugo que los consideraba artesanos que ejercitaban un trabajo mecánico
y sin aspiraciones intelectuales. Sin embargo, no fue hasta bien entrado el siglo XVIII cuando,
en líneas generales, fueron considerados como tales.
Desde finales de la Edad Media, numerosos tratados vinieron a corroborar que la
actividad artística debía ser considerada merecedora de reconocimiento y admiración. Esta
situación fue aceptada y asumida con posterioridad, e incluso ha ido derivando hacia
concepciones variopintas, al asociarse al artista con la vida bohemia y desordenada,
académica, rupturista o vanguardista, según los casos.
El mecenazgo artístico es un apartado de la creación plástica que ha sido reivindicado
por los historiadores del arte desde hace tiempo. No cabe duda de que sin la protección
dispensada por determinadas instituciones (caso de la Santa Sede o de las monarquías de los
Austrias en España y de los Borbones en Francia) y personalidades de elevada cultura y
sensibilidad (como el emperador Adriano, Lorenzo el Magnífico o el emperador Rodolfo II)
difícilmente podríamos disfrutar en la actualidad de las obras de Bramante, Ticiano, Rubens,
Velázquez, Poussin, Arcimboldo, Rodin, Moore, Miró y un incontable número de excepcionales
artífices; ni desde luego de los museos ni colecciones que se han convertido en receptores
privilegiados de sus obras maestras.
Y es que coleccionar arte ha sido desde siempre símbolo de prestigio, de poder y, como
no podía ser de otra manera, de riqueza.
Por supuesto que por sí solo el mecenazgo no significa nada si no tenemos en cuenta el
papel (más modesto pero imprescindible) que ha tenido y tiene la clientela privada. En esta
se encontraban y se encuentran ricos mercaderes, parroquias y cofradías, gremios, compañías
militares, marchantes, entidades financieras, industriales, galeristas… Al fin y al cabo, la
clientela privada es la que (sin grandes alardes pero de una forma continua) ha mantenido
vivo a lo largo de la historia del espíritu creativo de tantos y tantos artistas.
En nuestro tiempo, multitud de galerías, ferias de arte y exposiciones se encargan de
poner a la vista del público las obras pasadas y presentes de reconocidos o desconocidos
artistas que muestran sus creaciones, y al mismo tiempo pueden ser fácilmente adquiridas de
acuerdo con los gustos y la estética.
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desde el siglo xix en adelante, Judith Leyster, Mary Cassat, Cecilia Beaux, Berthe Morisot,
Camille Claudel, Alice Bailly, Doris Lee, Elisabeth Vigeé Le Brun, Frida Kahlo, María Montoya,
Joan Zinder y Aurora Valero, entre muchas otras.
Si a ello añadimos que en España era práctica habitual en los siglos XVI y XVII que al
desaparecer el cabeza de taller ocupara su puesto su viuda –incluso ejerciendo labores
artísticas–, podemos comprender el papel destacado que la mujer históricamente ha
desempeñado y, al mismo tiempo, cuestionar sin tapujos que su intervención haya sido
injustamente silenciada por la crítica.
Quizás iniciativas como la creación en 1981 del Museo Nacional de Mujeres Artistas en
Washington ayuden a divulgar la dimensión artística femenina ante las nuevas generaciones
de curiosos e interesar a los futuros investigadores, y con ello rechazar el mito de su papel
secundario o inexistente en contraposición con el masculino.
En 1989 un grupo de activistas feministas neoyorquinas portaban un cartel en el que
se proclamaba: “¿Tienen que estar desnudas las mujeres para entrar al Metropolitan
Museum? Menos del 5 % de los artistas de la Sección de Arte Moderno son mujeres, pero el
85% de los desnudos son femeninos”. Sobran las palabras.
a) Materiales
Si hablamos de edificación, de inmediato nos vienen a la cabeza los materiales con los
que se levantaron las construcciones. Al principio se utilizaron fundamentalmente
la madera y el adobe, después les siguieron el ladrillo, la piedra, el yeso, la cal, la arena...
Dependiendo de la zona geográfica, unas culturas se inclinaron por unos materiales o por
otros.
Por lo general, las civilizaciones desarrolladas a lo largo de los ríos Tigris y Éufrates (en
el Oriente Próximo) desde el 3000 a.C. emplearon masivamente el ladrillo, lo que les permitió
desarrollar la bóveda. Además, para proteger los paramentos de las inclemencias climáticas
cubrieron el ladrillo con una capa vidriada que a su vez los decoraba.
Por el contrario, en la misma época en Egipto se explotaron las ricas canteras de piedra
caliza, granito o diorita con las que se levantaron grandiosas pirámides y sobrecogedores
templos.
Las culturas posteriores (desde la griega a la neoclásica) utilizaron esta variedad de
materiales de forma diferente; lo que les permitió aportar nuevas soluciones constructivas,
ornamentales y espaciales.
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10.2. Escultura
Dentro de la escultura hay que diferenciar entre dos fórmulas: Exenta o de bulto
redondo y el relieve.
Materiales: La utilización de distintos materiales para la realización de una
escultura resultan determinantes, ya que cada uno proporciona una calidad
táctil diferente, transmitiendo sensaciones distintas. La calidad depende del
material y el tratamiento (superficies finas, pulidas, aristadas, rugosas…). Los
empleados habitualmente son: madera, bronce, mármol, hierro, terracota,
marfil, hueso, etc.
Volumen: La escultura es tridimensional y por ello comporta un volumen.
Cuando no dispone más que de un punto de vista se dice que es una imagen
regida por la ley de la frontalidad, mientras que aquella que ha sido concebida
para ser contemplada desde cualquier punto se dice que es una escultura con
volumetría.
Movimiento: Algo característico de la escultura es la disposición, es decir la
sensación de movimiento o reposo que es capaz de trasmitir. Ese movimiento se
transmite mediante recursos como los paños al viento, líneas de
fuga, contrapostos, etc.
La composición es cuando la escultura recoge soluciones para dar la sensación
de movimiento o escenificar una historia.
Proporción: El módulo de proporción ha variado a lo largo de la historia, pero
se habla de proporción, cuando una escultura se aproxima a los volúmenes
reales.
Masa: Se refiere a la sensación de peso que provoca la visión de una escultura.
Es una apreciación intelectual por la que nos parece que una figura puede ser
pesada, rotunda, compacta o por el contrario, liviana, ingrávida... o un caso
extremo el de la combinación de materia escultórica y no-escultórica.
Luz: Sirve para modelar, crear volumen y movimiento, es por tanto un factor
compositivo.
El Color: Contribuye a subrayar en ocasiones su realismo, potenciando su
expresividad y resaltar su valor estético.
El Relieve: A veces la escultura está adherida a un plano, resultando una figura
en altorrelieve, bajorrelieve y si se hunde en el plano, huecorrelieve.
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10.3. La pintura
La pintura se ha definido como el arte aristocrático, pues sólo la aprecian certeramente
los pocos que han adquirido una suficiente educación de su sensibilidad y se ha introducido
apropiadamente en su lenguaje.
La materia pictórica: Nos referimos al soporte (muro, lienzo, madera, papel…), así
como a los elementos que sirven de aglutinantes a la coloración (aceites, clara de huevo,
agua...).
La pintura contemporánea ha añadido además a la materia pictórica elementos que
hasta ahora eran extraños al lenguaje de la pintura, tales como arena, trapos, metal… lo que le
otorga una textura (lisa, pastosa, mate, brillante, rugosa..) que a veces llega a ser tan densa
que se habla de pintura matérica.
La línea: Permite la identificación y el reconocimiento de las formas. Tiene un valor
esencial en la transmisión de un mensaje pictórico. Según su trazo varía la expresión plástica:
Contínuo y cerrado = descriptivo.
Grueso y vehemente = expresivo.
Abierto = imaginativo y poético.
Curvilíneo = sensualidad.
Si en una obra predominan trazos verticales suele tener una significación mística; si
son triangulares, equilibrio; si son circular, perfección, etc.
El volumen: Es una ficción en la pintura, ya que ésta es siempre bidimensional, si bien
lo que el autor quiere transmitir es, una sensación de tridimensionalidad, y ello lo logra
mediante la luz, el color, la línea, etc.
La perspectiva: Mediante la misma se simula profundidad (la tercera dimensión), en
todo el conjunto del cuadro y no sólo en un objeto transformando la obra en una ventana
abierta al espacio imaginario.
La perspectiva se ha asimilado en la Edad Media mediante la disminución de tamaño de
los objetos, en el Renacimiento mediante haces de líneas que configuran una pirámide, cuyo
vértice es el punto de fuga de las mismas. La perspectiva aérea es la gran aportación de
Leonardo da Vinci y consiste en modificar los contornos de los perfiles y objetos en la
distancia, difuminar las figuras del fondo, etc.
El color: Es la esencia de la pintura. Existen colores primarios (que no son frutos de
ninguna mezcla: amarillo, rojo, azul), los secundarios, surgen de los primarios (anaranjado:
amarillo + rojo, etc.).
Los colores se dividen a su vez en cálidos y fríos; los primeros son colores calientes
(amarillo anaranjado y rojo). Los fríos por el contrario absorben la luz (violeta, azul, verde).
El color tiene por sí mismo valor, participa en la composición de la obra en función de
sus armonías, modela objetos, crea perspectiva, influye en el tratamiento de la luz, puede
tener añadido un valor simbólico.
La luz: Es representada ilusoriamente y sirve para acentuar profundidad, crear
movimiento, dar expresividad y dinamismo.
La composición: Determina la ordenación de todos los elementos del lenguaje
pictórico en el conjunto del cuadro, utiliza formas geométricas, para transmitir una sensación
de armonía, equilibrio, movimiento, orden, caos, etc.
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11.2. Pintura
Colorante, aglutinante y diluyente, son los tres elementos fundamentales de la materia
pictórica:
Colorante: Lo que llamamos pigmento es la base de la pintura tiene su origen
en colorantes minerales o químicos. Los más habituales para el azul o verde
(cobre), rojos (hematites de hierro), etc.
Aglutinante: Es el elemento que debe añadirse al colorante para que se pueda
aplicar, además cohesiona al colorante y lo protege. Entre otros se han utilizado
yema de huevo, goma arábiga, cola de animal, cal, aceites de linaza o ceras (para
encáustica).
Una vez ejecutada la pintura se procede a recubrirla con un elemento protector, para
protegerla o resaltarla, para ello se han aplicado desde clara de huevo a resinas o ceras.
Los procedimientos pictóricos son:
Fresco: Técnica propia de la pintura mural (lleva un revoque y un enlucido de
cal en la que penetra el color).
Óleo: Utiliza aceite para disolver los colores, dando brillo al lienzo o a la madera
sobre la que se aplica (permite retocar y corregir).
Tempera o temple: Es toda aquella pintura que utiliza un diluyente acuoso. Se
puede aplicar sobre madera, lienzo o pared. Al contrario que el fresco se seca
más lentamente y corre el riesgo de descascarillarse.
Acuarela: Utiliza mucha agua como diluyente, y muy poca cantidad de
aglutinante (goma, baba de caracol, glicerina...).
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1. Identificación de la obra:
o Se trata de establecer qué tenemos delante de nuestros ojos. En arquitectura puede
ser una fotografía (exterior-interior; vista general o parcial, fachada, cabecera, etc.);
la planta del edificio (cruz griega, cruz latina…en el caso de las iglesias, cuadrada,
etc.); una perspectiva axiométrica o isométrica; un alzado, una sección
(longitudinal o transversal) e incluso una reconstrucción ideal del edificio.
2. Materiales con que ha sido realizada la obra:
o Tipo: piedra (mármol, granito, caliza, etc.), madera, barro (ladrillo, adobe), tapial,
hormigón, hierro, cristal…
o Causas de su utilización: influencia del medio geográfico, criterios estéticos,
prácticos, técnicos…
o Cualidades estéticas: pesadez, ligereza, belleza,….
3. Sistema arquitectónico:
o Adintelado
o Abovedado
4. Elementos constructivos: soportes y cubiertas.
o Soportes:
Muros (conviene indicar el tipo de aparejo, paramento y relación macizo-
vano).
Soportes exentos: pilares, columnas, pies derechos…
Adosados: pilastras, estribos, ménsulas…
Siempre hay que identificar y describir el orden al que pertenecen, y señalar
si la función es estructural o decorativa.
o Arcos:
Tipo: medio punto, apuntado, herradura…
Función: cubrir un vano, refuerzo, separar naves (formeros), decorativa
(arcos ciegos)…
o Cubiertas:
Adinteladas y armaduras de madera.
Abovedadas: de cañón, apuntadas, de arista…
Cúpulas de media naranja, gallonadas…
En todos los casos hay que mencionar cada uno de los elementos de la
cubierta.
5. Elementos decorativos.
o Escasos o abundantes (elemento que permite, en ocasiones, ubicar correctamente
una obra dentro de una época y estilo determinado…).
o Su naturaleza: arquitectónicos, escultóricos o pictóricos…
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1. Descripción:
o Tipo de escultura:
Bulto redondo, figura o grupo escultórico. Cuerpo entero, busto, torso.
Relieve: altorrelieve, bajorrelieve.
o Actitud: de pie, sedente, orante, yacente, ecuestre…
o Asunto: descripción de la escena.
o Material: piedra, madera, barro, bronce, oro…
o Técnica: tallado, modelado, fundido…
o Localización:
Dependiente de la arquitectura: friso, frontón, capitel…. Cuestión de la
adaptación al marco.
Independiente de la arquitectura: plazas, jardines, etc.
2. Elementos formales:
o Textura de las superficies: lisas, finas y pulidas; o ásperas, rugosas y con aristas.
o Sensación de blandura o de dureza (morbidez y tersura).
o Sentido del volumen.
o En relación con el exterior: frontalidad, multiplicidad de los puntos de vista.
o Relieves: hay que estudiar también la profundidad (tipo de perspectiva).
o Composición y movimiento:
Reposado, sereno o hiératico.
Dinámico: movimiento ficticio, mostrado por movimiento externo o tensión
interna y conseguido por ritmos formales, contrapposto…
o Incidencia de la luz sobre la escultura.
Homogénea y suave.
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Contrastada.
o Color, existencia o no de policromía.
Naturaleza del color: naturalista o real, simbólico…
o Técnicas: estofado…
3. Elementos no formales:
o Formas de expresión:
Abstracto o figurativo.
Naturalismo: idealismo (búsqueda de la belleza arquetípica) o realismo
(fidelidad al modelo).
Antinaturalismo, simbolismo, estilización, hieratismo, convencionalismos
jerárquicos…
o Elementos de expresión:
Anatomía: correcta o incorrecta, proporciones, escala, musculatura…
Ropajes y pliegues.
Función: encubrir o manifestar el cuerpo, movimiento…
Forma, tamaño y profundidad de los pliegues, angulosos u ondulantes, finos
o pesados….
o Dimensión temporal de la obra: eterna o fugaz.
1. Descripción.
o Asunto o tema representado.
o Técnica: fresco, temple, acuarela, óleo, pastel, cera, gouache, collage, grabado….
o Soporte: muro, tabla, lienzo, papel, vidrio…
2. Elementos formales:
o Factura: pincelada o toque (corta, acabada, deshecha, suelta, prieta….); textura:
tersa, lisa o pastosa, rugosa, mate o brillante. No siempre es posible apreciar la
factura en una lámina.
o Línea: existencia o no de líneas y contornos; su intensidad y continuidad; su
función: suplir la falta de volumen, ornamental, compositiva…
o Modelado: representación o no de volumen, logrado mediante gradaciones de color
o de luz, en contrastes suaves (sfumato) o violentos (claroscuro).
o Luz: Tipo: natural, artificial, de estudio…; procedencia: ambiental (clara, serena…),
de un foco concreto (lámpara, sol…), surgida del objeto mismo. Intensidad y
contraste con las sombras; función: creación de volumen, apoyo a la perspectiva,
valores expresivos…
o Color: gama empleada (fría, cálida) y tonalidades. Su naturaleza (local o simbólico).
Relación con la luz y modelado (colores planos o matizados). Función de la obra,
protagonista o secundario.
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3. La obra.
o Circunstancias concretas de su realización y relación con el contexto sociocultural en
que aparece.
o Posibles antecedentes.
o Su importancia en la producción total del artista.
o Su trascendencia en la Historia del Arte.
4. El autor.
o Breve reseña biográfica, haciendo especial hincapié en las circunstancias que incidan
en la obra objeto de estudio.
PREGUNTAS PAEG:
El arte como expresión humana en el tiempo y en el espacio: significado de la
obra artística.
La obra artística en su contexto histórico. Función social del arte en las
diferentes épocas: artistas, mecenas y clientes. La mujer en la creación artística.
La peculiaridad del lenguaje plástico y visual: materiales, técnicas y elementos
formales. Importancia del lenguaje iconográfico.
Aplicación de un método de análisis e interpretación de obras de arte
significativas en relación con los estilos y con artistas relevantes.
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ARCO (Se indicarán y explicarán las partes de las que consta: dovelas, clave, intradós,
trasdós): El arco es un elemento sostenido de forma curva, constituido por varias piezas
llamadas dovelas, que encajan en forma de cuña, lo que impide que se caigan. Gracias a estas
características el vector vertical del peso desaparece y se transforma en oblicuo, por lo que el
peso es soportado exclusivamente por los apoyos del arco (ver la figura Arcos de medio punto
más abajo). Con el tiempo irán evolucionando en busca de las más geniales soluciones para
evitar que se derrumben los muros y para que éstos soporten el menor peso posible, lo que
modificará radicalmente los elementos sustentantes.
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Los elementos fundamentales del arco son (ver la figura del Arco más abajo): dovelas, sillares
radiales en forma de cuña; salmer, las dos primeras dovelas; clave, la central y más alta;
impostas, donde se apoya el arco; luz, su anchura; intradós, parte interna o inferior; trasdós,
parte externa o superior.
Los arcos reciben distintos nombres según sea su situación en el edificio: arco fajón es el que
separa los tramos de una bóveda de cañón, de la que son refuerzo a distancias regulares,
coincidiendo generalmente con pilares y pilastras al interior y contrafuertes al exterior; arco
formero es cada uno de los que comunican la nave central con las laterales; arco toral es cada
uno de los cuatro arcos que forman el crucero. Podemos apreciarlo en cualquier planta,
interior o sección de iglesias románicas, siglos XI y XII, o góticas, siglos XIII al XV, como en
Santa Fe de Conques.
Tipología de arcos más comunes (ver la figura Tipos de Arcos más abajo): de medio punto,
medio arco de circunferencia; apuntado, dos con distintos centros; peraltado con
prolongación recta hasta las impostas; de herradura, mayor de media circunferencia;
lobulado, con lóbulos u ondas yuxtapuestas; etc.
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BODEGÓN: Naturaleza muerta. Pintura que representa una composición con seres
inanimados, animales muertos, vegetales y objetos. Los podemos encontrar a lo largo de toda
la historia del arte, aunque son más comunes en el Arte Barroco, como podemos apreciar en la
obra de Zurbarán Bodegón de cacharros, del siglo XVII.
BÓVEDA: Obra que cubre, en forma arqueada, un espacio comprendido entre dos muros o
varios pilares. Es engendrada por un arco que sigue un movimiento de traslación,
generalmente recto (ver la figura Bóvedas más abajo), aunque puede ser circular, etc.
Los principales tipos de bóvedas que podemos encontrar son: falsa bóveda, la que se consigue
por aproximación de hileras; de cañón, la que surge a partir de la traslación del arco de medio
punto, característica del Arte Romano, del siglo II a.C. al V d.C., y el Arte Románico, siglos XI y
XII; anular, de cañón sobre muros circulares concéntricos, como por ejemplo en los teatros y
anfiteatros romanos; de cuarto de cañón, a partir de la mitad del arco; apuntada, a partir del
arco apuntado; de arista, la obtenida por la intersección ortogonal de dos de medio cañón, con
lo que los empujes se localizan en cuatro puntos únicamente, donde se colocan fuertes pilares;
de crucería u ojival, característica del Arte Gótico entre los siglos XIII y XV, al colocar en las
aristas unos arcos llamados ojivas que conducen los empujes a los extremos, donde, al
exterior, un arco lanzado al aire llamado arbotante conduce el empuje a los contrafuertes que
terminan por llevarlo a tierra, mientras que en el interior ese trabajo lo realizan los pilares; de
arcos cruzados, cuando las aristas no pasan por la clave (ver las figuras sobre los Tipos de
Bóvedas más abajo).
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BULTO REDONDO: La escultura de bulto redondo es aquella obra aislada visible desde todos
los ángulos y que puede ser rodeada por el espectador. La escultura de bulto redondo se
denomina también exenta.
Las esculturas exentas o de bulto redondo pueden ser o aparecer, según su posición, de las
siguientes formas: de pie (ejemplo, Kouros, Período Arcaico Griego, siglo VI a. C.), sedente
(ejemplo, El Moisés del renacentista Miguel Ángel, Cinquecento Italiano), orante (ejemplo,
Felipe II orante de Pompeyo Leoni, Pleno Renacimiento, siglo XVI), yacente (ejemplo, El Doncel
de Sigüenza de Sebastián de Almonacid, finales del siglo XV), ecuestre (ejemplo, Marco Aurelio
a caballo, de Época Imperial Romana, siglo II ),etc.
Además, según sea total o parcial su representación, puede tratarse de esculturas de cuerpo
entero, como las vistas hasta ahora, o de cabezas, bustos, torsos, etc. (ejemplos, Cabeza de
Marco Aurelio o Busto de Marco Aurelio; o el Torso Belvedere, Período Helenístico Griego, siglo
I a. C.).
CANON: En general, norma correcta y aceptada como clásica. Regla de las proporciones de la
figura humana conforme al tipo ideal aceptado por los escultores griegos, dado que la máxima
aspiración de los escultores griegos era la perfecta proporción dentro de un ideal naturalista.
El célebre canon de Policleto es la plasmación práctica de los principios teóricos formulados
en su obra llamada “Kanon”; el sistema de proporciones de la principal obra de Policleto, El
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Doríforo, Escultura Clásica Griega del siglo V a.C., se basa en la aplicación de sencillas
relaciones aritméticas, como la altura total determinada por siete cabezas, pues el factor
numérico juega un papel decisivo en la expresión rítmica de la simetría.
Estas proporciones cambiaron según las épocas y los artistas, por ejemplo con Lisipo se
alcanza una mayor estilización, al alargar el canon de sus esculturas hasta una altura total
equivalente a ocho cabezas, como en el Apoxyomenos, Escultura Clásica Griega del siglo IV a.C.
COLUMNA (Se indicarán y explicarán las partes de las que consta: basa, fuste y capitel):
Elemento sustentante vertical de sección curva, cilíndrica, que podemos encontrar como
elemento constructivo (ejemplo, el Templo de Poseidón en Paestum, del Período Arcaico
Griego, siglo VI a.C.), pero también como elemento decorativo, de forma aislada (ejemplo, la
Columna Trajana, de Época Imperial Romana, siglo II). En su elaboración se cuidan sus
proporciones, como si se tratara de una escultura, completándose su gracia y sensibilidad con
la leve curvatura del perfil de su fuste, con el galbo o éntasis.
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Sus elementos principales son: basa, elemento de apoyo; fuste, elemento principal, formado
generalmente por tambores, y normalmente estriado; y capitel, decorado con molduras y todo
tipo elementos decorativos (ver la figura sobre los Órdenes Clásicos más abajo).
Los órdenes clásicos son: dórico (ejemplo, El Partenón en la Acrópolis de Atenas, del Período
Clásico Griego, siglo V a.C.), con un capitel como una almohadilla y un friso característico en el
que alternan triglifos y metopas; toscano, orden puramente romano derivado del dórico
griego (ver figura del Orden Toscano más abajo); jónico, cuyo capitel característico es con
volutas, soportando un friso corrido decorado con relieves (ejemplo, el Erecteion del
Acrópolis de Atenas, del Período Clásico Griego, siglo V a.C.); corintio, con el capitel
profusamente decorado con hojas de acanto y friso como en el orden jónico (ejemplo, el
Templo de Zeus Olímpico en Atenas, del Período Helenístico Griego, siglo II a.C.); compuesto,
cuyo capitel es una mezcla del jónico y del corintio (ver figura del Orden Compuesto más
abajo). Además, debemos mencionar las cariátides (ejemplo, el Pórtico de las Cariátides del
Erecteion del Acrópolis de Atenas, del Período Clásico Griego, siglo V a.C.),
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Por último, decir que el Arte Románico, siglos XI y XII, y el Gótico, siglos XIII al XV, también
han dado lugar a una gran variedad de columnas.
CÚPULA: Junto con las bóvedas, la otra cubierta originada por el arco es la cúpula, formada
por el movimiento rotatorio de éste, tomando el nombre del arco que la engendra, excepto
cuando es de medio punto que recibe el nombre de cúpula de media naranja, que es la más
común. Normalmente la cúpula se sitúa sobre un tambor o cuerpo de luces y en su clave se
abre una linterna que ayuda a la iluminación interna. Uno de los ejemplos más característicos
es la Cúpula de San Pedro del Vaticano, realizada por Miguel Ángel en el siglo XVI, en pleno
Renacimiento italiano.
La cúpula presenta fundamentalmente dos problemas: el de los empujes oblicuos que genera;
y el problema de su asentamiento sobre tramos cuadrados, resuelto mediante el uso de
trompas, para pasar del cuadrado al octógono, o mediante pechinas, para pasar del cuadrado
al círculo.
Excepcional, por ser una de las más antiguas conservadas, es la gran cúpula de casetones del
Panteón de Agripa en Roma (reconstruido por el emperador Adriano en el siglo II).
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ENJUTA: Superficie triangular delimitada por la curva externa de un arco y el dintel o entre
dos arcos. Esta zona es a menudo objeto de una muy rica ornamentación. En la arquitectura
musulmana recibe el nombre de ALBANEGA y se sitúa entre el arco y el alfiz, moldura que
enmarca un vano en arco con fines decorativos y que arranca de las impostas o del suelo
(ejemplo, el Mihrab de la Mezquita de Córdoba, del siglo X).
GRABADO: Arte de reproducir un dibujo mediante la obtención de una plancha o matriz, que
según el tipo da lugar a distintas técnicas: la xilografía, cuando el grabado se realiza en
madera; la calcografía, cuando el grabado se realiza en cobre; la litografía, cuando el grabado
se realiza en piedra; la serigrafía, cuando el grabado se realiza en seda. Ejemplo: ¡Grande
hazaña! ¡Con muertos! Placa nº 39 Los desastres de la Guerra de Goya, principios del siglo XIX.
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ISÓDOMO: En los muros cuando el aparejo es regular y está formado por sillares iguales de
sección rectangular y dispuestos en hileras iguales, apareciendo al exterior vistos por su lado
ancho. Ejemplo, la Naos o Cella del Templo de Atenea Niké en la Acrópolis de Atenas, del
Período Clásico Griego, siglo V a.C.
ÓLEO: En la pintura al óleo los colores se disuelven en aceites, de linaza o nuez, mezclados con
esencia de trementina y resinas. Conocido desde la Antigüedad fue perfeccionado en la
primera mitad del siglo XV por los primitivos flamencos, culpables de su difusión a partir de
entonces (ejemplo, el Matrimonio Arnolfini de Van Eyck, del siglo XV). La pintura al óleo al
principio se aplicó sobre tabla, pero ya en pleno Renacimiento se generalizó el uso del lienzo.
Podemos hablar de pintura plana, sin volumen ni perspectiva, a partir del Arte Paleocristiano,
siglos IV y V, y, sobre todo, durante el Románico, siglos XI y XII, donde las formas se
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representan según un tamaño simbólico. Ejemplo: Anuncio del Ángel a los Pastores en San
Isidoro de León, del siglo XII).
La superación de la perspectiva lineal se inicia con Leonardo da Vinci, que utiliza la técnica del
ESFUMATO, considerando fundamental la representación del espacio aéreo que hay entre las
figuras (ejemplo, La Gioconda, Renacimiento Italiano, Cinquecento, siglo XVI). La perspectiva
aérea es la forma más real de representar la tercera dimensión en una pintura, se trata de
representar la atmósfera que hay entre las figuras difuminando los tonos cromáticos y las
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siluetas en relación con las diferentes distancias que cada figura o elemento del cuadro ocupa
sobre el plano, no representando con la misma intensidad las figuras de los primeros planos y
las del fondo, la línea y el modelado se diluyen (ejemplo, Las Meninas de Velázquez, Barroco,
siglo XVII).
PILAR: Elemento sustentante vertical de sección poligonal. El más básico es el pilar cuadrado
(ejemplo, Templo de la Reina Hatshepsut en Deir-el-Bahari, Imperio Nuevo Egipcio, siglo XV
a.C.); en Románico, siglos XI y XII, aparece el pilar cruciforme (ejemplo: Interior de la Catedral
de Santiago de Compostela, del siglo XII), al ajustarse a los cuatro arcos que corresponden a
cada tramo de la nave de un edificio; complicándose aún más con el tiempo, durante el Gótico,
siglos XIII al XV, aparece el pilar baquetonado (ejemplo, Interior de la Sainte Chapelle de París,
del siglo XII). Los pilares no suelen ajustarse a la normativa de los órdenes.
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Además, a partir de ellas sabemos el tipo de edificio de que se trata y, por supuesto, la forma
de la planta (centralizada, cruz griega, cruz latina, etc.).
RELIEVE (Se indicarán y explicarán los tipos: bajo, medio, alto y rehundido): El relieve es la
modalidad escultórica en la que lo representado no aparece aislado, sino adherido a una
superficie que le sirve de fondo, poseyendo unas características que lo acercan a la pintura.
Según el porcentaje de figura que sobresalga del fondo distinguimos varios tipos: altorrelieve
(ejemplo, el Triunfo de Tito en el arco de este emperador en Roma, del Período Imperial
Romano, siglo I), cuando resalta del plano más de la mitad, llegando en ocasiones casi a ser de
bulto redondo al menos algunas de sus partes; mediorrelieve (ejemplo, el Friso de las
Panateneas del Partenón en el Acrópolis de Atenas, obra de Fidias, Período Clásico Griego,
siglo V a.C.), cuando sobresale más o menos la mitad; y bajorrelieve (ejemplo, la Leona herida
del Palacio de Assurbanipal en Niniveh, Imperio Nuevo Asirio, siglo VII a.C.), cuando casi no
sobresale la figura del fondo; relieve rehundido o huecorrelieve, utilizado principalmente en
la escultura egipcia (ejemplo, Pilono del Templo de Horus en Edfú, del Periodo Ptolemaico
Egipcio, siglo III a.C.), cuando se vacía únicamente el contorno de la figura resaltando gracias a
los contrastes de luz y sombra.
SEDENTE: Cuando la figura representada (en pintura o, sobre todo, en escultura) aparece
sentada. Ejemplo: El Moisés de Miguel Ángel, Renacimiento Italiano, Cinquecento, siglo XVI.
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TEMPLE: Técnica pictórica, usada ya en la antigüedad y, sobre todo, aplicada sobre tabla en la
Edad Media, durante el Románico, siglos XI y XII, y el Gótico, siglos XIII al XV, que se vale de
diversas materias, yema de huevo, cola, leche, cera, etc., como aglutinante de los colores.
Ejemplo: Frontal de Altar de la Seu d'Urgell, Románico, siglo XII.
YACENTE: Persona representada (en pintura o, sobre todo, en escultura) tendida, tumbada,
generalmente muerta y esculpida sobre un SARCÓFAGO o sepulcro de inhumación. Ejemplo:
El Doncel de Sigüenza, obra de Sebastián de Almonacid a finales del siglo XV.
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